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Si hay un tema que me fascina del ferrocarril europeo son los trenes internacionales de viajeros. Quizás sea por la falta de cultura ibérica que tenemos de los mismos, con una escasez de conexiones (hoy en día prácticamente inexistentes, salvo honrosas excepciones ,desde el Covid) que siempre ha contrastado con la amplia oferta transfronteriza que se incrementa a medida que se adentra en la Europa Central. La programación de trenes diurnos internacionales es extensa a lo largo del viejo continente, pero un capítulo aparte, que cada vez brilla afortunadamente con más luz son los nocturnos. Al margen de la indudable esencia ferroviaria que desprenden, estas conexiones que durante años estuvieron abandonadas y pendiendo de un hilo su supervivencia, en los últimos tiempos se encuentran en un proceso de resurrección cual Ave Fénix, demostrando a los viajeros su utilidad e importancia y que prometen formar parte esencial de la oferta ferroviaria de larga distancia europea del futuro. Fue este fenómeno el que me terminó de convencer hace dos años por estas fechas para realizar mi Trabajo Final de Máster sobre los trenes nocturnos españoles y europeos, analizando los nichos de mercado existentes y comprobando el potencial por explotar, además de permitirme conocer mucho más en detalle las diferentes rutas nocturnas que recorren cada noche o cada temporada Europa de punta a punta, ligando capitales, centros turísticos y otros enclaves, y descubriendo multitud de operativas para prestar estos servicios.
En el momento de plantear un viaje a Bosnia y Croacia, teniendo como referencia en este último país la zona de Split, automáticamente mi objetivo primordial pasó a ser los nocturnos internacionales que se programan en verano para atender la ingente demanda de turistas centroeuropeos en pasar las fechas estivales en las preciosas playas del litoral croata bañadas por el Adriático. Una oferta que en los últimos años se ha ido incrementando, y este verano está conformada por el EuroNight Bratislava - Viena - Split, 'Adria' Budapest(Keleti) - Split, 'Dalmacija' Osijek - Zagreb - Split y el tren de la fotografía, el Regiojet Praga - Split.
Cada uno tiene su historia y sus peculiaridades, algunos con bastantes años de servicio a sus espaldas, otros con cambios en su estructura y también uno de reciente creación. Por todo ello, la misión era poder sacar el mayor número de ellos durante la estancia en Split, teniendo como máxima prioridad el mítico EN eslovaco, con su curiosa composición que incluye plataforma portacoches, e intentando sacar al menos un tren en el también legendario encuadre de Sadine, con una espectacular panorámica de la capital de Dalmacia de fondo. Aparentemente eran objetivos más que factibles, pero debido a la planificación previa del viaje que limitaba mi estancia en Split a unas horas, y al existir otras prioridades en el viaje, ninguno de mis múltiples intentos para evitar el desastre que se avecinaba (el no llevarme prácticamente fotos de los nocturnos de Split) fructificó y no conseguí arañar más tiempo para poder sacar algo más que uno de los tres nocturnos que circulaban en esas fechas. Una mala coordinación que al final a pesar de conocer los servicios existentes, he sido el único que solo ha traído de vuelta a España una foto de las diferentes que podían realizarse a estas circulaciones, en este caso el Regiojet.
Aunque en el pasado existió un servicio directo entre Split y Praga en temporada estival, que consistía en la extensión entre Bratislava y Praga del ya mencionado EN eslovaco, en 2009 CD por circunstancias económicas decidió dejar de explotarlo, y a pesar de varios intentos hasta el año 2017, ninguno llegó a consolidarse. Este escenario cambió hace un año, en la temporada estival de 2021, cuando la operadora privada checa Regiojet, que ya operaba un servicio de temporada entre Praga y Rijeka, en base a las buenas perspectivas comerciales decidió añadir a esa oferta el destino de Split, añadiendo a la composición unos coches adicionales hacia Dalmacia que se desacoplarían o unirían a la rama principal de Rijeka en Ogulin. Y tras el éxito de esa primera campaña, para la presente temporada se repitió la operativa, con un aumento de los días de circulación, subiendo a 3 expediciones a la semana por sentido (circunstancia que puede influir en la puntualidad del servicio, circulando en ese día con 3 horas de retraso hacia Split y con más de una hora el inverso). Para ello se emplean los coches adquiridos a ÖBB en diferentes periodos entre 2011 y 2014, remolcados en el tramo Split - Ogulin por una locomotora de los ferrocarriles croatas (HZ), como en la imagen, en la que una 2044 se afana en ascender el duro puerto de montaña de Kozjak, una de las estribaciones de los Alpes Dináricos situada a escasos kilómetros de las costas de Split que no hacen sino acrecentar la pendiente a la que se ve sometida la línea ferroviaria. Una línea que por el momento, y aunque planean sobre ella proyectos de electrificación, sigue manteniendo como único recurso la tracción diesel y crea un curioso ecosistema ferroviario con un espectacular paisaje como telón de fondo. Ojalá este modelo de explotación, como la apuesta que ha realizado tanto Regiojet como otros operadores por proporcionar un servicio que cumple con las necesidades de la demanda, se expanda aún más por todo el continente, y llegue a algunas zonas como Iberia, en la que seguimos a la espera.
Labin, 15/06/2022
31-05-2024
Plaza de la Ópera
Madrid, España.
MADRID SERIE
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MAPAS MERCADO CULTURAL 2018
MAPAS es el primer mercado profesional para el encuentro entre los creadores de artes escénicas en vivo –música, teatro, danza, circo y artes de calle– de Latinoamérica, África y sur de Europa y los responsables de programación –de teatros, espacios culturales, festivales y otros eventos– venidos de todo el mundo.
Que es la PNL?
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Nave de Música (Nave 15)
Arquitectos: María Langarita y Víctor Navarro, en colaboración con el diseñador mexicano Jerónimo Hagerman, 2011
Finalista de los premios FAD de arquitectura 2012. Un lugar único dedicado a la música y el arte sonoro, con un pequeño escenario para conciertos, oficinas, nueve salas de ensayo, de conferencias, estudio de radio y estudio de grabación profesional, y otras instalaciones. En muchos sentidos este es un proyecto que comparte la lógica de una matrioska, no solo en el sentido físico más literal, en el que un elemento queda incorporado en otro, sino también en un sentido temporal, en el que unos espacios cobran sentido dentro de otros. La Nave de Música acoge toda la programación musical del centro y alberga presentaciones y colaboraciones con varios de los principales eventos de música que se celebran en España. Este espacio de más de 4.000 m2 es, probablemente, el mejor ejemplo en Madrid de esa nueva arquitectura que trabaja a partir del reciclaje y lo existente, con limitación de recursos pero con un mínimo exquisito por el detalle.
www.metalocus.es/content/es/blog/transformaci%C3%B3n-de-l...
MATADERO MADRID - CENTRO DE CREACIÓN CONTEMPORÁNEA Antiguos Matadero y Mercado Municipal de Ganados
Pº de la Chopera, 2 a 14 C/V a Pza. de Legazpi 8, Vado de Santa Catalina y Av. del Manzanares. Madrid.
Actuación inicial: Luis Bellido González, arquitecto y José Eugenio Ribera Autaste, ingeniero. 1910 (Proyecto) 1910-1925 (Obras).
Matadero de aves y gallinas: Luis Bellido González y Francisco Javier Ferrero Llusiá: 1926 (Proyecto) 1932-1933 (Obras).
Acondicionamiento de la Casa del Reloj, Nave de Terneras y pabellones de acceso para Junta Municipal del Distrito de Arganzuela y salas culturales y deportivas: Rafael Fernández-Rañada Gándara: 1983 (Proyecto) 1983-1984 (Obras).
Rehabilitación de la “nave de patatas” para Invernadero-Palacio de Cristal, antiguo parque del matadero y consolidación estructural de naves del recinto sur: Guillermo Costa Pérez-Herrero: 1990 (Proyecto) 1990-1992 (Obras).
Adaptación de naves para sedes del Ballet Nacional y Compañía Nacional de Danza: Antonio Fernández-Alba y José Luis Castillo-Puche Figueira 1990 (Proyecto) 1993-1999 (Obras)
Vestíbulo y Espacio Intermediae. (nave 17c) Arquitectos Arturo Franco y Fabrice Van Teslaar en colaboración con el arquitecto de interiores Diego Castellanos 2006-07
Naves del Español (naves 10, 11 y 12) Arquitectos Emilio Esteras 2007-10 y Justo Benito 2009-10
Central de Diseño (nave 17) Arquitecto José Antonio García Roldán 2007
Taller y Oficina de Coordinación (parte de la nave 8) Arquitecto Arturo Franco 2010
Calle y Plaza Matadero Arquitectos Ginés Garrido, Carlos Rubio y Fernando Porras 2011
ESCARAVOX Andrés Jaque Arquitectos 2012
Depósito de especies y nuevo acceso por Legazpi. BCP Ingenieros -Luis Benito Olmeda y Francisco Calderón- con María Langarita y Víctor Navarro arquitectos. 2011
Nave 16 Arquitectos: Alejandro Vírseda, José Ignacio Carnicero e Ignacio Vila Almazán, 2011
Nave de Música (Nave 15) Arquitectos: María Langarita y Víctor Navarro, en colaboración con el diseñador mexicano Jerónimo Hagerman, 2011
Cineteca y Cantina Archivo Documenta (nave 17 c, d, e y f) Arquitectos: José María Churtichaga y Cayetana de la Quadra Salcedo 2011
Casa del Lector. Centro Internacional para la Investigación, el Desarrollo y la Difusión de la Lectura de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez. (naves 13 y 14, 17b y tres crujías de la nave 17. Arquitecto Antón García Abril. Diseño gráfico y señalización: Alberto Corazón. Interiorismo Jesús Moreno y Asociados 2012
El arquitecto Joaquín Saldaña resulta ganador del concurso convocado por el Ayuntamiento de Madrid el año 1899 para la realización de los nuevos matadero y mercado municipal de ganados en la Dehesa de La Arganzuela, junto al Manzanares, si bien, finalmente las obras se realizan de acuerdo con el proyecto redactado en 1910 por Luis Bellido, arquitecto de propiedades del Ayuntamiento, con la colaboración de J. Eugenio Ribera, ingeniero de reconocido prestigio. El conjunto arquitectónico se compone de 48 edificios agrupados en cinco sectores de producción: dirección y administración, matadero, mercado de abastos, mercado de trabajo y sección sanitaria, cuenta además con viviendas para el personal y capilla; también de sistema de circulaciones y ferrocarril propios... una autentica ciudad laboral.
Sigue el sistema alemán de pabellones aislados, relacionados por medio de viales y presididos por un edificio administrativo, la "Casa del Reloj" situado sobre el eje principal de la composición. Por sus características arquitectónicas y por su escala es uno de los conjuntos edificados más significativos de Madrid. Se advierte en él una unidad estilística y constructiva derivada del uso racional en sus fábricas de tres materiales esenciales ladrillo, mampostería y cerámica, y una cuidadosa introducción de elementos metálicos en la estructura; además de otros aspectos significativos como el empleo de un lenguaje de inspiración neomudéjar muy atenuado, habitual en la arquitectura industrial de la época. El matadero de Madrid sirve de modelo para la construcción en España de este tipo de edificios.
Para el crítico González Amezqueta "Es un ejemplo de gran calidad de arquitectura industrial perfectamente insertado en los procedimientos del ladrillo, con derivaciones hacia el neomudéjar. La mecánica funcional de los procesos laborales no impide discretas acentuaciones ornamentales, ya que todo el proceso constructivo es estrictamente artesanal, con predominio de las técnicas fabricadas del ladrillo en las partes más acertadas".
En 1926, en zona próxima al Vado de Santa Catalina, proyecta Bellido el matadero de gallinas y aves, siendo realizadas las obras, entre 1932 y 1933, bajo la dirección de Francisco Javier Ferrero con la introducción de una clara y cuidada estructura de hormigón pionera en la ciudad y en la que reside uno de sus valores principales.
A partir de 1940 se llevan a cabo diferentes remodelaciones y ampliaciones, entre ellas la de la nave de patatas, el pabellón de autopsias y los abrevaderos.
En la década de 1980, perdida su función original, el Departamento de Conservación de Edificios del Ayuntamiento comienza la rehabilitación sistemática de los edificios del conjunto para su uso como contenedores de actividades culturales, sociales, deportivas y administrativas propias del Ayuntamiento; primero bajo la dirección de Rafael Fernández-Rañada, que acondiciona la Casa del Reloj para Junta Municipal del Distrito de Arganzuela y la nave de terneras para sala cultural y deportiva, y después, de Guillermo Costa que realiza el Palacio de Cristal (rehabilitación de la nave de patatas para invernadero) y el parque del matadero, con la colaboración del ingeniero, también municipal, M. Ángel Martínez Lucio.
Desde 1996 Costa continúa la consolidación estructural de fachadas y cubiertas de 7 naves del recinto sur, sin un uso predeterminado y en distintas fases, a la espera de la realización del proyecto para su adecuación a nuevas actividades de carácter cultural, comercial o de ocio. Finalmente, el conjunto edificado se incluye en el catálogo de bienes a conservar dentro del Plan General de Ordenación Urbana de 1997.
En el extremo norte parte de las antiguas naves de estabulación son cedidas al Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música (INAEM) para establecer en ellas las sedes del Ballet Nacional de España y de la Compañía Nacional de Danza, según proyecto de Fernández Alba y Castillo-Puche, concluyéndose las obras de adaptación en 1999.
En 2005 se aprueba la modificación del Plan Especial de Intervención, Adecuación Arquitectónica y Control Urbanístico-Ambiental de Usos del recinto del antiguo matadero municipal, que incrementa el uso cultural hasta el 75% del total.
A partir de 2006 el Ayuntamiento se plantea rehabilitar en distintas fases, mediante proyectos derivados de concursos de arquitectura, este inmenso contenedor de casi 150.000 m2, para albergar multitud de eventos y encuentros, fomentando la creatividad de artistas de múltiples especialidades. El conjunto se convierte en un núcleo de actividad cultural que alberga las más importantes citas de la ciudad. Así, se inician actuaciones para convertir el recinto en centro de apoyo a la creación, en campo de experimentación de la nueva arquitectura, pero siguiendo los criterios de intervención del Plan Especial, que establece la preservación de la envolvente de las naves. La línea maestra que ha guiado las intervenciones es la reversibilidad, de modo que los edificios pueden ser fácilmente devueltos a su estado original. Las actuaciones mantienen expresamente las huellas del pasado para reforzar el carácter experimental de las nuevas instituciones que alojan. Se ha buscado el equilibrio entre el respeto máximo al espacio, y una dotación específica, que lo distinga, a través del uso limitado de materiales industriales directos y que, al mismo tiempo, dé servicio a los diferentes usos que pueda albergar.
En 2012, tras la visita del jurado de los premios FAD a Matadero Madrid, decidió reconocer la labor en conjunto de todos los arquitectos que han participado en el proceso de reforma. El fallo valora “tanto la actitud global de la propuesta, que apuesta de una forma valiente por la experimentación y el respeto a los espacios de libertad gestionados desde la sociedad civil, como la conceptualización del proyecto, desde su inicio en el 2007 con la rehabilitación del vestíbulo y el espacio Intermediae, hasta las recientes intervenciones de la Nave 16 y la Nave de Música finalistas en la presente edición de los Premios FAD”. Así mismo, el jurado destacó de Matadero Madrid “la inteligencia colectiva, la unidad que le viene inferida por la arquitectura industrial preexistente, y que con un mínimo de protagonismo exterior de las nuevas intervenciones, en el interior resuelve con rigor y autenticidad las diversas necesidades del extenso programa del centro, buscando no sólo mantener los espacios arquitectónicos y formas estructurales, sino también el carácter, la atmósfera y sobre todo el irrepetible paso del tiempo”.
Ese mismo año el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid otorgó uno de sus premios a las intervenciones en la Cineteca y Archivo Documenta, y en la Nave 16. Por último, destaca la interconexión de Matadero Madrid y Madrid Río mediante la urbanización de los espacios públicos -Calle y Plaza Matadero- por el mismo equipo de arquitectos -Ginés Garrido, Carlos Rubio y Fernando Porras- que proyectó Madrid Río. Está previsto además que dicha conexión, gracias a dos nuevos accesos, se amplíe entre diciembre de 2012 y julio de 2013. Madrid Río ha recibido, entre otros premios, el International Architecture Award 2012 del Chicago Athenaeum of Architecture and Design y el European Centre for Architecture Art Design and Urban Studies, el Premio de Diseño Urbano y Paisajismo Internacional otorgado por el Comité de Críticos de Arquitectura CICA, en el marco de la XIII Bienal de Buenos Aires; o el Premio FAD de Ciudad y Paisaje 2012, entre otros galardones.
PROGRAMACIÓN ACTIVIDADES RESIDENCIA COLECTIVO SURSYSTEM EN LAAGENCIA, BOGOTÁ.
Julio 5
4PM: JamZine Sound System: trae tus ideas, tus ilustraciones, tus historietas, tus textos, tus tijeras, revistas, periódicos, fotos o lo que te imagines, más tu música favorita y construyamos juntos un fanzine en medio de un jamming musical.
Nota: El fanzine producto del Jamzine Sound System se distribuirá el día del lanzamiento del magazin Sursystem 06 a los asistentes (50 copias).
Julio 6
4PM: Charla: Técnicas para la edición y producción de impresos de bajo presupuesto. Ven a conocer las técnicas de edición más sencillas y económicas de un impreso -desde el corte/pega hasta el master litográfico- y las formas menos complicadas para la producción de los mismos. Galería Santa Fe, Carrera 16 #39-82, Bogotá. Por Marcelo Arroyave: productor y editor del fanzine Musaenferma (6 ediciones), Tecnonúcleo (1 edición) y el magazin Sursystem (7 ediciones).
Julio 7 Lanzamiento magazin Sursystem edición 06: Homenaje a la Historieta.
4PM: Charla: Mutaciones del graffiti en Bogotá: del graffiiti “popular” al Street Art. Por Marcelo Arroyave: Sociólogo de la Universidad del Valle; master en Antropología Urbana de la universitat Rovira i Virgili de Catalunya.
5PM: Charla: De Kalimanes, Condoritos y otras especies: el arte secuencial en América Latina por Tito Guillermo Contreras Suárez. Filósofo, dibujante y coleccionista.
6PM: Lanzamiento magazin Sursystem edición 06: Homenaje a la Historieta por el colectivo Mutante Sursystem (este día se distribuirá libremente el magazin -100 unidades- y habrá para trueque y venta material propio del colectivo).
Además Radio traba experimental con todos los asistentes.
Invitan LaAgencia/Chapiyork y Colectivo Sursystem/Cali
Calle 64 # 8-34 Chapinero, Bogotá - Colombia
Tel: + [571] 2171619
Todos los jueves desde junio y hasta mediados de julio nuestra terraza se convierte en un espacio en el que desarrollamos un programa de actividades en el que se mezclan lo corporal y lo sonoro con lo educativo y participativo.
Este año las encargadas de diseñar la programación han sido María Jerez y Magui Dávila.
“Cuerpos peludos, cuerpos sin cabeza, cuerpos plásticos. Cuerpos en tiras, atravesados por cables, mientras vocean imágenes. Cuerpos de plata bailando al son del algodón, poniendo objetos que giran entre un disco-pre y un disco-post. Cuerpos amorfos que dicen cosas que nadie quiere oir: “hello, I am una chancha”, y mientras otros giran sobre su plato saboreando un cóctel de Hawai. Arbustos parlantes y pelos largos que acarician la terraza al atardecer. Un hueso que no es, un cementerio para un perro. Entre esos árboles del camino, que no son árboles, llegamos a una película que ocurre de continuo y oscila entre un jueves, dos jueves, tres jueves… hasta siete jueves. Jueves con halo y presencia. Presencias que te encuentras al subir, antes de entrar, presencias que tratas de imaginarte en ese vagón junto a pelucas de Móstoles, de Madrid al servicio
de una manta
de una yegua
de un chorro
Cuerpos del mar del bar de tu mirada, cuerpos que interrumpen una conversación banal. Conversaciones banales entre cuerpos eruditos. Uno, otro… el de más allá dialogando con sustancias esparcidas por suelos reflectantes, pieles de colores que bailan éxitos musicales sin parar de resbalar. Leerán frases sueltas, huellas de mujeres perdidas, exorcismo antropofágico...“raro oficio gratuito, ir perdiendo el pelo y los dientes” dijo Bolaño; esos cuerpos extraños que todos poseemos. Fotografías de cuerpos estampados en carpetas de instituto. Cyborgs y bellezas, rarezas, destrezas, asperezas. Mitad Dolly Parton, mitad Walter Benjamin. Sombras con patas, como la única imagen que guardas de E.T. Texturas desnudas. Electrodos en off. Voces con piernas largas y lenguas madre. Una voz que surge como un vómito revelador. Cuerpos celestes vestidos con trajes de burbujas que explotan muy cerca de tu cuerpo. Tu cuerpo ahí, ningún extraño es también un cuerpo extraño. Y nuestras manos llenas de subtítulos. Fragmentos de tardes y noches lentas que simplemente no existirán, porque hay cosas que guardamos para el cuerpo, tu texto, tu hacer, tu baile, tu tiempo...un jueves, un picnic”.
En esta edición hemos contado con la presencia de:
CLÉDAT & PETITPIERRE / ANTONIO FERREIRA / INGA «LOLINA» COPELAND
BÁRBARA SÁNCHEZ Y JAIME CONDE-SALAZAR/ MÚSICA PREPOST/
AMAIA URRA / JUANA MOLINA
MÅRTEN SPÅNGBERG
ARANTXA MARTÍNEZ / CLAUDIA PAGÈS
MERCEDES AZPILICUETA / ANTO RODRÍGUEZ
IGNACIO DE ANTONIO / PABLO URIZAL / CHANCHA VÍA CIRCUITO / GNUČČI
Every Thursday from 1 June to 13 July, the roof terrace here at CA2M will be hosting a programme of activities based on an educational and participative mix of sound and body.
“Hairy bodies, headless bodies, plastic bodies. Bodies in strips, cut through by cables, while images speak out. Silver bodies dancing to the sound of cotton, putting on revolving objects between a pre-disc and a post-disc. Amorphous bodies that say things that nobody wants to hear: “Hello, I am a chancha”, and meanwhile, others revolve on a turntable sipping a Hawaiian cocktail. Talking bushes and long hairs that caress the terrace at nightfall. A bone that isn’t; a cemetery for a dog. Among the trees along the road, which are not trees, we arrive at a film that happens continuously and oscillates between one Thursday, two Thursdays, three Thursdays … up to seven Thursdays. Thursday with halo and presence. Presences that you meet when going up, before you go in, presences you try to imagine in this carriage with wigs from Móstoles, from Madrid at the service
of a blanket
of a mare
of a jet
Bodies of the sea of the bar of your gaze, bodies that interrupt a banal conversation. Banal conversation between erudite bodies. One, another … from the great beyond in dialogue with substances sprinkled on shiny floors, coloured skins dancing to hit songs while constantly slipping. They will read disconnected sentences, traces of lost women, anthropophagic exorcism … “strange free trade, losing one’s hair and teeth” said Bolaño; those strange bodies that we all have. Photos of bodies printed on school folders. Cyborgs and beauties, rarities, skills, roughnesses. Half Dolly Parton, half Walter Benjamin. Shadows with legs, like the only image you have of E.T. Naked textures. Off-screen electrodes. Voices with long legs and mother tongues. A voice that comes out like a revealing vomit. Celestial bodies dressed in bubble suits that explode close to your body. Your body there, no stranger is also a strange body. And our hands full of subtitles. Fragments of slow evenings and nights that simply will not exist, because there are things that we keep for the body, your text, your action, your dance, your time...a Thursday, a picnic”.
Curators: Magui Dávila and María Jerez
CLÉDAT & PETITPIERRE / ANTONIO FERREIRA / INGA «LOLINA» COPELAND
BÁRBARA SÁNCHEZ Y JAIME CONDE-SALAZAR/ MÚSICA PREPOST/
AMAIA URRA / JUANA MOLINA
MÅRTEN SPÅNGBERG
ARANTXA MARTÍNEZ / CLAUDIA PAGÈS
MERCEDES AZPILICUETA / ANTO RODRÍGUEZ
IGNACIO DE ANTONIO / PABLO URIZAL / CHANCHA VÍA CIRCUITO / GNUČČI
Fotografía: Pedro Agustín Álvarez
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29-9-2018 - Con un vídeo-resumen de la actividad de la Diócesis de Valladolid durante el pasado curso 2017/2018 daba comienzo el sábado en el Seminario Diocesano el tradicional acto de inicio del nuevo curso, en el que nuestros obispos y delegados diocesanos nos presentaron la programación, y alrededor de 300 agentes de pastoral recibieron el ‘envío’ como misioneros evangelizadores.
Don Ricardo Blázquez nos solicitó nuestro apoyo expreso y nuestra oración por el Papa Francisco, días antes de partir a Roma a celebrar junto a él el Sínodo de los Jóvenes. Lo reclamó, ahora más que nunca, dijo, y pidió que las voces que desde dentro de la propia Iglesia pretenden impedir que el Santo Padre continúe su labor, “no contaminen la comunión eclesial presidida por el Obispo de Roma”.
Por su parte, don Luis Argüello, resumió esa programación que, bajo el título ‘En comunidad nos iniciamos y perseveramos en la fe’, ha de guiar nuestros pasos en Cristo durante los próximos doce meses. Tenemos por delante, dijo, un importante trabajo de discernimiento, para el que es preciso un hogar de comunión, un ámbito donde vivir la fe, donde ‘masticar’ lo que el Señor nos pide… “por eso hablamos de Acción Católica como el tronco donde reconocer, interpretar y elegir”.
Con la iniciación cristiana y el apostolado seglar (familia y jóvenes) como buques insignia de nuestra labor, don Luis nos recordó que todo en esta vida pasa por el descubrimiento de la vocación, con el discernimiento de lo que el Señor quiere de cada uno de nosotros, con la acogida consciente, responsable y feliz de su llamada.
La iniciación cristiana (transmitir la fe, iniciar en la vida cristiana) debe ser nuestro mayor objetivo, revisando para ello la puesta en práctica del Directorio en los últimos cinco años, para seguir teniéndolo como primer itinerario. Y dentro de este marco, destacó el papel de la familia, con los padres (responsables del despertar religioso de sus hijos) como primeros destinatarios de la propuesta. Hay que enseñar a orar en la familia, propiciar la pastoral ‘cuerpo a cuerpo’, dar a conocer a jóvenes y no tan jóvenes la acción caritativa de la Iglesia, cuidar confirmación de adultos y los cursillos prematrimoniales, etc.
El techo de esta sala de la tercera planta, de gran sencillez, presenta un relajante cielo abierto con nubes, sobre las que destacan tres palomas. Es una pintura de Casto Plasencia.
El Sumpul
1984
Este cuadro es una de las pinturas históricas más importantes de El Salvador contemporáneo y pone en evidencia el horror sufrido por la sociedad salvadoreña ante la masacre, a manos de militares salvadoreños y en colaboración con el ejército hondureño, de más de 300 ancianos, mujeres y niños cuando éstos trataron de huir a Honduras cruzando el río Sumpul el 12 de junio de 1980. El cuadro se pintó en tiempos de la dictadura militar, cuando la Junta militar aún estaba encubriendo este crimen de guerra (cuyos detalles no salieron a la luz hasta después de la firma de los Acuerdos de Paz de 1992).
“EL SUMPUL”
Director de programación del MARTE “El Sumpul”, realizado por Carlos Cañas en 1984, es una de las pinturas emblemáticas de la producción artística del período del conflicto armado y una de las obras relevantes de la historia del arte salvadoreño.
Como eje compositivo, el artista utilizó la diagonal, frecuentemente utilizada en el pasado como recurso para composiciones dinámicas por su sentido direccional; en esta pintura se utilizó para estructurar una escena en donde predomina lo estático, lo inerte. Cañas utilizó este recurso para representar un cúmulo de cadáveres humanos, los cuales parecen aludir a las laderas que bajan al cauce del río Sumpul, que no tiene presencia en la escena.
La presencia destacable es la de la muerte que interrumpió la existencia de campesinos en uno de tantos hechos sangrientos del conflicto armado. La masa caótica nos habla de lo indiscriminado de esta masacre. Sin embargo, en este conjunto de cadáveres aparece una figura cuya mano derecha levantada parece el símbolo de una bendición que nunca termina.
Grises y azules dominan la representación, acentuando el drama de la escena y elementos de color rojo aparecen en el borde inferior que aluden a los frutos de la tierra como producto de la sangre derramada en este lamentable hecho.
Esta escena podría ser de tantos sucesos sangrientos de este período de nuestra historia; es un memorial a los caídos, a la pérdida de tantas vidas humanas, a las consecuencias de un enfrentamiento entre hermanos y un pronunciamiento ante la violencia desencadenada que aún ahora, por otras razones, oprime a nuestra sociedad.
«Los tonos fríos, oscuros, grises, lo que pone al espectador en una atmósfera de sueño o pesadilla», según el experto Rodolfo Molina.11 Se dice que dicha pintura llegó a ser descolgada por un «indignado» diplomático salvadoreño en la Exposición Universal de Sevilla del año 1992.
25 de Noviembre de 2012
Por Rafael Alas
Examen al icónico “Sumpul”
Artistas y curadores analizan emblemática obra de Carlos Cañas.
El contenido y la forma de plantearlo; personajes, símbolos, metáforas y colores. La totalidad y los detalles. Todos estos elementos se conjugan en la obra “Sumpul” de Carlos Cañas, para considerarla como una obra emblemática, icónica. Esto según la opinión de artistas y curadores.
Para el artista y director del Museo de Arte de El Salvador (MARTE), Roberto Galicia, “Sumpul” se caracteriza por su trascendencia. “Hubo obras que estaban más cerca de uno de los bandos en disputa y otras que, si bien son testimonio de la época, no llegaron a trascender y a convertirse en un ícono. La de Carlos Cañas sí lo hizo”, explicó.
Galicia expresó que la pieza es consecuente con la línea del pintor y es producto de su madurez. Además, considera que destaca porque invita a al espectador a examinarla detenidamente.
“La obra contiene una serie de elementos que la hacen significativa y las personas pueden recorrer la obra e ir descubriéndolos”, señaló y luego agregó que era “dramática”. Pero Galicia no es el único que opinó de esta manera. “Hay horror y ternura”, explicó el curador independiente Jorge Palomo, quien resaltó dos aspectos de la obra: le da poder a la pintura y tiene un gran impacto emotivo.
El artista, curador y miembro de Grupo TEA Rodolfo Molina afirmó que “Sumpul” es una pieza que contiene diferentes niveles, pero el más importante tiene que ver que es un “homenaje a las víctimas”. Agregó: “Los representa muertos, es verdad, pero con dignidad. Habla de las víctimas inocentes, por las que nadie peleaba”.
La obra en detalles
Para los entrevistados, la elección de colores es fundamental en “Sumpul”. Para Palomo, estos colores dotan de una gran sobriedad a la obra. Molina explicó que el cielo es oscuro y tenebroso, pero con claridad de fondo, simbolizando esperanza.
Niño con juguete. Según explicó Cañas, en la escena aparece un niño que tiene un hilo en el dedo y unos juguetes de cartón. Para los entrevistados, el niño desnudo representa la inocencia destruida. Cerca del niño aparecen los decapitados.
El perro. Una figura un tanto oculta pero presente es el perro, que, según Cañas, nunca abandona a los campesinos. Para Molina, el perro se asemeja a los de Goya, como un homenaje a la pintura contemporánea.
Las flores. Aunque suelen ser confundidas con frutos como las granadas, usuales en las pinturas de Carlos Cañas, en “Sumpul” aparecen flores, según expuso su creador. Estos elementos adoptan una serie de significados, según los entrevistados. Para Galicia, estas flores pueden ser una señal de optimismo, como un renacer, sobre todo por la que es sostenida por la mujer. Mientras, para Molina estas pueden ser la forma escogida por Cañas para simbolizar a la sangre de forma indirecta.
La mujer iluminada. El personaje principal de la obra es la mujer, la madre. Según Cañas, ella representa el Sumpul. Una de las características particulares, según apuntó Galicia, es el halo que presenta. “Una luminosidad que parece no provenir del cielo, sino de ella”, aseguró. Para Molina, esto puede significar esperanza y trascendencia, sobre todo porque la mujer tiene una cara serena y no doliente. Palomo va aún más allá y señala las similitudes en la pose de la mujer con la de Jesús, en La Piedad, de Miguel Ángel.
25 de Noviembre de 2012
Por Óscar González
Entrevista Carlos Cañas/Artista, Premio Nacional de Cultura
“Pintar el dolor te angustia más”
Considerada como la pintura contemporánea más importante de El Salvador sobre un hecho histórico, Carlos Cañas habla del origen y significado de la obra “Sumpul” (1984), tras haber ganado este año el Premio Nacional de Cultura.
Lo primero que se ve es una montaña de cuerpos. Cuerpos inertes. Muertos. Hay una mujer con el rostro iluminado y sereno, una pareja de amantes, un perro, un niño con un juguete de cartón y ancianos. Hay penumbra. Hay dolor. Hay tragedia. Hay esperanza y amor. Se trata de la icónica obra “Sumpul” de Carlos Cañas, ganador del Premio Nacional de Cultura 2012, entregado a principios de este mes, y quien durante la entrega expresó que: “El arte no está hecho solamente para ser vendido, también está hecho para que concurra a las secuencias del ser salvadoreño”.
Tras haber sido pintada hace 28 años por Cañas la obra aún da de qué hablar y, como él mismo reconoce, ha adquirido cierta fama. Pero a Cañas solo le importa una cosa: que sus pinturas sean para “el pueblo”.
El cuadro refleja la masacre del Sumpul, perpetrada el 14 de mayo de 1980 en Chalatenango. El acontecimiento era desconocido por la mayoría de la población hasta que Cañas pintó esta obra en 1984, que ahora es considerada una de las joyas de la pintura nacional, y también reconocida a escala mundial por su calidad y sentimiento impreso en cada uno de sus trazos.
¿Qué representó para usted crear la pintura “Sumpul”?
Mucho dolor. Angustia. Ese cuadro me costó mucho, porque pintar el dolor te angustia más. Trabajé mucho. Era el principio de la guerra y era el único que trató esa temática. Para mí era natural hacerlo, no me constaba. Veía el problema, lo sentía, y aquella cosa que se siente hay que hacerla, hay que pintarla.
¿En algún momento pensó en plasmar una imagen distinta?
En principio, tracé el cuadrado maya. Los cuatro signos mayas en las esquinas e iba a pintar a los niños que, en las orillas del río, eran lanzados para caer sobre machetes, según leí. Pero esa imagen era muy dolorosa. Y me dije “eso no puede ser”. Entonces decidí hacer un cuadro del amor con la tragedia en medio.
¿Y cuál es, según sus palabras, el significado de “Sumpul”?
Todas mis pinturas tienen una significación para el pueblo. Son del pueblo. Y “Sumpul” significó expresar a mi pueblo en una escena trágica. Tan trágica, inútilmente trágica. Es la muerte del Sumpul.
¿El “Sumpul” es su pintura más importante?
Pinturas importantes hay muchas. La importancia que tiene “Sumpul” es porque es un cuadro histórico, una realidad histórica. Además, es un tema que nadie se había atrevido a tocar, del que nadie realizó obra ni escribió nada. Incluso, hubo quienes negaron que pasó. Pero “Sumpul” es un hecho no inventado, de una realidad histórica que sucedió.
Si le tocara pintar “Sumpul” ahora, ¿haría algún cambio en la obra?
Habría algunos cambios. Ahora lo trabajaría más en un sentido estético.
¿Solamente?
No. El tamaño que tiene actualmente no es el que debería. Tuvo que haber sido más grande. Pero la situación económica de entonces era mala, porque me hubiera gustado pintarlo dos veces más grande. Aunque no por grande sería más importante. Solo ocuparía más espacio.
Muchos describen a “Sumpul” como dramático, otros como directo, ¿usted cómo lo describiría?
“Sumpul” es la expresión del dolor a través del amor. El amor a un sistema nuevo de convivencia.
25 de Noviembre de 2012
Por Óscar González
Retrospectiva en homenaje al Maestro
CARLOS CAÑAS
Premio Nacional de Cultura 2012
Artes Plásticas
6 al 18 de noviembre de 2012
La Secretaria de Cultura de la Presidencia de la Republica, tiene el grato honor de presentar la obra retrospectiva del artista Carlos Cañas en la Sala Nacional de Exposiciones “Salarrué” en el marco de celebración del premio Nacional de Cultura 2012, dedicado a las Artes Plásticas.
Carlos Cañas nace el 3 de septiembre de 1924 en San Salvador. Ingresa a la Escuela Nacional de Artes Graficas en 1950, donde permanece por ocho años. Elige en su inicial periodo la temática indigenista aproximadamente en los años cuarenta y cincuenta del siglo XX
Durante su estadía en España, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando se enfrenta a novedosas corrientes en boga, especialmente al informalismo y la abstracción. A su regreso a El Salvador en 1958 irrumpe con sus nuevos conocimientos la tradición pictórica y se dedica a la abstracción, como segundo periodo de creación, iniciando en este sentido una nueva corriente para el desarrollo del arte nacional, partiendo de que el ancestralismo telúrico precolombino es el contenido simbólico de su innovación estilística.
En su tercera etapa, utiliza el dibujo expresionista dedicado| a contenidos políticos de la realidad salvadoreña en la que denota una valoración sobre la miseria, desamparo y angustia de su pueblo. Su credo estético consiste en que considera al arte como expresión que debe cumplir una función socio-política-cultural.
La cuarta etapa corresponde a la del “realismo mágico” en la cual regresa a la figuración preciosista, donde demuestra la perfección pictórica. La mejor muestra de este periodo se puede apreciar en los frescos que decoran la cúpula del Teatro Nacional de San Salvador. Su pintura figurativa conoce tres aspectos fundamentales: el realismo mágico, el mestizaje cultural y la ideología como esencia fundamental.
De tal manera que la armonía, como tipificación persiste de la creación de Carlos Cañas en todas las formas cognoscitivas de las artes visuales, se mantiene en sus distintos comportamientos en la relación tiempo-espacio, y, su arte ha sido contemporáneo tanto a los contextos históricos que le han rodeado como a los de su creación aislada y profundamente sensible.
Por eso y por mucho más esta exposición esta consagrada a uno de los mejores artistas integrales del siglo XX y XXI: Carlos Gonzalo Cañas, ganador del premio Cultura 2012 en la rama de Artes Plásticas.
“Maestrísimo Carlos Cañas, talento y baluarte nacional con quien la sociedad salvadoreña tenia una deuda moral, y, en esta ocasión cuando en nombre de la misma, se le rinde tributo en la Sala Nacional de Exposiciones Salarrué”, bajo esta exposición curada por Jorge Palomo.
Ana Magdalena Granadino
Secretaria de Cultura de la Presidencia.
Maestro Carlos Cañas, Premio Nacional de Cultura 2012
Esta exposición presenta una selección de la obra del Maestro Carlos Cañas, ganador del premio Nacional de cultura de este año. Se incluyen 48 piezas que abarcan más de 70 años de trabajo, con obras de cada década, e incluyen sus obras maestras. La exposición esta organizada en un recorrido cronológico.
Cañas ha llamado su obra “la gran síntesis” refiriéndose a la mezcla entre estilos de arte extranjeros modernistas con temas nacionales. Es portador de un vasto bagaje cultural universal y de un entendimiento de las realidades de nuestro país. Ha sido el precursor nacional de los diversos estilos artísticos. Y un infatigable humanista, presentando temas apegados a los derechos humanos y a la justicia social a lo largo de su carrera.
En la década de 1940 regreso de la Escuela de Artes graficas, sus profesores influyeron en su obra: José Mejía Vides con los temas del paisaje e indígenas, Y Luis Alfredo Cáceres Madrid con el muralismo Mexicano, el nuevo arte moderno de las Américas, que presentaba a la población rural en escenas propias del costumbrismo. El contenido se compone con lo social y lo político, y fundamenta las bases del artista.
En 1950, Cañas partió a España para estudiar artes, donde aprendió las corrientes modernistas europeas. Retorno al país en 1958, e introdujo la abstracción en El Salvador, continuando con contenidos sociales.
La década de los 1960 muestra series de abstracción matérica -pintura mezclada con materiales adicionales para resaltar la textura de la superficie-. La primera serie se enfoca en paisajes. La segunda se inspira en mobiliarios y elementos arquitectónicos. La tercera, titulada Serie Maya, es inspirada en el Popol Vuh, recupera un tema central de la histórica nacional en un estilo moderno. Esta década también presenta esculturas en hierro forjado, continuando la abstracción de las formas.
La siguiente década marco un cambio en estilo y contenidos. Impactado por la intervención militar en 1972 de la Universidad Nacional, comienza su serie de Testimonios que ilustran los abusos a los derechos humanos que ocurrían en manos de las dictaduras militares. Le sigue la Serie De Hospitales. Los cuerpos de ambas series muestran una deformación de los cuerpos que comunica lo trágico de las escenas. En la segunda mitad de la década dejo la abstracción por un realismo mágico, simbólico, haciendo uso de frutos, flores y personajes. Esta etapa culmino con una de sus obras maestras, el mural de la cúpula del teatro Nacional de San Salvador.
Durante el conflicto armado, continúo con temas de Testimonios pero también trata temas más propios del amor. Una de sus obras maestras, la representación de la masacre de El Sumpul, ha sido llamada la pintura histórica más importante de nuestra época contemporánea
Para la década de 1990, dejo a un lado el realismo de las décadas pasadas. Figuras son dibujadas con pintura en una pincelada y un colorido más expresionista, sin dejar a lado una sensación de irrealidad. Los bronces de esta década son figuras femeninas recostadas en estilos que van desde el realismo hacia un estilo mas simplificado.
Para el nuevo siglo, Cañas continuo el estilo y los temas de la década previa, pero en colores mas vividos y saturados, y con una línea mas grafica. Predominan representaciones de las mujeres. Actualmente, su obra sintetiza los colores y la línea grafica de las series previas, pero el estilo de las figuras recuerda la abstracción geométrica de su retorno de España en 1958.
Jorge Palomo.
Curador
Biografía
Carlos Cañas nació en 1924 en San Salvador. En 1944 egreso de bachiller en Arte y teoría de la Escuela Nacional de Artes Graficas. En 1947 fue dirigente del grupo de pintores independientes, quienes produjeron arte comprometido con la realidad política y social del país. En 1950 fue becado para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, España y permaneció en Europa hasta 1958. Cañas es parte de una generación de pintores salvadoreños que Estudiaron en Europa durante la década de los 1950 y que retornaron al país, cambiando el panorama de la pintura nacional. Carlos Cañas es el primer artista que exhibe pintura abstracta de corte cubista en El Salvador.
Desde 1958 hasta 1972, Cañas fue profesor en la facultad de Ingeniería y Agricultura de la Universidad Nacional de El Salvador, siendo nombrado jefe del Departamento de Teoría e Historia en 1969. En 1974, fue nombrado profesor en la Universidad Centroamericana José Simeón Cañas. Desde 1976, y por varios años, fue profesor de pintura y dibujo en el Centro Nacional de Artes, eventualmente fungiendo como director (1996-2001). Impartiendo Clases de pintura en su estudio desde la década de los ochenta hasta 2008.
Su obra es concurrente con el modernismo del siglo XX, empapándose de todas sus corrientes más importantes aplicadas temas nacionales. Su producción artística incluye pintura, murales, escultura, dibujo, grabado, ilustración de libros, diseño de escenografía y vestuario. Su larga carrera abarca diversos estilos como el indigenismo y paisajismo, el cubismo, obra abstracta matérica, el realismo mágico; así como el expresionismo a finales del siglo XX. Vemos un retorno a una abstracción geométrica en su obra reciente. Entre los murales pintados por Cañas se encuentran los del Teatro nacional de San Salvador (1977). Su temática por la excelencia ha sido el humanismo.
Además de mas de setenta exposiciones individuales y cientos de expresiones colectivas a nivel nacional, ha exhibido en Centroamérica, Cuba, México, los Estados Unidos, Sur América, Europa, Japón y Costa de Marfil. Ha participado en importantes bienales internacionales, incluyendo la XXIII Bienal de San Paulo (1996) donde represento al país de manera individual.
Cañas ha recibido numerosos reconocimientos como: el Reconocimiento por su labor por la Asamblea Legislativa de El Salvador (1988); la Orden del caballero de las Artes y Letras del gobierno de Francia (1990); la Condecoración José Matías Delgado del Gobierno de El Salvador (1992); la Condecoración Isabel la Católica del Gobierno de España (2001) el premio Nacional de Derechos Humanos de la Procuraduría para la Defensa de los Derechos Humanos de El Salvador (2002); el premio Valor Cultural 2003 del Consejo Nacional para la Cultura y el ARTE; la Cruz de Santiago del Centro Español y la Embajada de España (2009); la condecoración Miembro de Merito de la Fundación Carlos III del Teatro Real de Madrid 82012); y el Premio Nacional de Cultura, rama de Artes Plásticas, de la secretaria de Cultura de la Presidencia (2012).
Su obra se incluye en la colección Nacional de Pintura y Escultura, el Museo Forma y el Museo de Arte de El Salvador MARTE, así como el Museo José Luis Cuevas de México.
flickriver.com/photos/javier1949/popular-interesting/
Nave 16 (espacio de exposiciones)
Arquitectos: Alejandro Vírseda, José Ignacio Carnicero e Ignacio Vila Almazán, 2011
Un versátil espacio expositivo de más de cuatro mil metros cuadrados, capaz de acoger grandes proyectos multidisciplinares, cuya rehabilitación ha sido finalista de los premios FAD de arquitectura 2012. El espacio puede ser fácilmente dividido en módulos independientes separados por grandes paneles de acero y permitir así la programación de contenidos de forma simultánea: proyecciones, grandes exposiciones, conciertos, talleres de producción de obra, charlas, propuestas escénicas o actividades sociales. El proyecto transforma la nave en un gran espacio expositivo versátil y polivalente, que puede funcionar como la mayor sala de exposiciones, instalaciones o actividades de artes vivas de Madrid o como un conjunto de espacios independientes de menor tamaño (hasta 5 salas). Esta flexibilidad se logra mediante la introducción en los dos espacios de doble altura de unos recintos de puertas de dos alturas, concebidos como una gran instalación efímera que contrasta con el carácter tectónico e imperecedero de la envolvente arquitectónica de la nave. Estas puertas, que garantizan mediante sencillos giros la total polivalencia del espacio interior de la nave, dotan igualmente a los mismos de la versatilidad lumínica y ambiental requerida en cada uno de los espacios según las características de la actividad realizada (Las instalaciones del edificio también han sido sectorizadas para colaborar con esta versatilidad espacial). El material utilizado para realizar estas cajas de puertas es el acero, cuyo cromatismo contrasta con la superficie interior de los paramentos de la envolvente, caracterizándose así, de modo particular los dos espacios en doble altura de la nave. Cuando las puertas se abran los paramentos puros y herméticos de la caja oscura desaparecen, apareciendo la envolvente actual con su característica estructura de finos perfiles metálicos. El estrecho cuerpo adosado a la nave en su fachada hacia el río Manzanares alberga las dotaciones de servicio.
MATADERO MADRID - CENTRO DE CREACIÓN CONTEMPORÁNEA Antiguos Matadero y Mercado Municipal de Ganados
Pº de la Chopera, 2 a 14 C/V a Pza. de Legazpi 8, Vado de Santa Catalina y Av. del Manzanares. Madrid.
Actuación inicial: Luis Bellido González, arquitecto y José Eugenio Ribera Autaste, ingeniero. 1910 (Proyecto) 1910-1925 (Obras).
Matadero de aves y gallinas: Luis Bellido González y Francisco Javier Ferrero Llusiá: 1926 (Proyecto) 1932-1933 (Obras).
Acondicionamiento de la Casa del Reloj, Nave de Terneras y pabellones de acceso para Junta Municipal del Distrito de Arganzuela y salas culturales y deportivas: Rafael Fernández-Rañada Gándara: 1983 (Proyecto) 1983-1984 (Obras).
Rehabilitación de la “nave de patatas” para Invernadero-Palacio de Cristal, antiguo parque del matadero y consolidación estructural de naves del recinto sur: Guillermo Costa Pérez-Herrero: 1990 (Proyecto) 1990-1992 (Obras).
Adaptación de naves para sedes del Ballet Nacional y Compañía Nacional de Danza: Antonio Fernández-Alba y José Luis Castillo-Puche Figueira 1990 (Proyecto) 1993-1999 (Obras)
Vestíbulo y Espacio Intermediae. (nave 17c) Arquitectos Arturo Franco y Fabrice Van Teslaar en colaboración con el arquitecto de interiores Diego Castellanos 2006-07
Naves del Español (naves 10, 11 y 12) Arquitectos Emilio Esteras 2007-10 y Justo Benito 2009-10
Central de Diseño (nave 17) Arquitecto José Antonio García Roldán 2007
Taller y Oficina de Coordinación (parte de la nave 8) Arquitecto Arturo Franco 2010
Calle y Plaza Matadero Arquitectos Ginés Garrido, Carlos Rubio y Fernando Porras 2011
ESCARAVOX Andrés Jaque Arquitectos 2012
Depósito de especies y nuevo acceso por Legazpi. BCP Ingenieros -Luis Benito Olmeda y Francisco Calderón- con María Langarita y Víctor Navarro arquitectos. 2011
Nave 16 Arquitectos: Alejandro Vírseda, José Ignacio Carnicero e Ignacio Vila Almazán, 2011
Nave de Música (Nave 15) Arquitectos: María Langarita y Víctor Navarro, en colaboración con el diseñador mexicano Jerónimo Hagerman, 2011
Cineteca y Cantina Archivo Documenta (nave 17 c, d, e y f) Arquitectos: José María Churtichaga y Cayetana de la Quadra Salcedo 2011
Casa del Lector. Centro Internacional para la Investigación, el Desarrollo y la Difusión de la Lectura de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez. (naves 13 y 14, 17b y tres crujías de la nave 17. Arquitecto Antón García Abril. Diseño gráfico y señalización: Alberto Corazón. Interiorismo Jesús Moreno y Asociados 2012
El arquitecto Joaquín Saldaña resulta ganador del concurso convocado por el Ayuntamiento de Madrid el año 1899 para la realización de los nuevos matadero y mercado municipal de ganados en la Dehesa de La Arganzuela, junto al Manzanares, si bien, finalmente las obras se realizan de acuerdo con el proyecto redactado en 1910 por Luis Bellido, arquitecto de propiedades del Ayuntamiento, con la colaboración de J. Eugenio Ribera, ingeniero de reconocido prestigio. El conjunto arquitectónico se compone de 48 edificios agrupados en cinco sectores de producción: dirección y administración, matadero, mercado de abastos, mercado de trabajo y sección sanitaria, cuenta además con viviendas para el personal y capilla; también de sistema de circulaciones y ferrocarril propios... una autentica ciudad laboral.
Sigue el sistema alemán de pabellones aislados, relacionados por medio de viales y presididos por un edificio administrativo, la "Casa del Reloj" situado sobre el eje principal de la composición. Por sus características arquitectónicas y por su escala es uno de los conjuntos edificados más significativos de Madrid. Se advierte en él una unidad estilística y constructiva derivada del uso racional en sus fábricas de tres materiales esenciales ladrillo, mampostería y cerámica, y una cuidadosa introducción de elementos metálicos en la estructura; además de otros aspectos significativos como el empleo de un lenguaje de inspiración neomudéjar muy atenuado, habitual en la arquitectura industrial de la época. El matadero de Madrid sirve de modelo para la construcción en España de este tipo de edificios.
Para el crítico González Amezqueta "Es un ejemplo de gran calidad de arquitectura industrial perfectamente insertado en los procedimientos del ladrillo, con derivaciones hacia el neomudéjar. La mecánica funcional de los procesos laborales no impide discretas acentuaciones ornamentales, ya que todo el proceso constructivo es estrictamente artesanal, con predominio de las técnicas fabricadas del ladrillo en las partes más acertadas".
En 1926, en zona próxima al Vado de Santa Catalina, proyecta Bellido el matadero de gallinas y aves, siendo realizadas las obras, entre 1932 y 1933, bajo la dirección de Francisco Javier Ferrero con la introducción de una clara y cuidada estructura de hormigón pionera en la ciudad y en la que reside uno de sus valores principales.
A partir de 1940 se llevan a cabo diferentes remodelaciones y ampliaciones, entre ellas la de la nave de patatas, el pabellón de autopsias y los abrevaderos.
En la década de 1980, perdida su función original, el Departamento de Conservación de Edificios del Ayuntamiento comienza la rehabilitación sistemática de los edificios del conjunto para su uso como contenedores de actividades culturales, sociales, deportivas y administrativas propias del Ayuntamiento; primero bajo la dirección de Rafael Fernández-Rañada, que acondiciona la Casa del Reloj para Junta Municipal del Distrito de Arganzuela y la nave de terneras para sala cultural y deportiva, y después, de Guillermo Costa que realiza el Palacio de Cristal (rehabilitación de la nave de patatas para invernadero) y el parque del matadero, con la colaboración del ingeniero, también municipal, M. Ángel Martínez Lucio.
Desde 1996 Costa continúa la consolidación estructural de fachadas y cubiertas de 7 naves del recinto sur, sin un uso predeterminado y en distintas fases, a la espera de la realización del proyecto para su adecuación a nuevas actividades de carácter cultural, comercial o de ocio. Finalmente, el conjunto edificado se incluye en el catálogo de bienes a conservar dentro del Plan General de Ordenación Urbana de 1997.
En el extremo norte parte de las antiguas naves de estabulación son cedidas al Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música (INAEM) para establecer en ellas las sedes del Ballet Nacional de España y de la Compañía Nacional de Danza, según proyecto de Fernández Alba y Castillo-Puche, concluyéndose las obras de adaptación en 1999.
En 2005 se aprueba la modificación del Plan Especial de Intervención, Adecuación Arquitectónica y Control Urbanístico-Ambiental de Usos del recinto del antiguo matadero municipal, que incrementa el uso cultural hasta el 75% del total.
A partir de 2006 el Ayuntamiento se plantea rehabilitar en distintas fases, mediante proyectos derivados de concursos de arquitectura, este inmenso contenedor de casi 150.000 m2, para albergar multitud de eventos y encuentros, fomentando la creatividad de artistas de múltiples especialidades. El conjunto se convierte en un núcleo de actividad cultural que alberga las más importantes citas de la ciudad. Así, se inician actuaciones para convertir el recinto en centro de apoyo a la creación, en campo de experimentación de la nueva arquitectura, pero siguiendo los criterios de intervención del Plan Especial, que establece la preservación de la envolvente de las naves. La línea maestra que ha guiado las intervenciones es la reversibilidad, de modo que los edificios pueden ser fácilmente devueltos a su estado original. Las actuaciones mantienen expresamente las huellas del pasado para reforzar el carácter experimental de las nuevas instituciones que alojan. Se ha buscado el equilibrio entre el respeto máximo al espacio, y una dotación específica, que lo distinga, a través del uso limitado de materiales industriales directos y que, al mismo tiempo, dé servicio a los diferentes usos que pueda albergar.
En 2012, tras la visita del jurado de los premios FAD a Matadero Madrid, decidió reconocer la labor en conjunto de todos los arquitectos que han participado en el proceso de reforma. El fallo valora “tanto la actitud global de la propuesta, que apuesta de una forma valiente por la experimentación y el respeto a los espacios de libertad gestionados desde la sociedad civil, como la conceptualización del proyecto, desde su inicio en el 2007 con la rehabilitación del vestíbulo y el espacio Intermediae, hasta las recientes intervenciones de la Nave 16 y la Nave de Música finalistas en la presente edición de los Premios FAD”. Así mismo, el jurado destacó de Matadero Madrid “la inteligencia colectiva, la unidad que le viene inferida por la arquitectura industrial preexistente, y que con un mínimo de protagonismo exterior de las nuevas intervenciones, en el interior resuelve con rigor y autenticidad las diversas necesidades del extenso programa del centro, buscando no sólo mantener los espacios arquitectónicos y formas estructurales, sino también el carácter, la atmósfera y sobre todo el irrepetible paso del tiempo”.
Ese mismo año el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid otorgó uno de sus premios a las intervenciones en la Cineteca y Archivo Documenta, y en la Nave 16. Por último, destaca la interconexión de Matadero Madrid y Madrid Río mediante la urbanización de los espacios públicos -Calle y Plaza Matadero- por el mismo equipo de arquitectos -Ginés Garrido, Carlos Rubio y Fernando Porras- que proyectó Madrid Río. Está previsto además que dicha conexión, gracias a dos nuevos accesos, se amplíe entre diciembre de 2012 y julio de 2013. Madrid Río ha recibido, entre otros premios, el International Architecture Award 2012 del Chicago Athenaeum of Architecture and Design y el European Centre for Architecture Art Design and Urban Studies, el Premio de Diseño Urbano y Paisajismo Internacional otorgado por el Comité de Críticos de Arquitectura CICA, en el marco de la XIII Bienal de Buenos Aires; o el Premio FAD de Ciudad y Paisaje 2012, entre otros galardones.
Imparte: Manuel de Jesús Hernández Santos
Este laboratorio propone ser un espacio de co-creación de proyectos digitales que permitan a los artistas y a los emprendedores culturales apropiarse de las herramientas y canales disponibles para promover, difundir y optimizar su actividad; y con ello reducir al máximo la dependencia a plataformas de terceros.
Programación navideña del Ayuntamiento de Peñaranda de Bracamonte y el Centro Internacional de Tecnologías Avanzadas, CITA, de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez.
Talleres gratuito de creación de tarjetas y felicitaciones navideñas, impartido por la artista local Ana Rodríguez Macías.
¡Arte, TIC y diversión asegurada!
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Citado como argumento para vender cursos de programación a raíz de aquel artículo que escribí sobre la dificultad de encontrar programadores en España :-)
Fotografía de Gabriel del Molino.
Como parte de la programación propuesta por Miguel López, durante los días 16, 17 y 18 de julio se realizó el taller: Educación liberadora y prácticas artísticas contemporáneas.
Este taller buscaba reflexionar sobre los aportes de la educación emancipadora en América Latina, sus diálogos y zonas de contacto con prácticas artísticas contemporáneas.
www.lugaradudas.org/archivo/2012/eventos/161718_taller_am...
Hugo de Veró, Jacqueline Campos, José Pablo Ruiz, Rafael Cremades, Maite Chacón, Carlos Telmo durante la emisión del programa
Jesús Tomás, profesor del Campus de Gandia de la UPV, es el autor de la obra El gran libro de Android, en el que enseña a programar para la plataforma de software libre de Google para dispositivos móviles. El libro cuenta ya con tres ediciones, ha sido traducido al inglés y cuenta con una segunda parte: El gran libro de Android avanzado. Estas obras son la base de diversos cursos de formación permanente de programación para Android, que imparte la Universitat Politècnica de València, y que también dirige el autor.
Contacto: iditransferencia@epsg.upv.es
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Jesús Tomás, professor del Campus de Gandia de la UPV, és l’autor de l’obra El gran libro de Android, on ensenya a programar per a la plataforma de software lliure de Google per a dispositius mòbils. El llibre compta ja amb tres edicions i és la base de diversos cursos de formació permanent de programació per a Android, que imparteix la Universitat Politècnica de València, i que també dirigeix l’autor.
Contacte: iditransferencia@epsg.upv.es
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Jesús Tomás, Professor in the UPV Gandia campus, is the author of the book El gran libro de Android, in which he teaches programming for the Google open source platform for mobile devices.
Jesús Tomás teaches in the Bachelor’s Degree in Telecommunications Engineering Systems, Sound and Image Engineering Degree of the UPV Gandia campus site.
The book, in its third edition, is used for several courses of continuous education for Android, taught at the Universitat Politècnica de València by this same author.
Contact: iditransferencia@epsg.upv.es