View allAll Photos Tagged sacral
I am the river of remembering.
Where emotion births form,
and desire dances into being.
Here, in the sweet ache of longing,
you are never alone.
Alara
The Depth of the Root Chakra, and how it goes deep, not only down, but lengthwise, constituting all of our soil - todo nuestro suelo, dado que todo el suelo que pisamos, lo constituye;
black, as the soil of the Earth, and Lengthwise, supporting all the Others with its Width;
the Sacral or Womb Chakra, all the sex organs being bathed by the Aquatic Element of Sex, and Pleasure: The Liquids of Life - Blood, for Women, Sperm, for Men, coming from this area, it is very truthful to give this Chakra the Water Element. Pleasure is Moving. Life comes from Water (like the Matricial Waters of the Womb), and Water - also - comes from Life, in the sense of: all that you authorize yourself to feel - begins to constitute - your Ocean, the Ocean in which you swim. What gives you pleasure, in Life; what you make out of pleasure, constitutes your Ocean, and that Ocean, the ocean of the Deep Placer de Existir, the Ocean of the Deep, is where we live.
Hence the blue, sky blue, watery blue of the cushion that is here representing it.
Finally, the Fire Chakra, the Solar Plexus one, here represented by the Shamanic Drum, done with Goat Skin and Real, Woven Wood. The Power that emanates from it - Masculine, Fiery, and yet even dark: even capable of taking you to darkness: capable of taking you to another world.
The Solar Plexus Chakra represents your possibility of carrying out things. The power of your will when it ignites, not with psychology or with willpower (as workplace psychologists wants us to believe), but when it ignites with the Will that Something Happens, that is a Will that Transcends Yourself and that Comes From Another World. All like the Spirits one sees in a Shamanic Trance come from another world.
"La volonté ne favorise en rien une réussite heureuse": Psychological Will does not assure a good outcome.
But Ignition, Deep and True, Burning, in Your Belly, the WANT of doing something and then REALIZING you have the POWER TO DO IT, that, is Power. That is Power.
Eso es Poder.
---
And, the most ironic of it all, is that I arranged the physical, mandala representation of the chakras with this objects as they came sous ma main: it wasn't planned. Talking about what was I saying, about planning! - Planning Assures Nothing.
Just DOING, Does.
... So, I lifted the objects there were there, in my room, and started to constitute a line that would represent the chakras, along the spine - spine represented by the yoga mat, with its verticality and its reasonably wide but still not too wide width.
Model and photographer - Bodza Blackadder (Bodza Mubble)
Stock: Background, Leaves, Butterflies, Fan
Basilica of St Aegidius, church with the largest number (11) Gothic altars in Europe, in their original setting, UNESCO´s World Heritage site
Bardejov, north-eastern Slovakia
for educational purpose only
please do not use without permission
AMDG
Galleria d'arte Mirada
Via Mazzini n.83, Ravenna
Dal 22 dicembre 2006 al 14 gennaio 2007
L'apertura della nuova sede dell'ufficio giovani artisti in via Mazzini 83 a Ravenna ha costituito di certo un salto di qualità nella promozione dell'arte giovane in città. La creazione di uno spazio espositivo in pieno centro, in una strada che potrebbe diventare grazie alla presenza di ben quattro luoghi espositivi dedicati ai collezionisti d'arte, la via artistica della nostra città, è un ulteriore passo per valorizzare la vocazione culturale di Ravenna.
La mostra dell'artista ravennate Sara Guberti, che inaugura il 22 dicembre alle 18 , costituisce il primo appuntamento volto a presentare i migliori artisti vincitori e selezionati dal concorso RAM nei suoi anni di attività. L'artista è stata difatti selezionata nella prima edizione del concorso giovani artisti del Comune di Ravenna nel 1999.
Nata nel 1971, si è ugualmente dedicata in questi anni di attività artistica sia al mosaico che alla pittura. Per la visionarietà delle sue creazioni e grazie anche al substrato di ricerca quasi mistica sui materiali, ha collaborato con le compagnie Fanny e Alexander e Teatrino Clandestino nella realizzazione di scenografie teatrali.
Ma il suo lavoro indubbiamente più importante è l'opera eseguita negli ultimi anni per la Sacred World Foundation di New Delhi, ovvero il Time Line Mural per il Gandhi Multimedia Museum. Per la medesima istituzione pubblica indiana ha inoltre eseguito due mosaici sull'iconizzazione di Gandhi, realizzati per il museo itinerante.
Si tratta di due importantissime commissioni per uno dei più grandi Paesi asiatici e del mondo, al quale l'artista ravennate è fortemente legata: la sua ricerca pittorica e visiva, della quale presenterà un saggio nella mostra in Galleria Mirada, trae spunto dai numerosi viaggi da lei compiuti in questo Paese. Il progetto pittorico, la cui analisi è affidata alla critica d'arte Sabina Ghinassi , è la naturale continuazione del tema con il quale si è diplomata all'Accademia d'Arte di Bologna con Concetto Pozzati, ovvero la ripetitività della preghiera e la condensazione del suono in simbolo visivo. Affrancata da qualsiasi aura catechizzatrice, la pittrice Guberti ricerca l'unitarietà, i punti di incontro e gli incroci tra le forme di credo maggiormente seguite nel mondo (Cristianesimo, Islam, Ebraismo, Induismo...), affidandosi nella ricerca di materiali simbolici alla guida dei maestri spirituali delle varie confessioni e agli artigiani locali. L'attenta valutazione e scelta dei materiali, tratti da sostanze naturali e da colorazioni tradizionali, rendono i quadri di notevole impatto visivo e particolarmente suggestivi.
Una ricerca artistica che acquista un significato particolare in un momento di crisi e profonda lacerazione quale quella attuale, in cui sembrano prevalere le differenze e non le somiglianze: un modo intenso per interpretare le ricorrenze festive.
Sara Guberti
Opere Recenti
La presenza del Sacro nell'arte attuale si manifesta più attraverso un'assenza o, a volte una nostalgia, che attraverso un'immanenza o un palesamento. Nella sua ricognizione dell'essere umano contemporaneo la comunicazione artistica registra le cifre più intime di una crisi che con un respiro più ampio e definito segna il culmine della secolarizzazione contemporanea. Questo avviene soprattutto in Occidente, dove, al di là di richiami all'ordine e a radici cristiane, ciò che resta è una confusa, dogmatica e banalizzata religione da mass media, che siede in prima fila, banalmente, nel salotto televisivo di turno. Per questo appare un po' controcorrente la scelta poetica di un'artista come Sara Guberti, che sceglie deliberatamente per la sua pittura un'indagine iconografica sulla sacralità, nella quale, grazie ad uno sguardo che annulla le distanze, si percepisce un approccio sincretico, altamente simbolico e, in ultima analisi, assai " religioso". Se con religioso intendiamo la vera accezione, cioè qualcosa che evoca il carattere sacro, cioè la potenza, ed insieme lo scrupolo e la separazione, la profondità.
Per cui Sara, già forte di trascorsi pittorici arcaicizzanti, si è orientata sul filo di una fascinazione tutta personale sulle orme dei miti, dei simboli e delle leggende che collegano ad un'unica radice Oriente ed Occidente: le Madonne nere, oggetto di culti molto diffusi anche nella nostra Europa informatizzata.
"Nigra sum sed formosa" diceva la Sposa del Cantico dei Cantici, il meraviglioso poema sacrale-erotico dell'antichità cristiana, e sulla nigritudo della Madonna si è, nel corso dei secoli steso ufficialmente un velo iconografico, interrotto soltanto dalla devozione alle centinaia(solo in Italia ci sono più di quaranta Santuari) di Madonne Nere sparse per l'Europa.
Sara con le sue ultime opere parte di qui, da un'immagine che si ricollega al mito femminile della Grande Madre Terra, passando dalle stratificazioni che uniscono in una sola immagine Iside, Kali, Ishtar, Cibele, Maria, contaminando di nessi simbolici le varie iconografie: le stelle e il manto azzurro di Iside Faria che passano in Maria Stella Maris, e il bimbo in braccio, Horus-Gesù, Kali che unisce l'aspetto sanguinario di purificatrice a quello di fecondità e insieme Cibele, l'altra Dea nera, dolcissima e crudele.
Così la sua pittura racconta questa avventura interiore, fatta di curiosità, di affetto, sentimentale forse, avventura che racconta un eterno femminino Porta d'Oriente e insieme d'Occidente, filo invisibile che riannoda il sangue ed il passato, che permette di individuare e fors'anche raccontare il presente.
Così insieme alle Marie Nere si aprono la strada altre immagini che allo stesso modo delle precedenti si contaminano ed arrivano a comprendere i segni dei quattro evangelisti, raccolti da un bassorilievo medievale o da un incisore indiano: buoi, leoni, aquile, agnelli.
Sara usa timbri che fa costruire appositamente da artigiani su suo progetto. E intende la sua pittura come una sorta di tatuaggio sulla pelle della tela che, se da una parte evoca l'astrazione del rituale, dall'altra si apre alla fisicità corporea, ad una materia cromatica che non è rarefatta, ma carnea, luminosa e preziosa.
Una materia fatta di terra insomma, di immancabile e seduttiva assenza di rigore.
E nel far questo la sua deliberata serialità scandisce un ritmo ed evoca il suono ipnotico di una preghiera.
"Il timbro sta alla visione come il mantra sta al suono", spiega l'artista.
E se la sua operazione di partenza si pone in un'ottica concettuale di ripetizione, il punto di arrivo disegna un'affascinante imperfezione, nella delicata e amorosa sbavatura sulla superficie pittorica, animata da un gesto fluido e percorsa da grafie e arabeschi: una parola ripetuta che contiene le impercettibili modificazioni del respiro, le pause, le sospensioni, i sussurri e li traduce per lo sguardo.
Ogni immagine così diventa diversa da quella precedenti, esattamente come ogni istante è diverso da quello che l'ha preceduto: non basta il profilo a segnare una definizione che forse esiste solo per essere superata, oltrepassata gentilmente.
La sua è una metodologia formale che acquista una valenza tutta interiore e diventa altro da sé, diventa un rosario cristiano, un Japa Mala induista, un Misbaha musulmano di visioni che si rincorrono in echi sempre differenti, raccolti da un gesto che da pittorico si fa affettivo e svela, dolcemente, il sentimento e la vastità bellissima del nostro mondo.
Sabina Ghinassi
Ravenna, dicembre
In December, my mom was diagnosed with a large Tarlov Cyst in her sacral spine. The cyst makes it difficult for her to stand for long periods of time and she has to use a wheelchair if we go out for a long time. Not much is known about Tarlov Cysts and this makes it hard for my mom to find the doctors and treatments that can help her. She still tries to put a smile on her face and do fun things with us, even though it is painful for her to do so.
Slovak early Baroque Franciscan monastic church dating back to the late 14th century. Currently the only dual-towered Franciscan church in Slovakia.
The site of the Church of St. Joseph has been sacred for centuries. Originally, a Gothic church dedicated to the Holy Trinity occupied this location. In 1380, the Carmelite brothers constructed a new church, maintaining the dedication to the Holy Trinity. However, during the Reformation, the Carmelites departed, and the church fell under municipal control, serving various secular purposes.
In 1661, Emperor Leopold I granted the church and its accompanying monastery to the Franciscan brothers, marking a new chapter in its history. Despite resistance from the Protestant city council, the Franciscans took possession in 1671, thanks to the intervention of royal forces. This marked the beginning of a significant transformation, supported by local nobility, including Baron František Klobušický.
The Church of St. Joseph underwent extensive reconstruction from 1708 to 1718, led by the Košice builder Ján Tornyossi. The renovations were heavily inspired by the Jesuit Church of the Gesù in Rome, introducing Baroque elements that replaced the original Gothic features. The façade, adorned with stucco ornaments and sculptures by Šimon Griming, presents an impressive display of Baroque artistry.
Inside, the church boasts a stunning altar dedicated to the Holy Family, crafted by František Strecius. This masterpiece features over 40 sculptures, including depictions of the 12-year-old Jesus, the Virgin Mary, and Saint Joseph. Although the original altar was lost to a fire in 1870, it was replaced by an illusionistic oil painting by the Franciscan artist Konrád Švestka, capturing the essence of the lost masterpiece.
www.mycityhunt.com/cities/presov-sk-10488/poi/church-of-s...
Reportage.
Luogo: Cossoine.
Questa è la prima parte del reportage. A breve posterò le altre foto.
Le immagini che inserirò sono sconsigliate a chi è vegetariano e a chi ha lo stomaco debole.
L'uccisione del maiale è un rito antico, quasi sacrale, dove il rosso del sangue si mischia a quello del vino.
a panel painting from the former high altar at Okoličné, Liptov county, Slovakia
property of the East Slovak Museum in Košice
The master´s quality is manifested through the depiction of faces, introspective,
full of dignity and melancholic lyrism that is enhanced with a delicate sfumato.
for educational purpose only
please do not use without permission
La Parisienne also known as the Minoan Lady, is part of the Camp Stool Fresco, which was probably painted on the wall of the Sanctuary Hall on the Piano Nobile at the palace of Knossos. The sacral knot worn at the back of the neck seems to indicate that she is a priestess or even a goddess. The archaeological research in Minoan palaces, cemeteries and settlements has brought to light a multitude of objects related to beautification.
It seems that there were beautification areas in the palaces of Knossos, Zakros and Pylos. These beauty objects were used during the whole Aegean Bronze Age. By using these objects, the Minoan ladies highlighted the red lips and the white of the face. In the fresco of the Parisienne, the use of the black colour for emphasizing the form of the eyes and red for the lips can clearly be seen.
It dates to the Final Palatial Period, ca. 1450-1350/1300 B.C.
From:
en.wikipedia.org/wiki/La_Parisienne_(fresco)
(The link is not working unless copying and pasting)
List of Aegean fresco's:
en.wikipedia.org/wiki/List_of_Aegean_frescos
Fragment from the Camp-Stool Fresco of a woman who seemed to the archaeologists to resemble a late 19th-century Parisian woman.
~
Overview of rooms in the museum:
The museum, as it is now, is completely renewed. Old information about rooms and their numbers are still not updated, not even in Wikipedia. They mention twenty rooms, and their names, but there are 27 rooms, XXVII
Maybe wiki will update their page soon, as it is in October 2015, it is not updated.
en.wikipedia.org/wiki/Heraklion_Archaeological_Museum
~
This serial of photos offers an impression of details of the collection with Minoan Art, belonging to the Palace of Knossos. the Archaeological Museum in Heraklion has been completely renewed. Lots of amazing information can be read next to art objects.
It is not allowed to use flash when making photos. This, and the many visitors made it hardly possible to make really sharp photos in some seconds.
My camera is a rather cheap one and creates curved lines.
Some photos are not sharp, but I kept them anyway.
Altogether it has been a deeply impressing visit, moving, deeply moving because of the mystical, spiritual, mental and emotional depth of the Art.
The Minoans were utterly creative.
Their art is comparable with our modern art. Their use of colors makes the art characteristic: pastel colors (modest in pigmentation), terra colors, with blue, green and ochre.
Often I edited the photos in several ways. Or cropped them, to attract the attention for details.
Enjoy the collection of photos. If you want to read more about the Minoans:
Galleria d'arte Mirada
Via Mazzini n.83, Ravenna
Dal 22 dicembre 2006 al 14 gennaio 2007
L'apertura della nuova sede dell'ufficio giovani artisti in via Mazzini 83 a Ravenna ha costituito di certo un salto di qualità nella promozione dell'arte giovane in città. La creazione di uno spazio espositivo in pieno centro, in una strada che potrebbe diventare grazie alla presenza di ben quattro luoghi espositivi dedicati ai collezionisti d'arte, la via artistica della nostra città, è un ulteriore passo per valorizzare la vocazione culturale di Ravenna.
La mostra dell'artista ravennate Sara Guberti, che inaugura il 22 dicembre alle 18 , costituisce il primo appuntamento volto a presentare i migliori artisti vincitori e selezionati dal concorso RAM nei suoi anni di attività. L'artista è stata difatti selezionata nella prima edizione del concorso giovani artisti del Comune di Ravenna nel 1999.
Nata nel 1971, si è ugualmente dedicata in questi anni di attività artistica sia al mosaico che alla pittura. Per la visionarietà delle sue creazioni e grazie anche al substrato di ricerca quasi mistica sui materiali, ha collaborato con le compagnie Fanny e Alexander e Teatrino Clandestino nella realizzazione di scenografie teatrali.
Ma il suo lavoro indubbiamente più importante è l'opera eseguita negli ultimi anni per la Sacred World Foundation di New Delhi, ovvero il Time Line Mural per il Gandhi Multimedia Museum. Per la medesima istituzione pubblica indiana ha inoltre eseguito due mosaici sull'iconizzazione di Gandhi, realizzati per il museo itinerante.
Si tratta di due importantissime commissioni per uno dei più grandi Paesi asiatici e del mondo, al quale l'artista ravennate è fortemente legata: la sua ricerca pittorica e visiva, della quale presenterà un saggio nella mostra in Galleria Mirada, trae spunto dai numerosi viaggi da lei compiuti in questo Paese. Il progetto pittorico, la cui analisi è affidata alla critica d'arte Sabina Ghinassi , è la naturale continuazione del tema con il quale si è diplomata all'Accademia d'Arte di Bologna con Concetto Pozzati, ovvero la ripetitività della preghiera e la condensazione del suono in simbolo visivo. Affrancata da qualsiasi aura catechizzatrice, la pittrice Guberti ricerca l'unitarietà, i punti di incontro e gli incroci tra le forme di credo maggiormente seguite nel mondo (Cristianesimo, Islam, Ebraismo, Induismo...), affidandosi nella ricerca di materiali simbolici alla guida dei maestri spirituali delle varie confessioni e agli artigiani locali. L'attenta valutazione e scelta dei materiali, tratti da sostanze naturali e da colorazioni tradizionali, rendono i quadri di notevole impatto visivo e particolarmente suggestivi.
Una ricerca artistica che acquista un significato particolare in un momento di crisi e profonda lacerazione quale quella attuale, in cui sembrano prevalere le differenze e non le somiglianze: un modo intenso per interpretare le ricorrenze festive.
Sara Guberti
Opere Recenti
La presenza del Sacro nell'arte attuale si manifesta più attraverso un'assenza o, a volte una nostalgia, che attraverso un'immanenza o un palesamento. Nella sua ricognizione dell'essere umano contemporaneo la comunicazione artistica registra le cifre più intime di una crisi che con un respiro più ampio e definito segna il culmine della secolarizzazione contemporanea. Questo avviene soprattutto in Occidente, dove, al di là di richiami all'ordine e a radici cristiane, ciò che resta è una confusa, dogmatica e banalizzata religione da mass media, che siede in prima fila, banalmente, nel salotto televisivo di turno. Per questo appare un po' controcorrente la scelta poetica di un'artista come Sara Guberti, che sceglie deliberatamente per la sua pittura un'indagine iconografica sulla sacralità, nella quale, grazie ad uno sguardo che annulla le distanze, si percepisce un approccio sincretico, altamente simbolico e, in ultima analisi, assai " religioso". Se con religioso intendiamo la vera accezione, cioè qualcosa che evoca il carattere sacro, cioè la potenza, ed insieme lo scrupolo e la separazione, la profondità.
Per cui Sara, già forte di trascorsi pittorici arcaicizzanti, si è orientata sul filo di una fascinazione tutta personale sulle orme dei miti, dei simboli e delle leggende che collegano ad un'unica radice Oriente ed Occidente: le Madonne nere, oggetto di culti molto diffusi anche nella nostra Europa informatizzata.
"Nigra sum sed formosa" diceva la Sposa del Cantico dei Cantici, il meraviglioso poema sacrale-erotico dell'antichità cristiana, e sulla nigritudo della Madonna si è, nel corso dei secoli steso ufficialmente un velo iconografico, interrotto soltanto dalla devozione alle centinaia(solo in Italia ci sono più di quaranta Santuari) di Madonne Nere sparse per l'Europa.
Sara con le sue ultime opere parte di qui, da un'immagine che si ricollega al mito femminile della Grande Madre Terra, passando dalle stratificazioni che uniscono in una sola immagine Iside, Kali, Ishtar, Cibele, Maria, contaminando di nessi simbolici le varie iconografie: le stelle e il manto azzurro di Iside Faria che passano in Maria Stella Maris, e il bimbo in braccio, Horus-Gesù, Kali che unisce l'aspetto sanguinario di purificatrice a quello di fecondità e insieme Cibele, l'altra Dea nera, dolcissima e crudele.
Così la sua pittura racconta questa avventura interiore, fatta di curiosità, di affetto, sentimentale forse, avventura che racconta un eterno femminino Porta d'Oriente e insieme d'Occidente, filo invisibile che riannoda il sangue ed il passato, che permette di individuare e fors'anche raccontare il presente.
Così insieme alle Marie Nere si aprono la strada altre immagini che allo stesso modo delle precedenti si contaminano ed arrivano a comprendere i segni dei quattro evangelisti, raccolti da un bassorilievo medievale o da un incisore indiano: buoi, leoni, aquile, agnelli.
Sara usa timbri che fa costruire appositamente da artigiani su suo progetto. E intende la sua pittura come una sorta di tatuaggio sulla pelle della tela che, se da una parte evoca l'astrazione del rituale, dall'altra si apre alla fisicità corporea, ad una materia cromatica che non è rarefatta, ma carnea, luminosa e preziosa.
Una materia fatta di terra insomma, di immancabile e seduttiva assenza di rigore.
E nel far questo la sua deliberata serialità scandisce un ritmo ed evoca il suono ipnotico di una preghiera.
"Il timbro sta alla visione come il mantra sta al suono", spiega l'artista.
E se la sua operazione di partenza si pone in un'ottica concettuale di ripetizione, il punto di arrivo disegna un'affascinante imperfezione, nella delicata e amorosa sbavatura sulla superficie pittorica, animata da un gesto fluido e percorsa da grafie e arabeschi: una parola ripetuta che contiene le impercettibili modificazioni del respiro, le pause, le sospensioni, i sussurri e li traduce per lo sguardo.
Ogni immagine così diventa diversa da quella precedenti, esattamente come ogni istante è diverso da quello che l'ha preceduto: non basta il profilo a segnare una definizione che forse esiste solo per essere superata, oltrepassata gentilmente.
La sua è una metodologia formale che acquista una valenza tutta interiore e diventa altro da sé, diventa un rosario cristiano, un Japa Mala induista, un Misbaha musulmano di visioni che si rincorrono in echi sempre differenti, raccolti da un gesto che da pittorico si fa affettivo e svela, dolcemente, il sentimento e la vastità bellissima del nostro mondo.
Sabina Ghinassi
Ravenna, dicembre
The former Franciscan monastery church St. Anna's in Kamenz (Germany) consecrated in 1493 now hosts a museum for sacral art exhibits.
Pieta, stone, c 1400, sculptor from Bratislava or Vienna
mourning angels, mid-18th century, ascribed to Ľudovít Gode
for educational purpose only
please do not use without permission
AMDG
The construction of the church in Kyjatice dates back to the end of the 13th or the beginning of the 14th century. Like the surrounding villages, Kyjatice adopted ideas of the Reformation: we know the names of evangelical pastors working here since the 1620s. With a short break during the re-Catholicization, the Kyjatice Church has always been and still is Lutheran. This originally fortified Romanesque-Gothic single-nave church with a square chancel, an eastern tower and a northern sacristy, hides rare murals. The fresco decoration of the church comes from two stages – from the end of the 14th (chancel, triumphal arch) and the first half of the 15th century (north wall of the nave).
After the adoption of the Reformation, the murals were whitewashed, but discovered in 1894 (by István Groh) and repainted. Their discovery and restoration took place in the 1980s, when a comprehensive research of the church took place. We find scenes of apostles, several saints and prophets in medallions, the figures of wise and obscure virgins on the triumphal arch lining. On the triumphal arch, we find scenes from the life of Christ – the kiss of Judas, Christ before Pilate, Carrying the Cross, the Crucifixion and Lamentation of Christ (Pietà). The nave is dominated on the northern wall by a unique depiction of the Last Judgment in the form of a large circle, centered on Jesus in the almond tree. On the fresco, Jesus judges the living and the dead, rising from the graves, and dividing them into righteous and condemned. The nine fields of the circle represent the onset of nine distinctive angelic choirs and crowds of the victorious church. The painting is reminiscent of illustrations in the manuscripts of St. Hildegard of Bingen. The painting is dated to the year 1486. In addition to frescoes, the Gothic is also represented by a southern late Gothic portal and doors and a simple portal to the sacristy. The wooden coffered ceiling with Renaissance floral ornaments dates from 1637, from the times when the church was used by the Lutherans (similar to other wooden furniture – the western tribune or the so called patronage bench). On the ceiling, there are also the names of the masters: Lazar Galko and Jakub Stephanik, the mayor. The simple stone baptismal font is probably from the 13th century. The Renaissance altar from 1678 fills the entire façade of the chancel. The sculptures of the three apostles have a central position, with Jesus Christ and two angels in the extension. The richly carved wooden baroque pulpit dates from the first third of the 18th century.
Reportage.
Luogo: Cossoine.
Le immagini che inserirò sono sconsigliate a chi è vegetariano e a chi ha lo stomaco debole.
L'uccisione del maiale è un rito antico, quasi sacrale, dove il rosso del sangue si mischia a quello del vino.
The construction of the church in Kyjatice dates back to the end of the 13th or the beginning of the 14th century. Like the surrounding villages, Kyjatice adopted ideas of the Reformation: we know the names of evangelical pastors working here since the 1620s. With a short break during the re-Catholicization, the Kyjatice Church has always been and still is Lutheran. This originally fortified Romanesque-Gothic single-nave church with a square chancel, an eastern tower and a northern sacristy, hides rare murals. The fresco decoration of the church comes from two stages – from the end of the 14th (chancel, triumphal arch) and the first half of the 15th century (north wall of the nave).
After the adoption of the Reformation, the murals were whitewashed, but discovered in 1894 (by István Groh) and repainted. Their discovery and restoration took place in the 1980s, when a comprehensive research of the church took place. We find scenes of apostles, several saints and prophets in medallions, the figures of wise and obscure virgins on the triumphal arch lining. On the triumphal arch, we find scenes from the life of Christ – the kiss of Judas, Christ before Pilate, Carrying the Cross, the Crucifixion and Lamentation of Christ (Pietà). The nave is dominated on the northern wall by a unique depiction of the Last Judgment in the form of a large circle, centered on Jesus in the almond tree. On the fresco, Jesus judges the living and the dead, rising from the graves, and dividing them into righteous and condemned. The nine fields of the circle represent the onset of nine distinctive angelic choirs and crowds of the victorious church. The painting is reminiscent of illustrations in the manuscripts of St. Hildegard of Bingen. The painting is dated to the year 1486. In addition to frescoes, the Gothic is also represented by a southern late Gothic portal and doors and a simple portal to the sacristy. The wooden coffered ceiling with Renaissance floral ornaments dates from 1637, from the times when the church was used by the Lutherans (similar to other wooden furniture – the western tribune or the so called patronage bench). On the ceiling, there are also the names of the masters: Lazar Galko and Jakub Stephanik, the mayor. The simple stone baptismal font is probably from the 13th century. The Renaissance altar from 1678 fills the entire façade of the chancel. The sculptures of the three apostles have a central position, with Jesus Christ and two angels in the extension. The richly carved wooden baroque pulpit dates from the first third of the 18th century.
Reportage.
Luogo: Cossoine.
Le immagini sono sconsigliate a chi è vegetariano e a chi ha lo stomaco debole.
L'uccisione del maiale è un rito antico, quasi sacrale, dove il rosso del sangue si mischia a quello del vino.
brocade, gold and silver threads
provenance: St Elizabeth Cathedral, Košice, Slovakia
location: East Slovak Museum, Košice
for educational purpose only
please do not use without permission
Май 2019 год.
Керчь, Республика Крым, Россия.
Камера - Nikon D5100
Объектив - Nikon 18-105mm f/3.5-5.6G ED VR AF-S DX Nikkor
property of the Archdiocesan Museum in Krakow, Poland
provenance: Raclawice Olkuskie, Lesser Poland (Malopolska region)
for educational purpose only
please do not use without permission
AMDG
Rimavské Brezovo, like many other municipalities in the region, is associated with mining history. The originally early Gothic church, towering over the silhouette of low village houses, used to be dedicated to the Birth of the Virgin Mary before the Reformation. The name of the village was given according to the first written historical reference from the year 1334 as Brezou and, for some time, it was also the county seat of Malohont. The single-nave church was probably built in the first half of the 14th century with a square-ended chancel and a rib vault. Due to the population increase connected with the establishment of iron works facility in the village at the end of the 18th century, the church capacity was insufficient. Therefore, the largest reconstruction of the temple was undertaken in 1893. The original sacristy on the northern side was demolished, the entrance was walled and the nave was extended southwards. The older chancel thus lost its role and started to be used as a sitting space. Thanks to this reconstruction, medieval murals were found under layers of lime paint and their restoration was then devoted to I. Möller and I. Huszek. Unfortunately the work was not always done in the most sparing way. Quality interior paintings in the original Gothic section are probably the work of artists from the workshop of the Master of Ochtiná chancel. The most striking element is Christ in Glory, the figure of the blessing Christ in the shining circle with the Sun and the Moon, depicted in the eastern part of the vault. The winged lion and the golden-winged eagle on the sides symbolize the evangelists Mark and John. Opposite to them are an angel and a winged bull as Matthew and Luke. The Marian theme is elaborated in two bands around the perimeter of the entire chancel. The lower band of the northern wall belongs to the depiction of the Death of the Virgin Mary, above this composition we find a quite unique, for this region, Italian-Byzantine motif of the Assumption with the figure of Christ in the mandorla. A small child stands on his knees as the soul of the Virgin Mary, the whole scene is held by four stylized angels. Beneath the Marian cycle, the entire perimeter of the walls is painted with a template ornament, into which the strip of four-leaf-shaped medallions with heads of prophets is inserted. This part of the paintings appears to be the least affected by the re-paintings and is preserved in a very good condition and in the original colours. On the walls of the nave, due to various building modifications, the frescoes were preserved only in fragments. The most intact frescoes are on the southern part of the triumphal arch: the Christ in a mandorla, a blessing angel, or St. Bartholomew, who was skinned alive, he carries the skin on a stick. Remnants of the Christological Cycle, such as the Christ carrying the cross or the Crucifixion, were preserved on the northern wall of the nave. The southern wall was largely destroyed during the redevelopment. However, research has revealed a depiction of St. Anne as a madonna with a child in her arms, with women carrying gifts in baskets walking into her direction. They also carry young pigeons to prepare a traditional strengthening soup for the fresh mother. This scene is very likely utterly unique on the territory of Slovakia. Comprehensive restoration and research were carried out in successive stages from 2005 till 2019, and the original approximately 700-year-old paving in the chancel was a valuable discovery as well. The restoration of the chancel was awarded by the main prize of the Cultural monument of the year 2012, the artworks were renewed by M. Janšto and R. Boroš. The church logo symbolically depicts a fresco of a young maiden attacked by devils in the hell from the church nave
The construction of the church in Kyjatice dates back to the end of the 13th or the beginning of the 14th century. Like the surrounding villages, Kyjatice adopted ideas of the Reformation: we know the names of evangelical pastors working here since the 1620s. With a short break during the re-Catholicization, the Kyjatice Church has always been and still is Lutheran. This originally fortified Romanesque-Gothic single-nave church with a square chancel, an eastern tower and a northern sacristy, hides rare murals. The fresco decoration of the church comes from two stages – from the end of the 14th (chancel, triumphal arch) and the first half of the 15th century (north wall of the nave).
After the adoption of the Reformation, the murals were whitewashed, but discovered in 1894 (by István Groh) and repainted. Their discovery and restoration took place in the 1980s, when a comprehensive research of the church took place. We find scenes of apostles, several saints and prophets in medallions, the figures of wise and obscure virgins on the triumphal arch lining. On the triumphal arch, we find scenes from the life of Christ – the kiss of Judas, Christ before Pilate, Carrying the Cross, the Crucifixion and Lamentation of Christ (Pietà). The nave is dominated on the northern wall by a unique depiction of the Last Judgment in the form of a large circle, centered on Jesus in the almond tree. On the fresco, Jesus judges the living and the dead, rising from the graves, and dividing them into righteous and condemned. The nine fields of the circle represent the onset of nine distinctive angelic choirs and crowds of the victorious church. The painting is reminiscent of illustrations in the manuscripts of St. Hildegard of Bingen. The painting is dated to the year 1486. In addition to frescoes, the Gothic is also represented by a southern late Gothic portal and doors and a simple portal to the sacristy. The wooden coffered ceiling with Renaissance floral ornaments dates from 1637, from the times when the church was used by the Lutherans (similar to other wooden furniture – the western tribune or the so called patronage bench). On the ceiling, there are also the names of the masters: Lazar Galko and Jakub Stephanik, the mayor. The simple stone baptismal font is probably from the 13th century. The Renaissance altar from 1678 fills the entire façade of the chancel. The sculptures of the three apostles have a central position, with Jesus Christ and two angels in the extension. The richly carved wooden baroque pulpit dates from the first third of the 18th century.
a stabilizing stone with high energy. it activates the sacral chakra, increasing fertility and influencing female reproductive organs.