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Winged Victory
Bronze statue
Height: cm 191
Second half of 1st century AD
Prodotta nel secondo quarto del I secolo d.C. da un’officina bronzistica di alto livello dell’Italia settentrionale. Si tratta di una figura femminile, volta leggermente verso sinistra; è vestita di una tunica fermata sulle spalle (kiton) e di un mantello (himation) che avvolge le gambe.
È realizzata con il metodo della fusione a cera persa indiretta e risulta costituita da almeno trenta parti fuse singolarmente e saldate poi tra loro; è inoltre rifinita, come i ritratti, con strumenti a punta che ne definiscono con precisione i dettagli. Ad essa è stata poi aggiunta una agemina in argento e rame che ne cinge la capigliatura.
La statua, scoperta il 20 luglio del 1826 e la sua fama si diffuse in tutta Europa, al punto che Napoleone III, ospite a Brescia prima della battaglia di Solferino, nel giugno 1859, volle visitare il Museo Patrio e rimase così colpito dalla bellezza della statua che chiese di poterne avere una copia, ora visibile presso il museo del Louvre. Grato per l’omaggio bresciano, l’imperatore donò alla città due monumentali vasi in porcellana di Sèvres, che riportano i ritratti ufficiali di Napoleone III e della consorte, esposti nel Museo del Risorgimento della città.
It is a feminine figure, slightly turning her body to the left; she is wearing a cloth pinned on her shoulders (kiton) and a mantle (himation) wrapped around her legs.
The statue was realised with the technique known as investment casting and is composed of at least 30 parts cast separately and later soldered together. Just like in portraits, the finish touch is given with pointed tools that define traits neatly. With the technique of damascening, silver has been woven to her hair.
It must have been created in the second half of the 1st century AD by a professional workshop specialised in bronze art in the north of Italy.
The statue was discovered on July 20th 1826 and the fame of the Victory in Brescia had been spreading all around Europe, so much so that Napoleon III, who was staying in Brescia before the Solferino battle in June 1859, wanted to visit the Archaeological and historical museum. He was so impressed by the beauty of the statue that he asked to have a copy of it, now exhibited at the Louvre. Thankful for this gift from Brescia, the Emperor donated to the city two monumental Sèvres porcelain vases bearing the portraits of Napoleon III and his wife, now on show at the Museo del Risorgimento in the city.
Having a nice walk among the famous vineyards north of Novara.-
Tra i famosi vigneti del Novarese, e per la precisione nelle colline tra Mezzomerico e Suno.
Organist Tempest Natures.
Vapori simpatici fantasmi superstizioni precisione mente tormentato fantasmi dita serpeggianti svanire chiavi energie scintillanti piaceri bellicosi,
Wahnsinn Alter gebrochene Töne churlish Töne Blendung Höhen ertrinken Säulen Bestrebungen laute verachteten Winde Visionen suchen,
увеличенные странные намерения ослабленные темные прелюдии ожесточенные баллады драматические монологи экзотические серии посыпанные могилы страшный утренний свет,
en arrière airs endormi pensées cachées lunes ivres rugissant coeur rêves dansants éclater les mers dans les ombres profondes,
infernalem loco horroris et vastae caligo aura fluere artus tremore vesperam silentio fumigantium istorum rupti lusus naturae horrentis mortem narravit aemulo persecutore epitaphia,
負傷した座席激しい野生の驚きの悪魔は征服者の勝利の貧弱な砲塔入札塔に不思議な和音エクスタシーのひずみ神秘的な和音エクスタシー緊張.
Steve.D.Hammond.
Bernardo Bellotto called Canaletto after his uncle Antonio (Venice, January 30, 1721 - Warsaw, October 17, 1780) - Nymphenburg Palace, Munich (1781) - Oil on canvas 64 x 120 - Residence, Munich
Bernardo Bellotto di distingue da suo zio, il Canaletto per le prospettive rigorose, per il realismo e la precisione dei dettagli delle architetture descritte. Le sue città sono immerse nella luce e le figure sono delineate da contorni decisi.
A Varsavia realizza ventisei vedute della città e del castello Wilanow, che si sono rivelate preziose per la ricostruzione della città dopo i bombardamenti della Seconda Guerra Mondiale.
Bernardo Bellotto differs from his uncle, Canaletto in his rigorous perspectives and the realism and precision of the details of the architectures described. His cities are bathed in light and the figures are outlined by decisive contours.
In Warsaw he produced twenty-six views of the city and Wilanow Castle, which proved invaluable in the reconstruction of the city after the bombings of World War II.
I mandala sono simboli che rappresentano l'universo. Di solito hanno forma circolare e sono tipici del buddismo e dell'induismo, come parte della spiritualità. Mandala è un'antica parola sanscrita che significa cerchio.I monaci tibetana realizzano i mandala di sabbia seguendo una pratica speciale chiamata dul-tson-kyil-khor, che letteralmente significa "mandala di polvere colorata"Realizzare un mandala di sabbia richiede molto tempo, pazienza e precisione. Ma questi mandala di sabbia hanno una vita molto breve. Poco dopo il loro completamento, i monaci distruggono completamente i mandala che hanno creato con così tanta cura ed attenzione. La distruzione del mandala serve ad imparare il non attaccamento, a capire che nulla dura per sempre.
Mandalas are symbols that represent the universe. They usually have a circular shape and are typical of Buddhism and Hinduism, as part of spirituality. Mandala is an ancient Sanskrit word meaning circle.Tibetan monks make sand mandalas following a special practice called dul-tson-kyil-khor, which literally means "colored powder mandala" Making a sand mandala takes a long time, patience and precision. But these sand mandalas have a very short life. Shortly after their completion, the monks completely destroy the mandalas they created with so much care and attention. The destruction of the mandala serves to learn non-attachment, to understand that nothing lasts forever.
Scarecrow.
Μετατρέποντας κινήσεις αόρατα σύρματα που ξεπηδούν αντιλήψεις παράλογο μάγος που κουνάει χορεύοντας καλλιεργημένα χέρια μακριά αστραπή κατασκευάζοντας φώτα,
profondità pesate scrupolosa precisione oggetti sondati maniere difficili interruzioni poco gentiluomo forme incomparabili prestigiatore,
infliger des pouvoirs miraculeux région des désespoirs effrayants rencontre de lourds sacs sous le continent efforts domestiqués os bouillants,
penas, pedras, engenhosidade, poderosos, maravilhosos, dedos, possuíam, idéias, terrível, cabeça, moral, ativista, soluções, ar, peculiares esboços, intelecto, peças,
az eredmények bizarr figyelmen kívül hagyják az összetett figyelmet, ellentétes a valószínűségekkel, a képzelet írója azt javasolja, hogy a karakterek udvariassági túlfolyások,
熱の感情宝物わらよろめく手足世俗的な経験回避演劇習熟度注文説明できない喜び推論情報驚き勝利カジュアルトリック独創的な男.
Steve.D.Hammond.
La costruzione è così peculiare per via della grandezza di alcune pietre. Le pietre furono incastrate con una precisione inimmaginabile. Risulta quasi inesplicabile per noi capire come gli inca poterono tagliare con tale maestria le pietre, per cui tra una e l'altra non passa la lamina di un coltello.
Il grandioso complesso presenta un triplice ordine di cinte murarie, lunghe trecento metri, realizzate con enormi massi di pietra (porfido e andesite), connessi con grande precisione. La muraglia principale è formata da pietre alte 5 metri, larghe circa 2,5 metri che possono pesare tra le 90 e le 120 tonnellate.
The construction is so peculiar because of the size of some stones. The stones were embedded with unimaginable precision. It is almost inexplicable for us to understand how the Inca could cut the stones with such skill, so that the blade of a knife does not pass between them.
The grandiose complex has a triple order of city walls, three hundred meters long, made with huge boulders of stone (porphyry and andesite), connected with great precision. The main wall is made up of 5 meter high stones, about 2.5 meters wide that can weigh between 90 and 120 tons.
e per la precisione "alternative rock".
Siamo con The Cesarians al Raindogs House di Savona il 14 Maggio 2014.
Loro sono una band inglese (di Hackney, dintorni di Londra, distretto multi-culturale e sinonimo di povertà); sono molto originali, propongono un mix esplosivo, ascoltare per credere. Dal loro sito trascrivo i nomi e i soprannomi dei componenti:
- Justine Armatage: Piano, Violin, Writer
- Charlie Finke: Singer, Writer, Mercury in Vanian's clothing
- Budge Magraw: Alpine Bass
- Suzi Owen: Trombone, Glockenspiel, Hair and Brothel Creepers
- Beverley Crome aka The Yorkshire Maria Callas: French Horn, Trumpet, Voice
- Christine Lehlett: Virtuoso Violin
- Ed Grimshaw: Drumming from the Soul.
Ed eccovi la proposta musicale:
PS: foto elaborata con FotoSketcher
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All rights reserved - Copyright © fotomie2009 - Nora Caracci
The cult of the Blessed Virgin of the Good Way is lost in the night of the times, for precision in the Middle Ages, when the lands and pastures of the territory of Iglesias (southwestern Sardinia, Iglesiente) were infested with locusts. The people, to remedy, appealed to the faith and invoked the Blessed Virgin of the Good Way, as has happened in the past for other epidemics. A procession of the faithful reached the Good Way by carrying the Madonna's simulacrum. At the summit, they invoked the blessing of God and demanded that they be emptied of that disaster. According to tradition, insects abandoned the land for the joy of the population.
The Blessed Virgin of the Good Way was again implored by a man who, having received grace, went to the mountain every week to light a candle. Because of the strong wind, one day the flame triggered a fire and the chapel was destroyed by fire. And so in 1777, Maria Antioca Pisano and her husband, Antioco Bernardini, the latter responsible for the disaster, built a small church, the church of the Good Way. In 1803 the church was joined by another building, a haven for pilgrims during the feast. The worship building was thus melted into a single two-timp façade. In 1817, it was further expanded.
However, in the early twentieth century the Sanctuary of the Blessed Virgin of the Good Way of Iglesias deteriorated very seriously, and the descendants of the Pisan and Bernardini, unable to bear the necessary expenses, gave it free of charge in 1957 to the Curia. Returning to the faithful the renewed church in 1974.
It is still a place of worship frequented by pilgrims and tourists, surrounded by greenery and surrounded by its mystical charm. The shrine can be visited every day of the year thanks to the stable presence of the poor sisters of Santa Chiara.
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Il culto della Beata Vergine del Buon Cammino si perde nella notte dei tempi, per la precisione nel Medioevo, quando le terre e i pascoli del territorio di Iglesias (Sardegna Sud-Ovest, Iglesiente) furono infestati da locuste. La popolazione, per porre rimedio, si appellò alla fede e invocò la Beata Vergine del Buon Cammino, come già successo in passato per altre epidemie. Una processione di fedeli raggiunse il Buon Cammino trasportando con se il simulacro della Madonna. Giunti alla vetta, invocarono la benedizione di Dio e chiesero di essere affrancati da quella sciagura. Secondo la tradizione gli insetti abbandonarono i terreni per la gioia della popolazione.
La Beata Vergine del Buon Cammino fu nuovamente implorata da un uomo, che, ottenuta la grazia, si recava sul monte ogni settimana ad accendere un cero. A causa del forte vento, un giorno la fiamma scatenò un incendio e la cappella fu distrutta dal fuoco. E così nel 1777, Maria Antioca Pisano e suo marito Antioco Bernardini, quest'ultimo responsabile del disastro, fecero costruire una piccola chiesa, la chiesa del Buon Cammino. Nel 1803 alla chiesa venne affiancata un'altra costruzione, un rifugio per i pellegrini durante la festa. L'edificio di culto veniva così fusa in una unica facciata a due timpani. Nel 1817, venne ulteriormente ampliata.
Tuttavia, nei primi anni del Novecento il Santuario della Beata Vergine del Buon Cammino di Iglesias si deteriorò in maniera molto grave e i discendenti dei Pisano e dei Bernardini, impossibilitati a sostenere le spese necessarie, lo cedettero a titolo gratuito nel 1957 alla Curia. Che restituì ai fedeli la rinnovata chiesa nel 1974.
È tuttora luogo di culto frequentato da pellegrini e turisti, immerso nel verde e avvolto dal suo fascino mistico. Il santuario è visitabile tutti i giorni dell'anno grazie alla stabile presenza delle sorelle povere di Santa Chiara.
Winged Victory
Bronze statue
Height: cm 191
Second half of 1st century AD
Prodotta nel secondo quarto del I secolo d.C. da un’officina bronzistica di alto livello dell’Italia settentrionale. Si tratta di una figura femminile, volta leggermente verso sinistra; è vestita di una tunica fermata sulle spalle (kiton) e di un mantello (himation) che avvolge le gambe.
È realizzata con il metodo della fusione a cera persa indiretta e risulta costituita da almeno trenta parti fuse singolarmente e saldate poi tra loro; è inoltre rifinita, come i ritratti, con strumenti a punta che ne definiscono con precisione i dettagli. Ad essa è stata poi aggiunta una agemina in argento e rame che ne cinge la capigliatura.
La statua, scoperta il 20 luglio del 1826 e la sua fama si diffuse in tutta Europa, al punto che Napoleone III, ospite a Brescia prima della battaglia di Solferino, nel giugno 1859, volle visitare il Museo Patrio e rimase così colpito dalla bellezza della statua che chiese di poterne avere una copia, ora visibile presso il museo del Louvre. Grato per l’omaggio bresciano, l’imperatore donò alla città due monumentali vasi in porcellana di Sèvres, che riportano i ritratti ufficiali di Napoleone III e della consorte, esposti nel Museo del Risorgimento della città.
It is a feminine figure, slightly turning her body to the left; she is wearing a cloth pinned on her shoulders (kiton) and a mantle (himation) wrapped around her legs.
The statue was realised with the technique known as investment casting and is composed of at least 30 parts cast separately and later soldered together. Just like in portraits, the finish touch is given with pointed tools that define traits neatly. With the technique of damascening, silver has been woven to her hair.
It must have been created in the second half of the 1st century AD by a professional workshop specialised in bronze art in the north of Italy.
The statue was discovered on July 20th 1826 and the fame of the Victory in Brescia had been spreading all around Europe, so much so that Napoleon III, who was staying in Brescia before the Solferino battle in June 1859, wanted to visit the Archaeological and historical museum. He was so impressed by the beauty of the statue that he asked to have a copy of it, now exhibited at the Louvre. Thankful for this gift from Brescia, the Emperor donated to the city two monumental Sèvres porcelain vases bearing the portraits of Napoleon III and his wife, now on show at the Museo del Risorgimento in the city.
PREPARATIVI.......
La mongolfiera è un aeromobile che utilizza aria calda, un gas più leggero dell'aria circostante, per ottenere la forza necessaria per sollevarsi da terra. Per la precisione non si tratta proprio di aria, ma dei gas della combustione del propano. Inizialmente il pallone mediante un ventilatore viene riempito di aria che poi viene sostituita dai prodotti della combustione. La mongolfiera fa parte della categoria degli aerostati, veicoli aerei che utilizzano gas per sollevarsi; è il tipo più comune di pallone aerostatico. Quando in volo vengono trasportati dal vento e non possiedono strumenti direzionali propri. Questo li differenzia dai dirigibili che, pur essendo mantenuti in volo da principi simili, possiedono invece motori ed eliche in grado di influenzare il percorso del mezzo.Come tutti gli aerostati, anche la mongolfiera vola in virtù del fatto che il gas che riempie il pallone è più leggero dell'aria circostante e questo determina una spinta verso l'alto secondo il ben noto principio di Archimede. Tra le manifestazioni più importanti in Italia per le mongolfiere vi è il Ferrara Balloons Festival di Ferrara, gigantesco evento turistico alle porte della città estense in grado di portare al Parco Urbano circa 400.000 persone nel 2009.
---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------The balloon is an aircraft that uses hot air, a gas lighter than the surrounding air, to obtain the necessary strength to rise from the ground. To be precise it is not just air, but the gases of the combustion of propane. Initially the ball by means of a fan is filled with air which is then replaced by the products of combustion. The balloon is part of the category of balloons, aerial vehicles that use gas to rise; is the most common type of balloon. When in flight are carried by the wind and do not have their directional tools. This differentiates them from airships which, while being maintained in flight by similar principles, have instead engines and propellers able to influence the path of the middle. As all balloons, the balloon also flies in virtue of the fact that the gas which fills the balloon is lighter than air surrounding and this determines a thrust upwards according to the well known principle of Archimedes. Among the most important events in Italy for hot air balloons there is the Ferrara Balloons Festival of Ferrara, gigantic tourist event on the outskirts of the city of Este able to bring to the Urban Park about 400,000 people in 2009.
Bramante (Donato di Angelo di Pascuccio - Fermignano, 1444 - Rome, 11 April 1514) - Heraclitus (around 1486) - Detached fresco carried on canvas - 102 x 127 cm - Pinacoteca of Brera Milan
I due filosofi greci, l'uno che piange e l'altro che ride, ragionano sulla sorte umana: l'oggetto delle loro riflessioni è un mappamondo che riporta con molta precisione le terre, i mari e i monti conosciuti nel Quattrocento: si riconoscono anche le Alpi e il Mar Mediterraneo.
The two Greek philosophers, one who cries and the other laughs, reason about human fate: the object of their reflections is a globe that brings back with great precision the lands, the seas and the mountains known in the fifteenth century: they are also recognizable the Alps and the Mediterranean Sea.
IL MULINO DEL BOSCO
Il più bel mulino antico d’Italia si trova nella nostra regione: per la precisione a Strassoldo, vicino a Cervignano, ed è un edificio del 1.200 già parte del Patriarcato di Aquileia.
Diverse sono le ipotesi sull'origine del nome di Strassoldo. In tedesco Strasse Holt significa "tenere, controllare la strada". Certo è che l'omonima famiglia, i conti Strassoldo, vive qui ormai da mille anni o forse più.
La visita di Strassoldo è molto veloce.Si lascia la macchina nel parcheggio lungo la strada provinciale 108. Qui si ha modo di ammirare da vicino il suggestivo Mulino del Bosco e raggiungere la porta in mattoni che dà accesso al castello di Sopra.
Il castello di Strassoldo fu fondato nel 1035 dal nobile Woldarico Strassu, durante l'assetto feudale del basso Friuli. A partire dal 1188 il castello, che si compose successivamente di due strutture distinte dette di Sopra e di Sotto, passò ad un ramo dell'antichissima famiglia di Lavariano, che si chiamò da allora di Strassoldo.
Note tratte dal sito:
www.montagnadiviaggi.it/2023/10/strassoldo-cosa-vedere.html
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THE MULINO DEL BOSCO
The most beautiful ancient mill in Italy is located in our region: to be precise in Strassoldo, near Cervignano, and is a building from 1200 that was once part of the Patriarchate of Aquileia.
There are various hypotheses on the origin of the name Strassoldo. In German Strasse Holt means "hold, control the road". What is certain is that the family of the same name, the Strassoldo counts, have lived here for a thousand years or perhaps more.
The visit to Strassoldo is very quick. You leave your car in the parking lot along the provincial road 108. Here you can admire the suggestive Mulino del Bosco up close and reach the brick door that gives access to the castle of Sopra.
The castle of Strassoldo was founded in 1035 by the noble Woldarico Strassu, during the feudal system of lower Friuli. Starting in 1188 the castle, which was later composed of two distinct structures called Sopra and Sotto, passed to a branch of the ancient family of Lavariano, which from then on was called Strassoldo.
Fotocomposizione di 12 immagini
CANON EOS 6D Mark II con ob. CANON EF 24-85 f./3,5-4,5 USM
L'incredibile abilità degli scalpellini Quechua.
In questi muri esistono pietre alte 5 metri e larghe 2.5 del peso di 100/120 tonnellate incastrate fra di loro con un grande lavoro di precisione.
The incredible skill of Quechua stonemasons.
In these walls there are stones 5 meters high and 2.5 meters wide with a weight of 100/120 tons wedged together with great precision work.
_MG_2330m
Peter Wenzel (1745-1829) Adamo ed Eva nel Paradiso Terrestre - Olio su tela, cm 336 x 247 - Musei Vaticani
La grande tela rappresenta il momento culminante della carriera di Wenzel Peter, pittore animalista, vale a dire specializzato in un genere molto singolare, che lo portò a riprodurre con straordinario naturalismo animali delle specie più diverse, "fotografati" per così dire, nei loro atteggiamenti di stasi o di lotta. Il Paradiso Terrestre costituisce la prova di più alto virtuosismo, dal momento che l'artista raduna intorno alle figure di Adamo ed Eva quelle di oltre duecento animali di tutto il mondo, riprodotti non solo con abilità pittorica, ma anche con approfondita conoscenza e precisione scientifica.
The great canvas represents the culminating moment of Wenzel Peter's career, an animal painter, specializing in a very singular genre that led him to reproduce with extraordinary naturalism animals of the most diverse species, "photographed" so to speak, in their attitudes of stasis or of struggle. The Earth Paradise is the proof of the highest virtuosity, since the artist raises around the figures of Adam and Eve those of over two hundred animals from all over the world, reproduced not only with pictorial skill but also with in-depth knowledge and scientific precision.
Bramante (Donato di Angelo di Pascuccio - Fermignano, 1444 - Rome, 11 April 1514) - Democritus (around 1486) - Detached fresco carried on canvas - 102 x 127 cm - Pinacoteca of Brera Milan
I due filosofi greci, l'uno che piange e l'altro che ride, ragionano sulla sorte umana: l'oggetto delle loro riflessioni è un mappamondo che riporta con molta precisione le terre, i mari e i monti conosciuti nel Quattrocento: si riconoscono anche le Alpi e il Mar Mediterraneo.
The two Greek philosophers, one who cries and the other laughs, reason about human fate: the object of their reflections is a globe that brings back with great precision the lands, the seas and the mountains known in the fifteenth century: they are also recognizable the Alps and the Mediterranean Sea.
Hans Baldung known Grien (Schwäbisch Gmünd, circa 1485 - Strasbourg, September 1545) - Head of an old man (1518-19) - Paper on soft wood 33.1 x 23.6 cm - Gemäldegalerie, Berlin
La testa di un vecchio dai capelli grigi, mostrata di profilo a tre quarti, appare di fronte a uno sfondo scuro. Guarda direttamente lo spettatore attraverso le sopracciglia tese e solcate. I riflessi su orecchie, sopracciglia, punta del naso e le pennellate bianche sull'imponente barba fluente mostrano un'esecuzione molto dettagliata. Ogni solco e grinza profonda è reso con precisione. È possibile che questa sia la rappresentazione di un apostolo, sebbene la fisionomia espressiva dell'uomo suggerisca che il lavoro servisse piuttosto come studio del carattere. Questa teoria è supportata dal fatto che il pittore ha usato la carta, che è stata poi trasferita su legno tenero. Nella collezione Suermondt questo dipinto era considerato un'opera originale di Albrecht Dürer, solo nel 1878 fu attribuito a Baldung
The head of an old, grey-haired man, shown in three-quarter profile appears in front of a dark background. He looks directly at the viewer through tense, furrowed brows. Fine highlights on the ears, brows, tip of the nose and the white brush strokes on the impressive flowing beard display a very detailed execution. Every furrow and deep wrinkle is precisely rendered. It is possible that this is a depiction of an apostle, although the expressive, very individual physiognomy of the man suggests that the work served rather as a character study. This theory is being supported by the fact that the painter used paper, which was then transferred on to softwood. In the Suermondt Collection this painting was considered an original work by Albrecht Dürer, only in 1878 it was attributed to Baldung.
Standing tall above the Atlantic Ocean, this lighthouse rises like a sentinel over a fortress of volcanic columns. The orderly basalt formations, sculpted by ancient lava flows and cooled into perfect hexagonal pillars, curve gently outward as if unfurling toward the sea. Flecks of orange lichen cling to the black stone, evidence of life tenaciously gripping the hardened fire of the Earth. Amid this surreal geologic amphitheater, the stark white lighthouse becomes not just a navigational aid but a monument to the silent dialogues between man, stone, and sea.
Sopra l’Oceano Atlantico si erge questo faro, come una sentinella su una fortezza di colonne vulcaniche. Le formazioni di basalto, nate dal raffreddamento lento di antichi flussi lavici, si dispiegano con precisione geometrica verso l’acqua, come una corona di pietra plasmata dal tempo. Qua e là, licheni arancioni colonizzano la roccia nera, portando un tocco di vita su ciò che fu fuoco. In questo scenario quasi surreale, il faro non è solo guida per i naviganti, ma anche simbolo della silenziosa coesistenza tra uomo, natura e memoria geologica.
The Zenit 11 is a solidly-built camera with essentially the same Leica type cloth shutter as earlier Soviet rangefinder and SLR cameras. It has an external selenium meter mounted on the prism front above the lens. The meter isn't coupled to the camera. The Zenit uses the M42 Pentax screw-mount lens which means there is a variety of lenses from all over the world that will fit it. Partially depressing the shutter release stops down the lens. Additional pressure releases the shutter.
Source: www.sovietcams.com/index.php?363665581
______ ITALIANO PER NOI _______________
"Zenit 11, una robusta macchina fabbricata in Unione Sovietica tra il 1981 ed il 1990 dai produttori KMZ (Krasnogorski Mekhanicheskii Zavod) e BeLomo (Belorussian Optical and Mechanical Association). E' una macchina che all'apparenza può sembrare complicata, invece offre a chi la usa il vantaggio di avere tutto a portata di mano. E' dotata di un esposimetro al selenio che, attraverso il piccolo pannellino montato sul fronte del prisma, sopra la lente, fa muovere un ago che ci indica con precisione come settare la nostra macchina. Accanto all'esposimetro, intorno alla manovella per riavvolgere il rullino, c'è una ghiera "doppia" che riporta le aperture del diaframma (ghiera più interna) ed i tempi di scatto (ghiera più esterna). Una volta che avremo settato gli ISO del rullino tramite un bottoncino posto sulla stessa ghiera "doppia", avremo automaticamente il settaggio della nostra macchina semplicemente facendo in modo che una lancetta cada perfettamente sopra l'ago dell'esposimetro."
..da : diaryofamessylady.blogspot.it/2012/02/zenit-11-dalla-russ...
Winged Victory
Bronze statue
Height: cm 191
Second half of 1st century AD
Prodotta nel secondo quarto del I secolo d.C. da un’officina bronzistica di alto livello dell’Italia settentrionale. Si tratta di una figura femminile, volta leggermente verso sinistra; è vestita di una tunica fermata sulle spalle (kiton) e di un mantello (himation) che avvolge le gambe.
È realizzata con il metodo della fusione a cera persa indiretta e risulta costituita da almeno trenta parti fuse singolarmente e saldate poi tra loro; è inoltre rifinita, come i ritratti, con strumenti a punta che ne definiscono con precisione i dettagli. Ad essa è stata poi aggiunta una agemina in argento e rame che ne cinge la capigliatura.
La statua, scoperta il 20 luglio del 1826 e la sua fama si diffuse in tutta Europa, al punto che Napoleone III, ospite a Brescia prima della battaglia di Solferino, nel giugno 1859, volle visitare il Museo Patrio e rimase così colpito dalla bellezza della statua che chiese di poterne avere una copia, ora visibile presso il museo del Louvre. Grato per l’omaggio bresciano, l’imperatore donò alla città due monumentali vasi in porcellana di Sèvres, che riportano i ritratti ufficiali di Napoleone III e della consorte, esposti nel Museo del Risorgimento della città.
It is a feminine figure, slightly turning her body to the left; she is wearing a cloth pinned on her shoulders (kiton) and a mantle (himation) wrapped around her legs.
The statue was realised with the technique known as investment casting and is composed of at least 30 parts cast separately and later soldered together. Just like in portraits, the finish touch is given with pointed tools that define traits neatly. With the technique of damascening, silver has been woven to her hair.
It must have been created in the second half of the 1st century AD by a professional workshop specialised in bronze art in the north of Italy.
The statue was discovered on July 20th 1826 and the fame of the Victory in Brescia had been spreading all around Europe, so much so that Napoleon III, who was staying in Brescia before the Solferino battle in June 1859, wanted to visit the Archaeological and historical museum. He was so impressed by the beauty of the statue that he asked to have a copy of it, now exhibited at the Louvre. Thankful for this gift from Brescia, the Emperor donated to the city two monumental Sèvres porcelain vases bearing the portraits of Napoleon III and his wife, now on show at the Museo del Risorgimento in the city.
Bramante (Donato di Angelo di Pascuccio - Fermignano, 1444 - Rome, 11 April 1514) - Heraclitus and Democritus (around 1486) - Detached fresco carried on canvas - 102 x 127 cm - Pinacoteca of Brera Milan
I due filosofi greci, l'uno che piange e l'altro che ride, ragionano sulla sorte umana: l'oggetto delle loro riflessioni è un mappamondo che riporta con molta precisione le terre, i mari e i monti conosciuti nel Quattrocento: si riconoscono anche le Alpi e il Mar Mediterraneo.
The two Greek philosophers, one who cries and the other laughs, reason about human fate: the object of their reflections is a globe that brings back with great precision the lands, the seas and the mountains known in the fifteenth century: they are also recognizable the Alps and the Mediterranean Sea.
sono le succulente sul mio balcone a dicembre (per la precisione ieri!!!), e ne manca una che vi farò vedere prossimamene !
La prima è una echeveria qui fiorita ad Aprile di 5 anni fa
sotto, nell'ordine:
Kalanchoe tubiflora qui fiorita nel Febbraio 2014
Crassula multicava qui fiorita a Febbraio 4 anni fa
Echeveria pulvinata qui fiorita a Marzo 4 anni fa
Guardando le date vi fate un'idea del cambiamento climatico ...
E se, come sarebbe normale, vierrà il freddo ?
PS: "ovviamente" ho altre piante in fiore in questo momento, ve le mostrerò un giorno di questi.
Sorry, to me is very difficult to visit people that always only leave a fav without commenting...
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All rights reserved - Copyright © fotomie2009 - Nora Caracci
Guido Reni (Bologna, November 4, 1575 - Bologna, August 18, 1642) - Ariadne (1639-1640),- Oil on canvas 220 x 150 cm- Galleria Nazionale, Bologna
Si tratta dell'unico grande frammento conosciuto delle 'Nozze di Bacco e Arianna' che Guido Reni dipinse negli anni 1638- 1640 su commissione del Cardinale Barberini, ma destinato a Henrietta Maria di Borbone moglie del re d'Inghilterra Carlo I Stuart .
Il dipinto, eseguito a Bologna, fu inviato a Roma per la spedizione alla regina, ma i drammatici fatti politici che precedettero decapitazione di Carlo I ne impedirono l'invio in Inghilterra.
Nel 1647 finalmente la grande tela giunse a destinazione presso Henrietta, che la vendette un anno dopo per sanare i propri debiti.
Entrata nella raccolta di Michel Particelli d'Hemery, alla sua morte secondo autorevoli fonti dell'epoca, venne fatta ridurre in pezzi dalla vedova scandalizzata dalla presenza di figure nude.
La figura di Arianna risulta scontornata con una precisione inconsueta per una 'distruzione', è quindi probabile che il dipinto sia stato invece scomposto con metodo per essere poi più facilmente venduto.
This is the only known large fragment of the 'Marriage of Bacchus and Ariadne' that Guido Reni painted in the years 1638- 1640 commissioned by Cardinal Barberini, but intended for Henrietta Maria di Borbone wife of the King of England Charles I Stuart .
The painting, executed in Bologna, was sent to Rome for shipment to the queen, but the dramatic political events that preceded Charles I's beheading prevented it from being sent to England.
In 1647 the large canvas finally reached its destination at Henrietta's, who sold it a year later to clear her debts.
It entered the collection of Michel Particelli d'Hemery, and upon his death, according to authoritative sources of the time, it was had the widow, scandalized by the presence of nude figures, cut it to pieces.
The figure of Ariadne appears to have been contoured with unusual precision for a 'destruction,' so it is likely that the painting was instead methodically broken down to be more easily sold later.
M100 è una galassia a spirale nella costellazione boreale della Chioma di Berenice: le sue dimensioni apparenti sono di 7.4'x6.3' e ha magnitudine apparente 10.1.
La sua distanza è di 55 milioni di anni luce ed è stata determinata con precisione dal telescopio spaziale Hubble nel 1993.
M100 mostra due evidenti bracci a spirale con strutture di polveri per tutta la loro lunghezza: il colore azzurro dei bracci indica che sono ricchi di stelle giovani e calde. In questa galassia sono state osservate sette supernove tra il 1901 e il 2020.
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M100 is a spiral galaxy in Coma Berenices constellation: its apparent dimension is 7.4’x6.3’ and magnitude 10.1.
Its estimated distance of 55 million light years was determined in 1993 through the Hubble Space Telescope.
M100 has two big arms which show dust structures for all their lenght: seven supernovae stars were observed in this galaxy from the years 1901 to 2020.
Technical data
GSO RC12 Truss - Aperture 304mm, focal lenght 2432mm, f/8
Mount 10Micron GM2000 HPSII
Camera ZWO ASI 2600 MM Pro with filter wheel 7 positions
Filters Astrodon Gen2 E-Serie Tru-Balance 50mm unmounted LRGB
Guiding system ZWO OAG-L with guide camera ASI 174MM
Exposure details:
L 32x300", R 15x300", G 16x300", B 15x300" all in bin3 -15C
Total integration time: 6h30'
Acquisition: Voyager, PHD2
Processing: Pixinsight 1.8, Photoshop CS5, StarXTerminator, NoiseXTerminator, BlurXTerminator
SQM-L: 21.3
Location: Promiod (Aosta Valley, Italy), own remote observatory
Date 13/14 February 2023
Questa volta credo di aver individuato con una certa precisione il punto da cui parte l'arcobaleno. Credo che sia proprio quell'alberello là in fondo... ;-)
[ENG]I think this time I found it. The exact point where the rainbow ends. And I think I may find something interesting there...
My contribution to the group AAW for the theme "Heaven on earth".
WIT: I saw a spectacular rainbow commuting home from office. So I headed to that little country church, one of my favourite scenic point in the neighborhood. I was lucky enough to arrive there a few seconds before sunset. and had the time to take my camera, compose and shoot three photos, then the rainbow disappeared...
Andrea Solari (or also Solario) (Milan, about 1470 - Milan, 1524) - Ecce Homo (1505-1506) - tempera on panel - 43 x 33 cm. - Poldi Pezzoli Museum, Milan
Il dipinto raffigura il busto di Cristo, in posizione nettamente frontale, con i polsi legati con una fune e la corona di spine. Il volto, caratterizzato da un grande realismo, appare segnato da alcune lacrime e dalle gocce di sangue che discendono dalle ferite aperte nella fronte. Come nel racconto evangelico, Gesù viene rappresentato con gli emblemi regali dei quali i soldati lo avevano ornato in segno di scherno: la corona di spine, il manto color porpora e lo scettro di canna. Sulla spalla e sul braccio nudi sono visibili alcune delle ferite inflittegli dai suoi carnefici, mentre lo sguardo abbassato di Cristo invita a un momento di rassegnata meditazione sulla Passione. Come mostrano le diverse versioni del medesimo tema da lui realizzate, la scelta iconografica del Solario di isolare il motivo centrale della scena di Pilato che presenta Cristo al popolo ha avuto grande fortuna nella produzione dell’artista. Dal punto di vista stilistico, è evidente il riferimento alle opere di Antonello da Messina e alla pittura fiamminga nei particolari resi con grande precisione: la spina che trafigge il sopracciglio di Gesù, le lacrime che scorrono lungo le guance e il sangue che cola a grosse gocce. Per quest’opera sono state avanzate diverse ipotesi di datazione, tuttavia la maggior parte degli studiosi propone gli anni intorno al 1505-1506. Realizzata con una tecnica accuratissima che prevede la stesura del colore su una preparazione in gesso molto compatta, la tavola si presenta ancor oggi in un ottimo stato di conservazione, nonostante il supporto ligneo sia stato assottigliato e rifilato ai margini.
The painting depicts the bust of Christ, in a clearly frontal position, with his wrists bound with a rope and the crown of thorns. The face, characterized by a great realism, appears marked by some tears and drops of blood that descend from open wounds in the forehead. As in the Gospel story, Jesus is represented with the royal emblems with which the soldiers had adorned him as a sign of mockery: the crown of thorns, the purple mantle and the reed scepter. On his naked shoulder and arm are visible some of the wounds inflicted by his executioners, while Christ's lowered gaze invites a moment of resigned meditation on the Passion. As shown by the various versions of the same theme he made, Solario's iconographic choice to isolate the central motif of the scene of Pilate presenting Christ to the people was very successful in the artist's production. From a stylistic point of view, the reference to the works of Antonello da Messina and to Flemish painting is evident in the details rendered with great precision: the thorn that pierces the eyebrow of Jesus, the tears that flow down his cheeks and the blood that drips in large drops. Several dating hypotheses have been advanced for this work, but most scholars propose the years around 1505-1506. Made with a very accurate technique that provides for the application of color on a preparation in plaster very compact, the table is still in an excellent state of preservation, although the wooden support has been thinned and trimmed at the edges.
La grande avventura della nostra vita che cosa significa, morire quando si puo' vivere fino alla fine del mondo? E che cosa é la "fine del mondo", se non un modo dire, perche' chi sa anche soltanto cosa é il mondo stesso? Ormai ho gia' vissuto due secoli e ho visto le illusioni dell'uno completamente distrutte dall'altro, sono stato eternamente giovane ed eternamente vecchio, senza possedere illusioni, vivendo attimo per attimo come un orologio d'argento che batte nel vuoto: il quadrante dipinto, le lancette intagliate, che nessuno guarda, e che non guardano nessuno, illuminate da una luce che non era luce, come la luce alla quale Dio creo' il mondo prima di aver creato la luce: tic-tac, tic-tac, tic-tac, la precisione dell'orologio , in una stanza vasta come l'universo".
"Büyük hayat maceramız ne ifade ediyor, sonsuza dek yasamak varken ölmeyi mi? ve "dünyanın sonu" nedir, bir söyleyis tarzı degilse, çünkü kim bilir ki sadece dünyanın kendisi nedir? simdiye kadar iki asır yasadım ve birinin hayallerinin baskaları tarafından tamamen yok edildigini gördüm, ebediyen genç ve ebediyen yaslı oldum,hayallere sahip olmadan, anı anına yasayarak boslukta çarpan gümüsten bir saat gibi : kadranı boyalı, yelkovan ve akrebi oymalı,kimsenin bakmadıgı ve kimseye bakılmayan, bir ısık tarafından aydınlatılan ki Allah'ın ısıgı yaratmadan önce dünyayı yarattıgı ısıga benzemeyen bir ısık: tik-tak,tik-tak,tik-tak, saatin kesinligi, kainat gibi genis bir odada."
İnterview with a Vampire
I've been to London for a training course, and just after the course I went outside to take this picture (I attended the course into one of those buildings). I was really amazed on how long the "blue hour" lasts in London, it may really lasts one hour actually... :-) In Italy even in June the "magic light" only lasts for less than one hour... and that's a pity, since I have really few time for my long exposures. :-(
This picture is the result of a lot of work: 6 long exposure stacked (3 with ND8 filter and 3 without) for a total of 300 seconds. I have then enhanced reflections and sharpness in Photoshop.
Many thanks to Francesco and Paolo for supporting me in taking this picture. A big thank you also to Daniel Borg which I had the opportunity to know in London, he is very friendly and shared some hints on how to reach this location: make sure you don't miss his photostream, since he is a great photographer.
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Sono stato a Londra per un corso di formazione e subito dopo il corso sono andato scattare questa foto (ho frequentato il corso in uno di quegli edifici).
Sono rimasto davvero stupito da quanto duri "l'ora blu" a Londra, circa un'ora per la precisione... :-) In Italia dura molto, ma molto meno... una mezzoretta scarsa anche in giugno quando si è vicini all'equinozio... è davvero un peccato per le mie esposizioni lunghe. :-)
Questa foto è il risultato di 6 diverse esposizioni (3 con filtro ND8 e 3 senza) per un totale di circa 300 secondi (il mio amico Luca starà pensando che ho montato il cavalleto prima che costruissero i palazzi...). In Photoshop, dopo aver sovrapposto e allineato gli scatti, ho lavorato con le maschere per migliorare il contrasto dei riflessi.
Un ringraziamento speciale a Paolo e Francesco per avermi supportato nello scatto. Un grosso ringraziamento anche per Daniel Borg che ho avuto l'opportunità di conoscere personalmente a Londra, è stato davvero gentile a condividere alcuni dei suoi "trucchetti" e soprattutto grazie per avermi dato delle indicazioni su come raggiungere questo punto di ripresa. Mi raccomando, fate un giro nel suo photostream, ha molto talento.
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Technical details:
Focal Length: 17mm
Aperture: between f/16 and f/22
Exposure: between 30s and 70s for a total of 300s approximately
ISO: 100
Filter: 3 shots with ND8 and 3 shots without
Post Processing: pictures stacking with Phothoshop, plus some enhancements in reflections, contrasts and colors.
WEST-AFRICA -- COSTA D' AVORIO -- AREA ASSINIE
Questo BEE EATER ( della famiglia dei Gruccioni) , prima di mangiare, con delicatezza e precisione, elimina il pungiglione dell' ape .
This BEE EATER , before eating, with delicacy and precision, eliminates the sting of the bee.
Mercato ittico all'ingrosso di Tsukiji.
Il re di Tsukiji è il tonno.
I tonni di varia pezzatura, durante l'asta, sono posti a terra, in ordine, ancora surgelati e senza testa, muniti di cartellini che indicano peso, qualità e provenienza, con le code tagliate in modo da poter visionare il colore della carne.
Due persone stanno sfilettatando un tonno con una precisione incredibile e dotatati di coltelli sottili ma lunghi più di un metro.
Tsukiji wholesale fish market.
The king of Tsukiji is tuna.
The tuna of various sizes, during the auction, are placed on the ground, in order, still frozen and without heads, equipped with tags indicating weight, quality and origin, with the tails cut off so as to be able to see the color of the meat.
Two people are filleting a tuna with incredible precision and equipped with thin but more than a meter long knives.
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Lucas Cranach the Elder - workshop - (Kronach, 1472 - Weimar, 16 October 1553) - diptych with portraits of Martin Luther and his wife Katharina von Bora (around 1529) - oil on panel dimensions 38.3 x 24 cm. - Poldi Pezzoli Museum Milan
Il dittico con i ritratti di Martin Lutero e della moglie Katharina von Bora è in buono stato di conservazione; uno strato di materia pittorica steso sul retro indica che poteva essere chiuso e trasportato, quasi si trattasse di un altare portatile. Il grande riformatore religioso tedesco, padre del protestantesimo, è raffigurato a mezzo busto su uno sfondo azzurro. Ha sul capo una berretta nera, dalla quale sfuggono ciocche di capelli mossi; la massa scura degli abiti porta a concentrare l’attenzione sul volto, con le labbra sottili, il naso prominente, le rughe che segnano gli occhi. Lo sguardo è vivo e quasi ironico, al contrario di quello della moglie, che ha un’aria distante e austera. Katharina indossa una camicia bianca profilata di nero, un bustino stringato e una sopraveste con il collo di pelo. L’artista si è soffermato su ogni dettaglio, dalla retina che trattiene i capelli alla pelliccia, così realistica da sembrare vera. La precisione del disegno è caratteristica dell’arte rinascimentale tedesca. Cranach, in particolare, fu uno stimato incisore e la sua abilità grafica traspare anche in pittura: utilizzando pennelli a punta fine, l’artista delinea i più minuti dettagli , come accade anche nel Dittico con la Madonna, il Bambino e il Battista, di proprietà del Museo Poldi Pezzoli. A sinistra del riformatore è visibile la data 1529, insieme al dragone alato, che l’artista, seguito dai figli Hans e Lucas il Giovane, anch’essi pittori, utilizzò come stemma. I ritratti sono accompagnati da due citazioni bibliche: in quello di Lutero, “Nel silenzio e nella fiducia sarà la vostra forza”, dal Libro di Isaia (30, 15); in quello della moglie, “la donna si salverà attraverso la discendenza”, dalla prima lettera di San Paolo a Timoteo (2, 15).Cranach aderì alla riforma protestante e la sua immagine di Lutero conobbe una vasta diffusione attraverso numerose copie – fra cui questa – prodotte in serie dalla sua attivissima bottega
The diptych with the portraits of Martin Luther and his wife Katharina von Bora is in a good state of conservation; a layer of pictorial material spread on the back indicates that it could be closed and transported, as if it were a portable altar. The great German religious reformer, father of Protestantism, is depicted half-length on a blue background. He has on his head a black cap, from which strands of wavy hair escape; the dark mass of the clothes leads to focus attention on the face, with thin lips, prominent nose, wrinkles that mark the eyes. The look is lively and almost ironic, unlike that of his wife, who has a distant and austere air. Katharina wears a white shirt trimmed in black, a lace-up bustier and a coat with a fur collar. The artist focused on every detail, from the retina that holds the hair to the fur, so realistic as to seem real. The precision of the design is characteristic of German Renaissance art. Cranach, in particular, was an esteemed engraver and his graphic ability also transpires in painting: using fine-tipped brushes, the artist outlines the smallest details, as also happens in the Diptych with the Madonna, the Child and the Baptist, by owned by the Poldi Pezzoli Museum. To the left of the reformer is the date 1529, together with the winged dragon, which the artist, followed by his sons Hans and Lucas the Younger, also painters, used as a coat of arms. The portraits are accompanied by two biblical quotations: in Luther's, "In silence and trust will be your strength", from the Book of Isaiah (30, 15); in that of his wife, "the woman will be saved through descent", from the first letter of Saint Paul to Timothy (2, 15). Cranach adhered to the Protestant reform and his image of Luther experienced a wide diffusion through numerous copies - among which this - mass-produced by his very active shop
GONDOLA
Gondola and Venice. It's not possible to talk about the first one without talking about the second since the gondola is considered one of the symbols of the city. The origin of the gondola is ancient, from over 1000 years ago. The first kind of gondola was called scaula and it was a rowing boat that was really stocky, with the shape of a nut. Through the generations the gondola changed to a more elongated shape with the characteristic flat keel, which is perfect to avoid getting beached in the shallow lagoon. The origin of the name "gondola" seems to be controversial. Some experts speculate that the origin of the name comes from Latin word cymbula (small boat) or from concha (concula=shell). Others speculate that it comes from the Greek word kuntelas, joining the words kontos (short) and helas (shuttle). There is an official note about a gondulam since 1094, in which a decree of Doge Vitale Falier made mention of it.
The length of a gondola is 10,85 metres and the medium width is about 1,40 metres. Many kinds of wood are used to make a gondola: fir, cherry, chestnut, elm, oak, linden tree and many more. It can take up to 2 years to build it, using about 280 wooden pieces, and its weight is about 350 kg. Apart from the hull there are other fundamental parts required to make a complete gondola. They are: the irons (one on the prow, the other on the stern) and the forcola, (the support for the oar). In ancient times it was common to use the felze. It was a closed cabin, located in the middle of the boat, used as a bachelor apartment. It was perfect for lovers, hidden from curious eyes.
The weight of the iron prow is 10 kg, or more if heavier metals are used. The six "teeth" of this iron represent the six districts (sestieri), the upper part represents Doge's hat. The forcola is made of walnut and is produced by the remer. The oar is made of beech wood. In the nearby of the Salute Church, between S. Gregorio and the Guggenheim Collection, is located a workshop that produces forcole and oars for the gondola, made by Saverio Pastor. Another workshop that produces oars and forcole used by gondola is located in S. Polo only twenty metres from the birthplace of Carlo Goldoni. This workshop is directed by Franco Furlanetto . The boatyards where gondolas are made are called squeri, from the Greek word "eskharion". In ancient times in the city there were tens of squeri. In the sixteenth century there were 10,000 gondolas. Many squeri were distributed along the banks of the Grand Canal, but because they hindered the navigation, a decree in 1433 moved them to the Arsenal. Today in Venice there are only two squeri in existence: the San Trovaso boatyard and the Tramontin boatyard. Today there are about 600 gondolas.
The gondola has a characteristic asymmetric shape (to the right), created for permitting the gondolier to row with minor effort. The "squerarolo" must construct it on special models (called "sesti") and have to bend many wooden parts with fire. Everything must be perfect and all this is obtained by the experience of "axe-masters". The most celebrated was Domenico Tramontin who invented the actual shape of the gondola in the first years of twentieth century. Moreover there are two famous "axe-masters" that helped to develop and to preserve this special boat: Corrado Costantini and Giovanni Giuponi (the second one made the "disdotona", a parade-boat with 18 paddles).
The gondola is painted black, considered the colour of elegance by Venetians. Until the sixteenth century it could have different colours and adornments that were forbidden by Senate laws. Some people say that the black colour was given to the gondola for the mourning following the pestilence of 1630 that killed half of the population, but the colour of mourning in Venice, during the Serenissima Republic, was the red.
Until the nineteenth century there were about 20 ferry-gondolas to cross the Grand Canal. That number was drastically reduced following the construction of the Accademia Bridge before (1854), and the Scalzi Bridge, later (1857). These bridges, with the Rialto Bridge (1588) and soon the Ponte della Zirada, allow people to cross the Grand Canal without the help of a boat.
The ferry-gondola is wider than a normal one. It is rowed by two gondoliers and can carry up to 14 people. The fare to cross the Grand Canal by gondola is 0,70 euros each (for Venetians), tourists pay 2,00 euros each. The ferry-gondola (traghetto) can be considered an inexpensive solution for people to experience the feeling of a short ride. The fare during the day for a 40-minute gondola ride is 80 euros, for up to six people. The night fare is 100 euro, after 7pm.
The man who drives the gondola is naturally the gondolier, that in ancient times was called barcaiolo. Every noble family in Venice had a private gondolier called de casàda. At that age the gondoliers were united in corporation and had their own corporate headquarter inside of S. Silvestro Church. The profession of gondolier was handed down from father to son but actually the designation is given after an open competition.
Finally, a suggestion: if you wish reduce your cost on the fare of your gondola ride, you can ask to other tourists to share the ride (and the fare) with you. Remember, for one person or up to six people, the fare is the same: 80 euros.
LA GONDOLA
La gondola è un'imbarcazione tipica della laguna di Venezia.
Per le sue caratteristiche di manovrabilità e velocità è stata, fino all'avvento dei mezzi motorizzati, l'imbarcazione veneziana più adatta al trasporto di persone in una città come Venezia, le cui vie acquee sono sempre state la via più usata per i trasporti.
La gondola è composta da 280 diversi pezzi, fabbricati con varie essenze di legname, 8 per la precisione.
Tipici fregi
La sua costruzione richiede solitamente più di un anno.
Un tempo veniva costruita e ricoverata in rimessaggio in piccoli cantieri detti squèri come ad esempio lo squero di San Trovaso.
Lunga all'incirca 11 metri e di caratteristica forma asimmetrica, con il lato sinistro più largo del destro, può essere condotta da uno a quattro rematori che vogano alla veneta, cioè in piedi e rivolti verso la prua, e con un solo remo (distinguendosi cosi dalla voga "alla valesana").
Il lungo remo è manovrato appoggiandolo ad una sorta di scalmo libero denominato fórcola, che si inserisce nel suo apposito alloggiamento e viene sfilato dopo l'uso.
Il ferro di prua
L'asimmetria serve a semplificare la conduzione a un solo remo. La molto accentuata asimmetria delle gondole attuali è comunque di introduzione piuttosto recente: progetti della fine dell'Ottocento dimostrano che, all'epoca, la forma era solo marginalmente asimmetrica.
Il tipico pettine o ferro di prua (in veneziano fero da próva o dolfin) ha lo scopo di proteggere la prua da eventuali collisioni ed anche come abbellimento. La sua forma ha tradizionalmente il significato di rappresentare i sei sestieri di Venezia (i sei denti rivolti in avanti), la Giudecca (il dente rivolto all'indietro) e il cappello del Doge, l'archetto sopra il dente più alto del pettine rappresenta il Ponte di Rialto, infine, la "S" che parte dal punto più alto per arrivare al punto più basso del ferro rappresenta il Canal Grande. In quello di alcune gondole di recente costruzione sono presenti anche tre rifiniture - una sorta di ricami detti foglie posti tra le sei barrette anteriori - che rappresentano le tre isole più importanti tra quelle della laguna veneta, ovvero le isole di Murano, Burano e Torcello.
Il ferro di poppa, molto più piccolo di quello di prua e con funzioni principalmente di protezione dagli urti, è detto rìço.
Malgrado la considerevole lunghezza, la gondola è estremamente maneggevole, grazie al fondo piatto e alla ridotta porzione di scafo immersa, e può essere manovrata anche in spazi angusti. Le manovre richiedono però una notevole abilità da parte del conduttore, detto gondoliere, che deve essere dotato di un senso dell'equilibrio molto sviluppato in quanto la posizione di voga all'estremità della poppa è assai instabile. Per evitare scontri, vi è l'usanza di avvertire alla voce quando si svolta in un rio stretto e i tipici richiami (òhe) sono divenuti un elemento caratteristico della città.
Alcune gondole (in voga nell'Ottocento, ora quasi scomparse) presentano una sorta di cabina (chiamata "felze") a protezione dei passeggeri.
Storia
La forma della gondola si è venuta definendo progressivamente nel corso del tempo. Le rappresentazioni pittoriche risalenti al XV-XVI secolo mostrano un'imbarcazione notevolmente differente da quella attuale. Nel quadro Miracolo della Croce caduta nel canale di San Lorenzo di Gentile Bellini, databile al 1500, le gondole appaiono più corte, più larghe e meno slanciate di quelle attuali e soprattutto prive di asimmetrie. La coperta di prua e quella di poppa, dove si posiziona il gondoliere, sono piatte e molto basse rispetto al pelo dell'acqua. I ferri, sia a prua che a poppa, sono costituiti da due brevi e sottili astine metalliche. La forcola del rematore appare piatta ed essenziale, priva di gomiti.
Fu solo tra il 1600 e il 1700 che la fisionomia della gondola, utilizzata sempre più per il trasporto privato di rappresentanza, si avvicinò a quella attuale. In questo arco di tempo, la lunghezza dello scafo aumenta e anche i ferri, soprattutto quello di prua, assumono dimensioni sempre maggiori, più grandi rispetto a quelli attuali, con un carattere ornamentale sempre più spinto. La poppa si stringe e inizia ad alzarsi rispetto al pelo dell'acqua. Le coperte di poppa e di prua perdono la forma piatta per diventare spioventi e a poppa viene aggiunta una piccola pedana di appoggio per garantire l'equilibrio del gondoliere. Anche la forcola assume la sua caratteristica forma a gomito. Lo scafo tuttavia mantiene ancora una sostanziale simmetria.
Nel corso dell'Ottocento, la poppa e, in misura minore, la prua si alzano ancora rispetto al pelo dell'acqua, per migliorare la manovrabilità dello scafo, la cui lunghezza si assesta definitivamente attorno agli 11 metri. Si introduce anche una prima leggerissima asimmetria, che viene accentuata in modo deciso solo all'inizio del Novecento, sempre per esigenze di manovrabilità, così come sia la prua che la poppa vengono alzate ulteriormente. Lo scafo si snellisce leggermente e cambiano anche le dimensioni del ferro di prua, che vengono ridotte per ottenere il bilanciamento ottimale rispetto alle mutate proporzioni.
Attualmente le gondole sono imbarcazioni aperte ma, sino ai primi anni del Novecento, erano dotate di una cabina smontabile detta fèlze. Quando Venezia era una città con un numero di abitanti molto più elevato dell'attuale e non erano stati realizzati i cospicui interramenti dei rii (avvenuti in epoca ottocentesca) la gondola costituiva il mezzo di trasporto per eccellenza. Le permanenze a bordo potevano quindi essere piuttosto lunghe e, con il clima invernale veneziano, la copertura del fèlze consentiva una certa confortevolezza e intimità.
Il tradizionale colore nero dell'imbarcazione è dovuto all'origine per l'uso consueto della pece come impermeabilizzante dello scafo (come tutte le imbarcazioni veneziane e lagunari) e in seguito esteso a tutta la barca come conseguenza dei decreti suntuari del Senato veneziano - a partire dal 1609 - volti a limitare l'eccessivo sfarzo nella decorazione delle gondole, anticamente coperte di stoffe preziose e dorature; del resto il nero è sempre stato considerato un colore elegante, e quindi adatto ad un mezzo di trasporto signorile (come le carrozze ottocentesche) mentre all'epoca il colore del lutto era il rosso.
Le famiglie nobili possedevano una o più gondole de casàda con cui si facevano trasportare per affari o diporto. I cosiddetti freschi, occasioni di incontro e mondanità, erano vere e proprie passeggiate in barca che si svolgevano per la città. Questa abitudine dette origine anche ad un genere musicale, la cosiddetta canzone da batèlo, che ebbe il suo massimo fulgore nel Settecento ma che ancora oggi è molto praticata a scopi turistici.
La corporazione dei gondolieri è stata sempre governata da uno statuto, detto Mariègola, in cui si stabilivano i doveri degli appartenenti. Dagli atti della corporazione è possibile desumere una serie di interessanti notizie, sia tecniche che economiche. Ad esempio è documentato che alla metà del Settecento le gondole a Venezia fossero all'incirca millecinquecento.
Nello sport e nel turismo
Questa imbarcazione è attualmente usata soprattutto a scopi turistici, ma anche per cerimonie come matrimoni e funerali, nonché come traghetto per trasportare le persone da una riva all'altra del Canal Grande. Per quest'ultimo compito vengono utilizzati i cosiddetti gondołóni o barchette, particolarmente capienti e mossi da due rematori, uno a poppa e l'altro a prua. L'usanza è assai antica (i primi documenti che regolamentano il funzionamento dei traghetti risalgono alla metà del Trecento) e i luoghi di transito come la Ca' Rezzonico o la Ca' d'Oro sono segnalati dal nome delle calli (Calle del traghetto).
Un altro uso della gondola è quello sportivo, in regate dedicate alle imbarcazioni della tradizione veneziana, come la celebre Regata Storica. In queste gare si usano anche gondole di formato ridotto a due rematori dette gondolini.
(Da Wikipedia)
Francesco Bonsignori (Fucecchio, circa 1460 - Caldiero, July 2, 1519) - half-length figure of a saint (1500-1510) - tempera on canvas 39.1 x 33 cm - Poldi Pezzoli Museum, Milan
Parte di una composizione più ampia, la tela raffigura una santa ripresa di tre quarti a mezzo busto, stagliata sullo sfondo di un cielo azzurro. I lunghi capelli biondi che scendono delicatamente sulle spalle incorniciano il volto, sottolineandone la gentilezza dei tratti, che emerge in particolare nello sguardo pacato e profondo che la figura rivolge allo spettatore. Il capo è cinto da una fascia di perle intrecciate. Non è possibile identificare con precisione il soggetto dipinto, ma l’acconciatura con i lunghi capelli sciolti indurrebbe a ipotizzare che si tratti forse di un’immagine di Maria Maddalena, che potrebbe essere stata raffigurata originariamente all'interno di una più ampia composizione raffigurante la Madonna col Bambino e santi. L’opera, restaurata una prima volta in una data imprecisata tra il 1853 e il 1865 da Giuseppe Molteni e quindi da Luigi Cavenaghi all’inizio del XX secolo, rivela alcune mancanze in alto al centro, sullo sfondo del cielo, e minuti e abili ritocchi sulla nuca della figura. Dopo varie proposte attributive, che hanno voluto vedere nel dipinto anche influssi della scuola raffaellesca, gli studiosi hanno collocato l’opera nell'ambito della cultura veneta fra la fine del XV e l’inizio del XVI secolo, con riferimenti alla lezione di Alvise Vivarini, Antonello da Messina e Giovanni Bellini, e l’hanno infine attribuita al veronese Francesco Bonsignori. Bonsignori, nato nel 1460 circa e formatosi nella bottega di Francesco Benaglio, l’artista più attivo a quel tempo a Verona, si spostò soltanto poco dopo il 1480 a Venezia. Iniziò allora il decennio più continuativamente documentato della sua attività: in quegli anni erano state già rese pubbliche le prime opere di Alvise Vivarini, del quale il Bonsignori risentì l’influsso nei suoi lavori giovanili. Nella città lagunare il Bonsignori rimase fino al 1487, anno in cui si spostò a Mantova, dove lavorò come pittore di corte presso i Gonzaga, insieme al celebre Andrea Mantegna. È proprio stando a stretto contatto con il grande maestro che egli definì i tratti salienti della sua pittura: compresenza di monumentalità e plasticismo, visibile in particolare nelle opere della maturità, e una spiccata sensibilità luministica, che conferma una conoscenza profonda dei maestri veneti. In questa tela infatti ciò che emerge chiaramente è la capacità dell’artista di rendere la volumetria della figura con delicatissimi passaggi chiaroscurali, dando solidità e al contempo eleganza alla santa ritratta. L’uso di un tratto così addolcito e la delicata morbidezza del modellato, sembrano derivare dalla lezione leonardesca, appresa probabilmente all'inizio del XVI secolo, durante il passaggio mantovano di Leonardo da Vinci. L’opera fu probabilmente eseguita durante il periodo mantovano del Bonsignori, in una forbice cronologica compresa tra il 1500 e il 1510, come suggeriscono i confronti con la Madonna con il Bambino e quattro santi della National Gallery di Londra e con l’Andata al Calvario di Palazzo Ducale a Mantova. La ricerca di equilibrio tra effetti luministici e volumetria della figura permettono inoltre di accomunare la pittura del Bonsignori a quella del contemporaneo Bartolomeo Montagna, altro protagonista della pittura veneta della fine del Quattrocento.
Part of a larger composition, the canvas depicts a saint in a three-quarter-length half-length view, silhouetted against the background of a blue sky. The long blond hair that falls delicately over her shoulders frames her face, emphasizing the gentleness of her features, which emerges in particular in the calm and deep gaze that the figure turns to the viewer. The head is encircled by a band of braided pearls. It is not possible to precisely identify the subject of the painting, but the hairstyle with the long, loose hair would lead one to hypothesize that it is perhaps an image of Mary Magdalene, which may have originally been depicted within a larger composition depicting the Madonna and Child with Saints. The work, restored for the first time at an unspecified date between 1853 and 1865 by Giuseppe Molteni and then by Luigi Cavenaghi at the beginning of the 20th century, reveals some lacks at the top center, on the background of the sky, and some minute and skilful retouches on the nape of the figure. After various attributive proposals, that have wanted to see in the painting also influences of Raphael's school, the scholars have placed the work in the Venetian culture between the end of the 15th and the beginning of the 16th century, with references to the lesson of Alvise Vivarini, Antonello da Messina and Giovanni Bellini, and have finally attributed it to the Veronese Francesco Bonsignori. Bonsignori, born around 1460 and trained in the workshop of Francesco Benaglio, the most active artist in Verona at that time, moved only shortly after 1480 to Venice. Then began the most continuously documented decade of his activity: in those years had already been made public the first works of Alvise Vivarini, of which Bonsignori felt the influence in his early works. In the lagoon city Bonsignori remained until 1487, the year in which he moved to Mantua, where he worked as a court painter at the Gonzaga, together with the famous Andrea Mantegna. It is precisely by being in close contact with the great master that he defined the salient features of his painting: the coexistence of monumentality and plasticism, visible particularly in the works of his maturity, and a marked sensitivity to light, which confirms a deep knowledge of the Venetian masters. In this canvas, in fact, what clearly emerges is the artist's ability to render the volume of the figure with delicate chiaroscuro passages, giving solidity and at the same time elegance to the saint portrayed. The use of such a soft stroke and the delicate softness of the modeling, seem to derive from Leonardo's lesson, probably learned at the beginning of the sixteenth century, during the passage of Leonardo da Vinci in Mantua. The work was probably executed during Bonsignori's period in Mantua, in a chronological range between 1500 and 1510, as suggested by comparisons with the Madonna with Child and Four Saints in the National Gallery in London and with the Andata al Calvario in the Ducal Palace in Mantua. The search for balance between luministic effects and the volumetry of the figure also allow us to compare Bonsignori's painting with that of his contemporary Bartolomeo Montagna, another protagonist of Venetian painting at the end of the 15th century.
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THE GONDOLA - Traditional Venetian Transportation
Within the Venetian lagoon there are over 400 Gondola used for every type of activity ranging from weddings to funerals, from pageants to regattas. Elegant techniques of rowing are expertly used by the gondolier to steer through often extremely narrow canals despite the gondola being almost 11 metres long, weighing 4 quintals.
One of the most well-known and romantic images portraying Venice is the gondola. It is the most famous Venetian vessel also considered the most elegant means of transport. This is because over the centuries much emphasis has been placed on its physical appearance for both construction as well as its interior furnishings such as the ‘ferro' (characteristic comb shaped iron work to represent the 6 areas of Venice), the special shape of the ‘forcola (typical oar holder),the curl like stern. So in order to transport the first tourists and wealthy foreigners around Venice the only boat that could be used was that which was used by the local nobility.
This quaint and touristy view of the gondola should not hide the fact that it is an important development in shipbuilding technology. Despite its small size it is a refined model of naval design. To give an idea of just how efficient it is, precise research has found that the level of energy used by the gondolier to row a gondola with three passengers aboard, is equal to that used by a person to walk at the same speed. This results from continuous refining of the construction process which has been developed over the years. The gondola's asymmetric structure enables the gondolier to row whilst standing up but only on the right hand side. The flat bottom allows it to cruise even in very low water. The gondola is 150 cm wide, the left side being 24 cm wider than the right. The efficiency of the gondola depends on not only well established techniques of construction, but also the quality of wood used is very important.
On average it takes three months work to make a gondola and uses 8 different types of wood (fir, cherry wood, larch, mahogany, chestnut, elm, oak, linden.) depending on which wood has proved to be the most efficient over time for each of its 280 parts. The building of the gondola is very difficult and requires much experience as well as an eye for aesthetics. Accuracy is needed as a bend slightly too high or low could result in the gondola looking clumsy. The cost of a gondola is very high and varies from 15 to 30 thousand Euro depending on the finish.
Today's gondola has undergone gradual change over the centuries and is not the same as we see in the paintings of Canaletto or Carpaccio. Such as we no longer see the elegant central compartment known as the ‘felze' because it obstructs the view of the city for tourists. However it is not to be assumed that the original gondola was primitive, it didn't have to face the dangerous ‘moto ondoso' (water movement caused by high speed boats) of today.
GONDOLA
Gondola and Venice. It's not possible to talk about the first one without talking about the second since the gondola is considered one of the symbols of the city. The origin of the gondola is ancient, from over 1000 years ago. The first kind of gondola was called scaula and it was a rowing boat that was really stocky, with the shape of a nut. Through the generations the gondola changed to a more elongated shape with the characteristic flat keel, which is perfect to avoid getting beached in the shallow lagoon. The origin of the name "gondola" seems to be controversial. Some experts speculate that the origin of the name comes from Latin word cymbula (small boat) or from concha (concula=shell). Others speculate that it comes from the Greek word kuntelas, joining the words kontos (short) and helas (shuttle). There is an official note about a gondulam since 1094, in which a decree of Doge Vitale Falier made mention of it.
The length of a gondola is 10,85 metres and the medium width is about 1,40 metres. Many kinds of wood are used to make a gondola: fir, cherry, chestnut, elm, oak, linden tree and many more. It can take up to 2 years to build it, using about 280 wooden pieces, and its weight is about 350 kg. Apart from the hull there are other fundamental parts required to make a complete gondola. They are: the irons (one on the prow, the other on the stern) and the forcola, (the support for the oar). In ancient times it was common to use the felze. It was a closed cabin, located in the middle of the boat, used as a bachelor apartment. It was perfect for lovers, hidden from curious eyes.
The weight of the iron prow is 10 kg, or more if heavier metals are used. The six "teeth" of this iron represent the six districts (sestieri), the upper part represents Doge's hat. The forcola is made of walnut and is produced by the remer. The oar is made of beech wood. In the nearby of the Salute Church, between S. Gregorio and the Guggenheim Collection, is located a workshop that produces forcole and oars for the gondola, made by Saverio Pastor. Another workshop that produces oars and forcole used by gondola is located in S. Polo only twenty metres from the birthplace of Carlo Goldoni. This workshop is directed by Franco Furlanetto . The boatyards where gondolas are made are called squeri, from the Greek word "eskharion". In ancient times in the city there were tens of squeri. In the sixteenth century there were 10,000 gondolas. Many squeri were distributed along the banks of the Grand Canal, but because they hindered the navigation, a decree in 1433 moved them to the Arsenal. Today in Venice there are only two squeri in existence: the San Trovaso boatyard and the Tramontin boatyard. Today there are about 600 gondolas.
The gondola has a characteristic asymmetric shape (to the right), created for permitting the gondolier to row with minor effort. The "squerarolo" must construct it on special models (called "sesti") and have to bend many wooden parts with fire. Everything must be perfect and all this is obtained by the experience of "axe-masters". The most celebrated was Domenico Tramontin who invented the actual shape of the gondola in the first years of twentieth century. Moreover there are two famous "axe-masters" that helped to develop and to preserve this special boat: Corrado Costantini and Giovanni Giuponi (the second one made the "disdotona", a parade-boat with 18 paddles).
The gondola is painted black, considered the colour of elegance by Venetians. Until the sixteenth century it could have different colours and adornments that were forbidden by Senate laws. Some people say that the black colour was given to the gondola for the mourning following the pestilence of 1630 that killed half of the population, but the colour of mourning in Venice, during the Serenissima Republic, was the red.
Until the nineteenth century there were about 20 ferry-gondolas to cross the Grand Canal. That number was drastically reduced following the construction of the Accademia Bridge before (1854), and the Scalzi Bridge, later (1857). These bridges, with the Rialto Bridge (1588) and soon the Ponte della Zirada, allow people to cross the Grand Canal without the help of a boat.
The ferry-gondola is wider than a normal one. It is rowed by two gondoliers and can carry up to 14 people. The fare to cross the Grand Canal by gondola is 0,70 euros each (for Venetians), tourists pay 2,00 euros each. The ferry-gondola (traghetto) can be considered an inexpensive solution for people to experience the feeling of a short ride. The fare during the day for a 40-minute gondola ride is 80 euros, for up to six people. The night fare is 100 euro, after 7pm.
The man who drives the gondola is naturally the gondolier, that in ancient times was called barcaiolo. Every noble family in Venice had a private gondolier called de casàda. At that age the gondoliers were united in corporation and had their own corporate headquarter inside of S. Silvestro Church. The profession of gondolier was handed down from father to son but actually the designation is given after an open competition.
Finally, a suggestion: if you wish reduce your cost on the fare of your gondola ride, you can ask to other tourists to share the ride (and the fare) with you. Remember, for one person or up to six people, the fare is the same: 80 euros.
La gondola è un'imbarcazione tipica della laguna di Venezia.
Per le sue caratteristiche di manovrabilità e velocità è stata, fino all'avvento dei mezzi motorizzati, l'imbarcazione veneziana più adatta al trasporto di persone in una città come Venezia, le cui vie acquee sono sempre state la via più usata per i trasporti.
La gondola è composta da 280 diversi pezzi, fabbricati con varie essenze di legname, 8 per la precisione.
Tipici fregi
La sua costruzione richiede solitamente più di un anno.
Un tempo veniva costruita e ricoverata in rimessaggio in piccoli cantieri detti squèri come ad esempio lo squero di San Trovaso.
Lunga all'incirca 11 metri e di caratteristica forma asimmetrica, con il lato sinistro più largo del destro, può essere condotta da uno a quattro rematori che vogano alla veneta, cioè in piedi e rivolti verso la prua, e con un solo remo (distinguendosi cosi dalla voga "alla valesana").
Il lungo remo è manovrato appoggiandolo ad una sorta di scalmo libero denominato fórcola, che si inserisce nel suo apposito alloggiamento e viene sfilato dopo l'uso.
Il ferro di prua
L'asimmetria serve a semplificare la conduzione a un solo remo. La molto accentuata asimmetria delle gondole attuali è comunque di introduzione piuttosto recente: progetti della fine dell'Ottocento dimostrano che, all'epoca, la forma era solo marginalmente asimmetrica.
Il tipico pettine o ferro di prua (in veneziano fero da próva o dolfin) ha lo scopo di proteggere la prua da eventuali collisioni ed anche come abbellimento. La sua forma ha tradizionalmente il significato di rappresentare i sei sestieri di Venezia (i sei denti rivolti in avanti), la Giudecca (il dente rivolto all'indietro) e il cappello del Doge, l'archetto sopra il dente più alto del pettine rappresenta il Ponte di Rialto, infine, la "S" che parte dal punto più alto per arrivare al punto più basso del ferro rappresenta il Canal Grande. In quello di alcune gondole di recente costruzione sono presenti anche tre rifiniture - una sorta di ricami detti foglie posti tra le sei barrette anteriori - che rappresentano le tre isole più importanti tra quelle delle laguna veneta, ovvero le isole di Murano, Burano e Torcello.
Il ferro di poppa, molto più piccolo di quello di prua e con funzioni principalmente di protezione dagli urti, è detto rìço.
Malgrado la considerevole lunghezza, la gondola è estremamente maneggevole, grazie al fondo piatto e alla ridotta porzione di scafo immersa, e può essere manovrata anche in spazi angusti. Le manovre richiedono però una notevole abilità da parte del conduttore, detto gondoliere, che deve essere dotato di un senso dell'equilibrio molto sviluppato in quanto la posizione di voga all'estremità della poppa è assai instabile. Per evitare scontri, vi è l'usanza di avvertire alla voce quando si svolta in un rio stretto e i tipici richiami (òhe) sono divenuti un elemento caratteristico della città.
Alcune gondole (in voga nell'Ottocento, ora quasi scomparse) presentano una sorta di cabina (chiamata "felze") a protezione dei passeggeri.
Storia [modifica]
La forma della gondola si è venuta definendo progressivamente nel corso del tempo. Le rappresentazioni pittoriche risalenti al XV-XVI secolo mostrano un'imbarcazione notevolmente differente da quella attuale. Nel quadro Miracolo della Croce caduta nel canale di San Lorenzo di Gentile Bellini, databile al 1500, le gondole appaiono più corte, più larghe e meno slanciate di quelle attuali e soprattutto prive di asimmetrie. La coperta di prua e quella di poppa, dove si posiziona il gondoliere, sono piatte e molto basse rispetto al pelo dell'acqua. I ferri, sia a prua che a poppa, sono costituiti da due brevi e sottili astine metalliche. La forcola del rematore appare piatta ed essenziale, priva di gomiti.
Fu solo tra il 1600 e il 1700 che la fisionomia della gondola, utilizzata sempre più per il trasporto privato di rappresentanza, si avvicinò a quella attuale. In questo arco di tempo, la lunghezza dello scafo aumenta e anche i ferri, soprattutto quello di prua, assumono dimensioni sempre maggiori, più grandi rispetto a quelli attuali, con un carattere ornamentale sempre più spinto. La poppa si stringe e inizia ad alzarsi rispetto al pelo dell'acqua. Le coperte di poppa e di prua perdono la forma piatta per diventare spioventi e a poppa viene aggiunta una piccola pedana di appoggio per garantire l'equilibrio del gondoliere. Anche la forcola assume la sua caratteristica forma a gomito. Lo scafo tuttavia mantiene ancora una sostanziale simmetria.
Nel corso dell'Ottocento, la poppa e, in misura minore, la prua si alzano ancora rispetto al pelo dell'acqua, per migliorare la manovrabilità dello scafo, la cui lunghezza si assesta definitivamente attorno agli 11 metri. Si introduce anche una prima leggerissima asimmetria, che viene accentuata in modo deciso solo all'inizio del Novecento, sempre per esigenze di manovrabilità, così come sia la prua che la poppa vengono alzate ulteriormente. Lo scafo si snellisce leggermente e cambiano anche le dimensioni del ferro di prua, che vengono ridotte per ottenere il bilanciamento ottimale rispetto alle mutate proporzioni.
Attualmente le gondole sono imbarcazioni aperte ma, sino ai primi anni del Novecento, erano dotate di una cabina smontabile detta fèlze. Quando Venezia era una città con un numero di abitanti molto più elevato dell'attuale e non erano stati realizzati i cospicui interramenti dei rii (avvenuti in epoca ottocentesca) la gondola costituiva il mezzo di trasporto per eccellenza. Le permanenze a bordo potevano quindi essere piuttosto lunghe e, con il clima invernale veneziano, la copertura del fèlze consentiva una certa confortevolezza e intimità.
Il tradizionale colore nero dell'imbarcazione è dovuto all'origine per l'uso consueto della pece come impermeabilizzante dello scafo (come tutte le imbarcazioni veneziane e lagunari) e in seguito esteso a tutta la barca come conseguenza dei decreti suntuari del Senato veneziano - a partire dal 1609 - volti a limitare l'eccessivo sfarzo nella decorazione delle gondole, anticamente coperte di stoffe preziose e dorature; del resto il nero è sempre stato considerato un colore elegante, e quindi adatto ad un mezzo di trasporto signorile (come le carrozze ottocentesche) mentre all'epoca il colore del lutto era il pavonazzo, un azzurro cupo e molto scuro.
Le famiglie nobili possedevano una o più gondole de casàda con cui si facevano trasportare per affari o diporto. I cosiddetti freschi, occasioni di incontro e mondanità, erano vere e proprie passeggiate in barca che si svolgevano per la città. Questa abitudine dette origine anche ad un genere musicale, la cosiddetta canzone da batèlo, che ebbe il suo massimo fulgore nel Settecento ma che ancora oggi è molto praticata a scopi turistici.
La corporazione dei gondolieri è stata sempre governata da uno statuto, detto Mariègola, in cui si stabilivano i doveri degli appartenenti. Dagli atti della corporazione è possibile desumere una serie di interessanti notizie, sia tecniche che economiche. Ad esempio è documentato che alla metà del Settecento le gondole a Venezia fossero all'incirca millecinquecento.
Nello sport e nel turismo
Questa imbarcazione è attualmente usata soprattutto a scopi turistici, ma anche per cerimonie come matrimoni e funerali, nonché come traghetto per trasportare le persone da una riva all'altra del Canal Grande. Per quest'ultimo compito vengono utilizzati i cosiddetti gondołóni o barchette, particolarmente capienti e mossi da due rematori, uno a poppa e l'altro a prua. L'usanza è assai antica (i primi documenti che regolamentano il funzionamento dei traghetti risalgono alla metà del Trecento) e i luoghi di transito come la Ca' Rezzonico o la Ca' d'Oro sono segnalati dal nome delle calli (Calle del traghetto).
Un altro uso della gondola è quello sportivo, in regate dedicate alle imbarcazioni della tradizione veneziana, come la celebre Regata Storica. In queste gare si usano anche gondole di formato ridotto a due rematori dette gondolini.
La costruzione è così peculiare per via della grandezza di alcune pietre. Le pietre furono incastrate con una precisione inimmaginabile. Risulta quasi inesplicabile per noi capire come gli inca poterono tagliare con tale maestria le pietre, per cui tra una e l'altra non passa la lamina di un coltello.
Il grandioso complesso presenta un triplice ordine di cinte murarie, lunghe trecento metri, realizzate con enormi massi di pietra (porfido e andesite), connessi con grande precisione. La muraglia principale è formata da pietre alte 5 metri, larghe circa 2,5 metri che possono pesare tra le 90 e le 120 tonnellate.
The construction is so peculiar because of the size of some stones. The stones were embedded with unimaginable precision. It is almost inexplicable for us to understand how the Inca could cut the stones with such skill, so that the blade of a knife does not pass between them.
The grandiose complex has a triple order of city walls, three hundred meters long, made with huge boulders of stone (porphyry and andesite), connected with great precision. The main wall is made up of 5 meter high stones, about 2.5 meters wide that can weigh between 90 and 120 tons.
Immagini relative a Cartier-Bresson
www.google.it/images?q=Cartier-Bresson&oe=utf-8&r...
Nikon Corporation
it.wikipedia.org/wiki/Nikon_Corporation
Nikon Corporation (o Nikon, Nikon Corp.) è un'azienda giapponese fondata nel 1917, oggi fra i leader nel settore della fotografia e dell'ottica. Produce fotocamere, binocoli, microscopi, e strumenti di misura. È una delle società del gruppo Mitsubishi.
Storia
La società nacque nel 1917, con il nome Nippon Kōgaku Kōgyō (日本光學工業株式會社), dall'unione di due società leader nel settore ottico. La società si specializzò nella costruzione di lenti e strumenti di precisione per fotocamere, binocoli, microscopi e strumenti di rilevazione. Durante la Seconda guerra mondiale Nikon divenne fornitrice di binocoli, periscopi e altra strumentazione ottica per l'esercito giapponese e si ingrandì fino a contare 19 stabilimenti industriali e 23000 dipendenti. Dopo la fine della guerra, tornò ai prodotti per i civili, riducendosi a una singola fabbrica e 1400 impiegati. Nel 1946 acquisì il nome Nikon, dall'unione Nippon Kōgaku ("ottica giapponese") con la parola Ikon, con riferimento alla Zeiss. Anche uno dei primi modelli di fotocamera del dopoguerra prese il nome di Nikon, più precisamente Nikon I, ideato da Masahiko Fuketa.
Nel 1980, Nikon produsse il primo motore passo passo (stepper), il NSR-1010G. Da allora, Nikon ha creato oltre 50 modelli di stepper e scanner per la produzione di display basati su semiconduttore e cristalli liquidi. Nel 1982 fu fondata negli Stati Uniti la Nikon Precision Inc. (NPI), specificatamente per produrre e rivendere stepper. Alimentata da un mercato molto vivo e in espansione, questa branca della Nikon si è rapidamente ingrandita. Nel 1990, NPI aprì la propria sede centrale a Belmont (California), che oggi comprende uffici, centri di formazione, e dipartimenti di marketing. Nel 2002, la Nikon contava circa 14000 dipendenti.
Fra i prodotti più celebri di Nikon si possono citare gli obiettivi Nikkor, le fotocamere SLR della serie F, le fotocamere subacquee Nikonos e, recentemente, la serie D delle SLR digitali. La serie D (soprattutto modelli come la Nikon D200, Nikon D70 e Nikon D50), insieme alla serie Coolpix, hanno dato un contributo notevole all'affermazione della fotografia digitale a livello amatoriale e semi-professionale. Nel 2005 viene introdotta sul mercato una nuova reflex digitale, la Nikon D200, che stravolge totalmente il concetto di reflex prosumer, in quanto la Nikon D200 ha tutte le carte in regola per essere considerata una reflex professionale a tutti gli effetti, essendo dotata di caratteristiche prima riservate alle top della gamma come ad esempio la Nikon D2X. Nel 2006 Nikon ha presentato la Nikon D40, che viene considerata la più piccola e leggera reflex digitale in commercio e successivamente un miglioramento della stessa chiamato Nikon D40x.
Fra i principali competitor di Nikon si possono citare, Canon, Fujifilm, Leica, Minolta (ora Sony, che produce i sensori per la Nikon stessa), Olympus e Pentax. In particolare, Nikon e Canon si contendono una notevole porzione degli acquirenti di reflex digitali tra i fotografi amatoriali, i semiprofessionisti e professionisti.
Lotte World Tower.
La torre e le nuvole che si riflettono sulle sue pareti.
La forma e la curvatura dell'edificio prende ispirazione dalle eleganti forme delle ceramiche e dei pennelli calligrafici coreani.
Il 17 Marzo del 2016, prima fase finale della costruzione esterna, il tetto a forma di lanterna in Diagrid è stato completato.
La struttura del tetto è stata realizzata in controparti in accaio lunghe 12 metri ciascuna e con un peso di 20 tonnellata.
La struttura stessa è alta 120 metri e copre i piani 107-123.
Per la costruzione del tetto sono stati utilizzati circa 3.000 tonnellate di parti in acciaio, una gru a torre da 64 tonnellate ad alta precisione e sistemi di allineamento GPS, oltre a tecnici di saldatura altamente qualificati.
La struttura del tetto è progettata per resistere al suo peso senza rinforzare i pilastri, resistere a terremoti fino a una magnitudo di 9 sotto la scala di magnitudo Richter e venti fino a 80 m/s.
A livello di sostenibilità ambientale, la Lotte World Tower è stata costruita con degli standard elevatissimi: l'edificio viene riscaldato e raffreddato con un sistema di pompe di calore all'avanguardia, alimentato da 720 sonde geotermiche e dalle acque del fiume Han.
L'edificio è anche dotato di vetri termoisolanti a oscuramento passivo, pannelli fotovoltaici e sistemi per la raccolta dell'acqua piovana.
Lotte World Tower è un punto di riferimento di Seoul e il primo edificio di 100 piani in Corea.
Quando fu completata, era la quarta torre più alta del mondo e la più alta dei paesi dell'OCSE.
Il design concettuale prevede un cono snello con lati convessi e leggermente curvi.
L'esterno in vetro chiaro trae ispirazione dalla ceramica coreana e presenta accenti di filigrana metallica.
Lotte World Tower.
The tower and the clouds reflecting on its walls.
The shape and curvature of the building is inspired by the elegant shapes of Korean ceramics and calligraphy brushes.
On March 17, 2016, the first final stage of the exterior construction, the lantern-shaped Diagrid roof was completed.
The roof structure was made of steel counterparts, each 12 meters long and weighing 20 tons.
The structure itself is 120 meters high and covers floors 107-123. Approximately 3,000 tons of steel parts, a 64-ton high-precision tower crane and GPS alignment systems, as well as highly skilled welding technicians were used to construct the roof.
The roof structure is designed to withstand its weight without reinforcing the pillars, withstand earthquakes up to a magnitude of 9 below the Richter scale, and winds up to 80 m/s.
In terms of environmental sustainability, the Lotte World Tower was built to the highest standards: the building is heated and cooled by a state-of-the-art heat pump system, powered by 720 geothermal probes and the waters of the Han River.
The building also features passive darkening thermal glass, photovoltaic panels and rainwater harvesting systems.
Lotte World Tower is a Seoul landmark and the first 100-story building in Korea.
When completed, it was the fourth tallest tower in the world and the tallest in the OECD.
The conceptual design features a slender cone with convex and slightly curved sides.
The clear glass exterior is inspired by Korean ceramics and features metallic filigree accents.
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L'incredibile abilità degli scalpellini Quechua.
In questi muri esistono pietre alte 5 metri e larghe 2.5 del peso di 100/120 tonnellate incastrate fra di loro con un grande lavoro di precisione.
The incredible skill of Quechua stonemasons.
In these walls there are stones 5 meters high and 2.5 meters wide with a weight of 100/120 tons wedged together with great precision work.
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La Leica M3, la cui produzione è iniziata nel 1953, è la capostipite di una serie di macchine fotografiche a telemetro, nelle quali la messa a fuoco avviene in un mirino separato dall'obiettivo e l'angolo di ripresa viene automaticamente definito da una serie di cornicette settate automaticamente a seconda dell'ottica montata. Innovativo per quei tempi l'attacco a baionetta, il cui brevetto è scaduto nel 2003, e di questa cosa hanno subito approfittato Zeiss Ikon, Voiglander ed Epson. Non avendo le limitazioni tipiche delle reflex, che devono fare il conti con uno specchio a ridosso della pellicola, ha permesso di ottenere risultati fotografici di assoluta eccellenza, dovuti anche alla scuola di ingegneria ottica bavarese. È una macchina robustissima e praticamente indenne da guasti, ed è ancora, nella sua evoluzione, utilizzatissima con focali corte, nel ritratto a luce ambiente e nel reportage. Il limite di questa macchina sta nel avere un mirino ottico che "vede" al massimo un 50mm, per cui è stata quasi subito affiancata dalla M2, di fatto identica, ma con un mirino più agevole che visualizza anche i 35mm, focale molto usata nel reportage. Estremamente costosa, ma prodotta con una precisione meccanica da orologio svizzero, è stata il cavallo di battaglia della Leica fino ai tardi anni '60, quando è stata sostituita dalla M4.
The Leica M3, whose production began in 1953, is the first of a series of rangefinder cameras, where the focus is on a separate viewfinder lens and the angle is automatically defined by a set of frames added automatically set depending on the optics mounted. Innovative at the time the bayonet, whose patent expired in 2003, and they took advantage of this thing Zeiss Ikon, and Epson Voiglander. Not having the typical limitations of cameras, they have to do the accounts with a mirror behind the film, allowed to achieve photographic excellence, also due to optical engineering school in Bavaria. It is a sturdy machine and virtually free of faults, and is still in its evolution, with focal utilizzatissima court in ambient light portrait and reportage. The limit of this machine is to have an optical viewfinder that "sees" more than a 50mm, which was almost immediately alongside the M2, in fact identical, but with a smoother viewfinder which also displays the 35mm focal widely used reportage. Extremely expensive, but made with a precision Swiss mechanical watch, was the flagship of Leica until the late '60s, when it was replaced by M4.
Ambrogio da Fossano, called Bergognone (1453 circa - 1523) - Saint Catherine of Alexandria (1510) - tempera on panel 97.2 x 55.5 cm - Poldi Pezzoli Museum, Milan
Santa Caterina d’Alessandria, secondo la tipica iconografia che la contraddistingue, è qui raffigurata con la corona regale, la palma del martirio, la ruota dentata e la spada della decapitazione. In basso a sinistra affiora la testa coronata dell’imperatore Massimino Daia (secondo altre fonti si tratterebbe invece di Massenzio), che ordinò il suo martirio. Il dipinto appartiene alla produzione matura di Bergognone ed è databile intorno al 1510. Vi si colgono, soprattutto nella precisione del disegno, gli echi fiamminghi caratteristici di tutta la sua opera. Caterina d’Alessandria, figlia del re Costo, sarebbe vissuta all’inizio del IV secolo, fu convertita da un eremita al cristianesimo. Alla proposta di matrimonio dell’imperatore Massimino avrebbe risposto di essere fidanzata di Cristo ed egli l’avrebbe così imprigionata e condannata ad essere dilaniata da due ruote dentate. Distrutte queste ultime da una folgore divina, Caterina sarebbe infine stata decapitata per ordine dell’imperatore. È forte il contrasto tra la posa statuaria della santa e il suo viso infantile, dallo sguardo abbassato e velato di malinconia. Le sue vesti sono riccamente decorate, l’abito verde scuro è illuminato da ricami in oro, così come sono dorati lo scollo, la cintura e i dettagli preziosi delle corone e dell’impugnatura della spada. Il volto dell’imperatore, in cui si cela forse l’autoritratto di Bergognone, è caratterizzato da un accentuato realismo, che rivela l’influsso esercitato sul pittore dai dipinti fiamminghi. La tavola, in buono stato di conservazione nonostante minute lacune integrate da ritocchi e un lieve ingiallimento della gamma cromatica causata dall’alterazione della vernice, è oggi inserita in una splendida cornice dorata di stile eclettico, “pendant” di quella che racchiude il dipinto del Maestro di Griselda raffigurante Artemisia. Sono state riscontrate delle analogie fra quest’opera e la tavola che raffigura San Gerolamo penitente, conservata presso la Pinacoteca del Castello Sforzesco di Milano. È probabile che il San Gerolamo e la Santa Caterina d’Alessandria costituissero rispettivamente gli scomparti di sinistra e di destra di un’ancona, di cui resta da ritrovare il pannello centrale e forse anche i tre riquadri del registro superiore. I due dipinti dal punto di vista stilistico si avvicinano al Battesimo di Cristo della chiesa parrocchiale di Melegnano, firmato e datato da Bergognone nel 1506, al trittico con la Pentecoste e santi della chiesa di Santo Spirito a Bergamo, datato 1508, e al polittico smembrato, già nella chiesa di San Bartolomeo a Bergamo, i cui frammenti sono oggi conservati all’Accademia Carrara.
Saint Catherine of Alexandria, according to the typical iconography that distinguishes her, is depicted here with the royal crown, the palm of martyrdom, the cogwheel and the sword of decapitation. In the lower left corner, the crowned head of the emperor Maximinus Daia emerges (according to other sources it would be Maxentius instead), who ordered her martyrdom. The painting belongs to Bergognone's mature production and can be dated around 1510. One can see, above all in the precision of the drawing, the Flemish echoes characteristic of all his work. Catherine of Alexandria, daughter of King Costo, would have lived at the beginning of the fourth century, was converted to Christianity by a hermit. To the proposal of marriage of the emperor Massimino she would have answered to be betrothed of Christ and he would have imprisoned her and condemned her to be torn by two cogwheels. Destroyed by a divine thunderbolt, Catherine would finally be beheaded by order of the emperor. There is a strong contrast between the statuesque pose of the saint and her childish face, with its lowered gaze veiled with melancholy. Her robes are richly decorated, her dark green dress is illuminated by gold embroidery, as are the neckline, the belt and the precious details of the crown and the hilt of the sword. The emperor's face, which may be Bergognone's self-portrait, is characterized by an accentuated realism that reveals the influence of Flemish paintings on the painter. The panel, in a good state of preservation despite small gaps integrated by retouches and a slight yellowing of the chromatic range caused by the alteration of the varnish, is today inserted in a splendid gilded frame of eclectic style, "pendant" of the one that encloses the painting by the Master of Griselda depicting Artemisia. Similarities have been found between this work and the panel depicting San Gerolamo penitente, preserved in the Pinacoteca of the Castello Sforzesco in Milan. It is probable that San Gerolamo and Santa Caterina d'Alessandria constituted respectively the left and the right compartments of an altarpiece, of which it remains to find the central panel and perhaps also the three panels of the upper register. From a stylistic point of view, the two paintings are similar to the Baptism of Christ of the parish church of Melegnano, signed and dated by Bergognone in 1506, to the triptych with the Pentecost and saints of the church of Santo Spirito in Bergamo, dated 1508, and to the dismembered polyptych, formerly in the church of San Bartolomeo in Bergamo, whose fragments are now preserved at the Accademia Carrara.
Acropoli - Tempio C
Il Tempio C è il più antico in quest'area, e risale al 550 a.C.
Nel 1925-27 sono state ricomposte e rialzate sul lato N numerose colonne (per la precisione 14 colonne su 17) con parte della trabeazione.
Presenta un peristilio (lunghezza m 63,70; larghezza m 24) di 6 x 17 colonne (altezza m 8,62).
È caratterizzato a est dall'ingresso preceduto da una scalinata di 8 gradini, un vestibolo con una seconda fila di colonne, quindi il pronao, la cella e l'adyton collegati in un insieme stretto e lungo (carattere arcaico); ha sostanzialmente la stessa planimetria del Tempio F sulla collina orientale.
Acropolis - Temple C
Temple C is the oldest in this area, dating back to 550 BC.
In 1925-27 numerous columns (to be precise 14 out of 17 columns) with part of the entablature were reassembled and raised on the N side.
It has a peristyle (length 63.70 m; width 24 m) of 6 x 17 columns (height 8.62 m).
It is characterized to the east by the entrance preceded by a staircase of 8 steps, a vestibule with a second row of columns, then the pronaos, the cella and the adyton connected in a long and narrow whole (archaic character); it has essentially the same plan as Temple F on the eastern hill.
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Sofonisba Anguissola (Cremona, February 2, 1531 - Palermo, November 16, 1625) - Self portrait (1558) oil on canvas 63.5 x 54.5 cm. - Poldi Pezzoli Museum, Milan
Questo dipinto tradizionalmente era ritenuto l'autoritratto della pittrice cremonese, ma negli ultimi tempi sono state avanzate altre teorie, non solo sul soggetto, ma anche sull'autrice: l’opera è stata attribuita alla sorella Lucia e la giovane donna raffigurata sarebbe Minerva, un'altra delle cinque figlie di Amilcare Anguissola. Sofonisba fu l’unica a diventare famosa, tanto da lavorare alla corte spagnola come ritrattista, ma non fu la sola ad essere avviata alla pittura; anche le altre sorelle erano pittrici, come narrava il Vasari che, in un viaggio a Cremona, era stato a casa Anguissola e vi aveva ammirato le opere delle “virtuose” fanciulle. La giovane è raffigurata a mezzo busto in una tela ovale (un formato all’epoca diffuso soprattutto nelle miniature), indossa un abito nero ravvivato dal bianco della camicia, di cui si vedono solo il collo e il nastro che scende sul petto, una treccia le circonda il capo. Il volto è leggermente girato a destra, ma lo sguardo è diretto verso lo spettatore. L’atmosfera del dipinto è a prima vista molto semplice, ma osservando meglio è evidente la cura con cui è stato realizzato. Si noti la precisione dei dettagli, con effetti che richiamano l’arte fiamminga, ad esempio negli occhi, nei capelli, nel pizzo del colletto e accorgimenti come lo sfondo chiaro, che evidenzia la figura suggerendo lo spazio che la circonda.
This painting was traditionally considered the self-portrait of the Cremonese painter, but in recent times other theories have been put forward, not only on the subject, but also on the author: the work has been attributed to her sister Lucia and the young woman depicted would be Minerva, another of the five daughters of Amilcare Anguissola. Sofonisba was the only one to become famous, so as to work at the Spanish court as a portrait painter, but she was not the only one to be initiated to painting, the other sisters were also painters, as Vasari said that, in a trip to Cremona, had been to the Anguissola house and had admired the works of "virtuous" girls. The young girl is depicted half-length in an oval canvas (a format that was widespread at the time, especially in miniatures), wearing a black dress enlivened by the white of the shirt, of which we can only see the neck and the ribbon that goes down on the chest, a braid surrounds her head. Her face is slightly turned to the right, but her gaze is directed towards the viewer. The atmosphere of the painting is at first glance very simple, but looking closer it is evident the care with which it was made. Note the precision of the details, with effects reminiscent of Flemish art, for example in the eyes, the hair, the lace of the collar and devices such as the light background, which highlights the figure suggesting the space that surrounds it.
Bernardino Luini (Bernardino Scapi - Dumenza, about 1481 - Milan, June 1532), - Saint Jerome Penitent (1520-25) - tempera on panel - 90 x 67 cm. - Poldi Pezzoli Museum, Milan
In primo piano a destra, sul ciglio di una grotta scavata nella roccia, domina la figura di san Gerolamo, che si percuote il petto con una pietra mentre si appoggia con l’altra mano a un teschio. Il suo aspetto, con la barba bianca e l’umile veste, è quello di un uomo anziano in penitenza. Di fronte a lui vediamo rappresentata la piccola figura di Cristo Crocifisso, singolarmente legato al ramo di un albero. Il lato sinistro della composizione è quasi interamente dominato da un ampio paesaggio e la precisione con cui è descritto invita l’occhio dell’osservatore ad addentrarsi sempre più nella profondità del dipinto. Si parte dall’immagine del leone in primo piano, per poi passare allo specchio lacustre alle sue spalle, alla passerella attraversata da due figure, a un edificio con tiburio poligonale (simile a quello del Santuario della Beata Vergine dei Miracoli a Saronno) e, infine, alla successione dei gruppi rocciosi dello sfondo. Il dipinto è stato realizzato verosimilmente negli anni immediatamente precedenti al 1525, proprio quando Luini firmava gli affreschi della Cappella Maggiore del Santuario di Saronno. L’impostazione compositiva e l’ambientazione naturalistica, con le creste rocciose velate di azzurro, indicano la conoscenza della pittura di Andrea Solario. Il soggetto del san Gerolamo penitente, più volte raffigurato da Luini, è reso in questa tavola con grande abilità e minuziosità di esecuzione, come mostrano i dettagli, quali la barba canuta e lo sguardo rivolto al Redentore. Grazie a tali elementi e alla bellezza dello scorcio paesaggistico, questo dipinto è considerato tra i migliori dell’artista. Bernardino Luini ebbe grande fortuna tra i collezionisti dell’Ottocento, tanto che lo stesso Poldi Pezzoli possedeva diverse sue opere.
In the right foreground, on the edge of a cave carved into the rock, dominates the figure of St. Jerome, who beats his chest with a stone while leaning with the other hand to a skull. His appearance, with his white beard and humble robe, is that of an old man in penitence. In front of him we see represented the small figure of Christ Crucified, singularly tied to the branch of a tree. The left side of the composition is almost entirely dominated by a wide landscape and the precision with which it is described invites the eye of the observer to go deeper and deeper into the painting. It starts from the image of the lion in the foreground, and then moves on to the lake behind it, to the footbridge crossed by two figures, to a building with a polygonal tiburium (similar to that of the Sanctuary of the Beata Vergine dei Miracoli in Saronno) and, finally, to the succession of rocky groups in the background. The painting was probably made in the years immediately before 1525, just when Luini signed the frescoes of the Cappella Maggiore of the Sanctuary of Saronno. The compositional layout and the naturalistic setting, with the rocky ridges veiled in blue, indicate knowledge of the painting of Andrea Solario. The subject of the penitent Saint Jerome, often depicted by Luini, is rendered in this panel with great skill and meticulousness of execution, as shown by the details, such as the beard and the gaze turned to the Redeemer. Thanks to these elements and to the beauty of the landscape foreshortening, this painting is considered among the artist's best. Bernardino Luini had great fortune among the collectors of the nineteenth century, so much so that the Poldi Pezzoli itself owned several of his works.
Mi ha richiamato l'attenzione perchè per forma e colori sembra una Madonna Cubana, ma qui siamo nelle Marche per la precisione a Monte San Pietrangeli.
New Project Madonne.
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