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Il 24 ottobre al Teatro Sociale di Como, Mika rivisiterà il suo repertorio di successi e proporrà nuove canzoni in chiave sinfonica con l’orchestra “Affinis Consort”, diretta da Simon Leclerc, creata appositamente per l’occasione da 81 professionisti internazionali: 65 strumentisti e 16 coristi.
Lo spettacolo nasce dal desiderio di Mika di replicare in Italia l’incredibile esperienza dei tre concerti sinfonici tenutisi a Montréal lo scorso febbraio, in cui ha confermato la sua versatilità e la qualità del suo repertorio pop, anche in chiave classica.
Il concerto arriva dopo i grandi successi estivi al Fabrique di Milano, al Teatro Antico di Taormina e all’Arena della Regina di Cattolica e le prossime tre date nei palasport di Milano (27 settembre), Roma (29 settembre) e Firenze (30 settembre). Le prevendite per la serata speciale partiranno da giovedì 1 ottobre.
Simon Leclerc è un affermato compositore di colonne sonore per la Paramount e direttore d’orchestra canadese a cui Mika ha affidato l’arrangiamento in chiave classica del suo repertorio. Dopo i concerti di Montreal, Mika ha entusiasticamente dichiarato: “Provenendo io stesso da una formazione professionale classica, per me è straordinario sentire le mie canzoni nelle veste classica che Simon ha dato loro, perché nella mia mente, le ho sempre immaginate così!”
Dal piccolo ensemble alla grande orchestra sinfonica. Dalle fondamenta classiche alle contaminazioni contemporanee e pop.
Affinis Consort racchiude nel suo dna la multiformità del suo essere.
L'unione di mondi, il Canada e l'Italia. Il superamento dei confini geografici e culturali. Il connubio e la condivisione delle esperienze che ogni singolo musicista porta sul palco, elevando le affinità.
La mostra – la più ampia ed articolata antologica degli ultimi decenni di uno tra i più imprevedibili e multiformi artisti nel campo della fotografia – offre un panorama dettagliato ed esauriente del percorso di Nino Migliori, in più di 60 anni di ricerca sulla fotografia, della fotografia, con la fotografia.
Oltre 300 opere esposte a Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni per raccontare l’opera dell’autore, a cui si aggiungono 9 installazioni, 2 delle quali a Casa Saraceni e Palazzo Pepoli Museo della Storia di Bologna.
Mostra promossa da Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna
in collaborazione con l'Archivio Nino Migliori
18 gennaio - 28 aprile 2013
Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni
Genus Bononiae Musei nella Città
Bologna
foto Paolo Righi
Friendly Floatees
# Laurent Lévesque
# installation interactive, photographies 360°.
Ce projet bénéficie d’une aide à la résidence de la Région Languedoc-Roussillon et s’intègre dans le programme initié par Incident.net : « Géographies Variables »
Laurent Lévesque vit et travaille à Montréal. Ses travaux ont été exposés dans plusieurs régions du Québec et de l’Ontario (Canada), dans des centres d’artistes, des maisons de la culture ainsi que des musées régionaux. Tout au long de l’année 2014, il présentera un projet d’envergure chez Verticale, centre d’artistes (Laval, Québec). D’ici là, il présentera en décembre, les fruits de sa résidence à l’occasion d’une exposition individuelle dans le cadre des Rencontres des arts numériques, électroniques et médiatiques, événement annuel organisé par Oudeis. Il s’agira d’ailleurs de la première présentation de son travail en Europe.
La pratique de Laurent Lévesque aborde notre rapport aux objets et leur représentation dans un contexte de crise écologique, dans ce cadre particulier où leur incidence devient mesurable. Ses projets opposent le caractère tangible d’objets reproduits identiquement par milliers à celui, imprévisible, de l’environnement. Il façonne des paysages habités d’objets du quotidien au coeur desquels se jouent des instants de tension. L’accumulation et la conjonction de ces instants distord les perceptions temporelles et spatiales, faisant basculer la représentation dans le domaine de l’invraisemblable et des géographies interchangeables où des propositions rhizomatiques se déploient pièce par pièce au rythme de diffusions et/ou de dispersions.
Menant cette démarche, Laurent Lévesque s’intéresse au potentiel de l’objet à générer de nouvelles dynamiques au sein du paysage, des paysages dont les qualités intrinsèques sont contestées par un morcellement radical. Ainsi, les objets viennent se substituer aux composantes naturelles et construites comme points de repère qui permettent d’appréhender l’espace.
L’installation numérique, construite par l’artiste dans le cadre de la résidence, sera un vaste paysage interactif constitué de plusieurs photomontages panoramiques reliés entre eux par des hyperliens. Présentée en projection, elle deviendra un environnement immersif dans lequel le visiteur pourra mouvoir son champ de vision comme s’il était lui-même dans l’espace. À travers la sélection d’hyperliens, le visiteur se déplacera d’un photomontage à l’autre. C’est de cette interaction que se dégagera une narrativité se renouvelant au contact de chaque utilisateur.
Friendly Floatees se veut une construction chimérique s’interrogeant sur la relativité géographique et temporelle de l’environnement. En naviguant dans l’oeuvre, il se déplacera virtuellement vers une vaste structure faite de représentations totalement décalées du ciel. Cette structure sera constituée d’une multitude de photomontages, tous des ciels factices, sans astres, sans nuages et sans horizon, au coeur desquels seront figés plusieurs milliers de sacs de plastique. La gravité, le vent et la lumière y modifieront l’aspect de chaque objet, leur insufflant une position, une forme et une luminosité différente. Une fois à l’intérieur, le visiteur errera dans les dédales de cet univers dystopique sans autre repère que ces sacs de plastique figés en plein vol.
Les récits générés seront également ancrés dans la réalité. Ils s’ouvriront sur des lieux anonymes, de différentes régions; ces points d’ancrage permettront ainsi d’établir la structure multiforme, labyrinthique et invraisemblable du projet sur des assises géographiques authentiques.
Angel Of Peace or Peace Angel atop
Tree made with 13 green squares formed from Vashti Flower
and gift 3 piece / box is variation of masu, lid is crown variation with bow made of double -multiform locked into lid.... designed by David Donahue
Erythema multiforme. View of a child's arm covered in round, red weals with pale centres. This condi- tion is called erythema multiforme which literally means
ROMA ARCHEOLOGICA & RESTAURO ARCHITETTURA 2020. Dr. Ursula Quatember, et al., Inizia il Restauro del Tempio di Adriano a Efeso. Austrian Archaeological Institute (2018); 1-730 [in PDF]. S.v., ARCHAEOLOGIE-ONLINE.DE (2020) & JRA 23 (2010): 376-394 [in PDF].
www.flickr.com/photos/imperial_fora_of_rome/50626750613
1). Dr. Ursula Quatember, et al., Inizia il Restauro del Tempio di Adriano a Efeso. Austrian Archaeological Institute (2018); 1-730 [in PDF].
Ursula Quatember, Der sogenannte Hadrianstempel an der Kuretenstraße in Ephesos, Forschungen in Ephesos XI/3. Mit Beiträgen von Martin Pliessnig, Walter Prochaska, Hans Quatember, Hans Taeuber, Barbara Thuswaldner, Johanes Weber (Vienna 2018).
www.flickr.com/photos/imperial_fora_of_rome/50626751598
The so-called Temple of Hadrian on Curetes Street is one of the best-known monuments of Roman Ephesos. Shortly after its excavation in the 1950s, the small temple was rebuilt, and today its façade dominates Curetes Street, one of the main thoroughfares of the ancient city. The excavator Franz Miltner interpreted the building – presumably in accordance with the building inscription – as the neocorate temple, the ›official‹ temple for a provincial cult of the emperor Hadrian, which was granted to Ephesus between AD 130 and 132.
www.flickr.com/photos/imperial_fora_of_rome/50627598157
Miltner’s interpretation received criticism, but no alternative explanation could be established. This publication presents the results of a research project carried out between 2009 and 2012 at the Austrian Archaeological Institute providing evidence for the building phases, the decoration and the inscriptions, and a prosopographic view of the benefactors of the temple. According to the new contextual interpretation, the building, which is called a »temple« or »shrine« in its dedicatory inscription, should be seen in the context of religious processions through the city, originating from and leading to the Temple of Artemis, located outside of the city limits.
Printed with the support of the Austrian Science Fund (FWF).
Fonte / foto/ source:
--- Austrian Academy of Sciences Press, Vienna(2020). Nota: cliccare sul testo in inglese "OPEN ACCESS" per l'edizione PDF.
--- Dr. Ursula Quatember / Academia.edu. (2020).
www.academia.edu/35976386/Ursula_Quatember_Der_sogenannte...
www.flickr.com/photos/imperial_fora_of_rome/50627598997
2). Restaurierung des Hadrianstempels in Ephesos begonnen [= Inizia il Restauro del Tempio di Adriano a Efeso]. ARCHAEOLOGIE-ONLINE.DE (2020).
** Nota: Testo pubblicato originariamente in tedesco, tradotto in italiano tramite google traduttore. **
Per i prossimi mesi, i visitatori degli scavi di Efeso non avranno accesso al Tempio di Adriano. Un team di restauro dell'OeAI ha lavorato intensamente al restauro e al consolidamento dell'antico monumento da metà settembre. Dopo l'approvazione dell'autorità turca per la protezione dei monumenti, potrebbero essere avviate le misure urgentemente necessarie. Il progetto è reso possibile dal generoso sostegno dell'americano JM Kaplan Fund e dai fondi dell'OeAI.
Il piccolo edificio simile a un tempio che si trova lungo Kuretenstrasse - il viale di Efeso - è stato donato nel 117/118 d.C. La sua funzione originale non è chiara. L'ipotesi che questo sia il tempio di culto ufficiale dell'imperatore Adriano, per la cui costruzione Efeso ricevette il permesso, oggi è stata smentita, ma vive nel nome ancora oggi utilizzato come tempio di Adriano.
Il Tempio di Adriano fu scavato negli anni '50 e ricostruito poco dopo. Durante questa ricostruzione, una cosiddetta anastilosi, sono stati utilizzati i componenti originali ancora conservati e nuovi materiali come il cemento sono stati aggiunti solo in casi eccezionali. Oggi, il Tempio di Adriano, insieme alla Biblioteca di Celso e alle case in collina, è uno dei monumenti più famosi e delle opportunità fotografiche più popolari nell'antica metropoli. L'anastilosi si manifesta oggi con un pattern di danneggiamento multiforme in tutte le aree, sia dei materiali storici che di quelli moderni utilizzati, ed è in cattivo stato di conservazione. Questo sviluppo è rafforzato dal fatto che gli edifici antichi avevano originariamente un tetto, che di solito manca agli anastylos di oggi. Ciò significa che sono esposti a tutte le condizioni atmosferiche senza protezione. Sabine Ladstätter, capo degli scavi di Efeso e direttrice dell'Istituto archeologico austriaco: "Oggetti rinvenuti e monumenti ricostruiti necessitano di una manutenzione permanente, questo spesso viene dimenticato. Si scava, si ripristina e poi si lascia il magazzino ai tempi e di fatto di nuovo Il lento degrado. Il monitoraggio del restauro dei siti archeologici è quindi una necessità urgente per evitare in anticipo costosi danni consequenziali. Oggetti di scavo e monumenti ricostruiti necessitano di una manutenzione permanente, spesso dimenticata. Si scava, si ripristina e poi si lascia il magazzino a i tempi e di fatto di nuovo al lento declino. Un monitoraggio del restauro dei siti archeologici è quindi una necessità urgente per evitare costosi danni consequenziali. Ad Efeso, tutti gli edifici che sono stati ricostruiti sono ora attentamente esaminati e tutti necessari si stanno prendendo misure. "Gli oggetti di scavo e i monumenti ricostruiti necessitano di una manutenzione permanente, questo viene spesso dimenticato. Si scava, si ripristina e poi si lascia il brodo ai tempi e di fatto di nuovo al lento declino. Un monitoraggio del restauro dei siti archeologici è quindi un must urgente per evitare in anticipo costosi danni consequenziali. Ad Efeso, tutti gli edifici ricostruiti vengono ora esaminati attentamente e vengono prese tutte le misure necessarie. "per evitare in anticipo costosi danni conseguenti. Ad Efeso, tutti gli edifici che sono stati ricostruiti vengono ora esaminati attentamente e vengono prese tutte le misure necessarie." al fine di evitare in anticipo costosi danni consequenziali. Ad Efeso, tutti gli edifici ricostruiti vengono ora esaminati attentamente e vengono prese tutte le misure necessarie. "
Una delle principali aree problematiche del Tempio di Adriano è la corrosione degli elementi in ferro che furono introdotti nel corso dell'anastilosi per collegare e rinforzare i blocchi di marmo e come acciaio di rinforzo per il calcestruzzo. Dopo oltre 50 anni di esposizione agli agenti atmosferici, i singoli elementi in ferro si sono quasi completamente dissolti e mettono in pericolo la stabilità del tempio. Inoltre, il processo di corrosione ha un forte effetto esplosivo nel marmo o cemento adiacente. Il risultato è la formazione di crepe in questi materiali con il rischio associato di caduta delle parti. Questo rappresenta un grave pericolo per i visitatori degli scavi di Efeso. Un secondo danno significativo al tempio è il degrado della superficie in marmo, il cosiddetto decadimento dello zucchero. Con questo comune fenomeno atmosferico causato dalle differenze di temperatura,
I principali interventi di restauro consistono quindi nella sostituzione dei composti ferrosi nell'area dell'antica muratura in marmo, nel miglioramento del bilancio idrico, nella protezione statica delle aree a rischio e nella conservazione di tutti i materiali. Martin Pliessnig, capo restauratore del progetto del Tempio di Adriano: "L'obiettivo principale del concetto di restauro è la conservazione della struttura tradizionale. È importante prolungare la vita del bene culturale e mantenere l'alta qualità del design della superficie per il futuro generazioni. Il danno esistente si basa sulla conoscenza attuale della conservazione dei monumenti e del futuro evitato nel miglior modo possibile ".
Il lavoro è stato svolto nei mesi invernali per rendere il tempio di nuovo adatto per il prossimo tour.
Fonte / source:
--- ARCHAEOLOGIE-ONLINE.DE (2020).
www.archaeologie-online.de/nachrichten/restaurierung-des-...
www.flickr.com/photos/imperial_fora_of_rome/50627501491
3). Forschungen in Ephesos [ = materiali di ricerca aggiuntivi e pubblicazioni online per Efeso, vedere:] / VERLAG DER ÖSTERREICHISCHEN AKADEMIE
DER WISSENSCHAFTEN. Vienna (2020).
Der erste Band der Reihe Forschungen in Ephesos erschien bereits 1906. Er wurde von der Österreichischen Akademie der Wissenschaften (ÖAW) herausgegeben, die die Reihe seit 1977 im eigenen Verlag veröffentlicht.
Zum 125-jährigen Jubiläum des Grabungsbeginns macht das Österreichische Archäologische Institut (ÖAI), in Zusammenarbeit mit dem Verlag der ÖAW und dem von der Universität Heidelberg und der bayrischen Staatsbibliothek betriebenen Fachinformationsdienst Propyläum die gesamte Reihe der Öffentlichkeit und der Nachwelt als Open Access Publikationen sukzessive frei zugänglich.
Die Grabung Ephesos in der Westtürkei ist Österreichs größtes Wissenschaftsunternehmen im Ausland. Seit 1895 führt das Österreichische Archäologische Institut (ÖAI) Ausgrabungen im Gebiet der antiken Stadt durch. Seit 2015 zählt das antike Ephesos zum UNESCO-Weltkulturerbe.
Ein Langzeitprojekt wie Ephesos bietet die Möglichkeit, an einer der bedeutendsten Fundstätten des Mittelmeerraumes archäologische Grundlagenforschung und Methodenentwicklung zu betreiben: Als Forschungsgegenstand steht eine Stadtanlage mit ihrem Umland zur Verfügung, die von der Bronzezeit bis in das Mittelalter durchgehend besiedelt war, und dies zumeist als Zentralort der Region. Die Grabung Ephesos begreift sich dabei als Plattform für interdisziplinäre Grundlagenforschung in der Archäologie. Bei den Feldforschungen werden heute modernste und zu großen Teilen zerstörungsfreie Methoden wie Surveys und geophysikalische Prospektion eingesetzt und nur gezielte, meist klein dimensionierte Grabungen durchgeführt. Einen zunehmend bedeutenden Aspekt der Arbeiten des ÖAI bilden Denkmalpflege und Monitoring des antiken Bestands.
www.flickr.com/photos/imperial_fora_of_rome/50627501961
Fonte / source:
--- VERLAG DER ÖSTERREICHISCHEN AKADEMIE
DER WISSENSCHAFTEN. Vienna (2020).
verlag.oeaw.ac.at/kategorie_149.ahtml
verlag.oeaw.ac.at/artikel_16653.ahtml
S.v.,
--- ROMA ARCHEOLOGICA & RESTAURO ARCHITETTURA 2020. Dr. Ursula Quatember, The “Temple of Hadrian” on Curetes Street in Ephesus: new research into its building history. JRA 23 (2010): 376-394 [in PDF].
Fonte / source:
--- Dr. Ursula Quatember / Academia.edu. (2020).
www.academia.edu/958016/_The_Temple_of_Hadrian_on_Curetes...
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Il 24 ottobre al Teatro Sociale di Como, Mika rivisiterà il suo repertorio di successi e proporrà nuove canzoni in chiave sinfonica con l’orchestra “Affinis Consort”, diretta da Simon Leclerc, creata appositamente per l’occasione da 81 professionisti internazionali: 65 strumentisti e 16 coristi.
Lo spettacolo nasce dal desiderio di Mika di replicare in Italia l’incredibile esperienza dei tre concerti sinfonici tenutisi a Montréal lo scorso febbraio, in cui ha confermato la sua versatilità e la qualità del suo repertorio pop, anche in chiave classica.
Il concerto arriva dopo i grandi successi estivi al Fabrique di Milano, al Teatro Antico di Taormina e all’Arena della Regina di Cattolica e le prossime tre date nei palasport di Milano (27 settembre), Roma (29 settembre) e Firenze (30 settembre). Le prevendite per la serata speciale partiranno da giovedì 1 ottobre.
Simon Leclerc è un affermato compositore di colonne sonore per la Paramount e direttore d’orchestra canadese a cui Mika ha affidato l’arrangiamento in chiave classica del suo repertorio. Dopo i concerti di Montreal, Mika ha entusiasticamente dichiarato: “Provenendo io stesso da una formazione professionale classica, per me è straordinario sentire le mie canzoni nelle veste classica che Simon ha dato loro, perché nella mia mente, le ho sempre immaginate così!”
Dal piccolo ensemble alla grande orchestra sinfonica. Dalle fondamenta classiche alle contaminazioni contemporanee e pop.
Affinis Consort racchiude nel suo dna la multiformità del suo essere.
L'unione di mondi, il Canada e l'Italia. Il superamento dei confini geografici e culturali. Il connubio e la condivisione delle esperienze che ogni singolo musicista porta sul palco, elevando le affinità.
La mostra – la più ampia ed articolata antologica degli ultimi decenni di uno tra i più imprevedibili e multiformi artisti nel campo della fotografia – offre un panorama dettagliato ed esauriente del percorso di Nino Migliori, in più di 60 anni di ricerca sulla fotografia, della fotografia, con la fotografia.
Oltre 300 opere esposte a Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni per raccontare l’opera dell’autore, a cui si aggiungono 9 installazioni, 2 delle quali a Casa Saraceni e Palazzo Pepoli Museo della Storia di Bologna.
Mostra promossa da Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna
in collaborazione con l'Archivio Nino Migliori
18 gennaio - 28 aprile 2013
Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni
Genus Bononiae Musei nella Città
Bologna
foto Paolo Righi
Templo ubicado en las cercanías de la falda oriente del cerro del Tepeyac. Fue construido de 1777 a 1791 y diseñado por el arquitecto Francisco Guerrero y Torres.Fue edificado sobre un pozo de aguas consideradas milagrosas, así, pronto comenzaron las peregrinaciones al lugar.10 Gran cantidad de enfermos bebía y lavaba sus heridas en el mismo sitio, por lo que pronto se convirtió en foco de infecciones. Para controlar las epidemias se impidió el acceso directo al pozo y se construyó una techumbre sencilla, pero las peregrinaciones continuaron. Para 1777 se tomó la decisión de construir un templo en el sitio.
El sello particular de esta capilla pequeña, considerada joya arquitectónica del estilo barroco, es su forma pues su planta es la única de base circular o cántrica levantada durante el siglo XVIII que se conserva en México. Este carácter permite que el visitante perciba el espacio poco a poco, como si éste se escondiera. El movimiento que le imprime a la cúpula la decoración en zigzag, lo mismo que las líneas multiformes utilizadas en las ventanas contribuye a crear esta atmósfera de movimiento lento. Todos los símbolos que cargan los angelitos pintados en la cúpula, son los símbolos marianos que aparecen en la Letanía Lauretana, parte final del rezo del rosario: espejo de virtudes, torre de David, estrella de la mañana, etc. Otro elemento importante de la decoración es el Juan Diego que sostiene el púlpito de madera.10
En 1815 el insurgente José María Morelos se le permitió como última voluntad ir a orar a la Virgen de Guadalupe en este templo antes de ser ejecutado en una población cercana en el actual municipio de Ecatepec de Morelos.
Con las obras de creación del Atrio de las Américas en la década de 1950, el templo pasó de estar inmerso en la traza urbana a encontrarse aislado de ésta, tal como se lo contempla en la actualidad.
YL3941 (CMMF).
Bonsecours (Estrie), 16 septembre 2005.
Récolté à l'orée d'une plantation de sapins d’environ 25-30 ans, en terrain montagneux, avec des bouleaux et des peupliers pas loin.
Sp. subamygdaloïdes, moyennement verruqueuses, 8,5-9,5 x 5,3-5,5 microns.
La séquence ITS de cette récolte correspond à C. talimultiformis. Cette identification a été permise suite au Projet d'étude phylogénétique des Cortinarius du Québec, dirigé par Jacques Landry et rendu possible grâce au grand nombre de spécimens de certains membres de Mycoquébec.
Le nom latin signifie "à mi-chemin entre C. talus et C. multiformis". Donc de forme intermédiaire entre les deux espèces, en faisant allusion à la base du pied dans ce cas. Je suggère donc le nom français "Cortinaire intermédiaire".
Les cortinaires de la section Multiformes, certains si semblables à l'oeil nu, comme ceux de la plupart des autres sections, peuvent souvent être séparés par leur localisation géographique, la taille précise et l'ornementation de leurs spores, ou bien par leur partenaire symbiotique. Donc, c'est seulement quand nous aurons ces données pour chacune de nos récoltes que l'on pourra les identifier sans recourir à leurs séquences ITS.
Le pied à bulbe submarginé de C. talimultiformis, plus prononcé en comparaison avec C. multiformis, est ce qui permettrait de le distinguer sur le terrain. Le bulbe du pied de C. talus est quant à lui bien plus prononcé; cette espèce possède aussi un chapeau nettement plus terne et pruineux-givré. Des différences dans la taille et l'ornementation des spores permettraient de distinguer avec assurance C. talimultiformis de C. multiformis... Mais cela, possiblement pour le cortinariologue expérimenté uniquement.
RÉF. :
J. Landry, Y. Lamoureux, R. Lebeuf, A. Paul, H. Lambert et R. Labbé (2021). "Répertoire des cortinaires du Québec". Mycoquébec. org., Québec, 552 p.
YL
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Il 24 ottobre al Teatro Sociale di Como, Mika rivisiterà il suo repertorio di successi e proporrà nuove canzoni in chiave sinfonica con l’orchestra “Affinis Consort”, diretta da Simon Leclerc, creata appositamente per l’occasione da 81 professionisti internazionali: 65 strumentisti e 16 coristi.
Lo spettacolo nasce dal desiderio di Mika di replicare in Italia l’incredibile esperienza dei tre concerti sinfonici tenutisi a Montréal lo scorso febbraio, in cui ha confermato la sua versatilità e la qualità del suo repertorio pop, anche in chiave classica.
Il concerto arriva dopo i grandi successi estivi al Fabrique di Milano, al Teatro Antico di Taormina e all’Arena della Regina di Cattolica e le prossime tre date nei palasport di Milano (27 settembre), Roma (29 settembre) e Firenze (30 settembre). Le prevendite per la serata speciale partiranno da giovedì 1 ottobre.
Simon Leclerc è un affermato compositore di colonne sonore per la Paramount e direttore d’orchestra canadese a cui Mika ha affidato l’arrangiamento in chiave classica del suo repertorio. Dopo i concerti di Montreal, Mika ha entusiasticamente dichiarato: “Provenendo io stesso da una formazione professionale classica, per me è straordinario sentire le mie canzoni nelle veste classica che Simon ha dato loro, perché nella mia mente, le ho sempre immaginate così!”
Dal piccolo ensemble alla grande orchestra sinfonica. Dalle fondamenta classiche alle contaminazioni contemporanee e pop.
Affinis Consort racchiude nel suo dna la multiformità del suo essere.
L'unione di mondi, il Canada e l'Italia. Il superamento dei confini geografici e culturali. Il connubio e la condivisione delle esperienze che ogni singolo musicista porta sul palco, elevando le affinità.
Templo ubicado en las cercanías de la falda oriente del cerro del Tepeyac. Fue construido de 1777 a 1791 y diseñado por el arquitecto Francisco Guerrero y Torres.Fue edificado sobre un pozo de aguas consideradas milagrosas, así, pronto comenzaron las peregrinaciones al lugar.10 Gran cantidad de enfermos bebía y lavaba sus heridas en el mismo sitio, por lo que pronto se convirtió en foco de infecciones. Para controlar las epidemias se impidió el acceso directo al pozo y se construyó una techumbre sencilla, pero las peregrinaciones continuaron. Para 1777 se tomó la decisión de construir un templo en el sitio.
El sello particular de esta capilla pequeña, considerada joya arquitectónica del estilo barroco, es su forma pues su planta es la única de base circular o cántrica levantada durante el siglo XVIII que se conserva en México. Este carácter permite que el visitante perciba el espacio poco a poco, como si éste se escondiera. El movimiento que le imprime a la cúpula la decoración en zigzag, lo mismo que las líneas multiformes utilizadas en las ventanas contribuye a crear esta atmósfera de movimiento lento. Todos los símbolos que cargan los angelitos pintados en la cúpula, son los símbolos marianos que aparecen en la Letanía Lauretana, parte final del rezo del rosario: espejo de virtudes, torre de David, estrella de la mañana, etc. Otro elemento importante de la decoración es el Juan Diego que sostiene el púlpito de madera.10
En 1815 el insurgente José María Morelos se le permitió como última voluntad ir a orar a la Virgen de Guadalupe en este templo antes de ser ejecutado en una población cercana en el actual municipio de Ecatepec de Morelos.
Con las obras de creación del Atrio de las Américas en la década de 1950, el templo pasó de estar inmerso en la traza urbana a encontrarse aislado de ésta, tal como se lo contempla en la actualidad.
Templo ubicado en las cercanías de la falda oriente del cerro del Tepeyac. Fue construido de 1777 a 1791 y diseñado por el arquitecto Francisco Guerrero y Torres.Fue edificado sobre un pozo de aguas consideradas milagrosas, así, pronto comenzaron las peregrinaciones al lugar.10 Gran cantidad de enfermos bebía y lavaba sus heridas en el mismo sitio, por lo que pronto se convirtió en foco de infecciones. Para controlar las epidemias se impidió el acceso directo al pozo y se construyó una techumbre sencilla, pero las peregrinaciones continuaron. Para 1777 se tomó la decisión de construir un templo en el sitio.
El sello particular de esta capilla pequeña, considerada joya arquitectónica del estilo barroco, es su forma pues su planta es la única de base circular o cántrica levantada durante el siglo XVIII que se conserva en México. Este carácter permite que el visitante perciba el espacio poco a poco, como si éste se escondiera. El movimiento que le imprime a la cúpula la decoración en zigzag, lo mismo que las líneas multiformes utilizadas en las ventanas contribuye a crear esta atmósfera de movimiento lento. Todos los símbolos que cargan los angelitos pintados en la cúpula, son los símbolos marianos que aparecen en la Letanía Lauretana, parte final del rezo del rosario: espejo de virtudes, torre de David, estrella de la mañana, etc. Otro elemento importante de la decoración es el Juan Diego que sostiene el púlpito de madera.10
En 1815 el insurgente José María Morelos se le permitió como última voluntad ir a orar a la Virgen de Guadalupe en este templo antes de ser ejecutado en una población cercana en el actual municipio de Ecatepec de Morelos.
Con las obras de creación del Atrio de las Américas en la década de 1950, el templo pasó de estar inmerso en la traza urbana a encontrarse aislado de ésta, tal como se lo contempla en la actualidad.
Templo ubicado en las cercanías de la falda oriente del cerro del Tepeyac. Fue construido de 1777 a 1791 y diseñado por el arquitecto Francisco Guerrero y Torres.Fue edificado sobre un pozo de aguas consideradas milagrosas, así, pronto comenzaron las peregrinaciones al lugar.10 Gran cantidad de enfermos bebía y lavaba sus heridas en el mismo sitio, por lo que pronto se convirtió en foco de infecciones. Para controlar las epidemias se impidió el acceso directo al pozo y se construyó una techumbre sencilla, pero las peregrinaciones continuaron. Para 1777 se tomó la decisión de construir un templo en el sitio.
El sello particular de esta capilla pequeña, considerada joya arquitectónica del estilo barroco, es su forma pues su planta es la única de base circular o cántrica levantada durante el siglo XVIII que se conserva en México. Este carácter permite que el visitante perciba el espacio poco a poco, como si éste se escondiera. El movimiento que le imprime a la cúpula la decoración en zigzag, lo mismo que las líneas multiformes utilizadas en las ventanas contribuye a crear esta atmósfera de movimiento lento. Todos los símbolos que cargan los angelitos pintados en la cúpula, son los símbolos marianos que aparecen en la Letanía Lauretana, parte final del rezo del rosario: espejo de virtudes, torre de David, estrella de la mañana, etc. Otro elemento importante de la decoración es el Juan Diego que sostiene el púlpito de madera.10
En 1815 el insurgente José María Morelos se le permitió como última voluntad ir a orar a la Virgen de Guadalupe en este templo antes de ser ejecutado en una población cercana en el actual municipio de Ecatepec de Morelos.
Con las obras de creación del Atrio de las Américas en la década de 1950, el templo pasó de estar inmerso en la traza urbana a encontrarse aislado de ésta, tal como se lo contempla en la actualidad.
Templo ubicado en las cercanías de la falda oriente del cerro del Tepeyac. Fue construido de 1777 a 1791 y diseñado por el arquitecto Francisco Guerrero y Torres.Fue edificado sobre un pozo de aguas consideradas milagrosas, así, pronto comenzaron las peregrinaciones al lugar.10 Gran cantidad de enfermos bebía y lavaba sus heridas en el mismo sitio, por lo que pronto se convirtió en foco de infecciones. Para controlar las epidemias se impidió el acceso directo al pozo y se construyó una techumbre sencilla, pero las peregrinaciones continuaron. Para 1777 se tomó la decisión de construir un templo en el sitio.
El sello particular de esta capilla pequeña, considerada joya arquitectónica del estilo barroco, es su forma pues su planta es la única de base circular o cántrica levantada durante el siglo XVIII que se conserva en México. Este carácter permite que el visitante perciba el espacio poco a poco, como si éste se escondiera. El movimiento que le imprime a la cúpula la decoración en zigzag, lo mismo que las líneas multiformes utilizadas en las ventanas contribuye a crear esta atmósfera de movimiento lento. Todos los símbolos que cargan los angelitos pintados en la cúpula, son los símbolos marianos que aparecen en la Letanía Lauretana, parte final del rezo del rosario: espejo de virtudes, torre de David, estrella de la mañana, etc. Otro elemento importante de la decoración es el Juan Diego que sostiene el púlpito de madera.10
En 1815 el insurgente José María Morelos se le permitió como última voluntad ir a orar a la Virgen de Guadalupe en este templo antes de ser ejecutado en una población cercana en el actual municipio de Ecatepec de Morelos.
Con las obras de creación del Atrio de las Américas en la década de 1950, el templo pasó de estar inmerso en la traza urbana a encontrarse aislado de ésta, tal como se lo contempla en la actualidad.
Le Président de la République, Touadera a procédé ce 06 juin au lancement officiel de la consultation populaire nationale dans le cadre de la Commission vérité, justice, réparation et réconciliation (CVJRR), en présence des membres du Gouvernement chefs des missions et corps diplomatique. La MINUSCA continuera à accompagner le Gouvernement dans la mise en œuvre du projet de réconciliation nationale en RCA en mobilisant ses ressources multiformes pour les étapes présentes et futures de l'agenda de la justice transitionnelle.
Photo UN/MINUSCA - Leonel Grothe
L'orgue est un instrument à vent multiforme dont la caractéristique est de produire les sons à l’aide d’ensembles de tuyaux sonores accordés suivant une gamme définie.
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Il 24 ottobre al Teatro Sociale di Como, Mika rivisiterà il suo repertorio di successi e proporrà nuove canzoni in chiave sinfonica con l’orchestra “Affinis Consort”, diretta da Simon Leclerc, creata appositamente per l’occasione da 81 professionisti internazionali: 65 strumentisti e 16 coristi.
Lo spettacolo nasce dal desiderio di Mika di replicare in Italia l’incredibile esperienza dei tre concerti sinfonici tenutisi a Montréal lo scorso febbraio, in cui ha confermato la sua versatilità e la qualità del suo repertorio pop, anche in chiave classica.
Il concerto arriva dopo i grandi successi estivi al Fabrique di Milano, al Teatro Antico di Taormina e all’Arena della Regina di Cattolica e le prossime tre date nei palasport di Milano (27 settembre), Roma (29 settembre) e Firenze (30 settembre). Le prevendite per la serata speciale partiranno da giovedì 1 ottobre.
Simon Leclerc è un affermato compositore di colonne sonore per la Paramount e direttore d’orchestra canadese a cui Mika ha affidato l’arrangiamento in chiave classica del suo repertorio. Dopo i concerti di Montreal, Mika ha entusiasticamente dichiarato: “Provenendo io stesso da una formazione professionale classica, per me è straordinario sentire le mie canzoni nelle veste classica che Simon ha dato loro, perché nella mia mente, le ho sempre immaginate così!”
Dal piccolo ensemble alla grande orchestra sinfonica. Dalle fondamenta classiche alle contaminazioni contemporanee e pop.
Affinis Consort racchiude nel suo dna la multiformità del suo essere.
L'unione di mondi, il Canada e l'Italia. Il superamento dei confini geografici e culturali. Il connubio e la condivisione delle esperienze che ogni singolo musicista porta sul palco, elevando le affinità.
La mostra – la più ampia ed articolata antologica degli ultimi decenni di uno tra i più imprevedibili e multiformi artisti nel campo della fotografia – offre un panorama dettagliato ed esauriente del percorso di Nino Migliori, in più di 60 anni di ricerca sulla fotografia, della fotografia, con la fotografia.
Oltre 300 opere esposte a Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni per raccontare l’opera dell’autore, a cui si aggiungono 9 installazioni, 2 delle quali a Casa Saraceni e Palazzo Pepoli Museo della Storia di Bologna.
Mostra promossa da Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna
in collaborazione con l'Archivio Nino Migliori
18 gennaio - 28 aprile 2013
Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni
Genus Bononiae Musei nella Città
Bologna
foto Paolo Righi
Ripensando a Creativa2005.
Creativa si è confermata non-luogo unico del network in Italia non inquinato dal declino perbenistico e "mostraiolo" della mail-art, non-luogo di confusa (talvolta) ma stimolante comunicazione e di scambio, di azioni graffianti ma anche folli e grottesche, popolaresche e "culte", non-luogo d'incroci multimediali, opificio di poesia vecchia e nuova, lineare comportamentale videocomputerizzata sonora gridata o dolcissimamente sussurrata, rifugio di sogni e di ribellione, fucina di immagini emblematiche: Cristo che resuscita e s'invola culetto al vento senza falsi pudori chiesastici, un estintore rosso sul pavimento insanguinato, fanciulle in fiore trasformate in statue, marionette in carne ed ossa, un coro sul palco che inneggia alla non-arte, passerelle modaiole stravaganti e trash, che, stiamoci attenti, potrebbero venir sponsorizzate o saccheggiate da qualche stilista d'avanguardia, un pranzo allietato dal canto di stornellatori improvvisati bravissimi o da umoristi più o meno spiritosi e sconclusionati, un variopinto e chiassoso corteo che straripa "oltre i limiti" nel paese a incontrare la popolazione, e tante altre cose o azioni che talvolta non ho potuto neppure vedere bene tanti erano i fotografi o videomakers che attorniavano gli attori performers.... e in mezzo al bailamme la costante presenza mercuriale del burattinaio di tanto evento, con le ali ai piedi, anzi con le ruote: Franco, detto Mangiafoco, al quale auguriamo: "Foco-ardi ancora, perché Creativa, isola di utopia, non si spenga, ma continui a darci gioia di amicizia e impulso prezioso di crescita e di rinnovamento. Per lunghi e lunghi anni!
Gianni Broi
Creativa 6, anno 2005
Eccoci finalmente a Creativa 6! Oltre i limiti del quotidiano! Trasportato dagli amici ferrovieri dal nome complementare de i Santini Del Prete dal paesello sul mar Tirreno al paesello sull’Arno.
Due giorni intensamente spesi nel grande magico contenitore che Claudio Fusai e Franco Piri Focardi, sostenuti da famigliari ed amici affettuosi e propositivi hanno costruito per tutti quelli che da ogni dove sono venuti per partecipare al grande evento.
Io, abitudinariamente, spettatore anonimo e riservato sono invece subito stato coinvolto da quella atmosfera anarchica e scientifica, casuale, ma pregna di sapienza caotica e progettuale che tormenta e alimenta l’anima e la vita dei poeti, degli artisti, dei musicisti, dei performers, di tutti i creativi presenti che hanno vissuto per uno o due giorni insieme dentro e fuori la Scuola di Rignano.
Non si può resistere da spettatore all’energia creativa che si sprigiona in una tale multiformità di azioni ed apparizioni, ed anch’io da quasi subito mi sono sentito particella attiva di questo incessante cinetismo artistico.
Vorrei ricordare in elenco tutti i presenti, quasi tutti incontrati per la prima volta, ma penso di poter rimandarvi al prossimo catalogo che sicuramente i due amicissimi da cui “ Tutto ebbe inizio “ (titolo di un loro appassionante racconto a due mani che invito tutti a leggere) organizzeranno per testimoniare l’accaduto.
Da parte mia, ho voluto scrivere questa breve cartolina ricordo per ringraziarvi tutti veramente di cuore per avermi ossessionato a ricordare di essere un creativo anch’io, più o meno come tutti voi.
Grazie
Ido Breza
Avanguardia Creativa,
Rignano sull’Arno 29 maggio 2005
La non-arte è l’unica Avanguardia praticabile nel XXI secolo.
L’uomo non-artista, liberatosi dalla professione di artista, può esprimersi dilettevolmente con ironia e tragedia, passionalità e leggerezza, con amore e odio, manualità e tecnologia, finalmente svincolatosi nell’esercitare e manifestare la propria peculiare creatività dalle leggi dell’economia, finanza, politica, marketing, spettacolo che dominano ed appiattiscono l’arte contemporanea.
Pace e Amore da i santini del prete
Presentazione di Argo H2O e di Argo Art Projects ed esposizione di alcune opere da WATERSHAPE, a cura di Eleonora Di Erasmo e Daniela Shalom Vagata, sabato 21 dicembre 2013, Roma.
Live-set "Snowy Afternoon" di Andrea Buratta aka Novembertraum
Video, musica, fotografie di:
Andrea Buratta aka Novembertraum, Stefano Bandini, Sebastiano Luciano, Chie Matsui, Andrés Mendéz, Monochrome Circus, Yoichi Nagano, Masakatsu Tagaki, Chris Rudz, Yasu Suzuka, Toru Yamanaka
Argo rivista d’esplorazione dedica il nuovo numero Argo H2O al tema fluido e multiforme dell’acqua: acqua come fonte primordiale di vita, frontiera dell’orizzonte umano, risorsa e bene comune. Pensati appositamente per questo nuovo numero, sono visibili nelle versioni cartacea e online di Argo H2O i progetti Voce al silenzio e WATERSHAPE.
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Il 24 ottobre al Teatro Sociale di Como, Mika rivisiterà il suo repertorio di successi e proporrà nuove canzoni in chiave sinfonica con l’orchestra “Affinis Consort”, diretta da Simon Leclerc, creata appositamente per l’occasione da 81 professionisti internazionali: 65 strumentisti e 16 coristi.
Lo spettacolo nasce dal desiderio di Mika di replicare in Italia l’incredibile esperienza dei tre concerti sinfonici tenutisi a Montréal lo scorso febbraio, in cui ha confermato la sua versatilità e la qualità del suo repertorio pop, anche in chiave classica.
Il concerto arriva dopo i grandi successi estivi al Fabrique di Milano, al Teatro Antico di Taormina e all’Arena della Regina di Cattolica e le prossime tre date nei palasport di Milano (27 settembre), Roma (29 settembre) e Firenze (30 settembre). Le prevendite per la serata speciale partiranno da giovedì 1 ottobre.
Simon Leclerc è un affermato compositore di colonne sonore per la Paramount e direttore d’orchestra canadese a cui Mika ha affidato l’arrangiamento in chiave classica del suo repertorio. Dopo i concerti di Montreal, Mika ha entusiasticamente dichiarato: “Provenendo io stesso da una formazione professionale classica, per me è straordinario sentire le mie canzoni nelle veste classica che Simon ha dato loro, perché nella mia mente, le ho sempre immaginate così!”
Dal piccolo ensemble alla grande orchestra sinfonica. Dalle fondamenta classiche alle contaminazioni contemporanee e pop.
Affinis Consort racchiude nel suo dna la multiformità del suo essere.
L'unione di mondi, il Canada e l'Italia. Il superamento dei confini geografici e culturali. Il connubio e la condivisione delle esperienze che ogni singolo musicista porta sul palco, elevando le affinità.
Templo ubicado en las cercanías de la falda oriente del cerro del Tepeyac. Fue construido de 1777 a 1791 y diseñado por el arquitecto Francisco Guerrero y Torres.Fue edificado sobre un pozo de aguas consideradas milagrosas, así, pronto comenzaron las peregrinaciones al lugar.10 Gran cantidad de enfermos bebía y lavaba sus heridas en el mismo sitio, por lo que pronto se convirtió en foco de infecciones. Para controlar las epidemias se impidió el acceso directo al pozo y se construyó una techumbre sencilla, pero las peregrinaciones continuaron. Para 1777 se tomó la decisión de construir un templo en el sitio.
El sello particular de esta capilla pequeña, considerada joya arquitectónica del estilo barroco, es su forma pues su planta es la única de base circular o cántrica levantada durante el siglo XVIII que se conserva en México. Este carácter permite que el visitante perciba el espacio poco a poco, como si éste se escondiera. El movimiento que le imprime a la cúpula la decoración en zigzag, lo mismo que las líneas multiformes utilizadas en las ventanas contribuye a crear esta atmósfera de movimiento lento. Todos los símbolos que cargan los angelitos pintados en la cúpula, son los símbolos marianos que aparecen en la Letanía Lauretana, parte final del rezo del rosario: espejo de virtudes, torre de David, estrella de la mañana, etc. Otro elemento importante de la decoración es el Juan Diego que sostiene el púlpito de madera.10
En 1815 el insurgente José María Morelos se le permitió como última voluntad ir a orar a la Virgen de Guadalupe en este templo antes de ser ejecutado en una población cercana en el actual municipio de Ecatepec de Morelos.
Con las obras de creación del Atrio de las Américas en la década de 1950, el templo pasó de estar inmerso en la traza urbana a encontrarse aislado de ésta, tal como se lo contempla en la actualidad.
Friendly Floatees
# Laurent Lévesque
# installation interactive, photographies 360°.
Ce projet bénéficie d’une aide à la résidence de la Région Languedoc-Roussillon et s’intègre dans le programme initié par Incident.net : « Géographies Variables »
Laurent Lévesque vit et travaille à Montréal. Ses travaux ont été exposés dans plusieurs régions du Québec et de l’Ontario (Canada), dans des centres d’artistes, des maisons de la culture ainsi que des musées régionaux. Tout au long de l’année 2014, il présentera un projet d’envergure chez Verticale, centre d’artistes (Laval, Québec). D’ici là, il présentera en décembre, les fruits de sa résidence à l’occasion d’une exposition individuelle dans le cadre des Rencontres des arts numériques, électroniques et médiatiques, événement annuel organisé par Oudeis. Il s’agira d’ailleurs de la première présentation de son travail en Europe.
La pratique de Laurent Lévesque aborde notre rapport aux objets et leur représentation dans un contexte de crise écologique, dans ce cadre particulier où leur incidence devient mesurable. Ses projets opposent le caractère tangible d’objets reproduits identiquement par milliers à celui, imprévisible, de l’environnement. Il façonne des paysages habités d’objets du quotidien au coeur desquels se jouent des instants de tension. L’accumulation et la conjonction de ces instants distord les perceptions temporelles et spatiales, faisant basculer la représentation dans le domaine de l’invraisemblable et des géographies interchangeables où des propositions rhizomatiques se déploient pièce par pièce au rythme de diffusions et/ou de dispersions.
Menant cette démarche, Laurent Lévesque s’intéresse au potentiel de l’objet à générer de nouvelles dynamiques au sein du paysage, des paysages dont les qualités intrinsèques sont contestées par un morcellement radical. Ainsi, les objets viennent se substituer aux composantes naturelles et construites comme points de repère qui permettent d’appréhender l’espace.
L’installation numérique, construite par l’artiste dans le cadre de la résidence, sera un vaste paysage interactif constitué de plusieurs photomontages panoramiques reliés entre eux par des hyperliens. Présentée en projection, elle deviendra un environnement immersif dans lequel le visiteur pourra mouvoir son champ de vision comme s’il était lui-même dans l’espace. À travers la sélection d’hyperliens, le visiteur se déplacera d’un photomontage à l’autre. C’est de cette interaction que se dégagera une narrativité se renouvelant au contact de chaque utilisateur.
Friendly Floatees se veut une construction chimérique s’interrogeant sur la relativité géographique et temporelle de l’environnement. En naviguant dans l’oeuvre, il se déplacera virtuellement vers une vaste structure faite de représentations totalement décalées du ciel. Cette structure sera constituée d’une multitude de photomontages, tous des ciels factices, sans astres, sans nuages et sans horizon, au coeur desquels seront figés plusieurs milliers de sacs de plastique. La gravité, le vent et la lumière y modifieront l’aspect de chaque objet, leur insufflant une position, une forme et une luminosité différente. Une fois à l’intérieur, le visiteur errera dans les dédales de cet univers dystopique sans autre repère que ces sacs de plastique figés en plein vol.
Les récits générés seront également ancrés dans la réalité. Ils s’ouvriront sur des lieux anonymes, de différentes régions; ces points d’ancrage permettront ainsi d’établir la structure multiforme, labyrinthique et invraisemblable du projet sur des assises géographiques authentiques.
Parma is a city in the Italian region of Emilia-Romagna famous for its ham, its cheese, its architecture and the fine countryside around it. This is the home of the University of Parma, one of the oldest universities in the world. Parma is divided into two parts by the little stream with the same name. Parma's Etruscan name was adapted by Romans to describe the round shield called Parma.The Italian poet Attilio Bertolucci (born in a hamlet in the countryside) wrote: "As a capital city it had to have a river. As a little capital it received a stream, which is often dry". The district on the far side of the river is Oltretorrente.
Parma è un comune italiano di 186.000 abitanti, capoluogo dell'omonima provincia in Emilia-Romagna.Antica capitale del ducato di Parma e Piacenza (1545-1859), la città di Parma è sede dell'omonima università.Sul territorio comunale sono presenti numerosi parchi, giardini e aree verdi, alcuni di notevole pregio storico e architettonico. La percentuale di verde urbano sulla superficie comunale è pari all'1,8% (ossia circa 4,68 km²) mentre ammonta a 26,6 m² il verde urbano per ogni abitante.] Il verde fruibile pro-capite nell'area urbana è di 14,57 m² per abitante e la città si è posizionata al 5º posto in Italia ed al 1º in Emilia-Romagna nel rapporto Ecosistema Urbano 2009. A Parma sono censiti 100.000 alberi, 28 milioni di m² di manto erboso, oltre 80 aree gioco per i bimbi allestite e situate in contesti verdi e una quarantina di aree dedicate ai cani.Le aristocratiche tradizioni ed una certa raffinatezza della vita sociale caratterizzano ancor oggi l'anima cittadina che si evidenzia in particolare con la passione dei parmigiani nei confronti della musica e dell'Opera, da secoli molto seguite ed apprezzate da vari strati della popolazione.Il primo letterato nativo di Parma di cui si abbia notizia fu Gaio Cassio Parmense (I secolo a.C.), appartenente ad una delle famiglie romane fondatrici della città e autore di tragedie ed elegie, ma la storia parmense si è col tempo arricchita del contributo intellettuale di numerosi artisti, poeti e pittori che ne hanno determinato l'intenso fervore nei confronti di multiformi interessi culturali, confermato dalla presenza in città di numerosi teatri, musei, manifestazioni e rassegne internazionali nel campo dell'arte e degli scambi commerciali. Benedetto Antelami, il Parmigianino, il Correggio, Ireneo Affò, Giovanni Battista Bodoni, Ferdinando Paër, Giuseppe Verdi, Arturo Toscanini, Ennemond Alexandre Petitot, Étienne Bonnot, abate di Condillac, Attilio Bertolucci, sono solo alcune delle personalità legate a Parma che hanno lasciato un'impronta importante nelle tradizioni artistiche e culturali cittadine.Parma fu magnificata da Stendhal che la visitò per la prima volta nel 1814 e la sognò nelle pagine della sua "Chartreuse" (La Certosa di Parma); successivamente fu desiderata da Marcel Proust nel suo Du côté de chez Swann (La strada di Swann).Nel XVIII secolo lo sviluppo dell'arte e delle istituzioni cittadine contribuirono a definire Parma "l'Atene d'Italia" mentre oggi, grazie al nuovo ruolo attribuitole all'interno dell'Unione Europea con l'assegnazione di un'importante agenzia comunitaria, la città sta preparando e progettando il proprio futuro in funzione di questa investitura destinata a produrre un processo di internazionalizzazione e crescita sociale e culturale, riaffermando l'antica tradizione di piccola capitale.
"Purpurina, gibré, acuarelas de colores, base blanca y un delineador de punta finita que maneja con la habilidad de un cirujano. Dos horas le llevó a Cristina Rojas terminar de convertir su rostro y el de sus 12 compañeros de fiesta en el complemento perfecto de esos trajes extraviados y multiformes con los que La Tunga Tunga se presenta en sociedad.(...)"
+ vos.lavoz.com.ar/folclore/conoce-la-tunga-tunga-una-murga...
La mostra – la più ampia ed articolata antologica degli ultimi decenni di uno tra i più imprevedibili e multiformi artisti nel campo della fotografia – offre un panorama dettagliato ed esauriente del percorso di Nino Migliori, in più di 60 anni di ricerca sulla fotografia, della fotografia, con la fotografia.
Oltre 300 opere esposte a Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni per raccontare l’opera dell’autore, a cui si aggiungono 9 installazioni, 2 delle quali a Casa Saraceni e Palazzo Pepoli Museo della Storia di Bologna.
Mostra promossa da Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna
in collaborazione con l'Archivio Nino Migliori
18 gennaio - 28 aprile 2013
Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni
Genus Bononiae Musei nella Città
Bologna
foto Paolo Righi
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# Laurent Lévesque
# installation interactive, photographies 360°.
Ce projet bénéficie d’une aide à la résidence de la Région Languedoc-Roussillon et s’intègre dans le programme initié par Incident.net : « Géographies Variables »
Laurent Lévesque vit et travaille à Montréal. Ses travaux ont été exposés dans plusieurs régions du Québec et de l’Ontario (Canada), dans des centres d’artistes, des maisons de la culture ainsi que des musées régionaux. Tout au long de l’année 2014, il présentera un projet d’envergure chez Verticale, centre d’artistes (Laval, Québec). D’ici là, il présentera en décembre, les fruits de sa résidence à l’occasion d’une exposition individuelle dans le cadre des Rencontres des arts numériques, électroniques et médiatiques, événement annuel organisé par Oudeis. Il s’agira d’ailleurs de la première présentation de son travail en Europe.
La pratique de Laurent Lévesque aborde notre rapport aux objets et leur représentation dans un contexte de crise écologique, dans ce cadre particulier où leur incidence devient mesurable. Ses projets opposent le caractère tangible d’objets reproduits identiquement par milliers à celui, imprévisible, de l’environnement. Il façonne des paysages habités d’objets du quotidien au coeur desquels se jouent des instants de tension. L’accumulation et la conjonction de ces instants distord les perceptions temporelles et spatiales, faisant basculer la représentation dans le domaine de l’invraisemblable et des géographies interchangeables où des propositions rhizomatiques se déploient pièce par pièce au rythme de diffusions et/ou de dispersions.
Menant cette démarche, Laurent Lévesque s’intéresse au potentiel de l’objet à générer de nouvelles dynamiques au sein du paysage, des paysages dont les qualités intrinsèques sont contestées par un morcellement radical. Ainsi, les objets viennent se substituer aux composantes naturelles et construites comme points de repère qui permettent d’appréhender l’espace.
L’installation numérique, construite par l’artiste dans le cadre de la résidence, sera un vaste paysage interactif constitué de plusieurs photomontages panoramiques reliés entre eux par des hyperliens. Présentée en projection, elle deviendra un environnement immersif dans lequel le visiteur pourra mouvoir son champ de vision comme s’il était lui-même dans l’espace. À travers la sélection d’hyperliens, le visiteur se déplacera d’un photomontage à l’autre. C’est de cette interaction que se dégagera une narrativité se renouvelant au contact de chaque utilisateur.
Friendly Floatees se veut une construction chimérique s’interrogeant sur la relativité géographique et temporelle de l’environnement. En naviguant dans l’oeuvre, il se déplacera virtuellement vers une vaste structure faite de représentations totalement décalées du ciel. Cette structure sera constituée d’une multitude de photomontages, tous des ciels factices, sans astres, sans nuages et sans horizon, au coeur desquels seront figés plusieurs milliers de sacs de plastique. La gravité, le vent et la lumière y modifieront l’aspect de chaque objet, leur insufflant une position, une forme et une luminosité différente. Une fois à l’intérieur, le visiteur errera dans les dédales de cet univers dystopique sans autre repère que ces sacs de plastique figés en plein vol.
Les récits générés seront également ancrés dans la réalité. Ils s’ouvriront sur des lieux anonymes, de différentes régions; ces points d’ancrage permettront ainsi d’établir la structure multiforme, labyrinthique et invraisemblable du projet sur des assises géographiques authentiques.
La mostra – la più ampia ed articolata antologica degli ultimi decenni di uno tra i più imprevedibili e multiformi artisti nel campo della fotografia – offre un panorama dettagliato ed esauriente del percorso di Nino Migliori, in più di 60 anni di ricerca sulla fotografia, della fotografia, con la fotografia.
Oltre 300 opere esposte a Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni per raccontare l’opera dell’autore, a cui si aggiungono 9 installazioni, 2 delle quali a Casa Saraceni e Palazzo Pepoli Museo della Storia di Bologna.
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18 gennaio - 28 aprile 2013
Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni
Genus Bononiae Musei nella Città
Bologna
foto Paolo Righi
Kālī, also known as Kālikā (Sanskrit: कालिका), is the Hindu goddess associated with empowerment, shakti. She is the fierce aspect of the goddess Durga (Parvati). The name Kali comes from kāla, which means black, time, death, lord of death: Shiva. Since Shiva is called Kāla— the eternal time — the name of Kālī, his consort, also means "Time" or "Death" (as in "time has come"). Hence, Kāli is the Goddess of Time and Change. Although sometimes presented as dark and violent, her earliest incarnation as a figure of annihilation of evil forces still has some influence. Various Shakta Hindu cosmologies, as well as Shākta Tantric beliefs, worship her as the ultimate reality or Brahman. Comparatively recent devotional movements largely conceive Kāli as a benevolent mother goddess. Kālī is represented as the consort of Lord Shiva, on whose body she is often seen standing. Shiva lies in the path of Kali, whose foot on Shiva subdues her anger.
ETYMOLOGY
Kālī is the feminine form of kālam ("black, dark coloured"). Kāla primarily means "time" but also means "black" in honor of being the first creation before light itself. Kālī means "the black one" and refers to her being the entity of "time" or "beyond time." Kāli is strongly associated with Shiva, and Shaivas derive the masculine Kāla (an epithet of Shiva) to come from her feminine name. A nineteenth-century Sanskrit dictionary, the Shabdakalpadrum, states: कालः शिवः। तस्य पत्नीति - काली। kālaḥ śivaḥ। tasya patnīti kālī - "Shiva is Kāla, thus, his consort is Kāli" referring to Devi Parvathi being a manifestation of Devi MahaKali.
Other names include Kālarātri ("black night"), as described above, and Kālikā ("relating to time"). Coburn notes that the name Kālī can be used as a proper name, or as a description of color.
Kāli's association with darkness stands in contrast to her consort, Shiva, who manifested after her in creation, and who symbolises the rest of creation after Time is created. In his supreme awareness of Maya, his body is covered by the white ashes of the cremation ground (Sanskrit: śmaśāna) where he meditates, and with which Kāli is also associated, as śmaśāna-kālī.
ORIGINS
Hugh Urban notes that although the word Kālī appears as early as the Atharva Veda, the first use of it as a proper name is in the Kathaka Grhya Sutra (19.7). Kali is the name of one of the seven tongues of Agni, the [Rigvedic] God of Fire, in the Mundaka Upanishad (2:4), but it is unlikely that this refers to the goddess. The first appearance of Kāli in her present form is in the Sauptika Parvan of the Mahabharata (10.8.64). She is called Kālarātri (literally, "black night") and appears to the Pandava soldiers in dreams, until finally she appears amidst the fighting during an attack by Drona's son Ashwatthama. She most famously appears in the sixth century Devi Mahatmyam as one of the shaktis of Mahadevi, and defeats the demon Raktabija ("Bloodseed"). The tenth-century Kalika Purana venerates Kāli as the ultimate reality.
According to David Kinsley, Kāli is first mentioned in Hinduism as a distinct goddess around 600 CE, and these texts "usually place her on the periphery of Hindu society or on the battlefield." She is often regarded as the Shakti of Shiva, and is closely associated with him in various Puranas. The Kalika Purana depicts her as the "Adi Shakti" (Fundamental Power) and "Para Prakriti" or beyond nature.
WORSHIP & MANTRA
Kali could be considered a general concept, like Durga, and is mostly worshiped in the Kali Kula sect of worship. The closest way of direct worship is Maha Kali or Bhadra Kali (Bhadra in Sanskrit means 'gentle'). Kali is worshiped as one of the 10 Mahavidya forms of Adi Parashakti (Goddess Durga) or Bhagavathy according to the region. The mantra for worship is called Devi Argala Stotram.
Sanskrit: सर्वमङ्गलमाङ्गल्ये शिवे सर्वार्थसाधिके । शरण्ये त्र्यम्बके गौरि नारायणि नमोऽस्तु ते ॥
ॐ जयंती मंगल काली भद्रकाली कपालिनी । दुर्गा क्षमा शिवा धात्री स्वाहा स्वधा नमोऽस्तुते ॥
(Sarvamaṅgalamāṅgalyē śivē sarvārthasādhikē . śaraṇyē tryambakē gauri nārāyaṇi namō'stu tē.
Oṃ jayantī mangala kālī bhadrakālī kapālinī . durgā kṣamā śivā dhātrī svāhā svadhā namō'stutē.)
TANTRA
Goddesses play an important role in the study and practice of Tantra Yoga, and are affirmed to be as central to discerning the nature of reality as are the male deities. Although Parvati is often said to be the recipient and student of Shiva's wisdom in the form of Tantras, it is Kāli who seems to dominate much of the Tantric iconography, texts, and rituals. In many sources Kāli is praised as the highest reality or greatest of all deities. The Nirvana-tantra says the gods Brahma, Vishnu, and Shiva all arise from her like bubbles in the sea, ceaselessly arising and passing away, leaving their original source unchanged. The Niruttara-tantra and the Picchila-tantra declare all of Kāli's mantras to be the greatest and the Yogini-tantra, Kamakhya-tantra and the Niruttara-tantra all proclaim Kāli vidyas (manifestations of Mahadevi, or "divinity itself"). They declare her to be an essence of her own form (svarupa) of the Mahadevi.
In the Mahanirvana-tantra, Kāli is one of the epithets for the primordial sakti, and in one passage Shiva praises her:
At the dissolution of things, it is Kāla [Time] Who will devour all, and by reason of this He is called Mahākāla [an epithet of Lord Shiva], and since Thou devourest Mahākāla Himself, it is Thou who art the Supreme Primordial Kālika. Because Thou devourest Kāla, Thou art Kāli, the original form of all things, and because Thou art the Origin of and devourest all things Thou art called the Adya [the Primordial One]. Re-assuming after Dissolution Thine own form, dark and formless, Thou alone remainest as One ineffable and inconceivable. Though having a form, yet art Thou formless; though Thyself without beginning, multiform by the power of Maya, Thou art the Beginning of all, Creatrix, Protectress, and Destructress that Thou art.
The figure of Kāli conveys death, destruction, and the consuming aspects of reality. As such, she is also a "forbidden thing", or even death itself. In the Pancatattva ritual, the sadhaka boldly seeks to confront Kali, and thereby assimilates and transforms her into a vehicle of salvation. This is clear in the work of the Karpuradi-stotra, a short praise of Kāli describing the Pancatattva ritual unto her, performed on cremation grounds. (Samahana-sadhana)
He, O Mahākāli who in the cremation-ground, naked, and with dishevelled hair, intently meditates upon Thee and recites Thy mantra, and with each recitation makes offering to Thee of a thousand Akanda flowers with seed, becomes without any effort a Lord of the earth. Oh Kāli, whoever on Tuesday at midnight, having uttered Thy mantra, makes offering even but once with devotion to Thee of a hair of his Shakti [his energy/female companion] in the cremation-ground, becomes a great poet, a Lord of the earth, and ever goes mounted upon an elephant.
The Karpuradi-stotra clearly indicates that Kāli is more than a terrible, vicious, slayer of demons who serves Durga or Shiva. Here, she is identified as the supreme mistress of the universe, associated with the five elements. In union with Lord Shiva, she creates and destroys worlds. Her appearance also takes a different turn, befitting her role as ruler of the world and object of meditation. In contrast to her terrible aspects, she takes on hints of a more benign dimension. She is described as young and beautiful, has a gentle smile, and makes gestures with her two right hands to dispel any fear and offer boons. The more positive features exposed offer the distillation of divine wrath into a goddess of salvation, who rids the sadhaka of fear. Here, Kali appears as a symbol of triumph over death.
BENGALI TRADITION
Kali is also a central figure in late medieval Bengali devotional literature, with such devotees as Ramprasad Sen (1718–75). With the exception of being associated with Parvati as Shiva's consort, Kāli is rarely pictured in Hindu legends and iconography as a motherly figure until Bengali devotions beginning in the early eighteenth century. Even in Bengāli tradition her appearance and habits change little, if at all.
The Tantric approach to Kāli is to display courage by confronting her on cremation grounds in the dead of night, despite her terrible appearance. In contrast, the Bengali devotee appropriates Kāli's teachings adopting the attitude of a child, coming to love her unreservedly. In both cases, the goal of the devotee is to become reconciled with death and to learn acceptance of the way that things are. These themes are well addressed in Rāmprasād's work. Rāmprasād comments in many of his other songs that Kāli is indifferent to his wellbeing, causes him to suffer, brings his worldly desires to nothing and his worldly goods to ruin. He also states that she does not behave like a mother should and that she ignores his pleas:
Can mercy be found in the heart of her who was born of the stone? [a reference to Kali as the daughter of Himalaya]
Were she not merciless, would she kick the breast of her lord?
Men call you merciful, but there is no trace of mercy in you, Mother.
You have cut off the heads of the children of others, and these you wear as a garland around your neck.
It matters not how much I call you "Mother, Mother." You hear me, but you will not listen.
To be a child of Kāli, Rāmprasād asserts, is to be denied of earthly delights and pleasures. Kāli is said to refrain from giving that which is expected. To the devotee, it is perhaps her very refusal to do so that enables her devotees to reflect on dimensions of themselves and of reality that go beyond the material world.
A significant portion of Bengali devotional music features Kāli as its central theme and is known as Shyama Sangeet ("Music of the Night"). Mostly sung by male vocalists, today even women have taken to this form of music. One of the finest singers of Shyāma Sāngeet is Pannalal Bhattacharya.
In Bengal, Kāli is venerated in the festival Kali Puja, the new moon day of Ashwin month which coincides with Diwali festival.
In a unique form of Kāli worship, Shantipur worships Kāli in the form of a hand painted image of the deity known as Poteshwari (meaning the deity drawn on a piece of cloth).
LEGENDS
SLAYER OF RAKTABIJA
In Kāli's most famous legend, Devi Durga (Adi Parashakti) and her assistants, the Matrikas, wound the demon Raktabija, in various ways and with a variety of weapons in an attempt to destroy him. They soon find that they have worsened the situation for with every drop of blood that is dripped from Raktabija he reproduces a clone of himself. The battlefield becomes increasingly filled with his duplicates. Durga, in need of help, summons Kāli to combat the demons. It is said, in some versions, that Goddess Durga actually assumes the form of Goddess Kāli at this time. The Devi Mahatmyam describes:
Out of the surface of her (Durga's) forehead, fierce with frown, issued suddenly Kali of terrible countenance, armed with a sword and noose. Bearing the strange khatvanga (skull-topped staff ), decorated with a garland of skulls, clad in a tiger's skin, very appalling owing to her emaciated flesh, with gaping mouth, fearful with her tongue lolling out, having deep reddish eyes, filling the regions of the sky with her roars, falling upon impetuously and slaughtering the great asuras in that army, she devoured those hordes of the foes of the devas.
Kali destroys Raktabija by sucking the blood from his body and putting the many Raktabija duplicates in her gaping mouth. Pleased with her victory, Kali then dances on the field of battle, stepping on the corpses of the slain. In the Devi Mahatmya version of this story, Kali is also described as a Matrika and as a Shakti or power of Devi. She is given the epithet Cāṃuṇḍā (Chamunda), i.e. the slayer of the demons Chanda and Munda. Chamunda is very often identified with Kali and is very much like her in appearance and habit.
DAKSHINA KALI
In her most famous pose as Daksinakali, popular legends say that Kali, becoming drunk on the blood of her victims on the battlefield, dances with destructive frenzy. She is about to destroy the whole universe when, urged by all the gods, Shiva lies in her way to stop her. In her fury, she fails to see the body of Shiva lying amongst the corpses on the battlefield and steps upon his chest. Realizing Shiva lies beneath her feet, her anger is pacified and she calms her fury. Though not included in any of the puranas, popular legends state that Kali was ashamed at the prospect of keeping her husband beneath her feet and thus stuck her tongue out in shame. The Devi-Bhagavata Purana, which goes into great depths about the goddess Kali, reveals the tongue's actual symbolism.
The characteristic icons that depict Kali are the following; unbridled matted hair, open blood shot eyes, open mouth and a drooping tongue; in her hands, she holds a Khadga (bent sword or scimitar) and a human head; she has a girdle of human hands across her waist and an enchanted Shiva lies beneath her feet. Each of these icons represent a deep philosophical epithet. The drooping out-stuck tongue represents her blood-thirst. Lord Shiva beneath her feet represents matter, as Kali is undoubtedly the primeval energy. The depiction of Kali on Shiva shows that without energy, matter lies "dead". This concept has been simplified to a folk-tale depicting a wife placing her foot on her husband and sticking her tongue out in shame. In tantric contexts, the tongue is seen to denote the element (guna) of rajas (energy and action) controlled by sattva.
If Kali steps on Shiva with her right foot and holds the sword in her left hand, she is considered to be Dakshina Kali. The Dakshina Kali Temple has important religious associations with the Jagannath Temple and it is believed that Daksinakali is the guardian of the kitchen of the Lord Jagannath Temple. Puranic tradition says that in Puri, Lord Jagannath is regarded as Daksinakalika. Goddess Dakshinakali plays an important role in the 'Niti' of Saptapuri Amavasya.
One South Indian tradition tells of a dance contest between Shiva and Kali. After defeating the two demons Sumbha and Nisumbha, Kali takes up residence in the forest of Thiruvalankadu or Thiruvalangadu. She terrorizes the surrounding area with her fierce, disruptive nature. One of Shiva's devotees becomes distracted while performing austerities, and asks Shiva to rid the forest of the destructive goddess. When Shiva arrives, Kali threatens him, claiming the territory as her own. Shiva challenges Kali to a dance contest; both of them dance and Kali matches Shiva in every step that he takes until Shiva takes the "Urdhvatandava" step, by vertically raising his right leg. Kali refuses to perform this step, which would not befit her as a woman, and became pacified.
SMASHAN KALI
If the Kali steps out with the left foot and holds the sword in her right hand, she is the terrible form of Mother, the Smashan Kali of the cremation ground. She is worshiped by tantrics, the followers of Tantra, who believe that one's spiritual discipline practiced in a smashan (cremation ground) brings success quickly. Sarda Devi, the consort of Ramakrishna Paramhansa, worshipped Smashan Kali at Dakshineshwar.
MATERNAL KALI
Another legend depicts the infant Shiva calming Kali. In this similar story, Kali has defeated her enemies on the battlefield and begun to dance out of control, drunk on the blood of the slain. To calm her down and to protect the stability of the world, Shiva is sent to the battlefield, as an infant, crying aloud. Seeing the child's distress, Kali ceases dancing to care for the helpless infant. She picks him up, kisses his head, and proceeds to breast feed the infant Shiva. This legend is notable because it shows Kali in her benevolent, maternal aspect, with which she is not usually identified.
MAHAKALI
Mahakali (Sanskrit: Mahākālī, Devanagari: महाकाली), literally translated as Great Kali, is sometimes considered as a greater form of Kali, identified with the Ultimate reality of Brahman. It can also be used as an honorific of the Goddess Kali, signifying her greatness by the prefix "Mahā-". Mahakali, in Sanskrit, is etymologically the feminized variant of Mahakala or Great Time (which is interpreted also as Death), an epithet of the God Shiva in Hinduism. Mahakali is the presiding Goddess of the first episode of the Devi Mahatmya. Here she is depicted as Devi in her universal form as Shakti. Here Devi serves as the agent who allows the cosmic order to be restored.
Kali is depicted in the Mahakali form as having ten heads, ten arms, and ten legs. Each of her ten hands is carrying a various implement which vary in different accounts, but each of these represent the power of one of the Devas or Hindu Gods and are often the identifying weapon or ritual item of a given Deva. The implication is that Mahakali subsumes and is responsible for the powers that these deities possess and this is in line with the interpretation that Mahakali is identical with Brahman. While not displaying ten heads, an "ekamukhi" or one headed image may be displayed with ten arms, signifying the same concept: the powers of the various Gods come only through Her grace.
ICONOGRAPHY
Kali is portrayed mostly in two forms: the popular four-armed form and the ten-armed Mahakali form. In both of her forms, she is described as being black in color but is most often depicted as blue in popular Indian art. Her eyes are described as red with intoxication, and in absolute rage, her hair is shown disheveled, small fangs sometimes protrude out of her mouth, and her tongue is lolling. She is often shown naked or just wearing a skirt made of human arms and a garland of human heads. She is also accompanied by serpents and a jackal while standing on a seemingly dead Shiva, usually right foot forward to symbolize the more popular Dakshinamarga or right-handed path, as opposed to the more infamous and transgressive Vamamarga or left-handed path.
In the ten-armed form of Mahakali she is depicted as shining like a blue stone. She has ten faces and ten feet and three eyes. She has ornaments decked on all her limbs. There is no association with Shiva.
The Kalika Purana describes Kali as possessing a soothing dark complexion, as perfectly beautiful, riding a lion, four-armed, holding a sword and blue lotuses, her hair unrestrained, body firm and youthful.
In spite of her seemingly terrible form, Kali Ma is often considered the kindest and most loving of all the Hindu goddesses, as she is regarded by her devotees as the Mother of the whole Universe. And because of her terrible form, she is also often seen as a great protector. When the Bengali saint Ramakrishna once asked a devotee why one would prefer to worship Mother over him, this devotee rhetorically replied, "Maharaj, when they are in trouble your devotees come running to you. But, where do you run when you are in trouble?"
According to Ramakrishna, darkness is the Ultimate Mother, or Kali:
My Mother is the principle of consciousness. She is Akhanda Satchidananda; indivisible Reality, Awareness, and Bliss. The night sky between the stars is perfectly black. The waters of the ocean depths are the same; The infinite is always mysteriously dark. This inebriating darkness is my beloved Kali.
SRI RAMAKRISHNA
This is clear in the works of such contemporary artists as Charles Wish, and Tyeb Mehta, who sometimes take great liberties with the traditional, accepted symbolism, but still demonstrate a true reverence for the Shakta sect.
POPULAR FORM
Classic depictions of Kali share several features, as follows:
Kali's most common four armed iconographic image shows each hand carrying variously a sword, a trishul (trident), a severed head and a bowl or skull-cup (kapala) catching the blood of the severed head.
Two of these hands (usually the left) are holding a sword and a severed head. The Sword signifies Divine Knowledge and the Human Head signifies human Ego which must be slain by Divine Knowledge in order to attain Moksha. The other two hands (usually the right) are in the abhaya (fearlessness) and varada (blessing) mudras, which means her initiated devotees (or anyone worshipping her with a true heart) will be saved as she will guide them here and in the hereafter.
She has a garland consisting of human heads, variously enumerated at 108 (an auspicious number in Hinduism and the number of countable beads on a Japa Mala or rosary for repetition of Mantras) or 51, which represents Varnamala or the Garland of letters of the Sanskrit alphabet, Devanagari. Hindus believe Sanskrit is a language of dynamism, and each of these letters represents a form of energy, or a form of Kali. Therefore she is generally seen as the mother of language, and all mantras.
She is often depicted naked which symbolizes her being beyond the covering of Maya since she is pure (nirguna) being-consciousness-bliss and far above prakriti. She is shown as very dark as she is brahman in its supreme unmanifest state. She has no permanent qualities - she will continue to exist even when the universe ends. It is therefore believed that the concepts of color, light, good, bad do not apply to her - she is the pure, un-manifested energy, the Adi-shakti.
SHIVA IN KALI ICONOGRAPHY
In both these images she is shown standing on the prone, inert or dead body of Shiva. There is a legend for the reason behind her standing on what appears to be Shiva's corpse, which translates as follows:
Once Kali had destroyed all the demons in battle, she began a terrific dance out of the sheer joy of victory. All the worlds or lokas began to tremble and sway under the impact of her dance. So, at the request of all the Gods, Shiva himself asked her to desist from this behavior. However, she was too intoxicated to listen. Hence, Shiva lay like a corpse among the slain demons in order to absorb the shock of the dance into himself. When Kali eventually stepped upon Shiva, she realized she was trampling and hurting her husband and bit her tongue in shame.
The story described here is a popular folk tale and not described or hinted in any of the puranas. The puranic interpretation is as follows:
Once, Parvati asks Shiva to chose the one form among her 10 forms which he likes most. To her surprise, Shiva reveals that he is most comfortable with her Kali form, in which she is bereft of her jewellery, her human-form, her clothes, her emotions and where she is only raw, chaotic energy, where she is as terrible as time itself and even greater than time. As Parvati takes the form of Kali, Shiva lies at her feet and requests her to place her foot on his chest, upon his heart. Once in this form, Shiva requests her to have this place, below her feet in her iconic image which would be worshiped throughout.
This idea has been explored in the Devi-Bhagavata Purana and is most popular in the Shyama Sangeet, devotional songs to Kali from the 12th to 15th centuries.
The Tantric interpretation of Kali standing on top of her husband is as follows:
The Shiv tattava (Divine Consciousness as Shiva) is inactive, while the Shakti tattava (Divine Energy as Kali) is active. Shiva and Kali represent Brahman, the Absolute pure consciousness which is beyond all names, forms and activities. Kali, on the other hand, represents the potential (and manifested) energy responsible for all names, forms and activities. She is his Shakti, or creative power, and is seen as the substance behind the entire content of all consciousness. She can never exist apart from Shiva or act independently of him, just as Shiva remains a mere corpse without Kali i.e., Shakti, all the matter/energy of the universe, is not distinct from Shiva, or Brahman, but is rather the dynamic power of Brahman. Hence, Kali is Para Brahman in the feminine and dynamic aspect while Shiva is the male aspect and static. She stands as the absolute basis for all life, energy and beneath her feet lies, Shiva, a metaphor for mass, which cannot retain its form without energy.
While this is an advanced concept in monistic Shaktism, it also agrees with the Nondual Trika philosophy of Kashmir, popularly known as Kashmir Shaivism and associated most famously with Abhinavagupta. There is a colloquial saying that "Shiva without Shakti is Shava" which means that without the power of action (Shakti) that is Mahakali (represented as the short "i" in Devanagari) Shiva (or consciousness itself) is inactive; Shava means corpse in Sanskrit and the play on words is that all Sanskrit consonants are assumed to be followed by a short letter "a" unless otherwise noted. The short letter "i" represents the female power or Shakti that activates Creation. This is often the explanation for why She is standing on Shiva, who is either Her husband and complement in Shaktism or the Supreme Godhead in Shaivism.
To properly understand this complex Tantric symbolism it is important to remember that the meaning behind Shiva and Kali does not stray from the non-dualistic parlance of Shankara or the Upanisads. According to both the Mahanirvana and Kularnava Tantras, there are two distinct ways of perceiving the same absolute reality. The first is a transcendental plane which is often described as static, yet infinite. It is here that there is no matter, there is no universe and only consciousness exists. This form of reality is known as Shiva, the absolute Sat-Chit-Ananda - existence, knowledge and bliss. The second is an active plane, an immanent plane, the plane of matter, of Maya, i.e., where the illusion of space-time and the appearance of an actual universe does exist. This form of reality is known as Kali or Shakti, and (in its entirety) is still specified as the same Absolute Sat-Chit-Ananda. It is here in this second plane that the universe (as we commonly know it) is experienced and is described by the Tantric seer as the play of Shakti, or God as Mother Kali.
From a Tantric perspective, when one meditates on reality at rest, as absolute pure consciousness (without the activities of creation, preservation or dissolution) one refers to this as Shiva or Brahman. When one meditates on reality as dynamic and creative, as the Absolute content of pure consciousness (with all the activities of creation, preservation or dissolution) one refers to it as Kali or Shakti. However, in either case the yogini or yogi is interested in one and the same reality - the only difference being in name and fluctuating aspects of appearance. It is this which is generally accepted as the meaning of Kali standing on the chest of Shiva.
Although there is often controversy surrounding the images of divine copulation, the general consensus is benign and free from any carnal impurities in its substance. In Tantra the human body is a symbol for the microcosm of the universe; therefore sexual process is responsible for the creation of the world. Although theoretically Shiva and Kali (or Shakti) are inseparable, like fire and its power to burn, in the case of creation they are often seen as having separate roles. With Shiva as male and Kali as female it is only by their union that creation may transpire. This reminds us of the prakrti and purusa doctrine of Samkhya wherein prakāśa- vimarśa has no practical value, just as without prakrti, purusa is quite inactive. This (once again) stresses the interdependencies of Shiva and Shakti and the vitality of their union.
Gopi Krishna proposed that Kali standing on the dead Shiva or Shava (Sanskrit for dead body) symbolised the helplessness of a person undergoing the changing process (psychologically and physiologically) in the body conducted by the Kundalini Shakti.
DEVELOPMENT
In the later traditions, Kali has become inextricably linked with Shiva. The unleashed form of Kali often becomes wild and uncontrollable, and only Shiva is able to tame her just as only Kali can tame Shiva. This is both because she is often a transformed version of one of his consorts and because he is able to match her wildness.
The ancient text of Kali Kautuvam describes her competition with Shiva in dance, from which the sacred 108 Karanas appeared. Shiva won the competition by acting the urdva tandava, one of the Karanas, by raising his feet to his head. Other texts describe Shiva appearing as a crying infant and appealing to her maternal instincts. While Shiva is said to be able to tame her, the iconography often presents her dancing on his fallen body, and there are accounts of the two of them dancing together, and driving each other to such wildness that the world comes close to unravelling.
Shiva's involvement with Tantra and Kali's dark nature have led to her becoming an important Tantric figure. To the Tantric worshippers, it was essential to face her Curse, the terror of death, as willingly as they accepted Blessings from her beautiful, nurturing, maternal aspect. For them, wisdom meant learning that no coin has only one side: as death cannot exist without life, so life cannot exist without death. Kali's role sometimes grew beyond that of a chaos - which could be confronted - to that of one who could bring wisdom, and she is given great metaphysical significance by some Tantric texts. The Nirvāna-tantra clearly presents her uncontrolled nature as the Ultimate Reality, claiming that the trimurti of Brahma, Vishnu and Rudra arise and disappear from her like bubbles from the sea. Although this is an extreme case, the Yogini-tantra, Kamakhya-tantra and the Niruttara-tantra declare her the svarupa (own-being) of the Mahadevi (the great Goddess, who is in this case seen as the combination of all devis).
The final stage of development is the worshipping of Kali as the Great Mother, devoid of her usual violence. This practice is a break from the more traditional depictions. The pioneers of this tradition are the 18th century Shakta poets such as Ramprasad Sen, who show an awareness of Kali's ambivalent nature. Ramakrishna, the 19th century Bengali saint, was also a great devotee of Kali; the western popularity of whom may have contributed to the more modern, equivocal interpretations of this Goddess. Rachel McDermott's work, however, suggests that for the common, modern worshipper, Kali is not seen as fearful, and only those educated in old traditions see her as having a wrathful component. Some credit to the development of Devi must also be given to Samkhya. Commonly referred to as the Devi of delusion, Mahamaya or Durga, acting in the confines of (but not being bound by) the nature of the three gunas, takes three forms: Maha-Kali, Maha-Lakshmi and Maha-Saraswati, being her tamas-ika, rajas-ika and sattva-ika forms. In this sense, Kali is simply part of a larger whole.
Like Sir John Woodroffe and Georg Feuerstein, many Tantric scholars (as well as sincere practitioners) agree that, no matter how propitious or appalling you describe them, Shiva and Devi are simply recognizable symbols for everyday, abstract (yet tangible) concepts such as perception, knowledge, space-time, causation and the process of liberating oneself from the confines of such things. Shiva, symbolizing pure, absolute consciousness, and Devi, symbolizing the entire content of that consciousness, are ultimately one and the same - totality incarnate, a micro-macro-cosmic amalgamation of all subjects, all objects and all phenomenal relations between the "two." Like man and woman who both share many common, human traits yet at the same time they are still different and, therefore, may also be seen as complementary.
Worshippers prescribe various benign and horrific qualities to Devi simply out of practicality. They do this so they may have a variety of symbols to choose from, symbols which they can identify and relate with from the perspective of their own, ever-changing time, place and personal level of unfolding. Just like modern chemists or physicists use a variety of molecular and atomic models to describe what is unperceivable through rudimentary, sensory input, the scientists of ontology and epistemology must do the same. One of the underlying distinctions of Tantra, in comparison to other religions, is that it allows the devotee the liberty to choose from a vast array of complementary symbols and rhetoric which suit one's evolving needs and tastes. From an aesthetic standpoint, nothing is interdict and nothing is orthodox. In this sense, the projection of some of Devi's more gentle qualities onto Kali is not sacrilege and the development of Kali really lies in the practitioner, not the murthi.
A TIME magazine article of October 27, 1947, used Kali as a symbol and metaphor for the human suffering in British India during its partition that year.
Swami Vivekananda wrote his favorite poem Kali the Mother in 1898.
IN NEW AGE & NEOPAGANISM
An academic study of Western Kali enthusiasts noted that, "as shown in the histories of all cross-cultural religious transplants, Kali devotionalism in the West must take on its own indigenous forms if it is to adapt to its new environment." The adoption of Kali by the West has raised accusations of cultural appropriation:
A variety of writers and thinkers have found Kali an exciting figure for reflection and exploration, notably feminists and participants in New Age spirituality who are attracted to goddess worship. Kali is a symbol of wholeness and healing, associated especially with repressed female power and sexuality. [However, such interpretations often exhibit] confusion and misrepresentation, stemming from a lack of knowledge of Hindu history among these authors, draw upon materials written by scholars of the Hindu religious tradition. The majority instead rely chiefly on other popular feminist sources, almost none of which base their interpretations on a close reading of Kali's Indian background. The most important issue arising from this discussion - even more important than the question of 'correct' interpretation - concerns the adoption of other people's religious symbols. It is hard to import the worship of a goddess from another culture: religious associations and connotations have to be learned, imagined or intuited when the deep symbolic meanings embedded in the native culture are not available.
WIKIPEDIA
Punto in Movimento/Shiftingpoint circuitoteatro
Big Band Ritmo Sinfonica Città di Verona
presentano:
CANTO DI NATALE di Charles Dickens
Reading musicale in chiave blues
Musiche di repertorio jazz e blues a cura di Big Band Ritmo Sinfonica Città di Verona
Direttore d’orchestra Marco Pasetto
Regia Roberto Totola
Attori:
Roberto Totola e Marina Furlani
Dickens affronta ne “Il Canto di Natale” tematiche sociali, mettendo in discussione il rapporto tra le classi sociali, il lavoro minorile in fabbrica (che lui stesso aveva dovuto sopportare, perché costretto dal padre), la povertà.
Da questo presupposto è nata l'idea di sonorizzare in chiave blues e jazz il racconto. Il canto afroamericano ben si collega alle atmosfere affascinanti e misteriose del racconto di Dickens. Nello spettacolo le varie sonorità del racconto si dipanano per mezzo del multiforme universo del blues strumentale. Le parole e la musica diventano un tutt’uno.
La mostra – la più ampia ed articolata antologica degli ultimi decenni di uno tra i più imprevedibili e multiformi artisti nel campo della fotografia – offre un panorama dettagliato ed esauriente del percorso di Nino Migliori, in più di 60 anni di ricerca sulla fotografia, della fotografia, con la fotografia.
Oltre 300 opere esposte a Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni per raccontare l’opera dell’autore, a cui si aggiungono 9 installazioni, 2 delle quali a Casa Saraceni e Palazzo Pepoli Museo della Storia di Bologna.
Mostra promossa da Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna
in collaborazione con l'Archivio Nino Migliori
18 gennaio - 28 aprile 2013
Palazzo Fava Palazzo delle Esposizioni
Genus Bononiae Musei nella Città
Bologna
foto Paolo Righi
■ Feu D'artifice de Clôture de MP2013 par le Groupe F, Marseille (13) 2013, FRA
■ Le 31 Décembre 2013.
Le Groupe F, créateur de lumières de feu et d’images propose une œuvre multiforme, au carrefour du Land Art, de la performance pyrotechnique et du théâtre à ciel ouvert. Mêlant l’eau et le feu, musiques et récits, les Révélations prennent la forme d’une saga épique dont les épisodes parcourent les eaux du territoire Marseille Provence.
Pour clôturer cette année Capitale en beauté, le dernier épisode se déroulera sur le légendaire Vieux Port de Marseille. Projections monumentales, acteurs de lumière, pyrotechnie sur bateaux, tarasque de feu, son…
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Another shot of the train with 68001 with the windmill once again the focal point. This was what I was looking to achieve as the train was going away. I used the multiform mode and picked the most suitable.
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foto Paolo Righi
"Purpurina, gibré, acuarelas de colores, base blanca y un delineador de punta finita que maneja con la habilidad de un cirujano. Dos horas le llevó a Cristina Rojas terminar de convertir su rostro y el de sus 12 compañeros de fiesta en el complemento perfecto de esos trajes extraviados y multiformes con los que La Tunga Tunga se presenta en sociedad.(...)"
+ vos.lavoz.com.ar/folclore/conoce-la-tunga-tunga-una-murga...
Overlooking one portion of the marshes of Glynn - woodpecker heaven is steps away. Anna-O and Momma-O. This is the year of the bandanna.
When we first started doing these reunions we had no A/C in the car for the 5-hour drive from Atlanta or the 12-hour drive from Philly to St. Simons Island.
There was an almost indescribable change in emotion when you reached a magical demarcation line nearing the Marshes of Glynn – the smell of the verdant marsh was overwhelming. The aroma melted cares away. You knew you had reached vacation heaven.
Later, when we could afford A/C cars (when everyone could afford A/C), we would shut off the A/C and open the windows miles before reaching the bridge to St. Simons just so we could experience the euphoria of the first whiff of the marsh aroma. (Kids coined the phrase SDV for the phenomenon of folks tooling through life in “Sensory Deprivation Vehicles” like big Caddies with the windows up.
ourworld.compuserve.com/homepages/webspinner/GLYNN.HTM
Glooms of the live-oaks, beautiful-braided and woven
With intricate shades of the vines that myriad-cloven
° Clamber the forks of the multiform boughs,--
° Emerald twilights,--
Virginal shy lights,
Wrought of the leaves to allure to the whisper of vows,
When lovers pace timidly down through the green colonnades
Of the dim sweet woods, of the dear dark woods,
° Of the heavenly woods and glades,
That run to the radiant marginal sand-beach within
°The wide sea-marshes of Glynn;--
Raffaele Ariante è pittore che segue una sua personalissima ricerca. Anche in questa serie dei 33 Crocefissi, la rappresentazione della Croce assume tratti originali. Ogni naturalistico segno della Passione, viene lasciato cadere: sul corpo di Gesù non c’è traccia dell’agonia, il volto appare coperto, e il legno della Croce cancellato. Solo l’uso di qualche colore, come un rosso vivo che fa da sfondo, ricorda il dramma. Il movimento del corpo, e le braccia aperte come ali, fanno cenno all’inizio di un volo, ad una riconquistata leggerezza. E’ come se il pittore volesse rappresentare l’ascesa di Gesù al cielo fin dalla Croce: immaginare la liberazione dallo spirito di gravità di questo mondo come un compimento che non cancella la sofferenza patita, ma la oltrepassa, la trasfigura ed accoglie nella Luce chiara dei Cieli. E’ la potenza della Vita sulla morte che Ariante vuole rappresentare. In tempi in cui l’orrore e il terrore tornano ancora a lacerare le nostre esistenze, Ariante mette in scena l’icona che più di ogni altra nella nostra cultura rappresenta la sofferenza e la morte, per far esplodere in, e da, essa la vita. E all’oscena esibizione dei corpi straziati e alle vene gonfie di veleno – e non di esistenza, per parafrasare Rilke – del nostro tempo, reagiscono questi Crocefissi, mostrando come non si possa cancellare la possibilità della Gioia. L’energia che anima le figure rappresentate in questa serie, è radicata non in un disincarnato spiritualismo ma nella riappropriazione della bellezza, della forza e della ricchezza del multiforme spettacolo del creato che incanta i nostri sensi. Ma forse Ariante, con i suoi Crocefissi, si volge anche contro un cristianesimo che indulga troppo sulla mortificazione del corpo, che sia pietistico e cupo; o, ancor di più radicalmente, il suo Gesù appare, oltre ogni vincolo religioso, nient’altro che il simbolo dell’uomo liberato? Sono le domande che queste rappresentazioni sollecitano: può la natura umana, riconciliata con se stessa, con la nobiltà della sua anima, essere capace di vita vera? O la letizia accade, invece, solo per Grazia, lì dove l’uomo fa esodo da sé, dall’orgoglio smisurato e dal male che sono inscritti nel profondo del suo cuore, dove si affida a ciò che è più Alto di lui?
Nicola Magliulo
Filosofo
“La serie dei 33 Crocefissi”
Raffaele Ariante e un pittore poeta. Tutta la sua produzione è caratterizzata da una certa “trasfigurazione”per cui richiama a riflettere, ad interrogarsi. A mio parere la serie dei 33 Crocefissi ne è una chiara documentazione: la diversità dei coloro, degli atteggiamenti imprime un dinamismo particolare. Il Crocefisso sembra venirti incontro, come un fratello indifeso, a braccia aperte per l’accoglienza senza riserve. Il messaggio si rivela chiaro: il dono di sé da senso alla vita perché la trasmette o lo offre, suscitandone l’amore. Francesco d’Assisi tutto ha imparato dal Crocefisso tanto da farsi cantico lui stesso di Dio, dell’uomo fratello e d’ogni creatura. In Lui, si è fatto speranza di pace.
P.Vincenzo Coli
Custode della Patriarcale Basilica del Sacro Convento di San Francesco d’Assisi