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El monasterio de San Jerónimo de Granada es un conjunto arquitectónico del Renacimiento formada por iglesia y monasterio situada en la ciudad española de Granada, comunidad autónoma de Andalucía.
Actualmente, está considerado como BIC (Bien de Interés Cultural) (la «iglesia basílica de San Gerónimo» (sic.) fue declarada monumento histórico artístisco digno de ser conservado por la Nación por R.O. de 24 de mayo de 1874 y posteriormente el monasterio fue declarado monumento histórico-artístico perteneciente al Tesoro Artístico Nacional mediante decreto de 3 de junio de 1931
Su fundación, anterior a la toma de la ciudad, se debe a los Reyes Católicos. En seguida se desplazó desde Santa Fe a Granada, y fue en 1504 cuando se empezó a construir el conjunto actual. La obra se debe en su mayoría a Diego de Siloé, aunque participaron en su construcción otros arquitectos y artistas, como Jacobo Florentino, Juan de Aragón, Juan Bautista Vázquez el Mozo, Pedro de Orea y Pablo de Rojas, los tres últimos de la escuela granadina.
La iglesia, de planta de cruz latina, responde a los condicionantes de las iglesias de la orden jerónima, con coro elevado en los pies y altar tras una amplia escalinata. Es destacable el retablo manierista de la capilla mayor, que supone el punto de partida de la escultura andaluza con entidad propia, y en donde es capital la intervención del maestro Pablo de Rojas. La rica decoración renacentista que presenta, con casetones, veneras y grupos escultóricos, es un canto de cisne del humanismo en España. El programa iconográfico fue pensado con el fin de resaltar las grandezas militares y la heroicidad del Gran Capitán, que se halla enterrado en el crucero junto a su esposa, María de Manrique.
El monasterio cuenta con dos claustros ajardinados, siendo el primero de ellos el que concentra la más genuina decoración del Renacimiento. Siete arcosolios a modo de capillas, de trazas clásicas, decoradas con todo el repertorio formal de este estilo, configuran un espacio fúnebre para cuando los restos de don Gonzalo llegaron al monasterio. En el segundo claustro, hoy clausura de la comunidad de monjas jerónimas que lo habitan, residió la emperatriz Isabel de Portugal en su viaje de bodas, tras la celebración de su matrimonio con el emperador Carlos I.
En la iglesia se trabajaba ya en 1513 bajo las órdenes de Jacobo Florentino. Muerto éste, las siguió Diego de Siloé. Cuando en 1522 se acabó la capilla mayor fueron trasladados los cuerpos del Gran Capitán y su esposa desde la Casa Grande del Convento de San Francisco.
Tras pasar por diversas vicisitudes adversas, como la invasión francesa y la exclaustración por expulsión de la Orden Jerónima, que casi llevaron a la ruina, el Estado decidió su restauración, que se llevó a cabo entre 1916 y 1920 por el arquitecto Fernando Wilhelmi.
En los años anteriores a 1989 fue vuelta a erigir la esbelta torre de la iglesia tras haber sido derruida por los franceses durante la invasión napoleónica para construir con sus piedras el Puente Verde que une el Paseo de la Bomba con la Avenida de Cervantes, sobre el río Genil.
La portada que separa el compás del Monasterio de la Calle Rector López Argueta, aunque originariamente pertenecía al monasterio, se repuso en la década de 1960, después de que en el siglo XIX desapareciera y se encontrara posteriormente abandonada en un cortijo de la Vega.
En la actualidad preside dicha portada una bella imagen de la Virgen de las Angustias que no es la que originariamente estaba en dicha portada.
A principios del año 2004 comenzaron unas obras de restauración del retablo mayor por el Ministerio de Cultura, que duraron hasta el año siguiente.
El templo fue el primero en todo el mundo en consagrarse a la Inmaculada Concepción de María.
Chiesa dell'Annunziata Considerata la più antica chiesa di Palazzolo, edificata probabilmente nel XIII-XIV secolo; distrutta dal terremoto del 1693 fu riedificata nello stesso sito dall’architetto Matteo Tranisi, è il gioiello dell’arte settecentesca palazzolese. L’esterno della chiesa si distingue per l’ampio portale, caratterizzato da quattro colonne tortili binate, riccamente adornate da tralci di vite e fregi, che rappresentano motivi agresti: mele cotogne, melegrane, uva e altra frutta a grandezza naturale. La facciata è incompleta, si pensa dovesse essere completata da una loggia campanaria e da un frontone sovrastante le due coppie di colonne. L’interno della chiesa è a tre navate, ritorna il motivo ornamentale agreste nelle alte arcate della navata centrale. Particolare l’altare maggiore in marmo colorato, raffigurante uccelli e delicati motivi floreali che richiamano l’allegoria della Primavera. Sull’altare si erge un tabernacolo scolpito nel marmo e caratterizzato da una miriade di colonnine sormontate da testine di putti. Dietro l’altare è una tela rappresentante l’Annunciazione, opera di Paolo Tanasi, pittore locale. Nelle navate laterali numerosi altari arricchiti da vari dipinti. Nel 1474 Antonello da Messina, su commissione del rettore della chiesa, dipinse su legno un grande quadro dell’Annunciazione, il capolavoro rimase all’interno della chiesa fino al 1906, quando fu acquistato dalla soprintendenza di Siracusa per la conservazione e il restauro, oggi è custodito nei locali del Museo Bellomo di Siracusa.
El Museo Lázaro Galdiano, en Madrid (España), es un museo estatal de origen privado, que alberga una amplia y heterogénea colección, formada con interés enciclopédico hacia todas las artes y técnicas. Este excepcional conjunto, constituido por más de 12 600 piezas, fue reunido por el coleccionista y editor José Lázaro Galdiano, quien al morir en 1947 lo legó al Estado español junto con su residencia madrileña, la sede de su editorial La España Moderna y una biblioteca de 20 000 volúmenes.
Tras crearse la Fundación Lázaro Galdiano y adaptarse como museo la antigua residencia del donante (Parque Florido, en el barrio de Salamanca de Madrid), la colección se presentó al público el 27 de enero de 1951. Desde entonces su prestigio entre los entendidos se ha extendido ampliamente, y sus fondos se consideran indispensables para estudiar muchos aspectos de la historia del arte, por lo que participan en exposiciones tanto españolas como internacionales.
Entre sus obras de arte más valiosas destaca el conjunto de pinturas, dibujos y grabados de Goya, con piezas mundialmente conocidas como El aquelarre o Las brujas, encargadas por los duques de Osuna (1797-1798). También hay que citar ejemplos relevantes de El Bosco, Lucas Cranach el Viejo, El Greco, Murillo, Zurbarán, Claudio Coello, Luis Paret o Federico de Madrazo, así como una miniatura en pergamino de Giulio Clovio y dos bronces de Giambologna. Pero posiblemente la obra más singular del museo es la pintura sobre tabla El Salvador joven, realizada en el taller de Leonardo da Vinci a partir de un diseño perdido del maestro.
Posee además un pequeño conjunto de pintura británica, una escuela muy poco frecuente en España; de hecho el Museo Lázaro Galdiano y el Prado eran (hasta la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza) los dos únicos museos españoles con una colección significativa. Incluye ejemplos de Lely (el único del siglo XVII, los demás son del XVIII), Constable, Reynolds y Romney, a los que se suma un retrato del estadounidense Gilbert Stuart.
El museo fue reformado íntegramente entre los años 2001 y 2004 para poder conservar adecuadamente sus fondos y hacer la visita más cómoda y centrada en las piezas de máxima calidad. Hay abiertas al público cuatro plantas, enteramente remozadas respetando los techos y carpinterías originales.
Colecciones
Pintura
El Salvador joven, cuadro del círculo de Leonardo da Vinci, atribuido actualmente a Giovanni Antonio Boltraffio o Marco d'Oggiono.
Especialmente valiosa es la colección de pintura, que incluye piezas relevantes de grandes maestros españoles y europeos entre los siglos XV y XIX. Un metódico estudio de la colección ha ido cribando las atribuciones más dudosas, lo que supuso descartar varias llamativas, como la de un Salvador joven que en vida de Lázaro Galdiano se asignaba a Leonardo da Vinci. Aunque no sea original suyo, es muy relevante y ahora algunos expertos lo atribuyen a un pintor próximo a él, como Boltraffio (atribución que figura en la cartela explicativa de la obra en el Museo) o Marco d'Oggiono, a quien se adjudicaba en la exposición «Leonardo da Vinci: pintor en la corte de Milán» para la que en otoño de 2011 fue prestada a la National Gallery de Londres. También se han barajado los nombres de Pseudo Boltraffio (pintor activo en Milán a principios del siglo XVI) y Ambrogio de Predis. Es la mejor obra leonardesca conservada en España y su alta calidad hace que sea muy demandada para exposiciones en otras instituciones, como la mencionada en la National Gallery o la que en tres sedes (Mantua, Padua y Verona), se celebró en Italia sobre Andrea Mantegna y su época (Palacio del Té, Mantua, noviembre de 2006 a enero de 2007).
La pintura medieval española cuenta con un nutrido repertorio, con varias obras de referencia. Un Autorretrato de Pedro Berruguete sigue recibiendo opiniones divergentes de los críticos respecto a su autoría. Lo superan varias tablas que Lázaro reunió a bajo precio cuando eran despreciadas como «arte bárbaro». Fue una faceta coleccionista que le acarreó críticas, trocadas en elogios décadas después, cuando el arte medieval español fue cobrando estimación. Algún experto afirmó entonces que en esta parcela del arte, la Colección Lázaro Galdiano aventajaba al Prado. En la actualidad exhibe obras de artistas tan renombrados como Miguel Ximénez, Diego de la Cruz, García del Barco, Juan de Soreda, Bartolomé de Castro, Maestro de Astorga, un tríptico firmado por Juan de Sevilla o la famosa Virgen de Mosén Esperandeu de Santa Fe de Blasco de Grañén, único ejemplo del autor conservado en un museo madrileño.
Pinturas importantes de la escuela española del siglo XVI son un Retrato de doña Ana de Austria de Sánchez Coello, y dos obras de El Greco: una Adoración de los Reyes Magos de su etapa veneciana y un San Francisco en éxtasis de su primera etapa toledana. Puede verse además un Noli me tangere pintado por su hijo Jorge Manuel Theotocópuli. También entraña interés una Sagrada Familia de marcado gusto italianizante, debida a Gregorio Martínez (activo en 1565-1598).
Se atribuye a Velázquez una pequeña Cabeza de muchacha de perfil, y el museo dispone además de una buena copia del famoso Retrato de Luis de Góngora cuyo original se conserva en el museo de Boston.
La pintura española del siglo XVII cuenta con más ejemplos: La condesa de Monterrey de Juan Carreño de Miranda, un magnífico San Diego de Alcalá de Zurbarán, Santa Rosa de Lima de Murillo, y ejemplos de Claudio Coello, Mateo Cerezo, Juan Martín Cabezalero, Alonso del Arco, Francisco de Solís, Antonio de Pereda, José Antolínez, Francisco Rizi...
De los siglos XVIII y XIX, destacan: la famosa Tienda de Geniani de Paret, y autores como Miguel Jacinto Meléndez, Joaquín Inza, Ramón Bayeu (Autorretrato), Mariano Salvador Maella, José del Castillo, Agustín Esteve, Zacarías González Velázquez, Luis Eusebi (dos aguadas de tema alegórico), Alenza, Eugenio Lucas Velázquez, su hijo Eugenio Lucas Villaamil, Vicente López, Antonio María Esquivel (Autorretrato), Juan Antonio Ribera (Retrato del escultor Antonio Solá), Ricardo Balaca, Valeriano Domínguez Bécquer, Francisco Lameyer, Emilio Sala y Francés, y los Madrazo: José (El Papa Pío VII),[4] sus hijos Federico (Retrato de Gertrudis Gómez de Avellaneda, Retrato de señora) y Luis (La marquesita de Roncali), y Ricardo, hijo de Federico (Retrato de Consuelo Gaztambide Aguader).
El grupo de obras de Goya bastaría por sí solo para abrir un pequeño museo monográfico. Entre las siete pinturas reconocidas como autógrafas destacan: Las brujas y El aquelarre de 1798, un Entierro de Cristo pintado para el oratorio privado de los Condes de Sobradiel en Zaragoza y una Magdalena penitente de su etapa juvenil. También posee el pequeño lienzo La trilla, modelo reducido para el famoso cartón de tapiz La era (Museo del Prado), así como grabados de todas las series del autor —con numerosas pruebas de estado—, además de dibujos o cartas autógrafas.
De las escuelas extranjeras destaca la Flamenca y de los Países Bajos, con cuatro tablas de Adriaen Isenbrandt, una interesante Virgen con el niño de Gérard David, antaño creída del denominado Maestro del Follaje Dorado, así como una de las pocas pinturas atribuidas a Michel Sittow (La Virgen con el Niño y san Bernardo) y diversas obras de Hans Memling y Quentin Massys. Hay también retratos de Antonio Moro (El rey Juan III de Portugal), así como los creídos de Joos Van Cleve y Bernard Van Orley. Dentro de la época barroca se pueden destacar El archiduque Leopoldo Guillermo en su gabinete de pinturas de David Teniers el Joven, una tabla sobre El jardín del Edén de Jan Brueghel el Joven, una gran Virgen con el Niño de Erasmus Quellinus II y un bodegón de Pieter Boel. En 2018 se ha presentado la nueva atribución a Michaelina Wautier de un San Juan Bautista antes creído de Juan Martín Cabezalero; de ser cierta tal autoría, ha de ser el único ejemplo conocido de Wautier en España. Un Retrato de Saskia atribuido antaño a Rembrandt se descartó como copia, aunque el museo guarda un valioso conjunto de cincuenta grabados del artista (expuestos temporalmente en 2018),[5] un San Jerónimo caravaggiesco de Hendrick van Somer y tres efigies femeninas de la Holanda barroca pintadas por Nicolaes Maes, Justus van Egmont y Ludolf de Jongh.
Mención aparte merece El Bosco, con tres ejemplos: un San Juan Bautista en meditación reconocido unánimemente como original del maestro, que figuró como tal en la exposición antológica que el Prado le dedicó en 2016; una gran Coronación de espinas (h. 1516), considerada obra de un seguidor, previa a las versiones más conocidas de El Escorial y del Museo San Pío V de Valencia; y La visión de Tondal, considerada obra de taller.
La pintura italiana incluye una Sagrada Familia de Giulio Clovio (miniatura realizada con destino al rey Carlos I de España), Cabeza de san Juan Bautista de Marco Palmezzano, un monumental Bautismo de Cristo atribuido a Orazio Samacchini, una Estigmatización de San Francisco de Asís de Jacopo da Empoli, dos lienzos de Giuseppe Marullo y Pacecco de Rosa, y el espléndido San Lorenzo de Bernardo Cavallino, obra maestra del autor napolitano (para la colección de pintura barroca italiana, puede consultarse Anexo:Pintura italiana del Barroco en las colecciones públicas madrileñas). Hay también maestros del siglo XVIII como Alessandro Magnasco, Gregorio de Ferrari, y Lorenzo Tiepolo, del cual hay una gran representación de retratos masculinos y femeninos.
Relativamente numerosa es la representación de la pintura británica, muy escasa en España, con obras de Lely, Reynolds, Constable, Romney, etc. Su presencia en la colección se debe al gusto personal de la esposa de Lázaro Galdiano, la argentina Paula Florido y Toledo (1856-1932). La mayoría de estas obras se adquirieron en la primera década del siglo XX en la Galerie Sedelmeyer de París. Hay que citar también la tabla El niño Jesús y san Juanito de Lucas Cranach el Viejo y un Calvario atribuido a su hijo, Lucas Cranach el Joven, así como un Retrato de hombre de Ulrich Apt antiguamente atribuido a Hans von Kulmbach, una efigie de Carlos III pintada por Mengs y una escena alegórica atribuida al francés Charles-François de la Traverse.
Destaca también la rica colección de iluminaciones o miniaturas pintadas, que rivaliza con la del Prado; entre ellas se incluye la ya citada de Clovio y de Giovanni Castello y Juan de Salazar. También hay que mencionar un retrato de George Washington, basado en un famoso retrato de Gilbert Stuart, y otra efigie del I duque de Fernán-Núñez pintada por Jean-Baptiste Isabey.
Escultura y artes decorativas El fondo de esculturas es más reducido, si bien cuenta con piezas singulares como un Cristo atado a la columna del italiano Michelangelo Naccherino, estatua de cuerpo entero esculpida en mármol a tamaño natural. Se cree que pudo formar pareja con una Virgen con el Niño que actualmente preside la fachada de la iglesia de Jesús Nazareno en Cudillero. Hay que citar un busto romano de Lucio Vero del siglo II, dos Santos evangelistas fundidos por Giambologna, la llamada Madonna Cernazai, de Niccolò di Giovanni Fiorentino, que perteneció al magnate William Randolph Hearst, y esculturas en terracota de Juan de Juni (Cristo flagelado), Venancio Vallmitjana (una estatuilla de Velázquez de cuerpo entero) o del francés Carpeaux.
Los esmaltes constituyen uno de los grandes atractivos del museo. La colección cuenta con ejemplares muy valiosos y raros, desde piezas de Limoges de los siglos XIII y XVI a obras neobizantinas sobre oro del siglo XIX. Destacada es también la colección de marfiles, en la que descuellan varios cofres árabes y bizantinos, una caja para café dinastía timúrida del siglo XIV, otra gótica francesa del XIV, además de dípticos de la escuela de París y de altares medievales italianos.
Las joyas cuentan con una representación múltiple de obras helenísticas y romanas, árabes, góticas, renacentistas, barrocas y románticas. Muy importante por la diversidad de tipos es el conjunto de bronces de la Antigüedad, de la Edad Media y, en gran abundancia, italianos del Renacimiento. Igualmente son numerosas y selectas las muestras de orfebrería religiosa de todos los estilos. El fondo de medallas incluye ejemplos de Pisanello, Pompeo Leoni, Jacome da Trezzo y otros maestros del género. Se exhibe en la planta alta del museo, habilitada como almacén visitable.
Existen también valiosas piezas de cerámica, italianas y españolas de distintas épocas, así como ánforas griegas y porcelana oriental. Destacan también los tejidos antiguos, italianos y árabes, y la colección de armas con un riquísimo muestrario de espadas, presidido por el estoque que el papa Inocencio VIII regaló a Íñigo López de Mendoza y Quiñones, segundo conde de Tendilla. También se exhiben abanicos y joyas que lució la esposa de Lázaro Galdiano. Todo ello forma uno de los más importantes despliegues de artes suntuarias que se pueden contemplar en España.
En la antigua sede de la editorial La España Moderna, anexa al museo, se custodian la biblioteca y el archivo de José Lázaro Galdiano, con incunables y manuscritos de incalculable valor. Destaca el manuscrito original de Los verdaderos retratos... con efigies dibujadas por Francisco Pacheco.
El solar está dotado de exuberantes jardines, con árboles centenarios, que conforman un rincón inusual por su tranquilidad en un área tan transitada como el barrio de Salamanca.
FOR IMMEDIATE RELEASE
MANIFESTO GLEITZEIT 2015
BY STELLY RIESLING
Featured below is another original art work of mine in homage to THE PIONEER OF INVISIBLE ART — PAUL JAISINI. Forget all the copycats that came after him — Master Paul Jaisini was the *FIRST* of a totally original concept and the *BEST*. My favorite thing about him is that he’s a voice, not an echo, which is quite rare.
DISCLAIMER: This is for anyone who is a hater OR wishes to better understand me, what I’m all about, so you can decide whether I’m weird or normal enough for you — a kind of very loose manifesto, rushed and unrevised, full of raw uncut emotion that I don’t like to be evident in my writing as lately I prefer a more professional, formal style, so we can consider this a rough draft of the more polished writing to come when I have extra time. I might return to this text later and clean it up or break it into separate parts. Right now it’s a long-winded hot mess, so if you manage to make any sense of it, BIG PROPS TO YOU. lol …and if you manage to read it ALL, you have my solemn respect!!! in a day when reading has been reduced to just catchy headliners and short captions of images once in a while. The consequence of this one-liner internet culture is non-linear, tunnel thinking, which is baaaaaad.
There lives among us a most enigmatic and charismatic creature named Paul Jaisini who led me into the wonderful world of art, not personally, but through descriptions of his artworks in essays written and published online by his friend, which painted the most fascinating images in my mind. Early on as a kiddo, I experimented with photography, simple point and shoot whatever looked attractive to me. Digital manipulation of my photographs with computer software followed… and somehow I learned useful drawing techniques along the way to combine existing elements with nonexistent ones, which allowed me to elevate the context for my ideas. Later, I started creating my own digital art from scratch for my friends and family as a favorite pastime. They would shower me with praise and repeatedly encouraged me to share my “different” vision with the rest of the world… it took a while and wasn’t easy to overcome the insecurity of not being good enough along with a gripping fear of being harshly criticized, but one day I woman-ed up and started publishing my work on the web, reminding myself that my livelihood didn’t depend on a positive reception.
Paul Jaisini’s role in all this has been to not disgrace myself, even if what I do is just a hobby. And I would never do him and other genius artists the disservice of calling myself a professional because I know I’ll never be as good as any of the GIANTS of pre-modern history. Be the best or be nothing, no middle ground.
People’s jealousy in the past, future and present over my obsessive love of Paul Jaisini, which they are well aware is purely plutonic, has caused them to despise the man and has made many relationships/friendships impossible for me. I refuse to have such people in my life because by harboring any negativity towards Paul, they unknowingly feel that way about me and express it to me. It’s their own problem for not realizing this. Paul’s new art movement, Gleitzeit, shaped me into the allegedly awesome girl I am today, giving my art more edge, more “sexy” because it refined my vision of the world and propelled me to attain the skills necessary to not dishonor my family name through tenacious pursuit of perfection. Since the beginning of my life, I attempted to depict what I saw in visual, musical and literal forms, but continuously failed without adequate training and determination. Paul Jaisini’s Gleitzeit was the answer to my prayers. Who I am today I owe mostly to him and his selfless ideals of the artverse that I’ve given unconditional loyalty to (he has this cool ability for hyper-vision to see whole universes, not itty bitty worlds, hence I call it an artverse instead of art world, with him in mind). So again, anyone who hates Paul Jaisini hates ME because, regardless of what he means to you, he is the most important person in my life for making me ME. The way a famous actor, dancer or singer inspires others to act, dance or sing, Paul inspired me to become a better artist, better writer, better everything. More people would understand if he was a household name because they’re wired to in society. But we’re inspiring each other all the time in our own little communities without being famous, so if someone has the ability to change even ONE person’s life immensely with creativity, it is a massive achievement. And passionate folks like myself are compelled to scream it from the cyber rooftops. So here I am. It’s whatever.
Furthermore, I’d like to address here a few pressing matters in light of some recent drama brought on by both strangers and former friends. To start, I never judge the passions, interests or likes of others, which are often in my face all over the place, so likewise they have no right to judge any of mine. It is quite unfortunate and frustrating how very little understanding and education the majority of people have or want to have. Their logic is as primitive as a chipmunk when it comes to promotion of fine art on the web: “spamming, advertising, report!” It’s their own problem that they fail to understand what it’s about due to the distorted lens through which they see the world or inability to think for themselves; an inherent lack of perception or inquisitiveness. Well, guess what? Every single image, every animation, every video, every post dedicated to Mr. Paul Jaisini and “Gleitziet” (to elaborate: a revolutionary new art movement Paul founded with his partner in crime and personal friend, EYKG, who discovered him and believed in him more than anyone) has an important purpose. Every one of those things you run across is a piece of a puzzle, a move in a game, an inch down a rabbit hole; the deeper you go, the more interesting it gets; the more levels you pass, the more clues unfold, the greater the suspense and nearer the conclusion (yet further). You earn awesome rewards like enlightenment, spiritual revelations, truths, knowledge, wisdom and the most profound reward of all: the drive to improve yourself to the absolute maximum, so an unending, unshakable drive. People often make a wrong turn in this cyber game and go back a few levels or get stuck. Those that keep on pushing, however, will come to find the effort has been worth it. And what awaits you in the end of it all? The greatest challenge to beating the game: YOUR OWN MIND. You will be forced to let go of every belief you held before you had reached the last level, to completely alter your mindset and perception of the world, of life, of yourself. But by the time you’ve gotten to that point, it will be as easy as falling off a cliff! (It is a kind of suicide after all — death and rebirth of spirit.)
Paul Jaisini does NOT, *I repeat* does NOT use mystery and obscurity to his advantage as a clever marketing ploy, no, he’s too next level for that with a consciousness so rich, he should wear a radioactive warning sign (he’ll melt your brain, best wear a tinfoil hat in his presence as I certainly would.) The statement he makes is loud and clear, hidden in plain site for those who take the time to connect the dots and have enough curiosity to fuel their journey into unknown territory (an open mind and flexible perception helps a lot). Actually, anyone with an IQ above 90 is sure to figure it out sooner or later. Hint: You don’t have to SEE an extraordinary thing with your eyes to know it exists, to understand it and realize its greatness — you can only feel it in your bone marrow, your spinal fluid, your heart and soul. The moment you do figure it out, as the skeleton key of the human soul, it will unlock the greatness and massive potential buried deep within, changing the doomed direction humanity is undoubtedly headed. I don’t speak in riddles, I speak in a clear direct way that intelligent humans will understand, so I’m counting on them.
GIG is an international group of artists and writers that support Paul Jaisini’s Gleitzeit. We started off as an unofficial fan club of Jaisini in 1996, comprised of only 6 individuals spanning 3 countries, and eventually escalated in status to an official fan group across the entire globe. A decade later it had grown to hundreds of fans. Nearly another decade later, there are thousands. Let’s not leave out another delightful group of vicious haters that have been around for nearly as long as us since the late 90s and have also grown in impressive numbers. Now, for the record (and please write this one down because I’m sick of repeating myself), Paul Jaisini himself is not part of our group and has nothing to do with us. He loves and hates us equally for butchering his name and making him appear as a narcissistic nut-job in his own words. He casts hexes on us for the blinding flash we layer over the art that members contribute to GIG — “disgusting-police-lights, seizure-inducing-laser-lightshow, bourgeois-myspace-effects retarded-raver shit” in Paul’s words. Ahh, how we love his sweet-talking us. In a desperate attempt to please him, those among us who make the art and animations have spent countless hours and sleepless nights trying to solve a crazy-complex quantum-physics type of equation = how to not create tacky or tasteless content. He does fancy some of it now, we got better, that’s something! In the reason stated below, our mission just got out of hand at some point.
What little is known about Paul Jaisini, even in all this time, is he’s a horrible perfectionist who slaughtered hundreds of innocent babies — I mean — artworks of remarkable beauty created by his own right hand (mostly paintings, some watercolors and drawings). He’s a fierce recluse who wants nothing to do with anyone or anything in life. But those few of us who know of an incredible talent he possesses (one could go as far as calling it a superpower), could not allow him to live his life without the recognition he FUCKING DESERVES more than any artist out there living today and, arguably, yesterday. We use whatever means necessary to reach more people, lots of flash and razzle-dazzle to lure them into our sinister trap of a higher awareness. Mwahaha! The visual boom you’ve witnessed in both cyber and real worlds, that is GIG’s doing — two damn decades of spreading an art virus — IVA. InVisibleArtitis… or a drug as in Intravenous Art. It’s whatever you want it to be, honey.
Our Gleitzeit International Group (GIG) started off innocently enough and gradually spiraled out of control to fight the haters, annoying the hell out of them as much as humanly possible. They don’t like what we do? WE DO MORE AND MORE OF IT. But never without purpose, without a carefully executed plan in mind collectively. If we have to tolerate an endless tidal wave of everyone’s vomit — e.g., idiotic memes and comics; dumbed-down one-liner quotes; selfies; so-called “art photography” passed through one-click app filters; mindless scribbles or random splatters by regular folks who have the nerve to call themselves serious/pro artists; primitive images of pets, babies, landscapes, random objects, etc… then people sure as shit are gonna tolerate what we put out, our animated and non-animated visual art designed for our beloved master, Paul Jaisini, who has shown us the light, the right path to follow, taught us great things and done so much for us — and so in our appreciation of him, we stamp his name on everything, for the sacrifices he has made in the name of art, to save our art verse, he’s a goddamn hero. There’s a book being written in his dedication where little will be left to the imagination about him.
If Paul Jaisini was as famous as Koons or Hirst, for example, people would know it’s not him posting stuff online with his name on it but fans creating fanart like myself among others. But noooooo, such a thing is unfathomable to most people - the promotion of another artist. Like, what’s in it for us? Uhh, nothing?? This is all NON-PROFIT bitches, the way art should be. It’s a passion FIRST, a commodity/commercial product/marketable item LAST and least. Its been that way for us since the early 90s to this day. Not a single member of GIG has sold an art work (neither has Paul Jaisini who’s a true professional) and we want to keep it that way. We do it for reasons far beyond ego. So advertising? Really? How the hell do you advertise or sell thin air, you know, invisible paintings, invisible anything? Ha ha, very funny indeed. The idea here is so simple, your neighbor’s dog can grasp it. Our motives: replace fast food for the mind with fine art, actual fine art. You know, creativity? Conscious thought? Talent? Skill? Knowledge? All that good stuff rolled into one to bring viewers more than a momentary ooohand aaahh reaction. Replace the recycled images ad nauseum; repetitious, worn-out ideas; disposable, gimmicky, money-driven fast art for simpletons. Stick with the highest of ideals and save the whole bloody planet.
Fine art is often confused with craft-making. This often creates bad blood between classically trained artists who put out paintings that leave a lasting impression, that make strong conversation pieces, that are thought-provoking and deep… and trained craftspeople whose skills are adequate to create decorative pieces for homely environments — landscapes, still lifes, animals, pretty fairies, common things of fantasy, and other simplicity. Skills alone are not enough for high art, you need a vision, a purpose, the ability to tell a story with every stroke of your brush that will both fascinate and terrify the viewers, arousing powerful emotions, illuminating. I have yet to see a visible painting in my generation that does anything at all for me, other than evoke sheer outrage and disgust. What a terrible waste of space and valuable resources it all is.
Paul Jaisini leads, we follow. He wishes to remain unknown - so do most of us. I’m next in line, slipping into recluse mode, no longer wanting to attach my face, my human image to my art stuff. I wish to be a nameless, faceless artist as well, invisible like P.J., and in his footsteps I too have destroyed thousands of my own artistic photography and digital art made with tedious, labor-intensive handwork. The whole point of this destruction is achieving the finest results possible by letting go of the imperfect, purging it on a regular basis, to make way for the perfect. I love what I do so it doesn’t matter, I know I’ll keep producing as much as I’m discarding, keeping the balance. Hoarding is an enemy of progress, especially the digital kind as there’s absolutely no limit to it. It’s like carrying a load of bricks on your back you’ll never use or need.
The watering down of creativity that digital pack ratting has caused as observed over the years is most tragic. For the creative individual, relying on terabytes of stock photos or OSFAP as I call them (Once Size Fits All Photos) instead of making your own as you used to when you had no choice, being 100% original, is a splinter in the conscience. It’s not evil to use stock of, say, things you don’t have access to (outer space, deep sea, Antarctica, etc.), but many digital artists I know today can’t take their own shot of a pencil ‘cause they “ain’t got no time for that!” How did they have time before? Did time get so compressed in only a decade?
Ohhhhh, and the edits, textures, filters, plug-ins and what-have-you available out there to everyone and their cats… are responsible for the tidal wave of rubbish that eclipses the magnificent light of the real talents.
I can tell you with utmost sincerity there is no better feeling on earth than knowing your creation is ALL yours, every pixel and dot, from the first to the last. It’s not always possible to make it so, but definitely the most rewarding endeavor. I’m most proud of myself when I can accomplish that.
Back to Paul Jaisini, from the start there have been a number of theories floating around on what his real story is. One of my own theories is that he stands for the unknowns of the world who can’t get representation, can’t get exhibited at a decent gallery because highly gifted/trained artists aren’t good enough - those kind of establishments prefer bananas, balloon dogs, feces, gigantic dicks/cunts, and all kinds of what-the-fucks…
So again, you don’t get the Paul Jaisini thing? That’s your problem. Don’t hate others for getting it. People are good, very good, at making baseless assumptions and impulsively spewing it as truth. They criticize and judge as if they’re high authorities on the subject yet they clearly lack education in fine art or art history and possess little to no talent or skill to back up their bullshit. My little “credibility radar” never fails. When they say I know this or I know that, I reply don’t say “I know” or state things as fact as a general rule of thumb - instead say “I assume/believe” and state the reasons you feel thus to appear less immature, especially about a controversial topic like invisible art. I have zero respect or tolerance for egomaniacs who think they know it all and act accordingly like arrogant pricks. Who can stand those, right? Once again, a good example would be: I, Stelly Riesling, believe everything I’ve written in this little manifesto to be correct based on personal experience and observation from multiple angles, thorough research and sufficient data collected from verifiable sources (and don’t go copying-pasting my own words back at me, be original). Just because you or I say so doesn’t make it so. Just because you or me think or believe so doesn’t make it true or right. I only ask that my opinions are regarded respectfully and whoever opposes them does so in a mature, civilized manner. We should only be entitled to opinions that don’t bring out the worst in us.
I don’t normally take such a position, but the time has come to stand up for what I believe in! It’s quite amusing and comical how haters think calling me names, attacking me or my interests or members of the project I’m part of for years is going to change something. It only makes more evident the importance of what I’m doing so I push on harder still.
Words of advise to those who can identify with me, with my frustrations over people’s reluctance to change their miserable ways, with our declining art world…
DON’T waste time on people who sweat the small stuff, whose actions are consistently inconsistent with their words. DO waste time on people who always keep their eye on the ball—the bigger picture of life.
Paul Jaisini’s invisible paintings are more than hype, more than your lame assumptions. Here’s one I got that’s pure gold: a cult! It started out as A JOKE OF MINE that was used against me. I told a then-good friend that he should come join our little “art cult” in a clearly lighthearted manner, and later he takes this idea I put in his head first and accuses me of being in an (imaginary) cult—the jokes on me eh?. But wait, aren’t cults religious? Our group consists of people around the world of different faiths (or none at all) so how could that ever work? If religion was about making fine (non-pop) art mainstream and bringing awesome, fresh, futuristic concepts to the collective consciousness, the world would not be so fucked up today because talent, creativity, originality and individuality would be the main focus, not superficial poppycock; those things would be praised and encouraged and supported in society by all institutions, not demonized and stigmatized.
Here is one thing I CAN state as solid fact: only one person close to Paul Jaisini knows the TRUE story, or at least some of it: EYKG. Everything else that has ever been said about him is myth, legend, gossip, speculation, the worst of which is said by jealous non-artists (wannabes, clones, posers, hang-ons, unoriginal ppl in general) and anti-artists (religious psychos, squares, losers and -duh- stupid ppl). Sadly, people are unable to see the bigger picture by letting their egos run their lives or repeating after others as parrots.
Commercial art, consumerism, and ignorance of the masses truly makes me want to curl up in a ball, not eat or drink or move until I die, just die in my sleep while dreaming of a better world, a world where real fine artists rule it with real fine art as they used to and life is beautiful once again….
Well I hope that settled THAT for now, or perhaps inadvertently made matters worse. I hope I didn’t sound too pissed from all these issues that keep popping up like penises on ChatRoulette… just got to me already! Can you tell? I had to put my foot down, stomp ‘em all!
To be continued, still lots more ignorance and pettiness to battle… Till then peace out my bambini. MWAH!
FOR IMMEDIATE RELEASE
MANIFESTO GLEITZEIT 2015
PROLOGUE
Paul Jaisini was like a messiah, as you wish, who saw/understood the impending end and complete degeneration of Fine art or Art become and investment nothing more than that. He predicted the bubble pops art when everybody would eventually become an artist, including dogs cats and horses, because they as kids followed the main rule: express yourself without skills or knowledge or any aesthetic concerns. J. Pollack started pouring paints onto canvases; Julian Schnabel, former cab driver from NY, suddenly decided he could do better than what he saw displayed in galleries, so he started gluing dishes on canvases; A.Warhol, an industrial artist who made commercial silk-screen for the factories he worked in, started to exhibit "Campbell's soup" used for commercial adds... and later the thing that made him an "American Idol": by copying and pasting Hollywood celebrities (same type of posters he made before for movie theaters).
When Paul Jaisini stood out against the Me culture in the US by burning all of his own 120 brilliant paintings (according to the then-new director of Fort Worth MoMa Museum, who offered hin an exhibition of his art in 1992, and later the Metropolitan Museum curator, Phillippe de Montebello, in 1994).Paul probably assumed all fellow true fine artists would join him or stand by him against corruption of the art world.
And after 20 years of his stand-off...the time has finally come today. Many artists and humanitarians around the world took a place beside him. His invisible Paintings became a synonym for the future reincarnation of fine art and long lost harmony. The establishment is in panic! The "moneybags" (as Paul Jaisini named them) are in panic, because they invested BILLIONS of dollars in real crap made by craftsmen. Now they realize that the reputation of American legends of expressionism was nothing but a copy of Russian avant-garde" Kazimir Malevich, Vasiliy Kandinsky and tens of others from France and Germany.. US tycoon investors were spending billions on "Me more original, than you". "Artist Shit" is a 1061 artwork by the Italian artist Piero Manzoni. The work consists of 90 tin cans, filled with feces. A tin can was sold for £124,000, 180,000 at Sothebys, 2007.
EPILOGUE
Before I resume promoting and admiring a very important art persona on today's international art arena, I'd like to clear up some BIG questions; people ask continuously and subconsciously, directly & indirectly: "Why does the name Paul Jaisini, flood the Internet in such "obnoxious" quantities that it's started suppressing some other activities that my friends might share with the rest of the Internet's Ego Me only Me www society? I can't just answer this... so I'll try to explain why I'm writing this: Jaisini's followers keep posting art and info about,
He IMHO the only hope in quickly decomposing visual fine art. "Paul Jaisini realized many years ago, in 1994, when he declared (at that time to himself only) the start of a New era, a New vision, that he is trying to redirect from the rat race, started by an establishment in post-war New York, long before the Internet culture.
Sub related information: Adolf Gottlieb, Mart Rothko, etc (after visiting Paris France in 1933):
"We must forget analytical art, we must express ourselves, as a 5 year old child would, without a developed consciousness. Forget about results - do what you feel, EXPRESS yourself with your own unique style"
With this statement Mark Rothko starts to teach his students, degeneration of fine art begins, and the generation of war of styles took a start signal of the material race, greatly rewarded by establishment "individual" - eccentric craftsmen - show business clowns.
Sub related Information: In the summer of 1936, Adolf Gottlieb painted more than 800 paintings, which was 20X more than he created in his whole art career as a painter, starting from the time of Gottlieb becomes a founding member of "The Ten" group in NYC "Group of Ten" was a very peculiar, enigmatic group... Based on a religious point of view;(where a human figure was prohibited from being created)
GLOSSARY
IN 1997, Paul Jaisini's best friend Ellen Y.K.Gottlieb started a cyber campaign by promoting on a very young Internet, back then, Paul Jaisini's burned paintings as Invisible Paintings, visible only through poetic essays. She and a handful of people saw his originals and were devastated that nobody could ever see them again. "We, his fans, believe that someday Paul will recreate his 120 burned paintings if he has any decency and moral obligation to his fans, who have dedicated decades to make it happen, for their Phoenix to rise from the ashes and the whole world will witness that all these years we spent to get him back to re-paint the Visuals again were not in vain," - said E.Y.K.Gottlieb in 2014 during the 20th anniversary celebration of Invisible Paintings to GIGroup in NYCity. So now, hopefully, this clears up why I and others do what we do - our "cyber terrorism" of good art, dedicated to Paul Jaisini's return, which is & and was our mission & our goal. We post good art to fight "troll art" which is worthless pics, after being passed through 1-click filters of free web apps. We are, in fact, against this www pops pollution, done with "bubble art" by the out of control masses with 5 billon pics a day: Pics of cats, memes, quotes,national geographic sunsets and waterfalls, not counting their own daily "selfies: and whatever self-indulging Me-ego-Me affairs, sponsored happily by photo gadget companies like Canon, Nikon, Sony...who churn out higher quality madness tools at lower cost.
This way Government taking away attention from the real world crisis of lowest morality & economical devastation. The masses are too easily re-engineered/manipulated by the Establishment PopsStyle delivered to them by pop music and Hollywood "super" stars. In 1992 Paul Jaisini's Gleitzeit theory predict such a massive, pops self-entertain madness, following technological explosion, but not in illusive scales.
Uber Aless @2015 NYC USA
NOTE Date's numbers and events can be slightly inaccurate.
#gleitzeit #paul-jaisini #invisible #painting #art #futurism #art-news,
Considerada a mais segura e abrigada Marina de Portugal e inserida num complexo turístico de alta qualidade, onde predominam os espaços verdes e apenas 29% da área de implantação destinada à construção, a Marina de Albufeira inclui no seu projecto hotéis, restaurantes, bares, lojas, piscinas, apartamentos, moradias, centro de diversão e lazer.
Localizada bem no centro do Algarve, a Marina de Albufeira marca a diferença, nomeadamente em termos de concepção arquitectónica e funcional, em relação a projectos anteriormente concebidos.
A marina propriamente dita é constituída pelo canal de entrada, com a largura de 25 metros, zona dos grandes veleiros, com uma área de 1,6 hectares, e zona de embarcações médias, com uma área de 5 hectares.
Símbolo da qualidade e respeito ambiental, a Marina de Albufeira está também distinguida com a Bandeira Azul, sendo cumpridos todos os critérios de educação, informação e gestão ambiental, segurança, serviços e qualidade da água. www.guiadacidade.pt/portugal/poi/16626/08/marina-de-albuf...
El templo de Lúxor, situado en el corazón de la antigua Tebas, fue construido esencialmente bajo las dinastías XVIII y XIX egipcias. Estaba consagrado al dios Amón bajo sus dos aspectos de Amón-Ra (Ra, era considerado el dios del cielo, dios del Sol y del origen de la vida en la mitología egipcia). Las partes más antiguas actualmente visibles remontan a Amenhotep III y a Ramsés II. Seguidamente, nuevos elementos fueron añadidos por Shabako, Nectanebo I y la dinastía ptolemaica. En época romana, el templo fue parcialmente transformado en campo militar. El edificio, uno de los mejores conservados del Nuevo Imperio egipcio, aún mantiene numerosas estructuras. Además del gran pilono, el visitante puede también atravesar dos grandes peristilos y la columnata monumental que enlaza estos dos patios. El santuario propiamente dicho, residencia del Amón de Opet, al igual que las salas que conservan una gran parte de sus baldosas.
Forma parte del conjunto denominado Antigua Tebas con sus necrópolis, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1979.
La construcción fue ordenada por Amenofis III a su arquitecto Amenhotep (hijo de Hapu). Este último edificó un templo completo: naos, santuario de la barca, sala de ofrendas y antecámara, esta última flanqueada de capillas destinadas a la tríada tebana. Todo está precedido de una sala hipóstila abierta a un gran patio cuadrado, el «patio solar», rodeado por tres de sus lados de una doble hilera de sesenta y cuatro columnas papiriformes. Las salas de culto, al igual que la sala hipóstila, se elevan sobre una plataforma con una gran inscripción dedicatoria.
El conjunto, con proporciones imponentes pero armoniosas, fue completado por una columnata procesional de acogida de unos veinte metros, formando un grupo monumental que marcaba la entrada del templo. El programa arquitectónico se ejecutó probablemente en tres fases sucesivas y ocupó todo el reinado.
Como hizo en Karnak para el patio de su padre, Amenhotep III destruyó sin duda un templo más antiguo delante del cual debía encontrarse la capilla edificada por Hatshepsut. De hecho, la estructura interna está en parte constituida con bloques reutilizados provenientes de un edificio anterior. Difícilmente accesibles, estos bloques son todavía visibles en la zonas orientales del templo que fueron modificadas en la época greco-romana. Aquí se ha encontrado cartuchos grabados de Tutmosis IV.
Ejecutado en el más puro estilo de la XVIII dinastía egipcia, el Opet del sur constituye un raro ejemplo de edificio religioso del Nuevo Imperio bien preservado, aunque los muros que rodean las diferentes partes del monumento se hayan derrumbado o sus materiales hayan sido reutilizados en épocas posteriores - lo que nos permite admirar las columnas desde el exterior del monumento.
El templo fue descuidado, incluso maltratado durante el reino del faraón «herético» Akenatón. Los trabajos recomenzaron bajo Tutankamón y Ay, quienes acabaron la decoración de los muros de la columnata procesional, añadiendo especialmente las escenas de la Fiesta de Opet.
Ramsés II, el otro gran constructor en Tebas, añadió el pilono, cuya plaza estaba adornada con seis colosos de Ramsés II, cuatro de pie y dos sentados, todos con su nombre, además de dos obeliscos, y un segundo patio con pórticos, de un estilo típico de la XIX dinastía, con columnas macizas que recuerdan a la sala hipóstila de Karnak. Lo adornará también con estatuas alternando con las columnas. Otros dos colosos sentados, con su imagen, precedían la entrada de la columnata procesional de Amenhotep III.
Para edificar este nuevo patio, el arquitecto de Ramsés tuvo en cuenta la existencia de una triple capilla de Hatshepsut, lo que explica que el eje del monumento esté dirigido hacia Karnak. No se percibe a primera vista, pero es imposible tener desde el pilono una vista axial del templo, ya que la perspectiva está rota. El conjunto está sin embargo muy bien concebido para que esta particularidad no afecte a la armonía de las proporciones; incluso los obeliscos, de medidas diferentes, fueron emplazados desfasados de tal manera que cuando nos situamos frente al pilono, no se note la diferencia.
Los dos obeliscos fueron ofrecidos en 1830 a Carlos X de Francia por Mehemet Ali, pero sólo el de la derecha fue derribado y transportado a Francia. Jean-François Champollion fue quien eligió, por mandato del rey, el primero de los dos obeliscos, en parte cubiertos de arena. La leyenda dice que se decidió por el de la derecha, entrando en el templo, el más pequeño y el más dañado. El obelisco fue erigido con una gran fiesta en París, dónde se erige después de 1836 en el centro de la plaza de la Concordia. En agradecimiento, Luis Felipe I de Francia ofreció un reloj que hoy día adorna la mezquita de Mehemet Ali en el Cairo, pero se estropeó en el camino y nunca funcionó. El segundo obelisco, que nunca salió de Egipto, fue oficialmente «devuelto» por Francia en 1981, al principio del primer mandato de François Mitterrand.
El agrandamiento del templo continuó en el periodo tardío de Egipto. Los faraones nubios de la XXV dinastía añadieron el muro de recinto además de un grupo arquitectónico de columnas formando un ante-patio. El recinto fue reacondicionado o restaurado por Nectanebo II, faraón de la XXX dinastía, al igual que todos los templos de Tebas. Construirían igualmente la avenida de esfinges que unía el templo de Luxor al de Karnak, además de un pequeño templo dedicado a Isis.
Tebas parece haber sido abandonada y maltratada por los conquistadores sirios y persas, y el desarrollo del templo fue abandonado. Alejandro Magno reacondicionó la sala de la barca, haciendo erigir las cuatro columnas que sostenían el techo. Todavía se puede ver el emplazamiento de las bases de estas columnas sobresaliendo de los cimientos de esta capilla. Esta forma, con la capilla que Filipo III de Macedonia hizo construir para el templo de Amón-Ra en Karnak es un ejemplo irreemplazable de arquitectura religiosa de este periodo de transición histórico para la ciudad de Tebas.
De igual manera, desde el comienzo de la época griega, se puede constatar cuanta atención aportaron los primeros monarcas de la nueva dinastía a los santuarios de la ciudad santa.
Finalmente, en la época romana, el templo fue convertido en edificio militar. En esta época, los sacerdotes enterraron piadosamente una serie de imágenes de dioses y reyes en una favissa que habían habilitado en el gran patio solar de Amenhotep III. Estas estatuas, algunas únicas en su género, fueron descubiertas en 1989 y están actualmente expuestas en el museo de Luxor.
En su versión final, el templo de Luxor medía más de 260 metros de largo y 50 de ancho.
El templo de Luxor es el complemento meridional del gran templo de Amón en Karnak, en la medida en que estaba dedicado a la tríada tebana pero, sobre todo, al Ka de la fuerza progenitora del dios dinástico representado bajo el aspecto de Amón-Min. Situados a poco más de dos kilómetros el uno del otro, los dos templos estaban unidos por un dromos bordeado de setecientas esfinges con cabeza de carnero y de estaciones o capillas donde se paraban las barcas de la tríada tebana en la gran Fiesta de Opet. Bajo el reino de Nectanebo I, esta avenida ceremonial fue adornada con esfinges de cara humana (androesfinges) del lado del templo de Luxor. El dromos constituía la articulación principal de la ciudad que la atravesaba de norte a sur, dividiéndola en un barrio occidental que bordeaba el Nilo dónde se encontraba el puerto, los barrios populares y el de los artesanos, y un barrio oriental probablemente más residencial que se extendía entre los grandes templos y contenía numerosos santuarios repartidos a lo largo de las grandes avenidas adoquinadas que cuadriculaban la ciudad.
Construido alrededor del santuario de Amón-Min y de la capilla que acogía la barca sagrada que portaba la efigie de Amón durante su procesión anual. En ella el dios dejaba su residencia en Karnak en compañía de su esposa Mut y su hijo Jonsu, el dios lunar, para ir vía fluvial a Luxor. Allí, el dios alcanzaba su aspecto fértil, como Amón-Min. Entonces, al final de la fiesta que duraba once días originalmente,7 volvía, siempre en compañía de su familia divina, a Karnak, esta vez por el gran dromos. La ceremonia estaba encabezada por el faraón, que presidía también el ciclo de renovación eterno simbolizado por la llegada de la crecida del Nilo.
El templo sufrió las iras del periodo amarniense, ya que era el edificio central que albergaba a la vieja divinidad de Tebas. Los faraones que siguen a Akenatón se dedicaron a atenuar los desperfectos restaurando, algunas veces torpemente, los relieves estropeados, pero el amartillado de los relieves fue tan intenso que todavía son visibles las trazas en los arquitrabes de la gran columnata dónde el nombre y la imagen de Amón habían sido borrados del cartucho de Amenhotep.
El templo de Luxor era un elemento esencial del urbanismo religioso de Tebas además de para la teología amoniense, a tal punto que cuando los faraones de la XXI dinastía eligieron Tanis como nueva capital, quisieron edificar su ciudad con el mismo modelo, previendo en el sur del conjunto un nuevo templo dedicado a Amón de Opet, el cual también estaba unido al templo consagrado a Amón-Ra al norte.
Como los otros santuarios de la ciudad, Luxor recibió atención por parte de los últimos Ptolomeos a quienes podemos atribuir el pequeño templo de Serapis que acoge al visitante que recorre el dromos. Es a partir de la época romana cuando el declive del templo comienza. De hecho, desde los primeros años de la kratesis, una guarnición romana se instala en Luxor. Una capilla en honor de Augusto es habilitada en la habitación del rey divino y, en esta ocasión, el acceso a las salas es modificado, siendo la función inicial de templo transformada irremediablemente. Las puertas axiales son tapiadas y se crea un ábside para albergar la estatua del emperador. Se realizó una nueva decoración en los muros de la sala, añadiendo una capa de estuco pintado con figuras de estilo puramente greco-romano. Estos frescos, que eran visibles hace una decena de años, resisten mal a la subida del nivel freático que amenaza el lugar, haciendo que el estuco se caiga poco a poco, dejando ver los relieves originales de la XVIII dinastía, cubiertos desde hace 2000 años.
En el siglo III, el templo de Luxor es transformado en castrum, albergando la legión encargada de defender los limes situado al sur en Asuán contra los blemios, pueblo nómada. El muro es reconstruido y se añaden puertas fortificadas reutilizando elementos del templo. Se llega incluso a cortar un coloso de Ramsés II para obtener bloques destinados a servir de dintel y de arquitrabes a las puertas que defienden la fortaleza. Una verdadera ciudad de guarnición se desarrolla en el interior del recinto, con sus vías cortándose en ángulo recto y delimitando los barrios o insulae, en los cuales son edificados el Foro romano y basílicas. El templo, convertido en santuario romano, debía entonces albergar las estatuas del culto imperial.
Cuando el imperio romano adopta el cristianismo, se construyen numerosas iglesias en el recinto, una en el patio de Ramsés II. Todavía se puede ver un tabique, constituido de gruesos bloques provenientes sin duda de los muros desmantelados del templo de Amenofis III. Después de la conquista musulmana, se construyó encima de la iglesia una mezquita en honor del santo local, Abu el-Hagag, dónde se conservan sus reliquias.
El templo de Luxor es uno de los más antiguos lugares de culto del mundo. De hecho, se ha realizado diversas prácticas religiosas en este lugar durante más de 3500 años. A varias horas del día, y sobre todo los viernes, la llamada al rezo del muecín resuena entre las columnatas de estas viejas ruinas de Tebas.
. . . depending on the culture, the crow is thought to be anything from a sacred creature to a harbinger of death. In any language, he is undeniably clever and cunning! "Heroes and Villains," for the 2012 Sketchbook Project.
Watercolor, on a spread prepared with spray gesso, stencil and watercolor.
Consider this little figure I threw together a teaser for my new MoC. Yes it is Silk Road.
Love these combos as well! :D
Happy holidays!
Please consider leaving a comment if you fave, it is lovely to hear from you! xx
My other bestie Arrabella came over to Hull for the weekend!
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Baeza es un municipio de España, la ciudad capital de dicho municipio y cabeza del partido judicial homónimo. Se encuentra en el mismo centro geográfico de la provincia de Jaén (en el noreste de la Comunidad Autónoma de Andalucía) enclavada en la comarca de La Loma de la que se considera su capital occidental.
En la actualidad es conocida por su ingente producción olivarera, su abundante legado monumental, y por ser sede universitaria desde el siglo XVI, albergando hoy día una de las sedes de la Universidad Internacional de Andalucía.
Denominada "Nido Real de Gavilanes" por el romancero, fue un punto clave en la conquista de al-Ándalus por los reyes cristianos; pasando definitivamente al reino de Castilla en 1227. Atalaya sobre el Guadalquivir, la posesión de su alcázar (considerado como inexpugnable) aseguró la retaguardia castellana, la vez que supuso una amenaza constante para los reinos islámicos situados al oeste y al sur del Guadalquivir; una amenaza que se hizo efectiva durante los más de dos siglos de lucha fronteriza que separaron la incorporación de Baeza al reino de Castilla y la caída del reino nazarí de Granada (1492).
Durante el período de gran crecimiento demográfico y económico que supuso la mayor parte del siglo XVI, y aún en parte del XVII, Baeza construyó sus edificios públicos y administrativos con alto sentido de capitalidad y con la más alta dignidad, conformando así, junto con las construcciones eclesiásticas, un tejido urbano caracterizado por una monumentalidad que ha dado a la ciudad un encanto especial a los ojos del visitante.
En 1943 se fundó en Baeza la academia de las escalas de Cabos y Guardias y de Suboficiales de la Guardia Civil.
Se encuentra a unos 48 km al noreste de la capital provincial, y limita por el este con el municipio de Úbeda, con el que comparte la capitalidad de la histórica Comarca de La Loma.
El 3 de julio de 2003, y tras varios años de intentos, la UNESCO declara finalmente a Baeza (junto a Úbeda) Patrimonio de la Humanidad. Este acontecimiento profundiza el relanzamiento de la ciudad al incrementar considerablemente el interés del sector turístico.
es.wikipedia.org/wiki/Baeza_(España)
www.lonelyplanet.com/spain/andalucia/baeza
Baeza se asienta sobre un terreno que ha estado continuamente habitado, al menos desde la Edad del Bronce. Por esta razón, y a pesar de las sucesivas destrucciones sufridas por las construcciones de todos los períodos, la ciudad aún retiene un destacado patrimonio monumental en el que están representadas diversas culturas, períodos y estilos artísticos. En Baeza pueden contemplarse restos de la Edad del Bronce, de la Época Romana, y de la Hispania visigoda, islámica y cristiana. No obstante, el más rico patrimonio monumental conservado corresponde a los diversos estilos artísticos presentes en la Baeza cristiana: desde el tardo-románico y el gótico, al renacentista, manierista, barroco y neoclásico. No en vano en 2003 el casco histórico de la población, con su antigua ciudad intramuros, fue declarado Patrimonio Mundial por la Unesco.
Baeza, situada en la cornisa sur de la gran meseta que es La Loma, se asoma al valle del Guadalquivir desde un acantilado que domina un paisaje de cerros infinitos; dicho acantilado, visto desde el llano parece sustentar la catedral como un faro.
La ciudad originaria estaba edificada sobre este cerro y en torno a una ciudadela, hoy desconocida: el celebérrimo alcázar de Baeza, reputado como inexpugnable y dentro del cual se encontraban el castillo-palacio de la autoridad real y la iglesia (luego colegiata) de Santa María del Alcázar. Estas construcciones, lejos de surgir ex novo, fueron una continuación de similares edificaciones de los períodos oretano, cartaginés y romano; restos de los cuales aún pueden contemplarse en el cerro junto a otros de la precedente Edad del Bronce.
Desde esta atalaya entendemos que la ciudad fuera una gran plaza fuerte donde, un día, se remansó la gran epopeya reconquistadora revitalizada por Las Navas de Tolosa. No obstante, a fines del s. XV el alcázar fue derribado por mandato de la reina Isabel la Católica de modo que no siguiera siendo utilizado como defensa con ocasión de las pugnas nobiliarias que enfrentaban por entonces (como en toda Castilla) a los linajes dominantes de la ciudad (Carvajales y Benavides).
Consecuencia del derribo del alcázar, el cerro fue perdiendo pobladores hasta el punto de estar casi despoblado en el s. XVIII y trasladarse por ello la colegiata a la parroquia de San Andrés. También desaparecido el frente sur de la muralla, adyacente al alcázar, el paseo que lo reemplaza es hoy día un mirador excepcional sobre el valle alto del Guadalquivir, y el cerro mismo, un parque arqueológico de primer nivel pendiente de excavaciones más ambiciosas.
Su centro neurálgico es la Plaza de Santa María establecida en la baja edad media, y hasta el s. XIX, como sede de los poderes que rigen la ciudad: el civil y el religioso; en ella se encuentran hoy:
La Catedral de la Natividad de Nuestra Señora: edificada sobre la antigua mezquita que (según tradición histórica) había sido construida a su vez sobre un templo visigodo anterior, fue la primera consagrada en Andalucía con ocasión de la reconquista castellana.
Las Cancillerías góticas o Casas Consistoriales Altas: sede del concejo de la ciudad entre fines del s. XV y el s. XIX, cuando el consistorio municipal traslada su sede al antiguo palacio del corregidor.
La Fuente de Santa María: situada en el centro de la plaza fue edificada en el año 1564 para marcar la finalización de las obras de traída de aguas a la ciudad.
El Seminario de San Felipe Neri (1660): tiene fachada de buena sillería, puerta de medio punto, frontón partido y vítores estudiantiles.
Al norte de este conjunto, y junto a la Puerta del Barbudo, se halla la sede de la antigua universidad Santísima Trinidad, otra importante Institución eclesiástica de la Edad Moderna hoy Instituto. El edificio es de estilo manierista (fines del s. XVI) y consta de claustro, en torno al cual se organizan las dependencias universitarias, y una amplia capilla; contando cada uno de estos elemento con portada propia. Destaca, sobre la puerta de acceso al claustro, el medallón labrado con el tema de la Santísima Trinidad. En esa misma fachada pueden verse los escudos del canónigo Fernández de Córdoba (donante del edificio) timbrados con un impropio galero arzobispal.
De las primeras parroquias intramuros han desaparecido por completo la colegiata de Santa María, San Miguel y San Gil; solo permanecen:
Las Ruinas de la parroquia de San Pedro: iglesia románica de la que sólo se conservan el ábside (parcialmente visible al exterior) y restos considerables de la portada norte (dentro de propiedad particular). Parcelada en viviendas desde el s. XIX, su fábrica ha ido deteriorándose y se han abierto nuevos vanos en el ábside.
Las Ruinas de la parroquia de San Juan: iglesia tardorrománica de la que sólo se conservan los tres ábsides de la cabecera, el muro del lado del evangelio y los capiteles y basas de sus seis columnas. Recientemente, estos restos han sido consolidados y su acceso abierto al público.
La Iglesia de Santa Cruz
Esta última se halla en la plaza del mismo nombre frente al Palacio de Jabalquinto, el más destacado de la ciudad intramuros y uno de los emblemas de Baeza. Pero la ciudad intramuros está, además, plagada de rincones con otros palacios y casonas de interés, como la Casa de Avilés (mediados del s. XVI), la Casa de los Galeote (segunda mitad del s. XVI), la Casa de los Ávila (comienzos del s. XVII), la Casa de los Fuentecilla, la Casa de los Canónigos, el Palacio de los Obispos (todos del s. XVIII) o el Palacio Rubín de Ceballos (principios del s. XIX).
El trazado de la muralla históricamente conocida, y de la que aún subsisten importantes elementos, obedece a un diseño islámico del s. XI. No obstante, las edificaciones conservadas responden más bien a reconstrucciones cristianas posteriores.
La Plaza del Pópulo (o de Los Leones) está inmediatamente al norte de la ciudad amurallada y al oeste de El Paseo, organizándose en torno a la Puerta de Jaén, única construcción de la plaza perteneciente a la muralla; las otras edificaciones de la misma han ido añadiéndose en distintas épocas:
El Arco de Villalar: directamente a continuación de la Puerta de Jaén, fue erigido con ocasión de la visita del rey Carlos I (1526) y conmemora la victoria real en la batalla de Villalar.
La Casa del Pópulo: edificio plateresco que albergaba la audiencia civil y las escribanías públicas; hoy, oficina de turismo.
La Fuente de los Leones: manantial natural que la interpretación histórica tradicional postula monumento arqueológico procedente de la antigua ciudad iberorromana de Cástulo, hipótesis que se sustenta en la continuidad histórica deliberadamente mantenida con ocasión del traslado a Baeza de la capitalidad administrativa y episcopal de la desaparecida Cástulo. Según esta interpretación, parejas de felinos y équidos (actuando como surtidores) rodean una figura femenina identificada como Himilce. Más recientemente, se ha propuesto identificar esta fuente como previamente proveniente de un patio del alcázar.
La Antigua Carnicería (s. XVI): trasladada a su emplazamiento actual en los sesenta del s. XX, estaba originalmente apoyada contra la muralla en la antaño populosa plaza intramuros sita al otro lado de la Puerta de Jaén; hoy cumple las funciones de palacio de justicia del Partido judicial de Baeza.
Al este del conjunto anterior, más allá de El Paseo (plaza cuyo lado sur se antepone a la Puerta del Barbudo) encontramos:
La Torre de los Aliatares (o de los Altares): denominada así de acuerdo con la tradición que la hace, en tiempos anteriores a la reconquista, posesión del linaje musulmán de ese mismo nombre. Tiene veinticinco metros de altura, con almenas copiadas del Arco de Villalar y ostenta el reloj público de la ciudad.
Hacia el sureste de la anterior hallamos:
La Puerta de Úbeda: de las principales de la muralla; protegida por su torre albarrana hoy sólo conserva uno de sus arcos, habiendo sido desmantelados los otros dos en el s. XIX.
La actual Plaza de España, situada en el extremo noreste de lo que fue la ciudad amurallada; se conoce como tal la gran plaza edificada sobre la rambla por la que vienen a desaguar las tres colinas sobre las cuales se asienta la urbe. Su fisonomía es porticada, muy castellana. Servía de escenario para los eventos taurinos, fiestas y ajusticiamientos públicos. A partir del s. XIX fue cuando se convirtió en un paseo romántico.
En su lado sur encontramos la mencionada torre de Los Aliatares y La Alhondiga, e inmediatamente tras ella El Pósito. En su cara norte se hallan las Casas Consistoriales Bajas o Balcón del Concejo (s. XVII), lugar desde donde los munícipes presenciaban las corridas de toros celebradas en la plaza. Finalmente, y de este a oeste, también encontramos en las inmediaciones de su lado septentrional:
La Iglesia de la Purísima Concepción: capilla del antiguo hospital homónimo edificada a principios del s. XVII (el hospital desapareció en el s. XX).
Convento de San Francisco y Ruinas de la Capilla de los Benavides: sustituyendo un templo gótico construido en el que era tercer solar ocupado en Baeza por la comunidad franciscana, Diego de Valencia Benavides encargó en 1538 a Andrés de Vandelvira la construcción de la cabecera de un nuevo templo conventual, que habría de albergar su capilla funeraria y que acabó siendo la obra maestra de aquel artista y un hito de la arquitectura renacentista española. Lamentablemente el terremoto de Lisboa quebrantó la bóveda cruzada y la invasión napoleónica acabó de arruinar el templo.
Ayuntamiento de Baeza: magnífico edificio plateresco construido originalmente como Palacio de Justicia y Cárcel del Corregidor.
HISPANO SUIZA - (1.904 - 1.946)
1904 - Fundación de la marca
El 14 de julio de 1904, un grupo de industriales encabezado por D. Damián Mateu, y D. Francisco Seix, fundaron en Barcelona, la sociedad anónima LA HISPANO-SUIZA, fábrica de automóviles. La dirección técnica recayó en el prestigioso ingeniero don Marcos Birkigt, quien con anterioridad había diseñado un automóvil para la empresa del Sr. La Cuadra, del que únicamente se fabricaron cuatro unidades, en el año 1.900, y que se considera como el antecesor del los HISPANO-SUIZA. A finales del año, se habían entregado, dos coches uno de 10 CV, y otro de 14/16 CV. El capital social se cifra en 500.000 pesetas, de las que se emiten 250.000 pesetas. Para la confección de las acciones y para uso publicitario, se encarga la confección de un cuadro al reconocido artista catalán Ramón Casas.
Los HISPANO-SUIZA -desde sus comienzos-, figuraron entre los más veloces, elegantes y prestigiosos automóviles de la época. Sus indiscutibles ventajas dieron lugar a que diferentes fábricas del extranjero pudieran adquirir sus patentes de invención, como el caso concreto de la casa SKODA, de Checoslovaquia.
1905 - Primera entrega
Se emiten las restantes 250.000 pesetas del Capital Social. Se firma el primer contrato de cesión de tecnología con la "Societé d'Automobiles à Genève" para la fabricación de "Hispanos" en todo el territorio de Suiza. El día 20 de enero se entregó el primero del tipo acorazado sistema Birkitg, de 20 CV, con motor de 4 cillindros de 100 x 120 que, oficialmente cronometrado, alcanzó una velocidad de 87 kilómetros por hora en llano y 50 en la cuesta de La Rabassada (Barcelona).
1906 - Ampliación de la empresa
De nuevo se amplía el capital hasta 1.500.000 pesetas. Se adquiere el terreno de "La Sagrera" para la instalación de la fábrica con una superficie de 750.000 palmos. Se acude por primera vez al Salón del Automóvil Club de Francia en París. Se fabrican los modelos de 20 CV, de 120 CV x 120, y 40 CV, de 130 x 130, capaces de alcanzar una velocidad en llano de 100 kilómetros por hora, completamente equipados.
1907 - Primer 6 cilindros
A la HISPANO-SUIZA le corresponde el honor de haber construido en España el primer automóvil de 6 cilindros, diseñado en ese año, lanzándolo al público al año siguiente, motor compuesto por tres bloques de dos cilindros, montaje de gemelo, de diámetro, y carrera, de 130 x 140, de una potencia comprendida entre los 60 y los 75 CV.
Prueba de la rapidez de dicho modelo fue que un coche particular HISPANO-SUIZA de dichas características, realizó, entonces, el viaje Perpignan-París, en veintidós horas. Este hecho obtuvo una gran resonancia en los medios de comunicación que lo calificaron de gran proeza.
1908 - Alfonso XIII
Los "hispanos" empiezan a participar en concursos y carreras como la de Monte Igueldo en que un 20 HP logra el primer premio de su serie. Se habían construido unas 200 unidades de coches de ciudad y de turismo, en 24 series distintas, correspondientes a modelos con motores de cuatro cilindros, en monobloque, o en dos bloques, de potencias 20/30; 24/30 y 30/40 CV.
Se dio a conocer el 15/20 CV, de 80 x 130, que se fabricó durante largos años y sobre todo el fantástico modelo deportivo de 45 CV, en sus aspectos de 80 x 170 y 80 x 180, espléndido chasis al que se le impuso la denominación de Alfonso XIII, dedicado en honor del monarca, coche que constituyó uno de los mejores modelos de la Belle Époque.
1909 - Nuevos premios
A partir de este año, como veremos, más adelante se multiplican los premios y galardones conseguidos por Hispano-Suiza.
1910 - Huelga
Los "voitasettes" Hispano vencen en las competiciones de Mont-Ventoix, Monte Igueldo, Ostende y Boulogne. Cuando mayor es el éxito comercial e industrial de la empresa, estalla una huelga de larga duración que en palabras de su Presidente se temió "ver malograda en un instante nuestra obra". Como consecuencia de la huelga se anulan pedidos nacionales y extranjeros, se suspende la Organización de Agencias y representaciones en el exterior, se pierde personal especializado formado por la empresa y se pierde más de un tercio de la producción.
1911 - Fábrica en Francia
Como consecuencia de la huelga se aprueba la instalación de una fábrica en Francia, cerca de Paris. Pesan también en la decisión, la mayor disponibilidad de materias primas, la abundancia de industria auxiliar, la mano de obra cualificada y mejores condiciones para la exportación, entre otras.
1912 - Gran producción
La fábrica de Parls supera en producción a la de Barcelona.
1913 - Primeros motores para la aviación
Se acuerda trasladar la fábrica francesa a Bois-Colombes. Se estudia la construcción de vehículos carrozados y al mismo tiempo se empieza el estudio del motor de aviación.
1914 - Guerra en Francia
Paralización de la fábrica francesa por la guerra y dificultades de aprovisionamiento para la fábrica española viéndose obligada a recurrir al mercado americano. La demanda interna, especialmente del Ministerio de la Guerra es muy fuerte y se hace necesario triplicar la capacidad de producción de la fábrica de "La Sagrera" en Barcelona.
1915 - Nueva ampliación de capital
Se amplia el capital hasta 6.500.000,00 Pesetas. Se adquieren más terrenos en "La Sagrera" y se adquiere la fábrica de Ripoll para reunir en ella las secciones auxiliares.
1916 - Creación del 32 CV
En 1916, fue creado el imponente 32 CV, chasis que despertó una fenomenal expectación, ya que durante muchos años, gozó del máximo prestigio, por sus cualidades de todo orden, y del cual se entregó uno, en abril de1918, al Rey de España. Se culminan las pruebas de motores de aviación con óptimos resultados.
1917 - Fábrica nueva en Guadalajara
Se constituye la empresa "La Hispano Suiza Fábrica de Automóviles y material de guerra, S.A.", con sede y fábrica en Guadalajara. La Hispano-Guadalajara, produjo algunos automóviles conocidos como modelo "Guadalajara" y sobretodo, camiones para finalidades castrenses, destinados al servicio del Ejército Español en África, y también para servicios civiles. La firma de Guadalajara, fue, durante varios años, la proveedora de material de transporte para la distribución de productos de la compañía arrendataria del monopolio de petróleos.
1918 - Nueva ampliación
Se amplía el Capital Social hasta 10.000.000,00 de Pesetas.
1919 - Tensiones laborales
1919 es de nuevo un año de grandes tensiones laborales con la pérdida casi total de la producción en Barcelona.
1920 - Fábrica en Bois-Colombes
Entra de nuevo en funcionamiento la fábrica de Bois-Colombes con el nuevo chasis de 6 cilindros y que sería muy apreciado en el Mercado. En España la situación laboral es difícil y a ella se añaden restricciones de crédito y una fuerte crisis financiera.
1921 - Estabilización de la situación
Empieza a estabilizarse la situación laboral y financiera en el País. El Gobierno pretende gravar a la sociedad con impuestos de guerra y deniega las ayudas de reconstrucción.
1922 - Presiones desde Francia
Aumentan las presiones del Gobierno francés y su oposición a firmar contratos de defensa "con empresas extranjeras".
1923 - Filial en Francia
Se acuerda la constitución de la empresa filial "Societé Française Hispano Suiza, S.A.", a la que se aportan todos los elementos de la fábrica francesa así como el uso de las marcas y patentes.
1928 - Nuevo modelo
Aparece el supremo 56, de 46 CV, de 6 cilindros de acero nitrurado, de 110 x 140, que, como los anteriores, confirmó la superior calidad de la marca.
1929 - Participación en eventos
Se celebra en Sevilla la Exposición Ibero-Americana, el-Pabellón de La Híspano-Suiza, estaba situado en la Avenida de Portugal, fue obra del arquitecto don Vicente Traver, y ocupaba una superficie de 1.500 metros cuadrados. En el mismo año, en Barcelona, con motivo de la Exposición Internacional, el Pabellón HISPANO-SUIZA, se emplazó en la avenida del Mirador del Palacio Nacional de Montjuich.
Años 30 – Guerra en España
En los años 30, como consecuencia de la guerra española y mundial, las empresas empiezan su separación que llevaría a la situación actual. En los años 1932, 1933 y sucesivos, aparecen en la fábrica de Barcelona otros coches, todos ellos fantásticos modelos: 60, de 20 CV; el 64, de 6 cilindros, de 90 x 120; el 56 bis en serie normal y en el tipo Grand Sport, con chasis extrabajo, de 36 CV, todos de seis cilindros, de aceleración fulminante, espectaculares e impresionantes. De su brillante "palmarés" en pruebas de regularidad, velocidad, resistencia y economía de consumo, citaremos los siguientes triunfos:
En el transcurso del año 1912, La Hispano-Suiza alcanza los siguientes premios: Campeonato de Amateurs de España. Copa España. Carrera en Cuesta del Guadarrama. Côte de Saleye (Suiza). Gran Copa del Zar de Rusia (3.000 kilómetros). Côte del Val de Suzon (Francia).Challenge del Automóvil Club de la Picardie (Francia) . Côte de Mont Ventoux, 5ª y 6ª categorías. Côte Gilly (Suiza), Mitín du Mans. Mitín d'Anjoux (ambos de Francia). Rouen. Ginebra. Gran Copa del Emperador de Alemania. Copa de Reims. Brooklands. Copa de Italia.
En los años 1920, 1921 y 1922, vehículos de la marca se clasifican en primer lugar en Boulogne-sur-Mer. También fueron importantes los galardones obtenidos en el Aeródromo de Villasauvage, Récord Mundial de Velocidad y Copa Deutsch.
En octubre de 1922, en el Gran Premio de Otoño corrido en Monza, obtiene el primer lugar de la clasificación general, a una velocidad media de 131,180 kilómetros por hora.
El 2 de septiembre de 1923, en el Gran Premio de Boulogne -nuevamente-, disputado para coches de categoría superior a 4,5 litros, resultó primero HISPANO-SUIZA, con Garnier, en 3 horas, 55minutos a la media horaria de 114 kilómetros, y segundo, HISPANO-SUIZA con Boyriven, en 4 horas, 21 minutos.
Deportiva, técnicamente y de forma indiscutible, el éxito más resonante fue la victoria en Indianápolís, frente a STUTZ, en1928, consecuencia de una apuesta cruzada entre míster Moskowics, director general de la fábrica americana de automóviles STUTZ, y monsieur Weymann, propietario particular de un HISPANO-SUIZA. La carrera era de 24 horas y terminó por abandono del STUTZ averiado, al no poder mantener el fuerte tren impuesto por su contrincante que, en todo momento, marchó en primera posición.
Además del automóvil que fue el producto estrella de Hispano-Suiza, la Sociedad actuó en otros campos como el de la aviación, también con grandes éxitos, el de la fabricación de vehículos industriales sobretodo camiones y autobuses e incluso en la fabricación de armas. Así, ya en 1914, el consejo de admínistración de La Hispano-Suiza, de Barcelona, hizo lo posible para fabricar motores de aeroplanos, que tuvieron gran renombre universal.
Durante 1916 se entregaron motores a Méjico y a Noruega. El motor HISPANO-SUIZA fue construido en América del Norte por WRIGHT; en Inglaterra, por WOLSELEY; en Italia por SCAT y por ITALA. En el Japón por MITSUBISHI.
Dicho motor debutó en el frente del Somme, en 1916, época en la que el dominio de la aviación alemana era evidente. Su aparición en el frente, con el famoso aparato SPAD VII, cambió en poco tiempo aquella situación.
Fue el motor de todos los ases franceses y aliados y la frase de Fonk: "Desde la llegada del motor HISPANO-SUIZA sobre el frente empezamos a dominar en el aire y, gracias a él, conservamos nuestro dominio", destacó la obra de La Hispano-Suiza durante aquella contienda.
Los raids efectuados con motores HISPANO-SUIZA han sido tan numerosos como notables y cabe destacar que la primera vez que se efectuó el vuelo Paris-Nueva York, fue con un motor de dicha marca.
En el aspecto marino, La HISPANO-SUIZA construyó, desde sus principios, motores marinos y aplicables al deporte náutico.
En 1906 creó un tipo de motor de 4 cilindros, de 20 CV, para los servicios de prácticos del puerto. Además, en 1909, otro motor de 12 CV, también para la misma finalidad portuaria.
A partir de 1918, además de los ya citados se crearon los de 30/40 y 40/50 CV, motores que, con los años, se fueron renovando por otros modelos más modernos y más en consonancia con los fines a los que estaban destinados.
Paralelamente a la fabricación de automóviles de ciudad y de turismo La Hispano Suiza desarrolló la de chasis industriales para ómnibus, con los que fueron atendidos -durante una dilatadísima etapa- muchos servicios públicos, contribuyendo poderosamente la Sociedad, a la fundación de muchísimas empresas de transporte de pasajeros y correos en España, que se fundaron gracias a la cooperación de la Hispano-Suiza y pusieron todas ellas en su razón social el nombre HISPANO-SUIZA (Hispano-Igualadina, Híspano-Ilariense, Hispano Alto-Aragonesa, etc.) y que tenían en circulación vehículos HISPANO-SUIZA en casi todas las rutas del País, demostrando su potencia y solidez para circular por carreteras y caminos, muchos de ellos, antaño, poco menos que intransitables.
Así pues, en materia de vehículos industriales La Hispano-Suíza vino construyendo chasis para ómnibus, camiones y ambulancias, desde 1908.
1936 - Colectivización de las fábricas
Durante la contienda de 1936 las fábricas españolas de HISPANO-SUIZA, fueron colectivizadas pasando su gestión a depender de los comités de trabajadores. Concluida la guerra y debido al aislamiento internacional de nuestro País y a la práctica imposibilidad de obtener los suministros adecuados, fue sumamente dificultoso reiniciar la actividad industrial, que se centró en la fabricación de vehículos industriales, camiones y autocares por ser la necesidad prioritaria del País en aquellos momentos.
Con la creación del INI (Instituto Nacional de Indústria) el Estado Español decidió entrar en el campo de la automoción creando la empresa Nacional ENASA a la que se traspasaron las fábricas de HISPANO-SUIZA y sus actividades industriales, pero la sociedad, "LA HISPANO SUIZA FABRICA DE AUTOMOVILES, S.A.", continua activa, y mantiene la propiedad de las marcas y emblemas HISPANO-SUIZA.
OTRA MANERA DE RELATAR LA HISTORIA
Hispano Suiza, revolución española
La historia de Hispano Suiza es auténticamente apasionante desde sus inicios ya que fue pionera en una época en que el automóvil pugnaba por abrirse camino.
En 1901 un ingeniero suizo, Marc Birkigt convenció a uno de sus empleados, Emilio La Cuadra, constructor de baterías para autobuses eléctricos, para desarrollar un motor para automóvil. La decisión de estos emprendedores fue un gran suceso, el La Cuadra dos cilindros para muchos oficialmente es el primer coche español, aunque no un éxito en ventas. Sólo se fabricaron 6 unidades antes de que la fábrica quebrara.
Sin embargo, las dificultades que Birkigt encontraba en el camino, iban siendo solventadas gracias a la agilidad empresarial de otro compañero de origen ibérico, Damián Mateu. Fue entonces cuando en 1904 se constituye en Barcelona "La Hispano-Suiza, Fábrica de Automóviles, S.A." ; desde ese momento comienza la rápida ascensión de un nombre que llegaría con el tiempo a simbolizar el refinamiento, la potencia, la elegancia y riqueza en diseño y, por qué no, una digna competencia contra los Duesenberg, los Rolls, Mercedes y hasta quizá los Bugatti.
A partir de 1911, paralelamente a su actividad en España, la empresa se instala en Francia, dando origen a la "Société Française Hispano-Suiza" . Este prestigioso nombre forma hoy parte de una filial de SNECMA, proveedor líder en la industria aeronáutica de Europa.
Aunque en América trascendió muy poco o casi nada la fama de esta marca, en Europa ocurrió totalmente lo contrario. A Hispano Suiza le corresponde el honor de haber construido en España en 1907, el primer automóvil de 6 cilindros diseñado en este año, lanzándolo al público de manera inmediata. El coche era tan rápido que su primer viaje de promoción lo realizó de Perpignan a París, siendo una gran proeza para los medios de comunicación de aquel entonces. La ciudad de Perpignan se encuentra al sur de Francia, cerca del Mediterráneo y de España, y París al Norte de Francia, por lo que se puede decir que "cruzó Francia sólo en 22 horas".
Posteriormente los "hispanos" empezaron a participar en concursos y carreras cosechando triunfos por todos lados. Quizá el más recordado es el de 1910 cuando el italiano Paolo Zuccarelli venció a los inbatibles Peugeot en la Copa del Auto en Francia, hecho que también sirvió de pretexto para fabricar el mejor Hispano Suiza de los años anteriores a la I Guerra Mundial: el Alfonso XIII , que con un motor de 3.6 litros y 60-hp rebasaba los 100 km/h en poco tiempo; este modelo fue llamado así en honor al monarca español que era fanático de la marca.
Pero quizá fue en el aire donde el nombre de Hispano Suiza se elevó a la categoría de leyenda y lo hizo inseparablemente unido al capitán francés Georges Guynemer y otros héroes de la aviación aliada que pusieron sus vidas en manos de los motores Hispano Suiza. Marc Birkigt construyó más de 50.000, asegurando un dominio del aire.
La cigüeña, originariamente la mascota de la escuadrilla de Guynemer, constituye desde entonces el símbolo de la marca.
Durante los años 20 y 30, la Compañía se dedicó a seguir con su reputación, desarrollando otro icono, el H6, que incorporaba algo de tecnología aeronáutica. El bloque, de su seis cilindros en línea de 6.5 litros, era de aluminio e incorporaba árbol de levas a la cabeza y doble encendido. Este dato es para tener en cuenta, debido a que el venerable Rolls Silver Ghost seguía utilizando válvulas laterales y un bloque de hierro colado de varios elementos. Es más, el exclusivo espíritu del éxtasis adoptó bajo licencia del Hispano-Suiza su sistema de frenos servoasistido (para reducir el esfuerzo que el conductor debía aplicar sobre el pedal del freno). Recordemos que estamos en los inicios de los años 20.
La fabricación de los bastidores se efectuaba en Francia, mientras que las carrocerías procedían de exquisitas casas como Fiol en España, Labourdette o Saoutchick en Francia, Barker o Vanden Plas en Inglaterra, Farina en Italia, Hermann & Rossi en Alemania, Fisher o Rollston en EE.UU.
En fin, en poco tiempo este coche fue el preferido de la alta sociedad.
Otras patentes fueron utilizadas por empresas tan conocidas como General Motors, Renault, Peugeot, Delahaye, Wright Martin o Mitsubitshi entre muchas otras.
Entre otros Hispano-Suiza famosos también se encuentran el 54CV de 1931 que tenía un V12 con 200 hp capaz de alcanzar los 185 km/h, el K6 de 1934 con un L6 de 140 hp y amortiguadores ajustables, y el J12 de 1935-38 cuyo gigantesco motor V12 de 11 litros y 220 hp, representó el final de la producción de Hispano Suiza.
Este peculiar vehículo de 2.2 toneladas de peso podía alcanzar los 100 km/h en salida parada en tan solo 12 segundos, según cifras oficiales.
Vendrían nuevamente tiempos difíciles. Con el inicio de la Guerra Civil en 1936, el anarquismo reinó en Barcelona y la fábrica apenas funcionaba. Una vez concluida la guerra un decreto planificó la automoción en España, y el Estado empezó a asumir sus funciones a través de la ENASA (Empresa Nacional de Autocamiones S.A.). Estos camiones se empezaron a vender bajo la denominación Hispano Suiza, dando origen a una nueva marca que con el tiempo fabricaría coches exóticos para demostrar al mundo que el país ibérico se recuperaba de la mala racha: Pegaso.
Desde entonces, Hispano Suiza brilló por su ausencia en el campo de los automóviles hasta que la sociedad fue adquirida por el grupo francés Mazel Ingenieros. Con él ha desarrollado impresionantes proyectos conceptuales y recientemente ha dado a conocer un prototipo con el que participará en la famosa carrera francesa de resistencia, las 24 horas de Le Mans, el próximo año.
MAS DATOS CONTADOS DE OTRA FORMA
La Hispano-Suiza
En 1898, el militar Emilio de la Cuadra intenta la construcción de vehículos de propulsión aléctrica e híbrida eléctrica-gasolina. Para ello contaba con Carlos Vellino, ingeniero suizo propietario de una empresa de baterías en Barcelona.
Las dificultades técnicas fueron grandes, especialmente con los acumuladores de diseño ultraligero que intentaron crear. Para superarlas, el Sr. Vellino contrata a un compatriota suyo. Este es Mark Birkigt, relojero y hábil mecánico.
Logran construir un autobús que funciona con baterías más un motor de gasolina que las recarga y le provee de potencia adicional, al estilo de los actuales diseños de motores híbridos. Sin embargo, en plena demostración pública, el autobús se avería irremisiblemente tras correr unos pocos metros.
Tras este fiasco, Vellino abandona la sociedad y Mark Birkigt consigue convencer a De la Cuadra para seguir en la brecha, pero construyendo exclusivamente motores de gasolina. Llegan a construir 2 unidades (hay quién dice que fueron 4), que dieron pruebas de gran robustez. Pero De la Cuadra no tenía bastante capital, y la empresa declaró suspensión de pagos.
En 1901, los acreedores se hacen cargo de la empresa, que pasa a denominarse "J. Castro Soc. en Comandita, Fábrica Hispano-Suiza de Automóviles". El nombre de Hispano-Suiza hace referencia a Birkigt, que quedó como director técnico de la firma.
En 1903 presentan ya el primer automóvil marca "J.Castro".
En 1904, tras vender la "asombrosa" cifra de 5 coches, declara la suspensión de pagos.
El J.Castro era un vehículo bueno, sencillo y muy cómodo para los estándares de la época. Pero la sociedad debía ampliar capital para poder producir a gran escala y rebajar los costes.
Para salvar la situación, intentan ampliar el capital. No llegan a obtener el que deseaban, pero sí el suficiente para fundar en 1904 "La Hispano-Suiza, Fábrica de Automóviles S.A.".
Entre los nuevos accionistas están D. Damián Mateu y el propio Birkigt. El Sr. Mateu era un industrial muy conocido en Barcelona. Regentaba una empresa de hierros y maquinaria fundada en 1801 por su abuelo. Se le considera de hecho el fundador de la Hispano-Suiza pues aportó la mayoría del capital además de su visión empresarial. Que un industrial serio se atreviese a invertir una gran cantidad de dinero en una empresa de dudosa rentabilidad, sólo podía explicarse por una gran visión de futuro. También debió influir en su decisión de impulsar a la joven empresa el hecho de que poseía un automóvil marca J.Castro y que era el principal acreedor de esta casa.
Historia de lanzamientos, expansiones y fracasos
En 1906 presentaron en el Salón de París sus 2 primeros bastidores. El gran éxito que obtuvieron, reflejaba claramente la calidad de su construcción y lo innovador de su mecánica.
Animados, empezaron el estudio de vehículos industriales. Consiguieron vender patentes en Italia y Suiza. En este último país además se construyeron Hispano-Suiza bajo licencia.
Inauguran una sucursal en París, pero al poco tiempo debe cerrar por falta de productividad.
En 1908, construyen un coche económico con un nuevo motor de 12/15 CV. Su éxito hace que el bastidor se aplique también a furgonetas y al primer autobús de la firma.
Amplían la gama con otro bastidor de 25/30 CV. Sobre ellos se monta en 1909 la primera gama de camiones con 2 y 4 Tm. de carga útil. La única diferencia, además de la carrocería, consistía en una desmultiplicación añadida mediante cadena de transmisión que aumentaba su potencia y limitaba la velocidad a unos 15 Km./hora.
Es de destacar la política de ventas de las "viajeras" (autobuses) que siguió la compañía: Si alguien estaba interesado en comprar un autobús, sólo tenía que pedirlo. Entonces, tras un estudio económico de viabilidad, se creaba una sociedad conjunta con la Hispano-Suiza en la que ésta aportaba como capital el vehículo y el otro socio su trabajo. Cuando los beneficios repartidos por la sociedad igualaban el monto del vehículo más los intereses, ésta se disolvía.
Prueba de la eficacia del método es la cantidad de empresas que aún hoy se denominan "La Hispano- lo que sea" (Hispano-Montañesa, Hispano-Hilariense, Hispano-Igualadina...).
Las mejoras se suceden y se presenta una nueva gama sobre bastidores de 15/20 CV y de 30/40 CV. Los motores derivan de los de turismo, pero con la potencia limitada hasta un tercio del original. La robustez, por tanto, estaba más que garantizada. El modelo 30/40 CV fue declarado reglamentario en el ejército español en 1915.
En 1911 se decide el traslado de la fábrica a unos locales más amplios en la C/ Sagrera de Barcelona, y se abandonan definitivamente los de la C/ Floridablanca. Se compra un local en París para descentralizar la producción, e inmediatamente terrenos donde se construye una fábrica mayor. Lejos queda la huelga metalúrgica de 1909 que casi arruina la empresa.
En este período se construyen los cimientos de la fama de La Hispano-Suiza y de su ingeniero, Mark Birkigt. En sólo tres años diseña 23 vehículos y motores. Siempre con la más avanzada tecnología de su tiempo: motores de cuatro válvulas, compresores, doble árbol de levas en cabeza, doble encendido, cigüeñal de cinco apoyos, engrase a presión... Sorprende la suavidad de funcionamiento, potencia, y su longevidad.
Los carroceros mas afamados del mundo construyen auténticas obras de arte sobre los bastidores de la marca. El rey Alfonso XIII, posee y conduce personalmente varios modelos. Tan encantado está de los vehículos de la firma, que autoriza que un modelo lleve su nombre.
En 1914, la I Guerra Mundial obliga a cerrar la fábrica de París. La Casa Real indica a Birkigt que deberían hacer motores de aviación.
Este se lo toma muy en serio y decide crear el mejor. Sus motores de aviación, pasan las más duras pruebas. Para montarlos en aviones franceses deben pasar una dura homologación de 5 horas.
Tras superarla, la industria francesa exige que pase una especial de 10 horas. Luego una de 20. Luego una de 50. Finalmente se rinden a la evidencia: catorce empresas francesas, una inglesa, una americana, tres italianas, y una ¡japonesa! empiezan a construir motores Hispano bajo licencia. Casi 50.000 se produjeron durante la guerra.
La célebre cigüeña que desde 1919 identificaba los vehículos de la marca, procede de aquí, pues se adoptó el escudo de una famosa escuadrilla de aviones de caza franceses (obviamente equipados con motor Hispano-Suiza). De estos motores de 8 cilindros en V se derivaron los cuatro cilindros para automóviles y camiones de la casa.
La fábrica de Guadalajara tiene una historia curiosa. El rey Alfonso XIII, usuario incondicional de los vehículos de la casa, pidió por escrito a D. Damián Mateu que instalasen una fábrica cerca de Madrid. Lo hicieron en 1917.
La llamaron "La Hispano, Fabrica Nacional de Automóviles y Material de Guerra" y aunque el presidente era Damián Mateu y todos los diseños de Birkigt, le dieron entidad independiente.
Tanto que incluso, los vehículos producidos allí, no llevaban la bandera Suiza en su escudo.
Se dedicó a la producción de camiones, -sobre todo el modelo militar 30/40 CV para la guerra de Africa- automóviles económicos (pocos), aeroplanos, cañones y otro material militar. Con este objeto llegó a contar con un aeródromo propio y otra fábrica adjunta, La Hispano Aircraft, que construyó el avión De Havilland DH9.
Escollos que se tuvieron que salvar
Los problemas burocráticos para la importación de materiales hicieron que las fábricas de España languidecieran, mientras la de París (dedicada en exclusiva a motores de aviación y chasis de gran lujo) estaba en pleno apogeo de ventas y prestigio.
Finalmente, se vendió la Hispano Guadalajara a Fiat (Salvo la sección de aviación, en uso hasta su traslado a Alicante durante la guerra civil). Llegaron a construirse unos 300 coches FIAT 514, pero las trabas burocráticas para la importación de materiales hicieron desistir a Fiat, que le volvió a vender la fábrica a la Hispano-Suiza.
Fue usada por la sección de aviación hasta que en 1932 cerró sus puertas definitivamente. Durante la guerra civil, el Comité de Trabajadores, que se había hecho con el control de la Hispano-Suiza, crea una factoría en Sevilla para la construcción de aviones. Pronto cae en el bando nacional y en 1942 da lugar a "La Hispano Aviación" con antiguo personal de Guadalajara.
La evolución no se detiene. Mejoran todos los vehículos, y se ofrecen un sinfín de carrocerías especiales: volquetes de basura, regadores, autobombas de bomberos, autobuses en varios acabados.
En 1923 se fabrica el motor tipo 204 de 50/60 CV. La propaganda de la casa seguía siendo curiosa: Los folletos de vehículos industriales incluían un estudio detallado de los costos de mantenimiento.
La sucursal de París tenía problemas con el gobierno francés. Se le exigía una desmesurada cantidad en concepto de impuesto de guerra sobre el capital extranjero de la firma. Por esta razón se entabló un juicio entre el gobierno español y el francés, que ganó el primero. Como es lógico, las relaciones de la Hispano-Suiza con el gobierno francés se enturbiaron mucho.
Para intentar mejorarlas, en 1923 se creó "La Societé Française Hispano Suiza", aunque el capital seguía siendo mayoritariamente español. Birkigt trabajaba desde París, diseñando los vehículos y motores de todas las fábricas.
En 1929, se incorporaron nuevos ingenieros que iniciaron una renovación de la gama. Se mejoraron todos los motores y chasis -aunque el 40/50 CV se fabricaba también en versión "antigua", dado su gran prestigio-. Nacen los T-60, T-68, el T-69, T-70...
El T-69 fue uno de los vehículos más habituales en nuestras carreteras.
Con una carrocería muy bella, 6 cilindros, más de 100 CV, y unos 100 Km./h de velocidad máxima, se fabricaron toda clase de versiones: desde autobuses imperial para más de 80 plazas sentadas, hasta camiones para transportes especiales con reductora que permitía una velocidad máxima de 30 Km./Hora.
A principios de los años treinta, la bomba de inyección Bosch permite construir motores diesel de tamaño y prestaciones razonables para un camión. En 1935 la Hispano ya había desarrollado un motor diesel, en colaboración con Ganz (empresa húngara, pionera en Diesel).
Sin embargo se prefirió construir una gama de motores bajo licencia Ganz hasta que evolucionó lo suficiente, dando lugar al 66-D (ya producido por Pegaso). Los motores Ganz se montaron en chasis de 40/50 CV, T-69 y 50/60 CV. Entregaban potencias entre 48 y 173 CV.
El concesionario en Argentina importaba chasis y construía las carrocerías. Poco a poco fue fabricando cada vez más piezas hasta que la "Hispano-Argentina" llegó a producir motores diesel propios, de hasta 150 CV. Con ellos equiparon camiones y autobuses que poco tenían que ver con los Hispano-Suiza españoles.
En 1931 se produjeron unos cambios en la legislación aduanera que penalizaron mucho la fabricación de vehículos en España.
El stock empezó a acumularse de manera preocupante y la familia Mateu empezó a desentenderse de las inversiones que necesitaba la fábrica. En el clima político de esta época, el comité de trabajadores toma las riendas de la fábrica en 1935. Nada más empezar la guerra civil, se declaró Industria Colectivizada.
Como es lógico la producción se centra en material de guerra. Experiencia no faltaba, pues ya en 1932 se construyó una pequeña serie de blindados sobre chasis de camiones 3T6 y T69. Durante la guerra civil, se construyó alguno más, pero la mayoría de Hispano-Suiza blindados que se vieron fueron realizaciones artesanales realizadas por terceros.
Alternativas que disuelven
En 1936 Francia nacionaliza todas las industrias militares, pero al tener capital español, no pudieron hacerlo con la Hispano-Suiza.
Para obviar el problema, la Hispano paso a administrar sólo su activo inmaterial: Patentes, diseños y marca. La fábrica se alquiló a una nueva sociedad plenamente francesa dedicada a la producción y comercialización.
Tras la ocupación alemana de Francia, Mark Birkigt volvió a España. Se dedicó a terminar el desarrollo del D-66 y el diseño de máquinas para reemplazar las dañadas por la guerra.
La empresa se dividió en tres secciones: una dedicada a la aviación, cañones y material militar; otra dedicada a automóviles y camiones y una tercera que se denominó "Hijo de Miguel Mateu S.A." para la producción de maquinas-herramienta. Todo ello bajo supervisión del ejército del aire. La escasez de gasolina motivó que se produjesen gasógenos, aunque sólo para servicio interno de la fábrica.
En 1940, un decreto del gobierno instaba a la industria nacional a presentar un modelo de camión de 7 Tm. de carga. El modelo ganador se produciría en España y sería el único a la venta, con el fin de racionalizar la producción. Sólo se presentaron la Hispano-Suiza, Alfa-Romeo, Fiat y Saurer. Al mismo tiempo, se planteaba la unión de Hispano-Suiza con Alfa-Romeo.
En 1944 salió el camión tipo 66. Sus características eran tan sobresalientes, que se decidió abandonar los planes de unión con Alfa-Romeo. Su chasis equipó camiones 4X4, furgones, autobuses, trolebuses, y trolecares. El modelo 66-G de gasolina (6 cilindros, 110 CV) siguió fabricándose como Pegaso Z-1 tras la compra por ENASA. El modelo 66-D (diesel, 6 cilindros, 128 CV) sirvió de base para el primer camión diesel de Pegaso.
Las perspectivas eran inmejorables, pero el recién creado INI (Instituto Nacional de Industria) consideraba que la máxima eficiencia en la construcción de los camiones que necesitaba una España devastada por la guerra, sólo se conseguiría con una empresa grande, totalmente nacional, y nacionalizada. En 1946 conseguiría su objetivo al forzar la adquisición de todas las fábricas y patentes de "La Hispano-Suiza". El fin de un mito, pero el principio de otro: PEGASO.
Sin embargo "La Hispano-Suiza" no desapareció todavía. Retuvo la propiedad de las licencias de coches y la oficina técnica de motores de aviación. Concentró sus actividades en una fábrica en Hostafrancs (Barcelona). Con una pequeña cantidad de herramientas que no vendieron a ENASA empezaron a construir maquinas-herramienta.
No abandonaron la idea de construir coches, por lo que los estudios siguieron. Sin embargo la reducida dimensión de los restos de la empresa y la previsible competencia de SEAT hicieron desistir de llevar varios prototipos a la serie. Por fin, en 1956 se presenta una gama de microcoches.
Bajo la marca "Fábrica Hispano" (ver historia) la gama F2 y F4 comprendía pequeñas furgonetas, pick-up y coches propulsados por el omnipresente motor Hispano-Villiers monocilíndrico dos tiempos y 9 CV. Se construyeron unos 400. Paralelamente se produjo la gama F5 que se diferenciaba por su motor bicilíndrico de 15 CV.
EL RENACIMIENTO
Con el nombre de marca Hispano Suiza, la sede de Barcelona del grupo francés "Mazel", actual propietario de los derechos de la marca, ha sido la encargada en los últimos años de materializar los bocetos de los diseñadores de Hispano Suiza. Esta empresa también se encarga del estudio y desarrollo de múltiples elementos necesarios en un coche como la electrónica, procesos informáticos, ensamblaje, seguridad, confort, simulación y dinámica del automóvil.
Además tiene talleres específicamente dedicados a la realización de prototipos con máquinas fresadoras y de ensamblaje capaces de realizar 200 prototipos al año. También tiene espacio dedicado al desarrollo de motores, competición y moldes para coches de producción en serie y preserie.
Los coches de concepto realizados hasta ahora por la firma, tienen pocas posibilidades de ser fabricados en serie.
Desde no hace muchos años, "Mazel" disfruta de una zona de exposición permanente en el Museo Historia de la Automoción de Salamanca, en ese espacio se pueden ver diseños y coches de concepto (entre ellos los Hispano Suiza) presentados por Mazel en diferentes “show cars” internacionales.
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Saint Petersburg (Russian: Санкт-Петербу́рг, tr. Sankt-Peterburg,) is Russia's second-largest city after Moscow, with 5 million inhabitants in 2012, part of the Saint Petersburg agglomeration with a population of 6.2 million (2015). An important Russian port on the Baltic Sea, it has a status of a federal subject (a federal city).
Situated on the Neva River, at the head of the Gulf of Finland on the Baltic Sea, it was founded by Tsar Peter the Great on 27 May [O.S. 16 May] 1703. During the periods 1713–1728 and 1732–1918, Saint Petersburg was the capital of Imperial Russia. In 1918, the central government bodies moved to Moscow, which is about 625 km (388 miles) to the south-east.
Saint Petersburg is often considered Russia's cultural capital. The Historic Centre of Saint Petersburg and Related Groups of Monuments constitute a UNESCO World Heritage Site. Saint Petersburg is home to the Hermitage, one of the largest art museums in the world. Many foreign consulates, international corporations, banks and businesses have offices in Saint Petersburg.
A proponent of westernising Russia, Peter the Great, who established the city, originally named it, Sankt-Peterburg (Russian: Санкт-Петербург; note that the Russian name lacks the letter s between Peter and burg). On 1 September 1914, after the outbreak of World War I, the Imperial government renamed the city Petrograd (Russian: Петрогра́д, meaning "Peter's city", in order to expunge the German name Sankt and Burg. On 26 January 1924, shortly after the death of Vladimir Lenin, it was renamed to Leningrad (Russian: Ленингра́д), meaning "Lenin's City". On 6 September 1991, the original name, Sankt-Peterburg, was returned. Today, in English the city is known as "Saint Petersburg". Local residents often refer to the city by its shortened nickname, Piter (Russian: Пи́тер,).
The city's traditional nicknames among Russians are the Window to the West and the Window to Europe. The northernmost metropolis in the world St. Petersburg is often called the Venice of the North or Russian Venice because of its structure which is built on water and its strongly European-inspired architecture, which is combined with the Russian heritage too. Furthermore, St. Petersburg is called Venice of the North because of an annual natural phenomenon called White Nights which arise due to the closeness to the polar region. Just as Venice is associated with romance, in St. Petersburg the White Nights have a high value for love couples.
en.wikipedia.org/wiki/Saint_Petersburg
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San Petersburgo (en ruso, Санкт-Петербург /sankt pʲɪtʲɪrˈburk/ Sankt-Peterburg) es la segunda ciudad más poblada de Rusia después de la capital nacional Moscú, con 5 351 935 habitantes (2018) y un área metropolitana de 5,85 millones. Está situada en la Región de Leningrado, nombre que compartía con la ciudad durante la época soviética (1924-1991). Los otros nombres de la ciudad fueron Petrogrado (en ruso, Петроград, Petrograd; del 31 de agosto de 1914 hasta el 24 de enero de 1924) y Leningrado (en ruso, Ленинград, Leningrad; después de la muerte de Lenin, el 24 de enero de 1924 hasta el 6 de septiembre de 1991). Conocida también como la “Venecia del Norte”, debido a sus más de 400 puentes que atraviesan a los numerosos canales que por ella pasan.
Fue fundada por el zar Pedro el Grande el 27 de mayo de 1703 con la intención de convertirla en la "ventana de Rusia hacia el mundo occidental". A partir de entonces se convirtió en capital del Imperio ruso durante más de doscientos años. Cuando estalló la Revolución rusa, la ciudad fue el centro de la rebelión. En marzo de 1918 la capital fue trasladada a Moscú. En enero de 1924, tras la victoria bolchevique, la creación de la Unión Soviética (1922) y el fallecimiento de Lenin (1924), San Petersburgo (en ese entonces llamado Petrogrado) cambió su nombre a Leningrado, en honor al dirigente comunista Lenin. Durante la Segunda Guerra Mundial, tuvo lugar el sitio de Leningrado, que duró 29 meses, en los cuales los alemanes bombardearon constantemente la ciudad y la bloquearon para que no pudiera abastecerse. Tras la derrota de Alemania en 1945, la ciudad fue nombrada Ciudad heroica por las autoridades soviéticas. Al desaparecer la URSS con el consiguiente colapso del comunismo, la ciudad fue renombrada San Petersburgo y se ha convertido en un importante centro económico y político de la actual Rusia.
San Petersburgo es hoy en día la segunda ciudad más grande de la Federación Rusa y una de las más grandes de Europa. El centro de la ciudad y otros monumentos de sus alrededores son considerados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1990. San Petersburgo es, además, sede de la Corte Constitucional de Rusia.
El nombre de San Petersburgo es de origen alemán y significa "ciudad de San Pedro". Pedro el Grande la nombró así en honor a su santo patrono, rechazando el de Petrograd, que quisieron darle, en su honor, sus súbditos alemanes que había contratado para construir y trabajar en los astilleros y la ciudad.
La ciudad cambió de nombre varias veces: Se llamó Petrogrado (Петроград Petrograd, que significa ciudad de Pedro, adaptación al ruso del alemán Petersburg) entre 1914 y 1924, a raíz del conflicto con Alemania durante la Primera Guerra Mundial, y Leningrado (Ленинград Leningrad tras la muerte de Lenin) entre 1924 y 1991; y nuevamente San Petersburgo después de un plebiscito. Coloquialmente los peterburgueses y rusos en general llaman a esta metrópolis Peterburg o de manera aún más familiar Piter (en ruso Питер).
Fue fundada por el zar Pedro el Grande el 16 (27) de mayo de 1703 con el propósito de deslocalizar la capital ubicada en Moscú, y de hecho fue capital de Rusia de 1712 a 1918. Por ello y por su ubicación geográfica le dio el sobrenombre de "La ventana a Europa". Pedro había vivido y estudiado en los Países Bajos por algún tiempo, por eso decidió bautizar su nueva ciudad con un nombre derivado del holandés Sint Pietersburg: Sankt Piterburj; pero pronto se germanizó a Sankt Petersburg.
En la misma desembocadura del río Nevá los suecos tenían anteriormente una fortaleza llamada Nyenschantz (Nevanlinna en finés) y un arrabal llamado Nyen. Todo el entorno geográfico de la desembocadura del Nevá estaba ocupado por marismas antes de que se construyese la ciudad.
A fines del siglo XVII, Rusia veía estancado su crecimiento económico por no tener salida al mar. El sueño del joven zar, Pedro el Grande, era corregir la situación abriendo una “ventana a Europa”. Dado que no podía hacerlo por el sur, pues el Imperio otomano impedía el acceso al mar Negro, apuntó en dirección contraria, a un territorio de Suecia cercano al Báltico. A fin de materializar sus aspiraciones, en agosto de 1700 declaró la guerra a los suecos, Guerra del Norte, quienes al principio lograron repeler sus ataques. Pero él no se dio por vencido, y en octubre de 1702 los hizo retirarse del Ládoga, el mayor lago de Europa, que está unido por el Nevá al Báltico, del cual dista unos 60 kilómetros. Aunque los suecos se atrincheraron en la fortaleza insular de Nóteburg, cerca del punto donde el río sale del lago, Pedro logró tomar aquella plaza militar y le cambió el nombre a Shlissel’burg (ciudad clave).
Posteriormente, una guarnición sueca defendió el fortín de Nienshants, cerca de la desembocadura del Nevá. Rusia la derrotó el 26 de abril de 1703 y asumió el dominio de todo el delta. Sin demora, Pedro comenzó a construir una ciudadela en la cercana isla Záyachi (de las liebres) para controlar la boca del río. Así, el 16 de mayo de 1703, hace poco más de tres siglos, puso la primera piedra de lo que hoy se conoce como la Fortaleza de San Pedro y San Pablo. Esta es la fecha aceptada de la fundación de San Petersburgo, llamada así en honor del apóstol Pedro, santo patrón del zar.
La construcción de la ciudad bajo condiciones climáticas adversas produjo una intensa mortalidad entre los trabajadores y requirió un continuo aporte de nuevos obreros. Dado que aquella zona estaba muy poco poblada, Pedro el Grande utilizó su prerrogativa de zar para atraer forzosamente a siervos trabajadores de todas las partes del país. Una cuota anual de 40.000 siervos llegaba a la ciudad equipados con sus herramientas y sus propios suministros de comida. Habitualmente recorrían cientos de kilómetros a pie en filas, escoltados por guardas que, para evitar las deserciones, no dudaban en usar la violencia física. Como consecuencia de su exposición al clima, las deficientes condiciones higiénicas y las enfermedades, la mortalidad durante estos primeros años fue muy elevada, llegando a perecer año tras año hasta el 50% de los trabajadores que llegaban.
Dado que la construcción de la ciudad se inició en tiempos de guerra, el primer edificio nuevo de la ciudad fue un fuerte militar que se llamaría fortaleza de San Pedro y San Pablo y que se levanta aún sobre la isla Záyachi en la ribera derecha del río Nevá. Los diseñadores de la nueva fortaleza eran ingenieros alemanes invitados por el propio Zar, pero la mayor parte de la mano de obra la pusieron los siervos rusos también para las labores de drenaje de los alrededores del río y los palacios y otros edificios de piedra de las afueras. Era la ciudad más artificial del mundo, diseñada para convertirse en la capital de Rusia. Una ciudad con relativo paralelismo es Venecia, en la cual se inspiró asimismo el zar Pedro, que prohibió los puentes permanentes sobre el Nevá para que se asemejase al Gran Canal y fomentó la construcción de canales en las calles siguiendo el patrón de Ámsterdam.
Pese a los inconvenientes de su ubicación en el lejano norte, el zar siguió adelante con su empresa. Trajo la madera de la región del Ládoga y de Nóvgorod. Las piedras para las edificaciones las obtuvo de diversos modos. Uno de ellos fue estipular que todo ruso que introdujera productos comerciales en la localidad aportara unas cuantas a modo de cuota. Además, prohibió hacer viviendas de este material, primero en Moscú y luego en el resto de su imperio, lo que indujo a los albañiles desempleados a mudarse a la nueva población.
Según la Bol’shaya Sovyetskaya Entsiklopedia (la gran enciclopedia soviética), los trabajos marcharon “a un ritmo vertiginoso para la época”. No tardaron en aparecer canales de drenaje, pilotes, calles, casas, iglesias, hospitales y oficinas del gobierno. El mismo año de la fundación se iniciaron las obras de un astillero, conocido como el Almirantazgo, que llegaría a ser el cuartel general de la armada rusa.
En 1710 se comenzó el Palacio de verano, residencia estival de los zares. En 1712, la capitalidad pasó de Moscú a San Petersburgo, y con ella muchas dependencias oficiales. Como fue el caso del traslado de la Casa de la Moneda de Moscú a San Petersburgo en 1724. El primer palacio de piedra, construido en 1714 y aún en pie, tenía por ocupante a Aleksandr Ménshikov, primer gobernador de la zona. Aquel mismo año se colocaron en la Fortaleza de Pedro y Pablo los cimientos de la catedral de igual nombre, cuya imponente aguja dorada se distingue en la silueta urbana. También se erigió a orillas del Nevá el Palacio de Invierno, que fue reedificado en diversas ocasiones. Más tarde se levantó en su lugar el actual, que cuenta con unas mil cien habitaciones y que hoy forma parte de un céntrico museo estatal, el famosísimo Ermitage.
En su primer decenio de existencia, San Petersburgo registró un asombroso crecimiento, hasta el punto de estimarse en 34.500 el número de edificios existentes en 1714. Siguieron añadiéndose palacios e inmensas construcciones, muchas de las cuales demuestran el gran influjo de la religión en la historia de Rusia.
Entre ellas figura la catedral de Kazán, con su columnata frontal en semicírculo. Su imponente presencia contribuye a que la arteria más famosa de la ciudad, la avenida Nevski, sea considerada una de las más grandiosas avenidas del mundo. De fecha posterior es la catedral de San Isaac, edificada sobre 24.000 pilotes hundidos en suelo pantanoso y que ostenta una enorme cúpula revestida de 100 kilos de oro puro.
La arquitectura avanzó igualmente a pasos agigantados en el extrarradio. Así, en 1714 se empezó a edificar una residencia para el zar, el palacio Peterhof, en Peterhof (hoy Petrodvoréts). Al mismo tiempo, en la cercana localidad de Tsárskoye Seló (hoy Pushkin) se construía el suntuoso palacio de Catalina, la esposa de Pedro el Grande. En la segunda mitad del siglo XVIII se concluyeron otras dos lujosas mansiones en las afueras: Pávlovsk y Gátchina.
Realzaban la belleza de la nueva capital los centenares de puentes que cruzaban los brazos fluviales y los múltiples canales, por los que se ha ganado el apelativo de “Venecia del norte”. Arquitectos franceses, alemanes e italianos colaboraron con colegas rusos de gran talento para producir “uno de los núcleos urbanos más espléndidos y armoniosos de Europa”
La abolición de la servidumbre en 1861 por el zar Alejandro II de Rusia provocó una fuerte corriente de inmigrantes pobres provenientes de todas las regiones del país. La mano de obra barata permitió un intenso incremento de la industria en la segunda mitad del siglo XIX y San Petersburgo llegó a ser uno de los ejes industriales más grandes de Europa. En consecuencia, surgieron a su vez los movimientos obreros radicales.
La revolución de 1905 tras la derrota en la guerra ruso-japonesa comenzó en San Petersburgo y se extendió rápidamente por otras provincias. Como consecuencia el zar Nicolás II autorizó la creación del primer parlamento ruso o Duma.
Durante la Primera Guerra Mundial, se decidió que San Petersburgo era un nombre demasiado germánico para la ciudad y se le cambió por el de Petrogrado el 31 de agosto de 1914.
En 1917 San Petersburgo vio los primeros movimientos de la Revolución rusa. En primer lugar se destituyó al zar Nicolás II de su trono y se instaló en la ciudad el Gobierno provisional. En octubre una segunda fase de la revolución hizo que el poder pasase a los Sóviets y se formó el primer gobierno soviético de bolcheviques y socialistas revolucionarios (SR) de izquierda, el Sovnarkom. El líder bolchevique Lenin decidió trasladar la sede del gobierno de San Petersburgo a Moscú, por estar más alejada de los frentes de la Guerra Mundial y de los núcleos antirrevolucionarios. Moscú se convirtió en capital desde entonces hasta el día de hoy. Al morir Lenin en 1924, San Petersburgo tomó el nombre de Leningrado en su honor.
La pérdida de la capitalidad trajo un descenso poblacional a la ciudad, que se redujo a un tercio de lo que era en 1915.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Leningrado fue sitiada por las fuerzas armadas de la Alemania nazi (Wehrmacht) desde el 8 de septiembre de 1941 hasta el 27 de enero de 1944, un total de 29 meses. Por orden de Adolf Hitler, la ciudad era constantemente bombardeada y sistemáticamente privada de sus suministros. Se calcula que este asedio produjo la muerte de más de 1.500.000 personas, de las cuales cerca de 1.000.000 eran civiles. El 1 de mayo de 1945 (oficialmente el 8 de mayo de 1965) le fue otorgado a la ciudad el título de Ciudad Heroica.
Antes de la disolución de la Unión Soviética el 12 de junio de 1991, el 54 % de la población decidió restaurar el antiguo nombre de la ciudad, los de 39 calles emblemáticas y los de seis puentes. Tres meses después también se recuperó el escudo concedido a la ciudad por la emperatriz Catalina la Grande en 1780.
es.wikipedia.org/wiki/San_Petersburgo
Fiódor Mijáilovich Dostoyevski (en ruso: Фёдор Миха́йлович Достое́вский, romanización: Fëdor Mihajlovič Dostoevskij; Moscú, 11 de noviembre de 1821 – San Petersburgo, 9 de febrero de 1881) fue uno de los principales escritores de la Rusia zarista, cuya literatura explora la psicología humana en el complejo contexto político, social y espiritual de la sociedad rusa del siglo XIX.
Es considerado uno de los más grandes escritores de Occidente y de la literatura universal. De él dijo Friedrich Nietzsche: «Dostoyevski, el único psicólogo, por cierto, del cual se podía aprender algo, es uno de los accidentes más felices de mi vida». Y José Ortega y Gasset escribió: «En tanto que otros grandes declinan, arrastrados hacia el ocaso por la misteriosa resaca de los tiempos, Dostoyevski se ha instalado en lo más alto».
Si bien la madre de Fiódor Dostoyevski era rusa, su ascendencia paterna se remonta a un pueblo denominado Dostóyevo, ubicado en la gubérniya de Minsk (Bielorrusia). En sus orígenes, el acento del apellido, como el del pueblo, recaía en la segunda sílaba, pero cambió su posición a la tercera en el siglo XIX. De acuerdo con algunas versiones, los ancestros paternos de Dostoyevski eran nobles polonizados (szlachta) de origen ruteno que fueron a la guerra con el escudo de armas de Radwan.
Fue el segundo de los siete hijos del matrimonio formado por Mijaíl Andréievich Dostoievski y María Fiódorovna Necháyeva. Un padre autoritario, médico del hospital para pobres Mariinski en Moscú, y una madre vista por sus hijos como un refugio de amor y protección marcaron el ambiente familiar en la infancia de Dostoyevski. Cuando Fiódor tenía once años de edad, la familia se radicó en la aldea de Darovóye, en Tula, donde el padre había adquirido unas tierras.
En 1834 ingresó, junto con su hermano Mijaíl, en el pensionado de Chermak, donde cursarían los estudios secundarios. La temprana muerte de la madre por tuberculosis en 1837 sumió al padre en la depresión y el alcoholismo, por lo que Fiódor y su hermano Mijaíl fueron enviados a la Escuela de Ingenieros Militares de San Petersburgo, lugar en el que el joven Dostoievski comenzaría a interesarse por la literatura a través de las obras de Shakespeare, Pascal, Victor Hugo y E. T. A. Hoffmann.
En 1839, cuando tenía dieciocho años, le llegó la noticia de que su padre había fallecido. Los siervos mancomunados de Mijaíl Dostoyevski (hidalgo de Darovóye), enfurecidos tras uno de sus brutales arranques de violencia provocados por el alcohol, lo habían inmovilizado y obligado a beber vodka hasta que murió ahogado. Otra historia sugiere que Mijaíl murió por causas naturales, pero que un terrateniente vecino suyo inventó la historia de la rebelión para comprar la finca a un precio más reducido. En parte, Fiódor se culpó posteriormente de este hecho por haber deseado la muerte de su padre en muchas ocasiones. En su artículo de 1928, «Dostoyevski y el parricidio», Sigmund Freud señalaría este sentimiento de culpa como la causa de la intensificación de su epilepsia.
En 1841, Dostoyevski fue ascendido a alférez ingeniero de campo. Ese mismo año, influido por el poeta prerromántico alemán Friedrich Schiller, escribió dos obras teatrales románticas (María Estuardo y Borís Godunov) que no han sido conservadas. Dostoyevski se describía como un «soñador» en su juventud y en esa época admiraba a Schiller.
Durante toda su carrera literaria Dostoievski padeció una epilepsia que supo incorporar en su obra. Los personajes presentados con epilepsia son Murin y Ordínov (La patrona, 1847), Nelly (Humillados y ofendidos, 1861), Myshkin (El idiota, 1868), Kiríllov (Los demonios, 1872) y Smerdiakov (Los hermanos Karamázov, 1879-80). Dostoievski también supo utilizar la epilepsia para librarse de una condena vitalicia a servir en el ejército en Siberia. Aunque la epilepsia había comenzado durante sus años académicos como estudiante de ingeniería militar en San Petersburgo (1838-1843), el diagnóstico tardaría una década en llegar. En 1863 viajó al extranjero con intención de consultar a los especialistas Romberg y Trousseau. Stephenson e Isotoff apuntaron en 1935 la probable influencia Psique (1848), de Carus, en la construcción de sus personajes. Por contrapartida, la epilepsia de Dostoyevski ha inspirado a numerosos epileptólogos, incluyendo a Freud, Alajouanine y Gastaut. La de Dostoievski es la historia natural de una epilepsia que en terminología científica contemporánea se clasificaría como criptogénica focal de probable origen temporal. Sin embargo, más allá del interés que pueda despertar la historia clínica de un trastorno neurológico heterogéneo, bastante bien comprendido y correctamente diagnosticado en vida del escritor, el caso de Dostoievski muestra el buen uso de una enfermedad común por un genio literario que supo transformar la adversidad en oportunidad. Una de las ideas capitales en su obra (que un buen recuerdo puede colmar toda una vida de felicidad) guarda una estrecha relación con los momentos de éxtasis que alcanzaba el escritor durante algunos episodios de la enfermedad o en el momento (aura epiléptica) que anunciaba las crisis epilépticas más violentas, tal como fueron descritos en su obra literaria.
Dostoyevski terminó sus estudios de Ingeniería en 1843 y, después de adquirir el grado militar de subteniente, se incorporó a la Dirección General de Ingenieros en San Petersburgo.
En 1844, Honoré de Balzac visitó San Petersburgo. Dostoyevski decidió traducir Eugenia Grandet para saldar una deuda de 300 rublos con un usurero. Esta traducción despertaría su vocación y poco después de terminarla pidió la excedencia del ejército con la idea de dedicarse exclusivamente a la literatura. En 1845 dejó el ejército y empezó a escribir la novela epistolar Pobres gentes, obra que le proporcionaría sus primeros éxitos de crítica y, fundamentalmente, el reconocimiento del crítico literario Belinski. La obra, editada en forma de libro al año siguiente, convirtió a Dostoyevski en una celebridad literaria a los veinticuatro años. En esta misma época comenzó a contraer algunas deudas y a sufrir con más frecuencia ataques epilépticos. Las novelas siguientes —El doble (1846), Noches blancas (1848) y Niétochka Nezvánova (1849)— no tuvieron el éxito de la primera y recibieron críticas negativas, lo que sumió a Dostoyevski en la depresión. En esta época entró en contacto con ciertos grupos de ideas utópicas, llamados nihilistas, que buscaban la libertad del hombre.
Dostoyevski fue arrestado y encarcelado el 23 de abril de 1849 por formar parte del grupo intelectual liberal Círculo Petrashevski bajo el cargo de conspirar contra el zar Nicolás I. Después de la revuelta decembrista en 1825 y las revoluciones de 1848 en Europa, Nicolás I se mostraba reacio a cualquier tipo de organización clandestina que pudiera poner en peligro su autocracia.
El 16 de noviembre, Dostoyevski y otros miembros del Círculo Petrashevski fueron llevados a la fortaleza de San Pedro y San Pablo y condenados a muerte por participar en actividades consideradas antigubernamentales. El 22 de diciembre, los prisioneros fueron llevados al patio para su fusilamiento; Dostoyevski tenía que situarse frente al pelotón e incluso escuchar los disparos con los ojos vendados, pero su pena fue conmutada en el último momento por cinco años de trabajos forzados en Omsk, Siberia. Durante esta época sus ataques epilépticos fueron en aumento. Años más tarde, Dostoyevski le relataría a su hermano los sufrimientos que atravesó durante los años que pasó «silenciado dentro de un ataúd». Describió el cuartel donde estuvo, que «debería haber sido demolido años atrás», con estas palabras:
En verano, encierro intolerable; en invierno, frío insoportable. Todos los pisos estaban podridos. La suciedad de los pavimentos tenía una pulgada de grosor; uno podía resbalar y caer... Nos apilaban como anillos de un barril... Ni siquiera había lugar para dar la vuelta. Era imposible no comportarse como cerdos, desde el amanecer hasta el atardecer. Pulgas, piojos, y escarabajos por celemín.
Fue liberado en 1854 y se reincorporó al ejército como soldado raso, lo que constituía la segunda parte de su condena. Durante los siguientes cinco formó parte del Séptimo Batallón de línea acuartelado en la fortaleza de Semipalátinsk en Kazajistán. Allí comenzó una relación con María Dmítrievna Isáyeva, esposa de un conocido suyo en Siberia. Se casaron en febrero de 1857 después de la muerte de su esposo. Ese mismo año, el zar Alejandro II decretó una amnistía que benefició a Dostoyevski, quien recuperó su título nobiliario y obtuvo permiso para continuar publicando sus obras.
Al final de su estadía en Kazajistán, Dostoyevski era ya un cristiano convencido. Se convirtió en un agudo crítico del nihilismo y del movimiento socialista de su época. Tiempo después, dedicó parte de sus libros Los endemoniados y Diario de un escritor a criticar las ideas socialistas. Estas críticas se fundamentaban en la creencia de que quienes las pregonaban no conocían al pueblo ruso y de que no era posible trasladar un sistema de ideas de origen europeo a la Rusia de entonces, de la misma forma que no era posible adoptar las doctrinas de una institución occidental como la Iglesia católica a un pueblo esencialmente cristiano-ortodoxo. Dostoyevski plasmaría estas convicciones en la descripción de Piotr Stepánovich para su novela Los endemoniados y en la redacción de las reflexiones del starets Zosima en «Un religioso ruso», de Los hermanos Karamázov.
Dostoievski fue acercándose progresivamente a una postura eslavófila moderada y a las ideas del ideólogo del paneslavismo Nikolái Danilevski, autor de Rusia y Europa. Su interpretación de esta filosofía rescataba el papel integrador y salvador de la religiosidad rusa y no consideraciones de superioridad racial eslava. Por otra parte, en su interpretación, la unión rusa y su supuesto servicio a la humanidad no implicaba desprecio alguno por la influencia europea, que Dostoyevski reconocía gratamente. Más tarde trabó amistad con el estadista conservador Konstantín Pobedonóstsev y abrazó algunos de los principios del Póchvennichestvo.
Con todo, posicionar políticamente a Dostoyevski no es del todo sencillo: como cristiano, rechazaba el ateísmo socialista; como tradicionalista, la destrucción de las instituciones y, como pacifista, cualquier método violento de cambio social, tanto progresista como reaccionario. A pesar de esto, dio claras muestras de simpatía por las reformas sociales producidas durante el reinado de Alejandro II, en particular por la que implicó la abolición de la servidumbre en el campo, dictada en 1861. Por otra parte, si bien en los primeros años de su regreso de Kazajistán era todavía escéptico respecto de los reclamos de las feministas, en 1870 escribió que «todavía podía esperar mucho de la mujer rusa» y cambió de parecer.
Su preocupación por la desigualdad social es notable en su obra y, desde un punto de vista cristiano ascético, creía —como luego reflejaría en su personaje Zosima— que «al considerar la libertad como el aumento de las necesidades y su pronta saturación, se altera su sentido, pues la consecuencia de ello es un aluvión de deseos insensatos, de ilusiones y costumbres absurdas», y quizás confiara, como dicho personaje, en que «el rico más depravado acabará por avergonzarse de su riqueza ante el pobre».
En febrero de 1854, Dostoyevski le pidió por carta a su hermano que le enviara diversos libros, especialmente Lecciones sobre la historia de la filosofía, de Hegel. Durante su destierro en Semipalátinsk, planeó también traducir junto a Alexander Vrangel obras del filósofo alemán, pero el proyecto nunca se concretó. Según Nikolái Strájov, Dostoyevski le ofreció la obra de Hegel enviada por Mijáil sin haberla leído.
En 1859, tras largas gestiones, Dostoyevski consiguió ser licenciado con la condición de residir en cualquier lugar excepto San Petersburgo y Moscú, por lo que se trasladó a Tver. Allí logró publicar El sueño del tío y Stepánchikovo y sus habitantes, que no obtuvieron la crítica que esperaba.
En diciembre de ese mismo año se le autorizó regresar a San Petersburgo, donde fundó, con su hermano Mijaíl, la revista Vremya («Tiempo»), en cuyo primer número apareció Humillados y ofendidos (1861), otra novela inspirada en su etapa siberiana. En ella se encuentran, además, varias alusiones autobiográficas, especialmente en lo referente a la primera etapa de Dostoyevski como escritor; se alude en ella, sobre todo, en su primera obra, Noches blancas, con varios guiños a situaciones o personajes específicos. Su siguiente obra, Recuerdos de la casa de los muertos (1861-1862), basada en sus experiencias como prisionero, fue publicada por capítulos en la revista El Mundo Ruso.
Durante 1862 y 1863 realizó diversos viajes por Europa que lo llevaron a Berlín, París, Londres, Ginebra, Turín, Florencia y Viena. Durante estos viajes comenzó una relación con Polina Súslova,27 una estudiante con ideas avanzadas, que lo abandonó poco después. Perdió mucho dinero jugando a la ruleta y, a finales de octubre de 1863, regresó a Moscú solo y sin dinero. Durante su ausencia, Vremya fue prohibida por haber publicado un artículo sobre el Levantamiento de Enero.
En 1864 Dostoyevski consiguió editar con su hermano una nueva revista llamada Epoja («Época»), en la que publicó Memorias del subsuelo. Su ánimo terminó de quebrarse tras la muerte de su esposa, María Dmítrievna Isáyeva, seguida poco después por la de su hermano. Dostoyevski debió hacerse cargo de la viuda y los cuatro hijos de Mijaíl y, además, de una deuda de 25 000 rublos que este había dejado. Se hundió en una profunda depresión y en el juego, lo que siguió generándole enormes deudas. Para escapar de todos sus problemas financieros, huyó al extranjero, donde perdió el dinero que le quedaba en los casinos. Allí se reencontró con Polina Súslova y le propuso matrimonio, pero fue rechazado.
En 1865, de nuevo en San Petersburgo, comenzó a escribir Crimen y castigo, una de sus obras capitales. La fue publicando, con gran éxito, en la revista El Mensajero Ruso. Sin embargo, sus deudas eran cada vez mayores por lo que, en 1866, se vio obligado a firmar un contrato con el editor Stellovski. Dicho contrato establecía que Dostoyevski recibiría tres mil rublos —que pasarían directamente a manos de sus acreedores— a cambio de los derechos de edición de todas sus obras, y el compromiso de entregar una nueva novela ese mismo año. Si ésta no era entregada en noviembre, recibiría una fuerte multa y, si en diciembre seguía sin estar lista, perdería todos los derechos patrimoniales sobre sus obras, que pasarían a manos de Stellovski. Dostoyevski entonces contrató a Anna Grigórievna Snítkina, una joven taquígrafa a quien dictó, en sólo veintiséis días, su novela El jugador, entregada en conformidad con los términos del contrato. El día de su entrega, sin embargo, el administrador de la editorial aseguró no haber recibido el aviso pertinente por parte de Stellovski, ante lo cual Dostoyevski se vio obligado a constatar la entrega —con acuse de recibo legal— en una comisaría.
Dostoyevski se casó con Snítkina el 15 de febrero de 1867 y, tras una breve estadía en Moscú, partieron hacia Europa. La debilidad de Dostoyevski por el juego volvió a manifestarse en Baden-Baden. En 1867, finalmente establecido en Ginebra, comenzó a preparar el esquema de su novela El idiota, que debía publicarse en los dos primeros fascículos de El Mensajero Ruso del año siguiente. Según Anna Grigórievna, Dostoyevski afirmaba sobre esta obra que «nunca había tenido una idea más poética y más rica, pero que no había logrado expresar ni siquiera la décima parte de lo que quería decir». En 1868 nació su primera hija, Sonia, pero murió tres meses después. El hecho fue devastador para la pareja, y Dostoyevski cayó en una profunda depresión. Decidieron alejarse de Ginebra y, luego de una estadía en Vevey, viajaron a Italia. Allí visitaron Milán, Florencia, Bolonia y Venecia. En 1869, partieron hacia Dresde, donde nació su segunda hija, Liubov. Su situación económica era, en palabras de Anna Grigórievna, de «relativa pobreza». Dostoyevski recibió el dinero convenido por El Mensajero Ruso y El idiota, y pudieron —a pesar de verse obligados a utilizar parte de este para pagar deudas— vivir con algo más de tranquilidad que en años anteriores.
En 1870 el autor se dedicó a escribir una nueva novela, El eterno marido, que fue publicada en la revista Zariá. Algunos pasajes de la obra son de carácter autobiográfico. Específicamente, en el capítulo «En casa de los Zajlebinin», Dostoyevski recuerda el verano de 1866 pasado en una casa de campo en Liublin, cerca de Moscú, junto con una de sus hermanas.
En 1871, terminó Los endemoniados, publicada en 1872. La novela refleja las inquietudes políticas de Dostoyevski en esa época. Al respecto, escribió a su amigo Strájov:
Espero mucho de lo que escribo ahora en El Mensajero Ruso, no sólo desde el punto de vista artístico, sino también en lo que respecta a la calidad del tema: desearía expresar algunos pensamientos, aunque por su causa debe sufrir el arte; pero estoy de tal modo fascinado por las ideas que se han acumulado en mi espíritu y en mi corazón, que debo expresarlas aunque sólo pueda lograr un opúsculo; es lo mismo, debo expresarme.
Poco antes de que Dostoyevski comenzara a escribir la novela, la pareja recibió la visita del hermano de Anna, que vivía en San Petersburgo. Este les habló del agitado clima político que se vivía en la ciudad y, especialmente, acerca de un asesinato que había tenido gran repercusión. Ivánov, un estudiante perteneciente al grupo extremista de Sergéi Necháyev, había sido asesinado en una gruta por orden de este, tras alejarse del grupo por rechazar sus métodos de acción. Dostoyevski decidió tomar como protagonista para su nueva novela a Ivánov bajo el nombre de Shátov y describió, siguiendo el relato del hermano de Anna, el parque de la Academia de Pedro y la gruta en la que fue asesinado Ivánov.
Hacia 1871, Dostoyevski y Anna Grigórievna habían cumplido cuatro años de residencia en el extranjero y estaban resueltos a volver a Rusia. Como Anna estaba embarazada, decidieron partir cuanto antes para no tener que viajar con un niño recién nacido. Luego de recibir la parte del pago de El Mensajero Ruso y la correspondiente a la publicación de El eterno marido, partieron hacia San Petersburgo haciendo escala en Berlín.
A los ocho días de su llegada a Rusia nació Fiódor. Dostoyevski hizo un viaje rápido a Moscú, donde cobró lo correspondiente a la parte publicada de Los demonios en El mensajero ruso. Con este dinero les fue posible alquilar una casa en San Petersburgo. Pronto se vio el autor nuevamente asediado por acreedores, especialmente algunos que reclamaban deudas de la época de Tiempo, que le correspondían por la muerte de su hermano. Los acreedores se presentaban algunas veces sin documento probatorio y Dostoyevski, ingenuo, les firmaba letras de cambio.
En 1872 partieron hacia Stáraya Rusa, donde permanecerían hasta 1875. Tras finalizar la novela Los demonios, Dostoyevski aceptó la propuesta de encargarse de la redacción del semanario El ciudadano. En 1873 editó la versión completa de Los demonios, publicada por la pequeña editorial que había fundado con medios propios, ayudado por Anna. El éxito de esta edición fue abrumador. Luego reeditó también varias de sus obras anteriores y comenzó a publicar la revista Diario de un escritor, en la que escribía solo, recopilando historias cortas, artículos políticos y crítica literaria. Esta publicación, aunque muy exitosa, se vio interrumpida en 1878, cuando Dostoyevski comenzó Los hermanos Karamázov, que aparecería en gran parte en la revista El Mensajero Ruso.
En 1874 Dostoyevski abandonó la redacción de El Ciudadano, tarea que no satisfizo sus aspiraciones, para dedicarse completamente a escribir una nueva novela. Luego de evaluar las ofertas editoriales de El Mensajero Ruso y Memorias de la Patria (del poeta Nikolái Nekrásov), decidió aceptar esta última. La novela sería titulada El adolescente y comenzaría a publicarse ese mismo año. Por aquella época, Dostoyevski tuvo fuertes crisis asmáticas, y estuvo un tiempo en Berlín y Ems tratando su afección.
En 1875 nació su cuarto hijo, Alekséi, y el matrimonio decidió volver a San Petersburgo. Durante esa época vivieron del dinero que obtenían por El adolescente. Mientras tanto, Dostoyevski continuaba reuniendo material para Diario de un escritor y frecuentaba con asiduidad reuniones literarias, donde se encontraba y debatía con viejos amigos y enemigos. En 1877, la publicación de Diario de un escritor tuvo gran éxito y, aunque el autor estaba muy satisfecho tanto con los resultados económicos como con la simpatía que el público manifestaba en su correspondencia, sentía gran necesidad de crear algo nuevo. Decidió entonces interrumpir por dos o tres años la publicación de la revista para ocuparse de una nueva novela.
Nekrásov, amigo de Dostoyevski —el primero en reconocer su talento con Pobres gentes y que más tarde editó El adolescente— se encontraba muy enfermo. Una de las veces que fue a verlo, el poeta le leyó una de sus últimas composiciones, «Los infelices», y le dijo: «La escribí para usted». El poeta murió a finales de 1877. Durante su funeral, Dostoyevski pronunció un emotivo discurso, que más tarde ampliaría e incluiría en el último número de Diario de un escritor de ese año, dividido en cuatro capítulos: «La muerte de Nekrásov», «Pushkin, Lérmontov y Nekrásov», «El poeta y el ciudadano: Nekrásov hombre» y «Un testigo a favor de Nekrásov». Al dolor de Dostoyevski por esta pérdida se le agregaría, al año siguiente, el causado por la muerte de su hijo Alekséi. El niño fue sepultado en el cementerio de Bolsháia Ojta.
Dostoyevski y su esposa, consternados, pensaron que no tenían más que hacer en San Petersburgo y regresaron con sus hijos a Stáraya Rusa. Dostoyevski acordó con El mensajero ruso la publicación de una nueva novela para 1879: se trataba de la futura Los hermanos Karamázov. De una bendición recibida por un sacerdote de la ermita de Óptina, tras contarle Dostoyevski lo sucedido con su hijo, surgiría la escena del capítulo Las mujeres creyentes, en la que el starets Zosima bendice a una madre tras la muerte de su hijo, también llamado Alekséi. Por otra parte, la figura del starets Zosima sería creada a partir de las figuras de este sacerdote y de otro a quien el autor admiraba, Tijon Zadonski.
Apenas comenzó a publicarse, Los hermanos Karamázov atrajo fuertemente la atención de lectores y críticos. Dostoyevski solía leer algunos fragmentos de ella en reuniones literarias con una excelente respuesta por parte del público. Muy pronto se la consideró una obra maestra de la literatura rusa y hasta logró que Dostoyevski se ganara el respeto de varios de sus enemigos literarios. El autor la consideró su magnum opus. A pesar de esto, la novela nunca se terminó. Originalmente, según los esquemas del autor, consistiría en dos partes, y los sucesos de la segunda ocurrirían trece años más tarde que los de la primera. Esta segunda parte nunca llegó a escribirse.
En 1880, Dostoyevski participó en la inauguración del monumento a Aleksandr Pushkin en Moscú, donde pronunció un discurso sobre el destino de Rusia en el mundo. El 8 de noviembre de ese mismo año, terminó Los hermanos Karamázov en San Petersburgo.
Dostoyevski murió en su casa de San Petersburgo, el 9 de febrero de 1881, de una hemorragia pulmonar asociada a un enfisema y a un ataque epiléptico. Fue enterrado en el cementerio Tijvin, dentro del Monasterio de Alejandro Nevski, en San Petersburgo. El vizconde E. M. de Vogüé, diplomático francés, describió el funeral como una especie de apoteosis. En su libro Le Roman russe, señala que entre los miles de jóvenes que seguían el cortejo, se podía distinguir incluso a los nihilistas, que se encontraban en las antípodas de las creencias del escritor. Anna Grigórievna señaló que «los diferentes partidos se reconciliaron en el dolor común y en el deseo de rendir el último homenaje al célebre escritor».
En su lápida sepulcral puede leerse el siguiente versículo de San Juan, que sirvió también como epígrafe de su última novela, Los hermanos Karamázov:
En verdad, en verdad os digo que si el grano de trigo que cae en la tierra no muere, queda solo; pero si muere produce mucho fruto. Evangelio de San Juan 12:24
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Fyodor Mikhailovich Dostoevsky (Фёдор Михайлович Достоевский) (11 November 1821 – 9 February 1881), sometimes transliterated Dostoyevsky, was a Russian novelist, short story writer, essayist, journalist and philosopher. Dostoevsky's literary works explore human psychology in the troubled political, social, and spiritual atmospheres of 19th-century Russia, and engage with a variety of philosophical and religious themes. His most acclaimed works include Crime and Punishment (1866), The Idiot (1869), Demons (1872), and The Brothers Karamazov (1880). Dostoevsky's oeuvre consists of 11 novels, three novellas, 17 short stories, and numerous other works. Many literary critics rate him as one of the greatest psychologists in world literature.[3] His 1864 novella Notes from Underground is considered to be one of the first works of existentialist literature.
Born in Moscow in 1821, Dostoevsky was introduced to literature at an early age through fairy tales and legends, and through books by Russian and foreign authors. His mother died in 1837 when he was 15, and around the same time, he left school to enter the Nikolayev Military Engineering Institute. After graduating, he worked as an engineer and briefly enjoyed a lavish lifestyle, translating books to earn extra money. In the mid-1840s he wrote his first novel, Poor Folk, which gained him entry into St. Petersburg's literary circles. Arrested in 1849 for belonging to a literary group that discussed banned books critical of Tsarist Russia, he was sentenced to death but the sentence was commuted at the last moment. He spent four years in a Siberian prison camp, followed by six years of compulsory military service in exile. In the following years, Dostoevsky worked as a journalist, publishing and editing several magazines of his own and later A Writer's Diary, a collection of his writings. He began to travel around western Europe and developed a gambling addiction, which led to financial hardship. For a time, he had to beg for money, but he eventually became one of the most widely read and highly regarded Russian writers.
Dostoevsky was influenced by a wide variety of philosophers and authors including Pushkin, Gogol, Augustine, Shakespeare, Dickens, Balzac, Lermontov, Hugo, Poe, Plato, Cervantes, Herzen, Kant, Belinsky, Hegel, Schiller, Solovyov, Bakunin, Sand, Hoffmann, and Mickiewicz. His writings were widely read both within and beyond his native Russia and influenced an equally great number of later writers including Russians like Aleksandr Solzhenitsyn and Anton Chekhov as well as philosophers such as Friedrich Nietzsche and Jean-Paul Sartre. His books have been translated into more than 170 languages.
Dostoevsky's parents were part of a multi-ethnic and multi-denominational noble family, its branches including Russian Orthodox Christians, Polish Roman Catholics and Ukrainian Eastern Catholics. The family traced its roots back to a Tatar, Aslan Chelebi-Murza, who in 1389 defected from the Golden Horde and joined the forces of Dmitry Donskoy, the first prince of Muscovy to openly challenge the Mongol authority in the region, and whose descendant, Danilo Irtishch, was ennobled and given lands in the Pinsk region (for centuries part of the Grand Duchy of Lithuania, now in modern-day Belarus) in 1509 for his services under a local prince, his progeny then taking the name "Dostoevsky" based on a village there called Dostoïevo
Dostoevsky's immediate ancestors on his mother's side were merchants; the male line on his father's side were priests. His father, Mikhail Andreevich, was expected to join the clergy but instead ran away from home and broke with the family permanently.
In 1809, the 20-year-old Mikhail Andreevich Dostoevsky enrolled in Moscow's Imperial Medical-Surgical Academy. From there he was assigned to a Moscow hospital, where he served as military doctor, and in 1818, he was appointed a senior physician. In 1819 he married Maria Nechayeva. The following year, he took up a post at the Mariinsky Hospital for the poor. In 1828, when his two sons, Mikhail and Fyodor, were eight and seven respectively, he was promoted to collegiate assessor, a position which raised his legal status to that of the nobility and enabled him to acquire a small estate in Darovoye, a town about 150 km (100 miles) from Moscow, where the family usually spent the summers. Dostoevsky's parents subsequently had six more children: Varvara (1822–1892), Andrei (1825–1897), Lyubov (born and died 1829), Vera (1829–1896), Nikolai (1831–1883) and Aleksandra (1835–1889).
Fyodor Dostoevsky, born on 11 November [O.S. 30 October] 1821, was the second child of Dr. Mikhail Dostoevsky and Maria Dostoevskaya (born Nechayeva). He was raised in the family home in the grounds of the Mariinsky Hospital for the Poor, which was in a lower class district on the edges of Moscow. Dostoevsky encountered the patients, who were at the lower end of the Russian social scale, when playing in the hospital gardens.
Dostoevsky was introduced to literature at an early age. From the age of three, he was read heroic sagas, fairy tales and legends by his nanny, Alena Frolovna, an especially influential figure in his upbringing and love for fictional stories. When he was four his mother used the Bible to teach him to read and write. His parents introduced him to a wide range of literature, including Russian writers Karamzin, Pushkin and Derzhavin; Gothic fiction such as Ann Radcliffe; romantic works by Schiller and Goethe; heroic tales by Cervantes and Walter Scott; and Homer's epics. Although his father's approach to education has been described as strict and harsh, Dostoevsky himself reports that his imagination was brought alive by nightly readings by his parents.
Some of his childhood experiences found their way into his writings. When a nine-year-old girl had been raped by a drunk, he was asked to fetch his father to attend to her. The incident haunted him, and the theme of the desire of a mature man for a young girl appears in The Devils, The Brothers Karamazov, Crime and Punishment, and other writings. An incident involving a family servant, or serf, in the estate in Darovoye, is described in "The Peasant Marey": when the young Dostoevsky imagines hearing a wolf in the forest, Marey, who is working nearby, comforts him.
Although Dostoevsky had a delicate physical constitution, his parents described him as hot-headed, stubborn and cheeky. In 1833, Dostoevsky's father, who was profoundly religious, sent him to a French boarding school and then to the Chermak boarding school. He was described as a pale, introverted dreamer and an over-excitable romantic. To pay the school fees, his father borrowed money and extended his private medical practice. Dostoevsky felt out of place among his aristocratic classmates at the Moscow school, and the experience was later reflected in some of his works, notably The Adolescent.
On 27 September 1837 Dostoevsky's mother died of tuberculosis. The previous May, his parents had sent Dostoevsky and his brother Mikhail to St Petersburg to attend the free Nikolayev Military Engineering Institute, forcing the brothers to abandon their academic studies for military careers. Dostoevsky entered the academy in January 1838, but only with the help of family members. Mikhail was refused admission on health grounds and was sent to the Academy in Reval, Estonia.
Dostoevsky disliked the academy, primarily because of his lack of interest in science, mathematics and military engineering and his preference for drawing and architecture. As his friend Konstantin Trutovsky once said, "There was no student in the entire institution with less of a military bearing than F.M. Dostoevsky. He moved clumsily and jerkily; his uniform hung awkwardly on him; and his knapsack, shako and rifle all looked like some sort of fetter he had been forced to wear for a time and which lay heavily on him." Dostoevsky's character and interests made him an outsider among his 120 classmates: he showed bravery and a strong sense of justice, protected newcomers, aligned himself with teachers, criticised corruption among officers and helped poor farmers. Although he was solitary and inhabited his own literary world, he was respected by his classmates. His reclusiveness and interest in religion earned him the nickname "Monk Photius".
Signs of Dostoevsky's epilepsy may have first appeared on learning of the death of his father on 16 June 1839, although the reports of a seizure originated from accounts written by his daughter (later expanded by Sigmund Freud.) which are now considered to be unreliable. His father's official cause of death was an apoplectic stroke, but a neighbour, Pavel Khotiaintsev, accused the father's serfs of murder. Had the serfs been found guilty and sent to Siberia, Khotiaintsev would have been in a position to buy the vacated land. The serfs were acquitted in a trial in Tula, but Dostoevsky's brother Andrei perpetuated the story. After his father's death, Dostoevsky continued his studies, passed his exams and obtained the rank of engineer cadet, entitling him to live away from the academy. He visited Mikhail in Reval, and frequently attended concerts, operas, plays and ballets. During this time, two of his friends introduced him to gambling.
On 12 August 1843 Dostoevsky took a job as a lieutenant engineer and lived with Adolph Totleben in an apartment owned by Dr. Rizenkampf, a friend of Mikhail. Rizenkampf characterised him as "no less good-natured and no less courteous than his brother, but when not in a good mood he often looked at everything through dark glasses, became vexed, forgot good manners, and sometimes was carried away to the point of abusiveness and loss of self-awareness". Dostoevsky's first completed literary work, a translation of Honoré de Balzac's novel Eugénie Grandet, was published in June and July 1843 in the 6th and 7th volume of the journal Repertoire and Pantheon, followed by several other translations. None were successful, and his financial difficulties led him to write a novel.
Dostoevsky completed his first novel, Poor Folk, in May 1845. His friend Dmitry Grigorovich, with whom he was sharing an apartment at the time, took the manuscript to the poet Nikolay Nekrasov, who in turn showed it to the renowned and influential literary critic Vissarion Belinsky. Belinsky described it as Russia's first "social novel". Poor Folk was released on 15 January 1846 in the St Petersburg Collection almanac and became a commercial success.
Dostoevsky felt that his military career would endanger his now flourishing literary career, so he wrote a letter asking to resign his post. Shortly thereafter, he wrote his second novel, The Double, which appeared in the journal Notes of the Fatherland on 30 January 1846, before being published in February. Around the same time, Dostoevsky discovered socialism through the writings of French thinkers Fourier, Cabet, Proudhon and Saint-Simon. Through his relationship with Belinsky he expanded his knowledge of the philosophy of socialism. He was attracted to its logic, its sense of justice and its preoccupation with the destitute and the disadvantaged. However, his relationship with Belinsky became increasingly strained as Belinsky's atheism and dislike of religion clashed with Dostoevsky's Russian Orthodox beliefs. Dostoevsky eventually parted with him and his associates.
After The Double received negative reviews, Dostoevsky's health declined and he had more frequent seizures, but he continued writing. From 1846 to 1848 he released several short stories in the magazine Annals of the Fatherland, including "Mr. Prokharchin", "The Landlady", "A Weak Heart", and "White Nights". These stories were unsuccessful, leaving Dostoevsky once more in financial trouble, so he joined the utopian socialist Betekov circle, a tightly knit community which helped him to survive. When the circle dissolved, Dostoevsky befriended Apollon Maykov and his brother Valerian. In 1846, on the recommendation of the poet Aleksey Pleshcheyev,[41] he joined the Petrashevsky Circle, founded by Mikhail Petrashevsky, who had proposed social reforms in Russia. Mikhail Bakunin once wrote to Alexander Herzen that the group was "the most innocent and harmless company" and its members were "systematic opponents of all revolutionary goals and means". Dostoevsky used the circle's library on Saturdays and Sundays and occasionally participated in their discussions on freedom from censorship and the abolition of serfdom.[43][44]
In 1849, the first parts of Netochka Nezvanova, a novel Dostoevsky had been planning since 1846, were published in Annals of the Fatherland, but his banishment ended the project. Dostoevsky never attempted to complete it.
The members of the Petrashevsky Circle were denounced to Liprandi, an official at the Ministry of Internal Affairs. Dostoevsky was accused of reading works by Belinsky, including the banned Letter to Gogol,[46] and of circulating copies of these and other works. Antonelli, the government agent who had reported the group, wrote in his statement that at least one of the papers criticised Russian politics and religion. Dostoevsky responded to these charges by declaring that he had read the essays only "as a literary monument, neither more nor less"; he spoke of "personality and human egoism" rather than of politics. Even so, he and his fellow "conspirators" were arrested on 23 April 1849 at the request of Count A. Orlov and Tsar Nicolas I, who feared a revolution like the Decembrist revolt of 1825 in Russia and the Revolutions of 1848 in Europe. The members were held in the well-defended Peter and Paul Fortress, which housed the most dangerous convicts.
The case was discussed for four months by an investigative commission headed by the Tsar, with Adjutant General Ivan Nabokov, senator Prince Pavel Gagarin, Prince Vasili Dolgorukov, General Yakov Rostovtsev and General Leonty Dubelt, head of the secret police. They sentenced the members of the circle to death by firing squad, and the prisoners were taken to Semyonov Place in St Petersburg on 23 December 1849 where they were split into three-man groups. Dostoevsky was the third in the second row; next to him stood Pleshcheyev and Durov. The execution was stayed when a cart delivered a letter from the Tsar commuting the sentence.
Dostoevsky served four years of exile with hard labour at a katorga prison camp in Omsk, Siberia, followed by a term of compulsory military service. After a fourteen-day sleigh ride, the prisoners reached Tobolsk, a prisoner way station. Despite the circumstances, Dostoevsky consoled the other prisoners, such as the Petrashevist Ivan Yastrzhembsky, who was surprised by Dostoevsky's kindness and eventually abandoned his decision to commit suicide. In Tobolsk, the members received food and clothes from the Decembrist women, as well as several copies of the New Testament with a ten-ruble banknote inside each copy. Eleven days later, Dostoevsky reached Omsk together with just one other member of the Petrashevsky Circle, the poet Sergei Durov. Dostoevsky described his barracks:
In summer, intolerable closeness; in winter, unendurable cold. All the floors were rotten. Filth on the floors an inch thick; one could slip and fall ... We were packed like herrings in a barrel ... There was no room to turn around. From dusk to dawn it was impossible not to behave like pigs ... Fleas, lice, and black beetles by the bushel ...
Classified as "one of the most dangerous convicts", Dostoevsky had his hands and feet shackled until his release. He was only permitted to read his New Testament Bible. In addition to his seizures, he had haemorrhoids, lost weight and was "burned by some fever, trembling and feeling too hot or too cold every night". The smell of the privy pervaded the entire building, and the small bathroom had to suffice for more than 200 people. Dostoevsky was occasionally sent to the military hospital, where he read newspapers and Dickens novels. He was respected by most of the other prisoners, and despised by some because of his xenophobic statements.
After his release on 14 February 1854, Dostoevsky asked Mikhail to help him financially and to send him books by Vico, Guizot, Ranke, Hegel and Kant.[55] The House of the Dead, based on his experience in prison, was published in 1861 in the journal Vremya ("Time") – it was the first published novel about Russian prisons. Before moving in mid-March to Semipalatinsk, where he was forced to serve in the Siberian Army Corps of the Seventh Line Battalion, Dostoevsky met geographer Pyotr Semyonov and ethnographer Shokan Walikhanuli. Around November 1854, he met Baron Alexander Egorovich Wrangel, an admirer of his books, who had attended the aborted execution. They both rented houses in the Cossack Garden outside Semipalatinsk. Wrangel remarked that Dostoevsky "looked morose. His sickly, pale face was covered with freckles, and his blond hair was cut short. He was a little over average height and looked at me intensely with his sharp, grey-blue eyes. It was as if he were trying to look into my soul and discover what kind of man I was."
In Semipalatinsk, Dostoevsky tutored several schoolchildren and came into contact with upper-class families, including that of Lieutenant-Colonel Belikhov, who used to invite him to read passages from newspapers and magazines. During a visit to Belikhov, Dostoevsky met the family of Alexander Ivanovich Isaev and Maria Dmitrievna Isaeva and fell in love with the latter. Alexander Isaev took a new post in Kuznetsk, where he died in August 1855. Maria and her son then moved with Dostoevsky to Barnaul. In 1856 Dostoevsky sent a letter through Wrangel to General Eduard Totleben, apologising for his activity in several utopian circles. As a result, he obtained the right to publish books and to marry, although he remained under police surveillance for the rest of his life. Maria married Dostoevsky in Semipalatinsk on 7 February 1857, even though she had initially refused his marriage proposal, stating that they were not meant for each other and that his poor financial situation precluded marriage. Their family life was unhappy and she found it difficult to cope with his seizures. Describing their relationship, he wrote: "Because of her strange, suspicious and fantastic character, we were definitely not happy together, but we could not stop loving each other; and the more unhappy we were, the more attached to each other we became". They mostly lived apart. In 1859 he was released from military service because of deteriorating health and was granted permission to return to Russia, first to Tver, where he met his brother for the first time in ten years, and then to St Petersburg.
"A Little Hero" (Dostoevsky's only work completed in prison) appeared in a journal, but "Uncle's Dream" and "The Village of Stepanchikovo" were not published until 1860. Notes from the House of the Dead was released in Russky Mir (Russian World) in September 1860. "The Insulted and the Injured" was published in the new Vremya magazine, which had been created with the help of funds from his brother's cigarette factory.
Dostoevsky travelled to western Europe for the first time on 7 June 1862, visiting Cologne, Berlin, Dresden, Wiesbaden, Belgium, and Paris. In London, he met Herzen and visited the Crystal Palace. He travelled with Nikolay Strakhov through Switzerland and several North Italian cities, including Turin, Livorno, and Florence. He recorded his impressions of those trips in Winter Notes on Summer Impressions, in which he criticised capitalism, social modernisation, materialism, Catholicism and Protestantism.
From August to October 1863, Dostoevsky made another trip to western Europe. He met his second love, Polina Suslova, in Paris and lost nearly all his money gambling in Wiesbaden and Baden-Baden. In 1864 his wife Maria and his brother Mikhail died, and Dostoevsky became the lone parent of his stepson Pasha and the sole supporter of his brother's family. The failure of Epoch, the magazine he had founded with Mikhail after the suppression of Vremya, worsened his financial situation, although the continued help of his relatives and friends averted bankruptcy.
The first two parts of Crime and Punishment were published in January and February 1866 in the periodical The Russian Messenger, attracting at least 500 new subscribers to the magazine.
Dostoevsky returned to Saint Petersburg in mid-September and promised his editor, Fyodor Stellovsky, that he would complete The Gambler, a short novel focused on gambling addiction, by November, although he had not yet begun writing it. One of Dostoevsky's friends, Milyukov, advised him to hire a secretary. Dostoevsky contacted stenographer Pavel Olkhin from Saint Petersburg, who recommended his pupil, the twenty-year-old Anna Grigoryevna Snitkina. Her shorthand helped Dostoevsky to complete The Gambler on 30 October, after 26 days' work. She remarked that Dostoevsky was of average height but always tried to carry himself erect. "He had light brown, slightly reddish hair, he used some hair conditioner, and he combed his hair in a diligent way ... his eyes, they were different: one was dark brown; in the other, the pupil was so big that you could not see its color, [this was caused by an injury]. The strangeness of his eyes gave Dostoyevsky some mysterious appearance. His face was pale, and it looked unhealthy."
On 15 February 1867 Dostoevsky married Snitkina in Trinity Cathedral, Saint Petersburg. The 7,000 rubles he had earned from Crime and Punishment did not cover their debts, forcing Anna to sell her valuables. On 14 April 1867, they began a delayed honeymoon in Germany with the money gained from the sale. They stayed in Berlin and visited the Gemäldegalerie Alte Meister in Dresden, where he sought inspiration for his writing. They continued their trip through Germany, visiting Frankfurt, Darmstadt, Heidelberg and Karlsruhe. They spent five weeks in Baden-Baden, where Dostoevsky had a quarrel with Turgenev and again lost much money at the roulette table. The couple travelled on to Geneva.
In September 1867, Dostoevsky began work on The Idiot, and after a prolonged planning process that bore little resemblance to the published novel, he eventually managed to write the first 100 pages in only 23 days; the serialisation began in The Russian Messenger in January 1868.
Their first child, Sonya, had been conceived in Baden-Baden, and was born in Geneva on 5 March 1868. The baby died of pneumonia three months later, and Anna recalled how Dostoevsky "wept and sobbed like a woman in despair". The couple moved from Geneva to Vevey and then to Milan, before continuing to Florence. The Idiot was completed there in January 1869, the final part appearing in The Russian Messenger in February 1869. Anna gave birth to their second daughter, Lyubov, on 26 September 1869 in Dresden. In April 1871, Dostoevsky made a final visit to a gambling hall in Wiesbaden. Anna claimed that he stopped gambling after the birth of their second daughter, but this is a subject of debate.
After hearing news that the socialist revolutionary group "People's Vengeance" had murdered one of its own members, Ivan Ivanov, on 21 November 1869, Dostoevsky began writing Demons. In 1871, Dostoevsky and Anna travelled by train to Berlin. During the trip, he burnt several manuscripts, including those of The Idiot, because he was concerned about potential problems with customs. The family arrived in Saint Petersburg on 8 July, marking the end of a honeymoon (originally planned for three months) that had lasted over four years.
Back in Russia in July 1871, the family was again in financial trouble and had to sell their remaining possessions. Their son Fyodor was born on 16 July, and they moved to an apartment near the Institute of Technology soon after. They hoped to cancel their large debts by selling their rental house in Peski, but difficulties with the tenant resulted in a relatively low selling price, and disputes with their creditors continued. Anna proposed that they raise money on her husband's copyrights and negotiate with the creditors to pay off their debts in installments.
Dostoevsky revived his friendships with Maykov and Strakhov and made new acquaintances, including church politician Terty Filipov and the brothers Vsevolod and Vladimir Solovyov. Konstantin Pobedonostsev, future Imperial High Commissioner of the Most Holy Synod, influenced Dostoevsky's political progression to conservatism. Around early 1872 the family spent several months in Staraya Russa, a town known for its mineral spa. Dostoevsky's work was delayed when Anna's sister Maria Svatkovskaya died on 1 May 1872, either from typhus or malaria, and Anna developed an abscess on her throat.
The family returned to St Petersburg in September. Demons was finished on 26 November and released in January 1873 by the "Dostoevsky Publishing Company", which was founded by Dostoevsky and his wife. Although they only accepted cash payments and the bookshop was in their own apartment, the business was successful, and they sold around 3,000 copies of Demons. Anna managed the finances. Dostoevsky proposed that they establish a new periodical, which would be called A Writer's Diary and would include a collection of essays, but funds were lacking, and the Diary was published in Vladimir Meshchersky's The Citizen, beginning on 1 January, in return for a salary of 3,000 rubles per year. In the summer of 1873, Anna returned to Staraya Russa with the children, while Dostoevsky stayed in St Petersburg to continue with his Diary.
In March 1874, Dostoevsky left The Citizen because of the stressful work and interference from the Russian bureaucracy. In his fifteen months with The Citizen, he had been taken to court twice: on 11 June 1873 for citing the words of Prince Meshchersky without permission, and again on 23 March 1874. Dostoevsky offered to sell a new novel he had not yet begun to write to The Russian Messenger, but the magazine refused. Nikolay Nekrasov suggested that he publish A Writer's Diary in Notes of the Fatherland; he would receive 250 rubles for each printer's sheet – 100 more than the text's publication in The Russian Messenger would have earned. Dostoevsky accepted. As his health began to decline, he consulted several doctors in St Petersburg and was advised to take a cure outside Russia. Around July, he reached Ems and consulted a physician, who diagnosed him with acute catarrh. During his stay he began The Adolescent. He returned to Saint Petersburg in late July.
Anna proposed that they spend the winter in Staraya Russa to allow Dostoevsky to rest, although doctors had suggested a second visit to Ems because his health had previously improved there. On 10 August 1875 his son Alexey was born in Staraya Russa, and in mid-September the family returned to Saint Petersburg. Dostoevsky finished The Adolescent at the end of 1875, although passages of it had been serialised in Notes of the Fatherland since January. The Adolescent chronicles the life of Arkady Dolgoruky, the illegitimate child of the landowner Versilov and a peasant mother. It deals primarily with the relationship between father and son, which became a frequent theme in Dostoevsky's subsequent works.
In early 1876, Dostoevsky continued work on his Diary. The book includes numerous essays and a few short stories about society, religion, politics and ethics. The collection sold more than twice as many copies as his previous books. Dostoevsky received more letters from readers than ever before, and people of all ages and occupations visited him. With assistance from Anna's brother, the family bought a dacha in Staraya Russa. In the summer of 1876, Dostoevsky began experiencing shortness of breath again. He visited Ems for the third time and was told that he might live for another 15 years if he moved to a healthier climate. When he returned to Russia, Tsar Alexander II ordered Dostoevsky to visit his palace to present the Diary to him, and he asked him to educate his sons, Sergey and Paul. This visit further increased Dosteyevsky's circle of acquaintances. He was a frequent guest in several salons in Saint Petersburg and met many famous people, including Princess Sophia Tolstaya, Yakov Polonsky, Sergei Witte, Alexey Suvorin, Anton Rubinstein and Ilya Repin.
Dostoevsky's health declined further, and in March 1877 he had four epileptic seizures. Rather than returning to Ems, he visited Maly Prikol, a manor near Kursk. While returning to St Petersburg to finalise his Diary, he visited Darovoye, where he had spent much of his childhood. In December he attended Nekrasov's funeral and gave a speech. He was appointed an honorary member of the Russian Academy of Sciences, from which he received an honorary certificate in February 1879. He declined an invitation to an international congress on copyright in Paris after his son Alyosha had a severe epileptic seizure and died on 16 May. The family later moved to the apartment where Dostoevsky had written his first works. Around this time, he was elected to the board of directors of the Slavic Benevolent Society in Saint Petersburg. That summer, he was elected to the honorary committee of the Association Littéraire et Artistique Internationale, whose members included Victor Hugo, Ivan Turgenev, Paul Heyse, Alfred Tennyson, Anthony Trollope, Henry Longfellow, Ralph Waldo Emerson and Leo Tolstoy. Dostoevsky made his fourth and final visit to Ems in early August 1879. He was diagnosed with early-stage pulmonary emphysema, which his doctor believed could be successfully managed, but not cured.
On 3 February 1880 Dostoevsky was elected vice-president of the Slavic Benevolent Society, and he was invited to speak at the unveiling of the Pushkin memorial in Moscow. On 8 June he delivered his speech, giving an impressive performance that had a significant emotional impact on his audience. His speech was met with thunderous applause, and even his long-time rival Turgenev embraced him. Konstantin Staniukovich praised the speech in his essay "The Pushkin Anniversary and Dostoevsky's Speech" in The Business, writing that "the language of Dostoevsky's [Pushkin Speech] really looks like a sermon. He speaks with the tone of a prophet. He makes a sermon like a pastor; it is very deep, sincere, and we understand that he wants to impress the emotions of his listeners." The speech was criticised later by liberal political scientist Alexander Gradovsky, who thought that Dostoevsky idolised "the people" and by conservative thinker Konstantin Leontiev, who, in his essay "On Universal Love", compared the speech to French utopian socialism. The attacks led to a further deterioration in his health.
On 25 January 1881, while searching for members of the terrorist organisation Narodnaya Volya ("The People's Will") who would soon assassinate Tsar Alexander II, the Tsar's secret police executed a search warrant in the apartment of one of Dostoevsky's neighbours. On the following day, Dostoevsky suffered a pulmonary haemorrhage. Anna denied that the search had caused it, saying that the haemorrhage had occurred after her husband had been looking for a dropped pen holder. After another haemorrhage, Anna called the doctors, who gave a poor prognosis. A third haemorrhage followed shortly afterwards. While seeing his children before dying, Dostoevsky requested that the parable of the Prodigal Son be read to his children. The profound meaning of this request is pointed out by Frank:
It was this parable of transgression, repentance, and forgiveness that he wished to leave as a last heritage to his children, and it may well be seen as his own ultimate understanding of the meaning of his life and the message of his work.
Among Dostoevsky's last words was his quotation of Matthew 3:14–15: "But John forbad him, saying, I have a need to be baptised of thee, and comest thou to me? And Jesus answering said unto him, Suffer it to be so now: for thus it becometh us to fulfil all righteousness", and he finished with "Hear now—permit it. Do not restrain me!" When he died, his body was placed on a table, following Russian custom. He was interred in the Tikhvin Cemetery at the Alexander Nevsky Convent, near his favourite poets, Nikolay Karamzin and Vasily Zhukovsky. It is unclear how many attended his funeral. According to one reporter, more than 100,000 mourners were present, while others describe attendance between 40,000 and 50,000. His tombstone is inscribed with lines from the New Testament:
Verily, verily, I say unto you, Except a corn of wheat fall into the ground and die, it abideth alone: but if it dies, it bringeth forth much fruit. — John 12:24
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Bae-Aérospatiale Concorde: 21st January 1976 - November 26th 2003
Yep, I'm on another one of my Concorde bouts again, but I don't consider that a bad thing if I'm honest because I've never known anyone who really doesn't like this aircraft. The thing about Concorde is the fact that it was, and still is, probably one of the most beautiful and sophisticated creations mankind has ever made, up there with the likes of the Saturn V Rocket. With smooth crisp lines and a long sweeping body, Concorde, although very much a plaything for the rich, showed the world that Supersonic travel is not just reserved for Fighter Pilots, but for the fare paying public as well, and took us to a place where I sadly feel we shan't return to, not in this day and age.
So where does Concorde's story begin? Well, our ability to break the Sound Barrier is a good start, with the early Spitfire pilots of World War II inadvertently doing so, and then a flight by the experimental Bell X-1, which was launched from the underbelly of a bomber and jetted off into a world very much of its own. Following these breakthroughs in speed, the first considerations for a passenger alternative were considered as far back as 1950, and in 1954 the first meeting of the Super Sonic Transport (SST) Committee was held.
Original intentions were to build passenger aircraft to similar principles as the X-1, but these were shelved due to impracticality. Instead, a new design known as the Delta-Wing was looked at, being used on the likes of the AVRO Vulcan. Ideas were created, and tests carried out on the similarly designed Handley Page HP.115, a purpose built aircraft for the intention of making the perfect testbed for the future SST. Eventually, the Delta design chosen was dubbed the Ogee Platform, derived from the Ogival Wing design. The most important intention of the design was to place the wing's centre of pressure as close as possible to the centre of gravity so as to lower the amount of control force required to pitch the aircraft, and the Ogee Platform came closest to this requirement.
Final design requirements came down to the design of the airframe itself outside of the wings. Essentially, the aircraft was similar in design to contemporary Delta-Wing fighter jets, with a long streamlined nose and a smooth body to reduce resistance as much as possible. Problems came with the actual operation of the aircraft's basic functions, most notably the cockpit, which had to be designed with streamlining in mind, but couldn't use conventional aircraft windows, with the strengthened window frame obscuring the view forward for takeoff and landing. In response, designers created a Drooping Nose, where the streamlined visor could be raised and lowered, with conventional aircraft windscreens behind to provide a view similar to that of a regular aircraft. Due to the length of the aircraft, the plane was fitted with a small wheel at the rear of the frame so as to absorb any potential tail-strikes during takeoff and landing.
During supersonic flight and transit through the Sound Barrier, fuel would be distributed between the forward fuel tanks and a small fuel tank in the rear whilst the aircraft was accelerating and decelerating so as to alter the centre of mass, essentially acting as an auxiliary trim control.
But one of the most endearing parts of the design was the point on the nose, which is not there for stylish flare, but for a very important reason. Without the point, aircraft attempting to transit the sound barrier would face much greater resistance as the airframe is much larger and more obtrusive, the point on the other hand breaks the sound barrier ahead of the actual aircraft itself, meaning the transit effect travels around the frame of the aircraft rather than against the hull.
Of course, the most difficult part when it came to getting the SST to go are the actual engines themselves. For the greatest efficiency, the new SST couldn't use conventional Turbofan engines as their cross-sectional area was too excessive. Instead, Rolls Royce was commissioned to build a set of Turbojet engines that could be slung in streamlined pods underneath the wings. The result was a quad set of Rolls Royce/Snecma Olympus 593 engines that had been developed from the Bristol engines used on the Vulcan bomber. In all, only 67 of these engines were ever built, and had an overall maximum thrust of 38,000lbf, pushing the SST to beyond the speed of sound.
By the mid-1960's the designs had been near enough perfected, and after signing up with Sud Aviation of France (later to become Aérospatiale), the combined efforts of British Aerospace and Aérospatiale resulted in the construction of two prototypes in 1965, these aircraft being dubbed 'Concorde', the French word for Harmony, Agreement, or Union. Concorde 001 was built in France at Aérospatiale's factory in Toulouse, whilst Concorde 002 was built at the BAC works in Filton near Bristol. The first flight of a Concorde aircraft took place on the 2nd March 1969, with Concorde 001 flying from Toulouse. On the 9th April, Concorde 002 made its first flight from Filton, and on October 1st, 001 made its first supersonic flight.
Both aircraft were presented at the Paris Airshow of June 1969, alongside one of their rivals, the Boeing 747. But Concorde was not the world's first supersonic commercial airliner, as the Soviet Union had beaten them to the punch in June of that year with the Tupolev Tu-144, an aircraft of almost exactly the same principles of Concorde that had been hastily put together between 1965 and 1968 after blueprints and designs had been obtained by Soviet Agent Sergei Fabiew. The Tu-144 made its first supersonic flight in June 1969, and made its first supersonic commercial flights with Aeroflot in May 1970.
However, the 'Concordski' (as it was known by the West), had many serious flaws, which came to bear in a series of horrendous crashes. The first major crash was at the 1973 Paris Air Show, where during a display flight, the first production Tu-144 aircraft broke apart over a suburb, killing 6 people on the aircraft and 8 on the ground. Another major incident took place in May 1978, when on a routine test flight an improved version of the aircraft known as the Tu-144D crashed on landing, resulting in the withdrawal of the 144's from commercial service after only 55 flights. They would remain cargo aircraft until 1983, after which they were used for the training of Soviet Cosmonauts for the Buran Space Shuttle project.
Concordski however did have a profound effect on Concorde, especially after its crash of 1973. Confidence in the Concorde was rumbled by the failure of the Tu-144, and thus many potential buyers pulled out. Originally, airlines such as American Airlines, Pan Am, Japan Airlines, Eastern Airlines, United Airlines, and Air Canada had all put in orders, but by 1975 only Air France and BOAC (later nationalised into British Airways) orders remained. At the same time, Boeing and Lockheed of the United States attempted to create their own SST's so as to combat Concorde, with Boeing creating the 2707, and Lockheed the L-2000, neither of which went beyond concept models.
Eventually, 14 production Concorde aircraft were handed over to their respective airlines between 1976 and 1980, with the first aircraft being delivered to British Airways on the 15th January, the first flight taking place to Bahrain on the 21st January. Simultaneously, Air France made its first flight to Rio de Janeiro via Dakar in Senegal. However, the Transatlantic routes to the United States were the main points of contention, as the fear of Sonic Booms caused protest, resulting in a ban being passed by Congress. Although permission was given to fly to Washington Dulles on the 24th May, the New York Port Authority continued to ban Concorde due to the noise. The result was a risky training program by Concorde pilots to land at JFK Airport without using any power at all, meaning that from the start of their descent over the New York area, no power could be applied so as to keep the noise levels to a minimum, doing the whole approach in one. Eventually the ban was lifted after it was found that Air Force One, a Boeing VC-137 (converted Boeing 707), was louder than Concorde, and thus commercial services to JFK began on November 22nd, 1977.
In addition to the British Airways and Air France flights to New York and Washington from Paris and London, a slew of other short lived ventures occurred at the same time. In 1977, British Airways jointly shared a Concorde for flights to Singapore via Bahrain with Singapore Airlines, painting G-BOAD in a BA/SA hybrid livery. These flights however were capped after only 3 runs due to noise complaints.
Another short lived venture was with the American airline Braniff, which leased 10 aircraft from both airlines to operate subsonic domestic services from Washington to Dallas-Fort Worth from 1978, with Braniff crews taking over from international crews after landing at Washington. These services ended in 1980 due to a lack of profitability, with only 50% bookings or less on most flights.
Over the years, Concorde also flew to a myriad of destinations off its usual Transatlantic services, including Mexico, Florida, the Caribbean, South America, Hong Kong, Australia and New Zealand, mostly on charter flights but sometimes for short demonstration flights for fun seekers. Usually, Air France would provide the charter aircraft as their Concorde fleet was used less than the BA fleet, only operating two flights a day as opposed to BA's four.
The 1980's though were the boom years of Concorde, as this was when the money makers really spread their wings. In the immortal words of Jeremy Clarkson "For the have not's, it wasn't much fun, but the have's were having a ball!" Wealth moved from the stars of stage and screen to the stock marketing men and women of Europe and America. Investments on oil shares, and other large multinational companies meant you and your house was worth more than most countries. Greed was endemic, and the super-rich had no shortage of that. They'd have Champagne for breakfast, eat nightly at the Ritz, have a fleet of chauffeur driven Rolls Royce's at their beck and call, and would make weekend trips across the Atlantic with Concorde like it was a commuter train!
It was thanks to Concorde that Phil Collins could perform two shows for the 1985 Live Aid in one night, the first at Wembley in London, the second at Philadelphia JFK stadium, picking up Cher along the way who would join him in the finale 'We are the World.' You could arrive before you departed, and probably bump into a selection of celebrities en-route. Ex-Beatles, Actors, Businessmen, Fashion Designers, you name it, they were probably there!
These years were wild, profitable, and turned Concorde from an airliner, into a rite of passage for the money makers of this world. If you could fly on Concorde, then you'd truly made it in life!
However, as the 90's began to blossom and boom, the end of the decade brought its headaches for Concorde, and when things went wrong, they really went wrong quickly!
The recession of 1992 damaged Concorde's sales as money became much harder to come by, and the explosive era of greed began to fade away in the face of austerity. Environmental considerations began to crop up, and Concorde was singled out by environmentalists as one of the biggest culprits for noise and air pollution.
But on July 25th, 2000, disaster struck when Air France Concorde F-BTSC, crashed upon take-off from Paris Charles de Gaulle, smashing into a nearby hotel and killing all 109 passengers, plus 4 people on the ground. The cause was later determined to have been debris left by a preceding Continental Airlines DC-10, which punctured the tyres of Concorde and ruptured the fuel tanks on the port-side wing. However, the crash resulted in the grounding of all Concorde aircraft for over a year. Although test flights were carried out, and some private charters, revenue earning service was intended to return in the summer of 2001.
G-BOAF made the first service flight of a Concorde aircraft across the Atlantic from London to New York on September 11th, 2001, landing at JFK airport 30 minutes before American Airlines Flight 11, hijacked by terrorists, was flown deliberately into the North Tower of the World Trade Center in Lower Manhattan, in what would turn out to be one of the darkest days in modern history. In the ensuing chaos, flights across America were grounded immediately, and Transatlantic services diverted, but this was just the beginning. Global markets collapsed and the aviation industry went into meltdown. Airlines such as TWA, Swissair, Sabena and Ansett Australia were just a few of the victims of this aviation downturn, and Concorde's return to service was delayed until November 7th, 2001.
Concorde may have stuttered back into life, but time had really caught up with this supersonic machine of the past. The maintenance costs of the aircraft were now much higher, with fuel prices rising and passenger levels dropping due to stagnation in the post-9/11 market. British Airways was making a loss on every single flight they made, and both this, with a mixture of discontinued support from Aérospatiale's successors, Airbus, meant that Concorde's fate was very much sealed.
On the 10th April, 2003, Air France and British Airways simultaneously announced the retirement of Concorde. Although the day after Virgin Atlantic and its founder Sir Richard Branson intended to purchase British Airways' Concorde fleet for a nominal fee of £1 each, citing a clause in the original agreement to operate the aircraft, the Government and British Airways denied allowing him to buy the aircraft for such a small price, demanding at least £1 million for every aircraft. This was further hampered by Airbus' refusal to continue maintenance support.
The end slowly came throughout 2003, with Air France's last Concorde flight taking place on 27th June, whilst British Airways conducted a series of farewell tours to a selection of destinations, including Toronto, Boston, Washington, Belfast, Manchester, Cardiff and Edinburgh. Concorde was officially retired from British Airways service on the 24th October, 2003, but continued to operate a small number of farewell charters until November 26th, when G-BOAF, the last Concorde to be built in 1979, flew to its home base of Filton, ending the supersonic age of passenger air travel.
In all, every one of these £125 million aircraft still exist apart from two. Aircraft 203, F-BTSC, was lost in the type's only ever fatal crash in 2000, whilst Aircraft 211, F-BVFD, was withdrawn in 1982 after only 5 years of service and used as a spares donor, being cut up for scrap in 1994. The 6 prototype and 12 remaining production aircraft are now scattered across the world in museums, including Barbados, Seattle, New York, Brooklands near London, Manchester, Le Bourget, Toulouse and Chantilly in Virginia.
So, what killed Concorde and can we ever go there again? Many things killed Concorde, and when they came, they came fast. The economic downturn of the 90's and the rising environmental considerations started to damage its image, but the Paris Crash, the September 11th attacks and the ensuing stagnation of the aviation market, an outdated design becoming more and more expensive to maintain, the discontinuation of maintenance by Airbus and the fact that they were making a loss on every single flight is truly what ended Concorde's reign.
As for returning to the world of supersonic travel for the fare paying customer, in this world of austerity and environmentally bound agendas, I highly doubt it. Although Boeing considered the idea with the Sonic Cruiser, the amount of fuel required to operate these aircraft and the overall lack of interest or money to fund a project solely aimed at the 1%, means that chances are we won't see the likes of Concorde ever again.
But either way, we can be glad to say that we did it, we built Concorde, we flew it, operated it for 27 glorious years, and in doing so brought nations and continents closer together. Concorde truly lived up to its name, an everlasting symbol of peace, prosperity, speed, design and human endeavour.
Many consider Ragwort to be a weed because it causes problems to livestock who eat it (so why do they do it, huh?). However, it's a beautiful plant in its own right and is a food source for many insects including this beautiful Small Copper. And of course it led to delight for Yours Truly who spent a happy couple of hours photographing the Coppers flitting around this great nectar source.
Posted for for the #17. "A Weed" theme in the 52 in 2014 group.
#97221
FOR IMMEDIATE RELEASE
MANIFESTO GLEITZEIT 2015
BY STELLY RIESLING
Featured below is another original art work of mine in homage to THE PIONEER OF INVISIBLE ART — PAUL JAISINI. Forget all the copycats that came after him — Master Paul Jaisini was the *FIRST* of a totally original concept and the *BEST*. My favorite thing about him is that he’s a voice, not an echo, which is quite rare.
DISCLAIMER: This is for anyone who is a hater OR wishes to better understand me, what I’m all about, so you can decide whether I’m weird or normal enough for you — a kind of very loose manifesto, rushed and unrevised, full of raw uncut emotion that I don’t like to be evident in my writing as lately I prefer a more professional, formal style, so we can consider this a rough draft of the more polished writing to come when I have extra time. I might return to this text later and clean it up or break it into separate parts. Right now it’s a long-winded hot mess, so if you manage to make any sense of it, BIG PROPS TO YOU. lol …and if you manage to read it ALL, you have my solemn respect!!! in a day when reading has been reduced to just catchy headliners and short captions of images once in a while. The consequence of this one-liner internet culture is non-linear, tunnel thinking, which is baaaaaad.
There lives among us a most enigmatic and charismatic creature named Paul Jaisini who led me into the wonderful world of art, not personally, but through descriptions of his artworks in essays written and published online by his friend, which painted the most fascinating images in my mind. Early on as a kiddo, I experimented with photography, simple point and shoot whatever looked attractive to me. Digital manipulation of my photographs with computer software followed… and somehow I learned useful drawing techniques along the way to combine existing elements with nonexistent ones, which allowed me to elevate the context for my ideas. Later, I started creating my own digital art from scratch for my friends and family as a favorite pastime. They would shower me with praise and repeatedly encouraged me to share my “different” vision with the rest of the world… it took a while and wasn’t easy to overcome the insecurity of not being good enough along with a gripping fear of being harshly criticized, but one day I woman-ed up and started publishing my work on the web, reminding myself that my livelihood didn’t depend on a positive reception.
Paul Jaisini’s role in all this has been to not disgrace myself, even if what I do is just a hobby. And I would never do him and other genius artists the disservice of calling myself a professional because I know I’ll never be as good as any of the GIANTS of pre-modern history. Be the best or be nothing, no middle ground.
People’s jealousy in the past, future and present over my obsessive love of Paul Jaisini, which they are well aware is purely plutonic, has caused them to despise the man and has made many relationships/friendships impossible for me. I refuse to have such people in my life because by harboring any negativity towards Paul, they unknowingly feel that way about me and express it to me. It’s their own problem for not realizing this. Paul’s new art movement, Gleitzeit, shaped me into the allegedly awesome girl I am today, giving my art more edge, more “sexy” because it refined my vision of the world and propelled me to attain the skills necessary to not dishonor my family name through tenacious pursuit of perfection. Since the beginning of my life, I attempted to depict what I saw in visual, musical and literal forms, but continuously failed without adequate training and determination. Paul Jaisini’s Gleitzeit was the answer to my prayers. Who I am today I owe mostly to him and his selfless ideals of the artverse that I’ve given unconditional loyalty to (he has this cool ability for hyper-vision to see whole universes, not itty bitty worlds, hence I call it an artverse instead of art world, with him in mind). So again, anyone who hates Paul Jaisini hates ME because, regardless of what he means to you, he is the most important person in my life for making me ME. The way a famous actor, dancer or singer inspires others to act, dance or sing, Paul inspired me to become a better artist, better writer, better everything. More people would understand if he was a household name because they’re wired to in society. But we’re inspiring each other all the time in our own little communities without being famous, so if someone has the ability to change even ONE person’s life immensely with creativity, it is a massive achievement. And passionate folks like myself are compelled to scream it from the cyber rooftops. So here I am. It’s whatever.
Furthermore, I’d like to address here a few pressing matters in light of some recent drama brought on by both strangers and former friends. To start, I never judge the passions, interests or likes of others, which are often in my face all over the place, so likewise they have no right to judge any of mine. It is quite unfortunate and frustrating how very little understanding and education the majority of people have or want to have. Their logic is as primitive as a chipmunk when it comes to promotion of fine art on the web: “spamming, advertising, report!” It’s their own problem that they fail to understand what it’s about due to the distorted lens through which they see the world or inability to think for themselves; an inherent lack of perception or inquisitiveness. Well, guess what? Every single image, every animation, every video, every post dedicated to Mr. Paul Jaisini and “Gleitziet” (to elaborate: a revolutionary new art movement Paul founded with his partner in crime and personal friend, EYKG, who discovered him and believed in him more than anyone) has an important purpose. Every one of those things you run across is a piece of a puzzle, a move in a game, an inch down a rabbit hole; the deeper you go, the more interesting it gets; the more levels you pass, the more clues unfold, the greater the suspense and nearer the conclusion (yet further). You earn awesome rewards like enlightenment, spiritual revelations, truths, knowledge, wisdom and the most profound reward of all: the drive to improve yourself to the absolute maximum, so an unending, unshakable drive. People often make a wrong turn in this cyber game and go back a few levels or get stuck. Those that keep on pushing, however, will come to find the effort has been worth it. And what awaits you in the end of it all? The greatest challenge to beating the game: YOUR OWN MIND. You will be forced to let go of every belief you held before you had reached the last level, to completely alter your mindset and perception of the world, of life, of yourself. But by the time you’ve gotten to that point, it will be as easy as falling off a cliff! (It is a kind of suicide after all — death and rebirth of spirit.)
Paul Jaisini does NOT, *I repeat* does NOT use mystery and obscurity to his advantage as a clever marketing ploy, no, he’s too next level for that with a consciousness so rich, he should wear a radioactive warning sign (he’ll melt your brain, best wear a tinfoil hat in his presence as I certainly would.) The statement he makes is loud and clear, hidden in plain site for those who take the time to connect the dots and have enough curiosity to fuel their journey into unknown territory (an open mind and flexible perception helps a lot). Actually, anyone with an IQ above 90 is sure to figure it out sooner or later. Hint: You don’t have to SEE an extraordinary thing with your eyes to know it exists, to understand it and realize its greatness — you can only feel it in your bone marrow, your spinal fluid, your heart and soul. The moment you do figure it out, as the skeleton key of the human soul, it will unlock the greatness and massive potential buried deep within, changing the doomed direction humanity is undoubtedly headed. I don’t speak in riddles, I speak in a clear direct way that intelligent humans will understand, so I’m counting on them.
GIG is an international group of artists and writers that support Paul Jaisini’s Gleitzeit. We started off as an unofficial fan club of Jaisini in 1996, comprised of only 6 individuals spanning 3 countries, and eventually escalated in status to an official fan group across the entire globe. A decade later it had grown to hundreds of fans. Nearly another decade later, there are thousands. Let’s not leave out another delightful group of vicious haters that have been around for nearly as long as us since the late 90s and have also grown in impressive numbers. Now, for the record (and please write this one down because I’m sick of repeating myself), Paul Jaisini himself is not part of our group and has nothing to do with us. He loves and hates us equally for butchering his name and making him appear as a narcissistic nut-job in his own words. He casts hexes on us for the blinding flash we layer over the art that members contribute to GIG — “disgusting-police-lights, seizure-inducing-laser-lightshow, bourgeois-myspace-effects retarded-raver shit” in Paul’s words. Ahh, how we love his sweet-talking us. In a desperate attempt to please him, those among us who make the art and animations have spent countless hours and sleepless nights trying to solve a crazy-complex quantum-physics type of equation = how to not create tacky or tasteless content. He does fancy some of it now, we got better, that’s something! In the reason stated below, our mission just got out of hand at some point.
What little is known about Paul Jaisini, even in all this time, is he’s a horrible perfectionist who slaughtered hundreds of innocent babies — I mean — artworks of remarkable beauty created by his own right hand (mostly paintings, some watercolors and drawings). He’s a fierce recluse who wants nothing to do with anyone or anything in life. But those few of us who know of an incredible talent he possesses (one could go as far as calling it a superpower), could not allow him to live his life without the recognition he FUCKING DESERVES more than any artist out there living today and, arguably, yesterday. We use whatever means necessary to reach more people, lots of flash and razzle-dazzle to lure them into our sinister trap of a higher awareness. Mwahaha! The visual boom you’ve witnessed in both cyber and real worlds, that is GIG’s doing — two damn decades of spreading an art virus — IVA. InVisibleArtitis… or a drug as in Intravenous Art. It’s whatever you want it to be, honey.
Our Gleitzeit International Group (GIG) started off innocently enough and gradually spiraled out of control to fight the haters, annoying the hell out of them as much as humanly possible. They don’t like what we do? WE DO MORE AND MORE OF IT. But never without purpose, without a carefully executed plan in mind collectively. If we have to tolerate an endless tidal wave of everyone’s vomit — e.g., idiotic memes and comics; dumbed-down one-liner quotes; selfies; so-called “art photography” passed through one-click app filters; mindless scribbles or random splatters by regular folks who have the nerve to call themselves serious/pro artists; primitive images of pets, babies, landscapes, random objects, etc… then people sure as shit are gonna tolerate what we put out, our animated and non-animated visual art designed for our beloved master, Paul Jaisini, who has shown us the light, the right path to follow, taught us great things and done so much for us — and so in our appreciation of him, we stamp his name on everything, for the sacrifices he has made in the name of art, to save our art verse, he’s a goddamn hero. There’s a book being written in his dedication where little will be left to the imagination about him.
If Paul Jaisini was as famous as Koons or Hirst, for example, people would know it’s not him posting stuff online with his name on it but fans creating fanart like myself among others. But noooooo, such a thing is unfathomable to most people - the promotion of another artist. Like, what’s in it for us? Uhh, nothing?? This is all NON-PROFIT bitches, the way art should be. It’s a passion FIRST, a commodity/commercial product/marketable item LAST and least. Its been that way for us since the early 90s to this day. Not a single member of GIG has sold an art work (neither has Paul Jaisini who’s a true professional) and we want to keep it that way. We do it for reasons far beyond ego. So advertising? Really? How the hell do you advertise or sell thin air, you know, invisible paintings, invisible anything? Ha ha, very funny indeed. The idea here is so simple, your neighbor’s dog can grasp it. Our motives: replace fast food for the mind with fine art, actual fine art. You know, creativity? Conscious thought? Talent? Skill? Knowledge? All that good stuff rolled into one to bring viewers more than a momentary ooohand aaahh reaction. Replace the recycled images ad nauseum; repetitious, worn-out ideas; disposable, gimmicky, money-driven fast art for simpletons. Stick with the highest of ideals and save the whole bloody planet.
Fine art is often confused with craft-making. This often creates bad blood between classically trained artists who put out paintings that leave a lasting impression, that make strong conversation pieces, that are thought-provoking and deep… and trained craftspeople whose skills are adequate to create decorative pieces for homely environments — landscapes, still lifes, animals, pretty fairies, common things of fantasy, and other simplicity. Skills alone are not enough for high art, you need a vision, a purpose, the ability to tell a story with every stroke of your brush that will both fascinate and terrify the viewers, arousing powerful emotions, illuminating. I have yet to see a visible painting in my generation that does anything at all for me, other than evoke sheer outrage and disgust. What a terrible waste of space and valuable resources it all is.
Paul Jaisini leads, we follow. He wishes to remain unknown - so do most of us. I’m next in line, slipping into recluse mode, no longer wanting to attach my face, my human image to my art stuff. I wish to be a nameless, faceless artist as well, invisible like P.J., and in his footsteps I too have destroyed thousands of my own artistic photography and digital art made with tedious, labor-intensive handwork. The whole point of this destruction is achieving the finest results possible by letting go of the imperfect, purging it on a regular basis, to make way for the perfect. I love what I do so it doesn’t matter, I know I’ll keep producing as much as I’m discarding, keeping the balance. Hoarding is an enemy of progress, especially the digital kind as there’s absolutely no limit to it. It’s like carrying a load of bricks on your back you’ll never use or need.
The watering down of creativity that digital pack ratting has caused as observed over the years is most tragic. For the creative individual, relying on terabytes of stock photos or OSFAP as I call them (Once Size Fits All Photos) instead of making your own as you used to when you had no choice, being 100% original, is a splinter in the conscience. It’s not evil to use stock of, say, things you don’t have access to (outer space, deep sea, Antarctica, etc.), but many digital artists I know today can’t take their own shot of a pencil ‘cause they “ain’t got no time for that!” How did they have time before? Did time get so compressed in only a decade?
Ohhhhh, and the edits, textures, filters, plug-ins and what-have-you available out there to everyone and their cats… are responsible for the tidal wave of rubbish that eclipses the magnificent light of the real talents.
I can tell you with utmost sincerity there is no better feeling on earth than knowing your creation is ALL yours, every pixel and dot, from the first to the last. It’s not always possible to make it so, but definitely the most rewarding endeavor. I’m most proud of myself when I can accomplish that.
Back to Paul Jaisini, from the start there have been a number of theories floating around on what his real story is. One of my own theories is that he stands for the unknowns of the world who can’t get representation, can’t get exhibited at a decent gallery because highly gifted/trained artists aren’t good enough - those kind of establishments prefer bananas, balloon dogs, feces, gigantic dicks/cunts, and all kinds of what-the-fucks…
So again, you don’t get the Paul Jaisini thing? That’s your problem. Don’t hate others for getting it. People are good, very good, at making baseless assumptions and impulsively spewing it as truth. They criticize and judge as if they’re high authorities on the subject yet they clearly lack education in fine art or art history and possess little to no talent or skill to back up their bullshit. My little “credibility radar” never fails. When they say I know this or I know that, I reply don’t say “I know” or state things as fact as a general rule of thumb - instead say “I assume/believe” and state the reasons you feel thus to appear less immature, especially about a controversial topic like invisible art. I have zero respect or tolerance for egomaniacs who think they know it all and act accordingly like arrogant pricks. Who can stand those, right? Once again, a good example would be: I, Stelly Riesling, believe everything I’ve written in this little manifesto to be correct based on personal experience and observation from multiple angles, thorough research and sufficient data collected from verifiable sources (and don’t go copying-pasting my own words back at me, be original). Just because you or I say so doesn’t make it so. Just because you or me think or believe so doesn’t make it true or right. I only ask that my opinions are regarded respectfully and whoever opposes them does so in a mature, civilized manner. We should only be entitled to opinions that don’t bring out the worst in us.
I don’t normally take such a position, but the time has come to stand up for what I believe in! It’s quite amusing and comical how haters think calling me names, attacking me or my interests or members of the project I’m part of for years is going to change something. It only makes more evident the importance of what I’m doing so I push on harder still.
Words of advise to those who can identify with me, with my frustrations over people’s reluctance to change their miserable ways, with our declining art world…
DON’T waste time on people who sweat the small stuff, whose actions are consistently inconsistent with their words. DO waste time on people who always keep their eye on the ball—the bigger picture of life.
Paul Jaisini’s invisible paintings are more than hype, more than your lame assumptions. Here’s one I got that’s pure gold: a cult! It started out as A JOKE OF MINE that was used against me. I told a then-good friend that he should come join our little “art cult” in a clearly lighthearted manner, and later he takes this idea I put in his head first and accuses me of being in an (imaginary) cult—the jokes on me eh?. But wait, aren’t cults religious? Our group consists of people around the world of different faiths (or none at all) so how could that ever work? If religion was about making fine (non-pop) art mainstream and bringing awesome, fresh, futuristic concepts to the collective consciousness, the world would not be so fucked up today because talent, creativity, originality and individuality would be the main focus, not superficial poppycock; those things would be praised and encouraged and supported in society by all institutions, not demonized and stigmatized.
Here is one thing I CAN state as solid fact: only one person close to Paul Jaisini knows the TRUE story, or at least some of it: EYKG. Everything else that has ever been said about him is myth, legend, gossip, speculation, the worst of which is said by jealous non-artists (wannabes, clones, posers, hang-ons, unoriginal ppl in general) and anti-artists (religious psychos, squares, losers and -duh- stupid ppl). Sadly, people are unable to see the bigger picture by letting their egos run their lives or repeating after others as parrots.
Commercial art, consumerism, and ignorance of the masses truly makes me want to curl up in a ball, not eat or drink or move until I die, just die in my sleep while dreaming of a better world, a world where real fine artists rule it with real fine art as they used to and life is beautiful once again….
Well I hope that settled THAT for now, or perhaps inadvertently made matters worse. I hope I didn’t sound too pissed from all these issues that keep popping up like penises on ChatRoulette… just got to me already! Can you tell? I had to put my foot down, stomp ‘em all!
To be continued, still lots more ignorance and pettiness to battle… Till then peace out my bambini. MWAH!
FOR IMMEDIATE RELEASE
MANIFESTO GLEITZEIT 2015
PROLOGUE
Paul Jaisini was like a messiah, as you wish, who saw/understood the impending end and complete degeneration of Fine art or Art become and investment nothing more than that. He predicted the bubble pops art when everybody would eventually become an artist, including dogs cats and horses, because they as kids followed the main rule: express yourself without skills or knowledge or any aesthetic concerns. J. Pollack started pouring paints onto canvases; Julian Schnabel, former cab driver from NY, suddenly decided he could do better than what he saw displayed in galleries, so he started gluing dishes on canvases; A.Warhol, an industrial artist who made commercial silk-screen for the factories he worked in, started to exhibit "Campbell's soup" used for commercial adds... and later the thing that made him an "American Idol": by copying and pasting Hollywood celebrities (same type of posters he made before for movie theaters).
When Paul Jaisini stood out against the Me culture in the US by burning all of his own 120 brilliant paintings (according to the then-new director of Fort Worth MoMa Museum, who offered hin an exhibition of his art in 1992, and later the Metropolitan Museum curator, Phillippe de Montebello, in 1994).Paul probably assumed all fellow true fine artists would join him or stand by him against corruption of the art world.
And after 20 years of his stand-off...the time has finally come today. Many artists and humanitarians around the world took a place beside him. His invisible Paintings became a synonym for the future reincarnation of fine art and long lost harmony. The establishment is in panic! The "moneybags" (as Paul Jaisini named them) are in panic, because they invested BILLIONS of dollars in real crap made by
craftsmen. Now they realize that the reputation of American legends of expressionism was nothing but a copy of Russian avant-garde" Kazimir Malevich, Vasiliy Kandinsky and tens of others from France and Germany.. US tycoon investors were spending billions on "Me more original, than you". "Artist Shit" is a 1061 artwork by the Italian artist Piero Manzoni. The work consists of 90 tin cans, filled with feces. A tin can was sold for £124,000, 180,000 at Sothebys, 2007.
EPILOGUE
Before I resume promoting and admiring a very important art persona on today's international art arena, I'd like to clear up some BIG questions; people ask continuously and subconsciously, directly & indirectly: "Why does the name Paul Jaisini, flood the Internet in such "obnoxious" quantities that it's started suppressing some other activities that my friends might share with the rest of the Internet's Ego Me only Me www society? I can't just answer this... so I'll try to explain why I'm writing this: Jaisini's followers keep posting art and info about,
He IMHO the only hope in quickly decomposing visual fine art. "Paul Jaisini realized many years ago, in 1994, when he declared (at that time to himself only) the start of a New era, a New vision, that he is trying to redirect from the rat race, started by an establishment in post-war New York, long before the Internet culture.
Sub related information: Adolf Gottlieb, Mart Rothko, etc (after visiting Paris France in 1933):
"We must forget analytical art, we must express ourselves, as a 5 year old child would, without a developed consciousness. Forget about results - do what you feel, EXPRESS yourself with your own unique style"
With this statement Mark Rothko starts to teach his students, degeneration of fine art begins, and the generation of war of styles took a start signal of the material race, greatly rewarded by establishment "individual" - eccentric craftsmen - show business clowns.
Sub related Information: In the summer of 1936, Adolf Gottlieb painted more than 800 paintings, which was 20X more than he created in his whole art career as a painter, starting from the time of Gottlieb becomes a founding member of "The Ten" group in NYC "Group of Ten" was a very peculiar, enigmatic group... Based on a religious point of view;(where a human figure was prohibited from being created)
GLOSSARY
IN 1997, Paul Jaisini's best friend Ellen Y.K.Gottlieb started a cyber campaign by promoting on a very young Internet, back then, Paul Jaisini's burned paintings as Invisible Paintings, visible only through poetic essays. She and a handful of people saw his originals and were devastated that nobody could ever see them again. "We, his fans, believe that someday Paul will recreate his 120 burned paintings if he has any decency and moral obligation to his fans, who have dedicated decades to make it happen, for their Phoenix to rise from the ashes and the whole world will witness that all these years we spent to get him back to re-paint the Visuals again were not in vain," - said E.Y.K.Gottlieb in 2014 during the 20th anniversary celebration of Invisible Paintings to GIGroup in NYCity. So now, hopefully, this clears up why I and others do what we do - our "cyber terrorism" of good art, dedicated to Paul Jaisini's return, which is & and was our mission & our goal. We post good art to fight "troll art" which is worthless pics, after being passed through 1-click filters of free web apps. We are, in fact, against this www pops pollution, done with "bubble art" by the out of control masses with 5 billon pics a day: Pics of cats, memes, quotes,national geographic sunsets and waterfalls, not counting their own daily "selfies: and whatever self-indulging Me-ego-Me affairs, sponsored happily by photo gadget companies like Canon, Nikon, Sony...who churn out higher quality madness tools at lower cost.
This way Government taking away attention from the real world crisis of lowest morality & economical devastation. The masses are too easily re-engineered/manipulated by the Establishment PopsStyle delivered to them by pop music and Hollywood "super" stars. In 1992 Paul Jaisini's Gleitzeit theory predict such a massive, pops self-entertain madness, following technologicalexplosion, but not in illusive scales.
Uber Aless @2015 NYC USA
NOTE Date's numbers and events can be slightly inaccurate.
#gleitzeit #paul-jaisini #invisible #painting #art #futurism #art-news,
"Hudson’s Bay Is Said to Consider Buying Gilt for $250 Million" by MICHAEL J. de la MERCED and HIROKO TABUCHI via … t.co/xQXFZHhKO8 (via Twitter twitter.com/felipemassone/status/676601045150212098)
Please consider leaving a comment if you fave, it is lovely to hear from you! xx
A set of mirror shots, in my favourite pink dress. The hotel room had this fantastic mirror, just great for taking pictures!
I am really happy with how these came out. I coudn't decide which of them was the best, so I ended up keeping three!
El Patio de Armas es de dimensiones considerables, sirve de comunicación entre las distintas dependencias y torres, y bajo él existen diversas estancias sin ventilación.
El Castillo de Santa Catalina es una construcción defensiva medieval de origen cristiano que ejerció un papel clave en las contiendas entre musulmanes y cristianos, y especial protagonismo en la Guerra de la Independencia. Está situado sobre una peña desde la que se divisa la ciudad de Jaén, los olivares y las montañas y pueblos circundantes, y en la que los íberos construyeron elementos defensivos y los cartagineses una importante fortaleza. En época islámica (a partir del siglo VIII) se restauró el recinto fortificado y se construyó la fortaleza Abrehui que fue sucesivamente ampliada con otras dos, alcanzando su máximo tamaño entre los siglos XII y XIII. Tras la reconquista por Fernando III el Santo en 1246 se levantó una fortaleza cristiana sobre la primera, y en el siglo XV, en tiempos de Fernando III, se realizaron reformas impulsadas por el Condestable de Castilla Don Miguel Lucas de Iranzo, aunque fueron Alfonso X y Fernando IV los reyes que intensificaron y culminaron las obras. En el siglo XIX las tropas napoleónicas realizaron importantes reformas, y a su salida considerables destrozos con voladuras para que no sirviera a las tropas españolas. En el siglo XX se declaró Monumento Histórico Artístico, se iniciaron obras de restauración, y se construyó un Parador de Turismo sobre las ruinas de las otras dos fortificaciones.
Más fotografías en el álbum Castillo de Santa Catalina
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These very colorful lilies are growing in our front yard. Without a lot of attention, they have thrived and multiplied. They make for a very colorful summer surprise.
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La catedral del Salvador de Santo Domingo de la Calzada está situada en la Ciudad de Santo Domingo de la Calzada, en la Comunidad Aútonoma de La Rioja, (España). Es considerada como un Bien de Interés Cultural y fue declarada Monumento histórico-artístico perteneciente al Tesoro Artístico Nacional mediante decreto de 3 de junio de 1931
La peregrinación a Compostela
La Catedral de Santo Domingo de la Calzada es una de la paradas obligatorias para todo aquel peregrino que viaja hacia Santiago de Compostela a través del Camino de Santiago Francés.
La primitiva iglesia románica fue construida, bajo la advocación del Salvador y Santa María, a la que Alfonso VI, realizó la donación de un terreno, para su construcción en 1098.
Fue consagrada en 1106 por el obispo Don Pedro Nazar, convirtiéndose en Colegiata hacia 1158 y Catedral después de 1232, siendo desde entonces sede del obispo de Calahorra-La Calzada.
La construcción de la iglesia actual, comenzó en 1158, conservando gran parte de la antigua, estos trabajos fueron dirigidos por el maestro Garçion. En el siglo XVI, la parte derecha del transepto, fue elevada para realizar la tumba de Santo Domingo.
Está construida como una iglesia de peregrinaje, ya que se encuentra en el camino francés a Santiago de Compostela, con un característico deambulatorio, tras el altar mayor, que permite la circulación dentro de la catedral.
Planta
El edificio presenta planta de cruz latina dividida en tres amplias naves las que presentan capillas adosadas que, después de un crucero que se encuentra marcado en planta y alzado, dan en una capilla mayor que dispone, como es propio en los templos de peregrinación, de una girola o deambulatorio rodeada, al tiempo, por diferentes capillas radiales y, la destacada absdiola central. Por su parte, el claustro se abre al lado septentrional donde se anexiona al resto del templo
El edificio que se contempla ahora como concatedral de Santo Domingo de la Calzada es, realmente, una amalgama de diferentes estilos que van desde el románico de su cabecera, hasta el barroco de su genuino campanario exento; pasando por su cuerpo de naves, que se puede clasificar como plenamente gótico ya todo esto hay que añadir las diferentes reformas y ampliaciones que sufrió durante toda la Edad Moderna como consecuencia restauraciones, derrumbes o, simplemente, por los cambios que cada obispo iba hecho para adecuar la sede a los gustos y modas propias de cada momento histórico.
Se realizaron diversas modificaciones a la planta original, añadiéndose:
en los siglos XIII y XIV: las naves, defensas y pórtico de la fachada Oeste;
en los siglos XV y XVI: las capillas del ábside, de la Inmaculada y las dos en los tramos 2 y 3 de la fachada Sur;
en el siglo XVII el baptisterio del tramo de los pies;
en el siglo XVIII, la portada Sur;
la Torre, original del siglo XII, fue reconstruida en los siglos XV y XVIII; esta última en la ubicación actual.
El exterior
No quedan restos de la primitiva iglesia que se construyó en tiempos de Santo Domingo, de hecho, tan sólo medio siglo después de su consagración y bajo la dirección del Maestro Garçión, se iniciarían las obras de un edificio mucho más ambicioso, que finalmente fue muy simplificado aunque su finalización no se produjo hasta entrados los siglos XIII y XIV. se debe observar, como único vestigio del primer proyecto del ábside románico, con unos bellos canecillos . También cabe destacar externamente sus ventanas vidriadas, la torre de estilo barroco y sus dos portadas.
Portada sur
La portada sur o de Santo Domingo, con un gran arco de medio punto, que protege unas hornacinas con las estatuas de los patronos de la diócesis, Santo Domingo, San Celedonio y San Emeterio) y unos óculos circulares. Fue construida entre 1761 y 1765.
Portada occidental
Es una portada transición románico - gótica, de finales del siglo XIII, compuesta por siete arquivoltas lisas que, no presentan capitel, y que se proyectan casi a ras del suelo, directamente sobre las bases. Más tarde por sobre la puerta se construyó una hornacina para colocar en su interior un grupo escultórico, que actualmente está muy deteriorado, que representa a Cristo entregando las llaves a San Pedro.
Ábside
El proyecto original presentaba tres ábsides separados por lienzos intermedios de la girola. Finalmente solo se hizo el ábside central en el que se pueden observar dos contrafuertes exteriores, que están en consonancia con los otros que segmentan exteriormente la girola. De esta manera se tiene una sensación de pesadez, lo que hizo que se primara los excesos garantizados por la estabilidad de la fábrica.
Torre
La catedral tuvo a lo largo de su historia, tres torres. La primitiva románica fue destruida por un incendio en 1450, la segunda gótica, tuvo que ser desmontada al amenazar ruina y la tercera barroca, la que actualmente existe.
Es unos de los pocos ejemplos en España, de torre exenta (torre separada del cuerpo principal de la catedral), es obra del arquitecto Martín de Beratúa bajo el patrocinio del obispo Andrés Porras y Temas en 1762. Es de estilo barroco y, con sus 70 metros de altura y una base de 9 metros, es la torre más alta de La Rioja.
Cuentan las leyendas del lugar, que el motivo de la separación de la torre del cuerpo de la catedral se debe a que se encontraron terrenos arenosos que impedían hacer cimientos firmes. Al final se contó con una excelente ubicación, la actual, en la que para asegurar los cimientos se añadieron cuernos de ciervos y vacas del lugar.
El templo presenta tres naves, una central y dos laterales, que se comunican por detrás del altar, en la cabecera de la planta, dan lugar a una girola. En la nave lateral añaden más tarde, entre el siglo XV y XVI dos capillas laterales (Capilla de Hermosilla, donde se encuentra la conocida "Tabla de los Milagros", y la Capilla de San Juan Bautista o de Santa Teresa); así como otra capilla (fechada el siglo XVII) que hará de baptisterio, el ubicarse en ella la pila bautismal.
Como la planta es de cruz latina existe crucero y en el altar mayor se dispone en el lateral izquierdo del crucero, al igual que el retablo obra de Damián Forment, mirando a la puerta sur de la concatedral y junto al crucero donde se instala el acceso a la cripta del Santo y el gallinero.
El espacio está además dividido en crujías y la girola. Las diversas naves y capillas se cubren con bóvedas de crucería
El retablo
Retablo mayor
El escultor del renacimiento, Damián Forment, dejó en la catedral una de sus más grandiosas obras, la del retablo mayor, actualmente en el crucero norte de la Catedral. En la parte inferior, anomanada zócalo, se encuentran las únicas trazas de alabastro, pero gran parte de su obra lo realizó en alabastro (retablo del Pilar de Zaragoza, retablo del Monasterio de Poblet). De nueve metros de ancho y trece de alto, aunque murió en 1540, dejó prácticamente terminada la obra. La policromía es obra de Andrés de Melgar. Destaca la presencia de temas mitológicos: tritones, sátiros, nereidas y centauros.
Tras la reciente reforma del suelo de la Catedral (2009) se instala junto al retablo una pantalla táctil interactiva que permite al visitante ver con detalle cualquier elemento del retablo gracias a una fotografía de gran definición. También se instala un sistema de proyección audiovisual sobre el propio retablo que muestra la historia de su construcción narrada por el propio Damián Forment.
El gallineroConstruido hacia 1460, es una obra gótica en piedra policromada que alberga una pareja peculiar: un gallo y una gallina blancos.
Se sitúa en el brazo derecho del transepto, en el lado de la Epístola (sur), enfrente de la tumba de Santo Domingo de la Calzada. Es el testimonio vivo y permanente de la ayuda que da el Santo a los peregrinos. Recuerda el célebre milagro que propagó el nombre de Santo Domingo de la Calzada por todos los caminos del peregrinaje mediante el famoso dicho: «Santo Domingo de la Calzada, donde cantó la gallina después de asada.»
Existe un documento en el archivo de la catedral, fechado el 6 de octubre de 1350, que atestigua la existencia de las gallináceas. Es una bula del papa de Aviñón, Clemente VI en la que se establecen indulgencias para los fieles que ayudaran al culto de la catedral, que asistieran a los oficios divinos o que «mirasen al gallo y a la gallina que hay en la iglesia».
Las dos aves son reemplazadas mensualmente, tarea que llevan a cabo los voluntarios de la cofradía de Santo Domingo.
Claustro
El actual claustro es fruto de una reforma realizada en 1340 por el obispo Juan del Pino. De fábrica de piedra y ladrillo, está cubierto con bóvedas de crucería, ocho por cada crujía o galería. No acabaron aquí las modificaciones que sufrió el claustro, sino que entre los siglos XV y XVI se fueron añadiendo a sus muros y entre los vanos una serie de capillas que prácticamente cerraron el patio. Debido a su escaso valor artístico se eliminaron prácticamente todas cuando se realizó la restauración del mismo entre 1984 y 1987. En la galería oriental se abre la sala capitular, que fue construida bajo el mandato del obispo del Pino y reformada en el de Pedro González de Mendoza, en la segunda mitad del siglo XV. Es en ese momento cuando se cubre con un alfarje mudéjar decorado con motivos vegetales y las armas del patrocinador. La techumbre fue descubierta durante la restauración llevada a cabo en 1992, oculta por unas bovedillas de yeso y un cielo raso. Actualmente el claustro acoge la exposición de la Catedral.
Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483-Roma, 6 de abril de 1520), también conocido como Rafael de Urbino o simplemente como Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerada una de sus obras cumbre.456 Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.
Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplía 37 años. Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores, y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por ayudantes.
Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael fueron consideradas de nuevo como un modelo superior.
Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.
Nació en Urbino —una pequeña ciudad de la Italia central—, en la región de Marcas, localidad pequeña, pero importante desde el punto de vista artístico, donde su padre Giovanni Santi era pintor de la corte del duque. En la pequeña corte de Urbino, Giovanni fue integrado en el círculo íntimo de la familia en un grado superior al que era habitual en otras cortes italianas, bajo un gobierno con un importante centro de cultura literaria y artística.
Crecer en el seno de esta pequeña corte le dio a Rafael la oportunidad de aprender las maneras pulidas y las habilidades sociales tan alabadas en él por Vasari.La vida cortesana de Urbino en esta época sería poco después considerada por Baldassare Castiglione, (en su obra El Cortesano en 1528), como modelo de virtudes de una corte humanista italiana. Castiglione se instaló en Urbino en el año 1504, cuando Rafael ya no residía en ella; sin embargo, la visitaba muy a menudo, lo que dio como resultado una extensa amistad. Otros visitantes habituales de la corte también se convirtieron en sus amigos: Pietro Bibbiena y Pietro Bembo, nombrados ambos cardenales más tarde, eran conocidos entonces como buenos escritores y vivieron en Roma al mismo tiempo que Rafael.
Se movió con comodidad en las altas esferas sociales durante toda su vida, lo que ha sido uno de los factores que han contribuido a dar una falsa impresión de una carrera artística fácil. Sin embargo, no recibió una completa educación humanística, por lo tanto no se sabe con claridad si leía fácilmente en latín.
Biografía Primeros años (1483-1504)
Los desposorios de la Virgen de Rafael Sanzio, en la Pinacoteca de Brera en Milán. En esta obra, se puede apreciar la influencia de Perugino en la manera de pintar del joven.
Su madre, Magia di Battista di Nicola Ciarla, murió en 1491, y el 1 de agosto de 1494, Giovanni Santi, su padre, volvió a casarse. Con tan solo 11 años, quedó huérfano y bajo la custodia legal de su tío Bartolomeo, sacerdote, que inició un litigio con la madrastra del chico. Sin embargo, Rafael continuó viviendo con ella cuando no acudía a su aprendizaje con un maestro. Aun así, ya había dado muestra de su talento, según Giorgio Vasari, quien cuenta que había sido "una gran ayuda para su padre".1617 Un brillante autorretrato de su adolescencia muestra su precoz talento. El taller de su padre continuó y, probablemente en compañía de su madrastra, jugó un relevante papel en su gestión desde su juventud. En Urbino tuvo la oportunidad de conocer la obra de Paolo Uccello, el precedente pintor de la corte († 1475), y de Luca Signorelli, quien hasta el año 1498 residió y trabajó en la próxima Città di Castello.
Según Vasari, su padre lo colocó en el taller del maestro de Umbria Pietro Perugino como aprendiz, «a pesar de las lágrimas de su madre». La evidencia de un periodo de aprendizaje viene solo de Vasari y de otra fuente, y ha sido discutida, porque su madre murió cuando él tenía ocho años, lo que sería demasiado pronto para comenzar a formarse. Una teoría alternativa es que recibió algún adiestramiento de Timoteo Viti, un pintor de la corte de Urbino desde 1495.Pero los historiadores modernos están de acuerdo en que Rafael trabajó al menos como ayudante de Perugino desde alrededor de 1500; la influencia de Perugino en sus primeras obras es muy evidente: "probablemente ningún otro discípulo de talento había absorbido las enseñanzas de su maestro como lo hizo Rafael, aún comparándolo con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel", según Wölfflin.Vasari escribe que, en cuanto a este período, era imposible distinguir las obras de ambos artistas, pero muchos historiadores del arte modernos afirman haber detectado las partes que Rafael pintó como ayudante en obras de Perugino o de su taller. Aparte de la similitud estilística, sus técnicas eran también muy similares, por ejemplo, en la densa aplicación de la pintura, con el uso de un medio a base de barniz, en las sombras y los adornos oscuros, pero con una aplicación más ligera en las partes de carne. Sin embargo, el exceso de resina en el barniz ha causado a menudo grietas en áreas de las pinturas de ambos maestros. El taller de Perugino estaba activo tanto en Perugia como en Florencia, quizá con dos sucursales permanentes.Se considera que en 1501 Rafael era un Maestro de Pleno Derecho, completamente formado.
Su primera obra documentada fue el Retablo Baronci —aunque hay una controversia con La resurrección de Cristo que fue realizada entre los años 1499 y 1501— para la Iglesia de San Nicolás de Tolentino en Città di Castello, una ciudad a medio camino entre Perugia y Urbino. Evangelista di Pian di Meleto, quien había trabajado para su padre, compartió el encargo de la obra, que data de 1500 y fue terminada en 1501; hoy en día solo quedan algunas porciones y un boceto preparatorio. Durante los siguientes años pintó obras para otras iglesias, incluyendo la Crucifixión Mond —alrededor de 1503— y Los desposorios de la Virgen de la Pinacoteca di Brera, así como obras para Perugia, como el Retablo Oddi —La anunciación , La Adoración de los Magos y La coronación de la Virgen 1501-1503—. Probablemente visitó Florencia en esta época. Se trata de obras mayores, algunas de ellas como frescos, en las que Rafael limita la composición al estático estilo de Perugino. En estos años pintó muchas pequeñas y exquisitas pinturas de caballete, la mayor parte posiblemente para amantes de la pintura de la corte de Urbino, como Las Gracias, El sueño del caballero o San Miguel, y empezó a pintar Virgen con el Niño entronizados y santos.
En el año de 1502 fue a Siena por invitación de otro discípulo de Perugino, Pinturicchio, "al ser amigo de Rafael y conocedor de su capacidad como artista de la más elevada calidad", porque le ayudó con las obras, y muy probablemente con los dibujos, para una serie de frescos en la Biblioteca Piccolomini de la Catedral de Siena. Es evidente que en esta etapa temprana de su carrera ya era un artista solicitado.
Retrato de un joven, acaso Francesco Maria della Rovere, antaño perteneciente al Museo Czartoryski de Cracovia y actualmente desaparecido.
Rafael llevó una vida de "nómada", trabajando en distintos lugares del norte de Italia, pero pasando una buena parte de su tiempo en Florencia, quizás desde el año 1504. Así, aunque se habla de su "período florentino" entre 1504 y 1508, cabe mencionar que nunca residió ahí de forma continua. En cualquier caso, tal vez de tanto en tanto, tenía que visitar la ciudad para proveerse de materiales. Existe una carta de recomendación, fechada en octubre de 1504, de la madre del siguiente duque de Urbino al confaloniero de Florencia: "El portador de ésta es Rafael, pintor de Urbino, quien ha sido dotado para esta profesión y que ha determinado pasar algún tiempo en Florencia para continuar con sus estudios. Su padre fue muy honesto y yo lo quería mucho, y el hijo es un joven sensible y pulido; tanto por una cosa como para la otra le tengo gran afecto...".
Como anteriormente con Perugino y otros, fue capaz de asimilar la influencia del arte florentino, respetando la evolución de su propio estilo. Los frescos que hizo en Perugia alrededor de 1505 muestran una nueva calidad monumental en las figuras, que podría evidenciar la influencia de Fra Bartolomeo, de quien Vasari dice fue amigo. Pero la influencia más asombrosa en este período fue la de Leonardo da Vinci, quien volvió a la ciudad entre 1500 y 1506. Las figuras de Rafael comenzaron a tomar posiciones más complejas y dinámicas, aunque todavía los temas eran mayoritariamente "reposados". Comenzó a hacer bocetos de hombres desnudos luchando, una de sus mayores obsesiones de este período florentino. Otro dibujo es el retrato de una mujer joven, utilizando la composición piramidal en tres cuartos de la reciente Mona Lisa, pero con una apariencia completamente rafaelesca. Otra de las invenciones compositivas de Leonardo, la piramidal Sagrada Familia, se repitió en una serie de obras que se consideran entre sus más famosas pinturas de caballete. En la Royal Collection hay un dibujo de Rafael de la obra perdida de Leonardo Leda y el cisne, de la que tomó la postura en contrapposto para su Santa Catalina de Alejandría.También perfeccionó su propia versión del sfumato de Leonardo, para dar más sutileza a la representación de la carne, y desarrollar el intercambio de miradas entre los grupos, aunque mucho menos enigmáticos que los conseguidos por Leonardo. Además, supo conservar en sus obras la suave y clara luz de Perugino.
Leonardo era poco menos de una treintena de años mayor que Rafael, pero Miguel Ángel, que en esa época residía en Roma, era solo ocho años mayor. Miguel Ángel detestaba a Leonardo, y en Roma empezó a detestar a Rafael incluso más aún, atribuyendo conspiraciones contra él.32 Rafael debió conocer sus obras en Florencia, pero sus trabajos más originales de esta época apuntan en una dirección muy diferente. En su Santo Entierro sitúa, al modo clásico de los sarcófagos, todas las figuras en el frente, en un arreglo complejo y no del todo exitoso. Wöllflin detecta la influencia de la Virgen de Miguel Ángel en el Tondo Doni en la figura arrodillada de la derecha, pero el resto de la composición se aleja mucho de su estilo, o del de Leonardo. Aunque fue obra muy considerada en su época, y mucho después retirada a la fuerza de Perugia por los Borghese, se trata de una obra aislada en su producción. Su clasicismo tomaría después una dirección menos "literal".
A finales de 1508 se trasladó a Roma, donde entró al servicio del papa Julio II, probablemente gracias a la recomendación de su arquitecto Donato Bramante, quien por entonces trabajaba en la basílica de San Pedro, era natural de Urbino y tenía alguna relación con Rafael. A diferencia de Miguel Ángel, que no realizó trabajo artístico alguno durante cierto tiempo en Roma antes de recibir los primeros encargos, el joven artista recibió rápidamente el encargo de decorar al fresco la que habría de ser la biblioteca privada del pontífice en el Vaticano Era un proyecto mucho más importante y extenso que cualquiera en el que hubiera trabajado hasta ese momento, pues hasta la fecha no había pasado de hacer algún retablo en Florencia. En su equipo había otros artistas trabajando en diferentes estancias, muchos de ellos pintando sobre obras encargadas por el odiado predecesor de Julio II, el papa español Alejandro VI. El nuevo pontífice había decidido borrar cualquier vestigio del papa Borgia, hasta sus escudos de armas. Uno de ellos fue Miguel Ángel, que recibió el encargo de pintar la cúpula de la Capilla Sixtina.
La primera de las célebres stanze que comenzó a pintar, es la conocida como Stanza della Segnatura —por el uso que tenía en tiempos de Giorgio Vasari—, produjo un impacto extraordinario en el arte romano. Hoy día continúa siendo considerada la obra maestra del pintor, pues contiene La Escuela de Atenas, El Parnaso y La disputa del Sacramento, que son algunas de las obras más conocidas del pintor. Como consecuencia de este gran éxito, le fueron encargadas nuevas estancias, desplazando a otros artistas previamente contratados, como Perugino o Luca Signorelli. Concluyó tres de ellas, todas con pinturas en sus muros y, a menudo, también en los techos. Sin embargo, la inmensidad del trabajo asumido le obligó a delegar la ejecución práctica de sus detallados diseños (que siempre realizó en persona) en los miembros del numeroso taller que había formado. Eran estos artistas de sobrada capacidad, que con posterioridad a la muerte del propio Rafael, se encargarían de la decoración de la cuarta estancia, basándose en los diseños que el maestro había dejado. La muerte de Julio II (1513) no interrumpió los trabajos, pues su sucesor, el papa León X, un Medici, estableció una relación cercana con el artista, que continuó recibiendo encargos. El amigo de Rafael, el cardenal Bibbiena, era uno de los antiguos tutores del nuevo papa, y su íntimo amigo y consejero.
Es evidente que Rafael se dejó influir por los frescos del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Vasari dice que Bramante lo introdujo en dicha capilla secretamente. La bastida correspondiente a la primera sección en ser terminada fue retirada el año 1511. La reacción de los demás artistas ante la superior fuerza expresiva de Buonarroti fue la cuestión dominante en el arte italiano en las dos décadas posteriores, y Rafael, que ya había demostrado su capacidad de asimilación de influencias externas a su propio estilo, aceptó el reto tal vez con mayor intensidad que cualquier otro artista. Uno de los primeros y más claros ejemplos fue el retrato del mismo Miguel Ángel como Heráclito en La Escuela de Atenas, que parece sacado directamente de la Sibilas o los ignudi del techo de la Capilla Sixtina. Otras figuras de esta y otras obras posteriores en las estancias acusan la misma influencia, pero todavía más integradas en el estilo personal de Rafael.Buonarroti lo acusó de plagio y unos años antes de la muerte de Rafael se quejaba en una carta del siguiente tenor: «todo lo que sabe de arte lo ha aprendido de mí», aunque en otras ocasiones se mostró más generoso.
Estas enormes y complejísimas composiciones pueden ser consideradas entre las obras supremas del Renacimiento. Proporcionan una visión extremadamente idealizada de los sujetos representados, y las composiciones, aunque ya perfectamente concebidas en dibujo, parecen sufrir de sprezzatura, un término ideado por su amigo Baldassare Castiglione, que el definía como «una cierta indiferencia que impregna toda la obra y que nos hace pensar o decir que ha fluido sin ningún esfuerzo». Según Michael Levey, «Rafael les da a sus figuras una gracia y claridad sobrehumanas en un universo de certezas Euclidianas». La pintura es de la máxima calidad en las dos primeras estancias, pero las composiciones posteriores, especialmente las que contienen acción de tinte dramático, no son completamente perfectas por lo que atañe a la concepción, como tampoco en la ejecución por parte de sus ayudantes.
Otros proyectos
La Galatea, una de sus principales obras mitológicas.
Los proyectos en el Vaticano ocuparon la mayor parte de su tiempo, pero aun así pintó algunos retratos, incluyendo los de sus mecenas, los papas Julio II y León X, el primero de los cuales es considerado como uno de sus mejores retratos. Otros retratos fueron los de sus amigos, como Castiglione, o de personajes del círculo de los papas. Algunos gobernantes lo presionaron con hacer sus respectivos encargos, como a Francisco I de Francia que le fueron enviados dos pinturas como presente diplomático del papado. Para Agostino Chigi, el inmensamente rico tesorero del papa, Rafael pintó La Galatea, diseñó frescos decorativos para su Villa Farnesina y pintó dos capillas en las iglesias de Santa Maria della Pace y Santa Maria del Popolo. También diseñó parte de la decoración de la Villa Madama, sin embargo, la obra de ambas villas fue realizada por su taller.
Uno de los encargos papales más importantes fue la serie de los Cartones de Rafael (actualmente en el Victoria and Albert Museum), una serie de 10 cartones para tapices, de los cuales han sobrevivido 7, y que representan escenas de las vidas de San Pablo y San Pedro, hechas para la Capilla Sixtina. Los cartones fueron enviados a Bruselas para ser tejidos en el taller de Pieter van Aelst el Viejo (padre del luego famoso pintor Pieter Coecke). Es posible que Rafael viera la serie completa terminada antes de su muerte. Probablemente fueron terminados en 1520. También diseñó y pintó las Logias vaticanas, una galería larga y estrecha entonces abierta a un patio a un lado y decorada en el estilo grotesco típico de Roma. Pintó también ciertos retablos importantes, como por ejemplo el Éxtasis de Santa Cecilia y la Madonna Sixtina. Su última obra, en la que estuvo trabajando hasta la muerte, fue La Transfiguración, que en compañía de El Pasmo de Sicilia muestra la dirección que había tomado su arte en las postrimerías de su vida: un estilo más proto-barroco que manierista.n.
El cardenal Bernardo Dovizi di Bibbiena obtuvo del papa León X, a cambio del apoyo concedido para su elección, la autorización para reestructurar su apartamento en el interior de los palacios Vaticanos. Culto humanista y literato, de gustos refinados, el cardenal deseaba que su apartamento estuviese a la altura de la tradición romana y encargó el proyecto a Rafael. Corría el año 1516; Rafael, con sus ayudantes se ocupó del conjunto decorativo, inspirándose en la Villa de Adriano en Tívoli y en la Domus Aurea, alcanzando resultados de gran refinamiento y elegancia en el entrelazamiento de motivos clásicos y elementos ornamentales de gusto antiguo, que constituirán durante tiempo un imitado motivo decorativo. Igual decoración desarrolló en las Logias vaticanas (1519). La estructura del conjunto refleja la cultura y el gusto de Rafael; la ejecución es de sus alumnos: Giovanni da Udine, G. Romano y G. F. Penni.
Retrato de Andrea Navagero y Agostino Beazzano o Retrato Doble, obra hecha por Rafael Sanzio durante su periodo romano. El retrato parece haber sido hecho en abril de 1516 estando los dos humanistas retratados en Roma, poco antes de que Andrea Navagero regresara a Venecia con motivo de su nombramiento como bibliotecario de la República Serenísima. La magna obra del italiano está hecha al óleo sobre lienzo. Mide 76 cm de alto y 107 de ancho y se conserva actualmente en la Galería Doria Pamphili de Roma.
Vasari dice que Rafael llegó a tener un taller con cincuenta pupilos y ayudantes, muchos de los cuales llegarían a ser después importantes artistas por su propio derecho. Fue, posiblemente, el mayor taller reunido bajo el magisterio de un único gran maestro de la pintura, y mucho mayor de lo habitual. Incluía destacados pintores provenientes de otras regiones de Italia, que probablemente trabajaban con sus propios equipos como subcontratistas, así como aprendices y obreros. Hay poca información sobre el taller y sobre su organización interna, aparte de las mismas obras de arte, a menudo difíciles de atribuir a la intervención de un artista concreto.
Tras la muerte de Rafael, la actividad del taller continuó, sin embargo, muchas de sus pinturas quedaron incompletas, así como algunas de sus posesiones. Los miembros más destacados fueron Giulio Romano, joven discípulo de origen romano —de 21 años—, y Gianfrancesco Penni, ya considerado un maestro, de origen florentino. Penni no alcanzó el mismo nivel de reputación personal que Giulio, y después de la muerte de Rafael, ocupó el puesto de ayudante de Giulio Romano durante la mayor parte de su carrera. Perino del Vaga, ya un maestro, y Polidoro da Caravaggio, quien supuestamente ascendió a la posición de pintor luego de ocupar el humilde oficio de trasportar materiales para los obreros, también llegaron a ser importantes pintores. Maturino da Firenze, como en el caso de Penni, fue eclipsado por la fama de su compañero Polidoro. Giovanni da Udine gozaba de un estatus más independiente, y fue responsable de la decoración en estuco y los grotescos que decoraban los principales frescos. La mayor parte de los artistas se dispersaron, y algunos de ellos tuvieron una muerte violenta a raíz del saqueo de Roma de 1527. Esto contribuyó a la difusión del estilo de Rafael por toda Italia y a lugares más lejanos.
Vasari da mucha importancia al hecho de que Rafael logró un armonioso y eficiente taller, y al igual su habilidad y paciencia en la resolución de los conflictos o disputas entre los clientes y sus ayudantes, algo que carecía Miguel Ángel con ambos colectivos. Aun así, hoy en día, es casi imposible descifrar las partes que Rafael y sus ayudantes realizaron, ya que, tanto Giulio como Penn, eran diestros, no hay duda de que muchas de las últimas obras murales de Rafael, y probablemente algunas de sus obras de caballete, destacan más por el dibujo que por la ejecución. Sin embargo, muchos de sus retratos, que se encuentran en buenas condiciones, muestran la brillante técnica de ejecución que alcanzó al final de su vida.
Otros de sus destacados discípulos y ayudantes fueron Raffaellino del Colle, Andrea Sabbatini, Bartolomeo Ramenghi, Pellegrino Aretusi, Vincenzo Tamagni, Battista Dossi, Tommaso Vincidor, Timoteo Viti—pintor de Urbino—, así como el escultor y arquitecto Lorenzetto —cuñado de Giulio Romano—.n. 7 Se ha dicho que el flamenco Bernard van Orley trabajó durante un tiempo para Rafael, y que Luca Penni, hermano de Gianfrancesco, tal vez fue miembro del taller.58
Retratos
A lo largo de su vida realizó varios retratos donde mostró una gran medida de gracia y armonía, ejemplo de esto fue el de Baltasar de Castiglione. Las Madonne y los bambini llenos de belleza y elegancia fueron un tema recurrente tanto en sus retratos como en sus pinturas. En la "Última Cena" dio un gran protagonismo a la figura de los apóstoles. De igual manera realizó retratos de grandes personajes como: del Cardenal Bibbiena (c. 1516), el Retrato de Andrea Navagero y Agostino Beazzano (c. 1516), Retrato de Bindo Altoviti (c. 1514), Retrato de Tommaso Inghirami (1515-1516), Retrato de cardenal (1510-1511), Retrato de Julio II (1511-1512) y Retrato del cardenal Alessandro Farnese (1509-1511). Muchos de ellos se encuentran hoy dispersos en los museos y galerías de Europa.
La relación de Rafael con Leonardo da Vinci en Florencia a principios del siglo xvi fue muy significativa. El modelo inspirador es la Gioconda, que por el efecto emocional de su mirada y sobre todo la integración entre la figura y el paisaje constituyó un modelo de reflexión para Rafael. Pero en los retratos de Rafael la línea establece netamente las formas, que gracias a su certeza se convierten en "módulo" espacial, en equilibrio entre lleno y vacío, en medida de la relación entre lo particular y lo universal, en síntesis perfecta de las verdades de la persona. También la trayectoria de Rafael se concreta en la superación de las formas poco convencionales de Perugino, en la adquisición de una pintura autónoma, libre, que sea expresión del perfecto equilibrio existente entre el hombre y la naturaleza. Los comitentes del artista son representantes de la alta burguesía de los banqueros y los mercaderes o de la aristocracia menor, mientras la sociedad más elevada se dirige a pintores de más fama, como Ghirlandaio.
El encargo papal acrecienta enormemente la fama y el prestigio de Rafael, que entre 1509 y 1513 recibe numerosas peticiones de cardenales y nobles más o menos próximos a la curia romana. Realizaba dichos retratos al mismo tiempo que ejecutaba las estancias. En este ámbito es interesante la evolución del retrato. La novedad es que se advierte en ellos una mayor propensión a representar los rasgos como indicadores de la interioridad, más allá de la preocupación por la afirmación del estado social; además, resulta evidente la representación de la figura como presencia más cierta y consciente.
Arquitectura
Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro. La mayor parte de sus obras arquitectónicas han sido derrumbadas o modificadas después de su muerte y a raíz de la aceptación de los diseños de Miguel Ángel, pero, sobreviven unos pocos diseños. Para el análisis de estos, se llevó a cabo el examen de un templo que se encontraba muy oscuro, con grandes pilares a lo largo, «como un callejón» según un análisis crítico y póstumo de Antonio da Sangallo el Joven. Existe también la hipótesis de que el templo tiene un parecido con el santuario de La expulsión de Heliodoro del templo. Rafael diseñó otros edificios, y durante un corto tiempo se le consideró el arquitecto más importante de Roma y el preferido del círculo social del papa. Julio había hecho cambios en la disposición urbanística de la ciudad, creando varias vías públicas, las cuales aparentaban esplendorosos palacios.60
Un importante edificio, el Palazzo Branconio dell'Aquila del chambelán de León X, fue completamente derrumbado para hacer lugar a la plaza diseñada por Bernini para San Pedro, obra que jamás se realizó, pero se han conservado dibujos de la fachada y del patio. La fachada gozaba de una abigarrada decoración, inusual para la época, incluyendo tanto paneles pintados en el piso superior (de tres) como profusión de esculturas en el piso intermedio. El diseño básico de la Villa Farnesina no fue de Rafael, pero él diseñó y pintó la Capilla Chigi para el propietario, Agostino Chigi, tesorero del papa. Otro edificio, para el doctor del papa León, el Palazzo di Jacobo da Brescia, el cual fue trasladado en la década de 1930, y actualmente se mantiene en pie; dicho edificio fue diseñado como complemento de un palacio de la misma calle, obra de Bramante, donde el mismo Rafael residió durante un tiempo.La Villa Madama, una espléndida residencia de recreo del cardenal Julio de Médicis, posteriormente del papa Clemente VII, nunca fue terminada, pero sus planos revelan su propósito. Se hizo un diseño a partir de los planos constructivos por Antonio da Sangallo el Joven y aunque incompleta, era la villa más sofisticada diseñada hasta el momento en Italia. De este modo, influyó de manera importante en los diseños posteriores de este tipo de edificio. (este parece ser el único edificio moderno de Roma del cual Palladio hizo un dibujo medido). Solo quedan los planos de la planta baja de un gran palacio diseñado por él mismo a la nueva «Via Giulia», en el Borgo, para el cual estuvo acumulando el terreno en sus últimos años. Se encontraba en una manzana irregular cerca del río Tíber. Parece que las fachadas debían incluir una orden gigante de pilastras elevándose al menos dos plantas hasta la altura completa de la planta noble, «un estilo grandilocuente sin precedentes en un palacio de carácter privado». En 1515, le fueron otorgados poderes como "Prefecto" sobre todas las antigüedades que se desenterraran en la ciudad y hasta una milla alrededor de esta. Rafael escribió una carta al papa León sugiriendo medidas para impedir la destrucción de los monumentos antiguos, y propuso una inspección visual de la ciudad para registrar las antigüedades de manera organizada. La opinión del Papa era diferente, quería seguir reutilizando las antiguas fábricas para la construcción de San Pedro, pero quería que todas las inscripciones antiguas quedaran documentadas, así como también conservar las esculturas, antes de dar permiso para el uso de la piedra.
On the Road
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"Marylou" redirects here. For the album by Anna Rossinelli, see Marylou (album).
For other uses, see On the Road (disambiguation).
On the Road
1st edition
On the Road is a novel by American writer Jack Kerouac. On the Road is based on the travels of Kerouac and his friends across America. It is considered a defining work of the postwar Beat and Counterculture generations, with its protagonists living life against a backdrop of jazz, poetry and drug use.
The idea for On the Road formed during the late 1940s. It was to be Kerouac's second novel, and it underwent several drafts before he completed it in April 1951. It was first published by Viking Press in 1957.
When the book was originally released, The New York Times hailed it as "the most beautifully executed, the clearest and the most important utterance yet made by the generation Kerouac himself named years ago as 'beat,' and whose principal avatar he is."[1] In 1998, the Modern Library ranked On the Road 55th on its list of the 100 best English-language novels of the 20th century. The novel was chosen by Time magazine as one of the 100 best English-language novels from 1923 to 2005.[2]
This section is written like a personal reflection or opinion essay rather than an encyclopedic description of the subject. Please help improve it by rewriting it in an encyclopedic style. (December 2012)
Many aspects go into understanding the context of On the Road, and they must be viewed cohesively in order to appreciate why the book was as relevant and pertinent as it was. The following issues are important to consider as the foundation for the book and its reception by the public.
Kerouac biography[edit]
Kerouac was born in a French-Canadian neighborhood of Lowell, Massachusetts, and learned English at age six. (He had difficulty with the language into his teens.) He grew up in a devout Catholic home, and this influence manifested itself throughout the work. During high school, Kerouac was a star football player and earned a scholarship to Columbia University. After dropping out following a conflict with the football coach, he then served on several different sailing vessels before returning to New York in search of inspiration to write. Here he met the likes of Allen Ginsberg and William Burroughs who would not only become characters in the book but also form the core of the Beat Generation.[3]
Many of the events depicted in the book are the experiences that shaped both its content and production. Kerouac met Neal Cassady, who would become Dean Moriarty, in December 1946 and began his road adventures in 1947 while writing what would become The Town and the City. The adventures themselves, which took place between 1947 and 1950, were meant to help him overcome writers block during early attempts to write the book. It was through letters and other interactions with his friends that Kerouac decided to write the first person narrative that became On the Road as we know it today.[3]
The publication process was another adventure unto itself, which took a major psychological toll on Kerouac. He was discouraged by the struggle (even though he continued to write during the period) and finally agreed to substantially revise the original version after years of failed negotiations with different publishers. He removed several parts in order to focus the story and also to protect himself from potential issues of libel. He also continued to write feverishly after its publication in spite of attacks from critics.[3]
Historical context[edit]
On the Road portrays the story of a fierce personal quest for meaning and belonging. This comes at an interesting point in American history when conformity was praised and outsiders were suspect. The Beat Generation arose out of a time of intense conflict, both internally and externally.
The issues of the Cold War, the Second Red Scare and McCarthyism took center stage of the cultural arena in the 1950s. As the U.S government cracked down on left-wing influences at home and abroad, the sentiment of unifying and banding together led to extreme measures of censorship and control.
The Cold War was the backdrop for this fight. In a short time after defeating Germany, the Soviet Union fell from ally to threat in the eyes of the United States. In the postwar reconstruction process, the two powers found themselves continually at odds. The sentiment arose clearly as a struggle between two opposing ways of life. Contention over Soviet support for alleged communist revolution in Iran, then Turkey and Greece, led to the American policy of containment and the Truman Doctrine. Before a joint session of Congress on March 12, 1947, President Harry S. Truman stated, "I believe it must be the policy of the United States to support the people who are resisting attempted subjugation by armed minorities or by outside pressures."[4] That summer, Secretary of State George C. Marshall proposed a plan for the economic reconstruction of Europe. While Western European countries planned how to go about rebuilding with American help, the Soviets walked away and forced the Eastern European countries to do the same. A Soviet aid and recovery plan followed for these countries and would mark the beginning of a punch and counterpunch pattern that would typify the early years of the Cold War. This laid a foundation for the tension that would define the period.[4]
Beat Generation summary[edit]
It was in this climate that some individuals of the young generation were seeking meaning outside the mainstream worldview. Amidst all the conflict and contradiction, the Beats were seeking out a way to navigate through the world. As John Clellon Holmes put it, "Everywhere the Beat Generation seems occupied with the feverish production of answers—some of them frightening, some of them foolish—to a single question: how are we to live?"[5]
The idea of what it means to be "beat" is still difficult to accurately describe. While many critics still consider the word "beat" in its literal sense of "tired and beaten down," others, including Kerouac himself promoted the generation more in sense of "beatific" or blissful.[6] "Beat" can also be read as a 'rhythm' such as in music, as in Jazz - a rhythmic beat or 'the rhythm of life' itself.
Holmes and Kerouac published several articles in popular magazines in an attempt to explain the movement. In the November 16, 1952 New York Times Sunday Magazine, he wrote a piece exposing the faces of the Beat Generation. "[O]ne day [Kerouac] said, 'You know, this is a really beat generation' ... More than mere weariness, it implies the feeling of having been used, of being raw. It involves a sort of nakedness of mind, and ultimately, of soul: a feeling of being reduced to the bedrock of consciousness. In short, it means being undramatically pushed up against the wall of oneself."[7] He distinguishes Beats from the Lost Generation of the 1920s pointing out how the Beats are not lost but how they are searching for answers to all of life's questions. Kerouac's preoccupation with writers like Ernest Hemingway shaped his view of the beat generation. He uses a prose style which he adapted from Hemingway and throughout On the Road he alludes to novels like The Sun Also Rises. "How to live seems much more crucial than why."[7] In many ways, it is a spiritual journey, a quest to find belief, belonging, and meaning in life. Not content with the uniformity promoted by government and consumer culture, the Beats yearned for a deeper, more sensational experience.
Holmes expands his attempt to define the generation in a 1958 article in Esquire magazine. This article was able to take more of a look back at the formation of the movement as it was published after On the Road. "It describes the state of mind from which all unessentials have been stripped, leaving it receptive to everything around it, but impatient with trivial obstructions. To be beat is to be at the bottom of your personality, looking up."[5]
Literary context[edit]
At the time of publication, On the Road was not the first book to criticize contemporary American culture. A nonconformist sentiment characterized the arts and popular culture of the 1950s as a way of rejecting societal norms. Many of the best selling books of the time achieved this same mission.[4]
J. D. Salinger produced the first shock to the tranquil suburban landscape with the publication of The Catcher in the Rye in 1951. His protagonist Holden Caulfield struck a chord with young readers also at odds with the adult world. Caulfield's rejection of the regimentation and "phoniness" of the world around him resonated with the struggle for meaning that drove the Beat Generation. Salinger's rejection of traditional middle-class values signaled the first widely recognized public stand against the cultural conformist pressure.[4]
Among the best-selling novels of 1950s was Peyton Place by Grace Metalious. Published in September 1956, it managed to be the second most sold book in the country that year and then to top the chart in 1957. In fact, it went on to be the best-selling book in American history up to that point.[8] Often cited as the prime example of the decline in American culture of the decade, the novel examines the traditional values of a New England mill town by introducing the complications of extramarital sexual affairs. A book that received a broad range of reviews after publication, Peyton Place's popularity shows that popular culture was ready for a break from their traditional expectations.[8]
Another popular contemporary was Sloan Wilson's The Man in the Gray Flannel Suit (1955) that dealt with the increasing suburbanization of American society. Tom Rath struggles with the dilemma of following his conscience or pursuing the big salary and lush lifestyle typically portrayed of the 1950s family. In the end, though, he discovers that he can have both. While Wilson can be seen as chastising the societal norms at times, he concludes with his character achieving them. This shows the dichotomy of attitudes toward the middle-class values of the day.[9]
Production and publication[edit]
The scroll, exhibited at the Boott Cotton Mills Museum in Lowell, Massachusetts, summer 2007
Kerouac often promoted the story about how in April 1951 he wrote the novel in three weeks, typing continuously onto a 120-foot roll of teletype paper.[10] Although the story is true per se, the book was in fact the result of a long and arduous creative process. Kerouac carried small notebooks, in which much of the text was written as the eventful span of road trips unfurled. He started working on the first of several versions of the novel as early as 1948, based on experiences during his first long road trip in 1947. However, he remained dissatisfied with the novel.[11] Inspired by a thousand-word rambling letter from his friend Neal Cassady, Kerouac in 1950 outlined the "Essentials of Spontaneous Prose" and decided to tell the story of his years on the road with Cassady as if writing a letter to a friend in a form that reflected the improvisational fluidity of jazz.[12]
The first draft of what was to become the published novel was written in three weeks in April 1951 while Kerouac lived with Joan Haverty, his second wife, at 454 West 20th Street in Manhattan, New York. The manuscript was typed on what he called "the scroll"—a continuous, one hundred and twenty-foot scroll of tracing paper sheets that he cut to size and taped together.[13] The roll was typed single-spaced, without margins or paragraph breaks. In the following years, Kerouac continued to revise this manuscript, deleting some sections (including some sexual depictions deemed pornographic in the 1950s) and adding smaller literary passages.[14] Kerouac authored a number of inserts intended for On the Road between 1951 and 1952, before eventually omitting them from the manuscript and using them to form the basis of another work, Visions of Cody.[15] On the Road was championed within Viking Press by Malcolm Cowley and was published by Viking in 1957, based on revisions of the 1951 manuscript.[16] Besides differences in formatting, the published novel was shorter than the original scroll manuscript and used pseudonyms for all of the major characters.
Viking Press released a slightly edited version of the original manuscript on 16 August 2007 titled On the Road: The Original Scroll corresponding with the 50th anniversary of original publication. This version has been transcribed and edited by English academic and novelist Dr. Howard Cunnell. As well as containing material that was excised from the original draft due to its explicit nature, the scroll version also uses the real names of the protagonists, so Dean Moriarty becomes Neal Cassady and Carlo Marx becomes Allen Ginsberg, etc.[17]
In 2007, Gabriel Anctil, a journalist of the Montreal's daily Le Devoir discovered, in Kerouac's personal archives in New York, almost 200 pages of his writings entirely in Quebec French, with colloquialisms. The collection included ten manuscript pages of an unfinished version of On the Road, written on January 19, 1951. The date of the writings makes Kerouac one of the earliest known authors to use colloquial Quebec French in literature.[18]
Plot summary[edit]
The two main characters of the book are the narrator, Salvatore "Sal" Paradise, and his new friend Dean Moriarty, much admired for his carefree attitude and sense for adventure, a free-spirited maverick eager to explore all kicks and an inspiration and catalyst for Sal's travels. The novel contains five parts, three of them describing road trips with Moriarty. The narrative takes place in the years 1947 to 1950, is full of Americana, and marks a specific era in jazz history, "somewhere between its Charlie Parker Ornithology period and another period that began with Miles Davis." The novel is largely autobiographical, Sal being the alter ego of the author and Dean standing for Neal Cassady. The epic nature of the adventures and the text itself creates a tremendous sense of meaning and purpose for the themes and lessons.
Part One[edit]
The first section describes Sal's first trip to San Francisco. Disheartened after a divorce, his life changes when he meets Dean Moriarty, who is "tremendously excited with life," and begins to long for the freedom of the road: "Somewhere along the line I knew there would be girls, visions, everything; somewhere along the line the pearl would be handed to me." He sets off in July 1947 with fifty dollars in his pocket. After taking several buses and hitchhiking, he arrives in Denver, where he hooks up with Carlo Marx, Dean, and their friends. There are parties — among them an excursion to the ghost town of Central City. Eventually Sal leaves by bus and gets to San Francisco, where he meets Remi Boncoeur and his girlfriend Lee Ann. Remi arranges for Sal to take a job as a night watchman at a boarding camp for merchant sailors waiting for their ship. Not holding this job for long, Sal hits the road again. "Oh, where is the girl I love?" he wonders. Soon he meets Terry, the "cutest little Mexican girl," on the bus to Los Angeles. They stay together, traveling back to Bakersfield, then to Sabinal, "her hometown," where her family works in the fields. He meets Terry's brother Ricky, who teaches him the true meaning of "mañana" ("tomorrow"). Working in the cotton fields, Sal realizes that he is not made for this type of work. Leaving Terry behind, he takes the bus back to New York and walks the final stretch from Times Square to Paterson, just missing Dean, who had come to see him, by two days.
In this section, Kerouac not only introduces many of the book's characters but also its central conflicts and dilemmas. He initially shows Sal as the deep thinking writer who yearns for greater freedom. As the plot unfolds he shows the depth and degree of Sal's internal conflict in the pursuit of "kicks," torn between the romanticized freedom of the open road and practicality of a more settled, domestic life. Dean appears as the "yellow roman candle" that catalyzes the action of the novel. His uncontainable spirit invites Sal to follow but also foreshadows problems of commitment and devotion that will reappear later on.
Part Two[edit]
In December 1948 Sal is celebrating Christmas with his relatives in Testament, Virginia when Dean shows up with Marylou (having left his second wife, Camille, and their newborn baby, Amy, in San Francisco) and Ed Dunkel. Sal's Christmas plans are shattered as "now the bug was on me again, and the bug's name was Dean Moriarty." First they drive to New York, where they meet Carlo and party. Dean wants Sal to make love to Marylou, but Sal declines. In Dean's Hudson they take off from New York in January 1949 and make it to New Orleans. In Algiers they stay with the morphine-addicted Old Bull Lee and his wife Jane. Galatea Dunkel joins her husband in New Orleans while Sal, Dean, and Marylou continue their trip. Once in San Francisco, Dean again leaves Marylou to be with Camille. "Dean will leave you out in the cold anytime it is in the interest of him," Marylou tells Sal. Both of them stay briefly in a hotel, but soon she moves out, following a nightclub owner. Sal is alone and on Market Street has visions of past lives, birth, and rebirth. Dean finds him and invites him to stay with his family. Together, they visit nightclubs and listen to Slim Gaillard and other jazz musicians. The stay ends on a sour note: "what I accomplished by coming to Frisco I don't know," and Sal departs, taking the bus back to New York.
In this section, Marylou sums up the dilemma of Dean's lack of commitment and selfishness when she says that he will always leave you if it isn't in his interest. This central conflict appears again after Dean returns to Camille in San Francisco, abandoning his two travel companions. Sal again finds himself at a loss for purpose and direction. He has spent his time following the other characters but is unfulfilled by the frantic nature of this life. Much of the euphoria has worn off as he becomes more contemplative and philosophical.
Part Three[edit]
In the spring of 1949, Sal takes a bus from New York to Denver. He is depressed and "lonesome"; none of his friends are around. After receiving some money, he leaves Denver for San Francisco to see Dean. Camille is pregnant and unhappy, and Dean has injured his thumb trying to hit Marylou for sleeping with other men. Camille throws them out, and Sal invites Dean to come to New York, planning to travel further to Italy. They meet Galatea, who tells Dean off: "You have absolutely no regard for anybody but yourself and your kicks." Sal realizes she is right — Dean is the "HOLY GOOF" — but also defends him, as "he's got the secret that we're all busting to find out." After a night of jazz and drinking in Little Harlem on Folsom Street, they depart. On the way to Sacramento they meet a "fag," who propositions them. Dean tries to hustle some money out of this but is turned down. During this part of the trip Sal and Dean have ecstatic discussions having found "IT" and "TIME." In Denver a brief argument shows the growing rift between the two, when Dean reminds Sal of his age, Sal being the older of the two. They get a '47 Cadillac from the travel bureau that needs to be brought to Chicago. Dean drives most of the way, crazy, careless, often speeding over 100 miles per hour, bringing it in a disheveled state. By bus they move on to Detroit and spend a night on Skid Row, Dean hoping to find his homeless father. From Detroit they share a ride to New York and arrive at Sal's aunt's new flat in Long Island. They go on partying in New York, where Dean meets Inez and gets her pregnant while his wife is expecting their second child.
After seeing how he treats Camille and Marylou, Sal finally begins to realize the nature of his relationship with Dean. While he cares greatly about him, several times discussing future plans to live on the same street, he recognizes that the feeling may not be mutual. The situations are beginning to change, though, as Sal has received some money from his recently published book and can begin to support himself and also Dean when he comes to New York. Sal is taking a more active role in his freedom as opposed to just following Dean.
Part Four[edit]
In the spring of 1950, Sal gets the itch to travel again while Dean is working as a parking lot attendant in Manhattan, living with his girlfriend Inez. Sal notices that he has been reduced to simple pleasures — listening to basketball games and looking at erotic playing cards. By bus Sal takes to the road again, passing Washington, Ashland, Cincinnati, St. Louis, and eventually reaching Denver. There he meets Stan Shephard, and the two plan to go to Mexico City when they learn that Dean had bought a car and is on the way to join them. In a rickety '37 Ford sedan the three set off across Texas to Laredo, where they cross the border. They are ecstatic, having left "everything behind us and entering a new and unknown phase of things." Their money buys more (10 cents for a beer), police are laid back, cannabis is readily available, and people are curious and friendly. The landscape is magnificent. In Gregoria, they meet Victor, a local kid, who leads them to a bordello where they have their last grand party, dancing to mambo, drinking, and having fun with prostitutes. In Mexico City Sal becomes ill from dysentery and is "delirious and unconscious." Dean leaves him, and Sal later reflects that "when I got better I realized what a rat he was, but then I had to understand the impossible complexity of his life, how he had to leave me there, sick, to get on with his wives and woes."
In this section we see Dean's selfishness finally extend to Sal, as he leaves Sal abandoned in Mexico City. Sal has sunk to the bottom of his reality having seen Victor put his family obligations over the freedom of the road and Dean was not ready to do the same thing. This is the moment where the paths diverge and Sal realizes that he has more to live for than just constantly moving.
Part Five[edit]
Dean, having obtained divorce papers in Mexico, had first returned to New York to marry Inez, only to leave her and go back to Camille. After his recovery from dysentery in Mexico, Sal returns to New York in the fall. He finds a girl, Laura, and plans to move with her to San Francisco. Sal writes to Dean about his plan to move to San Francisco. Dean writes back saying that he's willing to come and accompany Laura and Sal. Dean arrives over five weeks early but Sal is out taking a late-night walk alone. Sal returns home to Laura and sees a copy of Proust and knows that it is Dean's. Sal realizes that his friend has arrived, but at a time when Sal doesn't have the money to relocate to San Francisco. On hearing this Dean makes the decision to head back to Camille and Sal's friend Remi Boncoeur denies Sal's request to give Dean a short lift to 40th Street on their way to a Duke Ellington concert at the Metropolitan Opera House. Sal's girlfriend Laura realises that this is a painful moment for Sal and prompts him for a response as the party drives off without Dean; to which he replies "He'll be alright". Sal later reflects as he sits on a river pier under a New Jersey night sky about the roads and lands of America that he has travelled and states ". . . I think of Dean Moriarty, I even think of Old Dean Moriarty the father we never found, I think of Dean Moriarty."
Character key[edit]
Kerouac often based his fictional characters on friends and family.[19][20]
"Because of the objections of my early publishers I was not allowed to use the same person's name in each work."[21]
Real-life personCharacter name
Jack KerouacSal Paradise
Gabrielle KerouacSal's Aunt
Alan AnsenRollo Greb
William S. BurroughsOld Bull Lee
Joan VollmerJane
Lucien CarrDamion
Neal CassadyDean Moriarty
Carolyn CassadyCamille
Hal ChaseChad King
Henri CruRemi Boncoeur
Bea Franco (Beatrice Kozera)Terry
Allen GinsbergCarlo Marx
Diana HansenInez
Alan HarringtonHal Hingham
Joan HavertyLaura
Luanne HendersonMarylou
Al HinkleEd Dunkel
Helen HinkleGalatea Dunkel
Jim HolmesTom Snark
John Clellon HolmesIan MacArthur
Ed StringhamTom Saybrook
Herbert HunckeElmer Hassel
Frank JeffriesStan Shephard
Gene PippinGene Dexter
Allan TemkoRoland Major
Bill TomsonRoy Johnson
Helen TomsonDorothy Johnson
Ed UhlEd Wall
Helen GullionRita Betancourt
Major themes[edit]
The main ideas of the Beat Generation, the longing for belief and meaning in life, are reflected in On the Road. While interest in the book initially revolved more around Kerouac's personal life rather than the literary nature of the text, critical attention has burgeoned in recent years. Although the book can be viewed through many lenses, several major themes rise up from a deeper study.
Kerouac has admitted that the biggest of these themes is religion. In a letter to a student in 1961, he wrote:
"Dean and I were embarked on a journey through post-Whitman America to FIND that America and to FIND the inherent goodness in American man. It was really a story about 2 Catholic buddies roaming the country in search of God. And we found him."
[22]
This idea of an inward adventure is illustrated in all of the experimentation. The Beats had a more liberal definition of God and spirituality closely related to personal experience.
All of the travel and personal interaction in the book permit an examination of the ideas of masculinity and mobility in the 1950s. While these concepts may seem unrelated, Kerouac weaves them together to provide another form of rebellion against the social norm of conformity. Mary Pannicia Carden examines this and proposes that traveling was a way for the characters to assert their independence. "[Sal and Dean] attempt to replace the model of manhood dominant in capitalist America with a model rooted in foundational American ideals of conquest and self-discovery."[23] Travel is a very symbolic act both in history and in literature of coming of age and self-realization, especially for males. But not only do they see conformity as restricting, but in many senses, they view women this way as well. "Reassigning disempowering elements of patriarchy to female keeping, they attempt to substitute male brotherhood for the nuclear family and to replace the ladder of success with the freedom of the road as primary measures of male identity."[23] The interactions of the book come down to balances of power and gains and losses of masculinity. Even though they seek to defy its traditional markers, Dean and Sal also rely on this masculinity in their self-definition. In the end, their divergence to different paths reflects Sal's understanding of the limitations of complete freedom that is sought on the road in so far as it pertains to relations to culture and identity.
In a broader sense, On the Road's major lesson is about the proper way of growing up. Unlike Holden Caulfield, Sal Paradise is struggling with getting through adolescence and maturity rather than delaying it. We see this contrasted with Dean Moriarty who is portrayed as the depiction of a child, always on the move. Sal's struggle is how to balance these opposing forces. We saw these exact issues in Holmes's definition of the Beat Generation as a whole, of which Sal Paradise becomes the metaphorical face.
Language[edit]
In addition to the themes and controversial topics addressed in On the Road, Kerouac's apparently erratic writing style garnered much attention for the novel. Some have said that On the Road was merely a transitional phase in between the traditional narrative structure of The Town and the City (1951) and the so-called "wild form" of Kerouac's later books like Visions of Cody (1972).[24]
Kerouac's own explanation of his style begins with the publication of "Essentials of Spontaneous Prose" (1953) in which he outlines the core features of his techniques. He likens his writing to Impressionist painters who sought to create art through direct observation. He endeavored to present a raw version of truth which did not lend itself to the traditional process of revision and rewriting but rather the emotionally charged practice of spontaneity he pursued.[25]
This spontaneity produced a book that was not only readable in 1957 but still captures the attention of audiences today. The personal nature of the text helps foster a direct link between Kerouac and the reader. Because he is writing about actual experiences, conveying appropriately the environment provided this connection. Kerouac chose to do this through his detailed descriptions, rarely pausing for a breath between sentences. His more casual diction and very relaxed syntax, although viewed as less than serious by some, was an intentional attempt to depict events as they happened and to convey all of the energy and emotion of the experiences.[25]
Reception[edit]
The book received a mixed reaction from the media in 1957. Some of the earlier reviews spoke highly of the book, but the backlash to these was swift and strong. Although this was discouraging to Kerouac, he still received great recognition and notoriety from the work. Since its publication, critical attention has focused on issues of both the context and the style, addressing the actions of the characters as well as the nature of Kerouac's prose.
Initial reaction[edit]
In his review for The New York Times, Gilbert Millstein wrote, "its publication is a historic occasion in so far as the exposure of an authentic work of art is of any great moment in an age in which the attention is fragmented and the sensibilities are blunted by the superlatives of fashion" and praised it as "a major novel."[1] Millstein was already sympathetic toward the Beat Generation and his promotion of the book in the Times did wonders for its recognition and acclaim. Not only did he like the themes, but also the style, which would come to be just as hotly contested in the reviews that followed. "There are sections of On the Road in which the writing is of a beauty almost breathtaking...there is some writing on jazz that has never been equaled in American fiction, either for insight, style, or technical virtuosity."[1] Kerouac and Joyce Johnson, a younger writer he was living with, read the review shortly after midnight at a newsstand at 69th Street and Broadway, near Joyce's apartment in the Upper West Side. They took their copy of the newspaper to a neighborhood bar and read the review over and over. "Jack kept shaking his head," Joyce remembered later in her memoir Minor Characters, "as if he couldn’t figure out why he wasn’t happier than he was." Finally, they returned to her apartment to go to sleep. As Joyce recalled: "Jack lay down obscure for the last time in his life. The ringing phone woke him the next morning, and he was famous.”[26]
The backlash began just a few days later in the same publication. David Dempsey published a review that contradicted most of what Millstein had promoted in the book. "As a portrait of a disjointed segment of society acting out of its own neurotic necessity, "On the Road", is a stunning achievement. But it is a road, as far as the characters are concerned, that leads to nowhere." While he did not discount the stylistic nature of the text (saying that it was written "with great relish"), he dismissed the content as a "passionate lark" rather than a novel."[27]
Other reviewers were also less than impressed. Phoebe Lou Adams in Atlantic Monthly wrote that it "disappoints because it constantly promises a revelation or a conclusion of real importance and general applicability, and cannot deliver any such conclusion because Dean is more convincing as an eccentric than as a representative of any segment of humanity."[28] While she liked the writing and found a good theme, her concern was repetition. "Everything Mr. Kerouac has to say about Dean has been told in the first third of the book, and what comes later is a series of variations on the same theme."[28]
The review from Time exhibited a similar sentiment. "The post-World War II generation—beat or beatific—has not found symbolic spokesmen with anywhere near the talents of Fitzgerald, Hemingway, or Nathaniel West. In this novel, talented Author Kerouac, 35, does not join that literary league, either, but at least suggests that his generation is not silent. With his barbaric yawp of a book, Kerouac commands attention as a kind of literary James Dean."[29] It considers the book partly a travel book and partly a collection of journal jottings. While Kerouac sees his characters as "mad to live...desirous of everything at the same time," the reviewer likens them to cases of "psychosis that is a variety of Ganser Syndrome" who "aren't really mad—they only seem to be."[29]
Current reactions[edit]
On the Road has been the object of much study since its publication. In celebration of the 50th anniversary of publication, several critics took a fresh look at the text in 2007. It is interesting to consider how the perception has evolved in the last half century.
David Brooks of the New York Times compiled several of these opinions and summarized them in an Op-Ed from October 2, 2007. Where as Millstein saw it as a story in which the heroes took pleasure in everything, George Mouratidis, an editor of a new edition, claimed "above all else, the story is about loss." "It's a book about death and the search for something meaningful to hold on to — the famous search for 'IT,' a truth larger than the self, which, of course, is never found," wrote Meghan O'Rourke in Slate. "Kerouac was this deep, lonely, melancholy man," Hilary Holladay of the University of Massachusetts Lowell told The Philadelphia Inquirer. "And if you read the book closely, you see that sense of loss and sorrow swelling on every page." "In truth, 'On the Road' is a book of broken dreams and failed plans," wrote Ted Gioia in The Weekly Standard.[30]
John Leland, author of Why Kerouac Matters: The Lessons of On the Road (They're Not What You Think), says "We're no longer shocked by the sex and drugs. The slang is passé and at times corny. Some of the racial sentimentality is appalling" but adds "the tale of passionate friendship and the search for revelation are timeless. These are as elusive and precious in our time as in Sal's, and will be when our grandchildren celebrate the book's hundredth anniversary."[31]
To Brooks, this characterization seems limited. "Reading through the anniversary commemorations, you feel the gravitational pull of the great Boomer Narcissus. All cultural artifacts have to be interpreted through whatever experiences the Baby Boomer generation is going through at that moment. So a book formerly known for its youthful exuberance now becomes a gloomy middle-aged disillusion."[30] He laments how the book's spirit seems to have been tamed by the professionalism of America today and how it has only survived in parts. The more reckless and youthful parts of the text that gave it its energy are the parts that have "run afoul of the new gentility, the rules laid down by the health experts, childcare experts, guidance counselors, safety advisers, admissions officers, virtuecrats and employers to regulate the lives of the young."[30] He claims that the "ethos" of the book has been lost.
Influence[edit]
On the Road has been a major influence on many poets, writers, actors and musicians, including Bob Dylan, Van Morrison, Jim Morrison, Hunter S. Thompson, and many more.
"It changed my life like it changed everyone else's," Dylan would say many years later. Tom Waits, too, acknowledged its influence, hymning Jack and Neal in a song and calling the Beats "father figures." At least two great American photographers were influenced by Kerouac: Robert Frank, who became his close friend — Kerouac wrote the introduction to Franks' book, The Americans — and Stephen Shore, who set out on an American road trip in the 1970s with Kerouac's book as a guide. It would be hard to imagine Hunter S. Thompson's road novel Fear and Loathing in Las Vegas had On the Road not laid down the template; likewise, films such as Easy Rider, Paris, Texas, and even Thelma and Louise.[32]
In his book Light My Fire: My Life with The Doors, Ray Manzarek (keyboard player of The Doors) wrote "I suppose if Jack Kerouac had never written On the Road, The Doors would never have existed."
Since the mobile lifestyle popularized by "On The Road" had a strong influence on the large market segment of baby boomers who joined the hippie movement the death of Jack Kerouac was of interest to the readers of the pioneering new journalism publication Rolling Stone. As a result, editor and publisher of the tabloid, Jann Wenner, printed a detailed account of the funeral of the "On The Road" author by writers Stephen Davis and Eric Ehrmann. According to the Rolling Stone article, Jack Kerouac's open casket viewing at the Archambault Funeral Home and subsequent burial funeral at the Edson Cemetery in Lowell, Massachusetts were attended by few of his "On The Road" era friends. Neal Cassady (Dean Moriarty in the book) had died the year before in 1968. San Francisco poet Lawrence Ferlinghetti chose not to come east to attend. Allen Ginsberg (Carlo Marx in the book) showed up with Peter Orlovsky and Gregory Corso was there filming the event. Author Terry Southern sent a floral arrangement that was on display near the bier. One writer in attendance not associated with the "On The Road" group or Beatnik crowd was New York Daily News columnist Jimmy Breslin, who, like Kerouac, came from a working-class background. Breslin, who had been inspired by "On The Road" in his youth, journeyed up to Lowell to pay his respects, his feelings about Kerouac's appearing as part of the Rolling Stone coverage. Many writers, actors and artists including Ann Charters and Hettie Jones, inter alia, would later share their feelings about how they were influenced by "On The Road" and the Beat culture in the Rolling Stone Book of The Beats edited by Holly George Warren published by Hyperion in 1999.
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A night in black and white!
Trying out a few different angles and poses in my black and white palm tree print dress.
Basílica da Sagrada Família
Texto, em português, da Wikipédia, a enciclopédia livre:
Templo Expiatório da Sagrada Família
Templo Expiatório da Sagrada Família, e também conhecido simplesmente como Sagrada Família, é um grande templo católico da cidade catalã de Barcelona (Espanha), desenhado pelo arquiteto catalão Antoni Gaudí, e considerado por muitos críticos como a sua obra-prima e expoente da arquitetura modernista catalã. Financiado unicamente por contribuições privadas , o projeto foi iniciado em 1882 e assumido por Gaudí em 1883, quando tinha 31 anos de idade, dedicando-lhe os seus últimos 40 anos de vida, os últimos quinze de forma exclusiva. A construção foi suspensa em 1936 devido à Guerra Civil Espanhola e não se estima a conclusão para antes de 2026, centenário da morte de Gaudí.
A construção começou em estilo neogótico, mas o projeto foi reformulado completamente por Gaudí ao assumi-lo. O templo foi projetado para ter três grandes fachadas: a Fachada da Natividade, quase terminada com Gaudí ainda em vida, a Fachada da Paixão, iniciada em 1952, e a Fachada da Glória, ainda por completar. Segundo o seu proceder habitual, a partir de esboços gerais do edifício Gaudí improvisou a construção à medida que esta avançava. O templo, quando estiver terminado, disporá de 18 torres : quatro em cada uma das três entradas-portais, a jeito de cúpulas; irá ter um sistema de seis torres, com a torre do zimbório central dedicada a Jesus Cristo, de 170 metros de altura, outras quatro ao redor desta, dedicadas aos evangelistas, e um segundo zimbório dedicado à Virgem. O interior estará formado por inovadoras colunas arborescentes inclinadas e abóbadas baseadas em hiperboloides e paraboloides buscando a forma ótima da catenária. Estima-se que poderá levar no seu coro 1500 cantores, 700 crianças e cinco órgãos. Em 1926, ano em que faleceu Gaudí, apenas estava construída uma torre. Do projeto do edifício só ficaram planos e um modelo em gesso que resultou muito danificado durante a Guerra Civil Espanhola. Desde então prosseguiram as obras: atualmente (2015) estão terminados os portais da Natividade e da Paixão, e foi iniciado o da Glória, estando em construção as abóbadas interiores.
A obra que realizou Gaudí - a fachada da Natividade e a cripta - foi incluída pela UNESCO em 2005 no Sítio do Patrimônio Mundial com o título «Obras de Antoni Gaudí».
História
O propósito de construir um templo expiatório dedicado à Sagrada Família em uns novos terrenos do Eixample barcelonês foi do livreiro Josep Maria Bocabella, para o que fundou a Associação de Devotos de São José. Para isso foi adquirido um quarteirão inteiro do Eixample num lugar conhecido como El Poblet, perto do Camp de l'Arpa, em Sant Martí de Provençals, entre as ruas Provença, Maiorca, Marina e Sardenya.
O projeto foi entregue em primeiro lugar a Francisco de Paula del Villar y Lozano, que propôs um conjunto neogótico, recusando a sugestão de Bocabella de fazer uma réplica do Santuário da Santa Casa de Loreto . O projeto de Villar consistia numa igreja de três naves, com os elementos típicos do gótico, como os vitrais alveolados, os contrafortes exteriores e um alto campanário em forma de agulha. A primeira pedra foi colocada a 19 de Março de 1882, dia de São José, com a presença do então bispo de Barcelona José María Urquinaona. Gaudí assistiu à cerimônia, já que tinha trabalhado como ajudante de Villar em vários projetos. As obras não se iniciaram até 25 de Agosto de 1883, sendo adjudicadas ao empreiteiro Macari Planella i Roura.
Em 1883, Villar renunciou por desavenças com Joan Martorell, arquiteto assessor de Bocabella. O projeto foi oferecido ao próprio Martorell, mas, ao recusar, este foi oferecido a um jovem Gaudí de 31 anos; Gaudí fora ajudante de Martorell em várias construções, fato que motivara a recomendação de Gaudí, que ainda não executara grandes obras. Ao encarregar-se Gaudí do projeto, modificou-o por inteiro - salvo a parte já construída da cripta -, imprimindo-lhe o seu estilo peculiar. Durante os remanescentes 43 anos da sua vida trabalhou intensamente na obra, os últimos 15 anos de forma exclusiva. Esta dedicação tão intensa tem a sua explicação, para além da magnitude da obra, pela circunstância de Gaudí definir muitos aspetos à medida que a construção avançava, em lugar de os ter concretizado previamente nos seus planos e instruções. Por isso a sua presença pessoal na obra era de grande importância.
Durante a vida de Gaudí somente foi feita a fachada da Natividade , com escultura de Carles Mani, Llorenç Matamala e Joan Matamala, contando com os desenhos de Ricard Opisso; Gaudí apenas chegou a ver coroada a torre de São Barnabé antes do seu falecimento. À morte de Gaudí encarregou-se das obras o seu ajudante Domènec Sugrañes, durante os anos 1926-1936, acabando as três torres que ficavam na fachada da Natividade.
Durante a Guerra Civil Espanhola ficou destruída na sua maior parte a oficina na qual Gaudí trabalhara, e onde se encontravam os seus croquis, maquetes e modelos . Por esta causa e pela particular maneira de trabalhar Gaudí, não ficaram planos nem diretrizes a respeito de como devia terminar-se o templo. Portanto, quando em 1944 prosseguiu a construção da Sagrada Família, teve de definir-se em primeiro lugar como devia proceder-se, para edificar o templo da forma mais fiel aos princípios de Gaudí.
À frente desta gigantesca tarefa estiveram os arquitetos Francesc Quintana, Isidre Puig i Boada e Lluís Bonet i Garí, enquanto da obra escultórica se encarregou Jaume Busquets. Posteriormente, quando se construiu a fachada da Paixão, o conjunto principal das figuras escultóricas foi encarregado a Josep Maria Subirachs . As obras deste último originaram certa polêmica, devido a ter criado esculturas totalmente contemporâneas afastadas do estilo realista que Gaudí incluiu na fachada da Natividade. O escultor japonês Etsuro Sotoo colaborou em algumas esculturas da fachada da Natividade . Desde 1987 que as obras estão sob a direção do arquiteto Jordi Bonet i Armengol.
Projeto de praça estrelada para a Sagrada Família (1916).
Um dos pontos que suscitou maior controvérsia em relação ao templo é a sua situação no tecido urbanístico de Barcelona: quando começaram as obras encontrava-se num descampado, mas rapidamente ficou integrado no rápido desenvolvimento da cidade em princípios do século XX. Em 1905 Gaudí realizou um projeto para englobar a Sagrada Família dentro do Plano Jaussely, o novo projeto de alargamento barcelonês: concebeu situar o templo dentro de uma zona ajardinada em forma de estrela octogonal, que teria proporcionado uma excelente visão do templo a partir de todas as zonas circundantes. Finalmente, devido ao custo dos terrenos, reduziu o projeto a uma estrela de quatro pontas, que permitia uma ampla visão de todos os vértices. Contudo, o plano de Gaudí não se levou a cabo: em 1975 o Município de Barcelona realizou um estudo urbanístico que previa reabilitar uma zona em forma de cruz em torno da Sagrada Família, com quatro praças ajardinadas em cada extremo do templo ; mesmo assim, atualmente existem apenas duas destas praças, e a criação das novos espaços implicaria demolir vários edifícios, pelo qual ainda se estuda a solução ideal para enquadrar a Sagrada Família numa envolvente apropriada.
O Templo da Sagrada Família teve vários eventos destacados: em 1920 celebrou-se o Ano Jubilar de São José com procissões, peregrinações e missas, e cantou-se o Aleluia de O Messias de Händel por mil cantores de orfeões vindos de toda a Catalunha, dirigidos por Lluís Millet. Em 1953, por ocasião do 35º Congresso Eucarístico Internacional celebrado em Barcelona, foi inaugurada a iluminação artística da fachada da Natividade. Em 1981 abriu-se a praça Gaudí frente à Sagrada Família, com um projeto de jardins de Nicolau Maria Rubió i Tudurí, onde se destaca o tanque, em cujas águas fica refletido o templo. Ao ano seguinte, por ocasião do centenário da colocação da primeira pedra, o templo recebeu a visita do Papa João Paulo II. Igualmente, a 18 de Março de 2007 foi comemorado o 125.º aniversário da colocação da primeira pedra do templo com uma festa, concertos e bailando uma sardana em redor de todo o templo. O templo é palco habitual de numerosos atos culturais e encontros religiosos.
Veja o texto completo no site pt.wikipedia.org/wiki/Templo_Expiat%C3%B3rio_da_Sagrada_F...
A text, in english, from barcelona.de/en/barcelona-sagrada-familia.html
The basilica Sagrada Familia
Antoni Gaudí's life work is an UNESCO world heritage
The Sagrada Familia is one of the most famous landmarks in Barcelona. Since 1882 it was built at the church in the district Eixample built. From 1883 the Catalan architect Antoni Gaudí took over the leadership of the works until his death in 1926. The building is significantly influenced by him. The church is such a huge size, so they often referred it as "cathedral", but without having a bishop's seat. Pope Benedict XVI. inaugurates the Sagrada Familia on November 7, 2010. The church building is raised to a basilica.
Much time should allow for the visit of the details of the facades, where many embassies and biblical stories are hidden.
With the completion in 2026 expected, the construction is financed solely from donations and ticket money. Currently, 8 out of 12 about 100 meters tall bell towers are completed. The higher towers of the facade of the glory will be built and the central dome with a height of over 170 meters. Currently, part of the cloister is the building of the apse dome.
The start of construction of the Sagrada Familia.
Mid-19th Century the booksellers José María Boca Bella , Chairman of the Holy Brotherhood, planned a church in Barcelona to build and to devote the Holy Family ( "Sagrada Familia"). The land he choose was a parcel within the "Poblet (village). He preferred a fundamental step closer to the city centre out. Because of the already high land prices this was not possible.
The planning of the church began with the architect of the Diocese Francisco del Villar. He designed a church in Gothic style and began in 1882 with the construction of the crypt. Because of fundamental disagreements with Boca Bella he had to resign from his job. A few months later in 1883, the young architect Antoni Gaudí took over his work.
Gaudí took place in the Sagrada Familia his life's work. He worked until his death on 10th June 1926.
Under Gaudí the church won because of their extensive dimension and its lush design with such importance that they soon called it "the Cathedral". Also Gaudí even called it, although they do not house a bishop. He was convinced that one day the city would be known as "his" church.
Gaudí shaped espacially the Sagrada Familia . Many new parts are built according to plans, which are hardly ever received and often depend on assumptions as the great architect had originally planned. Of course everyone is sure of one thing: the Church Sagrada family in case of completion in respect to all previously built churches of Christendom will surpass all in greatness.
As a church, the Sagrada Familia should not only be seen in the artistic point of view. It must be the consideration of building facades with its towers and even religion.
Tips for visiting the Sagrada Familia.
The Sagrada Familia is the most visited monument in Spain. At peak times therefore sometimes one can queue in front of the house and cash in on the elevators of the towers which go up, on the other. The largest are the queues in the late morning. So if you dont want to stay in the queue, use the time to the cathedral from a distance, the two places right and left of the Sagrada Familia from them.
On the rear lifts, in the towers of the facade of the birth of Christ which goes up, the queue is much shorter. Do not return to down the lifts, use the stairs. Only then do you see the absolutely stunning spiral staircase.
Considerada como una de las ciudades más bellas de Europa, Budapest cuenta con varios sitios que son Patrimonio de la Humanidad, entre los que se incluyen, a orillas del Danubio, el barrio del Castillo de Buda, la avenida Andrássy, la Plaza de los Héroes y el Metropolitano del Milenio, el segundo más antiguo del mundo.
Baeza es un municipio de España, la ciudad capital de dicho municipio y cabeza del partido judicial homónimo. Se encuentra en el mismo centro geográfico de la provincia de Jaén (en el noreste de la Comunidad Autónoma de Andalucía) enclavada en la comarca de La Loma de la que se considera su capital occidental.
En la actualidad es conocida por su ingente producción olivarera, su abundante legado monumental, y por ser sede universitaria desde el siglo XVI, albergando hoy día una de las sedes de la Universidad Internacional de Andalucía.
Denominada "Nido Real de Gavilanes" por el romancero, fue un punto clave en la conquista de al-Ándalus por los reyes cristianos; pasando definitivamente al reino de Castilla en 1227. Atalaya sobre el Guadalquivir, la posesión de su alcázar (considerado como inexpugnable) aseguró la retaguardia castellana, la vez que supuso una amenaza constante para los reinos islámicos situados al oeste y al sur del Guadalquivir; una amenaza que se hizo efectiva durante los más de dos siglos de lucha fronteriza que separaron la incorporación de Baeza al reino de Castilla y la caída del reino nazarí de Granada (1492).
Durante el período de gran crecimiento demográfico y económico que supuso la mayor parte del siglo XVI, y aún en parte del XVII, Baeza construyó sus edificios públicos y administrativos con alto sentido de capitalidad y con la más alta dignidad, conformando así, junto con las construcciones eclesiásticas, un tejido urbano caracterizado por una monumentalidad que ha dado a la ciudad un encanto especial a los ojos del visitante.
En 1943 se fundó en Baeza la academia de las escalas de Cabos y Guardias y de Suboficiales de la Guardia Civil.
Se encuentra a unos 48 km al noreste de la capital provincial, y limita por el este con el municipio de Úbeda, con el que comparte la capitalidad de la histórica Comarca de La Loma.
El 3 de julio de 2003, y tras varios años de intentos, la UNESCO declara finalmente a Baeza (junto a Úbeda) Patrimonio de la Humanidad. Este acontecimiento profundiza el relanzamiento de la ciudad al incrementar considerablemente el interés del sector turístico.
es.wikipedia.org/wiki/Baeza_(España)
www.lonelyplanet.com/spain/andalucia/baeza
Baeza se asienta sobre un terreno que ha estado continuamente habitado, al menos desde la Edad del Bronce. Por esta razón, y a pesar de las sucesivas destrucciones sufridas por las construcciones de todos los períodos, la ciudad aún retiene un destacado patrimonio monumental en el que están representadas diversas culturas, períodos y estilos artísticos. En Baeza pueden contemplarse restos de la Edad del Bronce, de la Época Romana, y de la Hispania visigoda, islámica y cristiana. No obstante, el más rico patrimonio monumental conservado corresponde a los diversos estilos artísticos presentes en la Baeza cristiana: desde el tardo-románico y el gótico, al renacentista, manierista, barroco y neoclásico. No en vano en 2003 el casco histórico de la población, con su antigua ciudad intramuros, fue declarado Patrimonio Mundial por la Unesco.
Baeza, situada en la cornisa sur de la gran meseta que es La Loma, se asoma al valle del Guadalquivir desde un acantilado que domina un paisaje de cerros infinitos; dicho acantilado, visto desde el llano parece sustentar la catedral como un faro.
La ciudad originaria estaba edificada sobre este cerro y en torno a una ciudadela, hoy desconocida: el celebérrimo alcázar de Baeza, reputado como inexpugnable y dentro del cual se encontraban el castillo-palacio de la autoridad real y la iglesia (luego colegiata) de Santa María del Alcázar. Estas construcciones, lejos de surgir ex novo, fueron una continuación de similares edificaciones de los períodos oretano, cartaginés y romano; restos de los cuales aún pueden contemplarse en el cerro junto a otros de la precedente Edad del Bronce.
Desde esta atalaya entendemos que la ciudad fuera una gran plaza fuerte donde, un día, se remansó la gran epopeya reconquistadora revitalizada por Las Navas de Tolosa. No obstante, a fines del s. XV el alcázar fue derribado por mandato de la reina Isabel la Católica de modo que no siguiera siendo utilizado como defensa con ocasión de las pugnas nobiliarias que enfrentaban por entonces (como en toda Castilla) a los linajes dominantes de la ciudad (Carvajales y Benavides).
Consecuencia del derribo del alcázar, el cerro fue perdiendo pobladores hasta el punto de estar casi despoblado en el s. XVIII y trasladarse por ello la colegiata a la parroquia de San Andrés. También desaparecido el frente sur de la muralla, adyacente al alcázar, el paseo que lo reemplaza es hoy día un mirador excepcional sobre el valle alto del Guadalquivir, y el cerro mismo, un parque arqueológico de primer nivel pendiente de excavaciones más ambiciosas.
Su centro neurálgico es la Plaza de Santa María establecida en la baja edad media, y hasta el s. XIX, como sede de los poderes que rigen la ciudad: el civil y el religioso; en ella se encuentran hoy:
La Catedral de la Natividad de Nuestra Señora: edificada sobre la antigua mezquita que (según tradición histórica) había sido construida a su vez sobre un templo visigodo anterior, fue la primera consagrada en Andalucía con ocasión de la reconquista castellana.
Las Cancillerías góticas o Casas Consistoriales Altas: sede del concejo de la ciudad entre fines del s. XV y el s. XIX, cuando el consistorio municipal traslada su sede al antiguo palacio del corregidor.
La Fuente de Santa María: situada en el centro de la plaza fue edificada en el año 1564 para marcar la finalización de las obras de traída de aguas a la ciudad.
El Seminario de San Felipe Neri (1660): tiene fachada de buena sillería, puerta de medio punto, frontón partido y vítores estudiantiles.
Al norte de este conjunto, y junto a la Puerta del Barbudo, se halla la sede de la antigua universidad Santísima Trinidad, otra importante Institución eclesiástica de la Edad Moderna hoy Instituto. El edificio es de estilo manierista (fines del s. XVI) y consta de claustro, en torno al cual se organizan las dependencias universitarias, y una amplia capilla; contando cada uno de estos elemento con portada propia. Destaca, sobre la puerta de acceso al claustro, el medallón labrado con el tema de la Santísima Trinidad. En esa misma fachada pueden verse los escudos del canónigo Fernández de Córdoba (donante del edificio) timbrados con un impropio galero arzobispal.
De las primeras parroquias intramuros han desaparecido por completo la colegiata de Santa María, San Miguel y San Gil; solo permanecen:
Las Ruinas de la parroquia de San Pedro: iglesia románica de la que sólo se conservan el ábside (parcialmente visible al exterior) y restos considerables de la portada norte (dentro de propiedad particular). Parcelada en viviendas desde el s. XIX, su fábrica ha ido deteriorándose y se han abierto nuevos vanos en el ábside.
Las Ruinas de la parroquia de San Juan: iglesia tardorrománica de la que sólo se conservan los tres ábsides de la cabecera, el muro del lado del evangelio y los capiteles y basas de sus seis columnas. Recientemente, estos restos han sido consolidados y su acceso abierto al público.
La Iglesia de Santa Cruz
Esta última se halla en la plaza del mismo nombre frente al Palacio de Jabalquinto, el más destacado de la ciudad intramuros y uno de los emblemas de Baeza. Pero la ciudad intramuros está, además, plagada de rincones con otros palacios y casonas de interés, como la Casa de Avilés (mediados del s. XVI), la Casa de los Galeote (segunda mitad del s. XVI), la Casa de los Ávila (comienzos del s. XVII), la Casa de los Fuentecilla, la Casa de los Canónigos, el Palacio de los Obispos (todos del s. XVIII) o el Palacio Rubín de Ceballos (principios del s. XIX).
El trazado de la muralla históricamente conocida, y de la que aún subsisten importantes elementos, obedece a un diseño islámico del s. XI. No obstante, las edificaciones conservadas responden más bien a reconstrucciones cristianas posteriores.
La Plaza del Pópulo (o de Los Leones) está inmediatamente al norte de la ciudad amurallada y al oeste de El Paseo, organizándose en torno a la Puerta de Jaén, única construcción de la plaza perteneciente a la muralla; las otras edificaciones de la misma han ido añadiéndose en distintas épocas:
El Arco de Villalar: directamente a continuación de la Puerta de Jaén, fue erigido con ocasión de la visita del rey Carlos I (1526) y conmemora la victoria real en la batalla de Villalar.
La Casa del Pópulo: edificio plateresco que albergaba la audiencia civil y las escribanías públicas; hoy, oficina de turismo.
La Fuente de los Leones: manantial natural que la interpretación histórica tradicional postula monumento arqueológico procedente de la antigua ciudad iberorromana de Cástulo, hipótesis que se sustenta en la continuidad histórica deliberadamente mantenida con ocasión del traslado a Baeza de la capitalidad administrativa y episcopal de la desaparecida Cástulo. Según esta interpretación, parejas de felinos y équidos (actuando como surtidores) rodean una figura femenina identificada como Himilce. Más recientemente, se ha propuesto identificar esta fuente como previamente proveniente de un patio del alcázar.
La Antigua Carnicería (s. XVI): trasladada a su emplazamiento actual en los sesenta del s. XX, estaba originalmente apoyada contra la muralla en la antaño populosa plaza intramuros sita al otro lado de la Puerta de Jaén; hoy cumple las funciones de palacio de justicia del Partido judicial de Baeza.
Al este del conjunto anterior, más allá de El Paseo (plaza cuyo lado sur se antepone a la Puerta del Barbudo) encontramos:
La Torre de los Aliatares (o de los Altares): denominada así de acuerdo con la tradición que la hace, en tiempos anteriores a la reconquista, posesión del linaje musulmán de ese mismo nombre. Tiene veinticinco metros de altura, con almenas copiadas del Arco de Villalar y ostenta el reloj público de la ciudad.
Hacia el sureste de la anterior hallamos:
La Puerta de Úbeda: de las principales de la muralla; protegida por su torre albarrana hoy sólo conserva uno de sus arcos, habiendo sido desmantelados los otros dos en el s. XIX.
La actual Plaza de España, situada en el extremo noreste de lo que fue la ciudad amurallada; se conoce como tal la gran plaza edificada sobre la rambla por la que vienen a desaguar las tres colinas sobre las cuales se asienta la urbe. Su fisonomía es porticada, muy castellana. Servía de escenario para los eventos taurinos, fiestas y ajusticiamientos públicos. A partir del s. XIX fue cuando se convirtió en un paseo romántico.
En su lado sur encontramos la mencionada torre de Los Aliatares y La Alhondiga, e inmediatamente tras ella El Pósito. En su cara norte se hallan las Casas Consistoriales Bajas o Balcón del Concejo (s. XVII), lugar desde donde los munícipes presenciaban las corridas de toros celebradas en la plaza. Finalmente, y de este a oeste, también encontramos en las inmediaciones de su lado septentrional:
La Iglesia de la Purísima Concepción: capilla del antiguo hospital homónimo edificada a principios del s. XVII (el hospital desapareció en el s. XX).
Convento de San Francisco y Ruinas de la Capilla de los Benavides: sustituyendo un templo gótico construido en el que era tercer solar ocupado en Baeza por la comunidad franciscana, Diego de Valencia Benavides encargó en 1538 a Andrés de Vandelvira la construcción de la cabecera de un nuevo templo conventual, que habría de albergar su capilla funeraria y que acabó siendo la obra maestra de aquel artista y un hito de la arquitectura renacentista española. Lamentablemente el terremoto de Lisboa quebrantó la bóveda cruzada y la invasión napoleónica acabó de arruinar el templo.
Ayuntamiento de Baeza: magnífico edificio plateresco construido originalmente como Palacio de Justicia y Cárcel del Corregidor.
"Consider how Jesus, after having been scourged and crowned with thorns, was unjustly condemned by Pilate to die on the Cross.
My adorable Jesus, it was not Pilate, no, it was my sins that condemned Thee to die. I beseech Thee, by the merits of this sorrowful journey, to assist my soul in its journey towards eternity. I love Thee, my beloved Jesus; I repent with my whole heart for having offended Thee. Never permit me to separate myself from Thee again. Grant that I may love Thee always; and then do with me what Thou wilt."
-St Alphonsus Ligouri.
Mosaic station from the Basilica of Sacre Coeur, Montmartre in Paris.
During Passiontide, I will be posting one Station of the Cross a day, each taken from a different location in the world.
I recently got reacquainted with a fellow photographer who I consider a good friend and have a lot of respect for. He has been absent from Flickr for the better part of a year and a half now. It was a pleasant surprise to see him again, and it was good talking to him. He has long been a fellow whose perceptions I respect and admire. He wrote this e-mail for a friend of his, and forwarded it to me because he knew I would appreciate reading it as well. I did and do. And I think it important. I hope he doesn't mind me sharing it, though I will keep him anonymous unless he chooses to reveal himself. It is lengthy, but it is insightful and I suggest taking a moment to read the whole piece. Thanks E for sending this along to me.
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But, somewhere along the way, something changed for me. I've had many friends ask me why I quit, and I usually start the story at the end. I usually start by saying, I still shoot (usually with a holga), but I don't put film in my camera anymore. This usually leads to some very puzzled expressions and I have to back up and tell the story from the beginning. Really, I often carry a camera and wander the streets of Portland like I have for the past few years. But, I don't want to see the results of my shots. What I want, is to see the world. My camera changes the way I do that.
When I was 16, I went to Greece for a three week school trip. I brought my camera and, after shooting some pics at the Parthenon, and on Santorini, I started to realize that I was missing the experience of seeing the places I was visiting because I was so focused on trying to save an image to look at later. I put my camera down and didn't take a single shot of the last two weeks of the trip. Or, the next ten years of my life. I just soaked in the scenes and tried my best to live in the moment.
That changed the way I thought about photography and, for the next 14 years, I never owned a camera. I spent almost a decade immersed in wilderness and outdoor activity, climbing and backpacking in Mexico and throughout the western United States, and I have only a few snapshots, given to me by friends, to record any of the experiences. My move to Portland was a dramatic lifestyle adjustment as well. I decided to see how green the grass really is on the more urban side. I rarely backpack anymore (as my photo stream attests) and I gave up rock climbing completely.
But I've always loved photography. I love it for the art. I love the moods, the way Steven Shore can capture a series of lines and patterns in what superficially appears to be a mundane scene and launches the viewer into a different mental space... Ed Weston, transforming a bell pepper or a thigh into a tonal voyage.... and the incredible work of the people I admire so much on Flickr, each image, an experiment, and each photo stream, a progressive map and tale of discovery. I'm sounding melodramatic again. But, these pictures really have changed the way I view the world. And so I wanted in. I started sharing too.
And I started wandering the streets of Portland, looking with fresh eyes at cracks in the sidewalk, streaks on a wall, buildings and, best of all, people. I saw light, lines, and structures in a way that I hadn't previously seen them. Unlike my days in Greece, trying to capture a snapshot for posterity and thus pulling myself away from a moment, this new way of using the camera had the opposite effect. Now, I was being pulled in. And I started to examine the constantly evolving scenes of my daily walk to work with new appreciation. It's hard not to keep sounding melodramatic. But it's true.
We've never met. At least not face-to-face. And I have no idea if we'd even be friends if we lived a few blocks apart (but I suspect we would). But in your photostream, I found such tremendous inspiration because you constantly capture the things I'm talking about. And, as I aimed my lens at the sidewalk and buildings of Portland, it not only changed the way I would see my own town, through Flickr, it changed the way I would see the world. I had a blurred pigeon, flying past a column, as my desktop background for a year. Because that pigeon was such an awesome example of something I would encounter every day, but would never have thought to capture the art of it like you did. So, on Flickr I found inspiration and a wealth of new art.
Until it became too much. And something changed. At first I liked the attention. No, not just at first, I still like it. When an image hits the explore page, or when I get mail from someone who requests to use an image in a publication, or someone leaves a sincerely flattering comment, or a zillion of them, I like it. And I like to reciprocate. I like being able to tell someone how truly inspirational they are. But the attention doesn't have anything to do with the cracks in the sidewalk. Once again, my reasons for taking pictures started to shift. I wasn't taking snapshots to put in a photo album like I was in Greece when I quit shooting. I was still trying to capture something artistic, and I was still experiencing the moment of the shoot. But the attention of a Flickr page vied for my energy as much as, and sometimes more than, the shoot itself. I started to feel an obligation to produce something. This has an upside, it kept me shooting. But it has a downside as well. If my images didnt get attention I'd get bummed out. And I started to think about "my audience" more. I started to cater my shots to the Flickr folks who were looking at my stream. Steadily my number of contacts grew. I couldn't keep up (which I'm sure you are familiar with) and then, the final straw, was when I realized that I wasn't shooting cracks in the sidewalk anymore. As I was shooting, I was thinking about what might attract attention. My post process became less about my own ideas and visions, and more about trying to speak to an audience that I was rapidly realizing I didn't know. I feel like, on some level, I know you. I know Dan. I know Angie, and Noicework (Allison), and Zeb, and Sati. But I don't know most of the 200-something people on my contact list. But I want to. And so it all spiraled until one day, I took the film out of my holga. I can't say that I don't care about the attention a photographer on Flickr receives. But I can say that it isn't why I started taking pictures again.
So, it wasn't a conscious decision to stop posting images. It was a gradual realization that I actually felt more inspired when I didn't have film in my camera. I don't need the snapshot. I want to see a moment. My camera helps transform the way I do that so I will keep playing with my camera. And, I might start posting images again. I really do love the comments, the feedback, the sharing. But I don't want that to be my reason for shooting pictures.
Anyway, this got long. I've felt like explaining myself for a while now. I still love to quietly surf the pages of Flickr. I love spending hours in the photography section of Powell's Books. And I still love to stop to think about the lighting on the buildings as I walk to work. I'll keep shooting. And on occasion, I'll keep posting. And I hope that people will keep looking. I know I will.
Question: Whose opinions and guesses are better than yours?
Consider below before inserting your
Answer: ________________
Macho Mentality Persists, Says Pope
Notes Attitude Ignores the Novelty of Christianity
VATICAN CITY, FEB. 10, 2008 (Zenit.org).- A discriminatory macho mentality continues to persist in cultures that ignore the novelty of Christianity to recognize the equal dignity of men and women, says Benedict XVI.
The Pope said this Saturday upon receiving in audience participants from the international conference titled "Woman and Man, the 'Humanum' in Its Entirety," which marked the 20th anniversary of the publication of Pope John Paul II's apostolic letter "Mulieris Dignitatem."
The conference, sponsored by the Pontifical Council for the Laity, ended Saturday.
"From the second half of the 20th century until today," said the Pope, "the movement for women's rights in the various settings of social life has generated countless reflections and debates, and it has seen the multiplication of many initiatives that the Catholic Church has followed and often accompanied with attentive interest."
In the apostolic letter "Mulieris Dignitatem," the Pontiff said John Paul II saw the need to "delve into the fundamental anthropological truths of men and women, the equality in dignity and their unity, the rooted and profound difference between the masculine and the feminine, and their vocation to reciprocity and complementarity, collaboration and communion."
The Holy Father continued: "In the face of cultural and political currents that attempt to eliminate, or at least to obfuscate and confuse, the sexual differences written into human nature, considering them to be cultural constructions, it is necessary to recall the design of God that created the human being male and female, with a unity and at the same time an original and complementary difference.
"Human nature and the cultural dimension are integrated in an ample and complex process that constitutes the formation of the identity of each, where both dimensions -- the feminine and the masculine -- correspond to and complete each other."
Mom and dad
Benedict XVI, however, insisted that discrimination continues: "There still persists a macho mentality that ignores the novelty of Christianity, which recognizes and proclaims the equal dignity and responsibility of women with respect to men. There are certain places and cultures where women are discriminated against and undervalued just for the fact that they are women.
"In the face of such grave and persistent phenomena the commitment of Christians appears all the more urgent, so that they become everywhere the promoters of a culture that recognizes the dignity that belongs to women in law and in reality."
"God entrusts to women and to men," said the Pope, "according to the characteristics that are proper to each, a specific vocation in the mission of the Church and in the world. I think here of the family, community of love, open to life, fundamental cell of society.
"In it, woman and man, thanks to the gift of maternity and paternity, together play an irreplaceable role in regard to life."
The Pontiff affirmed the right of children to have a father and a mother, and the state's role to "sustain with adequate social policies all that which promotes the stability of matrimony, the dignity and the responsibility of the husband and wife, their rights and irreplaceable duty to educate their children."
EXPLORE # 159 on Sunday, March 2, 2008; # 460 on S03-01-2008
Return of direct operations….
Local transport authorities (LTAs) in Scotland have been encouraged by Minister for Transport Jenny Gilruth to consider operating municipal bus services after the Scottish Government commenced such powers under Section 34 of the Transport (Scotland) Act 2019.
Municipal operation is among the options outlined in the Act that, it is hoped, will arrest bus patronage decline in Scotland and lead to improved services. Collaborative working via a Bus Service Improvement Partnership (BSIP) is another avenue, as is reregulation via the franchised model. Transport Scotland earlier said that secondary legislation to enable both the latter will be introduced “before the end of 2023.”
Where Scottish LTAs take up the ability to run local bus services themselves, they may do so “in any way they see fit within the wider context of their obligations,” says Transport Scotland. Such activities were previously prohibited under the Transport Act 1985. The new power sits alongside LTAs’ existing scope to subsidise services.
During passage of the Bill that subsequently became the 2019 Act, some LTAs in Scotland had indicated a desire for “a clearer legal framework to afford the option to run their own buses,” Transport Scotland said in an earlier consultation.
The 2019 Act “is not restrictive” in the way that those LTAs can run their own buses. As a result, they may choose to do so directly or via an arm’s length external organisation in which the LTA is the main shareholder but is not involved in day-to-day operation.
Under the Act, Scottish ministers may issue guidance in relation to exercising the new functions. Responses to the same consultation showed that four themes are dominant among the information that LTAs need for possible municipal operation: Legislative requirements, financial implications, competition impacts and bus service business models.
While Ms Gilruth has encouraged all LTAs in Scotland to consider using the new power to run their own bus services, she has acknowledged that not all will wish to do so, and that some will opt for alternative BSIP or reregulation approaches. However, “what is key is that LTAs will soon have greater tools at their disposal to revitalise bus services where required,” she adds.
First Glasgow is already part of a partnership (GlasGo) with Stagecoach Western Buses, Craig of Campbeltown, McGill’s Buses and Whitelaws Coaches to improve bus travel in partnership with the local authorities. Of course for some, who view private companies providing bus services as some sort of anti-Christ, no amount of partnership will be good enough. They want direct ownership run by local authorities, thinking that’ll solve everything. Of course some of us can recall when buses were last owned that way in the 1970s and 1980s. And it wasn’t all milk and honey then…
Of course life has changed considerably since then and it’s clear with things such as the end of diesel and the rush for zero emissions, as well as changes due to ways of working following the pandemic, what worked even as recently as 2019 may not work now. So some sort of change needs for happen, even if ridership is slowly recovering. Although no one who advocates the direct ownership model has explained how the private companies would be suitably compensated for having their bus fleets taken off them at a time when public finances are under so much strain. Remember when the big four rail companies were nationalised at the formation of British Railways back in 1948, the shareholders received millions of pounds in compensation at that time. It would be similar such sums possibly in the billions if it happened again to the bus fleets of First, Stagecoach, Arriva and others. Or if the companies declined to play ball - as is their right of course - and transferred their bus fleets elsewhere to local authorities advocating the partnership avenue, new vehicles would need to sourced by the local authorities. Political dogma isn’t cheap after all.
As if to emphasise how the bus industry has changed, here’s 64108 (LG71DLX). This time last year, the service it’s on was run by Euro III-engined Volvo B7RLEs. Now it’s clean electric buses.
What I consider to be one of the most important household inventions is the whistle in my tea pot. This one works well and is very loud, which was a bit of a problem at 10:30 last night while I was trying to set this up. Was going to go mono but the red glow was getting lost.
8.29.13
If you are seeing this, consider yourself tagged!
Upload a photo with one or many disney princess dolls. Since there are 13 official Disney Princesses, here are 13 Questions...
1.Favorite Disney Princess: Rapunzel!! <3
2.Favorite Disney movie which includes a princess: Tangled ;)
3.Which princess, not included in tthe Princess cannon should be added?: MEG! I love her!
4.Favorite Disney Princess Song: I have a tie between Part of Your World and Almost There(:
5.Which Princess are ypu most like and why? I think I am a lot like Anna because she is just as clumpsy as me haha
6.Which disney pricess dress is your favorite? Aurora's dress!
7.If you could have any of the princess sidekicks in real life, which one would it be? Flounder! i love him! he is super cute
8.What ethnicity or country would you like to see the next disney princess from? MEXICO! Or at least some kind of latina princess (;
9.Would you go to see a Gay/Lesbian disney prince/princess movie? Yeah why not? haha
10.Favorite Disney Princess Sequel? Hmm maybe The Little Mermaid II
11.Which princess do you thibk had the besr home life/childhood? Merida! playing with her mom, dad, and brothers (and learning archery haha)
12.Which princess would you most want to look like? Rapunzel, so pretty, rocking long and short hairstyles haha :)
13.Most attractive prince? Eugene aka Flynn! so handsome!
+++ DISCLAIMER +++
Nothing you see here is real, even though the conversion or the presented background story might be based on historical facts. BEWARE!
Some background:
Following World War II the Allies dissolved the Wehrmacht with all its branches on 20 August 1946. However, already one year after the founding of the Federal Republic of Germany in May 1949 and because of its increasing links with the West, the Consultative Assembly of Europe began to consider the formation of a European Defence Community with German participation on 11 August 1950.
By March 1954, plans for a new German army had become concrete and foresaw the formation of six infantry, four armored, and two mechanized infantry divisions, as the German contribution to the defense of Western Europe in the framework of a European Defence Community. Following a decision at the London Nine Power Conference of 28 September to 3 October 1954, Germany's entry into NATO effective from 9 May 1955 was accepted as a replacement for the failed European Defence Community plan.
The official founding date of the German army was 12 November 1955 when the first soldiers began their service in Andernach, even though preparations began earlier. In 1956, the first troops set up seven training companies in Andernach and began the formation of schools and training centers. On 1 April 1957, the first conscripts arrived for service in the army. The first military organisations created were instructional battalions, officer schools, and the Army Academy, the forerunner to the Führungsakademie der Bundeswehr in Hamburg. In total twelve armored and infantry divisions were to be established by 1959, as planned in Army Structure I. To achieve this goal, existing units were split approximately every six months. However, the creation of all twelve divisions did not take place until 1965. At the end of 1958 the strength of the army was about 100,000 men.
Concerning vehicles, the German army was equipped at first with American material, such as the M47 Patton main battle tank or M7 Priest SPGs. Lighter vehicles, like the “Schützenpanzer Kurz 11-2” family or the “Schützenpanzer Lang HS-30” AFV, were developed and/or produced with foreign support. Additionally, also as a measure to bring the German industry back into business and to fill equipment gaps, some leftover vehicles from WWII were modernized and put back into service. One of these vehicles was the so-called “Spähpanzer Puma (Neu)”, an update of the highly successful SdKfz. 234/2 8x8 heavy reconnaissance vehicle, one of the best armored scout vehicles during WWII.
Germany had a long and successful history of heavy 8x8 scout cars, starting with the SdKfz. 231 in the Thirties. The Sd.Kfz. 234 was the final development of this vehicle family that actually made it into service. For its time, the Sd.Kfz. 234 incorporated several innovative features, including a monocoque chassis (instead of a classic frame with a hull mounted on top), an independent suspension on each wheel and an air-cooled Tatra 103 diesel engine (at the time of the vehicle’s design all German armored vehicles were powered by gasoline engines) with a net power of 220 hp@2,250 rpm and a very good power-to-weight ratio of 21 hp/ton. This engine gave also the vehicle an extraordinary range of more than 600 miles (1.000 km). The reason behind this was that the SdKfz. 234 was originally intended for use in North Africa, but it came into service in late 1942 and was therefore too late for this theatre of operations. Furthermore, the vehicle featured eight-wheel steering and drive and was able to change direction quickly thanks to a second, rear-facing, driver's seat. Despite its late service introduction, the SdKfz. 234 nevertheless proved useful on the Eastern and Western Fronts. It was quite formidable, commonly used in pairs, one equipped with a long-range radio communications kit while the other possessed only a short-range radio.
A small number of SdKfz. 234s survived the wartime on German soil and had been stashed away as a reserve. Their reactivation for the nascent Bundeswehr in the Fifties covered the replacement of the outdated Tatra engine, for which no spare parts were available anymore, with an air-cooled, supercharged Magirus-Deutz V8 Diesel engine. It had less power (125 kW/180 hp) than the former Tatra V12, but was more reliable and offered more torque and an even better mileage. Furthermore, this was basically a standard engine that was widely used in civil lorries and many other military vehicles of the time, including those operated by the West-German Bundesheer, too. Thanks to the smaller size of the new engine, sound-damping materials could be added and the exhaust system was optimized, so that the vehicle’s noise level was considerably reduced. The additional internal space was also used for two communication kits: a short-range radio was installed in the new turret (see below), while a long-range radio kit was placed into the hull, next to the rear driver.
The suspension was modernized and beefed up, too, with heavy duty shock absorbers, wider wheels and a pressure control system, so that ground pressure could be reduced by the crew from the inside of the vehicle for an adaptable, improved on- and off-road performance. The SdKfz. 234’s crew of four in its former positions was retained, including the second, backwards-facing steering wheel for the radio operator.
Since the West German SdKfz. 234 survivor fleet consisted of different body variants (mostly with open hulls and just two former SdKfz. 234/2s with a closed turret) and vehicles in various states of completion, hull and the armament were unified for the Puma (Neu): all revamped vehicles received a newly developed, welded two-man turret with a low profile. The commander on the left side did not have a cupola, but his position was slightly raised and no less than seven mirrors plus a forward-facing infrared sight for night operations allowed a very good field of view. Both crewmen in the hull also received additional three mirrors above their workstations for a better field of view while driving.
Main weapon of the Puma (Neu) became a 20 mm Rheinmetall MK 20 Rh202 autocannon, a license-built Hispano-Suiza 820 L/85, together with a co-axial 7.62 mm MG42/57 light machine gun. The MK 20 was a common anti-aircraft weapon at the time and mounted to other Bundeswehr vehicles like the HS-30 AFV, too. It could fire HE and AP rounds at 800–1000 RPM, making it efficient against lightly armored vehicles (25-30 mm of armor) at up to 1,500 m range, with a maximum range of 2,000 m. 750 rounds of 20 mm ammunition were carried, even though ammunition feed had to be changed manually. The weapons were not stabilized, but they had a 15x15 periscopic sight and could be elevated between -5° and + 75°, so that it could be aimed at both ground and air targets. Three additional smoke grenade launchers per turret side were provided for tactical and emergency concealment.
Only a small number (40 plus two prototypes) of Spähpanzer Puma (Neu) were eventually converted or re-build from spares, but they became in 1957 the launch equipment of the Bundeswehr’s armored reconnaissance brigades, together with M8 Greyhound scout cars donated by the USA, even though the latter were soon complemented and replaced by tracked vehicles, based on the Schützenpanzer Kurz. However, due to their high road speed and excellent range, the Puma (Neu) scout cars were popular and remained in service until the late Seventies, when a new generation of 8x8 reconnaissance vehicles in the form of the amphibious Spähpanzer Luchs was introduced and replaced all 1st generation Bundeswehr vehicles.
Specifications:
Crew: Four (commander, gunner, driver, radio operator/2nd driver)
Weight: 10.500 kg (23,148 lbs)
Length: 6.02 m (19 ft 9 in)
Width: 2.36 m (7 ft 9 in)
Height: 2.84 metres (9 ft 4 in)
Suspension: Independent on each wheel, with leaf springs
Track width: 1.95 m (6 ft 4 1/2 in)
Wading depth: 1.2 m (3 ft 11 in)
Trench crossing capability: 2m (6 ft 6 1/2 in)
Ground clearance: 350 mm (13 3/4 in)
Climbing capability: 30°
Fuel capacity: 240 l
Armor:
9-30 mm (.35-1.18 in) steel armor
Performance:
Maximum road speed: 80 km/h (49 mph)
Operational range: 800 km (500 mi)
Fuel consumption: 30 l/100 km on roads, 45 l/100 km off-road
Power/weight: 17 PS/t
Engine:
Air-cooled, supercharged 10,622 cc (648³ in) Magirus-Deutz F8L 614K V8 diesel engine,
with 132 kW (180 hp) output at 2.500 RPM
Transmission:
Büssing-NAG "GS" with 6 forward and reverse gears, eight-wheel drive
Armament:
1× 20 mm (0.79 in) Rheinmetall (Hispano-Suiza) MK 20 Rh202 autocannon with 750 rounds
1× co-axial 7.62 mm MG42/57 light machine gun 2.000 rounds
The kit and its assembly:
This German 8x8 vehicle is a contribution to the “Back into service” Group Build at whatifmodelers.com in late 2019. Beyond aircraft I also thought about (armored) vehicles that could fit into this theme, and the SdKfz. 234/2 “Puma” (even though this popular name was never official!) came to my mind, because it was a very effective vehicle with many modern features for its time. So, what could a modernized Puma for the young Bundeswehr look like…?
The starting point became the very nice Hasegawa SdKfz. 234/2 kit, which did not – except for some PSR between the hull halves – pose any complications. I did not want to change too much for the Bundeswehr update, but new/wider wheels and a new, more modern turret with a light post-war weapon appeared sensible.
The wheels come from a ModelTrans aftermarket resin set for the LAV-25 – they are quite modern, but they do not look out of place. Their different, more solid style as well as the slightly bigger diameter and the wider tires change the Puma’s look considerably. In order to mount them, I modified the suspension and cut away the former attachment point on the four axles, replacing them with thin, die-punched styrene discs. This reduced the track width far enough so that the new, wider wheels would fit under the original mudguards. It’s a tight arrangement, but does not look implausible. The spare wheel, normally mounted to the vehicle’s rear, was omitted.
The turret was taken from a Revell “Luchs” Spähpanzer kit, but simplified so that it would have a more vintage look. For instance, the machine gun ring mount above the commander’s hatch was omitted, as well as the rotating warning light and the modern smoke grenade dischargers. The latter were replaced by the WWII triple dischargers from the Hasegawa kit, for a more vintage look.
To my astonishment, the Luchs turret was easy to mate with the Puma chassis: its attachment ring diameter was almost identical! The new part could be attached almost without a problem or modification. I just added some reinforcements to the hull’s flanks, since the Luchs turret is slightly wider than the SdKfz. 234/2’s horseshoe-shaped turret. Beyond that, only small, cosmetic things were added, like mirror fairings for both drivers above their workstations, license plates at the front and the rear and antennae.
Painting and markings:
Creating an early Bundeswehr vehicle is a simple task, because there is only one potential color option until the Eighties: a uniform livery in Gelboliv (RAL 6014). Due to the livery’s simplicity, I used a rattle can to paint hull, turret and wheels separately.
After some detail painting, a very dark brown wash with acrylic paint and some post shading with Revell 42 (also Gelboliv, but a rather greenish and bright interpretation of the tone) as well as dry-brushing with Revell 46 and 45 along the many edges were used to weather the model and emphasize details. After decals had been applied (mostly from a Peddinghaus sheet for early Bundeswehr vehicles, plus some tactical markings from the Revell Luchs), the kit was sealed with matt acrylic varnish.
Once dry and completed, some artist pigments were added around the wheels and lower hull in order to simulate dust and dirt. On the lower chassis, some pigments were also "cluttered" onto small patches of the acrylic varnish, so that the stuff soaks it up, builds volume and becomes solid - the perfect simulation of dry mud crusts. I found the uniform livery to look quite dull, so I added some branches (real moss, spray-painted with dark green acrylic paint from a rattle can) to the hull – a frequent field practice.
This was a very quick project – in fact, the model was completed in the course of just one evening, and painting it was a quick affair, too, lasting only another day. However, I like the result. The SdKfz. 234/2 already had a quite modern look in its original guise, but the new wheels and the Luchs turret change its look considerably, it really has an even more modern feel that fits well into the early Bundeswehr era.
Please consider leaving a comment if you fave, it is lovely to hear from you! xx
A night in black and white!
Trying out a few different angles and poses in my black and white palm tree print dress.
Paddy, pausing whilst he works out what to do next after 3 sheeps appeared out of the mist infront of him and had stayed put in the same direction he was travelling ..
The car that many people consider to be the king of muscle cars is the Plymouth Hemi 71 Cuda was available with several engines including the 340 V-8, 383 V-8, the venerable 440 V-8 and of course the legendary 426 Hemi. The Hemi made an impressive 425 HP (gross), a feat that few other engines could match. An available option was the "Shaker" hood (seen here.) It was called this because the air cleaner that was mounted to the engine came through the hood and shook as you drove. To own one of these pieces of automotive history you either have to be very lucky or very wealthy (or both.) They only may 7 Hemi 'Cuda Convertibles with the Shaker hood. At auction they go for well over $1 million. This one also features a driver- the most famous person to drive a Hemi Cuda- Nash Bridges (Don Johnson) in his signature yellow blazer (and yes I know the one that he drove was yellow.)
Though I do not consider Tiana one of my top 5 princesses, I question it all the time. I clearly have a soft spot for her. Not only do I have more Tiana dolls than I do some of my favorite characters, but I keep buying extra dolls of her to customize in some way. This version was a last minute idea. I wanted this version to wear her yellow dress, but the overall look to be closer to a 'deluxe' or designer doll. The yellow eyeshadow is my favorite because the brightness paired with her skin tone make it pop. She is complete with a plastic pearl necklace, rooted eyelashes, and a little white bird perched on her finger. She's simple, but I like her. :)
Considerada una de las playas mas bonitas del mundo, declarada como Monumento Natural. Hay quien la considera la meca cantábrica del gótico natural. La visité en septiembre pasado y aunque no tuve buenas luces fotográficas, algo pude hacer, y esperando conseguí que nadie se me metiera en el encuadre.
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Let's consider this, shall we? The dictionary defines 'toy' as:
"1. An object for children to play with. 2. Something of little importance; a trifle. 3. A small ornament; bauble; trinket."
In data that is already old, 24% of toy sales was adults purchasing for themselves. 43%, nearly half, of adults have purchased a toy for themselves in the past year. This trend is increasing.
Adult toy purchasers display their toys on their office desks, on bookshelves, and even have rooms dedicated to that purpose.
The trend is driven by nostalgia and the desire to collect items that remind them of their childhood, such as action figures, Lego sets, and other collectibles. Recognizing this demand, traditional toy manufacturers and thousands of new manufacturers have responded and have created product lines specifically for adult collectors.
Adults now purchase toys that run well over $1,000. So much for "Something of little importance; a trifle".
The fact that this message is being delivered by Dr. Psycho may or may not determine how weighty you consider it to be.
And, in fairness, this definition is from the 1981 American Heritage Dictionary. Because, who has paper dictionaries anymore??
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A year of the shows and performers of the Bijou Planks Theater.
Dr. Psycho
DC Universe Classics
Collect-n-Connect
2017, Mattel