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© 2015 Cyril Sonigo
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Modèle : Carmen
Stylisme : Esaïkha Création
Photographie : Cyril Sonigo
Sculpture polychrome de bois représentant saint Sébastien, dans une posture à la fois gracieuse et tragique. Le raffinement du visage et du corps contraste avec la violence des flèches et du sang qui ruisselle. Une œuvre marquante, émouvante, à la beauté douloureuse.
Photographiée dans l’église San Martino, à Erice (Sicile).
Une pensée particulière pour mon Sébastien, compagnon de vie. 💘
A polychrome wooden sculpture of Saint Sebastian, captured in a pose both graceful and tragic. The refined face and body contrast with the brutality of arrows and blood. A striking, emotional piece—both beautiful and painful.
Photographed in the Church of San Martino, Erice (Sicily).
A personal tribute to my Sébastien, my life partner. 💘
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El actual Museo de la Kasbah, el antiguo Dar el-Makhzen (Casa de Gobernación), conserva entre sus muros decenas de momentos de refinamiento y belleza, pero también de cantos a quienes construyeron el más valioso monumento público de Tánger con sus propias manos. Ubicado en la Kasbah, la ciudadela fortificada de la medina, el palacio del sultán guarda secretos al abrigo de las guías turísticas más manidas.
The current Kasbah Museum, the old Dar el-Makhzen (House of Government), preserves within its walls dozens of moments of refinement and beauty, but also of songs to those who built the most valuable public monument of Tangier with their own hands. Located in the Kasbah, the fortified citadel of the medina, the palace of the sultan keeps secrets sheltered from the most haunted tourist guides.
Le musée actuel de la Kasbah, l'ancien Dar el-Makhzen (Maison du gouvernement), conserve dans ses murs des dizaines de moments de raffinement et de beauté, mais aussi des chansons qui ont construit le monument public le plus précieux dans Tangiers avec ses propres mains. Situé dans la Kasbah, la citadelle fortifiée de la médina, le palais du Sultan garde secrets à l'abri des guides touristiques les plus éculés
This elegant view captures the iconic Savoy Court, leading to both the Savoy Hotel and the Savoy Theatre, nestled between the Strand and the River Thames. The Savoy Hotel, opened in 1889 by impresario Richard D’Oyly Carte, was the first luxury hotel in Britain to feature electric lighting, lifts, and en-suite bathrooms. It quickly became a byword for sophistication, attracting royalty, stars, and dignitaries alike.
Alongside it, the Savoy Theatre—opened in 1881 and rebuilt in 1929—was the first public building in the world to be lit entirely by electricity. Originally constructed to showcase Gilbert and Sullivan operas, it has evolved into a venue for major West End productions.
Savoy Court is famously the only street in the UK where vehicles are required by law to drive on the right-hand side, a quirk designed to allow guests to exit carriages directly into the hotel. It’s a portal to a world of glamour, innovation, and theatrical magic.
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🇫🇷Cette vue élégante montre la célèbre Savoy Court, qui mène à la fois au Savoy Hotel et au Savoy Theatre, entre le Strand et la Tamise. Le Savoy Hotel, inauguré en 1889 par l’imprésario Richard D’Oyly Carte, fut le premier hôtel de luxe du Royaume-Uni à proposer l’éclairage électrique, des ascenseurs et des salles de bains privatives. Il devint rapidement synonyme de raffinement, attirant têtes couronnées, artistes et célébrités du monde entier.
À ses côtés, le Savoy Theatre – ouvert en 1881 puis reconstruit en 1929 – fut le tout premier bâtiment public au monde entièrement éclairé à l’électricité. Conçu pour accueillir les opéras de Gilbert et Sullivan, il est aujourd’hui une scène majeure du West End londonien.
Savoy Court est également la seule rue au Royaume-Uni où la circulation se fait légalement à droite, une particularité conçue pour permettre aux clients de descendre directement dans le hall. Une entrée majestueuse vers un monde de luxe, d’innovation et d’enchantement théâtral.
There is no way to describe how we all feel. Most of us "only" knew Prince through his music, but that was more than enough for him to have had a profound effect on our lives. Seeing the outpouring of love and respect on social media, in the press, on public structures cast in purple glow, and by the legions of people who celebrated his life as he would want it to be -- by coming together and dancing all over the globe, has been so touching to us all at prince.org. This site has always been about the fans first, but obviously without the man, there would be no fans. We now honor the genius musician, the visionary, the icon, and most of all the human that was Prince, and offer our deepest shared sympathies. We knew and loved his music, and made it part of our lives, our soul, our being; that's the ultimate tribute, and as a result, he will live eternally. Prince, you will be forever in our life, forever in our hearts, forever on our stereos. wish u heaven.
--Ben, founder of prince.org, 4/22/2016
@princeorg
Prince Rogers Nelson (June 7, 1958 – April 21, 2016) was an American singer, songwriter, multi-instrumentalist, record producer and actor. Prince was renowned as an innovator and was widely known for his eclectic work, flamboyant stage presence and vocal range. He is regarded as the pioneer of Minneapolis sound; his music integrates a wide variety of styles, including funk, rock, R&B, soul, psychedelia and pop.
Prince was born in Minneapolis and developed an interest in music as a young child, writing his first song when he was seven years old. After recording songs with his cousin's band 94 East, 19-year-old Prince recorded several unsuccessful demo tapes before releasing his debut album For You in 1978, under the guidance of manager Owen Husney. His 1979 album Prince went platinum due to the success of the singles "Why You Wanna Treat Me So Bad?" and "I Wanna Be Your Lover". His next three records—Dirty Mind (1980), Controversy (1981), and 1999 (1982)—continued his success, showcasing Prince's trademark of prominently sexual lyrics and incorporation of elements of funk, dance, and rock music. In 1984, he began referring to his backup band as The Revolution and released Purple Rain, which served as the soundtrack to his film debut of the same name. A prolific songwriter, Prince in the 1980s wrote songs for and produced work by many other acts, often under pseudonyms.
After releasing the albums Around the World in a Day (1985) and Parade (1986), The Revolution disbanded and Prince released the double album Sign o' the Times (1987) as a solo artist. He released three more solo albums before debuting The New Power Generation band in 1991. He changed his stage name in 1993 to an unpronounceable symbol Prince logo.svg, also known as the "Love Symbol". He then began releasing new albums at a faster pace to remove himself from contractual obligations to Warner Bros.; he released five records between 1994 and 1996 before signing with Arista Records in 1998. In 2000, he began referring to himself as "Prince" again. He released 15 albums after that; his final album, HITnRUN Phase Two, was first released exclusively on the Tidal streaming service on December 11, 2015.[1] On April 21, 2016, he died at his Paisley Park recording studio and home in Chanhassen, Minnesota after suffering flu-like symptoms in the previous weeks.
Prince sold over 100 million records worldwide, making him one of the best-selling artists of all time.
He won seven Grammy Awards, a Golden Globe Award,and an Academy Award.He was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 2004, the first year of his eligibility.[6] Rolling Stone ranked Prince at number 27 on its list of the 100 Greatest Artists of All Time.Prior to the disbanding of The Revolution, Prince was working on two separate projects, The Revolution album Dream Factory and a solo effort, Camille.[49] Unlike the three previous band albums, Dream Factory included input from the band members and featured songs with lead vocals by Wendy & Lisa.[49] The Camille project saw Prince create a new persona primarily singing in a speeded-up, female-sounding voice. With the dismissal of The Revolution, Prince consolidated material from both shelved albums, along with some new songs, into a three-LP album to be titled Crystal Ball.[50] Warner Bros. forced Prince to trim the triple album to a double album and Sign o' the Times was released on March 31, 1987.The album peaked at No. 6 on the Billboard 200 albums chart.The first single, "Sign o' the Times", charted at No. 3 on the Hot 100. The follow-up single, "If I Was Your Girlfriend" charted poorly at No. 67 on the Hot 100, but went to No. 12 on R&B chart.The third single, a duet with Sheena Easton, "U Got the Look" charted at No. 2 on the Hot 100, No. 11 on the R&B chart,and the final single "I Could Never Take the Place of Your Man" finished at No. 10 on Hot 100 and No. 14 on the R&B chart.It was named the top album of the year by the Pazz & Jop critics' poll, and sold 3.2 million copies.In Europe it performed well, and Prince promoted the album overseas with a lengthy tour. Putting together a new backing band from the remnants of The Revolution, Prince added bassist Levi Seacer, Jr., keyboardist Boni Boyer, and dancer/choreographer Cat Gloverto go with new drummer Sheila E.and holdovers Miko Weaver, Doctor Fink, Eric Leeds, Atlanta Bliss, and the Bodyguards (Jerome, Wally Safford, and Greg Brooks) for the Sign o' the Times Tour.The tour was a success overseas, with Warner Bros. and Prince's managers wanted to bring it to the US to promote sales of Sign o' the Times;Prince balked at a full US tour, as he was ready to produce a new album.[56] As a compromise the last two nights of the tour were filmed for release in movie theaters. The film quality was deemed subpar and reshoots were performed at his Paisley Park studios.[56] The film Sign o' the Times was released on November 20, 1987. The film received more critical praise than Under the Cherry Moon, but its box-office receipts were minimal and it quickly left theaters.The next album intended for release was to be The Black Album.[58] More instrumental and funk and R&B themed than recent releases,[59] The Black Album also saw Prince experiment with hip hop music on the songs "Bob George" and "Dead on It". Prince was set to release the album with a monochromatic black cover with only the catalog number printed, but after 500,000 copies had been pressed,[60] Prince had a spiritual epiphany that the album was evil and had it recalled.It was later released by Warner Bros. as a limited edition album in 1994. Prince went back in the studio for eight weeks and recorded Lovesexy.
Released on May 10, 1988, Lovesexy serves as a spiritual opposite to the dark The Black Album.Every song is a solo effort by Prince, except "Eye No" which was recorded with his backing band at the time. Lovesexy reached No. 11 on the Billboard 200 and No. 5 on the R&B albums chart. The lead single, "Alphabet St.", peaked at No. 8 on the Hot 100 and No. 3 on the R&B chart;it sold 750,000 copies.
Prince again took his post-Revolution backing band (minus the Bodyguards) on a three leg, 84-show Lovesexy World Tour; although the shows were well received by huge crowds, they lost money due to the expensive sets and incorporated props.
en.wikipedia.org/wiki/Prince_(musician)
For this prestigious command, Rembrandt makes both compositions answer himself by the introduction of a movement: Maerten Soolmans tightens a glove, pledges of loyalty, in his wife who lowers a staircase towards him. A big curtain at the bottom unites both paintings, just like blow of light which falls frankly on the right shoulder of Maerten and more slowly on the big lace collar of Oopjen. In these years, all the genius of master of Amsterdam lives in the party and brilliant effects which it pulls of this concentration of the range colored around the black, around the white and around the grey.The luxury of the black dresses, then the most expensive, offers him(her) the opportunity(occasion) to show brilliance in the depiction of the materials(subjects): the garment starched by Maerten, his(her,its) satin lapels(backhands) against the fluidity(flow) and the lightness(thoughtlessness) of silks, satins and tulles dotted with the dress of Oopjen, the swelled size of which suggests the pregnancy. Knots in the belt create as a garland uniting the spouses.. The precision and the refinement of the detail are read in the motives which decorate the hose of the husband, in the extravagant knots of his(her,its) shoes or the range(fan) of Oopjen. The expression of the models is very different: the face of Maerten is round, its expression is more generic than that of Oopjen, more melancholic and softer. The color of flesh is more frank and pinkish at Maerten, it is more transparent and more pale at Oopjen.
Pour cette commande prestigieuse, Rembrandt fait se répondre les deux compositions par l’introduction d’un mouvement : Maerten Soolmans tend un gant, gage de fidélité, à son épouse qui descend un escalier vers lui. Un grand rideau dans le fond unit les deux toiles, tout comme le coup de lumière qui tombe crûment sur l’épaule droite de Maerten et plus doucement sur le grand col de dentelles d’Oopjen. Dans ces années-là, tout le génie du maître d’Amsterdam réside dans le parti et les éblouissants effets qu’il tire de cette concentration de la gamme colorée autour du noir, du blanc et du gris. Le luxe des tenues noires, alors les plus coûteuses, lui offre l’occasion de faire montre de brio dans le rendu des matières : le vêtement empesé de Maerten, ses revers de satin contre la fluidité et la légèreté des soies, les satins et les tulles piqués de la robe d’Oopjen, dont la taille enflée laisse supposer la grossesse. Les noeuds à la ceinture créent comme une guirlande unissant les époux. La précision et le raffinement du détail se lisent dans les motifs qui décorent les chausses de l’époux, dans les extravagants noeuds de ses souliers ou l’éventail d’Oopjen. L’expression des modèles est très différente : le visage de Maerten est rond, son expression est plus générique que celle d’Oopjen, plus mélancolique et douce. La couleur des chairs est plus franche et rosée chez Maerten, elle est plus transparente et pâle chez Oopjen.
www.louvre.fr/les-portraits-de-maerten-soolmans-et-d-oopj...
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© 2015 Cyril Sonigo
Modèle : Lucile
Stylisme : Clara Maeda [Timeless Fashion Designer]
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● Le château des ducs de Bretagne est un ensemble architectural situé à Nantes, constitué d’un rempart du xve siècle et d’édifices divers bâtis du xive au xviiie siècle, classé monument historique depuis 1840.
● Après avoir été résidence ducale sous le duc François II et la duchesse Anne, le château est devenu une forteresse royale, siège du gouverneur de Nantes et prison royale, puis caserne à partir du xviiie siècle.
● Devenu propriété de la ville de Nantes en 1915, le château est affecté à un usage touristique et muséal depuis 1924, notamment sous la direction de Joseph Stany-Gautier, conservateur jusqu’en 1969. De 1990 à 2007, le château a bénéficié d’une rénovation de grande ampleur et est depuis le siège d’un nouveau musée consacré à l’histoire de Nantes.
● Conçu comme une forteresse dans le contexte de lutte pour l'indépendance du duché de Bretagne, le système défensif du château est composé de sept tours reliées par des courtines et un chemin de ronde. Sur cour, un ensemble de bâtiments résidentiels construits en pierre de tuffeau contrastent par leur blancheur et leur raffinement sculpté avec les murailles extérieures.
fr.wikipedia.org/wiki/Château_des_ducs_de_Bretagne
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● The Château des ducs de Bretagne (English: Castle of the Dukes of Brittany) is a large castle located in the city of Nantes in the Loire-Atlantique département of France; it served as the centre of the historical province of Brittany until its separation in 1941. It is located on the right bank of the Loire, which formerly fed its ditches. It was the residence of the Dukes of Brittany between the 13th and 16th centuries, subsequently becoming the Breton residence of the French Monarchy.
● The castle has been listed as a monument historique by the French Ministry of Culture since 1862. Today the castle houses the Nantes History Museum.
● Starting in the 1990s, the town of Nantes undertook a massive programme of restoration and repairs to return the site to its former glory as an emblem of the history of Nantes and Brittany. Following 15 years of works and three years of closure to the public, it was reopened on 9 February 2007 and is now a popular tourist attraction.
● The restored edifice now includes the new Nantes History Museum, installed in 32 of the castle rooms. The museum presents more than 850 objects of collection with the aid of multimedia devices. The castle and the museum try to offer a modern vision of the heritage by presenting the past, the present and the future of the city. Night-time illuminations at the castle further reinforce the revival of the site.
● The 500-metre round walk on the fortified ramparts provides views not just of the castle buildings and courtyards but also of the town.
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The most famous icons of India, the Taj Mahal needs no introduction. A UNESCO world heritage structure, it is an architectural marvel. Intricate carvings, studded with gems are exquisitely coupled with symmetry in design.
Deutsch
Indiens berühmtestes Wahrzeichen, das Taj Mahal, muss man nicht wirklich noch vorstellen. Es ist Teil des UNESCO Weltkulturerbe und es ist ein architektonisches Wunder. Die filigranen Schnitzereien, mit Edelsteinen besetzt , sind perfekt in ihrer Symmetrie und exquisit mit dem Design vereint.
Español
El icono más famoso de La India no necesita presentación. Reconocido por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad, es una maravilla arquitectónica. Esculturas complejas con incrustaciones de piedras preciosas se acoplan perfectamente con la simetría en el diseño.
Français
L'icône la plus célèbre de l'Inde, le Taj Mahal n'a plus besoin d' être présenté. Une merveille architecturale appartenant au patrimoine mondial de l'UNESCO. Ornements sculptés, ciselés avec raffinement, parsemés de pierres précieuses et symétrie architecturale parfaite.
Italiano
La più famosa icona dell'India, il Taj Mahal, non necessita certo di presentazioni. Dichiarato patrimonio dell'umanità dall'UNESCO, è un autentico prodigio architettonico. Intricate incisioni punteggiate di gemme accompagnano squisitamente la simmetria del disegno complessivo.
Portugese
Esse belo mausoléu situado em uma cidade da Índia de nome Agra, é um dos mais famosos monumentos do país. A UNESCO o classifica como Patrimônio da Humanidade. Foi construído no império Mogol, entre 1631 e 1653, pois o imperador Shah Jahan, queria homenagear sua esposa Mumtaj Mahal que havia falecido. Para que isso fosse possível, 20.000 pessoas trabalharam arduamente. O local é visitado por aproximadamente 3 milhões de turistas anualmente. Você já o conhece?
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The most famous icons of India, the Taj Mahal needs no introduction. A UNESCO world heritage structure, it is an architectural marvel. Intricate carvings, studded with gems are exquisitely coupled with symmetry in design.
Camera Canon EOS 5D Taken on August 14, 2013
Deutsch
Indiens berühmtestes Wahrzeichen, das Taj Mahal, muss man nicht wirklich noch vorstellen. Es ist Teil des UNESCO Weltkulturerbe und es ist ein architektonisches Wunder. Die filigranen Schnitzereien, mit Edelsteinen besetzt , sind perfekt in ihrer Symmetrie und exquisit mit dem Design vereint.
Español
El icono más famoso de La India no necesita presentación. Reconocido por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad, es una maravilla arquitectónica. Esculturas complejas con incrustaciones de piedras preciosas se acoplan perfectamente con la simetría en el diseño.
Français
L'icône la plus célèbre de l'Inde, le Taj Mahal n'a plus besoin d' être présenté. Une merveille architecturale appartenant au patrimoine mondial de l'UNESCO. Ornements sculptés, ciselés avec raffinement, parsemés de pierres précieuses et symétrie architecturale parfaite.
Italiano
La più famosa icona dell'India, il Taj Mahal, non necessita certo di presentazioni. Dichiarato patrimonio dell'umanità dall'UNESCO, è un autentico prodigio architettonico. Intricate incisioni punteggiate di gemme accompagnano squisitamente la simmetria del disegno complessivo.
Portugese
Esse belo mausoléu situado em uma cidade da Índia de nome Agra, é um dos mais famosos monumentos do país. A UNESCO o classifica como Patrimônio da Humanidade. Foi construído no império Mogol, entre 1631 e 1653, pois o imperador Shah Jahan, queria homenagear sua esposa Mumtaj Mahal que havia falecido. Para que isso fosse possível, 20.000 pessoas trabalharam arduamente. O local é visitado por aproximadamente 3 milhões de turistas anualmente. Você já o conhece?
Simplicity, of lovely nature,...
....La simplicité, est le summum du raffinement,....
....Leonardo Da Vinci,...:-)
Marvellous mothers,...
All my friendship,...Real,...:-)
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This shot is taken just outside the most famous icons of India, the Taj Mahal. A UNESCO world heritage structure, it is an architectural marvel. Intricate carvings, studded with gems are exquisitely coupled with symmetry in design.
Deutsch
Indiens berühmtestes Wahrzeichen, das Taj Mahal, muss man nicht wirklich noch vorstellen. Es ist Teil des UNESCO Weltkulturerbe und es ist ein architektonisches Wunder. Die filigranen Schnitzereien, mit Edelsteinen besetzt , sind perfekt in ihrer Symmetrie und exquisit mit dem Design vereint.
Español
El icono más famoso de La India no necesita presentación. Reconocido por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad, es una maravilla arquitectónica. Esculturas complejas con incrustaciones de piedras preciosas se acoplan perfectamente con la simetría en el diseño.
Français
L'icône la plus célèbre de l'Inde, le Taj Mahal n'a plus besoin d' être présenté. Une merveille architecturale appartenant au patrimoine mondial de l'UNESCO. Ornements sculptés, ciselés avec raffinement, parsemés de pierres précieuses et symétrie architecturale parfaite.
Italiano
La più famosa icona dell'India, il Taj Mahal, non necessita certo di presentazioni. Dichiarato patrimonio dell'umanità dall'UNESCO, è un autentico prodigio architettonico. Intricate incisioni punteggiate di gemme accompagnano squisitamente la simmetria del disegno complessivo.
Portuguese
Esse belo mausoléu situado em uma cidade da Índia de nome Agra, é um dos mais famosos monumentos do país. A UNESCO o classifica como Patrimônio da Humanidade. Foi construído no império Mogol, entre 1631 e 1653, pois o imperador Shah Jahan, queria homenagear sua esposa Mumtaj Mahal que havia falecido. Para que isso fosse possível, 20.000 pessoas trabalharam arduamente. O local é visitado por aproximadamente 3 milhões de turistas anualmente. Você já o conhece?
A temple of intellect and exclusivity, the Athenaeum Club has long been a haven for scholars, statesmen, and artists. Founded in 1824 and housed in this splendid neoclassical building on Pall Mall, it continues to radiate restraint and refinement—though the golden figure of Pallas Athena suggests she keeps a watchful eye on the debates within.
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Temple de l’intellect et de l’exclusivité, l’Athenaeum Club accueille depuis 1824 érudits, hommes d’État et artistes. Installé dans ce superbe édifice néoclassique de Pall Mall, il incarne la retenue et le raffinement — sous l’œil vigilant de Pallas Athéna, perchée en dorure au sommet.
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Historical/Architectural Background:
The Athenaeum Club, located at 107 Pall Mall, London, was founded in 1824 to serve as a gathering place for individuals distinguished in science, literature, and the arts. The club’s current building was designed by Decimus Burton and completed in 1830. Its style is quintessentially neoclassical, echoing ancient Greek ideals of proportion, clarity, and civic virtue.
The golden statue of Pallas Athena atop the entrance portico—added in 1830—is a nod to the club’s dedication to wisdom and intellectual achievement. The frieze above the first floor is modelled after the Panathenaic procession from the Parthenon marbles, further reinforcing the Greek influence. The Athenaeum is part of London’s storied “Clubland” and remains one of the most prestigious and selective gentleman’s clubs in the city.
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Extravagance des chapeaux, splendeur des costumes ....on va de surprise en émerveillement, toute la journée !
Carnaval vénitien à Annecy, Haute Savoie, France .
A voir sur fond noir ...
Imagine, amies,... Even through my window,..
It were looking, like Christmas,..Who knows?...I don't know?..:-)
...La simplicité est le summum du raffinement...
.......Leonardo Da Vinci..............
Foto: auf einem Friedhof im Bezirk Neubrandenburg, DDR-Nord;
Vor 12 Jahren rätselte ich, was dieses Handzeichen auf einem Grabstein von 1809 macht, ungefähr 150 Jahre bevor es 1967 als Gruß der Vulkanier in der Science-Fiction-Serie Star Trek auftauchte.
Erst jetzt entdeckte ich Herkunft und Bedeutung. In seiner Autobiographie "Ich bin nicht Spock" schrieb Spock-Darsteller Leonard Nimoy, er stützte sich bei der filmischen Verwendung dieses Handzeichens auf den priesterlichen Segen (Kohanim), den der jüdische Tempelpriester mit beiden Händen sowie Daumen an Daumen durchführt. Er repräsentiert den hebräischen Buchstaben Shin (ש), mit drei Aufwärtsbewegungen ähnlich wie die Position von Daumen und zwei Fingern im Gruß. Dieser Buchstabe Shin steht hier für El Shaddai (einer der israelischen Namen Gottes) und bedeutet "Allmächtiger (Gott)" sowie für Shekinah (Gegenwart Gottes) und für Shalom ("Frieden" oder "Hallo" oder "Auf Wiedersehen"). Nimoy schrieb, dass sein Großvater ihn als Kind in eine orthodoxe Synagoge brachte, wo er den Segen sah und beeindruckt war.
(en.wikipedia.org/wiki/Vulcan_salute)
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»Es wäre derzeit für die Künstler klüger, mehr davon zu reden, zu malen, zu tanzen und zu komponieren, wofür sie sind, als immer nur darüber, wogegen.« – Peter Paul Rubens (* 1577)
Unser Himmel ist irdisch
Eine Kunst, die sich nur auf die Kritik des Bestehenden konzentriert, verzichtet auf eine ihrer wesentlichen Qualitäten – Schönheit
(Von Stefan Siegert, aus www.jungewelt.de/artikel/343180.%C3%A4sthetik-unser-himme...)
Wozu Kunst im Klassenkampf? Berufenere als ich haben Antworten darauf gefunden. Namen wie Franz Mehring, Georg Lukács und Bertolt Brecht fallen mir ein, in neuerer Zeit Thomas Metscher. Es sind am Ende wenige, die sich aus marxistischer Sicht mit der künstlerischen Praxis im Klassenkampf theoretisch beschäftigt haben. Kommunistische Führer der Vergangenheit sind, soweit ich sehe, überhaupt nicht darunter. Die Frage drängte sich ihnen offenbar nicht auf. Gemessen an vielen anderen Fragen, die über Krieg oder Frieden entscheiden, über die Macht im Staat oder den Untergang, scheint die Frage nach der Rolle der Kunst im Klassenkampf in der Tat nachrangig. Schon die Klassiker des Marxismus verloren nicht viele Worte darüber.
Theoretische Randerscheinung
So beginnt mein Vortrag mit der mehr oder minder achselzuckend getroffenen Feststellung: Kunst und Kultur spielten im Klassenkampf bisher zwar eine bedeutende Rolle. Allerdings nur praktisch – in den kapitalistischen Ländern im künstlerischen Beitrag zum Kampf für eine Gesellschaft ohne Krieg und Ausbeutung; in den nichtkapitalistischen Ländern beim auch ideologischen, kulturellen Aufbau des Sozialismus. Theoretisch und politisch dagegen war das Thema Kunst gleichwohl immer eher Randerscheinung. Wir Künstler galten unseren führenden Genossen, so mein Eindruck, eher als hilfreiche Kinder, nicht als Klassenkämpfer. Das klingt pessimistisch. Aber es muss ja nicht so bleiben. In Brechts »Lob der Dialektik« heißt es aber: »Wer noch lebt, sage nicht: niemals!«
Und tatsächlich kann man am Beginn des 21. Jahrhunderts durchaus den Eindruck gewinnen, die Geschichte des realen Sozialismus, in freilich überraschend unerwarteter Gestalt, beginne im Moment eigentlich gerade erst (und ist, wie noch jede gelungene echte Revolution, von Anfang bis heute tödlich bedroht). Über die ästhetischen Theorien im alten China weiß ich bisher nur, dass es sie viel früher gab als in Mitteleuropa. Über den aktuellen Stand der marxistischen Ästhetik in der Volksrepublik werden wir hoffentlich irgendwann Näheres erfahren. Über die Praxis hingegen erfuhr ich von Chen Xiaoyong, einem in Hamburg und Shanghai lehrenden, befreundeten Komponisten. Es gibt im sozialistischen China zur Zeit 30 Millionen Klavierspieler. Zu den ersten kulturellen Großleistungen der chinesischen Kommunisten gehörte es, etwa 800 Millionen Menschen in unfassbar kurzer Zeit vom Analphabetismus zu befreien. Die Volksrepublik reagierte bekanntlich 2008 auf das globale Totalversagen des kapitalistischen Bankensystems als einziges Land der Welt mit einem staatlichen Investitionsprogramm; selbst westliche Fachleute geben zu, es hat die Weltwirtschaft gerettet. Von den etwa 300 Milliarden Dollar, die die Regierung damals in die Wirtschaft pumpte, floss eine dreistellige Millionensumme in die inzwischen zwölf Konservatorien und die ihnen sehr ähnlichen Musikfakultäten mehr als tausend chinesischen Universitäten. Manager eines Hamburger Musikverlags sowie einer in Hamburg produzierenden namhaften Klavierfirma erzählten mir, dass sie seither mit China die erfreulichsten Geschäfte machen. Und der jungen Welt vom 10. September 2018 war zu entnehmen: Die chinesische Initiative der sogenannten Neuen Seidenstraße (»Belt and Roas«) hat mit ihren Partnern neben für alle Beteiligten vorteilhaften Wirtschaftsvereinbarungen bislang auch 35 kulturelle Großprojekte abgeschlossen. In den planwirtschaftlichen Kennziffern der Kommunistischen Partei scheint die Kultur zuverlässig enthalten zu sein. Sie ist Teil eines wenn man so will internationalen Klassenkampfs, den die Volksrepublik allerdings auf offensichtlich ganz andere Weise führt als weiland die KPdSU oder die SED.
Als ich im Sommer 1969 von der Tübinger Universität auf die Hamburger Kunsthochschule wechselte, gab es auf die Frage nach der Rolle der Kunst, nur eine Antwort: Kunst muss provozieren, sie muss sich auflehnen und dem im – zunächst einmal elterlichen – Establishment verkörperten autoritären, faschistoiden und lustfeindlichen Gesellschaftssystem die eigene Melodie vorspielen. Was ich wenig später dann als Mitglied der Deutschen Kommunistischen Partei bekämpfte, war die kapitalistische Gesellschaft, verkörpert durch die Bourgeoisie und ihre damals in Vietnam völkermordende imperialistische Hauptmacht, die USA. Kunst war nun für mich für eine ganze Weile nur noch Waffe.
Aber Kunst hat als Gegenstand der Ästhetik und Teil der Kultur viele historische Gestalten und Funktionen. Als besondere Variante gesellschaftlicher Kommunikation ist sie ein sozialer Faktor. Das Besondere an ihr: Sie geht aus von der sinnlichen Wahrnehmung der Welt, sie erkennt fühlend, das Fühlen wird zu einer Art Produktionsmittel. Indem sie sich nach Schönheit sehnend die Welt mit ihren Mitteln darstellt, nimmt sie Stellung zu ihr, greift ein in den Kampf um die Macht, der, eng verbunden mit dem politisch-militärischen Kampf, nach Antonio Gramsci, in den Köpfen und Herzen ebenso gestaltet werden muss wie im materiellen Bereich der Geschichte.
Historische Herkunft
In den unvorstellbaren Weiten menschlicher Urgeschichte entstanden bis etwa 12.000 v. u. Z. erste Spurenelemente dessen, was wir heute Kunst nennen. Aus den Rhythmen der Körperbewegungen und Werkzeuge, den Signalen akustischer und gestischer Verständigung in den Prozessen der Arbeit bildete und löste sich in den Zeiten der Gentilgesellschaften etwas heraus. Arbeit und Existenz sind identisch, man produziert gerade so viel, wie man zum Überleben braucht. Aber was da in aller Not zaghaft an Tanz, Gesang und Bildnerei entstand, scheint trotzdem Freude zu bereiten. Mit den heute noch zu bewundernden Höhlenmalereien, den Totems und kultischen Tänzen reagierten die Menschen auf die Bedrohungen einer noch undurchschauten Natur. Mit der im Verlauf der neolithischen Revolution gewachsenen Produktivität werden die nomadisierenden Jäger und Sammler sesshaft. Das Privateigentum entsteht. Einige Mitglieder der Gemeinschaft können aufhören zu arbeiten, denn sie leben dank privater Aneignung des Bodens und der Werkzeuge von der Arbeit der anderen und werden zu dem, was künftig Ausbeuterklasse heißt. An ihrer Seite Priester und nur mit spirituellen Gesängen und Tänzen, mit magischer Malerei und Schnitzerei beschäftigte Schamanen. Im Verlauf vieler Jahrtausende werden aus ihnen mit künstlerischen Gegenständen befasste Handwerker und Berufsgaukler. Es verbreiten sich kulturelle Bräuche. Aus der Arbeit entstanden, bleibt all das als Volkskunst eingebettet ins Leben der arbeitenden Menschen. Die kleine sie beherrschende Minorität aristokratischer und klerikaler Müßiggänger nimmt nicht nur den Boden und die Arbeit der Mehrheit in Besitz – auch ihre Kultur und Kunst.
Beim Besuch eines volkseigenen Betriebes der DDR wurde mir mit Blick auf die ausgiebig frühstückenden Kollegen einmal augenzwinkernd erklärt, es sei im Sozialismus nun einmal wie sonst auch in der Geschichte: Die herrschende Klasse arbeite nicht. Das ist, auf den Kopf gestellt, wohl die kürzeste Erklärung dafür, dass die europäische Kunst, mit wenigen Ausnahmen, seit Entstehung der Klassengesellschaft von unten kommt. Denn wie alles, was die Ausbeuterklasse verbraucht, bringt sie auch die Kunst ihrer Epoche nicht selbst hervor. In Ermanglung eines Marktes für Kunstprodukte haben die – soziologisch gesehen – meist kleinbürgerlichen Künstler allerdings für Jahrhunderte keine andere Wahl, als die feudalen Herren und Damen auch kulturell zu bedienen. Sie servieren ihnen Repräsentatives, Heroisches, Pathetisches, Frommes. Seit der Französischen Revolution beginnt neben der Befreiung der Produktion und des Handels aus feudalen Fesseln auch die Befreiung der Kunst. Mit dem modernen Kapitalismus entsteht ein Markt auch für ihre ganz besonderen Waren. Die neue Ökonomie prägt und trägt die nun hervortretende bürgerliche Kunst des 19. Jahrhunderts. Von unten kommen fortan kaum noch künstlerische Produkte. Denn die Ausbeutung im unteren Teil der Gesellschaft wird von oben derart extrem in- und extensiviert, dass weder Bauern noch Arbeiter als Klasse an Kunst auch nur denken können.
Die Dialektik des Marx-Gedankens, dass in der bürgerlichen Gesellschaft die Herrschenden sich in der Klasse der sie satt und reich Machenden zugleich ihren Totengräber heranziehen, lässt sich auf das Verhältnis der Käufer künstlerischer Produkte zu ihren Herstellern anwenden. Denn was zum Gelderwerb im Dienst der Herrschenden dient: Bilder malen oder in Holz schneiden, Kirchen-, Kampf- oder Tanzmusik komponieren, Schauspiele aufführen oder Geschichten, Schnurren und Märchen erzählen – bewährt sich oft auch im Kampf gegen die Herrschenden.
Ästhetische Kategorien
Die phantasmagorischen Dachreiter auf den gotischen Kathedralen des 14. Jahrhunderts und die antipapistischen, mit derben Holzschnitten gewürzten Flugschriften der aufrührerischen Bauern des 16. Jahrhunderts haben mit John Heartfields antifaschistischen Fotomontagen des 20. Jahrhunderts oder Banksys Street-Art des 21. eines gemeinsam: Sie bedienen sich der gleichen ästhetischen Kategorie. Die Kunstformen der herrschenden Klassen waren repräsentativ, prachtvoll und ernst, sie waren staatstragend. In den Tragödien, den Historien- und Heiligenbildern und Messen, in den Oratorien und Seria-Opern der Paläste und Kirchen begegnen wir einschüchterndem Protz und Triumph, sie fordern heraus zu Furcht, Ehrfurcht, Anbetung und Demut. Dagegen wehren sich die Beherrschten in der Commedia dell’arte, der Posse, der Karikatur, der Opera buffa, im Schwank und im Schelmenroman. Ihre Waffe: das Lachen. Das Komische als ästhetische Form der Kritik ist nicht zufällig Untertanensache – das Sein bestimmt offenbar nicht nur das Bewusstsein, es bestimmt auch weitgehend die Form, in der das Bewusstsein sich ausdrückt.
Form, Inhalt, Bewusstsein, Gefühl – vier bedeutende Kategorien des Ästhetischen. Zunächst die Form, von Kant als »Schönheit« mit der Ästhetik identifiziert (auch die Hässlichkeit, das Erhabene und Niedrige, das Raffinierte und Banale ist Form). Zweitens der Inhalt (die gesellschaftliche Wirklichkeit und ihre Interpretation). Drittens das Bewusstsein (der Verstand, die Erkenntnis). Und schließlich das Herz (die Seele, das Gefühl). Form und Inhalt sind Hauptbestandteile des Realismus. Der sogenannte Sozialistische Realismus war in der realsozialistischen Regierungspraxis ein Instrument staatlicher Gängelung der Künstler. Was er positiv beinhalten sollte, haben die kommunistischen Künstler ab 1935 in der Realismusdebatte herauszufinden versucht. Brecht, Bloch, Eisler und andere debattierten in der Moskauer Zeitschrift Das Wort darüber, ob es erlaubt sei, künstlerische Experimente und Neuerungen in die klassenkämpferische Kunst einzubringen und wie weit solch ein revolutionärer Avantgardismus gehen dürfe. Die Diskussion setzte sich nach dem Sieg über den Faschismus in der Zeit des sozialistischen Aufbaus fort. Die Parteiapparate meinten sich dabei von Anfang an regulierend, mit Hilfe des Totschlagarguments »Formalismus« oft auch strangulierend, einschalten zu müssen, mit der Folge einer bis zum Ende des Realsozialismus desaströsen Kunstpolitik.
Die KP Chinas, so mein Eindruck, geht auch auf diesem Gebiet andere Wege. Sie toleriert vieles, was sich im Land an künstlerischen Reaktionen auf die gesellschaftliche und universelle Wirklichkeit entwickelt, ohne sich einzuschalten; aber sie verzichtet dabei nicht auf die notwendigen Maßnahmen zur Verteidigung der sozialistischen Staatlichkeit und Souveränität Chinas (sie setzt beispielsweise dem Treiben eines von außen künstlich hochgespielten Quacksalbers und Steuerhinterziehers wie Ai Weiwei Grenzen).
Friedrich Engels beschreibt im populärsten seiner Bücher die – von Marx und ihm geleistete – Entwicklung des Sozialismus von der Utopie zur Wissenschaft. Utopie, damit meinte und würdigte Engels die Leistung der utopischen Sozialisten. Ohne ihre Vorarbeit wäre der wissenschaftliche Sozialismus nicht möglich gewesen. Den eindringlichen antikapitalistischen Anklageschriften Fouriers, St. Simons und Owens, meinte Engels, fehlte nur ein historisches Subjekt, das in der Lage gewesen wäre, den Kapitalismus zu beseitigen. Sie griffen notgedrungen zu mythischen, religiös anmutenden Visionen. Wo der Verstand nicht weiter kommt, muss das Gefühl aushelfen.
Verstand und Gefühl, Wissenschaft und Utopie – bis zu Marx und Engels waren das Dichotomien, hierarchisch abgestuft, das eine bestenfalls Vorbereiter des anderen. Es schadet aber nicht, sich die Sphäre, von der wir hier heute reden, als eine vorzustellen, in der alle Parameter deutlich verschieden sind von den in Wissenschaft und Politik geltenden. So ist die Kunst bewusst subjektiv. Sie geht nicht von der Erkenntnis aus, sie ist nicht rational, sondern emotional und denkt und redet in Bildern. Kunst beschreibt die Wirklichkeit nicht, um sie distanziert zu erfassen. Ihr geht es ihrem Wesen nach also weder um Planung oder Verwertung, auch nicht um Kampf. Ihr geht es wesentlich um all die schönen Dinge, die möglich werden, wenn der Kampf endlich global gewonnen ist.
»Interesseloses Wohlgefallen«
Seit Hegel, Marx und Engels steht all das nicht mehr unverbunden nebeneinander. Schon in meiner Formulierung vom »verstehenden Herzen« wird deutlich: Der ästhetische Bereich funktioniert so dialektisch wie alles Materialistische. Schon Kant, noch undialektisch, untersucht in der »Kritik der reinen Vernunft« den Anteil der Sinnlichkeit an der Erkenntnis. Zwischen objektiv nachweisbarer Materie und subjektiv erlebtem Geist und Gefühl können überraschende Verbindungen entstehen. Dafür liefern die Künste Beispiele.
Im Unterschied zu allen anderen Lebensbereichen sind die Gegenstände der Ästhetik vom Wesen her nicht utilitaristisch, sie haben weder Zweck noch Nutzen, sie sind keine Ware. Dagegen spricht nicht, dass der Kapitalismus, seit es ihn gibt, erfolgreich bestrebt ist, Kunstwerke wie alles andere auch, in Waren zu verwandeln. Kant, am gloriosen Anfang der Geistesgeschichte des Bürgertums stehend, erscheint in der »Kritik der Urteilskraft« die Ästhetik als »interesseloses Wohlgefallen«. Ein wunderbarer Gedanke, wenn man ihn nicht im Sinne einer L’art pour l’art missbraucht. Er meint: Schön ist, was durch sich selbst gefällt und damit allein der Lebensfreude dient. Wie die Zärtlichkeit, die Güte und das menschlichste aller Gefühle, die Liebe, kann man es in keinem pädagogischen Institut der Welt lernen und nirgendwo kaufen. Es ist Teil des Reichs der Freiheit. Kleist nennt den Zustand im Marionettentheater »Grazie«, Freiheit und Grazie beginnen jenseits dessen, was Engels die Notwendigkeit nennt. Da wären wir wieder bei der Utopie.
Es ist also nicht die Wirklichkeit, die uns in Kunstwerken begegnet (es sei denn, wir akzeptieren die Kunstwerke selbst als Wirklichkeit). Aus den Worten, Bildern, den Geschichten, Farben, Tönen und Träumen der Kunst entsteht eine Vorstellung der Wirklichkeit. Ihre Besonderheit: Der sinnlich und subjektiv wahrnehmende und empfindende Mensch erlebt sich beim Wahrnehmen der Welt mehr oder minder bewusst als Teil des Wahrgenommenen. Der Dramatiker Peter Hacks drückt es so aus: »Gegenstand der Kunst ist die Wirklichkeit, erfahren durch eine Haltung.«
Es dreht sich bei allem, von dem ich hier rede, in erster Linie um den ideologischen Klassenkampf, eine der Vorstufen des von der herrschenden Klasse als Ultima Ratio angezettelten Kriegs als Weltalltag. In diesem immer schneller und brutaler vordringenden ideologischen Krieg hat die menschliche Psyche in den letzten Jahrzehnten an Bedeutung gewonnen. Das verdeutlichen ex negativo Phänomene wie etwa das durch analoge und digitale Medien weltweit wirkende Empörungsmanagement. Speziell damit beschäftigte Agenturen verschlingen Milliarden. Goebbels hätte vor Neid gezittert, hätte er, der Erfinder der modernen Propaganda, die Ausmaße, das Raffinement und die Zielgenauigkeit erleben können, mit denen heute Hass, Verwirrung und Niedertracht verbreitet werden.
Aber lassen wir uns nicht ins Bockshorn jagen. Was uns da entgegenwalzt und schwer zu schaffen macht, pfeift aus dem letzten Loch. Man kann nun leider – das wissen besonders die älteren Marxisten – gefühlte Ewigkeiten auf dem letzten Loch pfeifen, wenn man die Macht und Legionen von teuren Spezialisten hat, die einem die Noten für das schreiben, was gepfiffen werden soll. Was da heute aber auf die Notenpulte der Auf-dem-letzten-Loch-Pfeifer zu liegen kommt, ist in immer steigendem Umfang so billig, so hohl und schäbig – und damit auch so durchschaubar – wie nie zuvor. Kein Indiz für Stärke, mehr für Schwäche. Was wir in der Ästhetik »Schönheit« nennen, gibt es im imperialistischen Massenangebot natürlich auch. Was da aber zum Kauf ausliegt in den Bordellschaufenstern der zum Markt gewordenen Westwelt will im Unterschied zur Schönheit, die wir meinen, nicht mehr geliebt, es kann nur noch gekauft werden. Es ist längst, mit Marx zu reden, ein Fetisch.
Kein Schlagwerkzeug
So hat der Imperialismus eigentlich nur noch Dystopien auf Lager. Irak, Libyen, Syrien, die Tragödie auf dem Mittelmeer – fast täglich sorgt das Imperium auf Netflix und in den Nachrichten für neue Dystopien. Kritik, Entlarvung, Aufklärung tun not. Ob es aber die Künste sein sollten, die sich in vorderster Front am aktuellen Kampf gegen den informationellen und realen Neokolonialismus beteiligen, bezweifle ich. Aber ihre Wirkungsweise taugt für diese Art täglichen Nahkampf nicht, sie ist auf längere Fristen angelegt. Peter Hacks formuliert es witzig: »Eingestandener Maßen ist die Kunst eine Waffe. Eingestandenermaßen ist ein Holzhammer eine Waffe. Nach Aristoteles folgt hieraus nicht, dass die Kunst ein Holzhammer sein müsse. Es folgt eher, dass die Kunst eine um so bessere Waffe sei, je besser sie ist.« Anders gesagt: Kunst ist nie Propaganda. Und Propaganda ist nur in Ausnahmefällen Kunst.
Mein Vorschlag: Es wäre derzeit für die Künste klüger, mehr davon zu reden, zu malen, zu tanzen und zu komponieren, wofür sie sind, als immer nur darüber, wogegen. Kann man den Imperialismus schärfer kritisieren, als wenn man zeigt, wie wunderbar es auf der Welt zuginge, wenn er nicht mehr existent wäre? Statt wie früher immer neu den Teufel an die Wand zu malen, könnte die Kunst sich mehr um die Engel und den Himmel kümmern, die wir auf Erden hätten, wäre die Welt menschengerecht eingerichtet. Unser Himmel ist irdisch.
Wie unzureichend die, nennen wir sie einmal summarisch, nichtkünstlerischen, die politischen, wissenschaftlichen Mittel sein können, mit denen wir den ideologischen Klassenkampf führen, wird angesichts des Todes deutlich. Wir können die Endlichkeit des Todes mit Hilfe des Verstandes so wenig erfassen wie etwa die Unendlichkeit des Alls. Beides so mit unserer Zeitlichkeit in Einklang zu bringen, dass es die Menschen tröstet und einverstanden sein lässt mit dem irdischen Weltbild und Weltgang, wäre, denke ich, eine im Klassenkampf aktuell lohnende Aufgabe der Kunst. Einverstanden nicht mit den jeweiligen, geschichtlich-konkreten Zuständen der Welt. Aber einverstanden und im Einklang mit dem, was im Menschen Natur ist und nicht Industrie. In einem besseren, einem guten Leben verliert auch der Tod seinen Schrecken; und indem die Kunst uns das glitzernd Raum- und Zeitlose des Alls vor die Augen der Seele bringt, können wir sogar lernen, mit der Unfassbarkeit als Teil des von uns zu gestaltenden Daseins zu leben.
Die Utopie im Blick
Wenn ich richtig erinnere, waren es vor einigen Jahren die Indigenen Südamerikas, die in einer programmatischen Erklärung ihr politisches Ziel unter dem Signum des guten Lebens zusammenfassten. Der Begriff klingt banal. Aber jede und jeder kann sich unter dem »guten Leben« spontan mehr und angenehm Konkreteres vorstellen als unter Begriffen wie Sozialismus, Planwirtschaft oder Volksherrschaft, die ich damit keineswegs suspendieren möchte. Sie werden wichtiger, je mehr Menschen erkennen, dass das gute Leben das eigentliche Ziel unseres Daseins ist. Das neugierig machende Bewusstsein dafür gilt es zunächst zu schaffen. Ein gutes Leben wäre nicht nur – mittels Kunst – plausibel und schmackhaft zu machen. Die Kunst ginge – ein Gedanke Brechts – in Form der Lebenskunst im guten Leben auf: Lebenskunst als die endgültige und wirkliche Demokratie. Die würde sich erstrecken von einer guten Portion planwirtschaftlich eingehegter Genusssucht bei der Organisation gesellschaftlichen Lebens bis zur menschengerechten Ausgestaltung der Wohnungen, Städte und Landschaften; von der ausnahmslos allen zugänglichen frischen Luft, der Stille der Abende mit ihrem kondensstreifenfreien Firmament bis zur Reinheit des Weins, den wir uns einschenken. Den Krieg hätten wir mangels Ursache im guten Leben ohnehin längst vergessen. Wozu also Kunst im Klassenkampf? Warum nicht zur Darstellung des Besseren, des zu Erreichenden, der Utopie? So weit weg muss sie nicht sein, wie viele denken. Viele materielle Voraussetzungen – etwa die modernen, weltverträglichen Verkehrsmittel und -systeme – sind längst vorhanden. Was der konkreten Utopie einstweilen an Schlechtem und Realem vorausgeht, bleibt damit nicht ausgeblendet. Auch die Künstler müssen sich an jedem neuen Tag darauf einstellen, den es uns beschäftigt, bedrängt und betrübt. Auch die Künstler materialisieren ihren Zorn zur rechten Zeit, wenn es sein muss. Es ist allerdings viel leichter, für etwas zu kämpfen, das erfahrungsgemäß am besten von der Kunst konkret, lebendig, farbig, attraktiv vorweg genommen werden kann, als gegen etwas. So weit mein Vorschlag für heute.
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The most famous icons of India, the Taj Mahal needs no introduction. A UNESCO world heritage structure, it is an architectural marvel. Intricate carvings, studded with gems are exquisitely coupled with symmetry in design.
Camera Canon EOS 5D Taken on August 14, 2013
Deutsch
Indiens berühmtestes Wahrzeichen, das Taj Mahal, muss man nicht wirklich noch vorstellen. Es ist Teil des UNESCO Weltkulturerbe und es ist ein architektonisches Wunder. Die filigranen Schnitzereien, mit Edelsteinen besetzt , sind perfekt in ihrer Symmetrie und exquisit mit dem Design vereint.
Español
El icono más famoso de La India no necesita presentación. Reconocido por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad, es una maravilla arquitectónica. Esculturas complejas con incrustaciones de piedras preciosas se acoplan perfectamente con la simetría en el diseño.
Français
L'icône la plus célèbre de l'Inde, le Taj Mahal n'a plus besoin d' être présenté. Une merveille architecturale appartenant au patrimoine mondial de l'UNESCO. Ornements sculptés, ciselés avec raffinement, parsemés de pierres précieuses et symétrie architecturale parfaite.
Italiano
La più famosa icona dell'India, il Taj Mahal, non necessita certo di presentazioni. Dichiarato patrimonio dell'umanità dall'UNESCO, è un autentico prodigio architettonico. Intricate incisioni punteggiate di gemme accompagnano squisitamente la simmetria del disegno complessivo.
Portuguese
Esse belo mausoléu situado em uma cidade da Índia de nome Agra, é um dos mais famosos monumentos do país. A UNESCO o classifica como Patrimônio da Humanidade. Foi construído no império Mogol, entre 1631 e 1653, pois o imperador Shah Jahan, queria homenagear sua esposa Mumtaj Mahal que havia falecido. Para que isso fosse possível, 20.000 pessoas trabalharam arduamente. O local é visitado por aproximadamente 3 milhões de turistas anualmente. Você já o conhece?
Deux oiseaux verts sur un magnolia
Yu Feian 于非闇 (1889-1959)
Yu Fei'an est né à Pékin en 1889, le style très élégant et méticuleux pour lequel il s'est fait connaître a été appris en copiant et en étudiant d'anciens chefs-d'œuvre de la collection impériale du Musée du Palais, où Yu Fei'an a commencé à travailler en 1935. Le raffinement et la sophistication des peintures de fleurs et d'animaux de maîtres de la dynastie Song sont apparentes dans ses peintures. Cependant, il modernise et personnalise ses peintures avec une utilisation de pigments minéraux et il conserve une forte sensibilité graphique.
En 1947
Encre et couleurs sur papier
Don de Guo Youshou
Musée Cernuschi, musée des Arts de l’Asie de la Ville de Paris
www.parismuseescollections.paris.fr/fr/musee-cernuschi/oe...
Oeuvre présentée dans l'exposition "L'encre en mouvement, Une histoire de la peinture chinoise au XXe siècle", musée Cernuschi, Paris
Le musée, Cernuschi, qui possède l’une des plus importantes collections européennes de peintures chinoises modernes et contemporaines, présente pour la première fois une exposition exclusivement consacrée à ces chefs-d’œuvre. La présentation de ces fragiles trésors faits d’encre et de papier, qui ne peuvent être exposés à la lumière de manière permanente, constitue un évènement... Extrait du site de l'exposition
www.cernuschi.paris.fr/fr/expositions/lencre-en-mouvement...
Step inside the Royal Hall and you enter an Edwardian dream: a glittering auditorium of gold leaf, crimson velvet, and rococo flourishes, designed to astonish and embrace in equal measure. Completed in 1903 by legendary theatre architect Frank Matcham, the venue was originally named the Kursaal, reflecting Harrogate’s spa-town prestige and European aspirations. Renamed in 1914 due to wartime sentiment, its purpose remained unchanged — to entertain, enchant, and elevate.
Matcham’s design mastery is everywhere: cantilevered balconies for unobstructed views, bold colour and ornamentation to dazzle, and an atmosphere where every seat — from royal box to rear stall — feels like the best in the house. Restored in 2008, this Grade II* listed gem remains one of Britain’s most exquisite performance spaces — a living monument to theatrical elegance.
Pénétrez dans le Royal Hall et plongez dans un rêve édouardien : un auditorium étincelant de dorures, de velours cramoisi et d’ornements rococo, conçu pour émerveiller tout en enveloppant. Achevé en 1903 par le célèbre architecte de théâtre Frank Matcham, le lieu s’appelait à l’origine le Kursaal, en hommage au prestige thermal de Harrogate et à son raffinement européen. Rebaptisé Royal Hall en 1914 à cause du contexte de guerre, il n’en perdit pas sa vocation : divertir, séduire, élever.
La maîtrise de Matcham est partout : balcons en porte-à-faux pour une visibilité parfaite, couleurs audacieuses, décors somptueux, et cette magie architecturale où chaque siège — de la loge royale au dernier rang — semble le meilleur. Restauré en 2008, ce joyau classé Grade II* reste l’un des plus beaux lieux de spectacle de Grande-Bretagne — un monument vivant à l’élégance théâtrale.
Bosgezicht met trein? Treingezicht met korenveld? Enzovoort. Het wekt de indruk dat de fotograaf die de ansicht heeft gemaakt in opdracht van Chr. Vacantie-oord 'Jeugdland' in Ellecom (telefoonnummer met vier cijfers) niet echt een keuze wilde maken. Het afgekapte bovenleidingportaal en de half afgebeelde trein lijken het gevolg van een niet erg handig gekozen standpunt - of zou het fotografisch raffinement zijn? Het is hoe dan ook een sfeervol 'portret' van een driewagenstel mat'36 dat op de IJssellijn onderweg is van Zutphen naar Arnhem.
Step inside the Royal Hall and you enter an Edwardian dream: a glittering auditorium of gold leaf, crimson velvet, and rococo flourishes, designed to astonish and embrace in equal measure. Completed in 1903 by legendary theatre architect Frank Matcham, the venue was originally named the Kursaal, reflecting Harrogate’s spa-town prestige and European aspirations. Renamed in 1914 due to wartime sentiment, its purpose remained unchanged — to entertain, enchant, and elevate.
Matcham’s design mastery is everywhere: cantilevered balconies for unobstructed views, bold colour and ornamentation to dazzle, and an atmosphere where every seat — from royal box to rear stall — feels like the best in the house. Restored in 2008, this Grade II* listed gem remains one of Britain’s most exquisite performance spaces — a living monument to theatrical elegance.
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Pénétrez dans le Royal Hall et plongez dans un rêve édouardien : un auditorium étincelant de dorures, de velours cramoisi et d’ornements rococo, conçu pour émerveiller tout en enveloppant. Achevé en 1903 par le célèbre architecte de théâtre Frank Matcham, le lieu s’appelait à l’origine le Kursaal, en hommage au prestige thermal de Harrogate et à son raffinement européen. Rebaptisé Royal Hall en 1914 à cause du contexte de guerre, il n’en perdit pas sa vocation : divertir, séduire, élever.
La maîtrise de Matcham est partout : balcons en porte-à-faux pour une visibilité parfaite, couleurs audacieuses, décors somptueux, et cette magie architecturale où chaque siège — de la loge royale au dernier rang — semble le meilleur. Restauré en 2008, ce joyau classé Grade II* reste l’un des plus beaux lieux de spectacle de Grande-Bretagne — un monument vivant à l’élégance théâtrale.
#nikonemmad #architecture #japon #tokyo #noiretblanc #minimalisme #japan #blackandwhite #nikon #nikonemmad #refinement #raffinement #minimalism
Petite présentation de mes cadeaux d'anniversaire.
Les bas sont sublimes et d'un raffinement absolu.
Haut et revers noir,la pointe et le talon recouvert d'un voile rose poudré.
Le 9/11/2012.
Voiture Salon Pullman - Flèche d’Or n° 4159
Construite en 1929, cette voiture est composée d’une salle centrale de 20 fauteuils spacieux avec 10 tables équipées de lampe en bronze poli de René Prou et aux extrémités de deux compartiments-salon de 4 places. La luxueuse décoration intérieure de la voiture « Flèche d’or » est réalisée par le grand maître-joailler et verrier, René Lalique
Source:
cmaexpositions.canalblog.com/archives/2015/02/07/31482606...
Translation / Traduction 🇬🇧 UK
Car Salon Pullman - Arrow of Gold No. 4159
Built in 1929, this car is composed of a central room of 20 spacious armchairs with 10 tables equipped with polished bronze lamps by René Prou and at the ends of two living-compartments of 4 seats. The luxurious interior decoration of the "Golden Arrow" car is made by the great master jeweler and glass maker, René Lalique
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Georges Nagelmackers
Né le 25 juin 1845 à Liège et mort le 10 juillet 1905 à Villepreux, est un ingénieur civil et industriel belge, fondateur de la Compagnie des wagons-lits et de la Compagnie internationale des Grands Hôtels.
Il est le créateur des grands trains de luxe européens et notamment du premier Orient-Express.
Translation / Traduction 🇬🇧 UK
Georges Nagelmackers
Born on June 25, 1845 in Liège and died on July 10, 1905 in Villepreux, is a Belgian civil and industrial engineer, founder of the Compagnie des carriages-lit and the Compagnie internationale des Grands Hôtels.
He is the creator of the great European luxury trains, especially the first Orient Express.
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L'Orient-Express est un train de luxe créé par la Compagnie internationale des wagons-lits (CIWL) qui, depuis 1883, assure la liaison entre Paris, Vienne, ainsi que Venise, à partir de 1919, et Constantinople ( puis Istanbul ), desservant plusieurs capitales de nations européennes. Dans les années 1920, avec des artistes-décorateurs comme René Prou ou bien René Lalique, le style « Orient-Express » atteignit son apogée. C'est après plusieurs changements d'itinéraire, deux guerres et enfin par l'abaissement continu de son prestige pendant la Guerre froide, que le service quotidien Direct-Orient-Express vers Istanbul et Athènes cessa en 1977, vaincu par la faiblesse de sa vitesse commerciale (à peine 55 km/h vers la fin) due aux interminables arrêts douaniers dans les pays communistes traversés, ainsi qu'à l'état obsolète de leurs réseaux, et malmené par la concurrence grandissante de l'aviation de masse........
Source:
fr.wikipedia.org/wiki/Orient-Express#Pullman_Orient-Express
Voitures Pullman CIWL
Les voitures Pullman de la CIWL sont des voitures-salon construites à la fin des années 1920.
Elles proposaient, dans un cadre raffiné, des fauteuils individuels en vis-à-vis autour d'une table pour 2 avec lampe. La prestation sera élargie à la deuxième classe ( avec banquettes à la place des fauteuils ).
Description
On dénombre 4 séries de voitures Pullman et 211 unités.
Type « Sud-Express »
Pour moderniser le Sud-Express, la CIWL reçoit en 1926 ;
• 10 voitures-salon (n° 2737 à 2748) construites par la Société Lorraine des anciens établissements de Dietrich et correspondant à 5 couplages d'une voiture de 24 places et d'une voiture de 18 places avec cuisine pour restauration à la place dans les 2 voitures.
• 3 voitures supplémentaires avec cuisine (n° 2839 à 2841) construites par Dyle & Bacalan (Royaume-Uni).
Les dernières voitures de ce type ont circulé jusqu'en 1971.
Type « Flèche d'Or »
En 1926, pour son nouveau train Paris - Londres « la Flèche d'or », la CIWL prend livraison de :
• 1926 : 15 voitures de 24 places avec cuisine n° 4001 à 4015 construites par BRC
• 1926 : 15 voitures de 32 places (8 baies) sans cuisine n°4016-4030 construites par Metropolitan
• 1926 : 15 autres couplages (n° 4051 à 4080 avec et sans cuisine) réalisées par Metropolitan.
Les dernières voitures de ce type ont circulé jusqu'en 1969.
• 1927 : 30 voitures supplémentaires construites par CGC (n° 4031 à 4050) et BRC (n° 4081 à 4090)
Type « Étoile du Nord »
Soucieuse d'élargir sa clientèle à la 2e classe, la CIWL fait construire en 1927 :
• 20 voitures de 38 places avec cuisine (n° 4091 à 4110)
• 20 voitures de 51 places (n° 4111 à 4130)
Elles sont utilisées sur la liaison Paris - Amsterdam « Étoile du nord » en couplage d'une voiture de 1re classe avec deux voitures offrant des places de deuxièmes classes (voitures avec banquettes).
Type « Côte d'Azur »
Les voitures les plus luxueuses entrent en service sur la liaison Paris - Vintimille (« Train bleu ») en décembre 1929. Il s'agit de 34 voitures (n° 4131 à 4164) réalisées par EIC en deux lots :
• voitures de 20 places avec cuisine
• voitures de 28 places.
Ces voitures de première classe disposent de 7 baies élargies. Les fauteuils sont plus larges et inclinables.
Ces deux derniers modèles de voitures ont circulé respectivement jusqu'en 1963 et 1969.
Voitures particulières
• 1951 : les voitures 4160, 4162 et 4164 sont repeintes aux couleurs du train bleu
• 1967 : la 4013 devient une voiture-douches pour trains de croisières affrétés
• 1975 : la 4148 devient une voiture-bar pour rames affrétées.
Source:
fr.wikipedia.org/wiki/Voitures_Pullman_CIWL
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Voyage en train à bord de l’Orient Express
Il y a des voyages et des trains mythiques. Il y a des noms qui restent les symboles d’une époque. Le Transsibérien et le voyage de luxe dans l’Orient Express ont fait et font toujours rêver certains. Les guerres, le communisme, la recherche de la vitesse, de l’efficacité, au détriment de l’expérience si spécifique d’un long voyage en train ainsi que la concurrence de l’avion ont peu à peu étouffé cette correspondance de légende. Mais certaines légendes renaissent par la passion et l’obsession de certains. Il en fut ainsi pour Sir James Sherwood qui, pour le plus grand bonheur des amoureux du train, ressuscita avec une patience méticuleuse la riche histoire de l’Orient Express.
– VOYAGE A BORD DE L’ORIENT EXPRESS –
Voyager à bord de l’Orient Express ce n’est pas un simple transport d’un point A au point B. L’Orient Express est le train des rois et le roi des trains dans le digne héritage de son ingénieur le belge Georges Nagelmakers. Voyage à bord de ce train mythique, c’est la promesse d’une aventure en train chic, exclusive, luxueuse. Un projet idéal pour une escapade romantique. Le raffinement au bord de l’Orient Express n’est en rien tapageur, il représente l’essence même de cet engagement de porter avec justice et justesse une certaine idée du luxe.
Source :
www.bien-voyager.com/voyage-a-bord-de-lorient-express/
Translation / Traduction 🇬🇧 UK
Journey by train on the Orient Express
There are mythical journeys and trains. There are names that remain symbols of an era. The Transsiberian and the luxury trip in the Orient Express have made and still make some people dream. Wars, communism, the search for speed, efficiency, to the detriment of the so specific experience of a long train journey and the competition of the plane have gradually stifled this correspondence of legend. But some legends are reborn by the passion and obsession of some. This was the case for Sir James Sherwood, who, to the delight of the train lovers, revived with meticulous patience the rich history of the Orient Express.
- TRAVEL ON THE EAST EXPRESS -
Traveling on the Orient Express is not just a transport from point A to point B. The Orient Express is the king of the kings and the king of the trains in the worthy legacy of his engineer, the Belgian Georges Nagelmakers. Traveling on this legendary train promises a chic, exclusive, luxurious train adventure. An ideal project for a romantic getaway. The refinement on the banks of the Orient Express is not in any way glaring, it represents the essence of this commitment to bring justice and justice to a certain idea of luxury.
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La Compagnie Internationale des Wagons-Lits et des Grands Express Européens en 1960
la CIWL en 1960
www.codimage.fr/pages/histoire-de-la-ciwl.html
Venice Simplon-Orient-Express
www.belmond.com/fr/trains/europe/venice-simplon-orient-ex...
Voyage d’exception dans un Train de Luxe. ( Calais - Paris - Venise ) / An exceptional trip on a Luxury Train
Ars subtilior
Bubikon, Ritterhaus
Sonntag, 25. August, 17.00 Uhr. Einführung 16.00.
Werke von Zacara da Teramo (ca. 1350/60–1413/16) und Johannes Ciconia (ca. 1370–1412)
Das 14. Jahrhundert war eine Zeit furchtbarer Heimsuchungen: Der Hundertjährige Krieg, der Schwarze Tod, Hungersnöte, die kleine Eiszeit und nicht zuletzt das sogenannte kleine Schisma, das sogar den Zugang zum Jenseits unsicher machte. Trotzdem (oder deswegen?) entstand grossartige, komplexe und spannende Musik. Es erklingen Werke, die für die Höfe zweier verfeindeter Päpste in Rom und Avignon geschrieben wurden, die sich im musikalischen Raffinement überbieten wollten. Das Ambiente des Ritterhauses erlaubt eine klingende Zeitreise ins Spätmittelalter mit seiner Zerrissenheit, seiner Dramatik und seiner Schönheit.
Ensemble Leones
Marc Lewon Laute, Quinterne, Leitung
Grace Newcombe Discantus
Matthieu Romanens Tenor
Marc Mauillon Contratenor
Baptiste Romain Vielle, Lira da braccio, Dudelsack
Uri Smilansky Vielle
Version française, après le texte en anglais.
Taking the VSOE is like stepping into a timeless escape. This legendary train, heir to the former CIWL, still evokes luxury and adventure, even if it no longer reaches its original destination of Constantinople. Now revived by Belmond, it offers a unique experience for travelers seeking elegance and refinement on a short journey.
With prices starting at €4,500 per person, it's a privilege for the wealthy or passionate dreamers willing to splurge. The train mostly heads south, following the echoes of its glorious past, even if a return to Istanbul remains a distant dream.
But dreams cost nothing. Perhaps one day this iconic train will reclaim its historic route. Until then, why not indulge in the fantasy of a morning coffee and croissant aboard the Saint Gotthard line? Pleseant journey!
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Prendre le VSOE, c’est s’offrir une parenthèse hors du temps. Ce train de légende, héritier de l’ancien CIWL, évoque le luxe et l’aventure, même s’il ne mène plus jusqu’à Constantinople comme autrefois. Aujourd’hui ressuscité par Belmond, il propose une expérience unique pour les voyageurs en quête d’élégance et de raffinement, le temps d’un court séjour.
Avec des prix à partir de 4 500 € par personne, ce voyage reste un privilège réservé à une clientèle aisée ou passionnée prête à casser sa tirelire. Le train circule principalement vers le sud, sur les traces de son glorieux passé, même si le retour jusqu’à Istanbul semble encore lointain.
Mais rêver ne coûte rien. Peut-être qu’un jour, ce train mythique retrouvera sa route d’antan. En attendant, laissez-vous séduire par l’idée d’un petit-déjeuner au café-croissant sur la ligne du Saint-Gothard. Bon voyage !
Behold the gardens of La Zisa, once the royal playground of Norman kings with a taste for Arabesque splendour. Built in the 12th century under King William I of Sicily, the Zisa (from the Arabic al-ʿAzīza, meaning “The Splendid”) was designed as a summer retreat — think fewer tourists, more flowing water features. The geometric garden layout, echoing Islamic paradise gardens, has been reimagined over the years but still carries that whiff of cool serenity in the Sicilian heat. These days, the view is part palace, part patchwork Palermo — and all the better for it.
Voici les jardins de La Zisa, autrefois le terrain de jeu des rois normands amateurs de raffinement arabo-normand. Édifiée au XIIe siècle sous le règne de Guillaume Ier de Sicile, la Zisa (du mot arabe al-ʿAzīza, “la Splendide”) était une retraite estivale conçue pour charmer les sens — fontaines, fraîcheur et volupté. Les jardins géométriques rappellent les jardins paradisiaques de l’islam médiéval, aujourd’hui revisités, mais toujours propices à la contemplation. Une vue qui mêle palais, palmiers et poésie urbaine.
Lorenzo BARTOLINI
Savigno, 1777 - Florence, 1850
La Nymphe au scorpion
Créé vers 1835, le modèle de la Nymphe au scorpion était resté dans l'atelier de Bartolini ; c'est certainement là que Charles de Beauvau en fit la commande pour la galerie de sculpture qu'il rêvait de créer dans son château d'Haroué. Demeurée à Haroué depuis son acquisition avant 1844, cette Nymphe au scorpion présente un épiderme dont la fraîcheur exceptionnelle ne fait que souligner les raffinements du travail de Bartolini. Virtuose du marbre, Bartolini créa une oeuvre qui se rattache autant à l'art italien qu'à l'art français. Ce fut d'ailleurs, aux dires de Baudelaire, le « morceau capital du Salon de sculpture » de 1845. La beauté de la ligne, qu'on a pu rapprocher de celle d'Ingres, ami de Bartolini* et comme lui grand amateur de musique, ne trahit en rien la justesse de l'observation sur le modèle vivant.
* voir son portrait par Ingres (coll. Beistegui, Aile Sully, 2e étage, salle A).
Bartolini, Lorenzo. 1777-1850
Nymph with a Scorpion
Italy, Between 1846 and 1851
Bartolini was perhaps one of the most original sculptors of the first half of the 19th century. A friend of Ingres, pupil of the painter David, Bartolini spent his youthful years in Paris and became famed for his portrait statues of Napoleon. During his later years, however, he departed from his earlier Neoclassical principles and sought a more precise representation of nature, in a style which is strongly felt in this work. Bartolini breaks up the harmony of the Classical image, allowing small distortions in the shoulders and arms. The girl's face bears a light grimace of pain from the scorpion's sting. The first marble version of this late sculpture was exhibited in Paris at the Salon of 1845 and was hugely successful. We can judge just how popular the sculpture was by the number of copies now to be found in various museums around the world. The Hermitage example was commissioned by Tsar Nicholas I, who visited Bartolini's studio at the end of 1845. Work was begun by the master himself but it was completed after his death by Giovanni Dupré, one of the best Bartolini's pupils
Buongiorno ragazze, chi non ama restare a casa al calduccio, con queste giornate così fredde.Io amo alzarmi tardi la mattina, fare colazione e starmene sul divano a guardare film e a bersi un bel tè caldo. Purtroppo la vita frenetica di tutti i giorni non te lo permette, siamo sempre troppo di corsa, nella giornata ci ritroviamo a dover fare tantissime cose in breve tempo, servirebbero più di 24 ore.Oggi fortunatamente è uno di quei giorni che posso permettermi di rilassarmi.Per questo ho deciso di rimanere comoda, ho optato per i mie nuovissimi pantaloni in seta neri, che negli ultimi anni sono diventati una vera e propria tendenza, usati sia fuori che dentro la camera da letto.Nel 2016 è stato uno dei tessuti privilegiati dagli stilisti, con il quale hanno realizzato camicette, tailleur, vestiti, che a mio parere dona raffinatezza ed eleganza all’outfit.Quindi prepariamoci ad una stagione dove regna la comodità, infatti i pantaloni oversize saranno la vera tendenza di questo autunno.Per la parte superiore ho deciso di indossare una canotta nera, con sopra una felpina color rosa cipria, sono molto comode però consiglio di prendere sempre una taglia in più alla vostra, se si vuole usarle come abbigliamento da casa.Ah dimenticavo di dirvi che se avete appena iniziato una convivenza con il vostro lui, è importante avere un abbigliamento comodo ma allo stesso tempo chic.Quindi mi raccomando al bando abito vecchi e malmessi..
Hola chicas, que no les encanta quedarse en casa en la calidez, con estos días fríos. Me encanta levantarse tarde en la mañana, tomar el desayuno y sentarse en el sofá viendo películas, y beber té caliente. Desafortunadamente, la vida agitada de cada día no te dejará, siempre estamos compitiendo, el día que nos encontramos teniendo que hacer muchas cosas en un corto tiempo, tomaría más de 24 horas. Hoy afortunadamente es uno de esos días que puedo permitirme relajarme. Por eso decidí quedarme cómodo, opté por mi nuevo pantalón de seda negra, que en los últimos años se ha convertido en una tendencia real, tanto dentro como fuera de la casa Cuarto. En 2016 fue uno de los tejidos privilegiados de los diseñadores, con los que han hecho blusas, trajes, vestidos, que en mi opinión le da refinamiento y elegancia al traje. Así que prepárate para una temporada donde la comodidad reina, de hecho los pantalones de gran tamaño será la tendencia real de este otoño. Para la parte superior decidí usar una camiseta sin mangas negra, rematada con una sudadera de color rosa polvo, son muy cómodas, sin embargo, le recomendamos que siempre tome un tamaño hasta el suyo, si desea utilizarlos como ropa para el hogar. Le digo que si usted acaba de empezar a vivir con él, es importante tener ropa cómoda, pero al mismo tiempo elegante. Así que recomiendo a notar ropa vieja y en mal estado.
Bonjour les filles, qui n’aime pas rester à la maison dans la chaleur, avec ces journées froides. J’aime me lever tard le matin, prendre le petit déjeuner et s’asseoir sur le canapé en regardant des films et boire du thé chaud. Malheureusement, la vie trépidante de tous les jours ne vous laissera pas, nous sommes toujours en course, le jour où nous nous retrouvons à faire beaucoup de choses dans un court laps de temps, prendrait plus de 24 heures. Heureusement, c’est l’un de ces jours que je peux me permettre de se détendre. Pour cette raison, j’ai décidé de rester à l’aise, j’ai opté pour ma toute nouvelle dans les pantalons de soie noirs, qui ces dernières années sont devenus une tendance réelle, utilisé à l’intérieur et à l’extérieur de la chambre. En 2016 a été l’un des tissus privilégiés par les designers, avec qui ils ont fait des blouses, costumes, robes, qui à mon avis donne raffinement et élégance à la tenue. Alors préparez-vous pour une saison où le confort règne, en fait pantalons oversized sera la tendance réelle de cet automne. Pour le top, j’ai décidé de porter un débardeur noir, surmonté d’une poudre de couleur rose sweatshirts, sont très à l’aise, cependant, vous recommandons toujours prendre une taille à la vôtre, si vous voulez les utiliser comme vêtements pour home.Ah oublié Vous dire que si vous venez de vivre avec votre lui, il est important d’avoir des vêtements confortables, mais en même temps chic. Donc, je recommande de remarquer les vieux vêtements et shabby ..
Hallo Mädchen, die nicht lieben, zu Hause in der Wärme zu bleiben, mit diesen kalten Tagen. Ich liebe es, spät in den Morgen aufzustehen, zu frühstücken und auf der Couch zu sitzen, die Kino beobachtet, und heißen Tee trinken. Leider wird das hektische Leben von jedem Tag nicht zulassen, dass wir immer rennend sind, der Tag, an dem wir in kurzer Zeit viele Dinge tun müssen, mehr als 24 Stunden dauern würde. Heute ist glücklicherweise eines jener Tage, die ich mir leisten kann, sich zu entspannen. Aus diesem Grund habe ich beschlossen, bequem zu bleiben, entschied ich mich für meine brandneue in schwarzen Seidenhosen, die in den letzten Jahren zu einem echten Trend, sowohl innerhalb als auch außerhalb der Schlafzimmer. Im Jahr 2016 war eines der privilegierten Gewebe von Designern, mit denen sie Blusen, Anzüge, Kleider, die meiner Meinung nach verfeinert und Eleganz für das Outfit gemacht hat. So machen Sie sich bereit für eine Saison, wo Komfort herrscht, in der Tat überdimensionierten Hosen wird der wahre Trend in diesem Herbst sein. Für die Oberseite entschied ich, ein schwarzes Trägershirt zu tragen, überstiegen mit einem Pulver, das rosa farbige Sweatshirts, sind sehr bequem, jedoch empfehlen Sie, immer eine Größe bis zu Ihrem zu nehmen, wenn Sie sie als Kleidung für Zuhause verwenden möchten Ihnen sagen, dass, wenn Sie gerade begannen zusammen zu leben mit ihm, ist es wichtig, bequeme Kleidung, aber gleichzeitig chic haben. So empfehle ich, alte Kleidung und schäbig zu bemerken ..
L’outfit da casa
L'articolo Il perfetto outfit da casa... sembra essere il primo su The Shades Of Martina.
Pivoines et papillons
Le poème, calligraphié en haut à gauche dans le style "shoujin" (Dynastie Song du nord / Empereur Huizong 1100-1126), assimile la pivoine à une beauté féminine.
Oeuvre de Yu Feian 于非闇 (1889-1959)
Yu Fei'an est né à Pékin en 1889, le style très élégant et méticuleux pour lequel il s'est fait connaître a été appris en copiant et en étudiant d'anciens chefs-d'œuvre de la collection impériale du Musée du Palais, où Yu Fei'an a commencé à travailler en 1935. Le raffinement et la sophistication des peintures de fleurs et d'animaux de maîtres de la dynastie Song sont apparentes dans ses peintures. Cependant, il modernise et personnalise ses peintures avec une utilisation de pigments minéraux et il conserve une forte sensibilité graphique.
Non daté
Encre et couleurs sur papier
Don de Guo Youshou
Musée Cernuschi, musée des Arts de l’Asie de la Ville de Paris
www.parismuseescollections.paris.fr/fr/musee-cernuschi/oe...
Oeuvre présentée dans l'exposition "L'encre en mouvement, Une histoire de la peinture chinoise au XXe siècle", musée Cernuschi, Paris
Le musée, Cernuschi, qui possède l’une des plus importantes collections européennes de peintures chinoises modernes et contemporaines, présente pour la première fois une exposition exclusivement consacrée à ces chefs-d’œuvre. La présentation de ces fragiles trésors faits d’encre et de papier, qui ne peuvent être exposés à la lumière de manière permanente, constitue un évènement... Extrait du site de l'exposition
www.cernuschi.paris.fr/fr/expositions/lencre-en-mouvement...
Château de Maintenon, 31/08/2018,
A moins d'une heure de Paris et de Versailles, il est un château au cœur de la vallée de l'Eure, qui vous réserve une agréable surprise : un château ayant appartenu à Madame de Maintenon et accueillant un splendide jardin à la française recréé en 2013 selon l'esprit fidèle de Le Nôtre.
Une fois passé le châtelet d’entrée, le jardin offre une alliance harmonieuse du minéral et du végétal. Le ton est donné, c’est ici un monde du raffinement, tel que Madame de Maintenon l’avait imaginé. Fidèle à l’esprit de Le Nôtre, qui en conçut les plans initiaux, les parterres ont rejailli de terre en 2013 et invitent à déambuler autour des topiaires et des rosiers en admirant la perspective qui s'ouvre sur le canal de l'Eure.A la nuit tombée, le jardin devient féérie grâce à une mise en lumière fiancée par un mécénat d’entreprises, via le Fonds de dotation Patrimoine d’Eure-et-Loir.
Site géré par le Conseil départemental d'Eure-et-Loir depuis 2005, le château de Maintenon est un domaine inattendu, à taille humaine, et riche d’une histoire millénaire. En 1674, Françoise d'Aubigné, veuve du poète Scarron et future Madame de Maintenon, achète le domaine qui lui donnera son nom. Elle aménage et fait agrandir le château pour y recevoir Louis XIV qui trouve en ce lieu l’opportunité d'alimenter les bassins du Châteaux de Versailles par les eaux de l'Eure. C'est à Vauban que l'on doit le projet titanesque de l’aqueduc, caprice royal inouï resté inachevé ; l’architecte réalise ici son unique ouvrage civil, dont les vestiges signent aujourd’hui la singularité du site.
The Château de Maintenon is a château, developed from the original castle, situated in the commune of Maintenon in the Eure-et-Loir département of France. It is best known as being the private residence of the second spouse of Louis XIV, Madame de Maintenon.
The construction of the castle began in the 13th and ended in roughly the 18th century. In the early 16th century it was purchased by Louis XII's treasurer Jean Cottereau, who transformed the castle into a country house. In the 17th century it was rebuilt for Madame de Maintenon, who purchased the estate in 1674
The château's main features are the keep, constructed in the 13th century, and the principal corps de logis, flanked by three round towers, one at the avant-cour and the others at the bridge across the moat. The east and west wings frame a cour d'honneur, beyond which is the moat filled by the waters of the Eure, and, beyond, the parterre and park. The picturesque massing of the varied towers and roofs pleased François-René de Chateaubriand who found its special character was like that of an abbey or an old town, "with its spires and steeples, grouped at hap-hazard".[2]
At the far end of the gardens is the aqueduct, crossing the Canal de l'Eure, also known as the canal de Louis XIV, ordered by Louis XIV. Its colossal scale impressed Chateaubriand, who said that it was "a work worthy of the Caesars".It was constructed by the Marquis de Vauban between 1685 and 1690 in order to transport water from the Eure River to the gardens and fountains at the Château de Versailles.
In the 17th century there was an orangerie constructed as well as stables.
Vista aérea del castillo de Maintenon y el parque y los jardines que lo rodean.
Wikidata
Ars subtilior
Bubikon, Ritterhaus
Sonntag, 25. August, 17.00 Uhr. Einführung 16.00.
Werke von Zacara da Teramo (ca. 1350/60–1413/16) und Johannes Ciconia (ca. 1370–1412)
Das 14. Jahrhundert war eine Zeit furchtbarer Heimsuchungen: Der Hundertjährige Krieg, der Schwarze Tod, Hungersnöte, die kleine Eiszeit und nicht zuletzt das sogenannte kleine Schisma, das sogar den Zugang zum Jenseits unsicher machte. Trotzdem (oder deswegen?) entstand grossartige, komplexe und spannende Musik. Es erklingen Werke, die für die Höfe zweier verfeindeter Päpste in Rom und Avignon geschrieben wurden, die sich im musikalischen Raffinement überbieten wollten. Das Ambiente des Ritterhauses erlaubt eine klingende Zeitreise ins Spätmittelalter mit seiner Zerrissenheit, seiner Dramatik und seiner Schönheit.
Ensemble Leones
Marc Lewon Laute, Quinterne, Leitung
Grace Newcombe Discantus
Matthieu Romanens Tenor
Marc Mauillon Contratenor
Baptiste Romain Vielle, Lira da braccio, Dudelsack
Uri Smilansky Vielle
Au hasard des rues dans cette belle ville de région . Pas un indice très utile puisque de nombreuses villes françaises et européennes possèdent d'anciennes maisons à colombages , en attendant, admirons le raffinement de sculptures exécutées il y a environ 500ans
Renovated timbered houses along the streets of that ancient city. The clue is not really helpful as there are lots of houses like this one in ancient town centres , from Northern to Southern France and Europe . In the meantime just admire the well preserved 500years old sculptures .
Ars subtilior
Bubikon, Ritterhaus
Sonntag, 25. August, 17.00 Uhr. Einführung 16.00.
Werke von Zacara da Teramo (ca. 1350/60–1413/16) und Johannes Ciconia (ca. 1370–1412)
Das 14. Jahrhundert war eine Zeit furchtbarer Heimsuchungen: Der Hundertjährige Krieg, der Schwarze Tod, Hungersnöte, die kleine Eiszeit und nicht zuletzt das sogenannte kleine Schisma, das sogar den Zugang zum Jenseits unsicher machte. Trotzdem (oder deswegen?) entstand grossartige, komplexe und spannende Musik. Es erklingen Werke, die für die Höfe zweier verfeindeter Päpste in Rom und Avignon geschrieben wurden, die sich im musikalischen Raffinement überbieten wollten. Das Ambiente des Ritterhauses erlaubt eine klingende Zeitreise ins Spätmittelalter mit seiner Zerrissenheit, seiner Dramatik und seiner Schönheit.
Ensemble Leones
Marc Lewon Laute, Quinterne, Leitung
Grace Newcombe Discantus
Matthieu Romanens Tenor
Marc Mauillon Contratenor
Baptiste Romain Vielle, Lira da braccio, Dudelsack
Uri Smilansky Vielle
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© 2015 Cyril Sonigo