BASILICA DE SAN FRANCISCO EL GRANDE

 

La basílica fue construida en estilo neoclásico en la segunda

mitad del siglo XVIII, a partir de un diseño de Francisco Cabezas, desarrollado por Antonio Pló y finalizado por Francesco Sabatini. El edificio destaca por su cúpula, considerada como la tercera de planta circular de mayor diámetro de la cristiandad; por su suntuosa decoración interior, realizada en estilo ecléctico a finales del siglo XIX; y por su pinacoteca, representativa de la pintura española de los siglos XVII a XIX, con cuadros de Zurbarán y Goya.

 

Su titularidad corresponde a la Obra Pía de los Santos Lugares de Jerusalén, organismo autónomo dependiente del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación. El 19 de octubre de 1980 fue declarada Monumento Nacional, según Real Decreto, recibiendo por tanto la condición de Bien de Interés Cultural.

El lugar estuvo ocupado anteriormente por un convento-ermita franciscano, que, según la leyenda, fue fundado por san Francisco de Asís en 1217. Cuando Felipe II convirtió Madrid en capital del reino, en 1561, el convento fue ganando en riqueza e importancia y llegó a recibir la custodia de los Santos Lugares conquistados por los cruzados, mediante una Junta Protectora de la Obra Pía de Jerusalén, y el Comisariado General de Indias.

En 1760, los franciscanos derribaron la primitiva edificación para construir, sobre su solar, un templo más grande, que encargaron al arquitecto Ventura Rodríguez. Su proyecto, firmado en 1761, fue desestimado, a favor de un diseño del fraile Francisco Cabezas, redactado por José de Hermosilla. Cabezas concibió una amplia rotonda para el espacio interior, cubierta por una grandiosa cúpula. Sin embargo, las obras tuvieron que suspenderse en 1768, debido a las complicaciones técnicas surgidas, lo que obligó a Cabezas a abandonar el proyecto, presionado por Ventura Rodríguez, quien aprovechó su influencia dentro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Las obras fueron encomendadas entonces a Antonio Pló, que se hizo cargo de la cúpula, concluyéndola en 1770.

En 1776 la comunidad de frailes solicitó al rey Carlos III que se incorporara al proyecto el arquitecto real Francesco Sabatini, uno de los artífices del Palacio Real, a quien se debe la fachada principal y las dos torres que la coronan. También se sumó Miguel Fernández, en calidad de asesor técnico. El edificio fue finalizado en 1784. Durante el reinado de José I (1808-1813), se pensó en destinar el templo a Salón de Cortes, a partir de una remodelación proyectada por el arquitecto Silvestre Pérez. Finalmente, fue convertido en hospital, según Decreto de 3 de marzo de 1812.

 

En el año 1836, en el contexto de la desamortización de Mendizábal, los franciscanos fueron expulsados y el edificio quedó en manos del Estado español, a través del organismo Patrimonio Real. Un año después, se barajó la posibilidad de convertirlo en Panteón Nacional, pero la iniciativa no pudo materializarse. En 1838, sirvió de sede a un cuartel de infantería, al tiempo que se recupera el culto religioso. La Junta Protectora de la Obra Pía de Jerusalén quedó bajo la titularidad del Estado.

En 1869 se retomó la idea del Panteón Nacional. Durante los cinco años siguientes, albergó los restos mortales de diferentes personalidades de la historia española, entre ellos los de Calderón de la Barca, Alonso de Ercilla, Garcilaso de la Vega, Francisco de Quevedo, Ventura Rodríguez, Juan de Villanueva y Gonzalo Fernández de Córdoba (el Gran Capitán). Fueron depositados en una capilla y devueltos en 1874 a sus respectivos lugares de origen.

 

En 1879, el templo fue objeto de una profunda reforma y restauración, impulsada por el político Antonio Cánovas del Castillo y financiada por el Ministerio del Estado. La rehabilitación fue aprovechada para decorar su interior, en un proceso que se extendió desde 1880 hasta 1889 y en el que intervinieron diferentes artistas españoles especializados en pinturas murales y artes decorativas, entre los que cabe destacar a Casto Plasencia, José Casado del Alisal y Salvador Martínez Cubells. La mayoría de sus estudios y bocetos se conservan en el Museo del Prado.​

 

Traslado de los restos de Calderón de la Barca, desde San Francisco el Grande (en la imagen, a la izquierda) hasta el cementerio de San Nicolás, a su paso por el primitivo Viaducto de Segovia. El grabado corresponde a 1874, cuando el templo dejó de tener la función de Panteón Nacional y fueron devueltos los restos mortales allí depositados a sus lugares de origen.

Las obras fueron realizadas a expensas de los fondos de la Obra Pía de los Santos Lugares, dirigiéndolas, por parte del Ministerio de Estado, Jacobo Prendergast. En la reforma tomaron parte escultores tan renombrados como Jerónimo Suñol, Justo Gandarias Plazón, Mariano Benlliure, Ricardo Bellver, Juan Samsó y Antonio Moltó; pintores de la fama de Carlos Luis de Ribera y Fieve, Alejandro Ferrant y Fischermans ayudado por su gran amigo José María López-Merlo Pascual, Casto Plasencia, Germán Hernández Amores, Manuel Domínguez Sánchez, José Casado del Alisal, José Moreno Carbonero, Antonio Muñoz Degraín, Salvador Martínez Cubells, Francisco Jover y Casanova, Eugenio Oliva y Rodrigo, José Marcelo Contreras y Muñoz y Manuel Ramírez

También ejecutaron obras de talla y ornamentación Francisco Molinelli, Pedro Nicoli y Varela.

 

En 1926, el rey Alfonso XIII devolvió el templo a los franciscanos. El 30 de junio de 1962 fue declarado basílica menor por el papa Juan XXIII y el 8 de noviembre del mismo año quedó bajo la advocación de Nuestra Señora de los Ángeles, tras una nueva consagración.

 

A lo largo del siglo XX se fueron sucediendo reformas y rehabilitaciones, permaneciendo cerrado durante décadas.Cabe señalar la iniciada en 1971, abordada por el arquitecto Luis Feduchi, en la que se actuó sobre las cubiertas y la cúpula, con la impermeabilización del emplomado y la restauración de los frescos del domo.

 

En noviembre de 2001, tras décadas en obras, la iglesia volvió a abrirse al público y en 2006 fueron desmontados los andamios instalados en el interior, con los que los restauradores procedieron a la recuperación de las pinturas murales

La basílica de San Francisco el Grande es de planta central y circular, con vestíbulo y ábside. La cubierta se resuelve mediante una gran cúpula, custodiada por seis pequeños domos, que rodean la base del edificio por el norte y por el sur.

 

Estos elementos encuentran correspondencia en el espacio interior del templo, conformado por una amplia rotonda y seis pequeñas capillas circundantes (tres a cada lado). La capilla mayor está instalada en el ábside y preside todo el conjunto.

 

Los materiales de construcción combinan sillares de granito, empleado principalmente en la fachada principal, y ladrillo enfoscado.

La cúpula de San Francisco el Grande tiene 33 m de diámetro y 58 m de altura (72 m desde el suelo). En lo que respecta a las cúpulas de planta circular, es la tercera de mayor diámetro de la cristiandad, por detrás de la del Panteón de Agripa (43,4 m) y de la de San Pedro del Vaticano (42,5 m), ambas en Roma (Italia).

 

Si se consideran también otro tipo de cúpulas, es la cuarta de mayor tamaño, por detrás de la cúpula de Santa María del Fiore (42 m), en Florencia (Italia), de planta octogonal y facetada en ocho caras.

 

Supera en diámetro a las cúpulas de Santa Sofía (31,8 m), en Estambul (Turquía); de la Catedral de San Pablo (30,8 m), en Londres (Reino Unido); y de Los Inválidos (24 m), en París (Francia).

 

Los problemas técnicos surgidos durante la construcción obligaron a adoptar una solución de escasa elevación para la cúpula, en la línea del modelo empleado en el Panteón de Agripa. Está realizada en ladrillo macizo, fabricado a pie de obra, en una sola hoja. En su arranque, la hoja presenta un grosor de tres metros, que va descendiendo hasta la coronación, donde el espesor es inferior al metro.

 

El domo está coronado por una linterna circular, con chapitel y cruz de hierro forjado sobre la flecha.

La fachada principal está orientada al este. Es obra de Francesco Sabatini, quien concibió un diseño netamente neoclásico, si bien matizado por su configuración convexa, necesaria para adaptarse a la planta circular de la estructura.

 

Presenta dos cuerpos. En el inferior se sitúan tres arcos de medio punto, sujetados mediante pilastras dóricas. El orden jónico domina el segundo cuerpo, constituido por tres ventanales adintelados. El conjunto se remata, en su parte superior, con un frontón triangular, situado en el punto central, y una balaustrada, que recorre los lados.

El frontón está adornado con la cruz de Jerusalén en el tímpano y, por encima, aparece una acrotera con el escudo franciscano y una corona real. Sobre los pilares de la balaustrada se elevan cuatro estatuas de piedra, representativas de santos, que fueron esculpidas en Londres en 1883.

 

La fachada está presidida por dos torres, una en cada extremo, ligeramente retranqueadas. Están cubiertas con chapiteles ondulados, coronados con veletas. En sus vanos, se alojan 19 campanas, ocho de ellas en la torre sur y las once restantes en la torre norte (estas últimas forman parte del carillón de la iglesia).​ Los campanarios están enmarcados con pilastras pareadas.

 

La cúpula y su linterna asoman entre las dos torres, dominando el conjunto

Las piezas más notables del vestíbulo son las siete puertas que permiten la entrada al recinto,​ que fueron talladas en madera de nogal en el siglo XIX. Se deben a Agustín Mustieles, perteneciente a la Casa de Juan Guas, quien utilizó modelos de Antonio Varela, de inspiración gótico-renacentista, sobre diferentes escenas bíblicas.

 

Entre los relieves más destacados, cabe citar los que figuran en las tres puertas centrales, con una representación de Cristo crucificado con la Fe y la Esperanza a sus pies y, a ambos lados, los dos ladrones del Calvario.

La rotonda interior está pavimentada en mármoles, así como sus zócalos. De decoración suntuosa, sus principales valores artísticos se concentran en las pinturas murales de la cúpula, resultado de las obras de reforma y remodelación impulsadas, en el último tercio del siglo XIX, por Antonio Cánovas del Castillo.

 

Éstas tienen como tema central a Nuestra Señora de los Ángeles y muestran diferentes escenas de reyes y santos rindiendo pleitesía a la Virgen. Se deben a una idea de Carlos Luis de Ribera y Fieve,​como director del proyecto de decoración y ejecutada por los más prestigiosos pintores de la época —Casto Plasencia, Alejandro Ferrant y Fischermans, Salvador Martínez Cubells, Francisco Jover y Manuel Domínguez—.

 

Fueron realizadas sobre paneles de yeso, instalados sobre la superficie interior del domo, y están dispuestas en ocho grandes secciones, separadas entre sí por ocho molduras, que parten del arranque de la cúpula y se cruzan en la linterna.

 

El contorno de la rotonda está adornado con doce esculturas de los Apóstoles, labradas en mármol blanco de Carrara, a partir de modelos españoles. Descansan sobre grandes pedestales y miden más de dos metros y medio cada una, aproximándose, en algunos casos, a los tres metros. Fueron esculpidas por Agapito Vallmitjana, Jerónimo Suñol (San Pedro y San Pablo) y Ricardo Bellver (San Andrés y San Bartolomé), entre otros artistas.

 

La decoración del conjunto se completa con una serie de vidrieras policromadas, situadas en los vanos que rodean la parte inferior de la cúpula; fueron construidas en 1882 en Múnich, a partir de un diseño de Amérigo y Laplaza. Y por los 16 candelabros monumentales realizados en latón por la Compañía metalúrgica de San Juan de Alcaraz, en 1889, y dispuestos en las paredes de la rotonda

La capilla mayor está instalada en el ábside. Hasta la reforma de finales del siglo XIX, se encontraba presidida por un lienzo de Francisco Bayeu, en el que se representa la aparición de Jesucristo y la Virgen María a San Francisco de Asís. El cuadro está situado actualmente en el coro.

 

El aspecto austero de entonces fue transformado con la citada remodelación, en la que fueron instalados numerosos elementos ornamentales, a partir de materiales como el mármol, las maderas nobles, el bronce o eloro.

La cabecera está presidida por cinco pinturas murales, enmarcadas en cuatro grandes pilastras, con ribetes dorados. Son obra de Manuel Domínguez y Alejandro Ferrant y se centran en diferentes episodios de la vida de Francisco de Asís. La media bóveda que sirve de cubierta al recinto fue decorada con pinturas de José Marcelo Contreras, sobre fondos dorados.

 

Capilla mayor. En el centro, puede observarse la sillería renacentista del monasterio de Santa María del Parral, de Segovia. A la izquierda, una de las estatuas de los Evangelistas.

Junto a la base de las referidas pilastras, hay situadas cuatro estatuas de los Evangelistas, que se elevan sobre pedestales de mármol negro. Fueron talladas en madera bronceada, por Francisco Molinelli y Antonio Moltó. A su alrededor se extiende una sillería renacentista, traída desde el monasterio jerónimo de Santa María del Parral, en Segovia, y adaptada al lugar por Ángel Guirao, en 1885.

 

El presbiterio está flanqueado, a ambos lados, por dos grandes púlpitos, realizados, en mármol de Carrara, por Nicoli. Este artífice realizó también la balaustrada de mármol de dicha capilla

Las seis capillas secundarias se distribuyen simétricamente, tres en el lado septentrional de la rotonda y tres en el meridional. Están separadas del gran espacio circular mediante pilares, sobre los que se sostienen diferentes arcos de medio punto, que permiten el acceso.

 

Cada capilla lateral está cubierta por una pequeña cúpula, con su correspondiente linterna, que replican, a menor escala, el modelo del gran domo que se alza sobre la rotonda. Se cierran con verjas de hierro, realizadas en 1884 por Juan González.

 

Su decoración responde al eclecticismo histórico vigente a finales del siglo XIX, cuando fue reformado el interior de la basílica. Responde a un proyecto de José Marcelo Contreras, que prescindió de cuatro de las obras pictóricas que, hasta entonces, ornamentaban las capillas, concretamente, las firmadas por Gregorio Ferro, Antonio González Velázquez, José del Castillo y Andrés de la Calleja.

 

Sólo mantuvo los lienzos de la capilla de San Antonio, donde se muestra una Inmaculada Concepción de Mariano Salvador Maella (1784), y de la capilla de San Bernardino, con el cuadro La predicación de San Bernardino de Siena ante Alfonso V de Aragón, de Francisco de Goya, fechado igualmente en 1784. El artista aragonés representa al santo predicando ante una multitud, donde figura un joven, que tradicionalmente se ha considerado como un autorretrato del pintor.

 

Las cuatro capillas restantes fueron decoradas con pinturas encargadas a prestigiosos artistas de la época, como Casto Plasencia, con una capilla obra en conmemoración de la virgen del Olvido y alusiva a la Orden de Carlos III, y José Casado del Alisal, con una representación de Santiago Apóstol en la batalla de Clavijo.

El coro está instalado en la parte superior del vestíbulo. Estuvo ornamentado con la sillería gótica de la Cartuja de Santa María de El Paular, tallada en madera de nogal y atribuida a Bartolomé Fernández. Los sitiales permanecieron en San Francisco el Grande desde 1836 hasta 2003, año en el que fueron devueltos a su lugar de origen.

 

Una de las piezas más significativas del recinto es su órgano tubular, realizado en 1884 por la Casa de Aristíde Cavaillé-Coll, de París, y restaurado en 2001 También destacan sus esculturas y relieves, entre los que cabe citar el titulado Entierro de Santa Inés, de Ricardo Bellver, labrado en la escalera de acceso.

 

En la línea de las restantes dependencias, la bóveda está decorada con pinturas murales. Tienen como tema central la muerte de san Francisco de Asís y fueron ejecutadas en 1882 por Carlos Luis de Ribera y Fieve y Casto Plasencia y Maestro. En el coro se encuentra también el lienzo Porciúncula, de Francisco Bayeu, inicialmente situado en la capilla mayor, tal y como se ha señalado anteriormente

Las instalaciones de San Francisco el Grande albergan un museo conformado por 51 cuadros, entre otras piezas artísticas. Las obras pictóricas de mayor valor corresponden al barroco español e italiano, con obras de Francisco Ribalta (San Jerónimo), Francisco de Zurbarán​ (San Buenaventura recibiendo la visita de Santo Tomás de Aquino), Vicente Carducho (Papa arrodillado y escenas al fondo), Alonso Cano (San Antonio de Padua), Artemisia Gentileschi (Jesús y la samaritana) y Luis Tristán (El descendimiento). Se exhiben, además, cuatro lienzos del pintor belga Gaspar de Crayer.

 

En el templo se conservaba el Cristo crucificado de Goya, obra con la que el artista consiguió ser admitido en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En el primer tercio del siglo XIX, el cuadro fue instalado en el desaparecido Museo de la Trinidad, absorbido en 1872 por el Museo del Prado.

 

Otras dependencias

 

Otras dependencias son la antesacristía y la sacristía. La primera estuvo amueblada con algunos elementos de la sillería de la Cartuja de Santa María de El Paular, hasta su traslado a este monasterio en el año 2003. En la segunda sala, la decoración corresponde al último tercio del siglo XIX.

  

MADRID DE LOS AUSTRIAS

 

Por Madrid de los Austrias, también llamado barrio de los Austrias, se conoce una amplia zona de la capital española, sin entidad administrativa, correspondiente al primitivo trazado medieval de la ciudad y a la expansión urbanística iniciada por los monarcas de la Casa de Austria, a partir de los reinados de Carlos I y, especialmente, de Felipe II, que, en el año 1561, estableció la Corte en Madrid. A efectos turísticos, el nombre se emplea para promocionar los conjuntos monumentales de una gran parte de los barrios administrativos de Sol y Palacio, que representa aproximadamente una cuarta parte de la citada zona. Además de su acepción geográfica, el término Madrid de los Austrias también tiene una acepción histórica. Según esta perspectiva, la expresión se emplea para designar la evolución, preferentemente urbanística, de la ciudad entre los reinados de Carlos I (r. 1516–1556), el primero de los Austrias, y Carlos II (r. 1665–1700), con el que se extinguió la rama española de esta dinastía.

Los límites del Madrid de los Austrias difieren significativamente según el punto de vista adoptado, ya sea histórico o turístico.

 

Límites históricos

  

Durante el reinado de Carlos I, Madrid estaba integrado por dos núcleos principales: el recinto comprendido dentro de la muralla cristiana, de origen medieval, y los arrabales. El casco urbano se extendía, de oeste a este, desde el Palacio Real hasta la Puerta del Sol; y, de norte a sur, desde la plaza de Santo Domingo hasta la plaza de la Cebada.

 

A partir de 1561, con la capitalidad, la ciudad creció de forma vertiginosa, expandiéndose principalmente hacia el este. El plano de Madrid realizado por Pedro Teixeira en el año 1656, casi un siglo después del establecimiento de la Corte, da una idea precisa de las dimensiones del casco urbano, en tiempos de Felipe IV (r. 1621–1665).​

 

La villa estaba rodeada por una cerca, mandada construir por el citado monarca en el año 1625, levantada, hacia el norte, sobre las actuales calles de Génova, Sagasta, Carranza y Alberto Aguilera (conocidas popularmente como los bulevares); hacia el sur, sobre las rondas de Toledo, Valencia y Embajadores; hacia el este, sobre los paseos del Prado y Recoletos; y hacia el oeste, sobre los terraplenes del valle del río Manzanares.

 

Extramuros,​ se situaban los jardines, parajes agrestes y recintos palaciegos del Buen Retiro, en la parte oriental de la ciudad; de la Casa de Campo, en la occidental; y del El Pardo, en la noroccidental.

 

La cerca de Felipe IV sustituyó a una anterior, promovida por Felipe II (r. 1556–1598) y que enseguida quedó obsoleta. Fue erigida para detener el crecimiento desordenado que estaba experimentando la ciudad y actuó como una auténtica barrera urbanística, que limitó la expansión de la urbe hasta el siglo XIX. Fue derribada en 1868.

 

A grandes rasgos, el espacio comprendido dentro de la cerca de Felipe IV se corresponde en la actualidad con el distrito Centro. Su superficie es de 523,73 hectáreas y comprende los barrios administrativos de Cortes, Embajadores, Justicia, Palacio, Sol y Universidad.

 

Límites turísticos

 

A diferencia de los límites históricos, perfectamente establecidos a través de la cerca de Felipe IV, la zona promocionada turísticamente como Madrid de los Austrias carece de una delimitación precisa. Se circunscribe a un ámbito sensiblemente menor, que comprende parcialmente los barrios administrativos de Sol y Palacio, pertenecientes al distrito Centro de la capital.

 

Se estaría hablando de las áreas de influencia de las calles Mayor, Arenal, Segovia, carrera de San Francisco, Bailén y Toledo y de las plazas de la Cebada, de la Paja, Mayor, Puerta del Sol y de Oriente, donde se hallan barrios y áreas sin entidad administrativa, como La Latina, Ópera o Las Vistillas.

 

Aquí se encuentran conjuntos monumentales construidos tanto en los siglos XVI y XVII, cuando reinó en España la dinastía Habsburgo, como en épocas anteriores y posteriores. Por lo general, todos ellos quedan incluidos en los itinerarios turísticos que utilizan la expresión Madrid de los Austrias. Es el caso de las iglesias medievales de san Nicolás de los Servitas y san Pedro el Viejo, de los siglos XII y XIV, respectivamente, y del Palacio Real, erigido en el siglo XVIII.

 

En orden inverso, existen monumentos promovidos por los Austrias no integrados en las citadas rutas, al situarse fuera de los barrios de Sol y Palacio. Algunos ejemplos son el Salón de Reinos y el Casón del Buen Retiro, que formaron parte del desaparecido Palacio del Buen Retiro, y los jardines homónimos.

 

También quedan excluidas de esta clasificación turística zonas de menor valor monumental, pero con un gran significado histórico en la época de los Austrias. Es el caso del barrio de las Letras, articulado alrededor de la calle de las Huertas, donde coincidieron algunos de los literatos más destacados del Siglo de Oro español, tales como Félix Lope de Vega, Miguel de Cervantes o Francisco de Quevedo; o de la Casa de Campo, concebida por Felipe II como una finca de recreo y reserva de caza. En la primera mitad del siglo XVI, antes de su designación como capital, Madrid era una villa de tamaño medio entre las urbes castellanas, con cierta relevancia social e influencia política. Tenía entre 10 000 y 20 000 habitantes y formaba parte del grupo de dieciocho ciudades que disfrutaban del privilegio de tener voz y voto en las Cortes de Castilla.​

 

Había acogido en numerosas ocasiones las Cortes del Reino y, desde la época de los Trastámara, era frecuentada por la monarquía, atraída por su riqueza cinegética. Además, uno de sus templos religiosos, San Jerónimo el Real, fue elegido por la monarquía como escenario oficial del acto de jura de los príncipes de Asturias como herederos de la Corona.​ El primero en hacerlo fue Felipe II (18 de abril de 1528), que 33 años después fijaría la Corte en Madrid, y la última Isabel II (20 de junio de 1883).

Carlos I (r. 1516–1556), el primer monarca de la Casa de Austria, mostró un interés especial por la villa, tal vez con la intención de establecer de forma definitiva la Corte en Madrid. Así sostiene el cronista Luis Cabrera de Córdoba (1559–1623), en un escrito referido a Felipe II

El emperador impulsó diferentes obras arquitectónicas y urbanísticas en Madrid. A él se debe la conversión del primitivo castillo de El Pardo en palacio, situado en las afueras del casco urbano. Las obras, dirigidas por el arquitecto Luis de Vega, se iniciaron en 1547 y concluyeron en 1558, durante el reinado de Felipe II. De este proyecto sólo se conservan algunos elementos que, como el Patio de los Austrias, quedaron integrados en la estructura definitiva del Palacio Real de El Pardo, fruto de la reconstrucción llevada a cabo en el siglo XVIII, tras el incendio de 1604.

 

Otro de los edificios que el monarca ordenó reformar fue el Real Alcázar de Madrid, un castillo de origen medieval, que fue pasto de las llamas en 1734 y en cuyo solar se levanta en la actualidad el Palacio Real. Duplicó su superficie con diferentes añadidos, entre los que destacan el Patio y las Salas de la Reina y la llamada Torre de Carlos I, a partir de un diseño de Luis de Vega y Alonso de Covarrubias.

 

Entre los proyectos urbanísticos promovidos por Carlos I, figura la demolición de la Puerta de Guadalaxara, el acceso principal de la antigua muralla cristiana de Madrid, y su sustitución por una más monumental, con tres arcos. Fue levantada hacia 1535 a la altura del número 49 de la actual calle Mayor y el 2 de septiembre de 1582 desapareció en un incendio.​

 

Durante su reinado, se inauguraron algunos templos religiosos, entre ellos el santuario de Nuestra Señora de Atocha, que data de 1523. Fue derribado en 1888, ante su mal estado, y reconstruido como basílica en el siglo XX.

 

En 1541, se dispuso la ampliación de la Iglesia de San Ginés, situada en la calle del Arenal, mediante un anejo parroquial en la calle de la Montera, que recibió el nombre de San Luis Obispo. Abrió sus puertas en 1689, en tiempos de Carlos II, y fue incendiado en 1935. Sólo se conserva su fachada principal, que fue trasladada e integrada en la estructura de la Iglesia de Nuestra Señora del Carmen, en la calle del Carmen.

 

El Convento de San Felipe el Real, de 1547, fue uno de los puntos de encuentro más importantes del Madrid de los Austrias. Su lonja recibió el sobrenombre de mentidero de la villa, por los rumores que allí se fraguaban.​ El edificio, destruido en 1838, poseía un relevante claustro renacentista, compuesto por 28 arcos en cada una de sus dos galerías.

 

Otro templo de la época es la Iglesia de San Sebastián (1554–1575), que tuvo que ser reconstruida tras ser alcanzada por una bomba durante la Guerra Civil.

 

La Capilla del Obispo es, sin duda, la construcción religiosa de mayor interés arquitectónico llevada a cabo en Madrid, en tiempos de Carlos I.​ Fue levantada entre 1520 y 1535, como un anejo de la iglesia medieval de San Andrés. Responde a una iniciativa de la familia de los Vargas, una de las más poderosas del Madrid medieval y renacentista. Debe su nombre a Gutierre de Vargas y Carvajal, obispo de Plasencia, su principal impulsor.

 

En el terreno social, el religioso Antón Martín creó en 1552 el Hospital de Nuestra Señora del Amor de Dios, que estuvo en la calle de Atocha, cerca de la plaza que lleva el nombre de su fundador.

 

En 1529, Carlos I ordenó que el Real Hospital de la Corte, de carácter itinerante ya que acompañaba a la Corte en sus desplazamientos, quedara establecido de forma fija en Madrid. Su edificio, conocido como Hospital del Buen Suceso, estaba integrado por un recinto hospitalario y una iglesia, que fueron concluidos en 1607. A mediados del siglo XIX, se procedió a su derribo dentro de las obras de ampliación de la Puerta del Sol, donde se encontraba.

 

En cuanto a las residencias palaciegas, cabe mencionar la de Alonso Gutiérrez de Madrid, tesorero del emperador, cuya estructura fue aprovechada, durante el reinado de Felipe II, para la fundación del Monasterio de las Descalzas Reales. Recientes intervenciones en este edificio han puesto al descubierto elementos originales del patio principal del citado palacio.​

 

El Palacio de los condes de Paredes de Nava o Casa de San Isidro, donde tiene sus instalaciones el Museo de los Orígenes, se encuentra en la plaza de San Andrés. Fue construido en el solar de un antiguo edificio donde, según la tradición, vivió Iván de Vargas, quien, en el siglo XI, dio alojamiento y trabajo a san Isidro. Data de la primera mitad del siglo XVI.

 

Por su parte, la Casa de Cisneros data del año 1537 y está construida en estilo plateresco. Situada entre la calle del Sacramento y la plaza de la Villa, su primer propietario fue Benito Jiménez de Cisneros, sobrino del cardenal Cisneros (1436–1517), de quien toma su nombre.

 

Reinado de Felipe II

 

En 1561, Felipe II (r. 1556–1598) estableció la Corte en Madrid. Tal designación provocó un aumento de la población vertiginoso: de los 10 000 - 20 000 habitantes que podía haber en la villa antes de la capitalidad se pasó a 35 000 - 45 000 en el año 1575 y a más de 100 000 a finales del siglo XVI.

 

Para hacer frente a este crecimiento demográfico, el Concejo de Madrid, respaldado por la Corona, elaboró un proyecto de ordenación urbanística, consistente en la alineación y ensanchamiento de calles, el derribo de la antigua muralla medieval, la adecuación de la plaza del Arrabal (antecedente de la actual Plaza Mayor) y la construcción de edificios públicos como hospitales, hospicios, orfanatos, instalaciones de abastos y templos religiosos.

 

Felipe II puso al frente de este plan al arquitecto Juan Bautista de Toledo. Sin embargo, la falta de medios y lentitud burocrática del consistorio y el desinterés mostrado por la Corona en la aportación de recursos ralentizaron su desarrollo. La consecuencia fue un crecimiento urbano rápido y desordenado, que se realizó preferentemente hacia el este del centro histórico, dada la accidentada orografía de la parte occidental, orientada a los barrancos y terraplenes del valle del río Manzanares.

 

Los nuevos edificios se construyeron siguiendo la dirección de los caminos que partían de la villa y, a su alrededor, surgió un entramado de calles estrechas, aunque dispuestas hipodámicamente. El que conducía hasta Alcalá de Henares (hoy calle de Alcalá) vertebró el crecimiento urbano hacia el este, al igual que el camino que llevaba a San Jerónimo el Real, sobre el que se originó la carrera de San Jerónimo. Por el sudeste, la expansión tomó como eje principal el camino del santuario de Nuestra Señora de Atocha (actual calle de Atocha).

 

Hacia el sur, las nuevas casas se alinearon alrededor del camino de Toledo (calle de Toledo) y, por el norte, la referencia urbanística estuvo marcada por los caminos de Hortaleza y de Fuencarral (con sus respectivas calles homónimas), si bien hay que tener en cuenta que, en estos dos lados de la ciudad, el crecimiento fue más moderado.

 

Antes de la capitalidad, en 1535, la superficie de Madrid era de 72 hectáreas, cifra que aumentó hasta 134 en 1565, sólo cuatro años después de establecerse la Corte en la villa. A finales del reinado de Felipe II, el casco urbano ocupaba 282 hectáreas y tenía unos 7590 inmuebles, tres veces más que en 1563 (2250), al poco tiempo de la designación de Madrid como capital.

 

La intensa actividad inmobiliaria de este periodo no fue suficiente para satisfacer la demanda de viviendas, por parte de cortesanos y sirvientes de la Corona. Tal situación llevó al monarca a promulgar el edicto conocido como Regalía de Aposento, mediante el cual los propietarios de inmuebles de más de una planta estaban obligados a ceder una de ellas a una familia cortesana.

 

Este decreto favoreció el desarrollo de las llamadas casas a la malicia, un tipo de vivienda con el que sus propietarios intentaban evitar el cumplimiento de la norma, mediante diferentes soluciones (una única planta, compartimentación excesiva de los interiores, ocultación a la vía pública del piso superior...).

 

En 1590, la Corona y el Concejo crearon la Junta de Policía y Ornato, organismo presidido por el arquitecto Francisco de Mora, con el que se intentó poner fin a los desarreglos urbanísticos provocados por la rápida expansión de la ciudad. La correcta alineación de las calles, mediante la supresión de los recovecos existentes entre los inmuebles, fue uno de sus objetivos.

 

Felipe II promovió la realización de diferentes infraestructuras urbanas, caso del Puente de Segovia, la calle Real Nueva (actual calle de Segovia) y la Plaza Mayor. Los proyectos inicialmente previstos para estas tres obras no pudieron llevarse a cabo plenamente, adoptándose soluciones menos ambiciosas, ante las limitaciones presupuestarias.

 

Las dos primeras se enmarcaban dentro del mismo plan, consistente en la creación de una gran avenida, de aire monumental, que, salvando el río Manzanares por el oeste, conectase el antiguo camino de Segovia con el Real Alcázar. Finalmente, sólo pudo ejecutarse el puente (1582–1584), atribuido a Juan de Herrera, mientras que la avenida quedó reducida a unas nivelaciones del terreno sobre el barranco del arroyo de San Pedro y al derribo de varios edificios, que dieron origen a la calle de Segovia, terminada en 1577.

 

Con respecto a la Plaza Mayor, levantada sobre la antigua plaza del Arrabal, el centro comercial de la villa en aquel entonces, el monarca encargó su diseño a Juan de Herrera en el año 1580. Durante su reinado, se demolieron los edificios primitivos y dieron comienzo las obras de la Casa de la Panadería (1590), proyectada por Diego Sillero. Fue su sucesor, Felipe III, quien dio el impulso definitivo al recinto.

 

Felipe II continuó con las reformas y ampliaciones del Real Alcázar, iniciadas por su padre, con la edificación de la Torre Dorada, obra de Juan Bautista de Toledo, y la decoración de las distintas dependencias. También ordenó la construcción, en las inmediaciones del palacio, de la Casa del Tesoro, las Caballerizas Reales y la Armería Real. Todos estos conjuntos han desaparecido.

 

Pero tal vez su proyecto más personal fuese la Casa de Campo, paraje que convirtió en un recinto palaciego y ajardinado para su recreo. Se debe a un diseño de Juan Bautista de Toledo, que siguió el modelo de naturaleza urbanizada, acorde con el gusto renacentista de la época, a modo de conexión con el Monte de El Pardo.​ De este proyecto sólo se conservan partes del trazado de los jardines y algunos restos del palacete.

 

Asimismo, fueron levantados distintos edificios religiosos y civiles. El Monasterio de las Descalzas Reales fue fundado en 1559 por Juana de Austria, hermana del monarca, y en 1561 comenzaron las obras del Convento de la Victoria, que, como aquel, también estuvo muy vinculado con la Corona.

 

En 1583 abrió su puertas el corral de comedias del Teatro del Príncipe (en cuyo solar se levanta ahora el Teatro Español), institución clave en el Siglo de Oro español.15​ En 1590, fue inaugurado el Colegio de María de Córdoba y Aragón (actual Palacio del Senado), que toma su nombre de una dama de la reina Ana de Austria, principal impulsora del proyecto.

 

Entre los palacios nobiliarios, hay que destacar la Casa de las Siete Chimeneas (1574–1577), actual sede del Ministerio de Cultura, situada en la plaza del Rey. Su primer propietario fue Pedro de Ledesma, secretario de Antonio Pérez.

 

En la calle de Atocha se encontraban las casas de Antonio Pérez y en la plaza de la Paja se halla el Palacio de los Vargas, cuya fachada fue transformada en el siglo XX, adoptándose una solución historicista, a modo de continuación de la contigua Capilla del Obispo.

Reinado de Felipe III

En 1601, pocos años después de subir al trono Felipe III (r. 1598–1621), Madrid perdió la capitalidad a favor de Valladolid. Consiguió recuperarla cinco años después, tras el pago a la Corona de 250 000 ducados y el compromiso por parte del Concejo de abastecer de agua potable al Real Alcázar, entre otras infraestructuras.

 

Con tal fin, el consistorio realizó los denominados viajes de agua (conducciones desde manantiales cercanos a la villa), entre los cuales cabe destacar el de Amaniel (1614–1616). De ellos también se beneficiaron algunos conventos y palacios, además de los propios vecinos, a través de las fuentes públicas.​ En 1617 fue creada la llamada Junta de Fuentes, organismo encargado de su mantenimiento y conservación.

 

Bajo el reinado de Felipe III, se proyectaron numerosos edificios religiosos y civiles, algunos de los cuales fueron inaugurados en la época de Felipe IV. Es el caso de la Colegiata de San Isidro; de la nueva fachada del Real Alcázar (1610–1636), obra de Juan Gómez de Mora, que perduró hasta el incendio del palacio en 1734;​ y del Convento de los Padres Capuchinos, en El Pardo, fundado por el rey en 1612, cuyo edificio definitivo no pudo comenzarse hasta 1638.

 

Las nuevas edificaciones se construyeron con mayor calidad arquitectónica que en los periodos anteriores, al tiempo que se impuso un estilo propio, típicamente madrileño, de aire clasicista y de clara influencia herreriana,​ aunque también se observan rasgos prebarrocos.

 

Además, se establecieron arquetipos arquitectónicos, que, en relación con las casas palaciegas, quedaron definidos en un trazado de planta rectangular, dos o más alturas de órdenes, portadas manieristas, cubiertas abuhardilladas de pizarra y torres cuadrangulares, por lo general dos, con chapiteles rematados en punta, en la línea escurialense.

 

Este esquema, uno de los que mejor definen la arquitectura madrileña de los Austrias y de periodos posteriores, empezó a gestarse en tiempos de Felipe III, con ejemplos tan notables como las Casas de la Panadería y de la Carnicería, en la Plaza Mayor; el Palacio del marqués de Camarasa, ubicado en la calle Mayor y sede actual de diferentes dependencias municipales; el proyecto de reconstrucción del Palacio Real de El Pardo, incendiado el 13 de marzo de 1604; y la ya citada fachada del Real Alcázar. No obstante, fue con Felipe IV cuando alcanzó su máxima expresión.

 

Por su parte, el Palacio de los Consejos (también llamado del duque de Uceda) puede ser considerado un precedente en lo que respecta a la organización del espacio y fachadas, si bien carece de las torres de inspiración herreriana. Fue diseñado por Francisco de Mora, quien contó con la colaboración de Alonso de Trujillo, al frente las obras entre 1608 y 1613.

 

En cuanto a los templos religiosos, la mayoría de las construcciones utilizó como referencia el modelo jesuítico, de planta de cruz latina, que tiene su origen en la Iglesia del Gesú (Roma, Italia). La Colegiata de San Isidro, que, como se ha referido, fue diseñada en tiempos de Felipe III y terminada con Felipe IV, responde a esta pauta.

 

Mención especial merece el Real Monasterio de la Encarnación (1611–1616), fundado por Margarita de Austria, esposa del rey. Su fachada, obra de Juan Gómez de Mora (aunque posiblemente proyectada por su tío, Francisco de Mora), fue una de las más imitadas en la arquitectura castellana del siglo XVII y buena parte del XVIII.​

 

Un ejemplo es el Monasterio de la Inmaculada Concepción, en Loeches (Madrid), que, como aquel, presenta fachada rectangular con pórtico, pilastras a ambos lados y frontón en la parte superior.

 

La lista de edificios religiosos levantados durante el reinado de Felipe III es amplia. El Convento de San Ildefonso de las Trinitarias Descalzas (o, sencillamente, de las Trinitarias), del año 1609, se encuentra en el Barrio de las Letras y en él fue enterrado Miguel de Cervantes. Del Convento del Santísimo Sacramento, fundado en 1615 por Cristóbal Gómez de Sandoval y de la Cerda, valido del rey, sólo se conserva su iglesia (actual Catedral Arzobispal Castrense), levantada en tiempos de Carlos II.

 

El Monasterio del Corpus Christi o de las Carboneras y la Iglesia de Nuestra Señora del Carmen fueron empezados en 1607 y 1611, respectivamente, y ambos se deben a Miguel de Soria. La Iglesia de San Antonio de los Alemanes, de 1606, es una de las más singulares del primer tercio del siglo XVII, por su planta oval.21​ Su interior está decorado al fresco por Lucas Jordán, Juan Carreño de Miranda y Francisco Rizi.

 

Las iglesias de San Ildefonso (1619) y de Santos Justo y Pastor (hacia 1620) se encuentran entre las últimas fundaciones religiosas llevadas a cabo antes de la muerte del monarca en 1621. La primera, destruida completamente durante la Guerra Civil Española, fue reconstruida en la década de 1950.

 

Pero, sin duda, el proyecto urbanístico más importante llevado a cabo por el monarca fue la Plaza Mayor. En 1619, Felipe III finalizó las obras, que había iniciado su antecesor, con un nuevo diseño, firmado y desarrollado por Juan Gómez de Mora. Este arquitecto fue también responsable de la Casa de la Panadería, que preside el conjunto, si bien su aspecto actual corresponde a la reconstrucción realizada por Tomás Román, tras el incendio acaecido en 1672.

 

Además de este recinto, se procedió a adecuar otras plazas, como la de la Cebada y la desaparecida de Valnadú, esta última resultado de la demolición en el año 1567 de la puerta homónima, en la época de Felipe II. Otro de sus logros urbanísticos fue la reorganización del territorio en las riberas del río Manzanares y en el Real Camino de Valladolid, mediante la eliminación de las compartimentaciones internas y la estructuración de los plantíos.​

 

En el terreno de la escultura, destaca la estatua ecuestre del propio rey, traída desde Italia como obsequio del Gran Duque de Florencia. Realizada en bronce, fue comenzada por Juan de Bolonia y terminada por su discípulo, Pietro Tacca, en 1616.

 

Estuvo emplazada en la Casa de Campo, recinto que fue objeto de una especial atención por parte del monarca con la construcción de nuevas salas en el palacete (del Mosaico y de las Burlas) y la instalación de diferentes fuentes y adornos en los jardines. En 1848, la escultura fue trasladada al centro de la Plaza Mayor, donde actualmente se exhibe, por orden de Isabel II.

 

Reinado de Felipe IV

Felipe IV (r. 1621–1665) accedió al trono a la edad de dieciséis años, tras la inesperada muerte de su padre. Tradicionalmente ha sido considerado como un mecenas de las letras y de las artes, principalmente de la pintura.​ Durante su reinado, Madrid se convirtió en uno de los principales focos culturales de Europa y en el escenario donde se fraguaron muchas de las grandes creaciones del Siglo de Oro español. Además, la ciudad albergó la mayor parte de la colección pictórica del monarca, una de las más importantes de la historia del coleccionismo español

 

En el ámbito de la arquitectura, se levantaron numerosos edificios civiles y religiosos, al tiempo que se construyó una nueva residencia regia en el entorno del Prado de los Jerónimos, en el lado oriental del casco urbano. El Palacio del Buen Retiro desplazó hacia el este buena parte de la actividad política, social y cultural de la villa, que hasta entonces gravitaba únicamente sobre el Real Alcázar, situado en el extremo occidental.

En líneas generales, la arquitectura palaciega del reinado de Felipe IV siguió el modelo post-escurialense, de rasgos barrocos contenidos, que comenzó a forjarse con Felipe III. Este estándar aparecía en estado puro en el desaparecido Palacio del Buen Retiro, cuyo origen fue el llamado Cuarto Real, un anexo del Monasterio de los Jerónimos, que, desde tiempos de los Reyes Católicos, era frecuentado por la realeza para su descanso y retiro.

 

Siguiendo una iniciativa del Conde-Duque de Olivares,29​ en 1632 Felipe IV ordenó al arquitecto Alonso Carbonel la ampliación del recinto y su conversión en residencia veraniega. El palacio fue concebido como un lugar de recreo, función que quedó remarcada mediante una configuración articulada alrededor de dos grandes patios, diseñados a modo de plazas urbanas.30​ La Plaza Principal estaba reservada a la Familia Real, mientras que la Plaza Grande, de mayores dimensiones, era utilizada para la celebración de fiestas, actos lúdico-culturales y eventos taurinos.

 

La primera fase, correspondiente al núcleo central (Plaza Principal), se concluyó en 1633, sólo un año después de realizarse el encargo. Por su parte, las obras de la Plaza Grande, el Picadero, el Salón de Baile, el Coliseo y los jardines se prolongaron, a lo largo de diferentes etapas, hasta 1640.

 

El recinto palaciego sufrió graves desperfectos durante la Guerra de la Independencia y, finalmente, fue demolido en la época de Isabel II, ante la imposibilidad de recuperación. Sólo se conservan el Salón de Reinos y el Salón de Baile (o Casón del Buen Retiro), si bien con importantes transformaciones en relación con el diseño original.

 

En lo que respecta a los jardines, el Parque de El Retiro es heredero del trazado llevado a cabo en la época de Felipe IV, aunque su fisonomía actual responde a múltiples remodelaciones ejecutadas en periodos posteriores, principalmente en los siglos XVIII y XIX. Entre los elementos primitivos que aún se mantienen, cabe citar algunos complejos hidráulicos, como el Estanque Grande y la Ría Chica.

 

Además del Buen Retiro, el monarca mostró una especial predilección por el Real Sitio de El Pardo, donde mandó construir el Palacio de la Zarzuela, actual residencia de la Familia Real, y ampliar la Torre de la Parada, a partir de un diseño de Juan Gómez de Mora. Este último edificio fue erigido como pabellón de caza por Felipe II y resultó completamente destruido en el siglo XVIII.

 

La arquitectura civil tiene en el Palacio de Santa Cruz y en la Casa de la Villa, ambos proyectados por Juan Gómez de Mora en el año 1629, dos notables exponentes.

 

El primero albergó la Sala de Alcaldes de Casa y Corte y la Cárcel de Corte y, en la actualidad, acoge al Ministerio de Asuntos Exteriores. Se estructura alrededor de dos patios cuadrangulares simétricos, unidos mediante un eje central que sirve de distribuidor y acceso al edificio. La horizontalidad de su fachada principal, que da a la Plaza de la Provincia, queda rota por los torreones laterales de inspiración herreriana y la portada con dos niveles de triple vano. Fue terminado en 1636 y ha sido objeto de numerosas reformas en siglos posteriores.

 

Por su parte, la Casa de la Villa fue diseñada como sede del gobierno municipal y Cárcel de Villa. Sus obras comenzaron en 1644, quince años después de realizarse el proyecto, y finalizaron en 1696. Junto a Gómez de Mora, colaboraron José de Villarreal, a quien se debe el patio central, Teodoro Ardemans y José del Olmo.

 

Entre las residencias nobiliarias, figuran el Palacio del duque de Abrantes, construido por Juan Maza entre 1653 y 1655 y transformado sustancialmente en el siglo XIX, y el Palacio de la Moncloa. Este último fue erigido en el año 1642, a iniciativa de Melchor Antonio Portocarrero y Lasso de la Vega, conde de Monclova y virrey del Perú, su primer propietario. La estructura actual corresponde a la reconstrucción y ampliación llevadas a cabo en el siglo XX, tras los daños sufridos durante la Guerra Civil.

La arquitectura religiosa del reinado de Felipe IV presenta dos fases, coincidentes con los procesos evolutivos que se dieron en el arte barroco español a lo largo del siglo XVII.

 

En la primera mitad, se mantuvo la austeridad geométrica y espacial, arrastrada del estilo herreriano, con escasos y calculados motivos ornamentales, salvo en los interiores, que, en clara contraposición, aparecían profusamente decorados. En la segunda mitad del siglo, el gusto por las formas favoreció un progresivo alejamiento del clasicismo y la incorporación de motivos naturalistas en las fachadas.

 

Dentro de la primera corriente, que puede ser denominada como barroco clasicista, se encuentran la Colegiata de San Isidro, la Ermita de San Antonio de los Portugueses y el Convento de San Plácido.

 

La Colegiata de San Isidro (1622–1664) fue fundada como iglesia del antiguo Colegio Imperial,​ situado dentro del mismo complejo. El templo se debe a un proyecto del hermano jesuita Pedro Sánchez de hacia 1620, iniciándose su construcción en 1622. A su muerte, en 1633, se hará cargo de la obra el hermano Francisco Bautista junto con Melchor de Bueras. Es de planta de cruz latina y destaca por su fachada monumental, realizada en piedra de granito y flanqueada por dos torres en los lados. Fue la catedral provisional de Madrid desde 1885 hasta 1993.

 

La Ermita de San Antonio de los Portugueses estuvo ubicada en una isla artificial, en medio de un estanque lobulado, dentro de los Jardines del Buen Retiro. Fue edificada entre 1635 y 1637 por Alonso Carbonel y derribada en 1761, para levantar, sobre su solar, la Real Fábrica de Porcelana de la China, igualmente desaparecida. Su torre cuadrangular, rematada con chapitel herreriano, y su suntuosa portada, configurada por cuatro grandes columnas de mármol blanco y capiteles de mármol negro, eran sus elementos más notables.

 

El edificio actual del Convento de San Plácido, obra de Lorenzo de San Nicolás, data de 1641. La decoración interior es la parte más sobresaliente y en él se conserva un Cristo yacente de Gregorio Fernández.

 

Conforme fue avanzando el siglo XVII, los exteriores sobrios fueron perdiendo vigencia y se impuso un estilo plenamente barroco, sin apenas concesiones al clasicismo. Esta evolución puede apreciarse en la ya citada Casa de la Villa, que, dado su prolongado proceso de construcción (el diseño se hizo en 1629 y el edificio se terminó en 1696), fue incorporando diferentes elementos ornamentales en su fachada clasicista, acordes con las nuevas tendencias.

 

La Capilla de San Isidro ejemplifica el apogeo del barroco. Fue construida como un anejo de la iglesia de origen medieval de San Andrés para albergar los restos mortales de san Isidro. La primera piedra se puso en 1642, a partir de un proyecto de Pedro de la Torre. En 1657, José de Villarreal realizó un segundo proyecto, cuyas obras fueron inauguradas por Felipe IV y su esposa Mariana de Austria en un acto institucional. Fue terminada en 1699.

 

Junto a la basílica neoclásica de San Francisco el Grande (siglo XVIII), se halla la Capilla del santo Cristo de los Dolores para la Venerable Orden Tercera de San Francisco (1662–1668), realizada por el arquitecto Francisco Bautista. En su interior sobresale la decoración barroca, con especial mención al baldaquino, hecho en maderas, jaspes y mármoles, donde se guarda la talla del Cristo de los Dolores.

 

El Convento de Nuestra Señora de la Concepción o de las Góngoras es otro ejemplo del barroco madrileño. Debe su nombre a Juan Jiménez de Góngora, ministro del Consejo de Castilla, quien procedió a su creación, por encargo directo del rey, como ofrenda por el nacimiento de su hijo Carlos (a la postre Carlos II). Fue inaugurado en 1665 y ampliado en 1669, según un proyecto de Manuel del Olmo.

 

Dentro del capítulo de arquitectura religiosa, también hay que destacar la reconstrucción de la iglesia medieval de San Ginés, llevada a cabo, a partir de 1645, por el arquitecto Juan Ruiz. Es de planta de cruz latina, de tres naves, con crucero y cúpula.

 

Escultura

Las numerosas fundaciones religiosas llevadas a cabo con Felipe IV generaron una importante actividad escultórica, destinada a la realización de tallas y retablos. Hacia 1646 se estableció en la Corte Manuel Pereira, a quien se debe el retablo de la Iglesia de San Andrés, desaparecido durante la Guerra Civil, y la estatua de San Bruno, considerada una de sus obras maestras, que se conserva en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

 

Fuera del ámbito religioso, la producción escultórica se desarrolló a través de dos vías: la ornamentación de calles y plazas, mediante la construcción de fuentes artísticas (es el caso de la Fuente de Orfeo, diseñada por Juan Gómez de Mora y terminada en 1629), y los encargos reales, entre los que sobresale la estatua ecuestre de Felipe IV (1634–1640).

 

Se trata de las primera escultura a caballo del mundo en la que éste se sostiene únicamente sobre sus patas traseras.34​ Es obra de Pietro Tacca, quien trabajó sobre unos bocetos hechos por Velázquez y, según la tradición, contó con el asesoramiento científico de Galileo Galilei. Conocida como el caballo de bronce, estuvo inialmente en el Palacio del Buen Retiro y, en tiempos de Isabel II, fue trasladada a la Plaza de Oriente, su actual ubicación.

En el terreno urbanístico, Felipe IV ordenó la construcción de una cerca alrededor del casco urbano, mediante la cual quedaron establecidos los nuevos límites de la villa, tras los procesos expansivos de los periodos anteriores. Desde la fundación de Madrid en el siglo IX, había sido costumbre cercar el caserío, bien con una finalidad defensiva (murallas musulmana y cristiana), bien para el control fiscal de los abastos e inmigración (cerca medieval de los arrabales y Cerca de Felipe II).

 

La Cerca de Felipe IV provocó varios efectos en el desarrollo urbano: por un lado, impidió la expansión horizontal de Madrid hasta bien entrado el siglo XIX, cuando fue demolida y pudieron acometerse los primeros ensanches; y, por otro, favoreció un cierto crecimiento vertical, dando lugar a las corralas, viviendas dispuestas en varias alturas y organizadas en corredera, alrededor de un gran patio común.

 

De la citada cerca, realizada en ladrillo y mampostería, aún se mantienen en pie algunos restos, como los situados en la Ronda de Segovia, en los alrededores de la Puerta de Toledo.

 

El Puente de Toledo es otro de los proyectos urbanísticos impulsados por el rey. Su función era enlazar directamente el casco urbano con el camino de Toledo, salvando el río Manzanares por la parte suroccidental de la ciudad. Fue construido por José de Villarreal entre 1649 y 1660, a partir de un proyecto de Juan Gómez de Mora.

 

El puente quedó destruido en una riada y en 1671, durante el reinado de Carlos II, se levantó uno nuevo, que también desapareció por los mismos motivos. La estructura definitiva que ha llegado a la actualidad corresponde al primer tercio del siglo XVIII y es obra de Pedro de Ribera.

Reinado de Carlos II

Con la llegada al trono de Carlos II (r. 1665–1700), se frenó el ritmo constructor del reinado anterior, sobre todo en lo que respecta a las edificaciones civiles. Entre éstas, tan sólo cabe mencionar la Puerta de Felipe IV (1680), que, pese a su nombre, fue erigida en honor de María Luisa de Orleáns, primera esposa de Carlos II. Trazada por Melchor Bueras, estuvo inicialmente emplazada en la Carrera de San Jerónimo, hasta su traslado, a mediados del siglo XIX, a la calle de Alfonso XII, donde sirve de acceso al Parque de El Retiro.

 

En cuanto a las fundaciones religiosas, se levantaron algunos templos de interés artístico, que abandonaron definitivamente el aspecto austero de la primera mitad del siglo XVII e incorporaron plenamente las tendencias barrocas.

 

Es el caso de la Iglesia de Nuestra Señora de Montserrat, que forma parte del convento homónimo.​ Fue trazada en el año 1668 por el arquitecto Sebastián Herrera Barnuevo, si bien su proyecto fue transformado por Gaspar de la Peña, Juan de Torija, Pedro de la Torre, Francisco Aspur y Pedro de Ribera, que intervinieron, en diferentes fases, hasta la conclusión del conjunto en 1720. El edificio destaca por su exterior profusamente ornamentado, en especial la torre que flanquea uno de sus lados, con abundantes motivos naturalistas en su parte superior y alrededor de los vanos.

 

El gusto por las formas también está presente en la Iglesia de las Calatravas (1670–1678), situada en la calle de Alcalá. Se debe a un diseño de fray Lorenzo de San Nicolás, terminado por Isidro Martínez y Gregorio Garrote. Presenta planta de cruz latina y, en su crucero, se alza una cúpula con tambor de ocho vanos, cuatro abiertos y cuatro cegados. La capilla mayor está adornada con un retablo de José Benito de Churriguera, realizado en tiempos de Felipe V.

 

Del Monasterio del santísimo Sacramento, fundado por Cristóbal Gómez de Sandoval en la época de Felipe IV, sólo se conserva su iglesia, actual Catedral Arzobispal Castrense. El templo se construyó con Carlos II, entre 1671 y 1744, a partir de un proyecto firmado por Francisco Bautista, Manuel del Olmo y Bartolomé Hurtado García.

 

Su fachada, labrada en sillares de granito, se estructura en tres niveles horizontales y está rematada por un frontón circular. La decoración exterior consiste en diferentes molduras que recorren los vanos, con motivos naturales, y en un relieve dedicado a san Benito y san Bernardo, instalado en el nivel intermedio.

 

Pese a las corrientes barrocas del momento, el Convento de las Comendadoras de Santiago se aproxima más al arquetipo arquitectónico de la primera mitad del reinado de Felipe IV, caracterizado por su sobriedad. El edificio, que empezó a construirse en 1667, destaca por su iglesia, de planta de cruz griega, fachada inspirada en el modelo del Real Monasterio de la Encarnación y torres con chapiteles herrerianos en los lados.

 

A ‘Mass’ demonstration by ‘The Extinction Rebellion’ group taking place along Deansgate, Manchester, UK.

Joe public are up in arms with the police and the local council as they allowed the 4 day demonstration to take place along Deansgate, the main route through the City centre; chosen by the demonstrators as they say it is the most polluted street in the City. In defence of the police they maintained that allowing the closure of the road would result in less trouble and fewer arrests; I don’t know if there were any. This young lady was the sole person on view, representing the City of Hull, in their encampment; she looked extremely cold. Looking in the other direction, (behind me), the scene wasn’t much better; in other words not a great turnout. This had nothing like the impact the demonstration had in London a few weeks back. The weather wasn’t great but I still think the turnout would have been poor.

   

L’œuvre en bronze représente tout un groupe de personnages : une vache au pis gonflé, est chevauchée par un grand faune qui porte un garçonnet sur l’épaule. Deux femmes nues aux formes généreuses, appuyées nonchalamment à l’encolure de l’animal, tiennent une énorme grappe de fruits. Un enfant les regarde en caressant un chien. À l’arrière, un homme sonne de la conque.

Raoul Warocqué, grand admirateur de Jef Lambeaux, acheta "L'Abondance" en même temps que "Le Triomphe de la Femme" à l’Exposition universelle de Paris en 1900.

Pour le remercier, Jef Lambeaux décida de lui offrir des copies de deux de ses œuvres : La Source et deux extraits, "La Séduction" et "La Joie", coulés en bronze du célèbre bas-relief des Passions humaines.

Il a été mis en place en 1902.

 

The bronze work represents a whole group of characters: a cow with a swollen udder is ridden by a large faun who carries a little boy on his shoulder. Two buxom naked women, casually leaning on the animal's neck, hold an enormous bunch of fruit. A child looks at them while stroking a dog. In the back, a man rings the conch.

Raoul Warocqué, a great admirer of Jef Lambeaux, bought "L'Abondance" at the same time as "Le Triomphe de la Femme" at the Universal Exhibition in Paris in 1900.

To thank him, Jef Lambeaux decided to offer him copies of two of his works: La Source and two excerpts, "La Séduction" and "La Joie", cast in bronze from the famous bas-relief of the Human Passions.

It was set up in 1902.

Jokhang Temple, Lhasa, Tibet, China.

 

The Jokhang Temple is a four-storey timber complex with a golden top. It adopted the architectural styles of the Tang Dynasty, as well as those of Tibet and Nepal. Standing in its square, one can view the entire complex. On the square there are two steles, one recording an alliance between the king of Tibet and the emperor of the Tang, the other portraying the teaching of the local people to prevent and treat smallpox, a once incurable disease in that region. In the eastern section of the yard there are rows of votive lights. These flicking lights provide a path leading all the way to the main hall. The main hall, over 1,300 years old, is the oldest shrine of the complex. Above the major entrance, there is a Dharma Wheel (chakra) flanked by two deer. This represents the unity of all things and symbolizes Sakyamuni himself. On both sides of the passageway, paintings showing the building of the temple, and renderings from the seventh century are adorned on the wall. The statue of Sakyamuni at age 12 sits in the middle of the hall. It has been gilded many times and decorated elaborately with jewels typical of Tibet. Statues of King Songtsem Gampo, Princess Wen Cheng and Princess Bhrikuti are on the second floor. On the top floor, there are four gilded bronze tile tops crafted in the emblematical Tang style.

 

For video, please visit youtu.be/mPno-dIWkI8

And you should be afraid.

 

In traditional depictions, the devil is commonly portrayed as a male figure, particularly in Western art and literature. However, this is not a universal or definitive characteristic, as the devil is also represented in other forms and genders in various cultural and artistic contexts. In some interpretations, particularly within Abrahamic religions, the devil is depicted as a fallen angel, and angels are traditionally considered to be without gender in their spiritual form.

 

Beer, Devon, UK.

Myanmar represents a complete departure from any destination I've ever photographed before. It is a cultural destination, and traveling around the country with two local photographers for nearly three weeks, we were fully immersed.

 

Low-light portrait of praying novice monk, Maing Thauk, Lake Inle, Shan State, Myanmar.

 

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Represents theory of duality. Man , woman, life , death, night , day, good , evil.

Pietà is a c.1537-1540 oil painting by Rosso Fiorentino, originally painted on panel and later transferred to canvas. Now in the Louvre in Paris, it is the only securely-identified original painting by the artist known to have been produced for a courtier of Francis I of France. X-ray examination has shown an initial composition under the bodies of Christ and St John.

According to Vasari's Lives of the Artists, it was commissioned by constable Anne de Montmorency soon after the artist's work on the Francis I Gallery at Fontainebleau Palace. De Montmorency's coat of arms features on the pillow under Christ and it was originally at the doorway to the chapel in his Château d'Écouen, from which it was moved to the Louvre at the end of the 18th century.

The body of Christ is represented in the foreground and, semi-extended, occupies the entire surface of the painting. He is echoed by Mary who, desperate, spreads her arms reaching to touch the edges of the painting and symbolically reliving the martyrdom of the crucifixion. It is held by a pious woman with her head covered by a heavy veil of bright red color, while Jesus is held at the feet by the Magdalene, with very refined clothing and hairstyle, and by John the Apostle, represented kneeling from behind on the right in a complex twist, complementary to that of the Magdalene. The figures occupy practically the entire available field, leaving little space for the dark background that simulates the open sepulcher. They have a heroic and dramatic tone, highlighted by the gestures, but austerely restrained, which Antonio Natali defined as "a chorus of Greek tragedy".

The light lingers grazing on the foreground of the composition, leaving the background in darkness, and lighting up various shades of red in the clothing of the characters, contrasted by the white band that wraps around Mary's neck and head, as well as the yellow of the dress of the Magdalene and the whiteness of her lace. The folds of the clothes appear hard, almost sculpted, more sharp than ever.

More than the sophisticated style of Fontainebleau's works, the Pietà recalls the torments of works such as the Sansepolcro Deposition (1528), especially in the pose of the figures. This has led to the hypothesis of a previous dating than the traditional one, at the beginning of the French stay. The hypothesis, however, contrasts with the documents that recall the construction of the Constable's chapel, completed in the 1540s.

 

representing adventureland

I guess it's time for the annual recap!

 

So, in 2021, I posted 9 Mocs:

 

- 3 Space Jam entries. I especially liked the collaborative category, I had talented and helpful teammates. We might be preparing something this year... Thanks to the organizers, it's an awesome contest with inspiring categories.

- 2 different bonsais, the big one for the Brickset competition and the mini version for a Lego Ideas contest. Quite different from what I'm used to, but it feels great to try other themes.

- A metro scene for a contest by @brickcentral on Instagram, I'm very happy to have won the first prize, there were so many great entries.

- A figbarf competition organized by Brickpirate, I chose to represent The Queen's Gambit characters with a minifig-scale chessboard.

- 2 other MOCs, a rover based on weird wheels and an humanoid zebra bust, because why not.

 

This is less MOCs than last year, for 2 reasons: I worked for weeks on a post-apo diorama that was shown at exhibitions, but I never took the time to photograph it. Also, I moved so it took me a while to setup my new Lego room.

 

I've just realized I've hit 1K followers here. A big thank you to all of you for watching, commenting and sharing my work! Keep building awesome stuff.

 

Coming soon:

- Space Jam 2021 : I've got plenty of ideas, some of them are nearly finished. I hope to enter at least 4 categories (if I have time... )

- my post-apo diorama, when I'll finally decide to shoot it.

 

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Instagram: www.instagram.com/loic.glbr

The Ion Mystic Forms - Geometric Symbolism Part II - The Symbolic Duality Of The Circle by Daniel Arrhakis (2022)

 

The circle represents limitless things, among them eternity, unity, God, sanctity, infinity, and wholeness.

 

Unity – In some cultures, when people want to come together and support one another, they form a circle.

 

Monotheism (God) – Several cultures view the circle as a symbol of the existence of the one and only God they subscribe to. For instance, Christians refer to God as the alpha and omega, which means the beginning and the end. In this case, God is seen as a complete circle. In Islam, Monotheism is represented by a circle with God at the center.

 

Infinity – The circle is a representation of infinity because it has no end. It symbolizes universal energy and the continuity of the soul. The ancient Egyptians chose the ring worn on the finger as a way to symbolize the eternal union between a couple, a practice we still carry on to this day.

 

Sanctity – This symbolic meaning is seen in Judeo-Christianity, where deities and people considered holy are presented with haloes around the heads.

 

Heavens – This meaning comes from Chinese symbology, which uses the circle as a representation of heaven.

Containment – With the aspect of protection also comes containment. A circle is a representation of keeping contained what is inside. A good example of this is a ring; whether it is a wedding ring, religious or cultic, the ring stands for a pledge of fidelity.

 

With the powerful symbolism associated with the circle, it’s no wonder there exist numerous symbols and artifacts resembling circles and shapes. Some of these symbols include: The Enso, The Ouroboros, The Flower Of Life, The Mandela, The Yin And Yang, etc.

 

In the Mystical World of Ion The Circle and or the Sphere have a symbolic duality: Creation and Destruction.

 

The circle is often symbolized in the Mystic World of Ion by the shell of a nautilus and represents infinity, eternity, the notion of God as a universal spirit, the beginning and end of timeless cycles that renew themselves in infinite realities, the circle of generations, the light that illuminates the darkness, the universal knowledge of all things unattainable and immeasurable.

 

The prevailing scientific theory on the origins of the universe posits that everything began with a Big Bang.

In the moment after, a vast array of fundamental particles such as neutrons, electrons and protons were swimming around in a dark, invisible primordial soup.

In the beginning there was no light. ”The free electrons would have caused light (photons) to scatter the way sunlight scatters from the water droplets in clouds,” according to NASA. But over thousands of years, as the temperature cooled, the free electrons joined nuclei and created neutral atoms. This process eventually allowed light to shine through about 380,000 years after the Big Bang.

 

In other words, in the beginning, everything was dark for a long, long time. Then there was light, this sounds pretty similar to what’s written in the Bible !

 

All of existence started with an explosion from one point that is continually multiplying, according to Jewish mysticism.

we can see a strong relationship between the contemporary Big Bang theory and the Kabbalistic notion that the universe burst forth from a single point, which in mystical terms is the limitless light of the divine, or Infinite, known as the “Ein Sof" (“no end”).

So the divine, or god, is just another word for infinity.

 

The notion of darkness containing light described in mysticism also illuminates black holes, places in space where gravity’s pull is so strong that even light can’t escape. As NASA explains, the gravity in a black hole has such a forceful pull because matter is compressed into a tiny space.

 

Scientists believe that when the universe began, small black holes also formed. We can’t see black holes with the naked eye, but we know they exist because of the effect they exert on the stars orbiting near them. Black holes bend light toward them.

 

In Kabbalah, a hole is called “rah,” meaning “evil” in Hebrew. Holes are portals from the domain of good to that of evil that suck up matter, energy, and knowledge from the universe.

In some cosmological models that black holes could be wormholes—portals to parallel universes, which is similar to the kabbalistic concept of holes as an entryway to “the other side.”

 

The Mystical World of Ion has cosmological or universal pantheistic vision, God or the Universal Spirit is present in all things, whether animate or inanimate.

In this view God is not the absolute creator but a universal spirituality that can be found throughout the cosmos, in every physical and chemical manifestation, in every element of nature and is everywhere, for he is the whole, universal and infinite. So he is creation itself.

 

In Ion's Mystical World Conception the notion of the Devil does not exist, he is a creation of man to try to justify his own misfortunes.

However, there is the notion of Primordial Chaos, the Infinite Void as well as Absolute Darkness often materialized in ignorance as a powerful force against organization, knowledge and light.

 

If God has an infinite and universal dimension, then so does absolute darkness, having been by this order of ideas earlier, older and omnipotent to a certain point - at least until the Light appears!

 

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As Formas Místicas de Ion - Simbolismo Geométrico Parte II - A Dualidade Simbólica do Círculo por Daniel Arrhakis (2022)

 

O círculo representa coisas ilimitadas, entre elas eternidade, unidade, Deus, santidade, infinidade e totalidade.

 

Unidade – Em algumas culturas, quando as pessoas querem se unir e se apoiar umas às outras, elas formam um círculo.

 

Monoteísmo (Deus) – Várias culturas veem o círculo como um símbolo da existência do único Deus que elas subscrevem. Por exemplo, os cristãos se referem a Deus como o alfa e o ômega, que significa o começo e o fim. Neste caso, Deus é visto como um círculo completo. No Islão, o monoteísmo é representado por um círculo com Deus no centro.

 

Infinito – O círculo é uma representação do infinito porque não tem fim. Simboliza a energia universal e a continuidade da alma. Os antigos egípcios escolheram o anel usado no dedo como forma de simbolizar a união eterna entre um casal, prática que continuamos até hoje.

 

Santidade – Este significado simbólico é visto no judaísmo-cristianismo, onde divindades e pessoas consideradas sagradas são apresentadas com auréolas em redor da cabeça.

 

Céus – Esse significado vem da simbologia chinesa, que usa o círculo como representação do céu.

Contenção – Com o aspeto de proteção também vem a contenção. Um círculo é uma representação de manter contido o que está dentro. Um bom exemplo disso é um anel; seja um anel de casamento, religioso ou cultual, o anel representa uma promessa de fidelidade mas também de proteção e segurança.

 

Com o poderoso simbolismo associado ao círculo, não é de admirar que existam inúmeros símbolos e artefactos semelhantes a círculos e formas. Alguns desses símbolos incluem: O Enso( Ensō (円相) é uma palavra japonesa que significa “círculo” e é um conceito fortemente associado com o Zen Budismo), O Ouroboros (um símbolo místico que representa o conceito da eternidade, através da figura de uma serpente ou dragão que morde a própria cauda), A Flor da Vida, A Mandala, O Yin E Yang, etc.

 

No Mundo Místico de Íon O Círculo e ou a Esfera têm uma dualidade simbólica: Criação e Destruição.

 

O círculo é muitas vezes também simbolizado no Mundo Místico de Ion pela concha de um náutilo e representa o infinito, a eternidade, a noção de Deus como um espírito universal, o início e o fim de ciclos intemporais que se renovam em realidades infinitas, o círculo das gerações , a luz que ilumina as trevas, o conhecimento universal de todas as coisas inatingíveis e imensuráveis.

 

A teoria científica predominante sobre as origens do universo postula que tudo começou com um Big Bang.

No momento seguinte, uma vasta gama de partículas fundamentais, como neutrões, eletrões e protões, nadavam em uma sopa primordial escura e invisível.

No início não havia luz. “Os eletrões livres teriam causado a dispersão da luz (fotões) da mesma forma que a luz solar se espalha nas gotículas de água nas nuvens”, segundo a NASA. Mas ao longo de milhares de anos, à medida que a temperatura esfriou, os eletrões livres juntaram-se aos núcleos e criaram átomos neutros. Esse processo acabou permitindo que a luz brilhasse cerca de 380.000 anos após o Big Bang.

 

Em outras palavras, no começo, tudo era escuridão por muito, muito tempo. Então houve luz, isso soa-nos bem parecido com o que está escrito na Bíblia!

 

Toda a existência começou com uma explosão de um ponto que se foi multiplicando continuamente, de acordo com o misticismo judaico.

Podemos ver uma forte relação entre a teoria contemporânea do Big Bang e a noção cabalística de que o universo irrompeu de um único ponto, que em termos místicos é a luz ilimitada do divino, ou Infinito, conhecido como “Ein Sof” (“ sem fim”).

Assim, o divino, ou Deus, é apenas outra palavra para infinito.

 

A noção de escuridão contendo luz descrita no misticismo, também ilumina buracos negros, lugares no espaço onde a força da gravidade é tão forte que nem a luz pode escapar. Como a NASA explica, a gravidade num buraco negro tem uma força muito forte porque a matéria é comprimida num espaço minúsculo.

 

Os cientistas acreditam que quando o universo começou, pequenos buracos negros também se formaram. Não podemos ver buracos negros a olho nu, mas sabemos que eles existem por causa do efeito que exercem nas estrelas que orbitam perto deles. Buracos negros desviam a luz em direção a eles.

 

Na Cabala, um buraco é chamado de “rah”, que significa “mal” em hebraico. Buracos são portais do domínio do bem ao do mal que sugam matéria, energia e conhecimento do universo.

Em alguns modelos cosmológicos, os buracos negros podem ser buracos de minhoca (wormholes) – portais para universos paralelos, o que é semelhante ao conceito cabalístico de buracos como uma porta de entrada para “o outro lado”.

 

O Mundo Místico de Ion tem uma visão cosmológica ou panteísta universal, Deus ou o Espírito Universal está presente em todas as coisas, sejam animadas ou inanimadas.

Nessa visão, Deus não é o criador absoluto, mas uma espiritualidade universal que pode ser encontrada em todo o cosmos, em cada manifestação física e química, em cada elemento da natureza e está em toda parte, pois ele é o todo, universal e infinito. Então ele é a própria criação.

 

Na Conceção do Mundo Místico de Íon a noção do Diabo não existe, ele é uma criação do homem para tentar justificar seus próprios infortúnios.

No entanto, existe a noção de Caos Primordial, o Vazio Infinito, bem como a Escuridão Absoluta, muitas vezes materializada na ignorância como uma força poderosa contra a organização, o conhecimento e a luz.

 

Se Deus tem uma dimensão infinita e universal, então a escuridão absoluta também tem, o que pela ordem das ideias explicadas anteriormente, é assim mais antiga e omnipotente até certo ponto - pelo menos até que a Luz apareceu!

 

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Background landscape made with AI Art Generator Using NightCafe Studio's Online and light textures made with Amberlight 2.

 

Elements from stock images and images of mine.

   

ENGLISH :

The blue building is the Agora, the icon of the City of Arts and Sciences. the Agora seems to represent two hands intertwined. It represents an area of ​​5000m ² and reaches a height of 80m.

Il bacio is an 1859 painting by the Italian artist Francesco Hayez. It is possibly his best known work. This painting conveys the main features of Italian Romanticism and has come to represent the spirit of the Risorgimento. It was commissioned by Alfonso Maria Visconti di Saliceto, who donated it to the Pinacoteca di Brera after his death.

After the defeat of Napoleonic France in the 19th century, the Congress of Vienna was held in 1815 to redraw the map of Europe. Italy had a very marginal role compared to other European countries and was slated to be divided into several states. Every state was either ruled directly, or strongly influenced, by the Habsburgs of the Austrian Empire. That fragmentation went against the growing nationalist sentiment for Italy's unification, and caused the creation of secret societies with democratic-radical orientations, such as the Carboneria and Young Italy. Although those associations were unsuccessful, their role was fundamental in shaping public opinion.

The first war of Italian independence (1848) was a failure but, by 1859, the secret agreement between Napoleon III and Camillo Benso, Count of Cavour stipulated the formation of an anti-Austrian alliance. The contribution of France was considered crucial, because the Austrian armies were defeated by the alliance in the Kingdom of Lombardy–Venetia. That victory initiated the unification process, and the Kingdom of Italy was proclaimed a few years later, in 1861.

It was during that period that Francesco Hayez painted The Kiss. Mindful of the bloody repression of the nationalist movement, the artist decided to disguise the ideals of conspiracy and the struggle against the invaders under a representation of past events. The use of ambiguous, opaque metaphors allowed the artist to avoid censorship by the authorities.

The first version of The Kiss was commissioned by Count Alfonso Maria Visconti of Saliceto. Hayez, who was very well known amongst Milanese patriots, was asked by the Count to depict the hopes associated with the alliance between France and the Kingdom of Sardinia.

The artwork was created in 1859 and presented at the Pinacoteca di Brera on 9 September. It was hung as a decoration in the luxurious residence of the Visconti family for more than twenty-five years. It was only in 1886, a year before his death, that the Count presented the canvas to the Pinacoteca di Brera, where it is still exhibited today, in Room XXXVII.

Although the oil version is the most famous, Hayez produced two other versions of the painting, one in oil and one watercolor. The second version was painted in 1861 for the Mylius family, and was sent to Paris to be exhibited in the Exposition Universelle in 1867. In 2008, that version was sold at Sotheby's for 780,450 pounds. The difference between the second painting and the previous one is that the woman’s dress is colored white. The third version is the only one to have been rendered in watercolor on paper. Painted in 1859, it has an oval shape, and was donated by Hayez to Carolina Zucchi. It is now exhibited at the Pinacoteca Ambrosiana in Milan.

The last painting differs from the original because of the addition of a white cloth lying on the steps beside the couple, and the bright green paint used for the man's mantle.

The painting represents a couple from the Middle Ages, embracing while they kiss each other. It is among the most passionate and intense representations of a kiss in the history of Western art. The girl leans backwards, while the man bends his left leg so as to support her, simultaneously placing a foot on the step next to him as though poised to go at any moment. The couple, though at the center of the painting, are not recognizable, as Hayez wanted the action of the kissing to be at the center of the composition. In the left part of the canvas shadowy forms lurk in the corner to give an impression of conspiracy and danger.

The geometric and perspective scheme of the Kiss is set on a series of diagonals which follow the course of the steps and converge to the vanishing point, placed to the left of the two lovers. These lines represent the framework of the painting and brings the observer’s attention to the couple.

The chromatism of the painting is inherited from the Renaissance schools of the Venetian masters where Hayez conducted his first studies. The brown of the cloak and the red of the boy's tights blend harmoniously with the light blue in the dress of the girl, while the neutral shades of the background help the couple stand out. A light, coming from an external source placed to the left of the picture, hits the whole scene homogeneously: its reflections enhances the silky dress of the girl, emphasizing also the pavement and the bricks on the wall.

This painting has been regarded as a symbol of Italian Romanticism, of which it encompasses many features. On a more superficial level, the painting is the representation of a passionate kiss, which puts itself in accordance with the principles of Romanticism. Therefore, it emphasizes deep feelings rather than rational thought, and presents a reinterpretation and reevaluation of the Middle Ages in a patriotic and nostalgic tone. Some art historians also suggest that one of the political meanings that Il Bacio can carry is that a young Italian soldier, going off to fight for Italy against the Austro-Hungarian Empire, says goodbye to his love kissing her for one last time.

On a deeper level, the painting symbolizes the romantic, nationalist and patriotic ideals of the Risorgimento; this interpretation is endorsed by several iconographic elements.

The imminent farewell between the lovers is suggested by the man’s foot temporarily resting on the step and the tight grasp with which his beloved is holding him. This represents both the necessity that he must leave whilst showing the danger of being a patriot. Other elements are the dagger hidden in the mantle, a sign of the imminent rebellion against the Habsburg invader, and the date of the painting (1859), the year of the second war of independence. However the most obvious allegory in the painting is its chromatic range, which summarizes the political changes that involved Italy in the 19th century. In the Brera version, the blue of the woman's dress and the bright red of the young man's tights allude to the colors in the French flag.

Hayez intended to pay tribute to the French nation, now allied with Italy. In the three subsequent versions the allegorical-patriotic connotations became even more obvious: in the 1861 version, the dress of the girl assumed a neutral white tone, as a tribute to the proclamation of the Kingdom of Italy. In the fourth version, Italy manifests itself instead in the clothes of the man, who now wears a green cloak, symbolizing the Italian national banner.

The Kiss has enjoyed extensive popularity from its exhibition onward, especially in Italy, and has been the subject of much commentary. In the 1920s the art director of Perugina, one of Italy's leading chocolate manufacturers, revised the image of the painting and created the typical blue box of the popular "Baci" chocolates with the picture of two lovers. In 1954 the great Italian director Luchino Visconti took inspiration from the painting for one of the leading scenes of his masterpiece movie, Senso.

This photo represents so much about why I love nature and photography. I often get up early in the dark, crawl out of my tent and gather myself before hiking up a mountain for a sunrise, always hoping for some amazing light to happen. Sometimes it does and most times it doesn't. This particular morning, I did just that and hiked to the location I wanted and began taking photos in the windy and cold conditions. It was a back and forth between dense fog and some breaks here and there giving me a glimpse of the mountains. The time for sunrise came and went...still nothing but grey foggy conditions. Meanwhile my lens fogged up every 5 seconds from all of the moisture in the air…which is very irritating. Then I get a glimpse of the sun through all of the fog and the thick cloud bank on the horizon. Still only a sliver of a red sun struggling to fight through the blue and grey tones before it disappears again. Just as I had decided nothing was going to come of this venture. Realizing how numb my fingers are, how cold my face is and how ready I am for a warm cup of coffee...I get ready to pack up. But then I see it!

  

All of the sudden the sun finds its way and breaks through. The most beautiful golden light fills the valleys and illuminates the light fog in the air. I rush to get back into position and start shooting. It is in this moment that the hours of driving, sleeping on the ground, hiking in the dark with heavy equipment and standing in the wind and cold waiting are all worth it. You get a moment of pure beauty when all the elements just fall into place and leave you speechless. This is why I love photography. Not only because it pushes me to experience these moment and appreciate them but I get to share them with all of you wonderful people!

 

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Prints are available for purchase on my Website

Excerpt from brainproject.ca:

 

Timeless

Great ideas, human intelligence and dreams are timeless. As we begin our journey through this world, the most powerful tools we possess are our intellect and our ability to decide what is good and what is bad. Our brains create those mysterious echoing connections that not only represent past memories and our present experiences, but are also tied to a continuum which is in fact timeless; our future. The brain is the quintessence of the human state.

PLEASE, NO invitations or self promotions, THEY WILL BE DELETED. My photos are FREE to use, just give me credit and it would be nice if you let me know, thanks.

 

Natural light illuminates the church from the stunning 51.8 meter high (170 feet) cupola that represents a lily.

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Basilica of the Annunciation is a church in Nazareth, built on the traditional site of the annunciation by the Angel Gabriel of the birth of Jesus.

 

The first shrine was probably built sometime in the middle of the 4th century.

 

This basilica was built during the years 1960-69. It is the largest Christian sanctuary in the Middle East.

Statue representing the signing of the Pakistani Instrument of Surrender at the Mujibnagar Memorial Monument and Complex.

 

Place : Meherpur , Khulna , Bangladesh.

St. Anne's Chapel is on the south and east side of the priory. This area is a mediaeval addition to the original Norman priory. Well, I say 'original' but there was something on the site before the Normans built anything, but not much is known about that.

 

The altar, representing the body of Christ, is uncovered just before Easter.

Castelo medieval, artística e arquitetonicamente representativo das diversas fases de construção e reconstrução desde a sua fundação até ao século XX.

Estruturas que compõem o conjunto arquitetónico: Palácio Real quatrocentista, Torre de Menagem, Igreja de Stª Maria da Pena, espaço da antiga Colegiada, celeiros medievais e muralhas exteriores.

Conquistado aos mouros por D. Afonso Henriques, em 1135, o Castelo viria a ser reconquistado pelos muçulmanos, cinco anos depois, voltando para a mão dos cristãos, novamente, em 1142. Mas as lutas pela sua posse estavam longe de terminar tendo sofrido novo ataque islâmico. Devido a tantas lutas, D. Sancho I resolve reedificá-lo, corria o ano de 1190.

Em 1325 D. Dinis manda edificar a Torre de Menagem, que após algumas reformulações é agora um núcleo museológico.

Pensa-se que a Igreja de Nossa Senhora da Pena e os Paços Episcopais tenham também sido construídos por ordem de D. Dinis. Este terá sido o rei que mais tempo passou em Leiria, juntamente com a sua esposa, a Rainha Santa Isabel. Graças a estes reis nasceram muitas das histórias e das lendas que envolvem Leiria.

Vários séculos depois, o Castelo, bem como a cidade, viriam ainda a sofrer danos, com as invasões francesas, ficando quase ao abandono. Valeu o esforço da Liga dos Amigos do Castelo e do famoso arquiteto suíço, Ernesto Korrodi, que ali realizaram obras de recuperação.

Numa visita ao Castelo não pode deixar de observar a magnifica vista sobre a cidade de Leiria, a partir da Alcáçova, uma das salas mais bonitas do Castelo de Leiria.

 

Núcleo Museológico da Torre de Menagem

 

A musealização do Castelo de Leiria, recorrendo ao objeto, à imagem, ao multimedia e ao texto, tem como objetivo principal “situar o lugar e a função da cidade de Leiria na história de Portugal: mostrar o que ela representa em termos nacionais, para melhor poder medir o significado dos acontecimentos que lhe dizem respeito e que escalonam a sua vida local através dos séculos”. www.cm-leiria.pt/pages/229

 

The Beach Club Hallandale represents the oceanfront lifestyle you are looking for. From the 50,000-square-foot spa and fitness center to the endless infinity-edge resort-style pools, onsite restaurants, and services found at 5-Star resorts, the Beach Club Hallandale is easy to call home.

 

The Beach Club Hallandale features some of the most dynamic and technological advancements in fitness, our skilled staff is dedicated to making you look and feel your best. Consulting trainers will make your experience the most efficient and effortless workout you have had. Your physical aspirations will soon become manifestations.

 

The Beach Club Spa is certain to change your life. “Desires” will become realities when they are part of your “home”. You can have a massage or get a facial...workout or relax...swim or just sit by the pool. Life here is about options and our spa and fitness center are no different.

 

Yes. We are the first living “experience” that is designed for people just like you...those who want more than most but think that they are worth it. Residents at The Beach Club Hallandale Spa and Fitness Center will finally realize what it was they were missing in life. While The Beach Club is going to redefine your lifestyle, our Spa and Fitness Center is going to make you look and feel better than ever before.

 

As if that wasn’t enough, the Beach Club Hallandale also features Azure, a poolside Bar & Café offering a wide variety of fare from a classic burger to grilled Mahi-Mahi or perhaps a Salad Nicoise while you sip on a Pina Colada. Holiday parties and weekend music with friends & fellow residents, imagine that.

 

For those that like to explore the ocean life, the Beach Club is also adjacent to a limestone reef, approximately 650 offshore from the towers which is enjoyed by both divers & snorkelers alike.

 

A 9-Acre Site with Over 500 Feet of Magnificent Ocean Frontage

Oversized Heated Swimming Pool and Spa Overlooking the Atlantic Ocean

Snack Bar with Pool-Side Services

Lushly Landscaped Grounds

Magnificent 2-Story Lobby Entrance

Spectacular Porte-Cochere

24-Hour Valet Parking

Multi-Level Covered Parking

Full-Time Concierge

Mail and Package Receiving Desk

24-Hour Security

 

Credit for the data above is given to the following websites:

www.emporis.com/complex/109540/the-beach-club-hallandale-...

www.yourbeachclub.com/

 

© All Rights Reserved - you may not use this image in any form without my prior permission.

  

La Transfiguration du Christ

Évangile selon Marc, 9:2-13 (La tête de Lion représente Marc)

fr.wikipedia.org/wiki/Transfiguration_(christianisme)

 

Au centre, entre les pattes du Lion ailé de Saint Marc, l'apparition de Jésus entre Moïse et Élie

Au sol, face à terre les trois futurs Apôtres: Pierre, Jacques et Jean, entendant une voix venant du ciel (ET VENIT VOX DE NUBE) disant "Celui-ci est mon fils bien-aimé"

 

Œuvre du peintre Marcel Imbs (1882-1935)

fr.wikipedia.org/wiki/Marcel_Imbs

Réalisation en émaux de Venise par le mosaïste Félix Gaudin (1851-1930)

fr.wikipedia.org/wiki/F%C3%A9lix_Gaudin

Pendentif de la coupole, à droite, face à l'autel

 

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L'Eglise du Saint-Esprit, à Paris (12ème), a été achevée en 1935 par l’architecte Paul Tournon (réalisation : entreprise F. Hennebique) et décorée par 70 artistes, dont Maurice Denis pour la peinture de la chapelle de la Vierge et George Desvallières pour le chemin de Croix (Ateliers d'Art Sacré). L'architecte s'est inspiré des églises byzantines et de l'ancienne basilique Sainte-Sophie de Constantinople. Le bâtiment est en béton armé. Il est considérée aujourd’hui comme la plus représentative de l’art des années trente en France. (Extrait du site officiel)

www.st-esprit.org/notre-paroisse/#histoire

 

L'église sur Wikipedia

fr.wikipedia.org/wiki/%C3%89glise_du_Saint-Esprit_de_Paris#

 

Dans les "monuments de Paris"

www.patrimoine-histoire.fr/Patrimoine/Paris/Paris-Saint-E...

 

Dans la base des Monuments Historiques (église classée MH en 2016)

pop.culture.gouv.fr/notice/merimee/PA00086569

This aspect of Buddha represents the attainment of Nirvana or freedom from the cycle of rebirth. Buddha lies on his right side, his head resting on a cushion or lying on his right elbow, supporting his head with his hand. He has still not been freed of his karmic cycle as he is propped up on his elbow in this representation in the Wat Pho in Bangkok.

 

The Reclining Buddha is brickwork mortar with plaster from the inside with gold gilded on top. The complex is called Wat Pho and it is a tad crowded with many structures crammed in.

  

It is difficult to shoot the full body length of the Reclining Buddha as there are pillars very close to the statue all along its length.

 

The Buddha measures 15 m high and 46 m long and renders all attempts to shoot fraught with karmic challenges.

 

If you are wondering why they make the reclining Buddha so large, the story is that there was a giant called Asurindarahu who wanted to see the Buddha, but was reluctant to bow before him. The Buddha, while lying down, presented himself as much larger than the giant. He then showed him the realm of heaven with heavenly figures all larger than the giant. After all this, Asurindarahu, the giant, was humbled, and made his obeisance to the Buddha before leaving.

 

The reclining Buddha statues are not supposed to induce sadness but instead it should be taken as as a token of encouragement that all beings have the potential to be awakened or enlightened and release themselves from the suffering which is characterized by the cycle of rebirth.

 

The serene and smiling or the "beatfic" expression of the Buddha in reclining Buddha statue portrays the compassion and calmness that comes with the enlightenment.

 

Other than the Wat Pho in Bangkok, there are many other iconic reclining statues all over the Buddhist nations e.g. the Chaukhtatgyi Paya in Burma, the Dambulla in Sri Lanka and the Monolithic Buddha in Cambodia and many more.

 

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Ellora represents the epitome of Indian rock-cut architecture. The 34 "caves" are actually structures excavated out of the vertical face of the Charanandri hills. Buddhist, Hindu and Jain rock-cut temples and viharas and mathas were built between the 5th century and 10th century.

 

The Jain caves at Ellora belong to the ninth and tenth centuries. They all belong to the Digambara sect.[13] Jain caves reveal specific dimensions of Jain philosophy and tradition. They reflect a strict sense of asceticism – they are not relatively large as compared to others, but they present exceptionally detailed art works.

2021 represents a significant milestone in the history of the Phoenix Railway-Photographic Circle with the celebration of our 50th anniversary by publishing a book to showcase some of the members work, past and present, from 1971 to the present day. The book contains 14 chapters and 144 pages of photographs depicting the work of over 50 accomplished railway photographers with many differing styles and approaches. It takes an alternative view on photographing the railway scene over the past 50 years. The book, called 50 Years of Phoenix will be published on 14th May 2021 with pre-orders now being taken – click on this link to order your copy: www.mortonsbooks.co.uk/product/view/productCode/15554

 

Why not take a look at the PRPC web site at www.phoenix-rpc.co.uk/index.html.

CREDITS/ dinami.wordpress.com/2014/12/20/represent/

Representan un alto grado de especialización en su locomoción trepadora y en la capacidad que poseen de perforar con el pico los troncos de árboles para extraer larvas e insectos que son su sustento.

 

Sus patas son grandes con largos dedos, dos de ellos dirigidos hacia adelante y los otros dos hacia atrás. Las uñas constituyen verdaderos ganchos que le permiten casi clavarse en los troncos verticales.

 

La cola tiene las timoneras rígidas, fuertes y puntiagudas que le sirven de fuerte apoyo para golpear con el pico los troncos, a modo de martillo. Para esta función poseen fuertes músculos especiales en el cuello y en la cabeza.

 

La lengua es muy larga y retráctil. Puede sacarla a considerable distancia de la boca ya que tiene por detrás una gran porción envuelta en el cráneo.

 

El pico es fuerte y cónico, terminado en punta como de cincel o de tijera. Para beber agua, llenan de esa sustancia su pico y luego mueven la cabeza hacia atrás con el fin de que el agua pase por su garganta.

 

Su plumaje es duro, poco abundante y rígido. A esta especie se la suele llamar también carpintero de nuca roja debido a la mancha carmín que tienen machos y hembras.

CHLIDONIAS NIGER (STERNIDAE)

Black tern - Fumarel común o gaviotín negro

 

[ÈNG] Doñana's National park (Spain), beach ecosystem, Doñana's National Park includes five different ecosystems: Beaches, Dunes, Border, Marsh and Forest. The beach is one of the wider virgin coasts of Europe, with about 35km between the town of Matalascañas (Huelva) and the mouth of the Guadalquivir river. The beaches of Doñana represent an intense dynamism and change their profile constantly due to the sea regressions through the centuries. Southwestern winds cause the continuous transport of sands over the beaches of the National Park, moved afterwards to the inside forming the trains of mobile dunes. On the beach, shelter of thousands of coastal birds, the remains of marine species such as crustaceans and fish accumulate, and often it is possible to find cetaceans and marine turtles. (www.donanavisitas.es/en)

 

[ESP] El Parque Nacional de Doñana incluye cinco ecosistemas distintos: Playas, Dunas, Vera, Marisma y Bosque. La playa constituye una de las costas vírgenes más amplias de Europa, con unos 35 Km. entre Matalascañas (Huelva) y la desembocadura del río Guadalquivir, y presentan un intenso dinamismo, modificándose constantemente su perfil debido a las progresiones y regresiones marinas en el transcurso de los siglos. Los vientos de componente SW originan el transporte incesante de arenas sobre las playas del Parque Nacional, trasladadas posteriormente al interior formando trenes de dunas móviles. Sobre la playa, refugio de miles de aves costeras, se acumulan restos de especies marinas como crustáceos y peces, y es frecuente encontrar cetáceos y tortugas marinas. (www.donanavisitas.es)

 

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Objectively, the true function of sacred images is to represent symbolically and sacramentally a transcendent Reality, and subjectively, to permit the fixing of the mind upon this symbol in view of obtaining habitual concentration upon the Reality contemplated, something which can be conceived in devotional as well as in intellectual mode, or in both manners at once.

 

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Frithjof Schuon - Quoted in : Art from the Sacred to the Profane, East and West

 

April 28, 2011.

I want a cup of tea like that

No time to take anything good

Thank goodness tomorrow is Friday because I don't think I could endure school for much longer.

 

if you want to ask anything

 

Elementals represent an evolution divergent from that of humans. They are the metaphysical forces behind nature which assist earth’s ecology to function better. Their realms are harmonized into the earth but are not composed of the gross matter that constitutes humans. Because of the different vibrations of their composition, nature spirits can sometimes be seen by humans whose ajna, or third-eye chakra has been enhanced through recitations of specific prayers or mantras. Such mantras increase the harmony of consciousness and telepathy. Elementals are the archetypal spiritual intelligence behind all species. Contact with the plant kingdom is in fact contact with a more universal being.

 

denniscordell.zenfolio.com

 

also:

 

www.elephantjournal.com/2020/12/some-notes-on-nature-spir...

Pélerins des nuages et de l'eau est une œuvre de l'artiste japonais Torao Yazaki. Créée en 1971, il s'agit d'une sculpture de bronze représentant un groupe de pélerins bouddhistes, située dans le bois de Vincennes à Paris, en France.

L'œuvre est une Sculpture de bronze. Elle représente un groupe de six pélerins zen. Quatre d'entre eux sont debout, alignés deux par deux. Devant eux, le cinquième est assis en tailleur sur un large pavé de bronze. Le dernier pélerin est situé à la gauche des cinq autres et est agenouillé, la tête touchant le socle.

La sculpture repose sur un socle rectangulaire du même matériau, lui même posé un socle plus grand, en pierres. L'un des côtés porte le nom de l'œuvre, calligraphié en japonais par le calligraphe Hiragushi. L'avant du socle comporte une autre plaque, qui explicite l'origine de l'œuvre, en français et en japonais.

L'œuvre est située dans la partie occidentale du bois de Vincennes, légèrement au sud du lac Daumesnil, immédiatement à l'ouest du centre bouddhiste Kagyu-Dzong et de la pagode de Vincennes.

¿Qué representa el tilo?

Los tilos tienen un lugar especial en el simbolismo: árbol sagrado, árbol que es símbolo de amor, fertilidad, prosperidad, fidelidad, amistad, paz, justicia, altruismo, buena suerte,

También en las tradiciones populares debido a sus aspectos positivos: árboles curativos, árboles protectores, árboles que alejan las enfermedades.

De Wikipedia.

 

Y SEGUIMOS POR ESTAS GALERÍAS, DISFRUTANDO CON NUESTROS TRABAJOS.

Y COMPARTIENDO TAMBIÉN LAS EMOCIONES AL HACER LAS FOTOS, CON EL DESEO DE GUSTAR.

 

FELIZ SEMANA.

 

FUERZA, TODA LA SALUD POSIBLE Y USANDO BUEN HUMOR.

 

💪💪💪💪✨✨✨✨🌟🌟🌟🌟😄😄💖💖

 

how many MC's

 

New series of pictures taken in my city. They represents mural paintings conducted this year in my city by various and talented artists. You can find them on the event LongArtStreet on instagram and facebook!

Pi Day March 14 3.14

 

Pi Day celebrates the pi symbol (π) and its importance to mathematics. The symbol is a Greek letter, and it is used in mathematics to represent the ratio of the circumference of a circle to its diameter. The first digits of this ratio are 3.14159, and the number continues infinitely without pattern. It has been calculated to over one trillion digits after the decimal point. Most calculations only need the first few digits. Even the spherical volume of the whole universe can be calculated by using just 39 digits after the decimal point. The symbol "π" was first used in 1706 by William Jones. It gained in popularity after being used by Swiss mathematician Leonhard Euler in 1737. The first large and official celebration of the day took place at the San Francisco Exploratorium in 1988. It was organized by Larry Shaw, a physicist at the Exploratorium. At the inaugural event, people marched around a circular space and ate fruit pies. In 2009, the U.S. House of Representatives passed a resolution supporting Pi Day.

  

How to Observe

Pi Day can be celebrated in a few ways:

 

Eat some pie—stop at a restaurant or bakery, or make your own.

Eat some pizza—some pizzerias offer discounts on Pi Day

Memorize as many digits of π as you can. You can start by learning the first 10,000 digits. Quiz yourself or challenge your friends to see who can learn the most.

Or, you can use the fractional representation of 22/7. That can work if your equation has fractions or multiples of 22 or 7 as some of the numbers.

 

Here, Private Investigator Sam Shoegum looks for Pi, but I think he's going to be surprised by a different kind of Pie!

 

20200314 074/366

Vauban represents the core of the Royale Marine battleship fleet.

 

-Displacement: 28 000 tons

-Speed 21 knots at full steam

 

-13 inch main armament x2

-8 inch secondary armament x8

 

Union Depot Train Days was held June 3rd and 4th in St. Paul, Minnesota. Featured attractions included Milwaukee Road 4-8-4 261 and E9A 32A, Great Northern NW-5 192, the freshly-repainted “Caritas.” Representing CPKC were a pair of GE locomotives, CP AC44CWM 8074 and KCS ET44C4 5000.

This shot represents what I mean when I said that it is incredibly difficult if not impossible to capture what I saw. While I was pointing my XSi with it's kit 18-55mm lens on in various directions, I noticed a really strong aurora coming from one side, so I followed it along the sky, to directly upwards, and then realized that the entire sky above me was red/purplish and green just...waving... dancing back and fourth with each other.

 

It really was the highlight of this aurora, an unforgettable moment and experience that, to me, was just something that cannot be captured in one picture. But this was my best attempt at it, I just pointed the camera up, right to the "center" of all the dancing colours and hoped for the best.

Pour l'homme médiéval, la définition du fou est donnée par les Écritures, en particulier le premier vers du psaume 52 : « Dixit insipiens... » (L'insensé a dit en son cœur : « Il n’y a pas de Dieu ! »). La folie est avant tout méconnaissance et absence d'amour pour Dieu. Inversement, il existe aussi des « fous de Dieu », tel saint François. Au XIIIe siècle, la notion est donc inextricablement liée à l'amour et à sa mesure ou démesure, d'abord dans le domaine spirituel, puis dans le domaine terrestre.

 

Le thème de la folie de l'amour hante les romans de chevalerie (celle d’Yvain, de Perceval, de Lancelot ou de Tristan) et leurs nombreuses représentations, notamment dans les enluminures et les ivoires. Bientôt, le personnage du fou s'immisce entre l'amant et sa dame : il est celui qui dénonce les valeurs courtoises et met l'accent sur le caractère lubrique, voire obscène, de l'amour humain.

 

De mystique ou de symbolique qu'il était, le fou se « politise » et se « socialise » : au XIVe siècle, le fou de cour devient l’antithèse institutionnalisée de la sagesse royale et sa parole ironique ou critique est acceptée. Une nouvelle iconographie se met en place et on reconnaît le fou à ses attributs : marotte, habit rayé ou mi-parti, capuchon, grelots.

 

Le XVe siècle est celui de l'expansion formidable de la figure du fou, liée aux fêtes carnavalesques et au folklore. Associé à la critique sociale, le fou sert de véhicule aux idées les plus subversives. Il joue également un rôle dans les tourments de la Réforme : dans ce contexte, le fou c'est l'autre (catholique ou protestant). Au tournant du Moyen Âge et de la Renaissance, sa figure est devenue omniprésente, ainsi que le montre l’art de Bosch puis celui de Bruegel.

 

A l’époque moderne, la figure du fou institutionnel semble s’effacer progressivement, remplacé dans les cours d’Europe par le bouffon ou le nain. Dès le milieu du siècle des Lumières, la folie prend sa revanche pour apparaître sous d’autres formes, moins contrôlées. L’exposition se conclura par une évocation du regard porté par le XIXe siècle sur le Moyen Âge par le prisme du thème de la folie, mais avec l’éclairage tragique, voire cruel, que lui ont conféré les révolutions politiques et artistiques.

 

Representing candy without actually using it in the photo.

 

the picture represents the very high and large statue in the main entrance hall of the hotel;

the frame is given by the entrance itself

Photoshop edited but everything is placed where they really are.

PLEASE, SEE ON BLACK

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I have my home in Venice near this wonderful Hotel, one of the most famous hotels in Italy,

 

a very elegant building in ARABIC STYLE which was opened on 21st of July 1908,

 

and it would be the magic scenery for a

1001 Nights tale.

I can see it and enter inside every time I wish, every day.

 

For example, this hotel was the set of the famous movie "C'era una volta in America" ("Once upon Time in America") by Sergio Leone, with music by Ennio Morricone.

 

Hotel Excelsior (Lido of Venice, Italy) - for the place, follow these links: wikimapia.org/#lat=45.4037138&lon=12.367073&z=18&...

excelsior.hotelinvenice.com/

www.google.it/search?q=hotel+excelsior+venezia&hl=it&....

www.hotelexcelsiorvenezia.com/it/home.html

excelsior.hotelinvenice.com/foto-gallery.html

www.hotelexcelsiorvenezia.com/

Aggressive ReConnaissance-170 starfighter

 

Instructions are now available on Brick Vault!

 

There's not many LEGO renditions of this ship on the internet so I thought I'd try my had at one.

I had been working on this for a month or so before I saw Caleb Rick's version on Flickr. It definitely inspired me to re-work a few areas, but I tried to stick with my original vision as much as I could.

 

This is one of my favourite Star Wars vehicles, it's a shame it's so under-represented in LEGO!

Representantes de colegios de Loja fueron capacitados en expresión y derecho internacional para exposición de ideas en una sesión formal de la ONU.

For the weekly challenge @ Offerings.

 

On 1 side pick the best way to represent 1

color & on the other side represent Flight

 

* Replaced a crappy-assed old pic of mine with

this new one, hence the inaccurate upload date. :)

 

The represents the kind of views many of my vintage National Geographic magazines from the 1915 to 1920 era would proudly portray as the modern and efficient "Future Of Industry". By the mid 1970s, they looked awfully tired and dated.

 

I remember reading a book about Jersey City written in the 1930s describing it as a industrial city "without trees". Of course... who needed trees and the niceties of life when you've got countless brick warehouses, hundreds of factories and endless railroads which sliced through every neighborhood? It was all about business, pure business.

 

The same place today:

www.google.com/maps/@40.7220077,-74.0380614,3a,75y,194.68...

 

This is a still from a work scan of a Super 8 movie some friends and I shot. When the high-def DVD version returns back from the professional movie scanner, I'll post more images from this film.