AMAZONAS (BRASIL)
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Plaza Gipuzkoa, Donostia, Guipúzcoa, España.
La Plaza Gipuzkoa, situada en el centro de la ciudad, es uno de los lugares más emblemáticos de la Bella Easo. Presidida por la escultura del compositor y pianista José María Usandizaga, también incluye un complejo templete meteorológico, una gran mesa horaria de mármol blanco y un enorme reloj construido con flores de variados colores.
Los jardines y caminos situados en el centro de la plaza son lugar de encuentro y descanso para los donostiarras, muchos de los cuales han crecido dando de comer a los patos que viven en su estanque.
Frente al parque se encuentra la sede de la Diputación Foral de Gipuzkoa desde 1885, un impresionante edificio de estilo neoclásico del arquitecto José de Goicoa que presenta los bustos de ilustres marineros guipuzcoanos en su fachada.
Por otro lado, durante todo el año, la plaza sirve de escenario para la celebración de diversos acontecimientos. En época estival, por ejemplo, se realizan las ferias del libro y se colocan atracciones infantiles. También es recomendable visitar el belén que se instala en fechas navideñas.
Plaza Gipuzkoa, located in the center of the city, is one of the most emblematic places of the Bella Easo. Presided by the sculpture of the composer and pianist José María Usandizaga, it also includes a complex meteorological temple, a large white marble hourglass table and a huge clock made of flowers of various colors.
The gardens and roads located in the center of the square are a place of meeting and rest for the people of San Sebastian, many of whom have grown up feeding the ducks that live in their pond.
Opposite the park is the seat of the Provincial Council of Gipuzkoa since 1885, an impressive neo-classical building by the architect José de Goicoa that presents the busts of illustrious Guipuzcoan sailors on its façade.
On the other hand, throughout the year, the square serves as a stage for the celebration of various events. In summer, for example, book fairs are held and children's attractions are placed. It is also advisable to visit the nativity scene that is installed on Christmas dates.
🇫🇷 Le Rollier d’Europe Coracias garrulus Son plumage turquoise azuré en fait l’un des oiseaux les plus colorés de notre continent. Grand migrateur, il traverse(6000 km.) chaque année le Sahara et la mer méditerranée depuis l’Afrique Australe pour venir nicher et élever ses jeunes sur notre continent,
Il s’installe à partir du mois de mai dans les contrées les plus chaudes d'Europe où il trouve la nourriture – suffisante. Il mesure une trentaine de centimètres de long pour 70 centimètres d’envergure.Depuis une branche morte, un fil électrique ou un piquet....., il chasse les gros insectes tels les sauterelles, cigales et les coléoptères.
🇬🇧 The European Roller Coracias garrulus Its azure turquoise plumage makes it one of the most colourful birds on our continent. A highly migratory bird, it crosses the Sahara and the Mediterranean Sea (6,000 km) every year from southern Africa to nest and raise its young on our continent,
From May onwards, it settles in the warmer parts of Europe where it finds sufficient food. It measures around thirty centimetres long with a wingspan of 70 centimetres and hunts large insects such as grasshoppers, cicadas and beetles from a dead branch, an electric wire or a stake......
🇩🇪 Die Blauracke Coracias garrulus Ihr türkisfarbenes, azurblaues Gefieder macht sie zu einem der farbenprächtigsten Vögel unseres Kontinents. Als großer Zugvogel überquert sie jedes Jahr (6000 km) die Sahara und das Mittelmeer vom südlichen Afrika aus, um auf unserem Kontinent zu nisten und ihre Jungen aufzuziehen,
Ab Mai lässt er sich in den wärmeren Gegenden Europas nieder, wo er ausreichend Nahrung findet. Er ist etwa 30 cm lang und hat eine Flügelspannweite von 70 cm. Von einem toten Ast, einem Draht oder einem Pfahl aus..... er große Insekten wie Heuschrecken, Zikaden und Käfer.
🇪🇸 La carraca europea Coracias garrulus Su plumaje azul turquesa la convierte en una de las aves más vistosas de nuestro continente. Ave altamente migratoria, atraviesa cada año el Sáhara y el Mediterráneo (6.000 km) desde el sur de África para anidar y criar en nuestro continente,
A partir de mayo, se instala en las zonas más cálidas de Europa, donde encuentra alimento suficiente. Mide unos treinta centímetros de largo y una envergadura de 70 centímetros y caza insectos grandes como saltamontes, cigarras y escarabajos en una rama muerta, un cable eléctrico o una estaca
🇮🇹 Il Rullo europeo Coracias garrulus Il suo piumaggio azzurro-turchese lo rende uno degli uccelli più colorati del nostro continente. Uccello altamente migratore, attraversa ogni anno il Sahara e il Mar Mediterraneo (6.000 km) dall'Africa meridionale per nidificare e allevare i suoi piccoli nel nostro continente,
Da maggio in poi si stabilisce nelle zone più calde dell'Europa, dove trova cibo a sufficienza. Misura circa trenta centimetri di lunghezza con un'apertura alare di 70 centimetri e caccia grossi insetti come cavallette, cicale e coleotteri da un ramo morto, da un filo elettrico o da un paletto......
A veces, una tarde cualquiera, la dulzura se instala en las palabras.
Miquel Martí i Pol
Pau Casals - El cant dels ocells
youtu.be/qKoX01170l0?si=nAmLw4dmhBujNt-r
»Ama la libertad, libre es el hombre
y su juez más severo es la conciencia;
tanto como tu honor guarda tu nombre,
pues mi nombre y mi honor forman tu herencia.»
Carlos Rivera - Otras Vidas
Plaza Gipuzkoa, Donostia, Guipúzcoa, España.
La Plaza Gipuzkoa, situada en el centro de la ciudad, es uno de los lugares más emblemáticos de la Bella Easo. Presidida por la escultura del compositor y pianista José María Usandizaga, también incluye un complejo templete meteorológico, una gran mesa horaria de mármol blanco y un enorme reloj construido con flores de variados colores.
Los jardines y caminos situados en el centro de la plaza son lugar de encuentro y descanso para los donostiarras, muchos de los cuales han crecido dando de comer a los patos que viven en su estanque.
Frente al parque se encuentra la sede de la Diputación Foral de Gipuzkoa desde 1885, un impresionante edificio de estilo neoclásico del arquitecto José de Goicoa que presenta los bustos de ilustres marineros guipuzcoanos en su fachada.
Por otro lado, durante todo el año, la plaza sirve de escenario para la celebración de diversos acontecimientos. En época estival, por ejemplo, se realizan las ferias del libro y se colocan atracciones infantiles. También es recomendable visitar el belén que se instala en fechas navideñas.
Plaza Gipuzkoa, located in the center of the city, is one of the most emblematic places of the Bella Easo. Presided by the sculpture of the composer and pianist José María Usandizaga, it also includes a complex meteorological temple, a large white marble hourglass table and a huge clock made of flowers of various colors.
The gardens and roads located in the center of the square are a place of meeting and rest for the people of San Sebastian, many of whom have grown up feeding the ducks that live in their pond.
Opposite the park is the seat of the Provincial Council of Gipuzkoa since 1885, an impressive neo-classical building by the architect José de Goicoa that presents the busts of illustrious Guipuzcoan sailors on its façade.
On the other hand, throughout the year, the square serves as a stage for the celebration of various events. In summer, for example, book fairs are held and children's attractions are placed. It is also advisable to visit the nativity scene that is installed on Christmas dates.
Torre Iberdrola, Bilbao, Vizcaya, País Vasco, España.
La Torre Iberdrola es un rascacielos de 165 metros de altura que empezó a construirse el 19 de marzo de 2007 en Bilbao, y su edificación se dio por finalizada en 2011. Su arquitecto es César Pelli y la inauguración oficial, presidida por el rey Juan Carlos I, fue el 21 de febrero de 2012. Es el noveno rascacielos más alto de España, así como el más alto del norte del país.
Su arquitecto es el argentino César Pelli, especializado en arquitectura vertical, y autor de las Torres Petronas de Kuala Lumpur (452 metros) o de la Torre de Cristal de Madrid (249,5 metros), la más alta de España.
La torre tiene 165 metros de altura repartidos en 41 plantas y 50.000 m², con forma de triángulo isósceles y con los lados ligeramente curvos. Se ubica en la parcela 204 del PERI de Abandoibarra, en el distrito de Abando, donde se encuentran la mayor parte de los edificios de oficinas de la villa.
La torre está dedicada enteramente a oficinas, ya que desde el 17 de octubre de 2008 ha variado el accionariado del edificio. Primeramente con la compra por parte de Iberdrola del 50% que poseía la empresa constructora Promotora Vizcaína, consiguiendo de esta manera el 100% del edificio, y posteriormente vendiendo un 33% a la caja de ahorros vizcaína BBK. De esta manera queda totalmente cancelado el proyecto de instalar un hotel de 4 estrellas de la cadena Abba en las seis primeras plantas del rascacielos. El resto del proyecto prosiguió sin cambios, con diez plantas en las que se instala la propia Iberdrola, y en las que establece su sede central, y el resto comercializándose como oficinas en régimen de alquiler.
El edificio se convirtió a finales del 2009 en el más alto de la ciudad, sobrepasando a la Torre Banco de Vizcaya de 88 metros de altura, así como también de su comunidad autónoma, sobrepasando a la Torre BEC de 98 metros.
Un helipuerto de 18 metros de diámetro, el primero ubicado en un edificio privado de Vizcaya, remata el edificio más alto del País Vasco, siendo utilizado únicamente para vuelos sanitarios o de emergencia.
The Iberdrola Tower is a 165-meter-high skyscraper whose construction began on March 19, 2007, in Bilbao, and was completed in 2011. Its architect is César Pelli, and the official inauguration, presided over by King Juan Carlos I, took place on February 21, 2012. It is the ninth tallest skyscraper in Spain, as well as the tallest in the north of the country.
Its architect is Argentine César Pelli, a specialist in vertical architecture, and the designer of the Petronas Towers in Kuala Lumpur (452 meters) and the Torre de Cristal in Madrid (249.5 meters), the tallest in Spain.
The tower is 165 meters tall, spread over 41 floors and 50,000 m², in the shape of an isosceles triangle with slightly curved sides. It is located on plot 204 of the Abandoibarra PERI (Rehabilitation and Renovation of the City of Abando), in the district of Abando, where most of the town's office buildings are located.
The tower is entirely dedicated to office use, as the building's ownership has changed since October 17, 2008. Initially, with Iberdrola's purchase of the 50% stake held by the construction company Promotora Vizcaína, thus obtaining 100% of the building, and subsequently selling 33% to the Biscayan savings bank BBK. Thus, the project to install a 4-star Abba hotel on the first six floors of the skyscraper was completely canceled. The remaining project continued unchanged, with ten floors housing Iberdrola itself and establishing its headquarters, and the remainder being marketed as rental offices.
At the end of 2009, the building became the tallest in the city, surpassing the 88-meter-high Banco de Vizcaya Tower, and also in the autonomous region, surpassing the 98-meter-high BEC Tower.
An 18-meter-diameter helipad, the first located in a private building in Vizcaya, completes the tallest building in the Basque Country, and is used solely for medical or emergency flights.
El desierto en Merzouga
La belleza de sus atardeceres son sobrenaturales. Contemplar y recorrer sus dunas, perderse bajo el cielo estrellado, dormir en una jaima. El Sáhara con sus contrastes y una cultura síntesis de lo africano y lo bereber. Las personas que lo pueblan, acostumbradas a vivir en una naturaleza adversa y en condiciones de vida que son de una dureza singular. El paisaje de las dunas se imprime en la retina, la actitud de la gente del desierto se instala en la mente. Conocer la historia, sus costumbres y estructura social y la forma de vida del fascinante pueblo saharaui, tambien conocido como los nómadas del desierto.
The desert in Merzouga
The beauty of its sunsets are of a supernatural beauty. Contemplate and explore its dunes, get lost under the starry sky, sleep in a tent. The Sahara with its contrasts and a synthesis culture of the African and the Berber. The people who populate it, accustomed to living in an adverse nature and in living conditions that are singularly harsh. The landscape of the dunes is imprinted on the retina, the attitude of the people of the desert settles in the mind. Learn about the history, its customs and social structure and the way of life of the fascinating Saharawi people, also known as the desert nomads.
Paseando por la feria de Mataderos encontré algunos bellos “personajes” gente que me parece interesante para fotografiar.
(La Feria de Mataderos, oficialmente Feria de las Artesanías y Tradiciones Populares Argentinas, se halla en el barrio de Mataderos de la ciudad de Buenos Aires, Argentina.
La misma posee unos 300 puestos en los que se venden comidas y artesanías gauchescas y todo tipo de productos artesanales argentinos de la zona pampeana mayormente.
Se encuentra en la recova del viejo mercado, siendo este sitio el núcleo de la feria que se instala usualmente los días domingos.)
Copyright © Derechos Reservados Marina Inamar, Argentina 2020.
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para informarse acerca de copias, permisos o inclusión en blogs.Gracias.
En promenant à la foire de Matadores, j'ai rencontré quelques beaux "personnages " qui m'ont semblé intéressants à photographier
(La Foire de Matadores officiellement Fête des Artisanats et Traditions Populaires Argentines , se trouve dans le quartier de Mataderos de la ville de Buenos Aires
Elle a également quelques 300 places où sont vendus nourriture , et des produits artisanaux argentins de la zone de la Pampa majoritairement
On la rencontre dans le vieux marché , celui-ci étant le noyau de la feria qui s'installe habituellement tous les dimanches )
Diaethria clymena
All my photos are copyrighted. Please do not use them for any purpose, including on blogs, without my express permission.
This butterfly is found in South America. On the upper side it is black with blue bands at the margins. The underside of the hind wing has a typical black-and-white pattern showing an "88" or "89". The underside of the forewing is red with black and white stripes near the tip.
This butterfly lives in wet tropical forests, where it lives on rotting fruit and dung. It flies from March to November.
Su nombre proviene de los arabismos que existen en la parte ventral de sus alas posteriores, que forman ese número. Alcanzan un tamaño medio que ronda los 60mm; vuelan en locales abiertos e iluminados, a menudo en búsqueda de frutos para alimentarse que se encuentran en el suelo. La hembra pone huevos aislados en la planta alimento. La oruga, al completar su ciclo de cambios, se instala en la superficie de las hojas y se transforma en crisálida.
🇪🇸 Fantastic interior of a majestic building
Inmueble construido entre 1927 y 1928 con el propósito de convertirse en cine. Luego fue una famosa sala de fiestas. A fines del 2022 se instala una tienda de marca conocida.
Property built between 1927 and 1928 with the purpose of becoming a cinema. Then it was a famous party room. At the end of 2022, a well-known brand store is installed.
Madrid, España - Spain
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IN ENGLISH BELOW THE LINE
El castell de Wawel és el nucli central historic de Polonia des de inicis de la edat mitjana. Fou durant gran part de la historia del país la residencia dels reis, fent de Cracovia la capital, fins que aquests es traslladaren a Varsovia el 1596. Tota la fortalessa és com capes i més capes d'historia una sobre l'altra, tant defensives (muralles i torres), polítiques (el castell com a residencia) i religioses (la catedral i moltes altres esglésies, la majoria ara en ruines). També en formen part les èpoques més fosques de la historia de Polonia, ja que el Gobernador General Hans Frank s'hi instalà durant la ocupació alemana nazi entre 1939 i 1945.
Aquí hi ha un resum visual de la evolució:
www.youtube.com/watch?v=DE0hyQ36rKQ
ca.wikipedia.org/wiki/Castell_de_Wawel
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Wawel Castle has been the historic center of Poland since the beginning of the Middle Ages. It was during much of the country's history the residence of the kings, making Krakow the capital, until they moved to Warsaw in 1596. The whole fortress is like layers and more layers of history one on top of the other, both defensive (walls and towers), political (the castle as a residence) and religious (the cathedral and many other churches, most now in ruins).
The darkest periods of Poland's history are also part of it, since Governor General Hans Frank settled there during the Nazi German occupation between 1939 and 1945.
Here's a visual evolution of the castle:
A Solitaire, au beau milieu du désert du Namib de Namibie, il y a deux choses : une station-service avec de belles carcasses de voitures rouillées et une boulangerie qui vend des apple struddel... entre rien et nulle part. On appelle ce lieu le "Bagdad café de la Namibie" .sur le cliché droit , on installe le camp
🇬🇧 In Solitaire, in the middle of the Namib desert of Namibia, there are two things: a petrol station with beautiful rusty car carcasses and a bakery that sells apple struddel... between nothing and nowhere. This place is called the "Bagdad café of Namibia" . on the right photograph, the camp is set up
🇩🇪 In Solitaire, mitten in der namibischen Wüste, gibt es zwei Dinge: eine Tankstelle mit schönen rostigen Karkassen und eine Bäckerei, die Apple Struddel verkauft... zwischen nichts und nirgendwo. Man nennt diesen Ort "Bagdad Kaffee aus Namibia". Auf dem rechten Klischee wird das Lager eingerichtet
🇪🇸 En Solitaire, en medio del desierto de Namib, en Namibia, hay dos cosas: una gasolinera con hermosos coches oxidados y una panadería que vende manzanas struddel... entre nada y nada. Se llama este lugar el "Bagdad café de Namibia" . sobre el cliché derecho , se instala el campamento
A veces, una tarde cualquiera, la dulzura se instala en las palabras.
Miquel Martí i Pol
1929-2003. Poeta español en lengua catalana.
Ave insectívora pequeña, muy llamativa y conspicua por sus colores azulados y amarillentos y sus frecuentes reclamos. Habita en toda España y resulta común en ambientes arbolados, tanto bien conservados como degradados. Tolera muy bien la presencia humana, pues coloniza con facilidad zonas ajardinadas y parques urbanos, acude a los comederos y se instala en nidales artificiales. En invierno se suele mover en grupos con otras especies de páridos./ Small insectivorous bird, very striking and conspicuous for its bluish and yellowish colors and its frequent claims. It inhabits all of Spain and is common in wooded environments, both well preserved and degraded. It tolerates human presence very well, as it easily colonizes garden areas and urban parks, goes to the troughs and installs in artificial nests. In winter it usually moves in groups with other species of tits.
4500 YEARS OF HUMAN HISTORY ON CASTLE HILL
The "Castillo" de Alcalá is the result of nearly 4,500 years of human history on the Cerro del Castillo. The oldest archaeological findings lead us to the Bronze Age (II millennium a.n.e.), when a small walled village is installed on the western edge of the Hill. It would be a settlement dedicated to agricultural production in the countryside Guadaíra, whose size would depend in some way (and more) nearest town located in the Mesa de Gandul. 4500 AÑOS DE HISTORIA HUMANA SOBRE EL CERRO DEL CASTILLO
El "Castillo" de Alcalá es el resultado de cerca de 4.500 años de historia humana sobre el Cerro del Castillo. Los hallazgos arqueológicos más antiguos nos llevan a la Edad del Bronce (II milenio a.n.e.), cuando se instala un pequeño poblado amurallado en el extremo oeste del Cerro. Sería un asentamiento dedicado a la producción agrícola de la campiña del Guadaíra, que por su tamaño dependería de alguna manera del cercano (y mayor) poblado situado en la Mesa de Gandul.
location : Daikakuji temple 大覚寺
（note: This is Daikakuji Temple, not Nijo Castle.
這是大覺寺，不二條城 ー撮影場所は二条城ではなく
嵯峨野の大覚寺です。 )
Fusuma painting 紅白梅図 by Kanō Sanraku
Kanō Sanraku (狩野 山楽, 1559 – September 30, 1635) was a Japanese painter also known as Kimura Heizō (his birth name), Shūri, Mitsuyori, and Sanraku. Sanraku's works combine the forceful quality of Momoyama work with the tranquil depiction of nature, and they have a more refined use of color typical of the Edo period.His father was the painter Kimura Nagamitsu who flourished circa 1570, and he was born in Shiga Prefecture and died in Kyoto.
Sanraku worked for Toyotomi Hideyoshi in the 1570s,which led to him studying under and being adopted by Kanō Eitoku.Sanraku was the half-sibling and teacher of Kanō Sansetsu, and became Eitoku's son-in-law and later the head of the Kanō school.When Sanraku had no son he married Kanō Sansetsu (1589–1651) to his daughter and adopted him. Sansetsu and his school remained in Kyoto when most Kanō artists moved to Edo (often after a summons from the shogun), and he continued to adhere to the brightly coloured style of the Momoyama period. His son Einō painted in the same style, but is better known for a biographical history of Japanese painting, which gave the Kanō school pride of place.
Sanraku's patrons included Tokugawa Hidetada. Like most Kanō artists of the period, he painted in a variety of styles, including both large works for decorating castles (like the two illustrated), and smaller scrolls, often in a monochrome style derived from Chinese ink-wash painting.
Kanō Sanraku, cuyo verdadero nombre era Kanō Mitsuyori, y era apodado Heizō o Shuri, fue un pintor japonés de la Escuela Kano1 que pintó bajo el nombre artístico de Sanraku,. Nació en Omi en 1559 y falleció el 30 de septiembre de 1635.
Hijo del pintor Kimara Nagamitsu, fue adoptado por su maestro, Kanō Eitoku (1543-1590), del cual fue el discípulo favorito. A la muerte de Mitsunobu, hijo mayor de de Eitoku, en 1608, está junto a Kanō Sadanobu (1597-1623) al frente del taller familiar y es, sin duda, el artista que mejor ilustra la segunda parte de la época Momoyama, en Kyōto.
Hijo de guerrero, sirve de page al Shogun Hideyoshi quien, dándose cuenta de su talento, lo pone en aprendizaje con Eitoku. Sanraku continuará beneficiándose del amparo de Hideyoshi, sobre todo después de la muerte Eitoku, y en 1592 se le encarga la decoración del castillo de Momoyama.
Cuando la familia Kanō se instala en Edo, nuevo centro del poder, Sankaru permanece en Kyōto y sus descendientes aseguran después de él la continuidad de su taller bajo el nombre de Kyō- Kanō, familia Kanō de Kyōto. Nos han llegado numerosas obras de Sanraku, desde tintas en estilo cursivo a grandes composiciones decorativas en colores, de paisajes delicados a escenas históricas chinas, mostrando toda la extensión de su talento y la seguridad de su técnica.
Hacia 1620 trabaja en las exquisitas pinturas murales de dos edificios del monasterio Daitoku-ji de Kyōto, donde nos encontramos con los paisajes y los pinos con halcones monocromos, inscritos en la tradición Kanō, inaugurada por Motonobu (1476-1559). Su tendencia a la estilización del trazo llega al extremo en las composiciones del santuario Tenkyû-in, en el templo zen Myōshin-ji de Kyōto, ejecutadas por Sanraku y su hijo adoptivo Sansetsu (1590-1651) entre 1631 y 1635, justo antes del fallecimiento del pintor.
Los colores han guardado toda su frescura, ya sea en las pinturas de los tigres de las salas centrales, en las enredaderas floridas de la clausura de bambú de la sala Este o los ciruelos y los pájaros de la sala Oeste. Gran parte del conjunto se dene a Sansetsu; sin embargo, la delicada sensibilidad de Sanraku se deja ver en el sabio cálculo del ritmo, el aspecto casi geométrico de las rocas y del árbol torcido, cercano a una belleza estática, incluso abstracta. Da rienda suelta a su talento diseñador en un biombo del antiguo palacio de Kujô, actualmente conservado en el Museo nacional de Tōkyō.
C'est une scène historique japonaise tirée du Roman de Genji : Kuruma-Arasoi. Les personnages historiques sont traités avec toute la minutie de l'École Tosa, dynastie des peintres de cour, mais Sanraku, en introduisant des personnalités contemporaines, confère à l'œuvre une extrême vivacité.
- wikipedia
Kanō Sanraku (狩野 山楽, 1559 – September 30, 1635) was a Japanese painter also known as Kimura Heizō (his birth name), Shūri, Mitsuyori, and Sanraku. Sanraku's works combine the forceful quality of Momoyama work with the tranquil depiction of nature, and they have a more refined use of color typical of the Edo period.His father was the painter Kimura Nagamitsu who flourished circa 1570, and he was born in Shiga Prefecture and died in Kyoto.
Sanraku worked for Toyotomi Hideyoshi in the 1570s,which led to him studying under and being adopted by Kanō Eitoku.[2][4] Sanraku was the half-sibling and teacher of Kanō Sansetsu, and became Eitoku's son-in-law and later the head of the Kanō school.When Sanraku had no son he married Kanō Sansetsu (1589–1651) to his daughter and adopted him. Sansetsu and his school remained in Kyoto when most Kanō artists moved to Edo (often after a summons from the shogun), and he continued to adhere to the brightly coloured style of the Momoyama period. His son Einō painted in the same style, but is better known for a biographical history of Japanese painting, which gave the Kanō school pride of place.[6]
Sanraku's patrons included Tokugawa Hidetada. Like most Kanō artists of the period, he painted in a variety of styles, including both large works for decorating castles (like the two illustrated), and smaller scrolls, often in a monochrome style derived from Chinese ink-wash painting.
Kanō Sanraku, cuyo verdadero nombre era Kanō Mitsuyori, y era apodado Heizō o Shuri, fue un pintor japonés de la Escuela Kano1 que pintó bajo el nombre artístico de Sanraku,. Nació en Omi en 1559 y falleció el 30 de septiembre de 1635.
Hijo del pintor Kimara Nagamitsu, fue adoptado por su maestro, Kanō Eitoku (1543-1590), del cual fue el discípulo favorito. A la muerte de Mitsunobu, hijo mayor de de Eitoku, en 1608, está junto a Kanō Sadanobu (1597-1623) al frente del taller familiar y es, sin duda, el artista que mejor ilustra la segunda parte de la época Momoyama, en Kyōto.
Hijo de guerrero, sirve de page al Shogun Hideyoshi quien, dándose cuenta de su talento, lo pone en aprendizaje con Eitoku. Sanraku continuará beneficiándose del amparo de Hideyoshi, sobre todo después de la muerte Eitoku, y en 1592 se le encarga la decoración del castillo de Momoyama.
Cuando la familia Kanō se instala en Edo, nuevo centro del poder, Sankaru permanece en Kyōto y sus descendientes aseguran después de él la continuidad de su taller bajo el nombre de Kyō- Kanō, familia Kanō de Kyōto. Nos han llegado numerosas obras de Sanraku, desde tintas en estilo cursivo a grandes composiciones decorativas en colores, de paisajes delicados a escenas históricas chinas, mostrando toda la extensión de su talento y la seguridad de su técnica.
Hacia 1620 trabaja en las exquisitas pinturas murales de dos edificios del monasterio Daitoku-ji de Kyōto, donde nos encontramos con los paisajes y los pinos con halcones monocromos, inscritos en la tradición Kanō, inaugurada por Motonobu (1476-1559). Su tendencia a la estilización del trazo llega al extremo en las composiciones del santuario Tenkyû-in, en el templo zen Myōshin-ji de Kyōto, ejecutadas por Sanraku y su hijo adoptivo Sansetsu (1590-1651) entre 1631 y 1635, justo antes del fallecimiento del pintor.
Los colores han guardado toda su frescura, ya sea en las pinturas de los tigres de las salas centrales, en las enredaderas floridas de la clausura de bambú de la sala Este o los ciruelos y los pájaros de la sala Oeste. Gran parte del conjunto se dene a Sansetsu; sin embargo, la delicada sensibilidad de Sanraku se deja ver en el sabio cálculo del ritmo, el aspecto casi geométrico de las rocas y del árbol torcido, cercano a una belleza estática, incluso abstracta. Da rienda suelta a su talento diseñador en un biombo del antiguo palacio de Kujô, actualmente conservado en el Museo nacional de Tōkyō.
C'est une scène historique japonaise tirée du Roman de Genji : Kuruma-Arasoi. Les personnages historiques sont traités avec toute la minutie de l'École Tosa, dynastie des peintres de cour, mais Sanraku, en introduisant des personnalités contemporaines, confère à l'œuvre une extrême vivacité.
- wikipedia
(狩野 山楽, 1559 – September 30, 1635) was a Japanese painter also known as Kimura Heizō (his birth name), Shūri, Mitsuyori, and Sanraku. Sanraku's works combine the forceful quality of Momoyama work with the tranquil depiction of nature, and they have a more refined use of color typical of the Edo period.His father was the painter Kimura Nagamitsu who flourished circa 1570, and he was born in Shiga Prefecture and died in Kyoto.
Sanraku worked for Toyotomi Hideyoshi in the 1570s,which led to him studying under and being adopted by Kanō Eitoku.[2][4] Sanraku was the half-sibling and teacher of Kanō Sansetsu, and became Eitoku's son-in-law and later the head of the Kanō school.When Sanraku had no son he married Kanō Sansetsu (1589–1651) to his daughter and adopted him. Sansetsu and his school remained in Kyoto when most Kanō artists moved to Edo (often after a summons from the shogun), and he continued to adhere to the brightly coloured style of the Momoyama period. His son Einō painted in the same style, but is better known for a biographical history of Japanese painting, which gave the Kanō school pride of place.[6]
Sanraku's patrons included Tokugawa Hidetada. Like most Kanō artists of the period, he painted in a variety of styles, including both large works for decorating castles (like the two illustrated), and smaller scrolls, often in a monochrome style derived from Chinese ink-wash painting.
Kanō Sanraku, cuyo verdadero nombre era Kanō Mitsuyori, y era apodado Heizō o Shuri, fue un pintor japonés de la Escuela Kano1 que pintó bajo el nombre artístico de Sanraku,. Nació en Omi en 1559 y falleció el 30 de septiembre de 1635.
Hijo del pintor Kimara Nagamitsu, fue adoptado por su maestro, Kanō Eitoku (1543-1590), del cual fue el discípulo favorito. A la muerte de Mitsunobu, hijo mayor de de Eitoku, en 1608, está junto a Kanō Sadanobu (1597-1623) al frente del taller familiar y es, sin duda, el artista que mejor ilustra la segunda parte de la época Momoyama, en Kyōto.
Hijo de guerrero, sirve de page al Shogun Hideyoshi quien, dándose cuenta de su talento, lo pone en aprendizaje con Eitoku. Sanraku continuará beneficiándose del amparo de Hideyoshi, sobre todo después de la muerte Eitoku, y en 1592 se le encarga la decoración del castillo de Momoyama.
Cuando la familia Kanō se instala en Edo, nuevo centro del poder, Sankaru permanece en Kyōto y sus descendientes aseguran después de él la continuidad de su taller bajo el nombre de Kyō- Kanō, familia Kanō de Kyōto. Nos han llegado numerosas obras de Sanraku, desde tintas en estilo cursivo a grandes composiciones decorativas en colores, de paisajes delicados a escenas históricas chinas, mostrando toda la extensión de su talento y la seguridad de su técnica.
Hacia 1620 trabaja en las exquisitas pinturas murales de dos edificios del monasterio Daitoku-ji de Kyōto, donde nos encontramos con los paisajes y los pinos con halcones monocromos, inscritos en la tradición Kanō, inaugurada por Motonobu (1476-1559). Su tendencia a la estilización del trazo llega al extremo en las composiciones del santuario Tenkyû-in, en el templo zen Myōshin-ji de Kyōto, ejecutadas por Sanraku y su hijo adoptivo Sansetsu (1590-1651) entre 1631 y 1635, justo antes del fallecimiento del pintor.
Los colores han guardado toda su frescura, ya sea en las pinturas de los tigres de las salas centrales, en las enredaderas floridas de la clausura de bambú de la sala Este o los ciruelos y los pájaros de la sala Oeste. Gran parte del conjunto se dene a Sansetsu; sin embargo, la delicada sensibilidad de Sanraku se deja ver en el sabio cálculo del ritmo, el aspecto casi geométrico de las rocas y del árbol torcido, cercano a una belleza estática, incluso abstracta. Da rienda suelta a su talento diseñador en un biombo del antiguo palacio de Kujô, actualmente conservado en el Museo nacional de Tōkyō.
C'est une scène historique japonaise tirée du Roman de Genji : Kuruma-Arasoi. Les personnages historiques sont traités avec toute la minutie de l'École Tosa, dynastie des peintres de cour, mais Sanraku, en introduisant des personnalités contemporaines, confère à l'œuvre une extrême vivacité.
- wikipedia
This temple has an explicit no-tripod policy also. So tripods, including monopods, are usually prohibited here.
Foto presa amb una KMZ FT-2 soviètica, fabricada el 1965; Kodak Ektar 100.
Aquest és el jaciment iberic, concretament ilercavó, del Coll del Moro, al oest de Gandesa. Tot i ser menys conegut que altres jaciments del mateix periode, certament és força espectacular, amb els seus alts murs i sobretot la inmensa torre que ho domina tot. Hi ha altres torres similars en jaciments a la Matarranya, pel que possiblement es tractés d'un tret especific dels ilercavons (o ilergaons, o ilercaons). També compta amb un domini visual del entorn insuperable. Mostra d'això es que a pocs centenars de metres s'instalà el quarter de Franco durant la batalla del Ebre, en el punt on justament es trobava la necropoli d'aquest jaciment.
Recentment s'hi ha descobert una petita fortifiació romana del s.II-I a.C. , segurament la darrera fase del jaciment, i part de la conquesta romana.
ca.wikipedia.org/wiki/Poblat_ib%C3%A8ric_del_Coll_del_Moro
www.mhcat.cat/esmhc/museo_en_red/red_monumentos/red_de_mu...
www.aguaita.cat/noticia/3215/descobrixen-forti-roma-al-ja...
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Foto presa amb una KMZ FT-2 soviètica, fabricada el 1965; Kodak Ektar 100.
This is the iberian archaeological site of Coll del Moro, a quite impressive V to I Centuries BC fortress. It was an ilercavonian site, with a mighty wall and huge round tower. It has also a comanding view of all the surrounding territory. As such, nearby it was located Franco's HQ during the Battle of the Ebro.
In recent years they have found that in the last phase of the site, a Roman garrison was established here, in the Late Republic.
IN ENGLISH BELOW THE LINE
Molt menys conegut que Oskar Schindler, Julius Madrisch també fou un alemany que procurà ajudar i salvar els jueus que treballaven a la seva fàbrica, en aquest cas, de roba. Primer instalà l'empresa en aquest edifici de la plaça principal de Podgórze i formalment dins del ghetto de Cracovia.
Quan el ghetto fou liquidat, Madrisch va situar una factoria dins dels terrenys del camp de Plaszow. Amon Goeth volia eliminar la majoria dels seus treballadors perque "eren massa vells", però Madrisch va aconseguir protegir-los. Ara be, sembla que quan Plaszow fou evacuat per la proximitat del front sovietic, Madrisch no va poder organitzar una nova fàbrica més al oest, com Schindler. Amb tot, més de 60 dels seus treballadors foren adjuntats a la famosa llista. També forma part dels "Justos entre les nacions" del memorial Yad Vashem sobre l'Holocaust.
en.wikipedia.org/wiki/Julius_Madritsch
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Much less known than Oskar Schindler, Julius Madrisch was also a German who tried to help and save the Jews who worked in his textile company. First he installed the factory in this building in the main square of Podgórze and formally in the ghetto of Krakow.
When the ghetto was liquidated, Madrisch relocated the factory within the grounds of the Plaszow camp. Kommandant Amon Goeth wanted to eliminate most of his workers because "they were too old", but Madrisch managed to protect them. Now, it seems that when Plaszow was evacuated due to the proximity of the Soviet front, Madrisch could not organize a new factory further west, like Schindler. In all, more than 60 of his workers were attached to the famous list. He is also part of the "Righteous Among the Nations" at the Yad Vashem Holocaust memorial.
As Summer and hot weather establishes in Madrid, it is time to enjoy at the terraces.
Taken in the first day of Summer 2018 from Valdebebas, Madrid, Spain.
Best viewed large.
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Cuando el Verano y el tiempo caluroso se instala en Madrid, es tiempo de disfrutar en las terrazas.
Tomada el primer día del Verano 2018 desde Valdebebas, Madrid, España.
Mejor visualizar en grande.
Escultura monumental; Noche, bronce, estación de Atocha Madrid, Enfrente se sitúa otra escultura titulada Día y es otra cabeza de bebé pero con los ojos abiertos como despertándose a observar el mundo con expresión de asombro .
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Día y Noche
Autor:Antonio López
Ubicación: Madrid Puerta de Atocha
Las dos piezas, de tres metros de altura y más de dos mil kilos de peso cada una, son grandes reproducciones en bronce de la cabeza de una niña. En la obra Día la niña aparece con los ojos abiertos y dirige a los espectadores una mirada atenta y despierta, mientras que en Noche la pequeña, con los ojos cerrados, duerme plácidamente. De esto modo, el conjunto escultórico representa alegóricamente el día y la noche, reflejando los ritmos y tiempos de una estación ferroviaria. Las cabezas se han elaborado partiendo de moldes de escayola en tamaño real, tras el montaje de las distintas piezas de gran tamaño que las componen, obtenidas en el proceso de fundición por medio de un sistema de transferencia. La ubicación de las esculturas, instaladas sobre sendas peanas situadas en la zona de llegadas de Madrid Puerta de Atocha, ha sido acordada con el autor para quien este espacio de paso, en apariencia frío, presenta un contraste perfecto con las Cabezas. El conjunto Día y Noche se convierte de este modo en la primera obra escultórica de carácter monumental de Antonio López que se instala en un espacio público.
=======eng
Monumental sculpture; Night, bronze, Atocha station Madrid, Opposite is placed another sculpture entitled Day and is another baby head but with eyes wide open as if waking up to observe the world with expression of amazement.
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Day and night
Author: Antonio López
Location: Madrid Puerta de Atocha
The two pieces, three meters high and more than two thousand kilos of weight each, are large reproductions in bronze of the head of a girl. In the play Day the girl appears with her eyes open and directs the audience an attentive and awake look, while at night the little girl, with closed eyes, sleeps peacefully. In this way, the sculptural ensemble allegorically represents day and night, reflecting the rhythms and times of a railway station. The heads were made from plaster molds in real size, after the assembly of the various large pieces that make them, obtained in the casting process by means of a transfer system. The location of the sculptures, installed on two pedestals located in the arrivals area of Madrid Puerta de Atocha, has been agreed with the author for whom this space of passage, in cold appearance, presents a perfect contrast with the Heads. The whole Day and Night becomes in this way the first sculptural work of monumental character of Antonio López that is installed in a public space.
Plaza Gipuzkoa, Donostia, Guipúzcoa, España.
La Plaza Gipuzkoa, situada en el centro de la ciudad, es uno de los lugares más emblemáticos de la Bella Easo. Presidida por la escultura del compositor y pianista José María Usandizaga, también incluye un complejo templete meteorológico, una gran mesa horaria de mármol blanco y un enorme reloj construido con flores de variados colores.
Los jardines y caminos situados en el centro de la plaza son lugar de encuentro y descanso para los donostiarras, muchos de los cuales han crecido dando de comer a los patos que viven en su estanque.
Frente al parque se encuentra la sede de la Diputación Foral de Gipuzkoa desde 1885, un impresionante edificio de estilo neoclásico del arquitecto José de Goicoa que presenta los bustos de ilustres marineros guipuzcoanos en su fachada.
Por otro lado, durante todo el año, la plaza sirve de escenario para la celebración de diversos acontecimientos. En época estival, por ejemplo, se realizan las ferias del libro y se colocan atracciones infantiles. También es recomendable visitar el belén que se instala en fechas navideñas.
Plaza Gipuzkoa, located in the center of the city, is one of the most emblematic places of the Bella Easo. Presided by the sculpture of the composer and pianist José María Usandizaga, it also includes a complex meteorological temple, a large white marble hourglass table and a huge clock made of flowers of various colors.
The gardens and roads located in the center of the square are a place of meeting and rest for the people of San Sebastian, many of whom have grown up feeding the ducks that live in their pond.
Opposite the park is the seat of the Provincial Council of Gipuzkoa since 1885, an impressive neo-classical building by the architect José de Goicoa that presents the busts of illustrious Guipuzcoan sailors on its façade.
On the other hand, throughout the year, the square serves as a stage for the celebration of various events. In summer, for example, book fairs are held and children's attractions are placed. It is also advisable to visit the nativity scene that is installed on Christmas dates.
Plaza Gipuzkoa, Donostia, Guipúzcoa, España.
La Plaza Gipuzkoa, situada en el centro de la ciudad, es uno de los lugares más emblemáticos de la Bella Easo. Presidida por la escultura del compositor y pianista José María Usandizaga, también incluye un complejo templete meteorológico, una gran mesa horaria de mármol blanco y un enorme reloj construido con flores de variados colores.
Los jardines y caminos situados en el centro de la plaza son lugar de encuentro y descanso para los donostiarras, muchos de los cuales han crecido dando de comer a los patos que viven en su estanque.
Frente al parque se encuentra la sede de la Diputación Foral de Gipuzkoa desde 1885, un impresionante edificio de estilo neoclásico del arquitecto José de Goicoa que presenta los bustos de ilustres marineros guipuzcoanos en su fachada.
Por otro lado, durante todo el año, la plaza sirve de escenario para la celebración de diversos acontecimientos. En época estival, por ejemplo, se realizan las ferias del libro y se colocan atracciones infantiles. También es recomendable visitar el belén que se instala en fechas navideñas.
Plaza Gipuzkoa, located in the center of the city, is one of the most emblematic places of the Bella Easo. Presided by the sculpture of the composer and pianist José María Usandizaga, it also includes a complex meteorological temple, a large white marble hourglass table and a huge clock made of flowers of various colors.
The gardens and roads located in the center of the square are a place of meeting and rest for the people of San Sebastian, many of whom have grown up feeding the ducks that live in their pond.
Opposite the park is the seat of the Provincial Council of Gipuzkoa since 1885, an impressive neo-classical building by the architect José de Goicoa that presents the busts of illustrious Guipuzcoan sailors on its façade.
On the other hand, throughout the year, the square serves as a stage for the celebration of various events. In summer, for example, book fairs are held and children's attractions are placed. It is also advisable to visit the nativity scene that is installed on Christmas dates.
La 1321 de Ferrovial remolca el tren de lavado de túneles al final de la tarde para proceder al lavado del túnel de Peña Rayada, en la LAV Valladolid - León. Los túneles se lavan antes de la puesta en servicio ya que acumulan gran cantidad de polvo del hormigón y el balasto. De esta forma se evitan las polvaredas al paso de los trenes de viajeros a gran velocidad ya que las partículas pueden afectar a los sistemas de climatización de los trenes. El tren consiste en unas cuantas cisternas con agua y varias plataformas en las que se instala la bomba y los sistemas de riego, que permiten regar tanto la bóveda como el andén y el balasto. 29/04/2015.
Con ésta celebro mis primeras 500 fotos en Flickr. Gracias a todos por seguir mi galería.
Ferrovial's Alco 1321 tows the tunnel washing train heading for Peña Rayada Tunnel in the Valladolid - Leon HSL. The tunnels are washed once due to accumulation of dust of concrete and ballast. This is done for avoiding the dust in passenger trains at high speed since the particles can affect the air conditioning systems of the trains. The train is formed by a few tanks with water and several platforms where is installed the pump and irrigation systems that allow to wash both dome and platform.
Casa del Común, Soria.
La Casa del Común, en la que se abre el arco del cuerno, fue sede durante siglos del Estado Llano de Hombres Buenos de la Ciudad de Soria y donde se conservan los Fueros que otorgaron en su día derechos ciudadanos a los sorianos.
Se trata de un amplio edificio reformado a finales del siglo XVIII con una severa fachada de tres pisos, dos en su origen pero en su última restauración se le añadió otro de igual factura. En la planta baja se abre el “Arco del Cuerno” y junto a este otro similar pero que da al interior del edificio. Sobre ésta el primer piso tiene un balcón corrido con cuatro vanos de arcos de medio punto, los dos centrales mayores que los laterales. El segundo piso es un poco más bajo pero de igual configuración y sin balcón.
Fue sede de la Biblioteca Pública desde 1935 a 1968. En 1956 se crea e instala en el mismo local el Archivo Histórico Provincial que sería trasladado posteriormente al Palacio de los Ríos y Salcedo. Al año siguiente en 1957 nace en ella la Casa de Cultura de Soria y actualmente es sede del Archivo Histórico Local.
En su interior encontramos los fueros otorgados a la ciudad de Soria. En 1120 le es concedido el "Fuero Breve" de Alfonso I que recogía los derechos de la población y del cual no nos queda ningún resto físico. En 1214 se le otorgó a Soria otros dos fueros, uno el llamado "extenso" otorgado por el rey Alfonso VIII, en agradecimiento por la acogida que encontró en Soria durante su minoría de edad y otro llamado "Fuero Real" otorgado por Alfonso X en 1256.
The House of the Common, in which the bow of the horn is opened, was seat for centuries of the Plain State of Good Men of the City of Soria and where the Fueros are conserved that at the time granted citizens rights to the sorianos.
It is a large building renovated at the end of the eighteenth century with a severe façade of three floors, two in its origin but in its last restoration was added another of equal bill. On the ground floor opens the "Arc of the Horn" and next to this similar one but that gives inside the building. On this the first floor has a balcony with four arches of half-point arches, the two central ones that the lateral ones. The second floor is a bit lower but of equal configuration and without balcony.
It was the headquarters of the Public Library from 1935 to 1968. In 1956 the Provincial Historical Archive was created and installed in the same premises that would later be transferred to the Palacio de los Ríos and Salcedo. The following year in 1957 was born in it the House of Culture of Soria and at the moment it is soothes of the Local Historical Archive.
In its interior we find the privileges granted to the city of Soria. In 1120 he was awarded the "Fuero Breve" by Alfonso I that collected the rights of the population and of which we have no physical rest. In 1214 Soria was granted two more privileges, one called "extensive" granted by King Alfonso VIII, in gratitude for the welcome he found in Soria during his minority and another one called "Fuero Real" granted by Alfonso X in 1256.
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Diaethria clymena
All my photos are copyrighted. Please do not use them for any purpose, including on blogs, without my express permission.
This butterfly is found in South America. On the upper side it is black with blue bands at the margins. The underside of the hind wing has a typical black-and-white pattern showing an "88" or "89". The underside of the forewing is red with black and white stripes near the tip.
This butterfly lives in wet tropical forests, where it lives on rotting fruit and dung. It flies from March to November.
Su nombre proviene de los arabismos que existen en la parte ventral de sus alas posteriores, que forman ese número. Alcanzan un tamaño medio que ronda los 60mm; vuelan en locales abiertos e iluminados, a menudo en búsqueda de frutos para alimentarse que se encuentran en el suelo. La hembra pone huevos aislados en la planta alimento. La oruga, al completar su ciclo de cambios, se instala en la superficie de las hojas y se transforma en crisálida.
Desde hace algunos años por Navidad, se instala este tiovivo en la Plaza Mayor de Valladolid que data del año 1.900
Since a few years ago for Christmas, this carousel is installed in the Plaza Mayor of Valladolid dating from 1900
Plaza Gipuzkoa, Donostia, Guipúzcoa, España.
La Plaza Gipuzkoa, situada en el centro de la ciudad, es uno de los lugares más emblemáticos de la Bella Easo. Presidida por la escultura del compositor y pianista José María Usandizaga, también incluye un complejo templete meteorológico, una gran mesa horaria de mármol blanco y un enorme reloj construido con flores de variados colores.
Los jardines y caminos situados en el centro de la plaza son lugar de encuentro y descanso para los donostiarras, muchos de los cuales han crecido dando de comer a los patos que viven en su estanque.
Frente al parque se encuentra la sede de la Diputación Foral de Gipuzkoa desde 1885, un impresionante edificio de estilo neoclásico del arquitecto José de Goicoa que presenta los bustos de ilustres marineros guipuzcoanos en su fachada.
Por otro lado, durante todo el año, la plaza sirve de escenario para la celebración de diversos acontecimientos. En época estival, por ejemplo, se realizan las ferias del libro y se colocan atracciones infantiles. También es recomendable visitar el belén que se instala en fechas navideñas.
Plaza Gipuzkoa, located in the center of the city, is one of the most emblematic places of the Bella Easo. Presided by the sculpture of the composer and pianist José María Usandizaga, it also includes a complex meteorological temple, a large white marble hourglass table and a huge clock made of flowers of various colors.
The gardens and roads located in the center of the square are a place of meeting and rest for the people of San Sebastian, many of whom have grown up feeding the ducks that live in their pond.
Opposite the park is the seat of the Provincial Council of Gipuzkoa since 1885, an impressive neo-classical building by the architect José de Goicoa that presents the busts of illustrious Guipuzcoan sailors on its façade.
On the other hand, throughout the year, the square serves as a stage for the celebration of various events. In summer, for example, book fairs are held and children's attractions are placed. It is also advisable to visit the nativity scene that is installed on Christmas dates.
IN ENGLISH BELOW THE LINE
El castell de Wawel és el nucli central historic de Polonia des de inicis de la edat mitjana. Fou durant gran part de la historia del país la residencia dels reis, fent de Cracovia la capital, fins que aquests es traslladaren a Varsovia el 1596. Tota la fortalessa és com capes i més capes d'historia una sobre l'altra, tant defensives (muralles i torres), polítiques (el castell com a residencia) i religioses (la catedral i moltes altres esglésies, la majoria ara en ruines). També en formen part les èpoques més fosques de la historia de Polonia, ja que el Gobernador General Hans Frank s'hi instalà durant la ocupació alemana nazi entre 1939 i 1945.
Aquí hi ha un resum visual de la evolució:
www.youtube.com/watch?v=DE0hyQ36rKQ
ca.wikipedia.org/wiki/Castell_de_Wawel
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Wawel Castle has been the historic center of Poland since the beginning of the Middle Ages. It was during much of the country's history the residence of the kings, making Krakow the capital, until they moved to Warsaw in 1596. The whole fortress is like layers and more layers of history one on top of the other, both defensive (walls and towers), political (the castle as a residence) and religious (the cathedral and many other churches, most now in ruins).
The darkest periods of Poland's history are also part of it, since Governor General Hans Frank settled there during the Nazi German occupation between 1939 and 1945.
Here's a visual evolution of the castle:
En Instagram soy @laciel_arts. Instala la aplicación para seguir mis fotos y vídeos. instagram.com/laciel_arts?igshid=OGY3MTU3OGY1Mw==
IN ENGLISH BELOW THE LINE
Com situar tres latrines medievals sense literalment, tirar-te la merda a sobre.
El castell de Wawel és el nucli central historic de Polonia des de inicis de la edat mitjana. Fou durant gran part de la historia del país la residencia dels reis, fent de Cracovia la capital, fins que aquests es traslladaren a Varsovia el 1596. Tota la fortalessa és com capes i més capes d'historia una sobre l'altra, tant defensives (muralles i torres), polítiques (el castell com a residencia) i religioses (la catedral i moltes altres esglésies, la majoria ara en ruines). També en formen part les èpoques més fosques de la historia de Polonia, ja que el Gobernador General Hans Frank s'hi instalà durant la ocupació alemana nazi entre 1939 i 1945.
Aquí hi ha un resum visual de la evolució:
www.youtube.com/watch?v=DE0hyQ36rKQ
ca.wikipedia.org/wiki/Castell_de_Wawel
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They wanted latrines in each floor, so the position had to be arranged with gravity in mind...
Wawel Castle has been the historic center of Poland since the beginning of the Middle Ages. It was during much of the country's history the residence of the kings, making Krakow the capital, until they moved to Warsaw in 1596. The whole fortress is like layers and more layers of history one on top of the other, both defensive (walls and towers), political (the castle as a residence) and religious (the cathedral and many other churches, most now in ruins).
The darkest periods of Poland's history are also part of it, since Governor General Hans Frank settled there during the Nazi German occupation between 1939 and 1945.
Here's a visual evolution of the castle:
五條港風情畫 - 普濟殿 / 師傅安裝手繪彩燈
The Five ports Graffiti - Puji Temple / Master installs hand-painted lanterns
El Graffiti Cinco puertos - Templo de Puji / Master instala linternas pintadas a mano
五條港の風情の絵 - 普済殿 / 先生は手描き絵の飾り提灯を設置します
Die Fünf-Ports Graffiti - Puji Temple / Der Meister installiert handbemalte Laternen
Le Graffiti Cinq ports - Puji Temple / Master installe des lanternes peintes à la main
Tainan Taiwan / Tainan Taiwán / 台灣台南
管樂小集 2017/10/07 台南孔子廟 Confucian temple Tainan performances 1080P
{ 旅笠道中 Wearing hats travel in road }
{View large size on fluidr / 觀看大圖}
{My Blog / 管樂小集精彩演出-觸動你的心}
{My Blog / Great Music The splendid performance touches your heart}
{My Blog / 管楽小集すばらしい公演-はあなたの心を心を打ちます}
{Mi blog / La gran música el funcionamiento espléndido toca su corazón}
{Mein Blog / Große Musik die herrliche Leistung berührt Ihr Herz}
{Mon blog / La grande musique l'exécution splendide touche votre coeur}
Melody 曲:JAPAN / Words 詞:Sheesen / Singing : Sheesen
{ 夢旅人 1990 Dream Traveler 1990 }
家住安南鹽溪邊
The family lives in nearby the Annan salt river
隔壁就是聽雨軒
The next door listens to the rain porch
一旦落日照大員
The sunset Shineing to the Taiwan at once
左岸青龍飛九天
The left bank white dragon flying in the sky
Respirar fundo num fim de tarde dourado, inspirar os aromas circundantes, e sentir a tranquilidade que se instala. Serenidade é um bom estado de espírito :)
Taking a deep breath in a golden late afternoon, taking in all the different scents around. Feeling an ever growing traquility setting in. Serenity is a good state of mind and soul :)
took this picture on one of my last days in christchurch new zealand. turned out better then it first looked
a busca das especificidades do lugar implica um movimento contrário à homogeneização que se instala no mundo. o termo 'site-specific', forjado inicialmente para a escultura minimalista, se amplia. doravante não são os objetos que se instalam no espaço, mas, ao contrário, é o lugar que define as coisas.
thus, the search for the specificities of place implies a movement contrary to the homogeneity promoted nowadays in the world. the term 'site-specific', initially coined for minimalist sculpture, has currently become more wide-ranging. from now on, objects are not simply installed in a certain space, but rather, it is the place that determines the objects.
Para mi amigo W. D. Fuhrmann, "hermano" de los pampas y gran dibujador de fotos.
El passat diumenge dia 14 d'abril es va commemorar el 88 aniversari de la proclamació de la segona República Espanyola. Aquesta forma d'estat va substituir a la monarquia d'Alfons XIII, donant pas -per mitjà d'un cop militar- a la dictadura de Francisco Franco Bahamonde l'1 d'abril de 1939. A partir d'aquesta data s'instal·la un règim de terror que va ser especialment virulent en els primers anys de postguerra. La por i la tragèdia era la vida quotidiana en moltes famílies espanyoles. Buscaven desesperadament l'aval dels vencedors per salvar els presos dels murs i les cunetes, moltes vegades a canvi de béns en bescanvis indecents. José Orts Albert, un xofer de Meliana de 46 anys, militant del Partit Comunista va ser executat en els murs del cementiri de Paterna el 23 d'octubre de 1940 i enterrat a la fossa 120 de l'esmentat cementiri. És una més de les 2.238 persones afusellades pel nou règim entre 1939 i 1956, tot això beneït per una església amb la pell molt fina ara i disposada a escandalitzar-se per qualsevol exercici de llibertat. La filla de José sosté una foto del seu pare reivindicat la seva memòria, una memòria que perdurarà tot i la indignitat dels seus executors.
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El pasado domingo día 14 de abril se conmemoró el 88 aniversario de la proclamación de la segunda República Española. Esta forma de estado sustituyó a la monarquía de Alfonso XIII, dando paso -por medio de un golpe militar- a la dictadura de Francisco Franco Bahamonde el 1 de abril de 1939. A partir de esa fecha se instala un régimen de terror que fue especialmente virulento en los primeros años de posguerra. El miedo y la tragedia era la vida cotidiana en muchas familias españolas. Buscaban desesperadamente el aval de los vencedores para salvar a los presos de los paredones y las cunetas, muchas veces a cambio de bienes en trueques indecentes. José Orts Alberto, un chófer de Meliana de 46 años, militante del Partido Comunista, fue ejecutado en los muros del cementerio de Paterna el 23 de octubre de 1940 y enterrado en la fosa 120 de dicho cementerio. Es una más de las 2.238 personas fusiladas por el nuevo régimen entre 1939 y 1956, todo ello bendecido por una iglesia con la piel muy fina ahora y dispuesta a escandalizarse por cualquier ejercicio de libertad. La hija de José sostiene una foto de su padre reivindicado su memoria, una memoria que perdurará a pesar de la indignidad de sus ejecutores.
Petirrojo. Canto
Emite insistentemente un reclamo seco (tac), que repite con frecuencia irregular: tac-tac…, tac-tac-tac. El canto es más elaborado y melodioso. Reclama y canta a lo largo de todo el día, pero especialmente por la mañana muy temprano, incluso antes del amanecer.
Canto
Emite insistentemente un reclamo seco (tac), que repite con frecuencia irregular: tac-tac…, tac-tac-tac. El canto es más elaborado y melodioso. Reclama y canta a lo largo de todo el día, pero especialmente por la mañana muy temprano, incluso antes del amanecer.
El escultor del renacimiento, Damián Forment, dejó en la catedral una de sus más grandiosas obras, la del retablo mayor, actualmente en el crucero norte de la Catedral. En la parte inferior, anomanada zócalo, se encuentran las únicas trazas de alabastro, pero gran parte de su obra lo realizó en alabastro (retablo del Pilar de Zaragoza, retablo del Monasterio de Poblet). De nueve metros de ancho y trece de alto, aunque murió en 1540, dejó prácticamente terminada la obra. La policromía es obra de Andrés de Melgar. Destaca la presencia de temas mitológicos: tritones, sátiros, nereidas y centauros.
Tras la reciente reforma del suelo de la Catedral (2009) se instala junto al retablo una pantalla táctil interactiva que permite al visitante ver con detalle cualquier elemento del retablo gracias a una fotografía de gran definición. También se instala un sistema de proyección audiovisual sobre el propio retablo que muestra la historia de su construcción narrada por el propio Damián Forment.
es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Santo_Domingo_de_la_Cal...
The Renaissance sculptor, Damián Forment, left one of his greatest works in the cathedral, that of the main altarpiece, currently on the north transept of the Cathedral. The only traces of alabaster are found in the lower part, an anomania plinth, but a large part of his work was made in alabaster (altarpiece of the Pilar of Zaragoza, altarpiece of the Poblet Monastery). Nine meters wide and thirteen high, although he died in 1540, he left the work practically finished. The polychrome is the work of Andrés de Melgar. The presence of mythological themes stands out: tritons, satyrs, nereids and centaurs.
After the recent renovation of the Cathedral floor (2009), an interactive touch screen is installed next to the altarpiece that allows the visitor to see in detail any element of the altarpiece thanks to a high definition photograph. An audiovisual projection system is also installed on the altarpiece itself, which shows the history of its construction narrated by Damián Forment himself.
Santo Domingo de la Calzada es una localidad y un municipio español de la comunidad autónoma de La Rioja, situado a orillas del río Oja, en la comarca homónima a la localidad, situada esta a su vez dentro de La Rioja Alta.
Su nombre procede de su fundador Domingo García, que entre otras construyó allí un puente para hacer seguro el cruce del río, un hospital y un albergue de peregrinos, para facilitar con ello el peregrinaje del Camino de Santiago a su paso por la localidad.
Es famoso el milagro del gallo y la gallina, según el cual se dice que Domingo García demostró la inocencia de un peregrino acusado erróneamente de muerte al hacer volar una gallina que estaba asada en el plato. En recuerdo del estos hechos, en la catedral calceatense hay siempre un gallo y una gallina vivos y se extendió el dicho de «En Santo Domingo de la Calzada, donde cantó la gallina después de asada». Este milagro se cuenta también, con pocas variantes, del Gallo de Barcelos, Portugal.
En 2019 se cumplió el milenario de la muerte de su fundador.
En 1973 su casco antiguo fue declarado Conjunto de Interés Histórico Artístico. En la actualidad, la ciudad de Santo Domingo de la Calzada cuenta aproximadamente con 7000 habitantes y es un importante centro de servicios de la comarca, con una gran proyección administrativa, comercial, industrial y turística.
es.wikipedia.org/wiki/Santo_Domingo_de_la_Calzada
es.wikipedia.org/wiki/Domingo_de_la_Calzada
Santo Domingo de la Calzada is a town and a Spanish municipality in the autonomous community of La Rioja, located on the banks of the river Oja, in the region with the same name as the town, located in La Rioja Alta.
Its name comes from its founder Domingo García, who among others built a bridge there to make the river crossing safe, a hospital and a pilgrim's hostel, thereby facilitating the pilgrimage of the Camino de Santiago as it passes through the town.
The miracle of the rooster and the hen is famous, according to which it is said that Domingo García proved the innocence of a pilgrim wrongly accused of death by blowing up a hen that was roasted on the plate. In memory of these events, in the cathedral of Calzada there is always a live rooster and a hen and the saying of "In Santo Domingo de la Calzada, where he sang the hen after roasting," spread. This miracle is also told, with few variations, of the Rooster of Barcelos, Portugal.
2019 marked the millennium since the death of its founder.
In 1973 its old town was declared a Site of Historic Artistic Interest. At present, the city of Santo Domingo de la Calzada has approximately 7000 inhabitants and is an important service center in the region, with a great administrative, commercial, industrial and tourist projection.
Mercedes-Benz es una empresa alemana fabricante de vehículos de lujo, división de la compañía Daimler AG (anteriormente conocida como Daimler-Benz y DaimlerChrysler). La marca es reconocida por sus vehículos de lujo, autobuses y camiones. Su eslogan es The best or nothing ("Lo mejor o nada").
La famosa estrella de tres puntas, diseñada por Gottlieb Daimler, simboliza la capacidad de sus motores para emplearlos en tierra, mar y aire. (Wikipedia)
En los inicios del siglo XX, los automóviles Daimler construidos en Untertürkheim (un distrito de Stuttgart) fueron conducidos de forma exitosa por un distribuidor austríaco llamado Emil Jellinek, que anotaba los automóviles bajo el nombre de su hija, Mercedes. Luego de sugerir ciertas modificaciones de diseño, Jellinek prometió a la compañía comprar una gran producción de sus vehículos bajo la condición de tener la garantía de ser el distribuidor exclusivo de Daimler para Austria-Hungría, Francia, Bélgica y EE. UU., y de que podría vender el nuevo modelo bajo el nombre de "Mercedes". El cambio de nombre fue muy útil para prevenir problemas legales, ya que Daimler había vendido derechos exclusivos de uso del nombre y los planos técnicos a compañías en el exterior, por lo cual han sido y son construidos coches de lujo en Inglaterra bajo la marca Daimler. Un incendio que destruyó la antigua fábrica de pianos Steinway en Nueva York, que había sido modernizada para producir coches Mercedes, terminó temprano con el sueño de construir Mercedes en los Estados Unidos.
Gottlieb Daimler nace el 18 de marzo de 1834 y 1835 en Schorndorf. Tras un aprendizaje como armero estudia ingeniería mecánica en la Escuela Politécnica de Stuttgart. A finales de 1863 es nombrado inspector de talleres de una fábrica de maquinaria de Reutlingen. Allí coincide en 1865 con Wilhelm Maybach. En 1872 lo nombran director técnico de la Gasmotorenfabrik de Deutz, donde conoce los motores de cuatro tiempos de Otto. En 1882 abandona la empresa e instala en el invernadero de su villa de Cannstatt un taller. En 1884 logra junto con Maybach construir un motor de combustión interna de bajo peso y dimensiones compactas conocido hoy en día como «reloj de pie». De ese modo sienta la base para la incorporación en un vehículo.
Las compañías rivales Daimler Motorengesellschaft y Benz & Cie. comenzaron a cooperar entre sí en los años 20 para lidiar con la crisis económica de esos años, para finalmente fusionarse en 1926 y crear Daimler-Benz AG, la cual producía camiones y automóviles Mercedes-Benz. El logotipo de la marca es la estrella plateada de tres puntas rodeada de un círculo. El símbolo apareció por primera vez en un automóvil Daimler de 1909. Los laureles, símbolos de la marca Benz, fueron agregados en 1946 para simbolizar la unión de las dos firmas (a pie de página hay una imagen con el logo Benz del año 1909 con los laureles en dorado y otra de Mercedes de 1916 con la estrella; dada la unión de las compañías, surge el nuevo logo de la estrella de tres puntas rodeada de laureles). El anillo plano que une las tres puntas de la estrella fue utilizado por primera vez en 1937. Según se dice, la estrella tiene su origen en una postal que Jellinek escribió a su hija Mercedes indicando con ella el punto (sobre un plano) donde estaba ubicada la fábrica de Bad Cannstatt. Se comenta también que con ella se señalan tierra, mar y aire: elementos en los que los motores Daimler habían sido pioneros y que simbolizan la búsqueda original de Daimler de proveer pequeños y poderosos motores útiles para viajar por cualquiera de ellos. Pese a que se centró en vehículos terrestres, Mercedes-Benz también construyó motores para lanchas y aviones (civiles y militares), e incluso para zepelines.
Los vehículos Mercedes-Benz se han centrado en un elevado grado de calidad y arte en sus diseños. Como resultado, han sido históricamente más caros y fabricados en menor cantidad que otros vehículos más baratos. La compañía ha cultivado cuidadosamente una imagen de superioridad técnica, calidad y servicio en sus diseños, por lo que sus autos han sido frecuentemente la elección de los ricos y famosos. Aunque ha sido más famosa por sus modelos de limusina y sus automóviles de lujo, también han sido construidos por MB un gran número de sobresalientes deportivos. Ejemplos de ellos fueron el SSK desarrollado por Porsche y el "Alas de gaviota" (Gullwing) 300SL de 1954. Por otra parte, Mercedes-Benz ha producido también autos menos caros y con una mayor producción. Curiosamente, los prototipos de Volkswagen fueron construidos y probados en Stuttgart en cooperación con Porsche. Antes de esto, Mercedes-Benz había construido asimismo un auto pequeño con un motor trasero similar al VW, pero que no tuvo ningún éxito, el 130 H.
Sus productos han sido conocidos por la creación e introducción de las tecnologías más avanzadas, destacándose el motor de inyección y el ABS, entre muchas otras. Sin embargo, estos no siempre han funcionado: recientemente, un sistema de frenos activo instalado en más de 650 000 vehículos tuvo que ser retirado para repararlo por graves problemas.[cita requerida] A esto se le suma que la reputación de seguridad de la compañía ha sido cuestionada cuando fue calificada como baja en recientes estudios sobre los consumidores.[cita requerida]
Los ingenieros más importantes de la empresa fueron Ferdinand Porsche y Wilhelm Maybach. Ambos abandonaron la empresa para crear su propio modelo de automóvil. Porsche desarrolló para Volkswagen (cuya traducción es: coche popular) el modelo Volkswagen Escarabajo, y Maybach, al contrario, un sedán de lujo con su nombre. Daimler-Benz compraría Maybach años después.
En 1900 murió Gotlieb Daimler y en 1925 fallecieron Karl Benz y Wilhelm Maybach. En 1950 se presentó la Clase S, el segmento de gran lujo de Mercedes Benz, ahí estaba el S cupé que en 1999 fue reemplazado por el CL.
En 1979 se lanzó el automóvil todoterreno G para usos militares en varios países. La década de los 90 fue una gran década de modelos para Mercedes Benz, pues se lanzaron los turismos C 0 y el vehículo deportivo utilitario Clase M.
Los más cercanos competidores de Mercedes-Benz en el mercado actual de coches de gama alta son Audi, Volvo, Alfa Romeo, BMW, Lincoln, Cadillac, Infiniti, Jaguar, Lexus, Acura. (Wikipedia)
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El escultor del renacimiento, Damián Forment, dejó en la catedral una de sus más grandiosas obras, la del retablo mayor, actualmente en el crucero norte de la Catedral. En la parte inferior, anomanada zócalo, se encuentran las únicas trazas de alabastro, pero gran parte de su obra lo realizó en alabastro (retablo del Pilar de Zaragoza, retablo del Monasterio de Poblet). De nueve metros de ancho y trece de alto, aunque murió en 1540, dejó prácticamente terminada la obra. La policromía es obra de Andrés de Melgar. Destaca la presencia de temas mitológicos: tritones, sátiros, nereidas y centauros.
Tras la reciente reforma del suelo de la Catedral (2009) se instala junto al retablo una pantalla táctil interactiva que permite al visitante ver con detalle cualquier elemento del retablo gracias a una fotografía de gran definición. También se instala un sistema de proyección audiovisual sobre el propio retablo que muestra la historia de su construcción narrada por el propio Damián Forment.
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The Renaissance sculptor, Damián Forment, left one of his greatest works in the cathedral, that of the main altarpiece, currently on the north transept of the Cathedral. The only traces of alabaster are found in the lower part, an anomania plinth, but a large part of his work was made in alabaster (altarpiece of the Pilar of Zaragoza, altarpiece of the Poblet Monastery). Nine meters wide and thirteen high, although he died in 1540, he left the work practically finished. The polychrome is the work of Andrés de Melgar. The presence of mythological themes stands out: tritons, satyrs, nereids and centaurs.
After the recent renovation of the Cathedral floor (2009), an interactive touch screen is installed next to the altarpiece that allows the visitor to see in detail any element of the altarpiece thanks to a high definition photograph. An audiovisual projection system is also installed on the altarpiece itself, which shows the history of its construction narrated by Damián Forment himself.
Santo Domingo de la Calzada es una localidad y un municipio español de la comunidad autónoma de La Rioja, situado a orillas del río Oja, en la comarca homónima a la localidad, situada esta a su vez dentro de La Rioja Alta.
Su nombre procede de su fundador Domingo García, que entre otras construyó allí un puente para hacer seguro el cruce del río, un hospital y un albergue de peregrinos, para facilitar con ello el peregrinaje del Camino de Santiago a su paso por la localidad.
Es famoso el milagro del gallo y la gallina, según el cual se dice que Domingo García demostró la inocencia de un peregrino acusado erróneamente de muerte al hacer volar una gallina que estaba asada en el plato. En recuerdo del estos hechos, en la catedral calceatense hay siempre un gallo y una gallina vivos y se extendió el dicho de «En Santo Domingo de la Calzada, donde cantó la gallina después de asada». Este milagro se cuenta también, con pocas variantes, del Gallo de Barcelos, Portugal.
En 2019 se cumplió el milenario de la muerte de su fundador.
En 1973 su casco antiguo fue declarado Conjunto de Interés Histórico Artístico. En la actualidad, la ciudad de Santo Domingo de la Calzada cuenta aproximadamente con 7000 habitantes y es un importante centro de servicios de la comarca, con una gran proyección administrativa, comercial, industrial y turística.
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Santo Domingo de la Calzada is a town and a Spanish municipality in the autonomous community of La Rioja, located on the banks of the river Oja, in the region with the same name as the town, located in La Rioja Alta.
Its name comes from its founder Domingo García, who among others built a bridge there to make the river crossing safe, a hospital and a pilgrim's hostel, thereby facilitating the pilgrimage of the Camino de Santiago as it passes through the town.
The miracle of the rooster and the hen is famous, according to which it is said that Domingo García proved the innocence of a pilgrim wrongly accused of death by blowing up a hen that was roasted on the plate. In memory of these events, in the cathedral of Calzada there is always a live rooster and a hen and the saying of "In Santo Domingo de la Calzada, where he sang the hen after roasting," spread. This miracle is also told, with few variations, of the Rooster of Barcelos, Portugal.
2019 marked the millennium since the death of its founder.
In 1973 its old town was declared a Site of Historic Artistic Interest. At present, the city of Santo Domingo de la Calzada has approximately 7000 inhabitants and is an important service center in the region, with a great administrative, commercial, industrial and tourist projection.
Mercedes-Benz es una empresa alemana fabricante de vehículos de lujo, división de la compañía Daimler AG (anteriormente conocida como Daimler-Benz y DaimlerChrysler). La marca es reconocida por sus vehículos de lujo, autobuses y camiones. Su eslogan es The best or nothing ("Lo mejor o nada").
La famosa estrella de tres puntas, diseñada por Gottlieb Daimler, simboliza la capacidad de sus motores para emplearlos en tierra, mar y aire.
En los inicios del siglo XX, los automóviles Daimler construidos en Untertürkheim (un distrito de Stuttgart) fueron conducidos de forma exitosa por un distribuidor austríaco llamado Emil Jellinek, que anotaba los automóviles bajo el nombre de su hija, Mercedes. Luego de sugerir ciertas modificaciones de diseño, Jellinek prometió a la compañía comprar una gran producción de sus vehículos bajo la condición de tener la garantía de ser el distribuidor exclusivo de Daimler para Austria-Hungría, Francia, Bélgica y EE. UU., y de que podría vender el nuevo modelo bajo el nombre de "Mercedes". El cambio de nombre fue muy útil para prevenir problemas legales, ya que Daimler había vendido derechos exclusivos de uso del nombre y los planos técnicos a compañías en el exterior, por lo cual han sido y son construidos coches de lujo en Inglaterra bajo la marca Daimler. Un incendio que destruyó la antigua fábrica de pianos Steinway en Nueva York, que había sido modernizada para producir coches Mercedes, terminó temprano con el sueño de construir Mercedes en los Estados Unidos.
Gottlieb Daimler nace el 18 de marzo de 1834 y 1835 en Schorndorf. Tras un aprendizaje como armero estudia ingeniería mecánica en la Escuela Politécnica de Stuttgart. A finales de 1863 es nombrado inspector de talleres de una fábrica de maquinaria de Reutlingen. Allí coincide en 1865 con Wilhelm Maybach. En 1872 lo nombran director técnico de la Gasmotorenfabrik de Deutz, donde conoce los motores de cuatro tiempos de Otto. En 1882 abandona la empresa e instala en el invernadero de su villa de Cannstatt un taller. En 1884 logra junto con Maybach construir un motor de combustión interna de bajo peso y dimensiones compactas conocido hoy en día como «reloj de pie». De ese modo sienta la base para la incorporación en un vehículo.
Las compañías rivales Daimler Motorengesellschaft y Benz & Cie. comenzaron a cooperar entre sí en los años 20 para lidiar con la crisis económica de esos años, para finalmente fusionarse en 1926 y crear Daimler-Benz AG, la cual producía camiones y automóviles Mercedes-Benz. El logotipo de la marca es la estrella plateada de tres puntas rodeada de un círculo. El símbolo apareció por primera vez en un automóvil Daimler de 1909. Los laureles, símbolos de la marca Benz, fueron agregados en 1946 para simbolizar la unión de las dos firmas (a pie de página hay una imagen con el logo Benz del año 1909 con los laureles en dorado y otra de Mercedes de 1916 con la estrella; dada la unión de las compañías, surge el nuevo logo de la estrella de tres puntas rodeada de laureles). El anillo plano que une las tres puntas de la estrella fue utilizado por primera vez en 1937. Según se dice, la estrella tiene su origen en una postal que Jellinek escribió a su hija Mercedes indicando con ella el punto (sobre un plano) donde estaba ubicada la fábrica de Bad Cannstatt. Se comenta también que con ella se señalan tierra, mar y aire: elementos en los que los motores Daimler habían sido pioneros y que simbolizan la búsqueda original de Daimler de proveer pequeños y poderosos motores útiles para viajar por cualquiera de ellos. Pese a que se centró en vehículos terrestres, Mercedes-Benz también construyó motores para lanchas y aviones (civiles y militares), e incluso para zepelines.
Los vehículos Mercedes-Benz se han centrado en un elevado grado de calidad y arte en sus diseños. Como resultado, han sido históricamente más caros y fabricados en menor cantidad que otros vehículos más baratos. La compañía ha cultivado cuidadosamente una imagen de superioridad técnica, calidad y servicio en sus diseños, por lo que sus autos han sido frecuentemente la elección de los ricos y famosos. Aunque ha sido más famosa por sus modelos de limusina y sus automóviles de lujo, también han sido construidos por MB un gran número de sobresalientes deportivos. Ejemplos de ellos fueron el SSK desarrollado por Porsche y el "Alas de gaviota" (Gullwing) 300SL de 1954. Por otra parte, Mercedes-Benz ha producido también autos menos caros y con una mayor producción. Curiosamente, los prototipos de Volkswagen fueron construidos y probados en Stuttgart en cooperación con Porsche. Antes de esto, Mercedes-Benz había construido asimismo un auto pequeño con un motor trasero similar al VW, pero que no tuvo ningún éxito, el 130 H.
Sus productos han sido conocidos por la creación e introducción de las tecnologías más avanzadas, destacándose el motor de inyección y el ABS, entre muchas otras. Sin embargo, estos no siempre han funcionado: recientemente, un sistema de frenos activo instalado en más de 650 000 vehículos tuvo que ser retirado para repararlo por graves problemas.[cita requerida] A esto se le suma que la reputación de seguridad de la compañía ha sido cuestionada cuando fue calificada como baja en recientes estudios sobre los consumidores.[cita requerida]
Los ingenieros más importantes de la empresa fueron Ferdinand Porsche y Wilhelm Maybach. Ambos abandonaron la empresa para crear su propio modelo de automóvil. Porsche desarrolló para Volkswagen (cuya traducción es: coche popular) el modelo Volkswagen Escarabajo, y Maybach, al contrario, un sedán de lujo con su nombre. Daimler-Benz compraría Maybach años después.
En 1900 murió Gotlieb Daimler y en 1925 fallecieron Karl Benz y Wilhelm Maybach. En 1950 se presentó la Clase S, el segmento de gran lujo de Mercedes Benz, ahí estaba el S cupé que en 1999 fue reemplazado por el CL.
En 1979 se lanzó el automóvil todoterreno G para usos militares en varios países. La década de los 90 fue una gran década de modelos para Mercedes Benz, pues se lanzaron los turismos C 0 y el vehículo deportivo utilitario Clase M.
Los más cercanos competidores de Mercedes-Benz en el mercado actual de coches de gama alta son Audi, Volvo, Alfa Romeo, BMW, Lincoln, Cadillac, Infiniti, Jaguar, Lexus, Acura. (Wikipedia)
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El Faro de Avilés, también llamado Faro de San Juan, está situado en la margen oriental de la entrada de la ría de Avilés, concretamente en la parroquia de Laviana, perteneciente al concejo asturiano de Gozón, en la llamada Punta del Castillo.
Su construcción comenzó en 1861. En un principio, se había proyectado su emplazamiento en la Punta de la Horcada, de forma que los barcos pudiesen utilizarlo como luz de costa enlazando con el de Peñas y tuviesen tiempo suficiente para preparar su entrada a puerto. Sin embargo, este lugar se consideró excesivamente expuesto a los temporales, y se prefirió la Punta del Castillo para su ubicación definitiva.
La torre es troncopiramidal y se encuentra adosada a la cara norte del edificio.
En 1863 se ilumina, con la apariencia de luz fija roja con un alcance de 10 millas, producida por una lámpara de aceite de oliva, que fue sustituida en 1882 por una de parafina. Posteriormente, se acopó un juego de pantallas giratorias y un tambor dióptrico con pantalla de cristal rojo, de forma que que su apariencia era de luz blanca con sector rojo, y ocultaciones cada 5 minutos.
En 1940 se electrificó y en 1944 fue dotado de una sirena electromagnética montada en la parte alta de la torre.
En 1957 se instala una linterna aeromarítima y la reforma de la instalación luminosa, conservando la apariencia de ocultaciones blanca y roja en sectores, y alcanzando una distancia de 17 millas náuticas.
Los amplios jardines que le rodean están cercados por un muro de mampostería. Forma un espléndido mirador sobre la ria en una zona que queda relativamente resguardada de la contaminación industrial por la influencia de los vientos dominantes del NO y NE.
Fuente: Wikipedia
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Avilés Lighthouse, also called San Juan Lighthouse, located on the east bank of the mouth of the estuary of Avilés, in particular in the parish of Laviana, belonging to the council Gozón Spaniard in the Punta del Castillo.
Its construction began in 1861. At first, it had projected its location on the tip of the Horcada, so that boats could use a light to coast, linking the Peñas and sufficient time to prepare their entry into port. However, this place was considered too exposed to storms, and Punta del Castillo preferred to its final location.
The tower is truncated and is attached to the north side of the building.
Lights in 1863, with the appearance of steady red light with a range of 10 miles, produced by a lamp of olive oil, which was replaced in 1882 by a paraffin. Subsequently, a set of screens acopó rotating diopter drum and a red glass screen, so that his appearance was of white light with red sector, and withholds every 5 minutes.
In 1940 it was electrified and in 1944 was equipped with an electromagnetic siren mounted on top of the tower.
In 1957 he installed a flashlight Aeromaritime and reform of the light installation, maintaining the appearance of red and white occultations sectors, and reaching a distance of 17 nautical miles.
The large surrounding gardens are enclosed by a masonry wall. Form a beautiful view over the estuary in an area that is relatively protected from industrial pollution and the influence of prevailing winds from NW and NE.
Source: Wikipedia
Paris - Antonio Canova.
Antonio Canova (1 November 1757 – 13 October 1822) was an Italian sculptor who became famous for his marble sculptures that delicately rendered nude flesh. The epitome of the neoclassical style, his work marked a return to classical refinement after the theatrical excesses of Baroque sculpture.
Antonio Canova was born in Possagno, a village of the Republic of Venice situated amid the recesses of the hills of Asolo, where these form the last undulations of the Venetian Alps, as they subside into the plains of Treviso. At three years of age Canova was deprived of both parents, his father dying and his mother remarrying. Their loss, however, was compensated by the tender solicitude and care of his paternal grandfather and grandmother, the latter of whom lived to experience in her turn the kindest personal attention from her grandson, who, when he had the means, gave her an asylum in his house at Rome.
His father and grandfather followed the occupation of stone-cutters or minor statuaries; and it is said that their family had for several ages supplied Possagno with members of that calling. As soon as Canova's hand could hold a pencil, he was initiated into the principles of drawing by his grandfather Pasino. The latter possessed some knowledge both of drawing and of architecture, designed well, and showed considerable taste in the execution of ornamental works. He was greatly attached to his art; and upon his young charge he looked as one who was to perpetuate, not only the family name, but also the family profession.
The early years of Canova were passed in study. The bias of his mind was to sculpture, and the facilities afforded for the gratification of this predilection in the workshop of his grandfather were eagerly improved. In his ninth year he executed two small shrines of Carrara marble, which are still extant. Soon after this period he appears to have been constantly employed under his grandfather. Amongst those who patronized the old man was the patrician family Falier of Venice, and by this means young Canova was first introduced to the senator of that name, who afterwards became his most zealous patron.
Between the younger son, Giuseppe Falier, and the artist a friendship commenced which terminated only with life. The senator Falier was induced to receive him under his immediate protection. It has been related by an Italian writer and since repeated by several biographers, that Canova was indebted to a trivial circumstance - the moulding of a lion in butter - for the warm interest which Falier took in his welfare. The anecdote may or may not be true. By his patron Canova was placed under Bernardi, or, as he is generally called by filiation, Giuseppe Torretto, a sculptor of considerable eminence, who had taken up a temporary residence at Pagnano, one of Asolo's boroughs in the vicinity of the senator's mansion.
This took place whilst Canova was in his thirteenth year; and with Torretto he continued about two years, making in many respects considerable progress. This master returned to Venice, where he soon afterwards died; but by the high terms in which he spoke of his pupil to Falier, the latter was induced to bring the young artist to Venice, whither he accordingly went, and was placed under a nephew of Torretto. With this instructor he continued about a year, studying with the utmost assiduity.
After the termination of this engagement he began to work on his own account, and received from his patron an order for a group, Orpheus and Eurydice. The first figure, which represents Eurydice in flames and smoke, in the act of leaving Hades, was completed towards the close of his sixteenth year. It was highly esteemed by his patron and friends, and the artist was now considered qualified to appear before a public tribunal.
The kindness of some monks supplied him with his first workshop, which was the vacant cell of a monastery. Here for nearly four years he labored with the greatest perseverance and industry. He was also regular in his attendance at the academy, where he carried off several prizes. But he relied far more on the study and imitation of nature. A large portion of his time was also devoted to anatomy, which science was regarded by him as the secret of the art. He likewise frequented places of public amusement, where he carefully studied the expressions and attitudes of the performers. He formed a resolution, which was faithfully adhered to for several years, never to close his eyes at night without having produced some design. Whatever was likely to forward his advancement in sculpture he studied with ardour. On archaeological pursuits he bestowed considerable attention. With ancient and modern history he rendered himself well acquainted and he also began to acquire some of the continental languages.
Three years had now elapsed without any production coming from his chisel. He began, however, to complete the group for his patron, and the Orpheus which followed evinced the great advance he had made. The work was universally applauded, and laid the foundation of his fame. Several groups succeeded this performance, amongst which was that of Daedalus and Icarus, the most celebrated work of his noviciate. The terseness of style and the faithful imitation of nature which characterized them called forth the warmest admiration. His merits and reputation being now generally recognized, his thoughts began to turn from the shores of the Adriatic to the banks of the Tiber, for which he set out at the commencement of his twenty-fourth year.
Before his departure for Rome, his friends had applied to the Venetian senate for a pension, to enable him to pursue his studies without embarrassment. The application was ultimately successful. The stipend amounted to three hundred ducats (about 60 pounds per annum), and was limited to three years. Canova had obtained letters of introduction to the Venetian ambassador, the Cavaliere Zulian, and enlightened and generous protector of the arts, and was received in the most hospitable manner.
His arrival in Rome, on 28 December 1780, marks a new era in his life. It was here he was to perfect himself by a study of the most splendid relics of antiquity, and to put his talents to the severest test by a competition with the living masters of the art. The result was equal to the highest hopes cherished either by himself or by his friends. The work which first established his fame at Rome was Theseus Vanquishing the Minotaur, now in the collections of the Victoria & Albert Museum, in London. The figures are of the heroic size. The victorious Theseus is represented as seated on the lifeless body of the monster. The exhaustion which visibly pervades his whole frame proves the terrible nature of the conflict in which he has been engaged. Simplicity and natural expression had hitherto characterized Canova's style; with these were now united more exalted conceptions of grandeur and of truth. The Theseus was regarded with fervent admiration.
Canova's next undertaking was a monument in honor of Clement XIV; but before he proceeded with it he deemed it necessary to request permission from the Venetian senate, whose servant he considered himself to be, in consideration of the pension. This he solicited, in person, and it was granted. He returned immediately to Rome, and opened his celebrated studio close to the Via del Babuino. He spent about two years of unremitting toil in arranging the design and composing the models for the tomb of the pontiff. After these were completed, other two years were employed in finishing the monument, and it was finally opened to public inspection in 1787. The work, in the opinion of enthusiastic dilettanti, stamped the author as the first artist of modern times.
After five years of incessant labor, he completed another cenotaph, to the memory of Clement XIII, which raised his fame still higher. Works now came rapidly from his chisel. Amongst these is Psyche, with a butterfly, which is placed on the left hand, and held by the wings with the right. This figure, which is intended as a personification of man's immaterial part, is considered as in almost every respect the most faultless and classical of Canova's works. In two different groups, and with opposite expression, the sculptor has represented Cupid with his bride; in the one they are standing, in the other recumbent. These and other works raised his reputation so high that the most flattering offers were sent to him from the Russian court to induce him to remove to St Petersburg, but these were declined, although many of his finest works made their way to the Hermitage Museum. "Italy", says he, in writing of the occurrence to a friend, "Italy is my country - is the country and native soil of the arts. I cannot leave her; my infancy was nurtured here. If my poor talents can be useful in any other land, they must be of some utility to Italy; and ought not her claim to be preferred to all others?"
Numerous works were produced in the years 1795-1797, of which several were repetitions of previous productions. One was the celebrated group representing the Parting of Venus and Adonis. This famous production was sent to Naples. The French Revolution was now extending its shocks over Italy; and Canova sought obscurity and repose in his native Possagno. Thither he retired in 1798, and there he continued for about a year, principally employed in painting, of which art also he had some knowledge. Events in the political world having come to a temporary lull, he returned to Rome; but his health being impaired from arduous application, he took a journey through a part of Germany, in company with his friend Prince Rezzonico. He returned from his travels much improved, and again commenced his labors with vigour and enthusiasm.
The events which marked the life of the artist during the first fifteen years of the period in which he was engaged on the above-mentioned works scarcely merit notice. His mind was entirely absorbed in the labors of his studio, and, with the exception of his journeys to Paris, one to Vienna, and a few short intervals of absence in Florence and other parts of Italy, he never quit Rome. In his own words, "his statues were the sole proofs of his civil existence."
There was, however, another proof, which modesty forbade him to mention, an ever-active benevolence, especially towards artists. In 1815 he was commissioned by the Pope to superintend the transmission from Paris of those works of art which had formerly been conveyed thither under the direction of Napoleon. By his zeal and exertions - for there were many conflicting interests to reconcile - he adjusted the affair in a manner at once creditable to his judgment and fortunate for his country.
In the autumn of this year he gratified a wish he had long entertained of visiting London, where he received the highest tokens of esteem. The artist for whom he showed particular sympathy and regard in London was Benjamin Haydon, who might at the time be counted the sole representative of historical painting there, and whom he especially honored for his championship of the Elgin marbles, then recently transported to England, and ignorantly depreciated by polite connoisseurs. Among Canova's English pupils were sculptors Sir Richard Westmacott and John Gibson.
Canova returned to Rome in the beginning of 1816, with the ransomed spoils of his country's genius. Immediately after, he received several marks of distinction: he was made President of the Accademia di San Luca, the main artistic institution in Rome, and by the hand of the Pope himself his name was inscribed in "the Golden Volume of the Capitol", and he received the title of Marquis of Ischia, with an annual pension of 3000 crowns.
He now contemplated a great work, a colossal statue of Religion. The model filled Italy with admiration; the marble was procured, and the chisel of the sculptor ready to be applied to it, when the jealousy of churchmen as to the site, or some other cause, deprived the country of the projected work. The mind of Canova was inspired with the warmest sense of devotion, and though foiled in this instance he resolved to consecrate a shrine to the cause. In his native village he began to make preparations for erecting a temple which was to contain, not only the above statue, but other works of his own; within its precincts were to repose also the ashes of the founder. Accordingly he repaired to Possagno in 1819. After the foundation-stone of this edifice had been laid, Canova returned to Rome; but every succeeding autumn he continued to visit Possagno, in order to direct the workmen, and encourage them with pecuniary rewards and medals.
In the meantime the vast expenditure exhausted his resources, and compelled him to labor with unceasing assiduity notwithstanding age and disease. During the period which intervened between commencing operations at Possagno and his decease, he executed or finished some of his most striking works. Amongst these were the group Mars and Venus, the colossal figure of Pius VI, the Pietà, the St John, the recumbent Magdalen. The last performance which issued from his hand was a colossal bust of his friend, the Count Cicognara.
In May 1822 he paid a visit to Naples, to superintend the construction of wax moulds for an equestrian statue of the perjured Bourbon king Ferdinand VII. This journey materially injured his health, but he rallied again on his return to Rome. Towards the latter end of the year he paid his annual visit to the place of his birth, when he experienced a relapse. He proceeded to Venice, and expired there at the age of nearly sixty-five. His disease was one which had affected him from an early age, caused by the continual use of carving-tools, producing a depression of the ribs. The most distinguished funeral honors were paid to his remains, which were deposited in the temple at Possagno on 25 October 1822. His heart was interred in a marble pyramid he designed as a mausoleum for the painter Titian in the church of Santa Maria Gloriosa dei Frari in Venice, now a monument to the sculptor.
Among Canova's heroic compositions, his Perseus with the Head of Medusa (photo, right) appeared soon after his return from Germany. The moment of representation is when the hero, flushed with conquest, displays the head of the "snaky Gorgon", whilst the right hand grasps a sword of singular device. By a public decree, this fine work was placed in one of the stanze of the Vatican hitherto reserved for the most precious works of antiquity.
In 1802, at the personal request of Napoleon, Canova returned to Paris to model a bust of the first consul. The artist was entertained with munificence, and various honors were conferred upon him. The statue, which is colossal and entitled Napoleon as Mars the Peacemaker, was not finished till four years after. On the fall of the great emperor, Louis XVIII presented this statue to the British government, by whom it was afterwards given to the Duke of Wellington.
Palamedes, Creugas and Damoxenus, the Combat of Theseus and the Centaur, and Hercules and Lichas may close the class of heroic compositions, although the catalogue might be swelled by the enumeration of various others, such as Hector and Ajax, and the statues of George Washington (commissioned by the State of North Carolina to be displayed in its Capitol Building), King Ferdinand of Naples, and others.
Under the head of compositions of grace and elegance, the statue of Hebe takes the first place in point of date. Four times has the artist embodied in stone the goddess of youth, and each time with some variation. The last one is in the Museum of Forlì, in Italy. The only material improvement, however, is the substitution of a support more suitable to the simplicity of the art. Each of the statues is, in all its details, in expression, attitude and delicacy of finish, strikingly elegant.
The Dancing Nymphs maintain a character similar to that of the Hebe. The Three Graces and the Venus are more elevated. The Awakened Nymph is another work of uncommon beauty. The mother of Napoleon, his consort Maria Louise (as Concord), to model whom the author made a further journey to Paris in 1810, the princess Esterhazy and the muse Polymnia (Elisa Bonaparte) take their place in this class, as do the ideal heads, comprising Corinna, Sappho, Laura, Beatrice and Helen of Troy.
Of the cenotaphs and funeral monuments the most splendid is the monument to the archduchess Archduchess Maria Christina, Duchess of Teschen, consisting of nine figures.
Besides the two for the Roman Pontiffs already mentioned, there is one for Alfieri, another for Emo, a Venetian admiral, and a small model of a cenotaph for Horatio Nelson, besides a great variety of monumental relieves.
A BRIEF HISTORY OF THE MUSEUM
The Metropolitan Museum of Art was founded in 1870 by a group of American citizens – businessmen and financiers as well as leading arists and thinkers of the day – who wanted to create a museum to bring art and art education to the American people.
The Metropolitan's paintings collection also began in 1870, when three private European collections, 174 paintings in all, came to the Museum. A variety of excellent Dutch and Flemish paintings, including works by such artists as Hals and Van Dyck, was supplemented with works by such great European artists as Poussin, Tiepolo, and Guardi.
The collections continued to grow for the rest of the 19th century – upon the death of John Kensett, for example, 38 of his canvases came to the Museum. But it is the 20th century that has seen the Museum's rise to the position of one of the world's great art centers. Some highlights: a work by Renoir entered the Museum as early as 1907 (today the Museum has become one of the world's great repositories of Impressionist and Post-Impressionist art)...in 1910 the Metropolitan was the first public institution to accept works of art by Matisse...by 1979 the Museum owned five of the fewer than 40 known Vermeers...the Department of Greek and Roman Art now oversees thousands of objects, including one of the finest collections in glass and silver in the world...The American Wing holds the most comprehensive collection of American art, sculpture, and decorative arts in the world...the Egyptian art collection is the finest outside Cairo...the Islamic art collection is without peer...and so on, through many of the 17 curatorial departments.
In 1880, the Metropolitan Museum moved to its current site in Central Park. The original Gothic-Revival-style building has been greatly expanded in size since then, and the various additions (built as early as 1888) now completely surround the original structure. The present facade and entrance structure along Fifth Avenue were completed in 1926.
A comprehensive architectural plan for the Museum approved in 1971 was completed in 1991. The architects for the project were Kevin Roche John Dinkeloo and Associates, and the overall aim was to make the Museum's collections more accessible to the public, more useful to the scholars and, in general, more interesting and informative to all visitors.
Among the additions to the Museum as part of the master plan are: the Robert Lehman Wing (1975), which houses an extraordinary collection of Old Masters, as well as Impressionist and Post-Impressionist art; the installation in The Sackler Wing of the Temple of Dendur (1978), an Egyptian monument (ca. 15 B.C.) that was given to the United States by Egypt; The American Wing (1980), whose magnificent collection also includes 24 period rooms offering an unparalleled view of American art history and domestic life; The Michael C. Rockefeller Wing (1982) for the display of the arts of Africa, Oceania, and the Americas; the Lila Acheson Wallace Wing (1987), which houses modern art; and the Henry R. Kravis Wing, devoted to European sculpture and decorative arts from the Renaissance to the beginning of the 20th century.
With the building now complete, the Metropolitan Museum continues to refine and reorganize the collections in its existing spaces. In June 1998, the Arts of Korea gallery opened to the public, completing a major suite of galleries – a "museum within the Museum" – devoted to the arts of Asia. In October 1999 the renovated Ancient Near Eastern Galleries reopened. And a complete renovation and reinstallation of the Greek and Roman Galleries is underway: the first phase, The Robert and Renée Belfer Court for early Greek art, opened in June 1996; the New Greek Galleries premiered in April 1999; and in April 2000 the Cypriot Galleries will open to the public.
Antonio Canova (Possagno, 1 de Novembro de 1757 — Veneza, 13 de Outubro de 1822) foi um desenhista, pintor, antiquário e arquiteto italiano, mas é mais lembrado como escultor, desenvolvendo uma carreira longa e produtiva. Seu estilo foi fortemente inspirado na arte da Grécia Antiga, suas obras foram comparadas por seus contemporâneos com a melhor produção da Antiguidade, e foi tido como o maior escultor europeu desde Bernini, sendo celebrado por toda parte. Sua contribuição para a consolidação da arte neoclássica só se compara à do teórico Johann Joachim Winckelmann e à do pintor Jacques-Louis David, mas não foi insensível à influência do Romantismo. Não teve discípulos regulares, mas influenciou a escultura de toda a Europa em sua geração, atraindo inclusive artistas dos Estados Unidos, permanecendo como uma referência ao longo de todo o século XIX especialmente entre os escultores do Academismo. Com a ascensão da estética modernista caiu no esquecimento, mas sua posição prestigiosa foi restabelecida a partir de meados do século XX. Também manteve um continuado interesse na pesquisa arqueológica, foi um colecionador de antiguidades e esforçou-se por evitar que o acervo de arte italiana, antiga ou moderna, fosse disperso por outras coleções do mundo. Considerado por seus contemporâneos um modelo tanto de excelência artística como de conduta pessoal, desenvolveu importante atividade beneficente e de apoio aos jovens artistas. Foi Diretor da Accademia di San Luca em Roma e Inspetor-Geral de Antiguidades e Belas Artes dos estados papais, recebeu diversas condecorações e foi nobilitado pelo papa Pio VII com a outorga do título de Marquês de Ischia.[1][2][3]
ntonio Canova era filho de um escultor de algum mérito, Pietro Canova, que faleceu quando o filho tinha cerca de três anos. Um ano depois sua mãe, Angela Zardo, também o deixou, casando com Francesco Sartori e entregando o menino aos cuidados de seu avô paterno, Passino Canova, também escultor, e de sua tia Caterina Ceccato. Teve um meio-irmão das segundas núpcias de sua mãe, o abade Giovanni Battista Sartori, de quem se tornou amigo íntimo, e que foi seu secretário e executor testamentário. Aparentemente seu avô foi o primeiro a notar seu talento, e assim que Canova pôde segurar um lápis foi iniciado nos segredos do desenho. Sua juventude foi passada em estudos artísticos, mostrando desde cedo predileção pela escultura. Com nove anos já foi capaz de produzir dois pequenos relicários em mármore, que ainda existem, e desde então seu avô o empregou para diversos trabalhos. O avô era patrocinado pela rica família Falier de Veneza, e através dele Canova foi apresentado ao senador Giovanni Falier, que se tornou seu assíduo protetor, e cujo filho Giuseppe se tornou um dos seus mais constantes amigos. Através de Falier, Canova, com cerca de 13 anos, foi colocado sob a orientação de Giuseppe Torretto, um dos mais notáveis escultores do Vêneto em sua geração. Seu estudo foi facilitado pelo acesso que teve a importantes coleções de estatuária antiga, como as mantidas pela Academia de Veneza e pelo colecionador Filippo Farsetti, que foi-lhe útil estabelecendo novos contatos com ricos patronos. Logo suas obras foram elogiadas pela precoce virtuosidade, capacitando-o a receber suas primeiras encomendas, entre elas duas cestas de frutas em mármore para o próprio Farsetti, muito admiradas. A cópia que fez em terracota dos célebres Lutadores Uffizi valeu-lhe o segundo prêmio na Academia.[4][5]
Com a morte de Torretto a continuidade da instrução de Canova foi confiada a Giovanni Ferrari, sobrinho do outro, mas permaneceu com ele apenas um ano. Então, com apenas dezesseis anos, decidiu iniciar o trabalho por conta própria, e logo recebeu de Falier a encomenda para estátuas representando Orfeu e Eurídice. O conjunto, acabado entre 1776-77, resultou tão bem e atraiu tanto aplauso que seus amigos já previam para ele um futuro brilhante.[5] Nele, e em outro grupo importante, representando Dédalo e Ícaro (1778-79), o escultor já mostrava grande maturidade. Seu estilo nessa fase, se tinha um caráter ornamental típico do Rococó, era também vigoroso, e ao mesmo tempo se distinguia da tradição naturalista da arte veneziana e evidenciava uma tendência à idealização que adquirira com seus estudos dos clássicos.[4]
O grande progresso de Canova levou Falier a organizar sua ida para Roma, a fim de que se aperfeiçoasse. Roma nessa época era o mais importante centro de peregrinação cultural da Europa e uma meta obrigatória para qualquer artista que aspirasse à fama. Com sua pletora de monumentos antigos e grandes coleções, numa fase em que estava em pleno andamento a formação do Neoclassicismo, a cidade era toda um grande museu, e oferecia inúmeros exemplares autênticos para estudo em primeira mão da grande produção artística do passado clássico. [4] Antes de sua partida seus amigos conseguiram-lhe uma pensão de 300 ducados anuais, que se manteria por três anos. Também obteve cartas de apresentação para o embaixador veneziano na cidade, o Cavalier Girolamo Zulian, um ilustrado patrono das artes, que o recebeu com grande hospitalidade quando o artista chegou ali em torno de 1779 (Cf. nota: [6]), e providenciou a primeira exibição pública, em sua própria casa, de um trabalho do artista, uma cópia do grupo de Dédalo e Ícaro que mandou vir de Veneza e que suscitou a admiração de quantos a viram. Segundo o relato do conde Leopoldo Cicognara, um de seus primeiros biógrafos, apesar da aprovação unânime da obra Canova sentiu enorme embaraço naquele momento, falando muitas vezes dele anos mais tarde como um dos episódios mais tensos de sua vida. Através de Zulian Canova foi assim introduzido, com um sucesso imediato, na populosa comunidade local de intelectuais, onde brilhavam o arqueólogo Gavin Hamilton, os colecionadores sir William Hamilton e o cardeal Alessandro Albani, e o antiquário e historiador Johann Joachim Winckelmann, o principal mentor do Neoclassicismo, entre tantos outros que partilhavam de seu amor aos clássicos.[5][7]
Em Roma Canova pôde aprofundar o estudo das mais importantes relíquias da Antigüidade, completar sua educação literária, aperfeiçoar sua fluência no francês e colocar-se na competição com os melhores mestres da época.[8] O resultado ficou além de suas próprias expectativas. Sua primeira obra produzida em Roma, patrocinada por Zulian, foi Teseu vencendo o Minotauro (1781), que foi recebida com grande entusiasmo, a ponto de ser declarada como o marco inaugural de uma nova era para as artes. Em seguida esculpiu um pequeno Apolo em ato de coroar a si mesmo (1781-82), para o senador Abondio Rezzonico, uma estátua de Psiquê (1793) para Zulian, e passou a contar com o apoio de Giovanni Volpato, que abriu-lhe outras portas, entre elas a do Vaticano. Nesse período estabeleceu uma ligação tumultuada com a filha de Volpato, Domenica.[9][7]
Sua próxima encomenda, acertada por intermédio de Volpato, foi um monumento fúnebre ao papa Clemente XIV, mas para aceitá-la decidiu pedir permissão ao Senado de Veneza, em consideração à pensão que lhe haviam conseguido. Sendo concedida, fechou sua oficina em Veneza e voltou imediatamente para Roma, onde abriu um novo atelier nas imediações da Via del Babuino, onde os dois anos seguintes foram passados para a conclusão do modelo, e outros dois gastos na realização da obra, que foi finalmente inaugurada em 1787, atraindo o elogio dos maiores críticos da cidade. Durante esse período se engajou paralelamente em projetos menores, alguns baixos-relevos em terracota e uma estátua de Psique. Mais cinco anos foram despendidos na elaboração de um cenotáfio para Clemente XIII, entregue em 1792, que levou sua fama a alturas ainda maiores.[9]
Nos anos seguintes, até o encerramento do século, Canova se aplicou com ingente empenho em produzir um significativo conjunto de novas obras, entre elas vários grupos de Eros e Psiquê, em atitudes diferentes, que lhe valeram um convite para que se instalasse na corte russa, mas declarando sua íntima ligação com a Itália, declinou. Outras foram a Despedida de Vênus e Adônis, o grupo Hércules furioso lançando Licas ao mar, uma estátua de Hebe, e uma primeira versão da Madalena penitente. Mas o esforço foi excessivo para sua saúde, e o uso continuado de um apetrecho de escultura chamado trapano, que comprime o peito, provocou o afundamento de seu esterno. Sentindo-se exausto após tantos anos de atividades intensas e ininterruptas, e em vista da ocupação francesa de Roma em 1798, retirou-se para Possagno, onde aplicou-se à pintura, e logo seguiu em uma excursão de recreio pela Alemanha em companhia de seu amigo o Príncipe Rezzonico. Também passou pela Áustria, onde recebeu a encomenda de um cenotáfio para a arquiduquesa Maria Cristina, filha de Francisco I, que resultou anos mais tarde em uma obra majestosa, a melhor que produziu nesse gênero. Nessa mesma ocasião foi induzido a enviar para a capital austríaca o grupo de Teseu matando o centauro, que havia sido destinado para Milão, e que foi instalado em um templo em estilo grego construído especialmente para esse fim nos jardins do Palácio de Schönbrunn.[9]
Em sua volta a Roma em 1800, revigorado, produziu em poucos meses uma das suas composições mais aclamadas, o Perseu com a cabeça da Medusa (1800-01), inspirado livremente no Apolo Belvedere e julgado digno de ombrear com ele, e que lhe valeu o título de Cavalier, concedido pelo papa. Em 1802 foi convidado por Napoleão Bonaparte para visitar Paris e criar uma estátua sua, e segundo o testemunho de seu irmão, que o acompanhara, o escultor e o estadista mantiveram conversações em um nível de grande franqueza e familiaridade. Também encontrou o pintor Jacques-Louis David, o mais importante dos neoclássicos franceses.[10]
Em 10 de agosto de 1802 o papa Pio VII indicou o artista como Inspetor-Geral das Antiguidades e Belas Artes do Vaticano, posto que conservou até sua morte. Além de ser um reconhecimento de sua obra escultórica, a indicação implicava que ele também era considerado um conhecedor, com a capacidade de julgar a qualidade das obras de arte e um interesse em preservar as coleções papais. Entre as atribuições do cargo estavam a responsabilidade pela emissão de autorizações para escavações arqueológicas e a supervisão dos trabalhos de restauro, aquisição e exportação de antiguidades, além da supervisão sobre a instalação e organização de novos museus nos estados papais. Ele inclusive comprou 80 peças antigas com seus próprios recursos e as doou para os Museus Vaticanos. Entre 1805 e 1814 foi quem decidiu sobre a vinda de todos os artistas bolsistas italianos para aperfeiçoamento em Roma. Em 1810 foi indicado para a presidência da Accademia di San Luca, a mais importante instituição artística da Itália em sua época, e permaneceu como um baluarte de estabilidade na esfera cultural romana ao longo do turbulento período da ocupação francesa, sendo confirmado em suas posições por Napoleão. Sua missão administrativa culminou com a incumbência de resgatar, em 1815, o espólio artístico arrebatado da Itália pelo imperador francês, e por seu zelo e esforço conseguiu resolver o difícil trabalho de acomodar interesses internacionais divergentes e recuperar diversos tesouros para sua pátria, entre eles obras de Rafael Sanzio, o Apolo Belvedere, a Vênus Medici e o Laocoonte.[11][12]
No outono deste ano pôde realizar o sonho há muito acalentado de viajar a Londres, onde foi recebido com grande consideração. Sua viagem tinha dois propósitos primários: agradecer a ajuda que o governo britânico lhe dera da recuperação do acervo italiano confiscado, e conhecer os Mármores de Elgin, um grande conjunto de peças removidas do Partenon de Atenas, criadas por Fídias e seus assistentes, conhecimento que para ele foi uma revelação, contribuindo para confirmar sua impressão de que a arte grega era superior pela qualidade de seu acabamento e pela sua atenção à natureza. Ele também foi solicitado a dar seu parecer de perito sobre a importância do conjunto, que estava sendo posto à venda por Lord Elgin para a Coroa, e expressou-se nos termos mais elogiosos, mas recusou-se a restaurá-las, conforme foi convidado a fazê-lo, considerando que deviam permanecer como testemunhos autênticos da grande arte grega.[13] Voltando a Roma em 1816 com as obras devolvidas pela França, foi recebido em triunfo e recebeu do papa uma pensão de 3 mil escudos, tendo seu nome inscrito no Livro de Ouro do Capitólio com o título de Marquês de Ischia.[3][14]
Então Canova começou a elaborar o projeto para uma outra estátua, monumental, representando a Religião. Não por servilismo, uma vez que era um devoto ardente, mas sua idéia de instalá-la em Roma acabou frustrado mesmo sendo financiado por ele mesmo e estando pronto o modelo em seu tamanho definitivo, que entretanto acabou sendo executado em mármore em tamanho muito reduzido por ordem Lord Brownlow e levado para Londres. Mesmo assim ele decidiu erguer um templo em sua vila natal que conteria aquela escultura conforme seu plano original e outras peças de sua autoria, e nele deveriam, no tempo, repousar suas cinzas. Em 1819 foi lançada a pedra fundamental, e em seguida Canova retornou a Roma, mas a cada outono voltava às obras para acompanhar o seu progresso e instruir os empregados, encorajando-os com recompensas financeiras e medalhas. Mas o empreendimento se revelou excessivamente custoso, e o artista teve de voltar ao trabalho com renovado empenho a despeito de sua idade e doenças. Desta fase são algumas de suas peças mais significativas, como o grupo de Marte e Vênus para a Coroa Inglesa, a estátua colossal de Pio VI, uma Pietà (somente o modelo), outra versão da Madalena penitente. Sua última obra acabada foi um enorme busto de seu amigo o Conde Cicognara.[15]
Em maio de 1822 visitou Nápoles para superintender a construção do modelo para uma estátua eqüestre do Rei Fernando IV de Nápoles, mas o trajeto cobrou caro de sua saúde. Voltando a Roma, recuperou-se, mas em sua visita anual a Possagno já chegou lá doente, e recusando o repouso seu estado piorou. Então foi levado a Veneza, onde faleceu lúcido e serenamente. Suas últimas palavras foram "Anima bella e pura" (alma bela e pura), que pronunciou várias vezes antes de expirar. Testemunhos de amigos presentes em seu transpasse dizem que seu semblante foi adquirindo uma crescente radiância e expressividade, como se estivesse absorvido em uma contemplação extática. A autópsia realizada em seguida revelou uma obstrução do intestino por uma necrose na altura do piloro. Seu funeral, realizado em 25 de outubro de 1822, foi cercado das mais altas honras, entre a comoção de toda a cidade, e os acadêmicos disputaram para carregar seu caixão. Seu corpo foi em seguida sepultado em Possagno e seu coração foi depositado em uma urna de pórfiro mantida na Academia de Veneza. Sua morte gerou luto em toda a Itália, e as homenagens fúnebres ordenadas pelo papa em Roma foram assistidas por representantes de várias casas reais da Europa. No ano seguinte começou a ser erguido um cenotáfio para ele, a partir de um modelo que havia sido criado pelo próprio Canova em 1792 por encomenda de Zulian, originalmente para celebrar o pintor Ticiano, mas que não havia sido realizado. Hoje o monumento pode ser visitado na Basílica de Santa Maria Gloriosa dei Frari, em Veneza.[15]
Segundo a Memória Biográfica sobre o artista deixada pelo seu amigo íntimo o Conde Cicognara, Canova manteve ao longo de toda sua vida hábitos frugais e uma rotina regular. Acordava cedo e imediatamente começava a trabalhar. Após o almoço costumava retirar-se para um breve repouso. Teve uma doença crônica de estômago que permanece não identificada, que causava dores severas em ataques que se sucederam ao longo de toda sua vida. Parece ter nutrido uma fé religiosa profunda e sincera. Não manteve uma vida social especialmente brilhante, embora fosse constantemente solicitado para frequentar os círculos de personalidades ilustres que o admiravam, mas era comum que recebesse amigos em sua própria casa após sua jornada de trabalho, à noite, quando se revelava um anfitrião de modos finos, inteligente, afável e caloroso. Segundo suas próprias palavras, suas esculturas eram a única prova de sua existência civil. Parece que em duas ocasiões esteve perto de contrair matrimônio, mas permaneceu solteiro por toda a vida. Seu grupo de amigos, porém, era grande e a eles dedicava um afeto intenso e elevado. Não manteve discípulos regulares, mas se notava talento superior em algum artista iniciante não poupava bons conselhos e encorajamento. Muitas vezes apoiou financeiramente jovens promissores e buscou-lhes encomendas. Mesmo sempre às voltas com muito trabalho, não hesitava em abandonar seu atelier assim que fosse chamado por outro artista para dar sua opinião sobre assuntos de arte ou oferecer conselhos técnicos.[16]
Alimentou um perene entusiasmo pelo estudo da arte antiga e pela arqueologia. Gostava da literatura clássica e fazia frequentes leituras, mas de hábito alguém lia para ele enquanto trabalhava. Considerava a leitura de bons autores um recurso indispensável para aperfeiçoamento pessoal e de sua arte. Não foi um escritor, mas manteve profusa correspondência com amigos e intelectuais, onde se evidencia um estilo de escrita claro, simples e vívido, que foi-se refinando ao longo dos anos sem perder sua força e espontaneidade. Uma de suas cartas de 1812 atesta que chegou a pensar em publicar algo sobre sua arte em seus princípios gerais, mas não o concretizou. Contudo, em segredo muitas de suas observações e idéias foram registradas por seu círculo de associados e tornadas públicas mais tarde. Parecia ser imune à inveja, à crítica e à bajulação, e nunca se afligiu com o sucesso alheio; ao contrário, não economizava elogios quando percebia grandeza na obra de seus colegas de ofício, e manifestava gratidão por conselhos ou reparos que julgava justos e apropriados. Quando uma crítica contundente apareceu publicada em um jornal de Nápoles, dissuadiu seus amigos que queriam prover uma réplica, dizendo que seu trabalho se encarregaria de dar a resposta adequada.[17] As relações de Canova com a política de seu tempo são exemplificadas nas obras que criou para a Casa da Áustria e a Casa de Bonaparte, onde os desejos de legitimação e glorificação dos governantes entraram em conflito com a postura politicamente neutra que o escultor desejava manter. Teve obras recusadas ou severamente criticadas por ambas por não se enquadrarem naqueles desejos, como o grupo de Hércules furioso que lança Licas ao mar (1795), rejeitado pelo imperador austríaco, e o mesmo acontecendo com o retrato alegórico que fez para Napoleão como Marte pacificador.[18] Sua opinião a respeito de Napoleão tem sido descrita como ambígua, sendo ao mesmo tempo um admirador, aceitando da sua família várias encomendas, e um crítico, especialmente pela sua invasão da Itália e o confisco de um grande acervo de obras de arte italianas.[19]
Apreciava o sucesso de suas obras e era vivamente grato por isso, mas nunca evidenciou que um desejo de glória pessoal fosse seu objetivo primário, apesar de ter sido um dos artistas de seu tempo mais expostos aos perigos da celebridade, pois recebeu diversas condecorações e a proteção de muitos nobres importantes, foi ele mesmo nobilitado em vários Estados da Europa, incumbido de altos cargos públicos e incluído como membro em muitas academias de arte mesmo sem jamais tê-lo solicitado. Gastou boa parte da fortuna que veio a acumular em obras de caridade, no fomento de associações de classe e no apoio aos jovens artistas. Em várias ocasiões adquiriu com recursos próprios obras de arte para museus públicos e coleções de livros para bibliotecas, não raro fazendo suas doações anonimamente. Também em vários momentos precisou ser alertado para não dissipar seus rendimentos com os problemas alheios.[20][8]
Seu permanente fascínio pela antiguidade clássica fez com que ele acumulasse uma significativa coleção de peças arqueológicas de mármore e terracota. Sua coleção de placas de terracota da Campania era especialmente interessante, embora nunca citada nas suas primeiras biografias. As peças eram em sua maioria fragmentárias, mas muitas estavam íntegras e eram de alta qualidade, e as tipologias que ele preferiu reunir evidenciam que ele estava à frente das tendências museológicas e colecionistas de seu tempo. O seu interesse pelo material estava ligado ao uso da argila para criar os modelos de suas obras em mármore, e ele a preferia antes do que o gesso por ser mais fácil de trabalhar, e a empregava também para a elaboração dos relevos que ele chamava "de recreação privada", onde representava cenas que encontrava em suas leituras de Homero, Virgílio e Platão.[21]