Vaste casemate de la manutention détruite par un tir direct lors du siège de 1914: 27 hommes furent tués ici. du bastioDu 2 - 31 août 1914 :

En août 1914, la garnison est composée d’isolés des 148ème (suite à la retraite après les durs combats de Namur et de Dinant) et 348ème d’infanterie (3 compagnies du 6ème bataillon pour garder le pont), de 300 auxiliaires, de douaniers, de sapeurs, d’un bataillon et demi (2ème et 3ème bataillons du 45ème R.I.T.), soit un total de 3.000 hommes renforcés par deux batteries d’artillerie et une batterie d’active d’artillerie lourde soit 42 pièces (5ème batterie RAP territoriale basée sur place est renforcée en août 1914 par la 28ème batterie du 1er RAP afin de protéger la frontière avec la Belgique). On trouve donc des pièces obsolètes comme des mortiers et des pièces de flanquement datant de 1832, une quarantaine de pièces de 90 et 120mm et deux canons de 155 courts, modèle 1890. Huit mitrailleuses complètent ce maigre dispositif. La garnison dispose de 80 jours de vivres et 60 jours d’eau grâce aux multiples citernes alimentées par un réseau hydrologique complexe. Cinquante officiers sous les ordres du Lieutenant du Génie Pailla assurent le commandement. Face à eux le Général Saxon Von Hausen dont l’objectif est d’ouvrir une brèche entre les IVème et Vème armées Françaises qui battent en retraite.

Les unités Françaises :

Constitué de 3 bataillons, le 45ème RIT est regroupé dans les villes suivantes : Givet, Charleville, Montmédy, Longwy, Verdun 2ème région militaire. Ce sont les deuxième et troisième bataillons qui sont cantonnés à Givet en août 1914. On affecte dans un régiment territorial des hommes capables de manier les armes mais qui, âgés de plus de trente ans, ne sont plus considérés comme étant assez entrainés pour intégrer un régiment de première ligne d’active ou de réserve.

Armée d’active : nés entre 1891 et 1892, âgés de 22 à 24 ans à la mobilisation en août 1914.

Réserve de l’armée d’active : nés de 1881 à 1890, entre 24 et 34 ans à la mobilisation.

Armée territoriale : nés de 1875 à 1880, âgés de 35 à 40 ans à la mobilisation.

Réserve de l’armée territoriale : nés de 1869 à 1874, âgés de 40 à 45 ans à la mobilisation.

En 1914, les territoriaux (en théorie) n’appuient pas les régiments d’active lors d’opérations en rase campagne, d’ailleurs ils ne sont pas équipés pour cela. Ils participent à la police des lignes frontières, à l’occupation et à la défense des places, des forts, à la défense des ponts. La tournure des évènements en fait rapidement de précieux auxiliaires de logistique assurant des missions de ravitaillement ou autre jusqu’en première ligne… Les plus jeunes territoriaux, dès la fin août 1914 sont même affectés à des régiments d’infanterie pour compenser les pertes importantes.

148ème RI

Le troisième bataillon du 148ème RI est en garnison à Givet. Le 6 août avec deux compagnies du 45ème RIT (en tout 3.340 hommes et 66 officiers) il passe la frontière Belge et prend position sur la rive gauche de la Meuse, aux environs de Dinant, Anhée, Yvoir, Godine et Hastière, Anseremme, Dinant, Anthée. Jusqu’au 15 août, seules quelques escarmouches sur les avant-postes rive droite avec des unités de reconnaissance Uhlans sont relevées. Le 15 août, les allemands lancent une attaque massive sur Dinant. D’abord repoussés, les Français finissent par reprendre temporairement le terrain perdu. Quelques jours plus tard les Allemands reviennent en force, s’emparent de la ville, massacrent des centaines de civils et incendient la ville. Le 22 août, le 3ème bataillon du 148ème RI participe à la tentative de libération de la ville de Namur assiégée après la chute de Liège. L’unité parvient à reprendre du terrain avant d’être repoussée par de l’artillerie lourde avant de se mettre en réserve à Bioul. Après de durs combats (prise d’Onhaye et arrêt de l’offensive Allemande à Anhée le 23 août) le 148ème se replie suite à la tentative d’encerclement de la Vème armée par les troupes du général Von Bülow. Il ne rejoint pas Givet déjà assiégée mais Rocroi avant de poursuivre sa route.

348ème RI

En août 1914, ce régiment vient juste d’être créé suite à la déclaration de guerre en vertu de la loi du 7 août 1913 dont les dispositions ne furent réglées que le 15 avril 1914. Le 348ème RI fait partie de la 52ème division de réserve, à la déclaration de guerre, les cadres et le matériel ne sont pas en nombre suffisant, l’unité reçoit son drapeau pendant la campagne !

2 août :

La mobilisation est lancée, les civils résidant dans Charlemont sont évacués, les troupes de réserve et du service de santé arrivent dans la journée et dans la nuit de 2 au 3 août. Les troupes des services de santé se répartissent entre l’hôpital de Vauban, bâti en ville, et l’hôpital de campagne de Charlemont, bâti par le général Séré de Rivières. Cédé à la ville en 1921, l’hôpital de Vauban bâti « au compte du Roi » est déjà cité dans l’édit royal des services de santé militaires de 1708. Il est détruit dans les années 1950. Bien que sérieusement endommagé par les bombardements, l’hôpital de campagne de Charlemont parviendra en bon état jusqu’à nous grâce à une énergique restauration menée par l’armée à la fin du XXème siècle.

Premières opérations :

Rien ne démontre que la garnison participe aux opérations de couverture de la région de Givet avec le 148e RI. Pour défendre le pont de Givet et le tunnel de chemin de fer, une compagnie du 45ème R.I.T est détachée du Fort (un impressionnant escalier souterrain relie l’ouvrage au Fort).

9 août :

Trois compagnies du 348ème RI (6ème bataillon) viennent renforcer la garnison avec pour mission de garder le pont de Givet.

11 août :

Le Fort est placé à la disposition du commandant de la Vème armée qui le met sous le commandement du 1er C.A. (Franchet d’Esperey). Premières évacuations de blessés par le train dont trois prisonniers Allemands.

15 août :

Le Général Franchet d’Esperey inspecte Charlemont. On entend tonner le canon dans la matinée. L’alerte générale est sonnée dans Charlemont, les mèches d’allumage sont prêtes aux ponts de la Meuse. L’évacuation des blessés se fait de façon déplorable, les wagons sanitaires ne sont en fait que des wagons à bestiaux sans paille ni brancard, ni couverture. L’évacuation des prisonniers blessés ou guéris fonctionne mal.

17 août :

Un avion allemand Taube survole Charlemont deux jours de suite pour compléter ses reconnaissances ou par simple bravade. Cela permet au brigadier

Maurice Plumay de réaliser le premier tir de « DCA » : l’avion est abattu à 10 heures du matin. L’artilleur sera récompensé le 25 juin 1919 par une citation à l'Ordre de l'Armée.

Etablissement d’une « ambulance de gare ». Chaque jour, un train de blessés, auxquels il faut apporter de petits soins comme la remise en place de pansements, transite par Givet. Une ambulancière (Melle Lombard) aidée de dames de la Croix-Rouge est installée dans un local de la gare : elles désaltèrent les blessés qui souffrent de la soif. Mr Mallet, pharmacien aide-major de 2ème classe, est chargé d’examiner les convois de blessés et de juger s’il est urgent de faire venir un médecin de l’hôpital de Givet ou d’y faire transporter un blessé en urgence. Il apporte aussi quelques soins pour permettre aux blessés de poursuivre leur voyage. Entre deux convois, il assure la surveillance de l’embarquement des blessés évacués de l’hôpital.

18 août :

L’avis d’investissement de la place est prononcé. A 10h, le gouverneur ordonne de déménager l’hôpital de Givet dans l’hôpital de campagne de Charlemont. L’évacuation des blessés et de l’ensemble du matériel effectuée en bon ordre est effective à 17h.

19 août :

L’artillerie du Fort fait le feu sur de petites unités ennemies. L’hôpital de campagne de Charlemont est fonctionnel.

20 août :

L’artillerie de Charlemont fait feu cinq ou six fois.

 

21 août :

Les blessés continuent d’affluer à la gare de Givet. L’infirmerie de la gare ne suffit plus à répondre aux besoins. On ne peut plus y soigner et y nourrir les hommes. L’hôpital de la Croix-Rouge est alors installé à l’hôtel d’Angleterre. Les blessés y sont amenés pour être nourris et pansés avant d’être évacués aussi vite que possible vers Charleville, Reims ou Laon. 25 lits permettent de garder les plus atteints.

22 août :

L’aviateur Allemand, qui s’est écrasé près d’Hastière suite au tir de Maurice Plumay, est soigné par les services de santé Français. L’hôpital de la Croix-Rouge investit les étages de l’hôtel d’Angleterre, on évacue le plus de blessés possible. Si le train ne suffit pas ou ne permet pas les évacuations, on les transfère vers l’hôpital de Charlemont où les blessés sont encore peu nombreux.

23 août :

Un convoi de 480 blessés arrive en gare, il est composé d’hommes de toutes armes mais majoritairement de troupes dites « indigènes ». Tous ces hommes sont soignés et nourris avant d’être rapidement évacués.

24 août :

Après la défaite de Charleroi, la droite de la Vème armée (1e C.A. et 51e D.R.) se replie vers le Sud-ouest sans oublier de faire sauter le pont de Givet mais en laissant la voie ferrée intacte. Les Allemands en profiteront pour approcher leurs plus grosses pièces d’artillerie ! Charlemont et sa garnison sont seuls face à l’ennemi, ils ne disposent même pas du téléphone. Malgré le sabordage du pont, l’hôpital de l’école de garçons et ses 118 lits est maintenu côté Givet Notre-Dame au cas où une action s’engagerait rive droite.

Le canon gronde de plus en plus et les personnels de santé se replient sur Charlemont chaque nuit et reviennent soigner les blessés de l’hôpital de la Croix-Rouge chaque matin (au besoin on peut monter jusqu’à 50 lits). Dans l’après-midi les artilleurs Allemands font feu sur le train Givet / Charleville qui parvient à revenir en gare : les blessés ne sont plus évacuables, on les transfert donc à l’hôpital de campagne de Charlemont !

25 - 27 août :

De façon sporadique, l’artillerie du Fort fait feu tandis que le 45ème R.I.T. lance des reconnaissances. Le 27 ont lieu les premiers contacts avec l’ennemi et des cavaliers sont repoussés par le feu des mitrailleuses. Les bruits les plus divers circulent, la garnison ne sait rien.

28 août :

Sur ordre du gouverneur, une reconnaissance est envoyée à Foisches (1500m à l’Ouest), mais le village est déjà occupé. Une deuxième unité envoyée sur Agimont (3,5 km au Nord-ouest), n’aperçoit aucune troupe Allemande mais apprend par les habitants que de l’artillerie de siège s’installe dans la région à plus de 7 km de Charlemont, donc hors de portée de l’artillerie du Fort.

29 août :

L’investissement progresse. Une demi-compagnie envoyée en reconnaissance à 2 km au Nord se heurte à des Allemands qui creusent des tranchées. A 12h, deux blessés dont un officier d’infanterie du 348ème sont amenés à l’hôpital. A 13h, début du bombardement par l’artillerie lourde Allemande. Dès les premiers coups, une poudrière saute avec un bruit effroyable ainsi qu’une casemate en ensevelissant 27 hommes.

Dans le même temps, les hôpitaux de Givet sont évacués sur l’hôpital de campagne de Charlemont : seuls les blessés les plus touchés demeurent à l’hôtel d’Angleterre. L’évacuation des blessés sur plus d’un kilomètre est périlleuse suite à l’utilisation d’obus fusant (explosant en l’air). L’évacuation des blessés les moins touchés est à peine achevée qu’un obus fusant explose au-dessus de l’hôtel d’Angleterre : les vitres et la marquise volent en éclat. Le bombardement dure une partie de la nuit. Heureusement l’armée Allemande mal renseignée ne prend pas pour cible le complexe dit « du silo à grain » : en fait il s’agit d’un gigantesque complexe de poudrières et de soutes à munitions.

30 août :

Les allemands menacent « d’exécuter la ville ouverte » si Charlemont ne se rend pas : refus du gouverneur. Le bombardement très violent continue donc avec des pièces de 305 voire 380 et 420mm (sur ce dernier point les avis divergent) : en moyenne six coups à la minute. Les dégâts matériels sont énormes et l’artillerie de Charlemont est incapable de riposter : ses pièces sont endommagées et les batteries Allemandes sont hors de portée. L’hôpital de campagne de Charlemont est sérieusement touché, les murs sont ébranlés et les blessés sont transportés dans les casemates du rez-de-chaussée. L’infanterie allemande profite des bombardements pour se rapprocher du front Nord avec prudence et sans lancer l’attaque. Vers 6 heures, un colonel allemand somme la place de se rendre. Le conseil de défense est réuni, à 9h l’officier d’ordonnance du gouverneur, le Lieutenant Bottaris, quitte le Fort avec le « parlementaire » Allemand. Il n’y reviendra qu’à une heure du matin pour annoncer que les conditions de la reddition sont peu acceptables. Pendant ce temps dans Givet, les combats pour la possession du pont, de la place de la République et du quai du Fort de Rome sont très violents. Dès 10h, une compagnie Saxonne du 106ème de réserve est aperçue à l’entrée de Givet Notre-Dame. Leur objectif est de franchir la Meuse en face de la Place Vauban, mais l’alerte est donnée. Un zouave et trois soldats du train rescapés de la Vème armée s’embuscadent derrière une barricade proche de la culée (rive gauche) du pont ruiné et font feu. Les sergents Adnet et Desjardins ainsi que deux hommes du 45ème RIT descendus par le tunnel viennent les renforcer (une autre version précise que ce sont ces hommes qui éventent la tentative Allemande en revenant d’une corvée). L’officier qui commandait le tunnel envoie l’adjudant Lurot et une compagnie pour soutenir les hommes qui font face aux Allemands. Une demi-section s’établit donc Quai du Fort de Rome tandis que l’autre moitié, commandée par le Sergent Lauth, prend position dans une tranchée à l’Est du jardin public. Les Allemands comprennent que la traversée n’est pas possible en l’état. Des tireurs restent placés près du pont tandis qu’une partie de leur unité s’infiltre par la rue Chanzy appuyée par la deuxième compagnie Saxonne. Suite à l’effondrement d’une casemate, le sergent Rigaut sort de Charlemont par le tunnel et se porte volontaire pour aller combattre près du pont. Le sergent Tracet, le soldat Couvreur et quelques autres l’accompagnent pour aller renforcer la demi-section du sergent Lauth. Progressivement, la troupe qui défend le pont se renforce. La fusillade dure une heure avant que les Allemands ne se replient rue Notre-Dame. La place de la République est jonchée de blessés et de cadavres, dont le capitaine de la première compagnie Saxonne.

Les Allemands ouvrent alors un feu violent dans la rue du Luxembourg et défoncent les portes pour jeter les habitants dans la rue. Un civil trouve la mort, les Allemands accusent les civils d’avoir fait feu sur eux : la population ne doit son salut qu’à l’intervention d’un colonel à la retraite Victor Donau. Ce dernier parvient à parlementer avec le capitaine Allemand qui exige que sous une heure tous ses blessés lui soient amenés sans quoi la ville sera « brûlée par le bombardement ». Vers 17h, les Français voient donc apparaitre, au bas du bureau de poste rive droite, Alfred Donau (le frère de Victor) avec un drapeau de la Croix-Rouge : il vient demander un armistice de deux heures de la part du commandement Allemand pour évacuer les blessés et les morts de la Place de la République. Les sous-officiers Français se concertent et acceptent ce cessez-le-feu à l’unanimité. 29 civils se chargent d’évacuer les blessés et les morts Allemands vers le poste de secours de la rue du Luxembourg. Malgré l’armistice, les Allemands du Quai de Rancennes font feu et blessent le sergent Desjardins à la mâchoire et aux jambes. Le zouave qui faisait partie des premiers défenseurs du pont est également grièvement touché (il décèdera de ses blessures aux reins quelques jours plus tard) ainsi qu’une jeune Givetoise. Au final, ce sont cinq combattants qui sont amenés à l’hôpital de Givet. A noter qu’un franc tireur de 15 ans se fait panser le pouce et qu’un dragon très légèrement blessé se propose d’aider à l’hôpital. Vers 18 heures le Commissaire de Police Labraux sur ordre du maire par intérim, Mr Delattre, vient demander aux Français de cesser le feu. Cette demande fait suite à l’arrivée en mairie d’un officier Allemand avec escorte venu depuis Heer-Agimont. Les troupes françaises refluent alors sur Charlemont et le tunnel : menace de bombarder la ville de la part des Allemands ?

31 août :

Le bombardement reprend à 5h avec une rare violence. Désormais Givet est aussi prise pour cible et plusieurs maisons s’écroulent. Tous les blessés de l’hôtel d’Angleterre sont descendus dans les caves, mais à peine les hommes se pensent-ils en sécurité qu’une conduite d’eau éclate et que des merlons leur tombent sur la tête. Les blessés sont alors évacués, les moins atteints aident les autres, les infirmières volontaires sont affolées. Le Dragon offre une aide précieuse au seul homme valide du service de santé, le pharmacien aide-major de 2ème classe Brancourt (territorial). La petite troupe se retrouve dehors en plein bombardement et gagne la campagne afin de se réfugier dans une grange. Le pharmacien repart vers Givet à la recherche d’une maison plus sûre qu’il finit par trouver : une maison à louer fera l’affaire. Les Givetois lui fournissent des matelas, des lits et des draps pour équiper ce nouvel hôpital où tous les blessés sont ramenés dans la soirée.

A Charlemont de nombreuses pièces d’artillerie, des casemates, des citernes et l’hôpital de siège sont sérieusement touchés. Ce dernier menace de s’effondrer complètement. Sous le déluge d’obus, Melle Lombard, une infirmière, sort pour tenter de prévenir le gouverneur de la situation mais ce dernier refuse de la recevoir. Les obus continuent à tomber sur l’hôpital, les blessés sont évacués dans l’abri sous-roc où sont réfugiés le gouverneur et ses officiers. Le service de santé doit faire face à la résistance du gouverneur qui renâcle à accueillir les blessés dans sa casemate. A midi, l’hôpital est complètement dévasté, à l’exception de la chambre des infirmiers qui n’a pas trop souffert. L’abri sous-roc qui tient lieu d’abri aux blessés et à l’état-major a ses cheminées d’aération bouchées par les débris, son entrée est ruinée. A 4h, des obus énormes (la garnison parle de 180kg) s’abattent sur le Fort qui est complètement dévasté, l’abri sous-roc menace de céder. Les gaz dégagés par les obus provoquent des cas d’asphyxie et il devient impossible de tenir. Le conseil de défense décide de capituler. Le drapeau blanc est hissé mais le bombardement continue, de plus en plus dur (8 à 10 obus minute). Le sergent infirmier Guiny accompagné des infirmiers Plée et Redon, tous volontaires, se rendent à la mairie comme parlementaires. A 17h, le commandement du Fort signe la capitulation. En présence des officiers, le chef de corps met le drapeau en pièces et en brûle les morceaux un à un. Le médecin-chef de la place, le docteur Ripert, parvient à en subtiliser un morceau qu’il conserve précieusement (nous en reparlerons). A l’arrêt du bombardement, on compte environ 200 victimes, tués et blessés. 4.008 obus sont tombés sur Charlemont qui est dévasté mais dont aucune infrastructure vitale n’est touchée, 100 hommes sont morts dont 27 ensevelis dans la manutention du bastion de la Reine de Hongrie.

1er septembre 1914 :

Les représentants de la Croix-Rouge Allemande et le directeur de santé de l’hôpital de siège s’accordent pour transférer tous les blessés vers l’hôpital de Givet.

2 septembre 1914 :

Environ cent blessés sont transférés de Charlemont vers l’hôpital de Givet.

Un certain nombre de soldats sont portés disparus dont :

Soldat Delarue Marcel Georges 45ème RIT originaire de Noyon né le 26/10/1891, porté disparu le 30/08/1914.

Sergent Galloy Adolphe Emile 45ème RIT originaire de Fumay né le 02/02/1884, porté disparu.

Soldat Hiblot Léon Jean-Baptiste 45ème RIT originaire de Sedan né le 16/06/1882, « tué à l’ennemi enseveli dans une casemate » le 28/08 ou le 29/08/1914.

Soldat Latour Emile Louis 45ème RIT originaire de Revin né le 11/03/1882, disparu.

Soldat Léger Jules Xavier 45ème RIT originaire de Hierges né le 05/10/1893, disparu le 30/08/1914.

Soldat Lesieur Jean Baptiste Evangéliste Emile 45ème RIT originaire de Chaumont-Porcien, né le 21/09/1891, disparu le 30/08/1914.

Soldat Ziboura (ou Zieboura) 45ème RIT originaire de Montbard/Sedan/Charleville, né le 31/08/1877, « tué à l’ennemi » le 30/08/1914

Le drapeau du 45ème RIT :

Le médecin chef de la place, le docteur Ripert, cache un morceau du Drapeau du 45ème RIT qu’il conserve précieusement suite à la reddition de Charlemont. Par crainte de voir les Allemands s’en emparer, il remet le morceau du drapeau à une infirmière du Fort qui le conserve pendant toute sa captivité en Allemagne avant de le rapporter en France. La pique résista aussi au feu et fut cachée dans une tombe sous le corps d’un soldat Français par les services de santé. L’officier d’administration Massota (qui livra un excellent compte-rendu des évènements d’août 1914) est maintenu à Charlemont par les Allemands pendant 3 mois avec une équipe de Brancardiers pour des travaux d’assainissement. Le jour où M.Massota reçoit l’ordre d’exhumer le soldat servant de cachette à la pique, il parvient à la récupérer discrètement et à la cacher sous sa capote. Quelques jours après, il parvient à la remettre à Melle Delahaye qui parvient à la mettre à l’abri des nombreuses perquisitions Allemandes. A la libération la pique fut remise au 91ème RI : elle fut placée en salle d’Honneur.

On peut se demander pourquoi la propagande Allemande se saisira à ce point de la prise de Givet : peut-être une réaction au camouflet qu’essuyèrent les Prussiens face au Général Bourke en 1815… Si l’on compare les faits et la mission fixée au Fort « offrir une résistance », on ne peut pas dire que ce fut un échec complet puisque du 23 au 25 août la garnison gêne le passage des troupes Allemandes et retient la 24ème armée de réserve pendant six jours. Cette dernière, après une marche forcée ne fera son apparition sur la bataille de la Marne que le 7 septembre au soir où elle sera vaincue. Néanmoins, on ne peut pas nier que la garnison fut sacrifiée, livrée à elle-même dans une forteresse d’un autre temps sous-équipée qui n’était pas censée se retrouver en première ligne.

Les évènements de la région vus par les Allemands :

Conscient des progrès de la fortification liés à l’utilisation massive du béton armé et des tourelles en acier au nickel, l’état major Allemand, dès 1908, commande aux usines de Gustave Krupp des pièces capables de percer 3 m de béton et de briser les nouvelles tourelles. A la déclaration de guerre en août 1914, seule la batterie n°3 Erdmann de deux pièces est disponible. Dix autres suivront. Ces pièces sont dites de classe M, celle que nous appelons grosse Bertha est en faite une pièce « légère » de 420mm, le modèle lourd est appelé « gamma »… Elles entrent en service dès le 12 août 1914 face aux forts de Liège. Leur première victime le Fort de Pontisse, puis le 15 août celui de Loncin qui voit sa poudrière exploser avec 12 tonnes de poudre, le Fort de Fléron subit aussi le feu de ces redoutables pièces. Le 16 août, ces 3 forts ainsi que les 9 autres qui ceinturent la ville demandent à se rendre. Après la chute des forts et de la Citadelle de Namur (la ville a également été très sérieusement touchée), l’artillerie Allemande fait route vers Givet et Maubeuge. Un témoignage Autrichien (ce militaire est appelé à Namur le 26 août 1914) parle de batteries de 305mm quittant Namur mais rien sur les 420mm. Furent-ils envoyés à Givet ? A priori non puisqu’une batterie de 420 (la seule à l’époque) est signalée à la même période au siège de Maubeuge.

Ce même témoignage montre l’extrême fébrilité des troupes Allemandes face aux francs-tireurs : cet officier évoque le cas de Spontin où selon lui la population aurait accueilli et nourri les Allemands avant de faire feu sur eux. Comme bien d’autres villages de la région la population a été massacrée et le village incendié. Dans un autre village, il parle aussi d’un officier supérieur abattu « par derrière » par une enfant de 14 ans, mais dans les faits, il ne fait que relater ce qu’il a entendu puisque qu’il traverse les lieux après ces atrocités. Dinant reprise par les Français avant d’être reprise par les Allemands sera aussi le théâtre du massacre de 674 civils. Ce témoin va sur une route encombrée de colonnes recevoir ses ordres au commandement de la 23ème division à Anthée. En chemin, il constate la violence des combats qui se sont déroulés dans le secteur. Au château d’Anthée, la maîtresse de maison a installé un hôpital de campagne et reçoit les officiers Allemands à sa table. C’est là, dans la grande salle à manger, que notre témoin reçoit l’ordre de participer au siège de Charlemont. Après une reconnaissance, il revient sur Anthée pour récupérer son unité et s’établir sur la rive Est car la Meuse est infranchissable : tous les ponts sont détruits et les constructions provisoires sont incapables de supporter le poids des convois d’artillerie lourde. Sa batterie sera installée du côté de Falmignoul. En route, il est acclamé par les troupes Allemandes qui trinquent avec lui à la santé de la fraternité « Autriche-Allemagne ». Au sud de Falmagne, des positions sont calculées en utilisant le clocher de l’église de Mesnil St Blaise comme point de visée. Les batteries arrivées dans la nuit sont prêtes au petit matin mais elles sont noyées dans le brouillard. Les batteries tournées vers le front Ouest font déjà feu. Vers midi le brouillard se lève et l’unité de notre témoin commence à faire feu.

Dans l’église, vers Falmignoul, est installé un hôpital de campagne. Les habitants prennent en charge le ravitaillement et les soins des blessés en attente d’évacuation. Notre témoin précise qu’aucune maison n’a été brûlée dans le village et que les otages ont été libérés au bout d’un certain temps. Les 29, 30 et 31 août, Charlemont est bombardé durant l’après-midi, des feux sont visibles à l’intérieur du Fort. Au dernier jour d’août, Charlemont est tombé. Le 1er septembre, notre témoin est invité à la visite de Givet et Charlemont. Il croise une première colonne de prisonniers et apprend qu’une unité cantonnée dans un bastion isolé sans communication avec le commandement de la place ignorait la chute du Fort (ce bastion est-il le Fort Condé ?) : ce fut la dernière unité Française de Givet à se rendre. La ville reçoit encore quelques obus de 210mm pour faire fuir les derniers soldats en arme à l’Ouest de la cité et dans certaines rues, quelques maisons sont détruites et des rues endommagées. Il est stupéfait car dès les derniers combats achevés, la vie reprend son cours, les enfants jouent et les commerces sont ouverts. Lors de la visite du Fort, il est très surpris par l’état de ce dernier. Certes toutes les infrastructures sont anéanties mais les cratères ne sont pas si impressionnants que ça car les obus se sont profondément enfoncés dans le sol avant d’exploser. Dans une casemate profonde, il voit 120 blessés et les médecins lui expliquent que cette casemate a été touchée par un tir qui a tué 7 hommes et en a blessé beaucoup d’autres. Il parle d’un grand tunnel traversant l’édifice où beaucoup d’hommes se seraient réfugiés ainsi que d’une casemate où 40 hommes seraient morts. Des pièces lourdes sont disséminées sur le chemin et n’ont pas été mises en position. Les 3.500 prisonniers sont regroupés dans un grand bastion (Haute-Corne ou Lunette d’Asfeld). Il est surpris par la moyenne d’âge élevée de ces hommes et leurs uniformes d’un autre âge. Il précise aussi que de nombreux prisonniers sont originaires de la région et femmes et enfants les attendent à la sortie du Fort. Sur le front les massacres en marge des combats furent nombreux.

   

Liberty Enlightening the World (French: La liberté éclairant le monde), commonly known as the Statue of Liberty (French: Statue de la Liberté), has stood on Liberty Island in New York Harbor, welcoming visitors, immigrants, and returning Americans, since it was presented to the United States by the people of France. Dedicated on October 28, 1886, the gift commemorated the centennial of the signing of the United States Declaration of Independence and has since become one of the most recognizable national icons--a symbol of democracy and freedom.

 

The 151-foot (46-meter) tall statue was sculpted by Frédéric Auguste Bartholdi and stands atop Richard Morris Hunt's 154-foot (93-meter) rectangular stonework pedestal with a foundation in the shape of an irregular eleven-pointed star. Maurice Koechlin, chief engineer of Gustave Eiffel's engineering company and designer of the Eiffel Tower, engineered the internal structure. Eugène Viollet-le-Duc was responsible for the choice of copper and adoption of the repoussé technique, where a malleable metal is hammered on the reverse side. The Statue of Liberty depicts a woman clad in Roman Stola and holding a torch and tablet, and is made of a sheeting of pure copper, hung on a framework of steel with the exception of the flame of the torch, which is coated in gold leaf.

 

Affectionately known as Lady Liberty, the figure is derived from Libertas, ancient Rome's goddess of freedom from slavery, oppression, and tyranny. Her left foot, fitted in Roman sandals, tramples broken shackles, symbolizing freedom from opression and tyranny, while her raised right foot symbolizes Liberty and Freedom refusing to stand still. Her torch signifies enlightenment. The tablet in her hand represents knowledge and shows the date of the Declaration of Independence--July 4, 1776. The seven spikes on the crown represent the Seven Seas and seven continents. Visually the the Statue of Liberty draws inspiration from the ancient Colossus of Rhodes of the Greek Sun-god Zeus or Helios, and is referred to in the 1883 sonnet The New Colossus by Emma Lazarus, which was later engraved inside.

 

The Statue of Liberty National Monument was designated a landmark by the New York City Landmarks Preservation Commission in 1976.

 

New Jersey State Register (1971)

National Register #66000058 (1966)

Silver gilt, 5th-7th century C.E.

Weight: a. 475.03 g (526.83 g with lid); b. 527.23 g. H: a. 16.46 cm (18.4 cm with lid); b. 16.7 cm (without modern lid)

 

The body roughly formed from a silver sheet cut into a disc and hammered into an approximate shape, excess silver cut off at the rim. For detailed analysis of the general technique see cat. no. 152. Repeatedly worked alternately repoussé from the inside and chased from the outside. The foot made separately and annealed on; on a., an inscription punched underneath. Extensively worked and chiselled in the cold; the gilding applied by the mercury technique; the gilded parts carefully burnished both to strengthen their adherence and for visual effect; the silver neck and rim burnished and polished. The lid made up of three parts: a hammered metal disc with the motifs chiselled in, but in relief as the rest of the surface is hammered back; its underside with a circular strip - hammered, cut, joined and soldered onto it - enabling insertion into the neck of the vessel; the knob made by hammering and cutting with a tang inserted through a hole in the lid and flattened underneath. Gilding, burnishing and polishing as for body.

 

Condition: a. vessel cleaned but traces of limestone deposit on neck, mouth and under foot, also some oxidized silver under foot. The gilding on the lid's knob, a pomegranate, three fifths covered with a green cuprous chloride, an emanation from the silver's copper content, its calyx slightly worn. b. vessel also cleaned but with limestone deposit on two of the birds, in a few other places and on rim of mouth. Missing, the lid, the present cover a modern replacement.

 

Vessel a. is the one on the right side of the plate.

 

These vessels for wine are unusual for being a true pair and most exceptionally one of them still has its original lid [2] surmounted with a pomegranate. One of the jars has an inscription on its underside, which unfortunately has not yet proved decipherable [3]. The shape is common, and many examples are to be found in American museums and private collections acquired over the past forty years [4]. The floral motifs would indicate an early date, probably in the 5th century. However lovely the decorative effect, the floral decoration with the addition of the little birds must have had a symbolic meaning, which unfortunately escapes us.

       

1 Melikian-Chirvani, A.S.: Argenterie et le bronze iranien, 7e.-11e. siècle. Chapter 2 (doctoral dissertation unpublished). A.S. Melikian-Chirvani in an oral communication told us that he believes the date to be 7th-8th century A.D.

 

2 All these vessels probably had lids, but this appears to be the only surviving one.

 

3 A.S. Melikian-Chirvani brilliantly photographed it in the author's house but unfortunately the two Pahlavi specialists he entrusted it to for reading eventually declared that they could make nothing of it.

 

4 E.g. von Bothmer, D. (ed.): Glories of the Past. Ancient Art from the Shelby White and Leon Levy Collection (New York, 1990), nos. 44, 45, pp. 60-62 (T.S. Kawami); Gunter, A.C., Jett, P.: Ancient Iranian Metalwork in the Arthur M. Sackler Gallery and the Freer Gallery of Art (Washington, 1992), nos. 33, 34, pp. 188-193.

 

Text and picture from the website of George Ortiz.

The Newar people or Newars (/nɪˈwɑrz/; Newar: नेवार) are the historical inhabitants of the Kathmandu Valley and its surrounding areas in Nepal and the creators of its historic civilization.

 

The valley and surrounding territories constituted the former Newar kingdom of the Nepal Mandala. Unlike a common-origin ethnic group, Newars are a good example of a nation-community with relic-identity of a previously existing country. Newar community within it consists of various strands of ethnic, racial, caste and religious heterogeneity, as Newars of today are descendants of the diverse group of people that have lived in Nepal Mandala since prehistoric times. Indo-Aryan immigrants like the Licchavis and Mallas that arrived at different periods eventually merged with the local indigenous population by adopting their language and customs. These immigrants retained their Indic heritage and brought with them their Sanskritic languages, social structure, Vedic religion and culture which has profoundly altered the history of Newar civilization. Newar rule in Nepal Mandala ended with its conquest by the Gorkha Kingdom in 1768.

 

Today, Newars are a linguistic and cultural community of primarily Indo-Aryan and Tibeto-Burman ethnicities following Hinduism and Buddhism with Nepal Bhasa as their common language. Unlike other ethnic or caste groups of Nepal, they are a linguistic and cultural community that transcends religion, caste, ethnicity and cultural distinctions. Scholars have also described the Newars as a nation. They developed a division of labour and a sophisticated urban civilization not seen elsewhere in the Himalayan foothills. They are known for their contributions to art, sculpture, architecture, culture, literature, music, industry, trade, agriculture and cuisine, and left their mark on the art of Central Asia.

 

According to Nepal's 2011 census, the 1,321,933 Newars in the country are the nation's sixth-largest ethnic group, representing 5% of the population. Recent mass migration into the Kathmandu Valley has resulted in the Newars becoming a minority in their homeland. Despite the high level of development, Newar culture and language are both under threat today.

 

HISTORY

For about a thousand years, the Newari civilization in Central Nepal preserved a microcosm of classical North Indian culture in which Brahmanic and Buddhist elements enjoyed equal status. Snellgrove and Richardson (1968) speak of 'the direct heritage of pre-Islamic India'.

 

The different divisions of Newars had different historical developments. The common identity of Newar was formed in the Kathmandu Valley. Until the conquest of the valley by the Gorkha Kingdom in 1769, all the people who had inhabited the valley at any point of time were either Newar or progenitors of Newar. So, the history of Newar correlates to the history of the Kathmandu Valley prior to the establishment of the modern state of Nepal.

 

The earliest known history of Newar and the Kathmandu Valley blends with mythology recorded in historical chronicles. One such text, which recounts the creation of the valley, is the Swayambhu Purana. According to this Buddhist scripture, the Kathmandu Valley was a giant lake until the Bodhisattva Manjusri, with the aid of a holy sword, cut a gap in the surrounding hills and let the water out. This apocryphal legend is supported by geological evidence of an ancient lakebed, and it provides an explanation for the high fertility of the Kathmandu Valley soil.

 

According to the Swayambhu Purana, Manjusri then established a city called Manjupattan (Sanskrit "Land Established by Manjusri"), now called Manjipā, and made Dharmākara its king. A shrine dedicated to Manjusri is still present in Majipā. No historical documents have been found after this era till the advent of the Gopal era. A genealogy of kings is recorded in a chronicle called Gopalarajavamsavali. According to this manuscript, the Gopal kings were followed by the Mahispals and the Kirats before the Licchavis entered from the south. Some claim Buddha to have visited Nepal during the reign of Kirat king Jitedasti. The Licchavi dynasty ruled for at least 600 years, followed by the Malla dynasty in the 12th century AD.

 

Newar reign over the valley and their sovereignty and influence over neighboring territories ended with the conquest of the Kathmandu Valley in 1769 by the Gorkhali Shah dynasty founded by Prithvi Narayan Shah. Systematic brutal suppression of the Newar people was pursued for generations during early dynastic rule in order to discourage them from any political aspiration.

 

Prior to the Gorkha conquest, which began with the Battle of Kirtipur in 1767, the borders of Nepal Mandala extended to Tibet in the north, the nation of the Kirata in the east, the kingdom of Makwanpur in the south and the Trishuli River in the west which separated it from the kingdom of Gorkha.

 

ECONOMY HISTORY

Trade, industry and agriculture have been the mainstay of the economy of the Newars. They are made up of social groups associated with hereditary professions that provide ritual and economic services. Merchants, craftsmen, artists, potters, weavers, dyers, farmers and other castes all played their part in creating a flourishing economic system. Elaborate cultural traditions which required the use of varied objects and services also fuelled the economy. Towns and villages in the Kathmandu Valley specialized in producing particular products, and rich agriculture produced a surplus for export.

 

For centuries, Newar merchants have handled trade between Tibet and India besides exporting locally manufactured products to Tibet. Rice was another major export. Porters and pack mules transported merchandise over mountain tracks that formed the old trade routes. Since the 18th century, Newars have spread out across Nepal and established trading towns dotting the midhills. They are known as jewelry makers and shopkeepers. Today, they are engaged in modern industry, business and service sectors.

 

RELIGION

According to the 2001 Nepal Census, 84.13% of the Newars were Hindu and 15.31% were Buddhist, but most of the Newars practice both Hinduism and Buddhism. These days Christianity, Islam, and other religions are also followed.

 

Out of the three main cities of the Kathmandu Valley which are historically Newar, the city of Patan is the most Buddhist containing the four stupas built by Indian emperor Ashoka. Bhaktapur is primarily Hindu, while Kathmandu is a mix of both. Generally, both Hindu and Buddhist deities are worshiped and festivals are celebrated by both religious groups. However, for ritual activities, Hindu and Buddhist Newars have their own priests and cultural differences.

 

Religiously, the Newars can be classified as both Hindu and Buddhist. The major cults are Vajrayana Buddhism and Tantric Hinduism. The former is referred to as Buddhamarga, the latter as Sivamarga. Both creeds have been established since antiquity in the valley. Both Buddhamargi and Sivamargi Newars are Tantricists, i.e., one believes that the union of male and female powers moves the universe. In this regard the cult of the mother Goddesses and their consorts, the Bhairavas, is particularly important. The most important shrines in the valley are Swayambhunath (Buddhist) and Pashupatinath (Hindu). Different castes worship different deities at different occasions, and more or less intensively. Only the higher echelons in the caste system claim to be exclusively Buddhist or Hindu. The Vajracharyas, Buddhist priests, will adamantly maintain that they are Buddhists, and so will the Bare and the Uray, whereas, the Deobrahman, the Jha, and the dominant Shresthas will maintain that they are Hindus. Further down in the caste hierarchy no distinction is made between Buddhists and Hindus. Hindu and Buddhist alike always worship Ganesh first in every ritual, and every locality has its local Ganesh shrine (Ganesh Than).

Although Newar Buddhism (Vajrayana) had been traditionally practiced in the Kathmandu Valley, Theravada Buddhism made a comeback in Nepal in the 1920s and now is a common form of Buddhism among Buddhamargi Newars.

 

LANGUAGE

Newars are bound together by a common language and culture. Their common language is Nepal Bhasa or the linguistic progenitor of that language. However, despite a government directive that the name Nepal Bhasa should be used, the Central Bureau of Statistics has not been doing so.

 

Nepal Bhasa already existed as a spoken language during the Licchavi period. Inscriptions in Nepal Bhasa emerged from the 12th century, the palm-leaf manuscript from Uku Bahah being the first example. Nepal Bhasa developed from the 14th to the late 18th centuries as the court and state language. It was used universally in stone and copper inscriptions, sacred manuscripts, official documents, journals, title deeds, correspondence and creative writing.

 

In 2011, there were approximately 846,000 native speakers of Nepal Bhasa. Many Newar communities within Nepal also speak their own dialects of Nepal Bhasa, such as the Dolakha Newar Language. Nepal Bhasa is of Tibeto-Burman origin but has been heavily influenced by Indo-Aryan languages like Sanskrit, Pali, Bengali and Maithili.

 

SCRIPTS

Nepal script is a group of scripts that developed from the Brahmi script and are used primarily to write Nepal Bhasa and Sanskrit. Among the different scripts, Ranjana, Bhujinmol and Prachalit are the most common. Nepal script is also known as Nepal Lipi and Nepal Akhala.

 

Nepal script appeared in the 10th century. For a thousand years, it was used on stone and copper plate inscriptions, coins (Nepalese mohar), palm-leaf documents and Hindu and Buddhist manuscripts. Devanagari began to be used to write Nepal Bhasa in the beginning of the 20th century, and Nepal script has limited usage today.

 

LITERATURE

Nepal Bhasa is one of the five languages in the Sino-Tibetan family with an ancient literary tradition. Literature in Nepal Bhasa began as translation and commentary in prose in the 14th century AD. The earliest known document in Nepal Bhasa is called "The Palmleaf from Uku Bahal" which dates from 1114 AD during the Thakuri period.

 

Classical Nepal Bhasa literature is represented by all the three major genres-prose, poetry and drama. Most of the writings consist of prose including chronicles, popular stories and scientific manuals. Poetry consists of love songs, ballads, working songs and religious poetry. The earliest poems date from the 1570s. Epic poetry describing historical events and tragedies are very popular. The ballads Sitala Maju, about the expulsion of children from Kathmandu, Silu, about an ill-fated pilgrimage to Gosaikunda, and Ji Waya La Lachhi Maduni, about a luckless Tibet trader, are sung as seasonal songs.

 

The dramas are based on stories from the epics, and almost all of them were written during the 17th and 18th centuries. Nepal Bhasa literature flourished for five centuries until 1850. Since then, it suffered a period of decline due to political oppression. The period 1909–1941 is known as the Nepal Bhasa renaissance period when writers defied official censure and braved imprisonment to create literary works. Modern Nepal Bhasa literature began in the 1940s with the emergence of new genres like short stories, poems, essays, novels and plays.

 

DANCE

MASKED DANCE

Newar dance consists of sacred masked dance, religious dance without the use of masks known as Dyah Pyakhan, dance performed as part of a ritual and meditation practice known as Chachaa Pyakhan (Newar: चचा प्याखं) (Charya Nritya in Sanskrit) and folk dance. There are also masked dance dramas known as Daboo Pyakhan which enact religious stories to the accompaniment of music.

 

DHIME DANCE

The dance done in the tune of Dhime are Dhime dance.

 

MUSIC

Traditional Newa music consists of sacred music, devotional songs, seasonal songs, ballads and folk songs. One of the most well-known seasonal songs is Sitala Maju. The ballad describes the expulsion of children from Kathmandu in the early 19th century. Another seasonal song Silu is about a pilgrimage to Gosaikunda that went wrong. Ji Waya La Lachhi Maduni is a tragedy song about a newly married couple. The ballad Rajamati about unlucky lovers is widely popular. In 1908, maestro Seturam Shrestha made the first recording of the song on gramophone disc in Kolkata.

 

Common percussion instruments consist of the dhimay, khin, naykhin and dhaa. Wind instruments include the bansuri (flute), payntah (long trumpet) and mwahali (short trumpet), chhusya, bhusya, taa (cymbals), and gongs are other popular instruments. String instruments are very rare. Newa people call their music Dhime Baja.

 

The musical style and musical instruments are still in use today. Musical bands accompany religious processions in which an idol of a deity is placed in a chariot or portable shrine and taken around the city. Devotional songs known as bhajan may be sung daily in community houses. Hymn societies like Gyanmala Bhajan Khala hold regular recitals. Dapa songs are sung during hymn singing seasons at temple squares and sacred courtyards.

 

Gunla Bajan musical bands parade through the streets during Gunla, the 10th month of the Nepal Sambat calendar which is a holy month for Newar Buddhists. Musical performances start with an overture which is a salutation to the gods.

 

Seasonal songs and ballads are associated with particular seasons and festivals. Music is also played during wedding processions, life-cycle ceremonies and funeral processions.

 

POPULAR TRADITIONAL SONGS

Ghātu (summer music, this seasonal melody is played during Pahan Charhe festival)

Ji Wayā Lā Lachhi Maduni (tragedy of a merchant)

Mohani (festive joy, this seasonal tune is played during Mohani festival)

Rājamati (about young lovers)

Silu (about a couple who get separated during a pilgrimage, this seasonal music is played during the monsoon)

Sitālā Māju (lament for children expelled from the Kathmandu Valley)

 

RELIGIOUS MUSIC

Gunlā Bājan

 

ART

The Newars are the creators of most examples of art and architecture in Nepal. Traditional Newar art is basically religious art. Newar devotional paubha painting, sculpture and metal craftsmanship are world-renowned for their exquisite beauty. The earliest dated paubha discovered so far is Vasudhara Mandala which was painted in 1365 AD (Nepal Sambat 485). The murals on the walls of two 15th-century monasteries in the former kingdom of Mustang in the Nepal Himalaya provide illustrations of Newar works outside the Kathmandu Valley. Stone sculpture, wood carving, repoussé art and metal statues of Buddhist and Hindu deities made by the lost-wax casting process are specimens of Newar artistry. The Peacock Window of Bhaktapur and Desay Madu Jhya of Kathmandu are known for their wood carving.

 

Building elements like the carved Newar window, roof struts on temples and the tympanum of temples and shrine houses exhibit traditional creativity. From as early as the seventh century, visitors have noted the skill of Newar artists and craftsmen who left their influence on the art of Tibet and China. Newars introduced the lost-wax technique into Bhutan and they were commissioned to paint murals on the walls of monasteries there. Sandpainting of mandala made during festivals and death rituals is another specialty of Newar art.

 

Besides exhibiting a high level of skill in traditional religious art, Newar artists have been at the forefront in introducing Western art styles in Nepal. Raj Man Singh Chitrakar (1797-1865) is credited with starting watercolor painting in the country. Bhaju Man Chitrakar (1817–1874), Tej Bahadur Chitrakar (1898-1971) and Chandra Man Singh Maskey were other pioneer artists who introduced modern style paintings incorporating concepts of lighting and perspective.

 

TRADITIONAL PAINTING

Paubhā

 

ARCHITECTURE

There are seven UNESCO World Heritage Sites and 2,500 temples and shrines in the Kathmandu Valley that illustrate the skill and aesthetic sense of Newar artisans. Fine brickwork and woodcarving are the marks of Newar architecture. Residential houses, monastic courtyards known as baha and bahi, rest houses, temples, stupas, priest houses and palaces are the various architectural structures found in the valley. Most of the chief monuments are located in the Durbar Squares of Kathmandu, Lalitpur and Bhaktapur, the old royal palace complexes built between the 12th and 18th centuries.

 

Newa architecture consists of the pagoda, stupa, shikhara, chaitya and other styles. The valley's trademark is the multiple-roofed pagoda which may have originated in this area and spread to India, China, Indochina and Japan. The most famous artisan who influenced stylistic developments in China and Tibet was Arniko, a Newar youth who traveled to the court of Kublai Khan in the 13th century AD. He is known for building the white stupa at the Miaoying Temple in Beijing.

 

SETTLEMENTS

Durbar squares, temple squares, sacred courtyards, stupas, open-air shrines, dance platforms, sunken water fountains, public rest houses, bazaars, multistoried houses with elaborate carved windows and compact streets are the characteristics of traditional planning. Besides the historical cities of Kathmandu, Lalitpur, Bhaktapur, Madhyapur Thimi and Kirtipur, small towns with a similar artistic heritage dot the Kathmandu Valley where almost half of the Newar population lives.

 

Outside the valley, historical Newar settlements include Nuwakot, Nala, Banepa, Dhulikhel, Panauti, Dolakha, Chitlang and Bhimphedi. The Newars of Kathmandu founded Pokhara in 1752 at the invitation of the rulers of Kaski. Over the last two centuries, Newars have fanned out of the Kathmandu Valley and established trade centers and settled in various parts of Nepal. Bandipur, Baglung and Tansen in west Nepal and Chainpur and Bhojpur in east Nepal contain large Newar populations.

 

Outside Nepal, many Newars have settled in Darjeeling and Kalimpong in West Bengal, Assam, Manipur and Sikkim, India. Newars have also settled in Bhutan. Colonies of expatriate Newar merchants and artisans existed in Lhasa, Shigatse and Gyantse in Tibet till the mid-1960s when the traditional trade came to an end after the Sino-Indian War. In recent times, Newars have moved to different parts of Asia, Europe and America.

 

FESTIVALS

Newar religious culture is rich in ceremony and is marked by frequent festivals throughout the year. Many festivals are tied to Hindu and Buddhist holidays and the harvest cycle. Street celebrations include pageants, jatras or processions in which a car or portable shrine is paraded through the streets and sacred masked dances. Other festivals are marked by family feasts and worship. The celebrations are held according to the lunar calendar, so the dates are changeable.

 

Mohani (Dasain) is one of the greatest annual celebrations which is observed for several days with feasts, religious services and processions. During Swanti (Tihar), Newars celebrate New Year's Day of Nepal Sambat by doing Mha Puja, a ritual in which a mandala is worshipped, that purifies and strengthens one spiritually for the coming year.Similarly, Bhai Tika is also done during Swanti. It is a ritual observed to worship and respect a woman's brothers, with or without blood relation. Another major festival is Sā Pāru (Gai Jatra) when people who have lost a family member in the past year dress up as cows and saints, and parade through town, following a specific route. In some cases, a real cow may also be a part of the parade. People give such participants money, food and other gifts as donation. Usually, childrens are the participants of the parade.

 

In Kathmandu, the biggest street festival is Yenya (Indra Jatra) when three cars bearing the living goddess Kumari and two other child gods are pulled through the streets and masked dance performances are held. The two godchild are Ganesh and Bhairav. Another major celebration is Pahan Charhe when portable shrines bearing images of mother goddesses are paraded through Kathmandu. During the festival of Jana Baha Dyah Jatra, a temple car with an image of Karunamaya is drawn through central Kathmandu for three days. A similar procession is held in Lalitpur known as Bunga Dyah Jatra which continues for a month and climaxes with Bhoto Jatra, the display of the sacred vest. The biggest outdoor celebration in Bhaktapur is Biska Jatra which is marked by chariot processions and lasts for nine days. Sithi Nakha is another big festival when worship is offered and natural water sources are cleaned. In addition, all Newar towns and villages have their particular festival which is celebrated by holding a chariot or palanquin procession.

 

CLOTHING

Western wear is the norm as in urban areas in the rest of the country. Traditional costumes consist of trousers (suruwā) and long shirts (tappālan) for men, blouse (misālan) and saris (parsi) for women and ankle-length gowns (bhāntānlan) for girls. Ritual dresses consist of pleated gowns, coats and a variety of headresses. Similarly, a shawl (gā) are worn by women. Traditionally, newar women wear a shoe made out of red cloth. It is decorated with glitters and colorful beads (potya). One of the major part of newari dressup is bracelets (chūra).

 

CUISINE

Meals can be classified into three main categories: the daily meal, the afternoon snack and festival food. The daily meal consists of boiled rice, lentil soup, vegetable curry and relish. Meat is also served. The snack generally consists of rice flakes, roasted and curried soybeans, curried potato and roasted meat mixed with spices.

 

Food is also an important part of the ritual and religious life of the Newars, and the dishes served during festivals and feasts have symbolic significance. Different sets of ritual dishes are placed in a circle around the staple rice flakes to represent and honour different sets of deities depending on the festival or life-cycle ceremony.

 

Kwāti (क्वाति soup of different beans), kachilā (कचिला spiced minced meat), chhoyalā (छोयला water buffalo meat marinated in spices and grilled over the flames of dried wheat stalks), pukālā (पुकाला fried meat), wo (वः lentil cake), paun kwā (पाउँक्वा sour soup), swan pukā (स्वँपुका stuffed lungs), syen (स्येँ fried liver), mye (म्ये boiled and fried tongue), sapu mhichā (सःपू म्हिचा leaf tripe stuffed with bone marrow), sanyā khunā (सन्या खुना jellied fish soup) and takhā (तःखा jellied meat) are some of the popular festival foods. Dessert consists of dhau (धौ yogurt), sisābusā (सिसाबुसा fruits) and mari (मरि sweets). Thwon (थ्वँ rice beer) and aylā (अयला local alcohol) are the common alcoholic liquors that Newars make at home.

 

Traditionally, at meals, festivals and gatherings, Newars sit on long mats in rows. Typically, the sitting arrangement is hierarchical with the eldest sitting at the top and the youngest at the end. Newar cuisine makes use of mustard oil and a host of spices such as cumin, sesame seeds, turmeric, garlic, ginger, mint, bay leaves, cloves, cinnamon, pepper, chili and mustard seeds. Food is served in laptya (लप्त्य plates made of special leaves, held together by sticks). Similarly, any soups are served in botā (बोटा bowls made of leaves). Liquors are served in Salinchā (सलिंचाः bowls made of clay) and Kholchā (खोल्चाः small metal bowls).

 

LIFE-CYCLE CEREMONIES

Elaborate ceremonies chronicle the life cycle of a Newar from birth till death. Hindu Newars consider life-cycle rituals as a preparation for death and the life after it. Macha Janku, the rice feeding ceremony, is performed at the age of six or eight months for boys and at the age of five or seven months for girls. As a male child approaches puberty, the Kayta Puja, a rite of initiation, is performed. Shakyas and Bajracharyas perform Bare Chhuyegu which is initiation into the monkhood. The boy disrobes and goes back to being a layman after four days.

 

For a female child, Ihi (also called Bel Bibaha) is performed between the ages of five to nine. The next ceremony is Baray when a girl approaches puberty. She is kept in a room for 12 days hidden from the sun and generally taught domestic sciences. At the end of the retreat, a service is held. The next ceremony is marriage. Janku is an old-age ceremony which is conducted when a person reaches the age of 77 years, seven months and seven days. Further Janku ceremonies are performed at similar auspicious milestones after which the person is accorded deified status. The Sagan ceremony where auspicious food items are presented is an important part of life-cycle rituals.

 

All Newars, except the Laakumi and Jogi caste, cremate their dead. The Jogis bury their dead. As part of the funeral, offerings are made to the spirit of the deceased, the crow and the dog. The crow and the dog represent ancestors and the god of death. Subsequently, offerings and rituals are conducted four, seven, eight, 13 and 45 days following death and monthly for a year and then annually.

 

Buddhist Newars also make a mandala (sand painting) depicting the Buddha on the third day after death which is preserved for four days.

 

SUB-COMMUNITIES

Newar people are divided into various endogamous clans or groups on the basis of their ancient hereditary occupations, deriving its roots in the classic late-Vedic Varna model. Although first introduced in the time of the Licchavis, the Newar caste system assumed its present shape during the medieval Malla period.

 

NEWAR GAMES

The games which had been played by prasanga people from their ancient time can be classified as Newa games.

 

Kana kana pichha (Blindfold game), Piyah (a game played with stone by pushing stone within the marks drawn in ground), Gatti (another game played with stone by hand), pasa are some games played by newar people since ancient time.

 

WIKIPEDIA

A new direction for the color on metal series. We are still exploring botanical forms but want to look beyond the leaves. We are also taking the repousse to another level with this series as well. The pod is two layers of metal. The bottom layer is repoussed to protrude through the top layer. All cold joined.

 

3 inch dia.

Please View Large On Black

 

The beautiful Statue of Liberty, Liberty Island, New York City. I took several photos of the Statue of Liberty from a ferry boat on my first trip to Liberty Island and New York City in October 2004. In this version I applied my new Photoshop filter plug-in called "Fractalius" to create a drawing effect.

 

INFORMATION ON THE STATUE OF LIBERTY

 

Liberty Enlightening the World (French: La liberté éclairant le monde), known more commonly as the Statue of Liberty (Statue de la Liberté), is a large statue that was presented to the United States by France in 1886. It stands at Liberty Island, New York in New York Harbor as a welcome to all visitors, immigrants, and returning Americans. The copper-clad statue, dedicated on October 28, 1886, commemorates the centennial of the United States and is a gesture of friendship from France to America. Frédéric Auguste Bartholdi sculpted the statue, and Alexandre Gustave Eiffel (designer of the Eiffel Tower) engineered the internal structure. Eugène Viollet-le-Duc was responsible for the choice of copper in the statue's construction and adoption of the repoussé technique.

 

The statue is of a female figure standing upright, dressed in a robe and a seven point spiked rays representing a nimbus (halo), holding a stone tablet close to her body in her left hand and a flaming torch high in her right hand. The tablet bears the words "JULY IV MDCCLXXVI" (July 4, 1776), commemorating the date of the United States Declaration of Independence.

 

The statue is made of a sheeting of pure copper, hung on a framework of steel (originally puddled iron) with the exception of the flame of the torch, which is coated in gold leaf. It stands atop a rectangular stonework pedestal with a foundation in the shape of an irregular eleven-pointed star. The statue is 151' 1" (46.5 m) tall, with the pedestal and foundation adding another 154 feet (46.9 m).

 

Worldwide, the Statue of Liberty is one of the most recognizable icons of the United States, and, more generally, represents liberty and escape from oppression. The Statue of Liberty was, from 1886 until the jet age, often one of the first glimpses of the United States for millions of immigrants after ocean voyages from Europe. The Statue of Liberty's obviously classical appearance (Roman stola, sandals, facial expression) derives from Libertas, ancient Rome's goddess of freedom from slavery, oppression, and tyranny. Broken shackles lie at her feet. The seven spikes in the crown represent the Seven Seas and seven continents. Her torch signifies enlightenment. The tablet in her hand shows the date of the nation's birth, July 4, 1776.

 

Since 1903, the statue, also known as "Lady Liberty," has been associated with Emma Lazarus's poem “The New Colossus” and has been a symbol of welcome to arriving immigrants. The interior of the pedestal contains a bronze plaque inscribed with the poem, which reads:

 

“Not like the brazen giant of Greek fame,

With conquering limbs astride from land to land;

Here at our sea-washed, sunset gates shall stand

A mighty woman with a torch, whose flame

Is the imprisoned lightning, and her name

Mother of Exiles. From her beacon-hand

Glows world-wide welcome; her mild eyes command

The air-bridged harbor that twin cities frame.

"Keep ancient lands, your storied pomp!" cries she

With silent lips. "Give me your tired, your poor,

Your huddled masses yearning to breathe free,

The wretched refuse of your teeming shore.

Send these, the homeless, tempest-tost to me,

I lift my lamp beside the golden door!"

 

There are 354 steps inside the statue and its pedestal. There are 25 windows in the crown which comprise the jewels beneath the seven rays of the diadem. The tablet which the Statue holds in her left hand reads, in Roman numerals, "July 4, 1776" the day of America's independence from Britain. The Statue of Liberty was engineered to withstand heavy winds. Winds of 50 miles per hour cause the Statue to sway 3 inches (7.62 cm) and the torch to sway 5 inches (12.7 cm). This allows the Statue to move rather than break in high [wind load] conditions.

 

Source: Wikipedia

 

The Newar people or Newars (/nɪˈwɑrz/; Newar: नेवार) are the historical inhabitants of the Kathmandu Valley and its surrounding areas in Nepal and the creators of its historic civilization.

 

The valley and surrounding territories constituted the former Newar kingdom of the Nepal Mandala. Unlike a common-origin ethnic group, Newars are a good example of a nation-community with relic-identity of a previously existing country. Newar community within it consists of various strands of ethnic, racial, caste and religious heterogeneity, as Newars of today are descendants of the diverse group of people that have lived in Nepal Mandala since prehistoric times. Indo-Aryan immigrants like the Licchavis and Mallas that arrived at different periods eventually merged with the local indigenous population by adopting their language and customs. These immigrants retained their Indic heritage and brought with them their Sanskritic languages, social structure, Vedic religion and culture which has profoundly altered the history of Newar civilization. Newar rule in Nepal Mandala ended with its conquest by the Gorkha Kingdom in 1768.

 

Today, Newars are a linguistic and cultural community of primarily Indo-Aryan and Tibeto-Burman ethnicities following Hinduism and Buddhism with Nepal Bhasa as their common language. Unlike other ethnic or caste groups of Nepal, they are a linguistic and cultural community that transcends religion, caste, ethnicity and cultural distinctions. Scholars have also described the Newars as a nation. They developed a division of labour and a sophisticated urban civilization not seen elsewhere in the Himalayan foothills. They are known for their contributions to art, sculpture, architecture, culture, literature, music, industry, trade, agriculture and cuisine, and left their mark on the art of Central Asia.

 

According to Nepal's 2011 census, the 1,321,933 Newars in the country are the nation's sixth-largest ethnic group, representing 5% of the population. Recent mass migration into the Kathmandu Valley has resulted in the Newars becoming a minority in their homeland. Despite the high level of development, Newar culture and language are both under threat today.

 

HISTORY

For about a thousand years, the Newari civilization in Central Nepal preserved a microcosm of classical North Indian culture in which Brahmanic and Buddhist elements enjoyed equal status. Snellgrove and Richardson (1968) speak of 'the direct heritage of pre-Islamic India'.

 

The different divisions of Newars had different historical developments. The common identity of Newar was formed in the Kathmandu Valley. Until the conquest of the valley by the Gorkha Kingdom in 1769, all the people who had inhabited the valley at any point of time were either Newar or progenitors of Newar. So, the history of Newar correlates to the history of the Kathmandu Valley prior to the establishment of the modern state of Nepal.

 

The earliest known history of Newar and the Kathmandu Valley blends with mythology recorded in historical chronicles. One such text, which recounts the creation of the valley, is the Swayambhu Purana. According to this Buddhist scripture, the Kathmandu Valley was a giant lake until the Bodhisattva Manjusri, with the aid of a holy sword, cut a gap in the surrounding hills and let the water out. This apocryphal legend is supported by geological evidence of an ancient lakebed, and it provides an explanation for the high fertility of the Kathmandu Valley soil.

 

According to the Swayambhu Purana, Manjusri then established a city called Manjupattan (Sanskrit "Land Established by Manjusri"), now called Manjipā, and made Dharmākara its king. A shrine dedicated to Manjusri is still present in Majipā. No historical documents have been found after this era till the advent of the Gopal era. A genealogy of kings is recorded in a chronicle called Gopalarajavamsavali. According to this manuscript, the Gopal kings were followed by the Mahispals and the Kirats before the Licchavis entered from the south. Some claim Buddha to have visited Nepal during the reign of Kirat king Jitedasti. The Licchavi dynasty ruled for at least 600 years, followed by the Malla dynasty in the 12th century AD.

 

Newar reign over the valley and their sovereignty and influence over neighboring territories ended with the conquest of the Kathmandu Valley in 1769 by the Gorkhali Shah dynasty founded by Prithvi Narayan Shah. Systematic brutal suppression of the Newar people was pursued for generations during early dynastic rule in order to discourage them from any political aspiration.

 

Prior to the Gorkha conquest, which began with the Battle of Kirtipur in 1767, the borders of Nepal Mandala extended to Tibet in the north, the nation of the Kirata in the east, the kingdom of Makwanpur in the south and the Trishuli River in the west which separated it from the kingdom of Gorkha.

 

ECONOMY HISTORY

Trade, industry and agriculture have been the mainstay of the economy of the Newars. They are made up of social groups associated with hereditary professions that provide ritual and economic services. Merchants, craftsmen, artists, potters, weavers, dyers, farmers and other castes all played their part in creating a flourishing economic system. Elaborate cultural traditions which required the use of varied objects and services also fuelled the economy. Towns and villages in the Kathmandu Valley specialized in producing particular products, and rich agriculture produced a surplus for export.

 

For centuries, Newar merchants have handled trade between Tibet and India besides exporting locally manufactured products to Tibet. Rice was another major export. Porters and pack mules transported merchandise over mountain tracks that formed the old trade routes. Since the 18th century, Newars have spread out across Nepal and established trading towns dotting the midhills. They are known as jewelry makers and shopkeepers. Today, they are engaged in modern industry, business and service sectors.

 

RELIGION

According to the 2001 Nepal Census, 84.13% of the Newars were Hindu and 15.31% were Buddhist, but most of the Newars practice both Hinduism and Buddhism. These days Christianity, Islam, and other religions are also followed.

 

Out of the three main cities of the Kathmandu Valley which are historically Newar, the city of Patan is the most Buddhist containing the four stupas built by Indian emperor Ashoka. Bhaktapur is primarily Hindu, while Kathmandu is a mix of both. Generally, both Hindu and Buddhist deities are worshiped and festivals are celebrated by both religious groups. However, for ritual activities, Hindu and Buddhist Newars have their own priests and cultural differences.

 

Religiously, the Newars can be classified as both Hindu and Buddhist. The major cults are Vajrayana Buddhism and Tantric Hinduism. The former is referred to as Buddhamarga, the latter as Sivamarga. Both creeds have been established since antiquity in the valley. Both Buddhamargi and Sivamargi Newars are Tantricists, i.e., one believes that the union of male and female powers moves the universe. In this regard the cult of the mother Goddesses and their consorts, the Bhairavas, is particularly important. The most important shrines in the valley are Swayambhunath (Buddhist) and Pashupatinath (Hindu). Different castes worship different deities at different occasions, and more or less intensively. Only the higher echelons in the caste system claim to be exclusively Buddhist or Hindu. The Vajracharyas, Buddhist priests, will adamantly maintain that they are Buddhists, and so will the Bare and the Uray, whereas, the Deobrahman, the Jha, and the dominant Shresthas will maintain that they are Hindus. Further down in the caste hierarchy no distinction is made between Buddhists and Hindus. Hindu and Buddhist alike always worship Ganesh first in every ritual, and every locality has its local Ganesh shrine (Ganesh Than).

Although Newar Buddhism (Vajrayana) had been traditionally practiced in the Kathmandu Valley, Theravada Buddhism made a comeback in Nepal in the 1920s and now is a common form of Buddhism among Buddhamargi Newars.

 

LANGUAGE

Newars are bound together by a common language and culture. Their common language is Nepal Bhasa or the linguistic progenitor of that language. However, despite a government directive that the name Nepal Bhasa should be used, the Central Bureau of Statistics has not been doing so.

 

Nepal Bhasa already existed as a spoken language during the Licchavi period. Inscriptions in Nepal Bhasa emerged from the 12th century, the palm-leaf manuscript from Uku Bahah being the first example. Nepal Bhasa developed from the 14th to the late 18th centuries as the court and state language. It was used universally in stone and copper inscriptions, sacred manuscripts, official documents, journals, title deeds, correspondence and creative writing.

 

In 2011, there were approximately 846,000 native speakers of Nepal Bhasa. Many Newar communities within Nepal also speak their own dialects of Nepal Bhasa, such as the Dolakha Newar Language. Nepal Bhasa is of Tibeto-Burman origin but has been heavily influenced by Indo-Aryan languages like Sanskrit, Pali, Bengali and Maithili.

 

SCRIPTS

Nepal script is a group of scripts that developed from the Brahmi script and are used primarily to write Nepal Bhasa and Sanskrit. Among the different scripts, Ranjana, Bhujinmol and Prachalit are the most common. Nepal script is also known as Nepal Lipi and Nepal Akhala.

 

Nepal script appeared in the 10th century. For a thousand years, it was used on stone and copper plate inscriptions, coins (Nepalese mohar), palm-leaf documents and Hindu and Buddhist manuscripts. Devanagari began to be used to write Nepal Bhasa in the beginning of the 20th century, and Nepal script has limited usage today.

 

LITERATURE

Nepal Bhasa is one of the five languages in the Sino-Tibetan family with an ancient literary tradition. Literature in Nepal Bhasa began as translation and commentary in prose in the 14th century AD. The earliest known document in Nepal Bhasa is called "The Palmleaf from Uku Bahal" which dates from 1114 AD during the Thakuri period.

 

Classical Nepal Bhasa literature is represented by all the three major genres-prose, poetry and drama. Most of the writings consist of prose including chronicles, popular stories and scientific manuals. Poetry consists of love songs, ballads, working songs and religious poetry. The earliest poems date from the 1570s. Epic poetry describing historical events and tragedies are very popular. The ballads Sitala Maju, about the expulsion of children from Kathmandu, Silu, about an ill-fated pilgrimage to Gosaikunda, and Ji Waya La Lachhi Maduni, about a luckless Tibet trader, are sung as seasonal songs.

 

The dramas are based on stories from the epics, and almost all of them were written during the 17th and 18th centuries. Nepal Bhasa literature flourished for five centuries until 1850. Since then, it suffered a period of decline due to political oppression. The period 1909–1941 is known as the Nepal Bhasa renaissance period when writers defied official censure and braved imprisonment to create literary works. Modern Nepal Bhasa literature began in the 1940s with the emergence of new genres like short stories, poems, essays, novels and plays.

 

DANCE

MASKED DANCE

Newar dance consists of sacred masked dance, religious dance without the use of masks known as Dyah Pyakhan, dance performed as part of a ritual and meditation practice known as Chachaa Pyakhan (Newar: चचा प्याखं) (Charya Nritya in Sanskrit) and folk dance. There are also masked dance dramas known as Daboo Pyakhan which enact religious stories to the accompaniment of music.

 

DHIME DANCE

The dance done in the tune of Dhime are Dhime dance.

 

MUSIC

Traditional Newa music consists of sacred music, devotional songs, seasonal songs, ballads and folk songs. One of the most well-known seasonal songs is Sitala Maju. The ballad describes the expulsion of children from Kathmandu in the early 19th century. Another seasonal song Silu is about a pilgrimage to Gosaikunda that went wrong. Ji Waya La Lachhi Maduni is a tragedy song about a newly married couple. The ballad Rajamati about unlucky lovers is widely popular. In 1908, maestro Seturam Shrestha made the first recording of the song on gramophone disc in Kolkata.

 

Common percussion instruments consist of the dhimay, khin, naykhin and dhaa. Wind instruments include the bansuri (flute), payntah (long trumpet) and mwahali (short trumpet), chhusya, bhusya, taa (cymbals), and gongs are other popular instruments. String instruments are very rare. Newa people call their music Dhime Baja.

 

The musical style and musical instruments are still in use today. Musical bands accompany religious processions in which an idol of a deity is placed in a chariot or portable shrine and taken around the city. Devotional songs known as bhajan may be sung daily in community houses. Hymn societies like Gyanmala Bhajan Khala hold regular recitals. Dapa songs are sung during hymn singing seasons at temple squares and sacred courtyards.

 

Gunla Bajan musical bands parade through the streets during Gunla, the 10th month of the Nepal Sambat calendar which is a holy month for Newar Buddhists. Musical performances start with an overture which is a salutation to the gods.

 

Seasonal songs and ballads are associated with particular seasons and festivals. Music is also played during wedding processions, life-cycle ceremonies and funeral processions.

 

POPULAR TRADITIONAL SONGS

Ghātu (summer music, this seasonal melody is played during Pahan Charhe festival)

Ji Wayā Lā Lachhi Maduni (tragedy of a merchant)

Mohani (festive joy, this seasonal tune is played during Mohani festival)

Rājamati (about young lovers)

Silu (about a couple who get separated during a pilgrimage, this seasonal music is played during the monsoon)

Sitālā Māju (lament for children expelled from the Kathmandu Valley)

 

RELIGIOUS MUSIC

Gunlā Bājan

 

ART

The Newars are the creators of most examples of art and architecture in Nepal. Traditional Newar art is basically religious art. Newar devotional paubha painting, sculpture and metal craftsmanship are world-renowned for their exquisite beauty. The earliest dated paubha discovered so far is Vasudhara Mandala which was painted in 1365 AD (Nepal Sambat 485). The murals on the walls of two 15th-century monasteries in the former kingdom of Mustang in the Nepal Himalaya provide illustrations of Newar works outside the Kathmandu Valley. Stone sculpture, wood carving, repoussé art and metal statues of Buddhist and Hindu deities made by the lost-wax casting process are specimens of Newar artistry. The Peacock Window of Bhaktapur and Desay Madu Jhya of Kathmandu are known for their wood carving.

 

Building elements like the carved Newar window, roof struts on temples and the tympanum of temples and shrine houses exhibit traditional creativity. From as early as the seventh century, visitors have noted the skill of Newar artists and craftsmen who left their influence on the art of Tibet and China. Newars introduced the lost-wax technique into Bhutan and they were commissioned to paint murals on the walls of monasteries there. Sandpainting of mandala made during festivals and death rituals is another specialty of Newar art.

 

Besides exhibiting a high level of skill in traditional religious art, Newar artists have been at the forefront in introducing Western art styles in Nepal. Raj Man Singh Chitrakar (1797-1865) is credited with starting watercolor painting in the country. Bhaju Man Chitrakar (1817–1874), Tej Bahadur Chitrakar (1898-1971) and Chandra Man Singh Maskey were other pioneer artists who introduced modern style paintings incorporating concepts of lighting and perspective.

 

TRADITIONAL PAINTING

Paubhā

 

ARCHITECTURE

There are seven UNESCO World Heritage Sites and 2,500 temples and shrines in the Kathmandu Valley that illustrate the skill and aesthetic sense of Newar artisans. Fine brickwork and woodcarving are the marks of Newar architecture. Residential houses, monastic courtyards known as baha and bahi, rest houses, temples, stupas, priest houses and palaces are the various architectural structures found in the valley. Most of the chief monuments are located in the Durbar Squares of Kathmandu, Lalitpur and Bhaktapur, the old royal palace complexes built between the 12th and 18th centuries.

 

Newa architecture consists of the pagoda, stupa, shikhara, chaitya and other styles. The valley's trademark is the multiple-roofed pagoda which may have originated in this area and spread to India, China, Indochina and Japan. The most famous artisan who influenced stylistic developments in China and Tibet was Arniko, a Newar youth who traveled to the court of Kublai Khan in the 13th century AD. He is known for building the white stupa at the Miaoying Temple in Beijing.

 

SETTLEMENTS

Durbar squares, temple squares, sacred courtyards, stupas, open-air shrines, dance platforms, sunken water fountains, public rest houses, bazaars, multistoried houses with elaborate carved windows and compact streets are the characteristics of traditional planning. Besides the historical cities of Kathmandu, Lalitpur, Bhaktapur, Madhyapur Thimi and Kirtipur, small towns with a similar artistic heritage dot the Kathmandu Valley where almost half of the Newar population lives.

 

Outside the valley, historical Newar settlements include Nuwakot, Nala, Banepa, Dhulikhel, Panauti, Dolakha, Chitlang and Bhimphedi. The Newars of Kathmandu founded Pokhara in 1752 at the invitation of the rulers of Kaski. Over the last two centuries, Newars have fanned out of the Kathmandu Valley and established trade centers and settled in various parts of Nepal. Bandipur, Baglung and Tansen in west Nepal and Chainpur and Bhojpur in east Nepal contain large Newar populations.

 

Outside Nepal, many Newars have settled in Darjeeling and Kalimpong in West Bengal, Assam, Manipur and Sikkim, India. Newars have also settled in Bhutan. Colonies of expatriate Newar merchants and artisans existed in Lhasa, Shigatse and Gyantse in Tibet till the mid-1960s when the traditional trade came to an end after the Sino-Indian War. In recent times, Newars have moved to different parts of Asia, Europe and America.

 

FESTIVALS

Newar religious culture is rich in ceremony and is marked by frequent festivals throughout the year. Many festivals are tied to Hindu and Buddhist holidays and the harvest cycle. Street celebrations include pageants, jatras or processions in which a car or portable shrine is paraded through the streets and sacred masked dances. Other festivals are marked by family feasts and worship. The celebrations are held according to the lunar calendar, so the dates are changeable.

 

Mohani (Dasain) is one of the greatest annual celebrations which is observed for several days with feasts, religious services and processions. During Swanti (Tihar), Newars celebrate New Year's Day of Nepal Sambat by doing Mha Puja, a ritual in which a mandala is worshipped, that purifies and strengthens one spiritually for the coming year.Similarly, Bhai Tika is also done during Swanti. It is a ritual observed to worship and respect a woman's brothers, with or without blood relation. Another major festival is Sā Pāru (Gai Jatra) when people who have lost a family member in the past year dress up as cows and saints, and parade through town, following a specific route. In some cases, a real cow may also be a part of the parade. People give such participants money, food and other gifts as donation. Usually, childrens are the participants of the parade.

 

In Kathmandu, the biggest street festival is Yenya (Indra Jatra) when three cars bearing the living goddess Kumari and two other child gods are pulled through the streets and masked dance performances are held. The two godchild are Ganesh and Bhairav. Another major celebration is Pahan Charhe when portable shrines bearing images of mother goddesses are paraded through Kathmandu. During the festival of Jana Baha Dyah Jatra, a temple car with an image of Karunamaya is drawn through central Kathmandu for three days. A similar procession is held in Lalitpur known as Bunga Dyah Jatra which continues for a month and climaxes with Bhoto Jatra, the display of the sacred vest. The biggest outdoor celebration in Bhaktapur is Biska Jatra which is marked by chariot processions and lasts for nine days. Sithi Nakha is another big festival when worship is offered and natural water sources are cleaned. In addition, all Newar towns and villages have their particular festival which is celebrated by holding a chariot or palanquin procession.

 

CLOTHING

Western wear is the norm as in urban areas in the rest of the country. Traditional costumes consist of trousers (suruwā) and long shirts (tappālan) for men, blouse (misālan) and saris (parsi) for women and ankle-length gowns (bhāntānlan) for girls. Ritual dresses consist of pleated gowns, coats and a variety of headresses. Similarly, a shawl (gā) are worn by women. Traditionally, newar women wear a shoe made out of red cloth. It is decorated with glitters and colorful beads (potya). One of the major part of newari dressup is bracelets (chūra).

 

CUISINE

Meals can be classified into three main categories: the daily meal, the afternoon snack and festival food. The daily meal consists of boiled rice, lentil soup, vegetable curry and relish. Meat is also served. The snack generally consists of rice flakes, roasted and curried soybeans, curried potato and roasted meat mixed with spices.

 

Food is also an important part of the ritual and religious life of the Newars, and the dishes served during festivals and feasts have symbolic significance. Different sets of ritual dishes are placed in a circle around the staple rice flakes to represent and honour different sets of deities depending on the festival or life-cycle ceremony.

 

Kwāti (क्वाति soup of different beans), kachilā (कचिला spiced minced meat), chhoyalā (छोयला water buffalo meat marinated in spices and grilled over the flames of dried wheat stalks), pukālā (पुकाला fried meat), wo (वः lentil cake), paun kwā (पाउँक्वा sour soup), swan pukā (स्वँपुका stuffed lungs), syen (स्येँ fried liver), mye (म्ये boiled and fried tongue), sapu mhichā (सःपू म्हिचा leaf tripe stuffed with bone marrow), sanyā khunā (सन्या खुना jellied fish soup) and takhā (तःखा jellied meat) are some of the popular festival foods. Dessert consists of dhau (धौ yogurt), sisābusā (सिसाबुसा fruits) and mari (मरि sweets). Thwon (थ्वँ rice beer) and aylā (अयला local alcohol) are the common alcoholic liquors that Newars make at home.

 

Traditionally, at meals, festivals and gatherings, Newars sit on long mats in rows. Typically, the sitting arrangement is hierarchical with the eldest sitting at the top and the youngest at the end. Newar cuisine makes use of mustard oil and a host of spices such as cumin, sesame seeds, turmeric, garlic, ginger, mint, bay leaves, cloves, cinnamon, pepper, chili and mustard seeds. Food is served in laptya (लप्त्य plates made of special leaves, held together by sticks). Similarly, any soups are served in botā (बोटा bowls made of leaves). Liquors are served in Salinchā (सलिंचाः bowls made of clay) and Kholchā (खोल्चाः small metal bowls).

 

LIFE-CYCLE CEREMONIES

Elaborate ceremonies chronicle the life cycle of a Newar from birth till death. Hindu Newars consider life-cycle rituals as a preparation for death and the life after it. Macha Janku, the rice feeding ceremony, is performed at the age of six or eight months for boys and at the age of five or seven months for girls. As a male child approaches puberty, the Kayta Puja, a rite of initiation, is performed. Shakyas and Bajracharyas perform Bare Chhuyegu which is initiation into the monkhood. The boy disrobes and goes back to being a layman after four days.

 

For a female child, Ihi (also called Bel Bibaha) is performed between the ages of five to nine. The next ceremony is Baray when a girl approaches puberty. She is kept in a room for 12 days hidden from the sun and generally taught domestic sciences. At the end of the retreat, a service is held. The next ceremony is marriage. Janku is an old-age ceremony which is conducted when a person reaches the age of 77 years, seven months and seven days. Further Janku ceremonies are performed at similar auspicious milestones after which the person is accorded deified status. The Sagan ceremony where auspicious food items are presented is an important part of life-cycle rituals.

 

All Newars, except the Laakumi and Jogi caste, cremate their dead. The Jogis bury their dead. As part of the funeral, offerings are made to the spirit of the deceased, the crow and the dog. The crow and the dog represent ancestors and the god of death. Subsequently, offerings and rituals are conducted four, seven, eight, 13 and 45 days following death and monthly for a year and then annually.

 

Buddhist Newars also make a mandala (sand painting) depicting the Buddha on the third day after death which is preserved for four days.

 

SUB-COMMUNITIES

Newar people are divided into various endogamous clans or groups on the basis of their ancient hereditary occupations, deriving its roots in the classic late-Vedic Varna model. Although first introduced in the time of the Licchavis, the Newar caste system assumed its present shape during the medieval Malla period.

 

NEWAR GAMES

The games which had been played by prasanga people from their ancient time can be classified as Newa games.

 

Kana kana pichha (Blindfold game), Piyah (a game played with stone by pushing stone within the marks drawn in ground), Gatti (another game played with stone by hand), pasa are some games played by newar people since ancient time.

 

WIKIPEDIA

Armure aux armoiries de Nabeshima Yoshishige (1707 - 1730), domaine de Saga (la province de Hizen sur Kyūshū), Japon.

Epoque Edo.

 

Expo Daymio - Seigneurs de la Guerre au Japon.

Musée Guimet (MNAAG), Paris (75).

 

Matériaux utilisés : fer, fer repoussé, laque, bois, soie, cuivre doré.

  

Protecteur du bas du visage et du cou : yodare-kake (襟廻).

This piece was featured in the show, Exploring Boundaries: Evolutionary Metal and was the sole image for the show's postcard.

Granulation, Chased, Pierced, Kum Boo, and Side Weave Mesh Choker

 

Sterling & Fine Silver, 24K Gold, Peruvian Opal, Koroit Opal

center: 4" long, choker adjustable to 15"

© 2006, V. Lansford

The Portlandia Statue is the largest copper repoussé sculpture in the United States. Designed and built with assistance by Raymond Kaskey and located above the entrance of Michael Graves' Portland Building in downtown Portland, Oregon, at 1120 SW 5th Avenue.

Tabernacle of Cherves

ca. 1220–1230

French; Made in Limoges

Copper (plaques): engraved, scraped, stippled, and gilt; (appliqués): repoussé, chased, engraved, scraped, and gilt; champlevé enamel: medium blue, turquoise, medium green, yellow, red, and white; Overall (Closed): 30 11/16 x 18 1/8 x 9 13/16 in. (78 x 46 x 25 cm) Overall (Open): 30 11/16 x 35 13/16 x 9 13/16 in. (78 x 91 x 25 cm) Overall (Case): 44 1/2 x 35 1/4 x 17 1/4 in. (113 x 89.5 x 43.8 cm)

Gift of J. Pierpont Morgan, 1917 (17.190.735)

 

The tabernacle is the most celebrated of the objects found at Cherves in 1896, near the site of a ruined priory of the Grandmont order at Gandory. The accomplished openwork medallions depict events following the Crucifixion, including the Holy Women at the tomb on Easter Sunday (center left) and the Doubting of Thomas (upper right). With their strong emphasis on the physical Christ, these scenes are most appropriate for this cupboard for storing the bread of the Eucharist. It is one of only two tabernacles of Limoges work to survive.

 

*

 

The Metropolitan Museum of Art's permanent collection contains more than two million works of art from around the world. It opened its doors on February 20, 1872, housed in a building located at 681 Fifth Avenue in New York City. Under their guidance of John Taylor Johnston and George Palmer Putnam, the Met's holdings, initially consisting of a Roman stone sarcophagus and 174 mostly European paintings, quickly outgrew the available space. In 1873, occasioned by the Met's purchase of the Cesnola Collection of Cypriot antiquities, the museum decamped from Fifth Avenue and took up residence at the Douglas Mansion on West 14th Street. However, these new accommodations were temporary; after negotiations with the city of New York, the Met acquired land on the east side of Central Park, where it built its permanent home, a red-brick Gothic Revival stone "mausoleum" designed by American architects Calvert Vaux and Jacob Wrey Mold. As of 2006, the Met measures almost a quarter mile long and occupies more than two million square feet, more than 20 times the size of the original 1880 building.

 

In 2007, the Metropolitan Museum of Art was ranked #17 on the AIA 150 America's Favorite Architecture list.

 

The Metropolitan Museum of Art was designated a landmark by the New York City Landmarks Preservation Commission in 1967. The interior was designated in 1977.

 

National Historic Register #86003556 (1986)

Description: Cholent pot, Eastern Europe, ca. 1700. Copper, hammered, repousse. Decorated with floral scrolls and cartouche containing Hebrew letters. Cover has vent with small movable cover. Although cholent was the standard Sabbath meal, it is rare to find pots such as this one. The Hebrew inscription may be the owner's initials. They might have helped identify the pot, which may have been taken to a communal oven before the Sabbath and collected after services Sabbath morning.

 

Creator/Photographer: Unidentified Artisan

 

Medium: Copper

 

Dimensions: Height: 8 1/4 in.; Length: 61 3/4 in.; Width: 11 1/2 in.

 

Date: Circa 1700s

 

Persistent URL: http://museums.cjh.org/Display.php?irn=2220

 

Repository: Yeshiva University Museum, 15 West 16th Street, New York, NY 10011

 

Accession number: 1985.089

 

Parent Collection: Max Stern Collection

 

Rights Information: No known copyright restrictions; may be subject to third party rights. For more copyright information, click here.

 

See more information about this image and others at CJH Museum Collections.

 

Digital images created by the Gruss Lipper Digital Laboratory at the Center for Jewish History

Relief, or relievo rilievo, is a sculptural technique. The term relief is from the Latin verb relevo, to raise. To create a sculpture in relief is to give the impression that the sculpted material has been raised above the background plane. What is actually performed when a relief is cut in from a flat surface of stone (relief sculpture) or wood (relief carving) is a lowering of the field, leaving the unsculpted parts seemingly raised. The technique involves considerable chiselling away of the background, which is a time-consuming exercise. On the other hand, a relief saves forming the rear of a subject, and is less fragile and more securely fixed than a sculpture in the round, especially one of a standing figure where the ankles are a potential weak point, especially in stone. In other materials such as metal, clay, plaster stucco, ceramics or papier-mache the form can be just added to or raised up from the background, and monumental bronze reliefs are made by casting. There are different degrees of relief depending on the degree of projection of the sculpted form from the field, for which the Italian appellations are still sometimes used. The full range includes high relief (alto-rilievo), where more than 50% of the depth is shown and there may be undercut areas, mid-relief (mezzo-rilievo), low-relief (basso-rilievo, or French: bas-relief /ˌbɑːrɪˈliːf/), and shallow-relief or rilievo schiacciato, where the plane is scarcely more than scratched in order to remove background material. There is also sunk relief, which was mainly restricted to Ancient Egypt. However the distinction between high relief and low relief is the clearest and most important, and these two are generally the only terms used to discuss most work. The definition of these terms is somewhat variable, and many works combine areas in more than one of them, sometimes sliding between them in a single figure; accordingly some writers prefer to avoid all distinctions. The opposite of relief sculpture is counter-relief, intaglio, or cavo-rilievo, where the form is cut into the field or background rather than rising from it; this is very rare in monumental sculpture.

 

Reliefs are common throughout the world on the walls of buildings and a variety of smaller settings, and a sequence of several panels or sections of relief may represent an extended narrative. Relief is more suitable for depicting complicated subjects with many figures and very active poses, such as battles, than free-standing "sculpture in the round". Most ancient architectural reliefs were originally painted, which helped to define forms in low relief. The subject of reliefs is for convenient reference assumed in this article to be usually figures, but sculpture in relief often depicts decorative geometrical or foliage patterns, as in the arabesques of Islamic art, and may be of any subject.

 

Rock reliefs are those carved into solid rock in the open air (if inside caves, whether natural or man-made, they are more likely to be called "rock-cut"). This type is found in many cultures, in particular those of the Ancient Near East and Buddhist countries. A stela is a single standing stone; many of these carry reliefs.

 

TYPES

The distinction between high and low relief is somewhat subjective, and the two are very often combined in a single work. In particular, most later "high reliefs" contain sections in low relief, usually in the background. From the Parthenon Frieze onwards, many single figures have heads in high relief, but their lower legs are in low relief; the slightly projecting figures created in this way work well in reliefs that are seen from below (see Moissac portal in gallery). As unfinished examples from various periods show, raised reliefs, whether high or low, were normally "blocked out" by marking the outline of the figure and reducing the background areas to the new background level, work no doubt performed by apprentices (see gallery). Hyphens may or may not be used in all these terms, though they are rarely seen in "sunk relief" and are usual in "bas-relief" and "counter-relief". Works in the technique are described as "in relief", and, especially in monumental sculpture, the work itself is "a relief".

 

BAS RELIEF OR LOW RELIEF

A bas-relief ("low relief", from the Italian basso rilievo) or low relief is a projecting image with a shallow overall depth, for example used on coins, on which all images are in low relief. In the lowest reliefs the relative depth of the elements shown is completely distorted, and if seen from the side the image makes no sense, but from the front the small variations in depth register as a three-dimensional image. Other versions distort depth much less. It is a technique which requires less work, and is therefore cheaper to produce, as less of the background needs to be removed in a carving, or less modelling is required. In the art of Ancient Egypt and other ancient Near Eastern and Asian cultures, and also Meso-America, a very low relief was commonly used for the whole composition. These images would all be painted after carving, which helped to define the forms; today the paint has worn off in the great majority of surviving examples, but minute, invisible remains of paint can usually be discovered through chemical means.

 

The Ishtar Gate of Babylon, now in Berlin, has low reliefs of large animals formed from moulded bricks, glazed in colour. Plaster was sometimes used in Egypt and Rome, and probably elsewhere, but needs very good conditions to survive – Roman decorative plasterwork is mainly known from Pompeii and other sites buried by ash from Mount Vesuvius. Low relief was relatively rare in Western medieval art, but may be found, for example in wooden figures or scenes on the insides of the folding wings of multi-panel altarpieces.

 

Low relief is probably the most common type of relief found in Hindu-Buddhist arts of India and Southeast Asia. The low reliefs of 2nd-century BCE to 6th-century CE Ajanta Caves and 5th to 10th-century Ellora Caves in India are noted for they were carved out from rock-cut hill. They are probably the most exquisite examples of Buddhist, Hindu, and Jain arts in India. Most of these low reliefs are used in narrating sacred scriptures, such as those founds in 9th century Borobudur temple in Central Java, Indonesia, that narrating The birth of Buddha (Lalitavistara). Borobudur itself possess 1,460 panels of narrating low reliefs. Another example is low reliefs narrating Ramayana Hindu epic in Prambanan temple, also in Java. In Cambodia, the temples of Angkor are also remarkable for their collection of low reliefs. The Samudra manthan or "Churning of Ocean of Milk" of 12th-century Angkor Wat is an example of Khmer art. Another examples are low reliefs of Apsaras adorned the walls and pillars of Angkorian temples. The low reliefs of Bayon temple in Angkor Thom also remarkable on capturing the daily life of Khmer Empire.

 

The revival of low relief, which was seen as a classical style, begins early in the Renaissance; the Tempio Malatestiano in Rimini, a pioneering classicist building, designed by Leon Battista Alberti around 1450, uses low reliefs by Agostino di Duccio inside and on the external walls. Since the Renaissance plaster has been very widely used for indoor ornamental work such as cornices and ceilings, but in the 16th century it was used for large figures (many also using high relief) at the Chateau of Fontainebleau, which were imitated more crudely elsewhere, for example in the Elizabethan Hardwick Hall.

 

In later Western art, until a 20th-century revival, low relief was used mostly for smaller works or combined with higher relief to convey a sense of distance, or to give depth to the composition, especially for scenes with many figures and a landscape or architectural background, in the same way that lighter colours are used for the same purpose in painting. Thus figures in the foreground are sculpted in high-relief, those in the background in low-relief. Low relief may use any medium or technique of sculpture, stone carving and metal casting being most common. Large architectural compositions all in low relief saw a revival in the 20th century, being popular on buildings in Art Deco and related styles, which borrowed from the ancient low reliefs now available in museums. Some sculptors, including Eric Gill, have adopted the "squashed" depth of low relief in works that are actually free-standing.

 

Mid-relief, "half-relief" or mezzo-rilievo is somewhat imprecisely defined, and the term is not often used in English, the works usually being described as low relief instead. The typical traditional definition is that only up to half of the subject projects, and no elements are undercut or fully disengaged from the background field. The depth of the elements shown is normally somewhat distorted. Shallow-relief or rilievo stiacciato, used for the background areas of compositions with the main elements in low-relief, was perfected by the Italian Renaissance sculptor Donatello. It is a very shallow relief, which merges into engraving in places, and can be hard to read in photographs.

 

HIGH RELIEF

High relief (or altorilievo, from Italian) is where in general more than half the mass of the sculpted figure projects from the background, indeed the most prominent elements of the composition, especially heads and limbs, are often completely undercut, detaching them from the field. The parts of the subject that are seen are normally depicted at their full depth, unlike low relief where the elements seen are "squashed" flatter. High-relief thus uses essentially the same style and techniques as free-standing sculpture, and in the case of a single figure gives largely the same view as a person standing directly in front of a free-standing statue would have. All cultures and periods in which large sculptures were created used this technique in monumental sculpture and architecture.

 

Most of the many grand figure reliefs in Ancient Greek sculpture used a very "high" version of high-relief, with elements often fully free of the background, and parts of figures crossing over each other to indicate depth. The metopes of the Parthenon have largely lost their fully rounded elements, except for heads, showing the advantages of relief in terms of durability. High relief has remained the dominant form for reliefs with figures in Western sculpture, also being common in Indian temple sculpture. Smaller Greek sculptures such as private tombs, and smaller decorative areas such as friezes on large buildings, more often used low relief.

Hellenistic and Roman sarcophagus reliefs were cut with a drill rather than chisels, enabling and encouraging compositions extremely crowded with figures, like the Ludovisi Battle sarcophagus (250–260 CE). These are also seen in the enormous strips of reliefs that wound round Roman triumphal columns. The sarcophagi in particular exerted a huge influence on later Western sculpture. The European Middle Ages tended to use high relief for all purposes in stone, though like Ancient Roman sculpture their reliefs were typically not as high as in Ancient Greece. Very high relief reemerged in the Renaissance, and was especially used in wall-mounted funerary art and later on Neo-classical pediments and public monuments.

 

In Hindu-Buddhist art of India and Southeast Asia high relief can also be found, although it is not as common as low reliefs. Most of Hindu-Buddhist sculptures however also can be considered as a high relief, since these sculptures usually connected to a stella as the background to support the statue as well as provides additional elements such as aura or halo in the back of sculpture's head, or floral decoration. The examples of Indian high reliefs can be found in Khajuraho temple, that displaying voluptuous twisting figures that often describes the erotic Kamasutra positions. In 9th-century Prambanan temple, Central Java, the examples are the high reliefs of Lokapala devatas, the guardian of directions deities.

 

SUNK RELIEF

Sunk or sunken relief is largely restricted to the art of Ancient Egypt where it is very common, becoming after the Amarna period of Ahkenaten the dominant type used, as opposed to low relief. It had been used earlier, but mainly for large reliefs on external walls, and for hieroglyphs and cartouches. The image is made by cutting the relief sculpture itself into a flat surface. In a simpler form the images are usually mostly linear in nature, like hieroglyphs, but in most cases the figure itself is in low relief, but set within a sunken area shaped round the image, so that the relief never rises beyond the original flat surface. In some cases the figures and other elements are in a very low relief that does not rise to the original surface, but others are modeled more fully, with some areas rising to the original surface. This method minimizes the work removing the background, while allowing normal relief modelling.

 

The technique is most successful with strong sunlight to emphasise the outlines and forms by shadow, as no attempt was made to soften the edge of the sunk area, leaving a face at a right-angle to the surface all around it. Some reliefs, especially funerary monuments with heads or busts from ancient Rome and later Western art, leave a "frame" at the original level around the edge of the relief, or place a head in a hemispherical recess in the block (see Roman example in gallery). Though essentially very similar to Egyptian sunk relief, but with a background space at the lower level around the figure, the term would not normally be used of such works.

 

COUNTER RELIEF

Sunk relief technique is not to be confused with "counter-relief" or intaglio as seen on engraved gem seals - where an image is fully modeled in a "negative" manner. The image goes into the surface, so that when impressed on wax it gives an impression in normal relief. However many engraved gems were carved in cameo or normal relief.

 

A few very late Hellenistic monumental carvings in Egypt use full "negative" modelling as though on a gem seal, perhaps as sculptors trained in the Greek tradition attempted to use traditional Egyptian conventions.

 

SMALL OBJECTS

Small-scale reliefs have been carved in various materials, notably ivory, wood, and wax. Reliefs are often found in decorative arts such as ceramics and metalwork; these are less often described as "reliefs" than as "in relief". Small bronze reliefs are often in the form of "plaques" or plaquettes, which may be set in furniture or framed, or just kept as they are, a popular form for European collectors, especially in the Renaissance.

 

Various modelling techniques are used, such repoussé ("pushed-back") in metalwork, where a thin metal plate is shaped from behind using various metal or wood punches, producing a relief image. Casting has also been widely used in bronze and other metals. Casting and repoussé are often used in concert in to speed up production and add greater detail to the final relief. In stone, as well as engraved gems, larger hardstone carvings in semi-precious stones have been highly prestigious since ancient times in many Eurasian cultures. Reliefs in wax were produced at least from the Renaissance.

 

Carved ivory reliefs have been used since ancient times, and because the material, though expensive, cannot usually be reused, they have a relatively high survival rate, and for example consular diptychs represent a large proportion of the survivals of portable secular art from Late Antiquity. In the Gothic period the carving of ivory reliefs became a considerable luxury industry in Paris and other centres. As well as small diptychs and triptychs with densely packed religious scenes, usually from the New Testament, secular objects, usually in a lower relief, were also produced.

 

These were often round mirror-cases, combs, handles, and other small items, but included a few larger caskets like the Casket with Scenes of Romances (Walters 71264) in Baltimore, Maryland, in the United States. Originally there were very often painted in bright colours. Reliefs can be impressed by stamps onto clay, or the clay pressed into a mould bearing the design, as was usual with the mass-produced terra sigillata of Ancient Roman pottery. Decorative reliefs in plaster or stucco may be much larger; this form of architectural decoration is found in many styles of interiors in the post-Renaissance West, and in Islamic architecture.

 

WIKIPEDIA

The Anahita Vessel originated in Iran, Sasanian, circa 4th-5th century AD. The vessel can be seen in 102A Gallery in Cleveland Museum of Art. This stunning piece was cast from silver; techniques that were applied are repoussé, chasing and gilding. The dimensions are 18.5 x 11.5 cm (7 5/16 x 4 1/2 in.), weight 722.5 g (1.59 lbs.). According to CMA the meaning of the vessel depiction is still debatable. Some scholars believe the dancers are sacred images of the Zoroastrian religion of the Sasanians, while others believe they may be bacchantes, followers of a cult of the Roman wine god, Bacchus, who was popular in the Near East. It was a generous gift of Katharine Holden Thayer 1962.294. The image is on the public domain.

 

www.clevelandart.org/art/1962.294#

 

In the spirit of the season, I decided to use up my 'orphan' beads and create 12 earring sets.

 

These are polymer copies of a repousse heart my husband made for me. I added handforged brass disks and patinated both them and the polymer elements with gilders paste.

 

For a complete description, see storiestheytell.blogspot.com/2011/12/twelve-pairs-of-earr...

  

Liberty Enlightening the World (French: La liberté éclairant le monde), commonly known as the Statue of Liberty (French: Statue de la Liberté), has stood on Liberty Island in New York Harbor, welcoming visitors, immigrants, and returning Americans, since it was presented to the United States by the people of France. Dedicated on October 28, 1886, the gift commemorated the centennial of the signing of the United States Declaration of Independence and has since become one of the most recognizable national icons--a symbol of democracy and freedom.

 

The 151-foot (46-meter) tall statue was sculpted by Frédéric Auguste Bartholdi and stands atop Richard Morris Hunt's 154-foot (93-meter) rectangular stonework pedestal with a foundation in the shape of an irregular eleven-pointed star. Maurice Koechlin, chief engineer of Gustave Eiffel's engineering company and designer of the Eiffel Tower, engineered the internal structure. Eugène Viollet-le-Duc was responsible for the choice of copper and adoption of the repoussé technique, where a malleable metal is hammered on the reverse side. The Statue of Liberty depicts a woman clad in Roman Stola and holding a torch and tablet, and is made of a sheeting of pure copper, hung on a framework of steel with the exception of the flame of the torch, which is coated in gold leaf.

 

Affectionately known as Lady Liberty, the figure is derived from Libertas, ancient Rome's goddess of freedom from slavery, oppression, and tyranny. Her left foot, fitted in Roman sandals, tramples broken shackles, symbolizing freedom from opression and tyranny, while her raised right foot symbolizes Liberty and Freedom refusing to stand still. Her torch signifies enlightenment. The tablet in her hand represents knowledge and shows the date of the Declaration of Independence--July 4, 1776. The seven spikes on the crown represent the Seven Seas and seven continents. Visually the the Statue of Liberty draws inspiration from the ancient Colossus of Rhodes of the Greek Sun-god Zeus or Helios, and is referred to in the 1883 sonnet The New Colossus by Emma Lazarus, which was later engraved inside.

 

The Statue of Liberty National Monument was designated a landmark by the New York City Landmarks Preservation Commission in 1976.

 

Statue of Liberty National Monument New Jersey State Register (1971)

Statue of Liberty National Monument National Register #66000058 (1966)

 

Champtocé-sur-Loire (Maine-et-Loire)

  

Château de Champtocé.

 

Une forteresse fut bâties sur un promontoire de shiste, par la famille de Craon, dès le XIIIe siècle. Le château faisait partie des défenses de l'Anjou face au duché de Bretagne.

  

C'est dans ce château qu'est né Gilles de Laval, baron de Rais (ou Retz), comte de Brienne, seigneur de Pouzauges, Tiffauges, Machecoul, Pornic, Bourgneuf, Champtocé et autres...

 

Gilles de Rais ou de Retz est né à Champtocé-sur-Loire vers 1404. Né Gilles de Montmorency-Laval il sera baron de Retz et comme baron de Retz possesseur de Pornic. Il combattra les anglais aux côtés de Jeanne d'Arc et sera promu maréchal de France, il a environ 25 ans, le jour du sacre de Charles VII à Reims. Il sera disgracié après l'échec du siège de Paris en août 1429 (les anglais occupaient Paris depuis 1420, les bourgeois de Paris avaient d'ailleurs accepté l'administration anglaise par mépris de Charles VII qu'ils appelaient le "rois de Bourges", mais surtout parce que les anglais leur avaient accordé de nouveaux privilèges. Les troupes de Charles VII seront repoussées d'ailleurs autant par les parisiens que par les anglais peu nombreux). Il retourna donc sur ses terres et dépensa son immense fortune que le brigandage (était ce le seul? C'était le temps des "Ecorcheurs") ne parvenait à maintenir. En 1433 il ne lui resta plus aucune terre à part celles de sa femme et deux châteaux en Anjou. En 1435, un édit du Roi interdisait à quiconque de commercer avec lui. Il fit venir d'Italie un alchimiste qui prétendait pouvoir fabriquer de l'or (Franco Prelati), puis essaya de reprendre par la force ce qu'il avait vendu. C'est en essayant de reprendre un de ses châteaux à un religieux qu'il s'aliène le duc de Bretagne et l'évêque de Nantes. (En 1439, Gille de Rais doit vendre la forteresse de Saint-Etienne-de-Mer-Morte à Geoffroy Le Ferron. Contestant cette vente, il demande des comptes au recteur de la paroisse, qui est aussi le frère de Geoffroy Le Ferron. Il entre, à cheval et en armes, dans l'église paroissiale au cours de l'office de la Pentecôte 1440 et brutalise le religieux). Des rumeurs circulaient depuis longtemps à son propos, concernant des enlèvements d'enfants.

 

Une enquête est lancée et le 15 septembre 1440, Jean Labbé, capitaine de Jean V, assisté du notaire Robin Guillaumet, le

représentant de Malestroi, arrête Gilles de Rais à Machecoul. Celui-ci est enfermé au château de Bouffray à Nantes. Il est suivi peu après par ses complices, Prelati, Blanchet, Henriet, Poitou et Perrine Martin.

 

Gilles de Rais fera l'objet de deux procès, un devant la justice civile dépendante du duc et un devant la justice ecclésiastique rendue par l'évêque.

Le tribunal séculier reproche au prévenu le refus d’obéir au duc de Bretagne, son suzerain, dans la prise du château, et des assassinats d’enfants.

Le tribunal ecclésiastique juge Gilles de Rais pour hérésie, sorcellerie avec évocation des démons, viol de l’immunité de l’Église lors de l’enlèvement du religieux devenu propriétaire d'un de ses châteaux, et enfin pour sodomie. De nombreux témoignages, dont ceux des parents des enfants disparus, sont cités dans les actes des procès. Les serviteurs de Gilles de Rais confirment les enlèvements. Sous la torture, Gilles de Rais se livrera à une confession particulièrement horrible (Lorsque le juge Pierre de L’Hôpital interroge Gilles de Rais sur ses motivations, celui-ci répond à plusieurs reprises que ce fut «seulement pour son plaisir et sa délectation charnelle»).Les deux procès estiment à entre 140 et plus de 200 le nombre des victimes. Le 25 octobre 1440, les deux procès condamnent Gilles de Rais et ses deux complices à être pendus et brûlés. Toutefois, Gilles de Rais sera inhumé avec les honneurs dus à son rang. Les cadavres des complices seront effectivement brûlés. L'alchimiste Prelati (père Francisco Prelati) sera condamné, mais s'échappera.

  

fr.wikipedia.org/wiki/Château_de_Champtocé

 

I found these images of an antique Burmese silver repousse bowl on YouTube in a popular UK TV series | Dickinson’s Real Deal | Season 10 Episode 8 | HomeStyle. The vendor sold the lot for which he had paid £5? to a dealer for £120. The dealer was born and schooled in Putao, the town in which the bowl had been hand made.

 

STUNNING Burmese Silver Repousse Bowl | Dickinson's Real Deal | S08 E29 ...

youtu.be/LYb-1iIeWsE

 

Putao is located towards the northern part of Myanmar in the state of Kachin. The State is very close to the borders between the Myanmar and neighboring China and India. Putao is at a distance of 1,120 km from the countries capital city, Naypyidaw. The town Putao is surrounded by dense flora and fauna and also bounded by snow capped mountains. The geographical coordinates puts the place at 2600’ N and 97030’ E.

 

As per historians, since ancient times there existed a trade route between the Chinese rulers and Myanmar in this region. On 12th February 1947, an agreement known as the Panglong agreement was signed between the then Burmese government and the states such as Shan, Kachin along with the Chinese. In the year 1948, the Kachin state was created without British run government districts of Myitkyina and Bhao along with Putao in the north. Drawing of clear territorial boundaries especially in the northern part of Myanmar took place in the year 1960, keeping in view of the Chinese governments methodology of capturing most part of Upper Kachin state into their boundaries. The army belonging to the Kachin state was once part of the Burmese army until the year 1962 wherein the Kachin army withdrew their support and formed what is known as KIA (Kachin Independence Army) with the support of KIO (Kachin Independent Organization).

 

People & Culture of Putao:

Languages spoken by the people of Putao are Burmese, Jingpho, Kayah, Karen and Chin. However, Burmese is the official language of the country. Singing and dancing forms an integral part of the country. There are different religions worshipped in the country, Myanmar. Majority of the population of Putao, worship Buddhism, while others either follow Islam, Hinduism or Christianity.

 

Food and Shopping at Putao:

Putao is one of the ancient towns in Myanmar and various religion people stay in the region and offers authentic and traditional Burmese and Chinese cuisines both vegetarian and non-vegetarian, cuisines and Mohinga is considered the national dish of the country, Myanmar.

 

I spotted some Burmese muslims marching east on Bloor Street West.

www.flickr.com/photos/21728045@N08/albums/72157686374676530

 

The Philharmonic Dining Rooms is a public house at the corner of Hope Street and Hardman Street in Liverpool, Merseyside, England, and stands diagonally opposite the Liverpool Philharmonic Hall. It has been designated by English Heritage as a Grade II listed building

The interior is decorated in musical themes that relate to the nearby concert hall. These decorations are executed on repoussé copper panels designed by Bare and by Thomas Huson, plasterwork by C. J. Allen, mosaics, and items in mahogany and glass. Two of the smaller rooms are entitled Brahms and Liszt. Of particular interest to visitors is the high quality of the gentlemen's urinals, constructed in "a particularly attractive roseate marble'

 

One of the staff offered to accompany me to the gents to photo those but I declined - I so regret not taking him up on it.

Monstrance

 

Binondo, Manila and Bacaycay (Bacacay), Albay

dated 1789 (under the base)

80% Mexican solid silver (“dorado de fuego”/fire–gilded)

H: 19 3/4" (49 cm)

D: 8" (20 cm)

 

Opening bid: PHP 200,000

 

PROPERTY OF A DISTINGUISHED COLLECTOR

 

ABOUT THE WORK

 

REMARKABLE ROCOCO MASTERPIECE

From the 18th Century

 

by AUGUSTO MARCELINO REYES GONZALEZ III

 

This spectacular monstrance of fire–gilded silver in fullblown Filipino rococo style from 1783 features a round glass luna surrounded by a sunburst (a Latin American style of monstrance which sought to replace indigenous sun worship with that of Jesus Christ symbolized by the sun) supported by a multitiered baluster mounted on a round base surrounded by ogee curves. The luna is surmounted by a cross and its frame is embellished with trademark Filipino rococo cartouches, curves and counter–curves, C–shaped volutes, seashells, festoons, garlands, leaves, and flowers; the entire frame is surrounded by stylized shells. The luna and the sunburst are supported by a cartouche with the face of a cherub surrounded by stylized leaves. The sphere of the baluster is adorned with four flanges of C–scrolls and counter C– scrolls. Underneath the sphere is an urn and its plinth terminating in the round base. The sphere, urn, plinth, and round base are all decorated with an extravagance of trademark Filipino rococo exuberance, sinuous curves, twisting and winding undulations, curves and counter– curves, C–shaped volutes, vegetal forms, palmettes, fleurettes in whimsical yet sophisticated asymmetry and dissymmetry. As an austere counterpoint, the base is surrounded by molded and grooved ogee curves. It is a visual feast: it is the highly–skilled Filipino (Sangley and indio) silversmith’s mastery of casting, soldering, riveting, punchwork, chasework (sinking), repousse work (raising), incising, and engraving on full display. The luna of glass and its round silvergilt frame at the center contains the Blessed Sacrament, the lunette (the crescent moon below) secures it.

 

The monstrance comes in two parts: the lunette and the sunburst are attached to a metal tube that slides with precision into the ornate base. The underside of the base is inscribed: “de la Yglecia del Pueblo de Bacaycay ano de 1783.” Bacaycay, presently Bacacay, is a town in Albay in the Bicol peninsula. The churches in the Franciscan territory of Bicol, Arzobispado de Caceres, waxed rich from the region’s trade in shipbuilding, abaca/hemp production, coffee, and coconuts and were able to afford luxurious wares such as this monstrance for their religious ceremonies.

 

In Roman Catholic religious ceremonies, a monstrance was used for the exposition and veneration of the Blessed Sacrament (The Body of Christ) and less frequently relics relating to Jesus Christ (True Cross, Crown of Thorns, True Likeness/Veil of Veronica, Three Nails, Holy Blood, Shroud, etc), the Virgin Mary, and the Saints. It was one piece in a panoply of magnificent ecclesiastical silver used for religious ceremonies in affluent churches/ parishes throughout Las Islas Filipinas, from the Spanish colonization in 1571 to its end in 1898 and even beyond to the misinterpretations of Vatican II in 1965, when many of them were deconsecrated and decommissioned and landed in private collections and later museums, and worse, in the hands of gold and silver recyclers at the crucibles of Meycauayan, Bulacan --- chalices, ciboriums, patens, communion cups, cruets, trays, sacras (prayer cards), salvers, incense boats, thuribulums (censers), aspersoriums & aspergillums (holy water buckets & sprinklers), ramilletes (silver bouquets), vases, candlesticks, candelabra, processional crucifix, guidons (processional banners), etc.

 

Notable among those churches/parishes were: the seven churches of Intramuros --- La Inmaculada Concepcion (Catedral de Manila), San Agustin de Hipona (Agustinos), Santo Domingo de Guzman (Dominicanos), San Francisco de Asis (Franciscanos), San Nicolas de Tolentino (Recoletos), San Ignacio de Loyola (Jesuitas), Nuestra Senora de Lourdes (Capuchinos); Nuestra Senora del Santisimo Rosario/San Gabriel Arcangel (Binondo); Nuestra Senora del Pilar (Santa Cruz, Manila); San Juan Bautista (Quiapo); Santo Nino (Tondo); San Bartolome Apostol (Malabon); Nuestra Senora de Guia (Ermita); Nuestra Senora de la Paz y Buen Viaje (Antipolo); San Gregorio Magno (Majayjay, Laguna); San Martin de Torres (Taal, Batangas); San Sebastian Martir (Lipa, Batangas); Santo Nino (Cebu); Nuestra Senora de la Candelaria/Santa Isabel de Ungria (Jaro, Iloilo).

 

The high point of excellence in Filipino ecclesiastical silver was during the 150 years spanning 1700– 1850. Of course, beautiful, even exquisite, pieces of silverware had been produced from 80% Mexican and Latin American silver coins by Sangley and indio artisans from 1571 onwards (Las Islas Filipinas had no silver mines and no silver, but the islands yielded bountiful gold), but it was from 1700 that Filipino pieces became comparable in design, craftsmanship, and sophistication to the best French, English, and German models as the Sangley and indio artisans wholeheartedly engaged and interpreted the European baroque, rococo, and neoclassical styles. The Chinese were longtime experts at fire–gilding or mercury–gilding, and so were the Europeans (French, British, Germans, Spanish) with the equivalent “dorado de fuego.” They taught the wondrous but dangerous technique to the indio artisans. Fire–gilding or mercury– gilding was a technique frequently used by the ancient Greeks, Romans, Persians, and Chinese. It involved mixing gold with mercury into a paste to coat an object, usually silver (“vermeil”) or bronze (“ormolu”), then heating it to a high temperature in a furnace where the mercury would evaporate, leaving a beautiful and extremely durable gold surface on the object. The downside of “dorado de fuego” was that the mercury heavy metal was easily inhaled by the artisan, causing mercury poisoning --- severe neurological symptoms and eventually death.

 

This magnificent silvergilt monstrance from 1783 is an example and a tribute to the excellence of eighteenth– century Filipino ecclesiastical silver. Pieces of this highest quality are usually found in the collections of the San Agustin Church and Convent, Intramuros Administration, Arzobispado de Nueva Segovia (Vigan), Arzobispado de San Fernando (San Fernando, Pampanga), Arzobispado del Santisimo Nombre de Jesus (Cebu), Paulino and Hetty Que Collection, Richard and Sandra Lopez Collection, Atty Jose Maria Trenas Collection.

 

Lot 143 of the Leon Gallery auction on June 17, 2023. Please see leon-gallery.com/auctions/The-Spectacular-Mid-Year-Auctio... for more information.

is a country in west central Africa sharing borders with the Gulf of Guinea to the west, Equatorial Guinea to the northwest, and Cameroon to the north, with the Republic of the Congo curving around the east and south. Its size is almost 270,000 km² with an estimated population of 1,500,000. The capital and largest city is Libreville.

Since its independence from France on August 17, 1960, the Republic has been ruled by three presidents. In the early 1990s, Gabon introduced a multi-party system and a new democratic constitution that allowed for a more transparent electoral process and reformed many governmental institutions. The small population density together with abundant natural resources and foreign private investment have helped make Gabon one of the most prosperous countries in the region, with the highest HDI in Sub-Saharan Africa.

 

History

Please go to:

en.wikipedia.org/wiki/History_of_Gabon

 

Geography

Gabon is located on the Atlantic coast of central Africa. Located on the equator, Gabon has an equatorial climate with an extensive system of rainforests covering 85% of the country. There are three distinct regions: the coastal plains (ranging between 20 to 300 km from the ocean's shore), the mountains (the Cristal Mountains to the northeast of Libreville, the Chaillu Massif in the centre, culminating at 1575 m with Mont Iboundji), and the savanna in the east. The coastal plains form a large section of the World Wildlife Fund's Atlantic Equatorial coastal forests ecoregion and contain patches of Central African mangroves especially on the Muni River estuary on the border with Equatorial Guinea.

Gabon's largest river is the Ogooué which is 1200 km long. Gabon has three karst areas where there are hundreds of caves located in the dolomite and limestone rocks. Some of the caves include Grotte du Lastoursville, Grotte du Lebamba, Grotte du Bongolo, and Grotte du Kessipougou. Many caves have not been explored yet. A National Geographic Expedition visited the caves in the summer of 2008 to document them (Expedition Website).

Gabon is also noted for efforts to preserve the natural environment. In 2002, President Omar Bongo Ondimba put Gabon firmly on the map as an important future ecotourism destination by designating more than 11% of the nation's territory to be part of its national park system (with 13 parks in total), one of the largest proportions of nature parkland in the world. Natural resources include: petroleum, magnesium, iron, gold, uranium, and forests.

 

Other Infos

Oficial Name:

République Gabonaise

 

Independence:

August 17, 1960

 

Area:

267.667km2

 

Inhabitants:

1.500.000

 

Languages:

Baka [bkc] 3,200 in Gabon (1990 CMA). Cameroon border area. Alternate names: Babinga. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, North, Adamawa-Ubangi, Ubangi, Sere-Ngbaka-Mba, Ngbaka-Mba, Ngbaka, Western, Baka-Gundi

More information.

 

Barama [bbg] 6,000 (1990 CMA). Ogooue Maritime Province, east of Omboue. Nyanga Province, west of Moabi. Alternate names: Gibarama, Ghibarama, Bavarama, Yibarambu. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Sira (B.40)

More information.

 

Bekwil [bkw] 2,460 in Gabon (2000 WCD). Extreme northeast corner, Ogooue Ivindo Province, northeast of Mekambo. Alternate names: Bekwel, Bekwie, Bakwele, Bakwil. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, A, Makaa-Njem (A.80)

More information.

 

Benga [bng] North of Libreville. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, A, Bube-Benga (A.30)

More information.

 

Bubi [buw] 5,000 (1990 CMA). Ogooue-Lolo Province, west of Koulamoutou, between M'Bigou and N'djoli. Alternate names: Bhubhi, Ibubi, Ibhubhi, Pove, Eviia. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Tsogo (B.30)

More information.

 

Bwisi [bwz] 1,230 in Gabon (2000 WCD). Far south, Nyanga Province, Ndende area on the border with Congo. Alternate names: Ibwisi, Mbwisi. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Sira (B.40)

More information.

 

Duma [dma] 9,841 (2000 WCD). Upper Ogooue Province, Franceville area near Lastourville. Alternate names: Liduma, Aduma, Douma, Adouma, Badouma. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Njebi (B.50)

More information.

 

Fang [fan] 61,504 in Gabon (2000 WCD). Northwest, Estuary and Woleu-Ntem provinces. Alternate names: Pamue, Pahouin. Dialects: Make, Ntum, Ogowe. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, A, Yaunde-Fang (A.70)

More information.

 

French [fra] 37,500 in Gabon (1993 Johnstone). Classification: Indo-European, Italic, Romance, Italo-Western, Western, Gallo-Iberian, Gallo-Romance, Gallo-Rhaetian, Oïl, French

More information.

 

Kande [kbs] 1,000 (1990 CMA). Ogooue-Ivindo Province, west of Booue. Alternate names: Kanda, Okande. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Tsogo (B.30)

More information.

 

Kaningi [kzo] 6,000 (1990 CMA). Upper Ogooue Province, south of Franceville. Alternate names: Lekaningi, Bakanike. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Mbere (B.60)

More information.

 

Kélé [keb] 9,226 (2000 WCD). Scattered groups in or near Middle Ogooue Province, around Mimongo. Alternate names: Akele, Dikele, Western Kele. Dialects: Bubi, Western Kele. Close to Ngom. Also related to Kota, Mahongwe, Mbangwe, Ndasa, Sake, Seki, Sighu, Wumbvu. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Kota [koq] 34,442 in Gabon (2000 WCD). Population total all countries: 43,497. A large area in Ogooue-Iwindo Province. Also spoken in Congo. Alternate names: Ikota, Ikuta, Kotu. Dialects: Many dialects. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Lumbu [lup] 19,681 in Gabon (2000 WCD). Population total all countries: 22,699. Nyanga Province, between the Nyanga and Bangua rivers, on the southwest coast, and the Congo border. Also spoken in Congo. Alternate names: Ilumbu, Baloumbou. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Sira (B.40)

More information.

 

Mahongwe [mhb] 1,000 (2000 B. Connell). Northeast corner, Mekambo area. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Mbama [mbm] Upper Ogooue Province, south of Okondja. Alternate names: Lembaamba, Gimbaama, Bambaama, Mbamba, Mbaama, Obamba, Bakota. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Mbere (B.60)

More information.

 

Mbangwe [zmn] 3,690 in Gabon (2000 WCD). Population total all countries: 5,199. Upper Ogooue Province, south and west of Franceville. Also spoken in Congo. Alternate names: Mbahouin, M'bahouin. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Mbere [mdt] 45,513 in Gabon (2000 WCD). All Mbere languages in Gabon: 110,000 (1993 Johnstone). Upper Ogooue Province, Okondja area. Alternate names: Mbédé, Limbede, Mbété, Ambede. Dialects: Ngwii. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Mbere (B.60)

More information.

 

Myene [mye] 46,743 (2000 WCD). Population includes 1,000 to 2,000 Dyumba, 1,000 to 5,000 Enenga, 2,000 to 11,000 Galwa, 1,000 to 4,000 Mpongwe, 10,000 Orungu, 20,000 Nkomi. Mainly in Ogooue-Maritime and Middle Ogooue provinces, from Lambarene area to coast. Mpongwe dialect is spoken on both sides of the Gabon Estuary, south of Libreville, Port Gentil area. Ajumba is north of Lambarene, Enenga northeast of Lambarene, Galwa in the Lambarene area and westward, Nkomi is on the coast, southeast of Port Gentil. Alternate names: Omyene, Pangwe. Dialects: Ajumba (Dyumba, Adyumba, Adjumba), Enenga, Galwa (Galoa, Galua, Galloa, Omyene), Mpongwe (Mpungwe, Npongwe, Pongoué, Mpongoué, Npongué), Nkomi (N'komi), Orungu (Rongo, Rungu). A dialect cluster. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Myene (B.10)

More information.

 

Ndasa [nda] 2,460 in Gabon (2000 WCD). Upper Ogooue Province, south of Franceville. Alternate names: Andasa, Ndash, Ndassa. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Ndumu [nmd] 4,305 (2000 WCD). Upper Ogooue Province, from Lastoursville to the north of Franceville. Alternate names: Minduumo, Mindoumou, Lendumu, Ndumbu, Nduumo, Ndumbo, Ondoumbo, Ondumbo, Mindumbu, Doumbou, Dumbu, Bandoumou. Dialects: Epigi, Kanandjoho, Kuya, Nyani. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Mbere (B.60)

More information.

 

Ngom [nra] 8,242 in Gabon (2000 WCD). Population total all countries: 12,770. Extreme northeast, around Mekambo and in Ogooue-Lolo Province, Koulamoutou area. Also spoken in Congo. Alternate names: Ungom, Angom, Bangom, Bangomo, Ongom, Ngomo. Dialects: Close to Kele. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Njebi [nzb] 25,000 in Gabon. Population total all countries: 40,092. Ogooue-Lolo and Ngounie provinces, west of Franceville, and extending to Lebamba area. Also spoken in Congo. Alternate names: Nzebi, Injebi, Yinzebi, Yinjebi, Njabi, Bandzabi, Ndjabi, Ndjevi. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Njebi (B.50)

More information.

 

Pinji [pic] 5,000 (1990 CMA). Ngounie Province, east of Mouila, between Eleke and Fougamou. Alternate names: Gapinji, Apinji, Apindji, Apindje. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Tsogo (B.30)

More information.

 

Punu [puu] 123,009 in Gabon (2000 WCD). Population total all countries: 132,064. Nyanga and Ngounie provinces, Tchibanga and Ndende areas. Also spoken in Congo. Alternate names: Ipunu, Yipunu, Pouno, Puno, Yipounou. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Sira (B.40)

More information.

 

Sake [sak] 1,000 (2000 B. Connell). Central, Ogooue-Iwindo Province, Booue area. Alternate names: Asake, Shake. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Sangu [snq] 20,911 (2000 WCD). Ngounie Province, Mimongo and Iboundji area. Alternate names: Isangu, Yisangu, Chango, Shango, Yisangou. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Sira (B.40)

More information.

 

Seki [syi] 3,690 in Gabon (2000 WCD). Northwest coast around Cocobeach. Alternate names: Sekyani, Sekiani, Sekiyani, Sekiana, Shekiyana, Sheke, Seke, Seseki. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Sighu [sxe] 1,000 (1990 CMA). Ogooue-Lolo Province, Koulamoutou-Lastourville area. Alternate names: Lesighu, Mississiou. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Simba [sbw] 3,000 (1990 CMA). Ogooue-Lolo Province, between Sindare and Mimongo. Alternate names: Nsindak. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Tsogo (B.30)

More information.

 

Sira [swj] 39,449 (2000 WCD). 250,000 in all Sira languages in Gabon (1993 Johnstone). Ngounie Province, west of Mouila, southwest of Fougamou and Mandji. Alternate names: Gisira, Eshira, Isira, Ichira, Ishira, Yichira, Shira, Shire. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Sira (B.40)

More information.

 

Tchitchege [tck] 2,000 (2003). Mboua village, on the road south from Franceville to Boumango. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Teke (B.70)

More information.

 

Teke, Northern [teg] 15,745 in Gabon (2000 WCD). Upper Ogooue Province, east of Franceville. Alternate names: Teghe, Katege, Iteghe, Tege, Teke, Ketego. Dialects: Njiningi (Kanjiningi, Ndjinini, Njikini, Nzikini, Djikini), Tegekali (Katege, Tege, Tégué). Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Teke (B.70)

More information.

 

Tsaangi [tsa] 8,611 in Gabon (2000 WCD). Upper Ogooue Province, west and southwest of Franceville. Alternate names: Itsaangi, Tsangi, Itsangi, Icaangui, Tcengui, Tchangui, Batsangui. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Njebi (B.50)

More information.

 

Tsogo [tsv] 12,000 (1982 UBS). Ngounie Province, north and east of Mouila. Alternate names: Getsogo, Ghetsogo, Mitsogo. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Tsogo (B.30)

More information.

 

Vili [vif] 3,690 in Gabon (2000 WCD). Extreme south, on the coast near Mayumba. Alternate names: Tsivili, Civili, Fiote, Fiot. Dialects: Yoombe (Ciyoombe). Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Central, H, Kongo (H.10)

More information.

 

Vumbu [vum] 2,460 (2000 WCD). Yetsou area, west of Mouila. Alternate names: Yivoumbou. Dialects: Related to Yipunu. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Sira (B.40)

More information.

 

Wandji [wdd] 10,493 (2000 WCD). Ogooue-Lolo and Haut Ogooue. Alternate names: Bawandji. Dialects: May be a dialect of Njebi. Reported that speakers can understand Njebi. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Njebi (B.50)

More information.

 

Wumbvu [wum] 18,328 in Gabon (2000 WCD). Ngounie Province, east of Lebamba. Also spoken in Congo. Alternate names: Wumvu. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Kele (B.20)

More information.

 

Yangho [ynh] 5,000 (1990). Haut Ogooue around Mamidi and Bakoumba. Alternate names: Yongho, Miyangho, Bayongho. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, B, Mbere (B.60)

More information.

 

Yasa [yko] Alternate names: Yassa, Lyassa, Maasa, Bongwe. Dialects: Iyasa, Bweko, Vendo, Bodele, Marry, One, Asonga, Bomui, Mogana, Mooma, Mapanga. Classification: Niger-Congo, Atlantic-Congo, Volta-Congo, Benue-Congo, Bantoid, Southern, Narrow Bantu, Northwest, A, Bube-Benga (A.30), Yasa

 

Capital city:

Libreville

 

Meaning country name:

From Gabão, the Portuguese name for the Komo river estuary (French: Estuaire de Gabon). The estuary took its name from its shape, which resembles that of a hooded overcoat (gabão). Gabão comes from Arabic قباء qabā’.

 

Description Flag:

The flag of Gabon was adopted in 1960. The colours on the flag are green, representing the forests; gold, representing the equator; and blue, representing the sea

 

Coat of arms:

The Coat of Arms of Gabon was designed by the Swiss heraldist and vexillologist Louis Mühlemann, one of the founding members of the FIAV and also designer of the former coat of arms of Congo. It has been in use since 15 July, 1963.

 

The supporters of the symbol are panthers which symbolize the vigilance and courage of the president who protects the nation. The bezants (golden discs) in chief of the shield symbolize the mineral wealth of the country. The ship at the lower part represents Gabon moving towards a brighter future. The okoumé tree at the top of the shield symbolizes the timber trade.

 

The coat of arms is unusual in having two ribbons with mottos in two different languages. The ribbon below the shield has the motto in French 'UNION, TRAVAIL, JUSTICE' ('Union, Work, Justice'). The second ribbon is placed beneath the branches of the okoumé tree and has the motto in Latin 'UNITI PROGREDIEMUR' ('Let us go forward united').

 

Motto:

" Union, Travail, Justice "

 

National Anthem: La Concorde

 

CHORUS:

Uni dans la Concorde et la fraternité

Éveille-toi Gabon, une aurore se lève,

Encourage l'ardeur qui vibre et nous soulève!

C'est enfin notre essor vers la félicité.

C'est enfin notre essor vers la félicité.

Éblouissant et fier, le jour sublime monte

Pourchassant à jamais l'injustice et la honte.

Qu'il monte, monte encore et calme nos alarmes,

Qu'il prône la vertu et repousse les armes.

CHORUS

Oui que le temps heureux rêvé par nos ancêtres

Arrive enfin chez nous, réjouisse les êtres,

Et chasse les sorciers, ces perfides trompeurs.

Qui semaient le poison et répandaient la peur.

CHORUS

Afin qu'aux yeux du monde et des nations amies

Le Gabon immortel reste digne d'envie,

Oublions nos querelles, ensemble bâtissons

L'édifice nouveau auquel tous nous rêvons.

CHORUS

Des bords de l'Océan au cœur de la forêt,

Demeurons vigilants, sans faiblesse et sans haine!

Autour de ce drapeau, qui vers l'honneur nous mène,

Saluons la Patrie et chantons sans arrêt!

 

English translation

 

CHORUS:

United in concord and brotherhood,

Awake, Gabon, dawn is at hand.

Stir up the spirit that thrills and inspires us!

At last we rise up to attain happiness.

Dazzling and proud, the sublime day dawns,

Dispelling for ever injustice and shame.

May it still advance and calm our fears,

May it promote virtue and banish warfare.

CHORUS

Yes, may the happy days of which our ancestors dreamed

Come for us at last, rejoicing our hearts,

And banish the sorcerers, those perfidious deceivers

Who sowed poison and spread fear.

CHORUS

So that, in the eyes of the world and of friendly nations,

The immortal Gabon may maintain her good repute,

Let us forget our quarrels, let us build together

The new structure of which we all have dreamed.

CHORUS

From the shores of the Ocean to the heart of the forest,

Let us remain vigilant, without weakness and without hatred!

Around this flag which leads us to honour,

Let us salute the Fatherland and ever sing!

CHORUS

 

Internet Page: www.legabon.org

www.legabon.org

 

Gabon in diferent languages

 

eng | bre | cor | cym | dan | est | eus | fao | fin | fra | frp | fry | fur | gla | glv | hat | hau | hrv | hun | ina | isl | ita | jav | jnf | lim | lld | mlt | nld | nor | oci | pol | roh | ron | rup | scn | slk | slv | sme | swa | swe | tpi | tur | vor | wln | zza: Gabon

bos | crh | kaa | mol | slo | tuk | uzb: Gabon / Габон

arg | ast | glg | spa: Gabón

deu | ltz | nds: Gabun / Gabun

dsb | hsb | que: Gabun

cos | sot: Gabone

ind | msa: Gabon / ڬابون

kin | run: Gabo

lav | mlg: Gabona

afr: Gaboen

aze: Qabon / Габон

bam: Gabɔn

cat: Gabó

ces: Gabun; Gabon

epo: Gabono

gle: An Ghabúin / An Ġabúin

ibo: Gabọn

kmr: Gabon / Габон / گابۆن

kur: Gabon / گابۆن

lat: Gabonia; Gabonum; Gabon

lin: Gabɔ́

lit: Gabonas

nrm: Gaboun

por: Gabão

rmy: Gabon / गाबोन

smg: Gabuons

smo: Kaponi

sqi: Gaboni

srd: Gabòn

tet: Gabaun

vie: Ga-bông

vol: Gabän

wol: Gaboŋ

zul: iGabunu

abq | alt | bul | che | chm | chv | kbd | kir | kjh | kom | krc | kum | mkd | mon | oss | rus | tyv | udm: Габон (Gabon)

bak | srp | tat: Габон / Gabon

bel: Габон / Habon

kaz: Габон / Gabon / گابون

tgk: Габон / گبان / Gabon

ukr: Ґабон (Gabon)

ara: الغابون (al-Ġābūn); الجابون (al-Gābūn); غابون (Ġābūn); جابون (Gābūn)

fas: گابون (Gābon); گابن (Gābon)

prs: گابون (Gābōn)

pus: ګابون (Gābon)

uig: گابون / Gabon / Габон

urd: گبون (Gabôn); گیبون (Gæbôn)

div: ގެބޯން (Gebōn)

heb: גבון (Gabôn); גאבון (Gâbôn)

lad: גאבון / Gabon

yid: גאַבאָן (Gabon)

amh: ጋቦን (Gabon)

ell: Γκαμπόν (Gkampón)

hye: Գաբոն (Gabon)

kat: გაბონი (Gaboni)

hin: गाबोन (Gābon)

ben: গ্যাবন (Gæbôn)

pan: ਗਾਬੋਨ (Gābon)

kan: ಗಬೋನ್ (Gabōn)

mal: ഗാബോണ് (Gābōṇ)

tam: கபொன் (Kapoṉ); காபோன் (Kāpōṉ)

tel: గబాన్ (Gabān)

zho: 加蓬 (Jiāpéng)

jpn: ガボン (Gabon)

kor: 가봉 (Gabong)

mya: ဂာဘ္ဝန္ (Gabʰũ)

tha: กาบอง (Kābɔ̄ṅ)

khm: ហ្គាបុង (Hkābuṅ); កាបង់ (Kābăṅ)

 

Bronze chariot inlaid with ivory

 

Period: Archaic

Date: 2nd quarter of the 6th century B.C.

Culture: Etruscan

 

Scenes from the life of the Greek hero Achilles

 

The Acquisition

In 1902, a landowner working on his property accidentally discovered a subterranean built tomb covered by a tumulus (mound). His investigations revealed the remains of a parade chariot as well as bronze, ceramic, and iron utensils together with other grave goods. Following the discovery, the finds passed through the hands of several Italian owners and dealers who were responsible for the appearance of the chariot and related material on the Paris art market. There they were purchased in 1903 by General Luigi Palma di Cesnola, the first director of The Metropolitan Museum of Art.

The Monteleone chariot is the best preserved example of its kind from ancient Italy before the Roman period. The relatively good condition of its major parts--the panels of the car, the pole, and the wheels--has made it possible to undertake a new reconstruction based on the most recent scholarship. Moreover, some of the surviving ivory fragments can now be placed with reasonable certitude.

 

The Form and Function of the Chariot

Chariots originated in the Ancient Near East during the early second millennium B.C. and spread westward through Egypt, Cyprus, and the Greek world. In the predominant early type, the car consisted essentially of a platform with a light barrier at the front.

On the Italian peninsula, the largest number of chariots come from Etruria and the surrounding regions. They are datable between the second half of the eighth and the fifth centuries B.C. and represent several varieties. None seems to have been used for fighting in battle. Most came to light in tombs; after serving in life, they were buried with their owners, male and also female.

The Monteleone chariot belongs to a group of parade chariots, so called because they were used by significant individuals on special occasions. They have two wheels and were drawn by two horses standing about forty-nine inches (122 centimeters) apart at the point where the yoke rests on their necks. The car would have accommodated the driver and the distinguished passenger.

The shape of the car, with a tall panel in front and a lower one at each side, provided expansive surfaces for decoration, executed in repoussé. The frieze at the axle, the attachment of the pole to the car, and the ends of the pole and yoke all have additional figural embellishment.

 

The Materials of the Chariot

Although none of the substructure of the original chariot survives, except in one wheel, much information can be gleaned from details on the bronze pieces, other preserved chariots, and ancient depictions of chariots. Note that a chariot is represented on the proper left panel of the car.

The preserved bronze elements of the car were originally mounted on a wooden substructure. The rails supporting the three main figural panels were made from a tree such as a yew or wild fig. The floor consisted of wooden slats. The wooden wheels were revetted with bronze, an exceptional practice probably reserved only for the most elaborate chariots. A bit of the preserved core has been identified as oak. The tires are of iron. The sections of the pole were mounted on straight branches.

A major component of the original vehicle was leather applied to the wooden substructure. The connection of the pole to the car would have been reinforced by rawhide straps gathered beneath the boar's head, and the yoke would have been lashed to the pole. The upper end of the pole shows traces of the leather bands. In addition, all of the horses' harness was of leather. Moreover, rings of pigskin with the fat attached helped reduce friction between the moving parts of the wheels.

The Monteleone chariot is distinguished not only by the extraordinary execution of the bronze panels but also by the inclusion of ivory inlays. The ivories, from both elephant and hippopotamus, are so fragmentary that only the tusks of the boar and the finials at the back of the car have been placed in their original positions. The remaining pieces are exhibited in a case on the south wall. A series of long narrow strips served as edging, perhaps around the panels of the car or on the underside of the pole. It is possible that other fragments filled the spaces between the figures in the central panel of the car. A major question concerning these adjuncts is the method of their attachment, requiring the use of an adhesive. Another question is whether the ivories were painted.

 

The Figures on the Chariot

The iconography represents a carefully thought-out program. The three major panels of the car depict episodes from the life of Achilles, the Greek hero of the Trojan War. In the magnificent central scene, Achilles, on the right, receives from his mother, Thetis, on the left, a shield and helmet to replace the armor that Achilles had given his friend Patroklos, for combat against the Trojan Hektor. Patroklos was killed, allowing Hektor to take Achilles' armor. The subject was widely known thanks to the account in Homer's Iliad and many representations in Greek art. The panel on the left shows a combat between two warriors, usually identified as the Greek Achilles and the Trojan Memnon. In the panel on the right, the apotheosis of Achilles shows him ascending in a chariot drawn by winged horses.

The subsidiary reliefs partly covered by the wheels are interpreted as showing Achilles as a youth in the care of the centaur Chiron and Achilles as a lion felling his foes, in this case a stag and a bull.

The central axis of the chariot is reinforced by the head and forelegs of the boar at the join of the pole to the car. The deer below Achilles' shield appears slung over the boar's back. The eagle's head at the front of the pole repeats the two attacking eagles at the top of the central panel, and the lion heads on the yoke relate to the numerous savage felines on the car.

While the meaning of the human and animal figures allows for various interpretations, there is a thematic unity and a Homeric quality emphasizing the glory of the hero.

 

The Artistic Origin of the Chariot

The three panels of the car represent the main artistic achievement. Scholarly opinion agrees that the style of the decoration is strongly influenced by Greek art, particularly that of Ionia and adjacent islands such as Rhodes. The choice of subjects, moreover, reflects close knowledge of the epics recounting the Trojan War. In the extent of Greek influence, the chariot resembles works of virtually all media from Archaic Etruria. Contemporary carved ambers reflect a similar situation.

The typically Etruscan features of the object begin with its function, for chariots were not significant in Greek life of the sixth century B.C. except in athletic contests. Furthermore, iconographical motifs such as the winged horses in Achilles' apotheosis and the plethora of birds of prey reflect Etruscan predilections. The repoussé panels may have been produced in one of the important metal-working centers such as Vulci by a local craftsman well familiar with Greek art or possibly by an immigrant bronze-worker. The chariot could well have been made for an important individual living in southern Etruria or Latium. Its burial in Monteleone may have to do with the fact that this town controlled a major route through the Appenine Mountains. The vehicle could have been a gift to win favor with a powerful local authority or to reward his services.

Beyond discussion is the superlative skill of the artist. His control of the height of the relief, from very high to subtly shallow, is extraordinary. Equally remarkable are the richness and variety of the decoration lavished on all of the figures, especially those of the central panel. In its original state, with the gleaming bronze and painted ivory as well as all of the accessory paraphernalia, the chariot must have been dazzling.

 

The Reconstruction

After the parts of the chariot arrived in the Museum in 1903, they were assembled in a presentation that remained on view for almost a century. During the new reconstruction, which took three years' work, the chariot was entirely dismantled. A new support was made according to the same structural principles as the ancient one would have been. The reexamination of many pieces has allowed them to be placed in their correct positions. Moreover, the bronze sheathing of the pole, which had been considered only partially preserved, has been recognized as substantially complete.

The main element that has not been reconstructed is the yoke. Although the length is correct, the wooden bar simply connects the two bronze pieces.

Bronze chariot inlaid with ivory

 

Period: Archaic

Date: 2nd quarter of the 6th century B.C.

Culture: Etruscan

 

Scenes from the life of the Greek hero Achilles

 

The Acquisition

In 1902, a landowner working on his property accidentally discovered a subterranean built tomb covered by a tumulus (mound). His investigations revealed the remains of a parade chariot as well as bronze, ceramic, and iron utensils together with other grave goods. Following the discovery, the finds passed through the hands of several Italian owners and dealers who were responsible for the appearance of the chariot and related material on the Paris art market. There they were purchased in 1903 by General Luigi Palma di Cesnola, the first director of The Metropolitan Museum of Art.

The Monteleone chariot is the best preserved example of its kind from ancient Italy before the Roman period. The relatively good condition of its major parts--the panels of the car, the pole, and the wheels--has made it possible to undertake a new reconstruction based on the most recent scholarship. Moreover, some of the surviving ivory fragments can now be placed with reasonable certitude.

 

The Form and Function of the Chariot

Chariots originated in the Ancient Near East during the early second millennium B.C. and spread westward through Egypt, Cyprus, and the Greek world. In the predominant early type, the car consisted essentially of a platform with a light barrier at the front.

On the Italian peninsula, the largest number of chariots come from Etruria and the surrounding regions. They are datable between the second half of the eighth and the fifth centuries B.C. and represent several varieties. None seems to have been used for fighting in battle. Most came to light in tombs; after serving in life, they were buried with their owners, male and also female.

The Monteleone chariot belongs to a group of parade chariots, so called because they were used by significant individuals on special occasions. They have two wheels and were drawn by two horses standing about forty-nine inches (122 centimeters) apart at the point where the yoke rests on their necks. The car would have accommodated the driver and the distinguished passenger.

The shape of the car, with a tall panel in front and a lower one at each side, provided expansive surfaces for decoration, executed in repoussé. The frieze at the axle, the attachment of the pole to the car, and the ends of the pole and yoke all have additional figural embellishment.

 

The Materials of the Chariot

Although none of the substructure of the original chariot survives, except in one wheel, much information can be gleaned from details on the bronze pieces, other preserved chariots, and ancient depictions of chariots. Note that a chariot is represented on the proper left panel of the car.

The preserved bronze elements of the car were originally mounted on a wooden substructure. The rails supporting the three main figural panels were made from a tree such as a yew or wild fig. The floor consisted of wooden slats. The wooden wheels were revetted with bronze, an exceptional practice probably reserved only for the most elaborate chariots. A bit of the preserved core has been identified as oak. The tires are of iron. The sections of the pole were mounted on straight branches.

A major component of the original vehicle was leather applied to the wooden substructure. The connection of the pole to the car would have been reinforced by rawhide straps gathered beneath the boar's head, and the yoke would have been lashed to the pole. The upper end of the pole shows traces of the leather bands. In addition, all of the horses' harness was of leather. Moreover, rings of pigskin with the fat attached helped reduce friction between the moving parts of the wheels.

The Monteleone chariot is distinguished not only by the extraordinary execution of the bronze panels but also by the inclusion of ivory inlays. The ivories, from both elephant and hippopotamus, are so fragmentary that only the tusks of the boar and the finials at the back of the car have been placed in their original positions. The remaining pieces are exhibited in a case on the south wall. A series of long narrow strips served as edging, perhaps around the panels of the car or on the underside of the pole. It is possible that other fragments filled the spaces between the figures in the central panel of the car. A major question concerning these adjuncts is the method of their attachment, requiring the use of an adhesive. Another question is whether the ivories were painted.

 

The Figures on the Chariot

The iconography represents a carefully thought-out program. The three major panels of the car depict episodes from the life of Achilles, the Greek hero of the Trojan War. In the magnificent central scene, Achilles, on the right, receives from his mother, Thetis, on the left, a shield and helmet to replace the armor that Achilles had given his friend Patroklos, for combat against the Trojan Hektor. Patroklos was killed, allowing Hektor to take Achilles' armor. The subject was widely known thanks to the account in Homer's Iliad and many representations in Greek art. The panel on the left shows a combat between two warriors, usually identified as the Greek Achilles and the Trojan Memnon. In the panel on the right, the apotheosis of Achilles shows him ascending in a chariot drawn by winged horses.

The subsidiary reliefs partly covered by the wheels are interpreted as showing Achilles as a youth in the care of the centaur Chiron and Achilles as a lion felling his foes, in this case a stag and a bull.

The central axis of the chariot is reinforced by the head and forelegs of the boar at the join of the pole to the car. The deer below Achilles' shield appears slung over the boar's back. The eagle's head at the front of the pole repeats the two attacking eagles at the top of the central panel, and the lion heads on the yoke relate to the numerous savage felines on the car.

While the meaning of the human and animal figures allows for various interpretations, there is a thematic unity and a Homeric quality emphasizing the glory of the hero.

 

The Artistic Origin of the Chariot

The three panels of the car represent the main artistic achievement. Scholarly opinion agrees that the style of the decoration is strongly influenced by Greek art, particularly that of Ionia and adjacent islands such as Rhodes. The choice of subjects, moreover, reflects close knowledge of the epics recounting the Trojan War. In the extent of Greek influence, the chariot resembles works of virtually all media from Archaic Etruria. Contemporary carved ambers reflect a similar situation.

The typically Etruscan features of the object begin with its function, for chariots were not significant in Greek life of the sixth century B.C. except in athletic contests. Furthermore, iconographical motifs such as the winged horses in Achilles' apotheosis and the plethora of birds of prey reflect Etruscan predilections. The repoussé panels may have been produced in one of the important metal-working centers such as Vulci by a local craftsman well familiar with Greek art or possibly by an immigrant bronze-worker. The chariot could well have been made for an important individual living in southern Etruria or Latium. Its burial in Monteleone may have to do with the fact that this town controlled a major route through the Appenine Mountains. The vehicle could have been a gift to win favor with a powerful local authority or to reward his services.

Beyond discussion is the superlative skill of the artist. His control of the height of the relief, from very high to subtly shallow, is extraordinary. Equally remarkable are the richness and variety of the decoration lavished on all of the figures, especially those of the central panel. In its original state, with the gleaming bronze and painted ivory as well as all of the accessory paraphernalia, the chariot must have been dazzling.

 

The Reconstruction

After the parts of the chariot arrived in the Museum in 1903, they were assembled in a presentation that remained on view for almost a century. During the new reconstruction, which took three years' work, the chariot was entirely dismantled. A new support was made according to the same structural principles as the ancient one would have been. The reexamination of many pieces has allowed them to be placed in their correct positions. Moreover, the bronze sheathing of the pole, which had been considered only partially preserved, has been recognized as substantially complete.

The main element that has not been reconstructed is the yoke. Although the length is correct, the wooden bar simply connects the two bronze pieces.

source : Wikipédia

en.wikipedia.org/wiki/Statue_of_Liberty

fr.wikipedia.org/wiki/Statue_de_la_Liberté

www.nps.gov/stli/index.htm

 

The Statue of Liberty (Liberty Enlightening the World [French: La Liberté éclairant le monde]) is a colossal neoclassical sculpture on Liberty Island in New York Harbor, designed by Frédéric Bartholdi and dedicated on October 28, 1886. The statue, a gift to the United States from the people of France, is of a robed female figure representing Libertas, the Roman goddess of freedom, who bears a torch and a tabula ansata (a tablet evoking the law) upon which is inscribed the date of the American Declaration of Independence. A broken chain lies at her feet. The statue has become an iconic symbol of freedom and of the United States.

 

Bartholdi was inspired by French law professor and politician Édouard René de Laboulaye, who commented in 1865 that any monument raised to American independence would properly be a joint project of the French and American peoples. Due to the troubled political situation in France, work on the statue did not commence until the early 1870s. In 1875, Laboulaye proposed that the French finance the statue and the Americans provide the pedestal and the site. Bartholdi completed both the head and the torch-bearing arm before the statue was fully designed, and these pieces were exhibited for publicity at international expositions. The arm was displayed in New York's Madison Square Park from 1876 to 1882. Fundraising proved difficult, especially for the Americans, and by 1885 work on the pedestal was threatened due to lack of funds. Publisher Joseph Pulitzer of the World initiated a drive for donations to complete the project, and the campaign inspired over 120,000 contributors, most of whom gave less than a dollar. The statue was constructed in France, shipped overseas in crates, and assembled on the completed pedestal on what was then called Bedloe's Island. The statue's completion was marked by New York's first ticker-tape parade and a dedication ceremony presided over by President Grover Cleveland.

  

The statue was administered by the United States Lighthouse Board until 1901 and then by the Department of War; since 1933 it has been maintained by the National Park Service. The statue was closed for renovation for much of 1938. In the early 1980s, it was found to have deteriorated to such an extent that a major restoration was required. While the statue was closed from 1984 to 1986, the torch and a large part of the internal structure were replaced. After the September 11 attacks in 2001, it was closed for reasons of safety and security; the pedestal reopened in 2004 and the statue in 2009, with limits on the number of visitors allowed to ascend to the crown. The statue is scheduled to close for up to a year beginning in late 2011 so that a secondary staircase can be installed. Public access to the balcony surrounding the torch has been barred for safety reasons since 1916.

 

FRENCH

 

La Liberté éclairant le monde (Liberty Enlightening the World), plus connue sous le nom de statue de la Liberté (Statue of Liberty), est l'un des monuments les plus célèbres de la ville de New York. Elle est située sur l'île de Liberty Island au sud de Manhattan, à l'embouchure de l'Hudson et à proximité d'Ellis Island (États-Unis). Elle fut offerte par la France en 1886, pour célébrer le centenaire de la déclaration d'indépendance américaine et en signe d'amitié entre les deux nations. L'inauguration de la statue fut célébrée le 28 octobre 1886 en présence du président des États-Unis, Grover Cleveland. L'idée vient du juriste et professeur au Collège de France, Édouard de Laboulaye en 1865. Le projet est confié en 1871, au sculpteur français né à Colmar Frédéric Auguste Bartholdi. Le choix des cuivres devant être employés à la construction fut confié à l'architecte Eugène Viollet-le-Duc, qui eut l'idée d'employer la technique du repoussé. En 1879, à la mort d'Eugène Viollet-le-Duc, Frédéric Auguste Bartholdi fit appel à l'ingénieur Gustave Eiffel pour décider de la structure interne de la statue. Ce dernier imagine un pylône métallique qui supporte les plaques de cuivre martelées et fixées. La statue fait en outre partie des National Historic Landmarks depuis le 15 octobre 1924 et de la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO depuis 19841.

 

La statue de la Liberté, en plus d'être un monument très important de la ville de New York, est devenue l'un des symboles des États-Unis et représente de manière plus générale la liberté et l'émancipation vis-à-vis de l'oppression. De son inauguration en 1886 au Jet Age2, la statue a ainsi été la première vision des États-Unis pour des milliers d'immigrants, après une longue traversée de l'océan Atlantique. Au plan de l'architecture, la statue rappelle le Colosse de Rhodes qui était l'une des sept merveilles du monde antique. Elle constitue enfin l'élément principal du Statue of Liberty National Monument qui est géré par le National Park Service.

QUEL PLAISIR DE VOUS RETROUVER !

Après deux ans sans rencontre estivale, nous sommes heureux de vous retrouver pour vous présenter une programation très riche et variée.

Des SPECTACLES à la salle du PANIER FEURI où vous découvrirez la musique et la danse de nombreuses cultures : MEXIQUE, MADAGASCAR, PEROU, IRLANDE, REPUBLIQUE TCHEQUE, EQUATEUR, PORTUGAL, NOUVELLE AQUITAINE ET BRETAGNE

Le CABARET à la MAIRIE ANNEXE DE PARAME vous proposera des CONCERTS d'artistes BRETONS, QUEBECOIS, IRLANDAIS, PERUVIENS...

Temps fort du festival le WEEK END du 09 et 10 JUILLLET avec le spectacle de danses bretonnes et la finale du concours des bagadou de 4ème Catégorie, le fest noz LE SAMEDI.

et la grande parade et le spectacle le DIMANCHEau PARC DES CHENES .

Saint-Malo : le festival Folklores du monde de retour pour une 26e édition, du 5 au 10 juillet

Après deux ans sans rencontres estivales, le festival Folklores du monde va enfin pouvoir retrouver le public, du 5 au 10 juillet 2022, à Saint-Malo.

De retour à Saint-Malo du mardi 5 au dimanche 10 juillet 2022, le festival Folklores du monde retrouve son format habituel avec sept pays invités : Portugal, Pérou, République tchèque, Équateur, Mexique, Madagascar et Irlande, et de nombreux groupes bretons.

« La journée du mardi 5 juillet sera dense pour marquer notre retour », précise Gérard Besnard, président d’Arts et cultures traditionnels du monde.

De plus :

Tous les jours, il y aura des défilés Intra-muros, de la porte Saint-Vincent à la porte de Dinan, des soirées cabaret à la mairie annexe de Paramé et des spectacles au Panier Fleuri.

Gérard Besnard, président d’Arts et cultures traditionnels du monde

Notons aussi que « le club de boules de Rochebonne invitera le public à venir s’initier à la boule bretonne toute la semaine à la porte de Dinan (Intra-muros), à Bel-Air (Saint-Servan) et à Rochebonne ».

Exposition

Une exposition de broderie sur mannequins, réalisée par le spécialiste Paul Balbous, se tiendra pendant 15 jours, du lundi 27 juin au dimanche 10 juillet dans le bâtiment de l’Académie malouine d’arts et plastiques situé dans rue de Bonneville à Paramé. Présence du brodeur le samedi 9 juillet. L’entrée est libre.

Le programme 2022

Mardi 5 juillet

• À 11h, sur l’esplanade de la médiathèque, représentation en plein air des Gourganes (chants de marins) et de l’Expédition Côtes du Nord (Bretagne). Gratuit.

• À 11h, sur l’esplanade Saint-Vincent à côté de l’office de tourisme, représentation en plein air du duo Gloaguen-Le Hénaff (initiation à la danse bretonne). Gratuit.

• De 14h à 18h, sur l’esplanade Saint-Vincent, représentations du duo Gloaguen-Le Hénaff (initiation à la danse bretonne), des Gourganes (chants de marins), de Los Uros (Pérou) et d’Expédition Côtes du Nord (Bretagne). Gratuit.

• À 18h, Intra-Muros, défilé d’ouverture du festival avec Expédition Côtes du Nord (Bretagne), l’Équateur, Madagascar, le Pérou et la République tchèque. Gratuit.

• À 21h, au Panier Fleuri, spectacle de Danceperados of Ireland (ballet irlandais). Tarif 18 € / 5 € pour les moins de 18 ans.

• À 21h15, mairie annexe de Paramé, cabaret, soirée chants de marins avec Djibou. Tarif 12 €.

Mercredi 6 juillet

À 21h, salle du Panier Fleuri, spectacle de Compania Folklorica Sinaloense (Mexique) et Benja Gasy (Madagascar). Tarif 12 € / 5 € pour les moins de 18 ans.

• À 21h15, mairie annexe de Paramé, cabaret, soirée Bretagne avec Soig Sibéril et Jean-Félix Lalanne puis Fred Guichen et Jean-Pierre Riou. Tarif 12 €.

Jeudi 7 juillet

• À 21h, salle du Panier Fleuri, spectacle de Brensky Valasek (République tchèque) et Nukanchik (Équateur). Tarif 12 € / 5 € pour les moins de 18 ans.

• À 21h15, mairie annexe de Paramé, cabaret, soirée Musiques du monde par Hervé Guillo et Tony Mac Carthy (Irlande) puis Bon débarras (Québec). Tarif 12 €.

Jeudi 7 et vendredi 8 juillet

• De 10h à 12h puis de 14h à 17h, au 7 rue de la Trinidad à Saint-Malo, stage de broderie animé par Paul Balbous sous l’égide de l’association Gwik Alet. Inscriptions au 06 76 54 41 00 ou par courriel à contact@folkloresdumonde.bzh. Tarif 25 € la journée, repas du midi compris.

Vendredi 8 juillet

• À 18h, terrasse du grand hôtel des Thermes Marins (100 boulevard Hébert) accessible depuis la digue du sillon, animation avec le groupe du Mexique. Gratuit.

• À 21h, salle du panier Fleuri, spectacle de Lo Gerbo Baudo (Nouvelle-Aquitaine) et Quic-en-Groigne (Bretagne). Tarif 12 € / 5 € pour les moins de 18 ans.

• À 21h15, mairie annexe de Paramé, cabaret, soirée Musiques du monde par Arzan puis Los Uros (Pérou) Tarif 12 €.

Samedi 9 juillet

• De 14h à 17h, salle du Panier Fleuri, Kement’Tu (spectacle des cercles celtiques de Bretagne). Tarif 7 €.

• De 14h à 17h, au parc des chênes, concours sonerion (finale des bagadou de 4e catégorie). Gratuit.

• De 21h à 2h, salle du Panier Fleuri, Fest-Noz avec Sonerien Du (50 ans de scène), Skrijus, Launay Savidan et l’Haridon Bodros. Tarif 7 €.

Dimanche 10 juillet

• Grande journée de clôture marquée par un défilé à partir de 11h depuis le boulevard de Rochebonne, jusqu’au parc des Chênes. De 12h à 18h, 16 groupes bretons et étrangers seront en représentation sur une grande scène aménagée au parc des Chênes.

• Le triomphe de clôture, à 18h30, marquera la fin des festivités. Événement gratuit. Restauration sur place à partir de 11h au parc des Chênes (possibilité de réservation au 06.08.24.47.28). Des animations de jeux en bois anciens et des démonstrations de lutte bretonne auront lieu au village du festival, des boutiques d’objets divers seront présentes sur le site du parc des Chênes.

Du mardi 5 au vendredi 8 juillet

• Cours de danses bretonnes animés par Karl Blanchet, de 10h à 12h, au dojo de la salle du Panier Fleuri, rue de Bonneville à Saint-Malo. Tarif 5 €.

Musiques et danses des 4 coins du monde

Le Festival Folklores du Monde revient cet automne à Saint-Malo ! Ce festival à l’identité celtique revient chaque année à Saint-Malo depuis 1996. Du 5 au 10 juillet 2022, Le Festival Folklores du Monde s’invite dans les quartiers malouins, plus particulièrement dans le quartier de Paramé pour vous faire découvrir les musiques et danses présentes aux 4 coins du monde. En après-midi ou en soirée, de nombreuses animations sont prévues : concerts, danse, animations de rues ou encore du spectacle vivant.

Comme chaque année, le festival Folklores du Monde revient à Saint-Malo cet été ! Pour sa 25e édition, il se tiendra du 5 au 12 juillet 2022. Un rendez-vous incontournable pour ceux qui aiment découvrir d’autres cultures, le tout en danse et en musique !

Des artistes internationaux à Saint-Malo

Les bretons ont beau avoir la réputation d’être chauvins, ils n’en sont pour autant pas moins ouverts à d’autres cultures ! Cette année encore, des artistes internationaux sont invités à défiler dans les quartiers malouins, principalement dans le quartier de Paramé.

Le public malouin pourra donc découvrir des artistes venus d’Afrique du Sud, de Cuba, d’Équateur, du Mexique et de la Tchéquie, grâce aux artistes et groupes suivants :

• Ama Zebra,

• Kamagua,

• Nukanchick,

• La Compañia Folclórica Sinaloense,

• Brnensky Valasek.

Des provinces françaises sont également invitées : c’est le cas pour Tahiti, la Nouvelle-Aquitaine et bien évidemment la Bretagne, avec l’ensemble folklorique de danse et musique traditionnelle Quic-en-Groigne.

Enfin, une place particulière sera donnée à la tête d’affiche 2022 : le groupe Sonerien Du fêtera avec le public ses 50 ans de scène. Un anniversaire à ne pas manquer le 9 juillet prochain : ambiance festive garantie !

À Saint-Malo, la billetterie du festival Folklores du Monde est ouverte

Après une année blanche en 2020 et une suivante repoussée à l’automne 2021, tout rentre enfin dans l’ordre pour cette 26e édition du festival malouin Folklores du Monde.

Le grand rendez-vous se déroulera du 5 au 10 juillet. Avec cette année, une nouveauté : un démarrage d’enfer le mardi 5 juillet. Après des animations devant la gare le matin et sur l’esplanade Saint-Vincent l’après-midi, place à un défilé d’ouverture dans les rues de l’Intra-Muros à compter de 18 h, suivis d’une soirée chants de marin et d’un spectacle de danse irlandaise.

Une soirée retient plus particulièrement l’attention : le samedi 9 juillet, avec le spectacle du groupe Sonerien Du, qui fête cette année ses 50 ans de scène. Autre moment fort et gratuit : la grande parade des Nations, le dimanche 10 juillet, à 11 h, boulevard de Rochebonne.

Il ne faut pas tarder à s’inscrire aux spectacles proposés par les pays invités : République tchèque, Madagascar, Irlande, Équateur, Mexique…

Dimanche 10 juillet est venu clôturer cette semaine de festival Folklores du Monde à Saint-Malo (Ille-et-Vilaine). Pour ce grand défilé, 18 troupes ont animé les rues de Paramé avant d'arriver au parc des Chênes ou de nombreuses animations attendaient un public venu en nombre.

Dans ces groupes de danseurs et de musiciens, étaient invitées cette année six délégations étrangères. Madagascar, l'Equateur, la République Tchèque, le Mexique, le Pérou et le Portugal sont venus gonfler les rangs du défilé. Bien sûr de nombreux bagadoù étaient là pour enjouer les passants.

Le coup d’envoi de la 26e édition du festival Folklores du Monde a été donné mardi 5 juillet. Durant cinq jours, Saint-Malo vibre au rythme des sonorités et danses de tous les continents.

Les rues d’intra-muros ont résonné aux sons venus de République tchèque, Madagascar, Pérou ou encore d’une formation bretonne aux allures quelque peu loufoque (Expédition Côtes du Nord). En ouverture de la 26e édition de son festival, Folklores du Monde a organisé un défilé haut en couleur dans la cité corsaire. De quoi ravir les visiteurs, parfois étonnés de rencontrer ce mélange de cultures déambulant sur les pavés d’intra-muros.

Une invitation culturelle au voyage

Avec deux spectacles par soir, au Panier Fleuri et à la mairie annexe de Paramé, le festival Folklores du Monde propose, une nouvelle fois, un mini-tour du monde jusqu’au 10 juillet. Une place de choix est aussi réservée à la culture bretonne sur la scène du festival, avec notamment les 50 ans des Sonerien Du, programmés le samedi 9 juillet. Après deux années marquées par les contraintes sanitaires, cette 26e édition est aussi celle du retour de la grande parade des Nations. Elle s’élancera le dimanche 10 juillet à 11 h du boulevard de Rochebonne pour rejoindre le Parc des Chênes.

  

20 gauge copper, 6" x 8.375".

la Sainte-Chapelle du château de Vincennes abrite une installation inédite de Joana Vasconcelos. L'artiste portugaise a réalisé un laurier de 13 mètres de haut composé de 110 000 feuilles tissées à la main qui apporte une touche féerique au monument gothique.

La forêt vient-elle de reprendre ses droits au château de Vincennes ? Dès aujourd’hui, un Arbre de vie s’enracine dans la Sainte-Chapelle. Joana Vasconcelos a été invitée par le Centre des Monuments nationaux (CMN) à installer son œuvre monumentale inédite, dans le cadre de la saison croisée France-Portugal 2022, portée par l’Institut Français. Repoussée à deux reprises, l’installation spectaculaire vient d’ouvrir ses portes. Alliant textile et ingénierie, ce laurier de 13 mètres de haut aux 110 000 feuilles tissées à la main et aux lumières LED apporte de la fantaisie dans le monument au style gothique flamboyant et invite le visiteur à découvrir ses minutieux détails pour un moment de paix et d’introspection, jusqu’au 3 septembre.

 

Après la Renault Clio V6 phase 1 construite en liaison avec le Tom Walkinshaw Racing, la Clio V6 phase 2 fut lancée en 2003.

 

Pour se différencier esthétiquement de la première version et accentuer un réel air de famille, elle adopte la calandre et les phares/feux de la Clio standard. Dans ses ailes gonflées, elle abrite d'imposantes jantes en alliage léger OZ de 18 pouces, repoussées aux quatre coins de la caisse dont l'empattement d'origine est légèrement allongé.

 

L'évolution du moteur V6 2.9 litres est le fruit des ingénieurs de Renault Sport Technologies, en particulier le haut moteur qui développe désormais 255 chevaux à 7.150 tr/min. Boîte à six rapports avec pignons rapprochés et pont court accentuent encore la réactivité de la Clio V6 phase 2, qui revendique 237 km/h en pointe et abat le kilomètre départ arrêté en 26 s 3/10e.

Ces performances ne l'empêchent pas d'être plus facile à piloter que la phase 1 grâce à une nouvelle cinématique du train arrière et des réglages de suspension adaptés à la conduite sur route ouverte.

A l'intérieur, tout est consacré au sport : sièges baquets en alcantara et cuir, volant cuir à trois branches, pédalier, pommeau de levier de vitesses et même seuils de portes en aluminium. Le bonheur est total.

 

Modèle exposé :

-Moteur : V6 24 soupapes 2.900 cm3, 255 ch

-Transmission : boîte 6 vitesses à crabots

-Dimensions : longueur = 3.84 m - largeur = 1.83 m - poids : 1.400 kg

Repousse gilded silver rhyton with horned griffin. Persian, 4th Century BC. Special Exhibit on Animal Shaped Vessels from the Ancient World, Feasting with Gods, Heroes and Kings. Harvard Art Museum. Cambridge, Massachusetts, USA. Copyright 2018, James A. Glazier.

Crown of the Virgin of the Immaculate Conception (Crown of the Andes, Columbia) c. 1660 (diadem), c. 1770 (arches), gold and emeralds, 34.3 cm (The Metropolitan Museum of Art)

Learn more at Smarthistory

Bronze kardiophylax (pectoral armor)

Etruscan or Central Italian

ca. 675-625 BCE

 

British Museum, London

Blacas Collection

GR 1867.5-8.374

Bronze 368

24”tall, copper and galvanized steel wire, copper repousse face.

This Pair of Earrings with Four-Armed Vishnu riding Garuda with Nagas dates to 1600s or 1700s Kathmandu Valley in Nepal. The repousse technique was used to imprint the deity design and the materials used were gold and pearls. The earrings show the Hindu God Vishnu and his vehicle Garuda. According to the museum's label, the outer braided part of the earrings symbolize the snake divinities Garuda is grasping with his hands, which creates an interesting textural pattern. The crescent moon base references that Vishnu and Garuda are solar deities. The size of these earrings suggest they were made for a sculpture of a deity, a common practice in southeast Asia. This piece is found at the Cleveland Museum of Art and was graciously donated by Mr. and Mrs. J. H. Wade. The earring set can be found in the 237 Himalayan section of the museum. This image is in the public domain.

clevelandart.org/art/1915.346

Source:

www.lutte-ouvriere.org/multimedia/exposes-du-cercle-leon-...

 

Texte intégral.

150 ans après, l’actualité de la Commune de Paris de 1871

Cercle Léon Trotsky n°166 - 18/03/2021

Marx et la Commune

 

Il y a cent cinquante ans, la Commune de Paris incarna le temps de sa courte existence les espoirs du monde ouvrier. Nous tenons à célébrer sa mémoire en rappelant les leçons qu’en ont tirées Marx et Engels et, après eux, Lénine et Trotsky.

 

C’est un événement fondamental du point de vue du mouvement ouvrier, parce que pour la première fois dans l’histoire, pendant deux mois, de mars à mai 1871, le prolétariat a exercé le pouvoir à Paris, qui comptait alors près de deux millions d’habitants.

 

Marx y vit immédiatement une expérience historique d’une portée immense, un pas réel considérable dans la lutte de classe du prolétariat, « bien plus important, ajoutait Lénine, que des centaines de programmes et de raisonnements ». Bien qu’elle ait été réprimée impitoyablement, la Commune a été un jalon dans l’histoire du mouvement ouvrier, qu’elle a fécondé en lui montrant le chemin de la révolution sociale. Le Manifeste communiste, écrit en 1848, avait déjà démontré théoriquement la nécessité de la dictature du prolétariat. Mais Marx et Engels n’avaient pas cherché à préciser quelle forme concrète prendrait le pouvoir des travailleurs. Leur méthode, scientifique, matérialiste, s’appuyait sur l’expérience réelle des luttes de classes du passé comme sur celle du prolétariat qui se déroulait sous leurs yeux. La Commune de Paris constitua de ce point de vue une avancée immense, qui leur permit de préciser leurs idées sur l’État ouvrier.

 

La Commune vit le jour alors que la IIIe République avait été proclamée quelques mois plus tôt en France, sur les ruines de l’Empire de Napoléon III. La République n’éveillait pas les mêmes sentiments parmi les prolétaires et dans la bourgeoisie. Pour les prolétaires, elle devait être sociale, égalitaire, elle était censée défendre le peuple. Mais, pour les bourgeois qui s’étaient emparés du pouvoir, il était seulement question de préserver les intérêts des possédants et de faire taire les espoirs que la chute de Napoléon avait suscités dans les classes populaires. C’est cet antagonisme des classes qui conduisit à une rupture entre le gouvernement bourgeois et le prolétariat, à leur affrontement et à la naissance de la Commune.

 

Le prolétariat parisien fut presque le premier surpris de se retrouver avec le pouvoir entre les mains. Mais il montra qu’il était capable de se passer de la grande bourgeoisie et de son État. Aussitôt élue, la Commune entreprit des réformes dans bien des domaines : la réorganisation de l’administration et des services publics, le travail, l’éducation, le logement, la place de la religion et celle des femmes, etc. En deux mois d’existence, elle n’eut pas le temps d’aller au bout de ses projets, car elle dut se défendre contre les troupes envoyées par le gouvernement bourgeois pour écraser ce qu’il considérait et présentait comme une entreprise « criminelle ». La lutte pour la survie prit le dessus sur toutes ses autres tâches, mais on ne peut qu’être impressionné par tout ce que la Commune entreprit, même si peu de mesures dépassèrent le stade de l’ébauche. Pour la première fois, un gouvernement issu du prolétariat n’agissait plus dans l’intérêt de la minorité de privilégiés qui dominait la société, mais dans l’intérêt de la majorité de la population. C’était là une véritable révolution !

 

Marx était à Londres lorsque la Commune fut proclamée. Militant au sein de l’Association internationale des travailleurs, il s’efforçait de lui donner un programme révolutionnaire conséquent. C’était la première organisation internationale regroupant des socialistes de différentes tendances et de plusieurs pays dans un combat commun. Apprenant les événements parisiens, il salua l’héroïsme des communards « montant à l’assaut du ciel ». Selon lui, la principale œuvre de la Commune était son existence elle-même. « Son véritable secret, écrivait-il, le voici : c’était essentiellement un gouvernement de la classe ouvrière, le résultat de la lutte de la classe des producteurs contre la classe des appropriateurs, la forme politique enfin trouvée qui permettait de réaliser l’émancipation économique du Travail. »

 

Cependant, la Commune s’acheva prématurément, violemment réprimée par la bourgeoisie. Elle fut définitivement écrasée par l’armée en quelques jours, massacrée pendant la Semaine sanglante. Mais certaines défaites ne sont pas vaines et l’héroïsme du prolétariat parisien, luttant jusqu’au bout, a contribué à sa gloire. Un mois plus tôt, voyant venir le danger, Marx avait écrit : « L’insurrection parisienne, même si elle vient à être réduite par les loups, les cochons et les chiens de la vieille société, est le plus glorieux exploit de notre parti depuis l’insurrection parisienne de Juin [1848]. »

Aux origines de la Commune

La révolution de 1848

 

En juin 1848, vingt-trois ans seulement avant la Commune, la bourgeoisie et le prolétariat s’étaient déjà trouvés face à face dans deux camps ennemis, après avoir renversé ensemble la monarchie de Juillet.

 

Au mois de février 1848, tandis que le prolétariat dressait des barricades dans Paris et poussait le roi à abdiquer, les représentants de la bourgeoisie s’étaient précipités à l’Hôtel de Ville pour prendre le pouvoir et former un gouvernement provisoire. Les travailleurs communiaient alors dans la liesse avec ce nouveau gouvernement, qui comportait même deux socialistes, chargés officiellement de l’organisation du travail. Le gouvernement ouvrit alors des Ateliers nationaux pour donner du travail aux très nombreux chômeurs.

 

Mais la bourgeoisie ne pouvait pas accepter longtemps de rester sous la menace des travailleurs en armes. Et il n’était pas question qu’ils se mêlent du gouvernement ni de l’organisation de la société ! Quatre mois plus tard, en juin 1848, ces mêmes républicains bourgeois, après avoir préparé leur coup, provoquèrent les ouvriers. En fermant les Ateliers nationaux, ils les poussèrent à l’insurrection et firent une saignée dans Paris, près de 4 000 morts, puis encore 1 500 fusillés et plus de 10 000 condamnés à la prison ou à la déportation en Algérie.

 

Les journées de Juin avaient démontré la nécessité pour le prolétariat de défendre ses intérêts de classe et de s’organiser indépendamment de la bourgeoisie. Le mouvement ouvrier conserva et transmit la leçon de ces événements à la nouvelle génération. De son côté, la bourgeoisie gardait une peur panique des « classes dangereuses », comme elle les appelait.

Les transformations du second Empire

 

Louis-Napoléon Bonaparte fut élu président de la République dans la foulée de la contre-révolution de juin 1848. Il se fit plébisciter en se présentant comme un arbitre au-dessus des classes. Puis il confisqua tout le pouvoir par un coup d’État, le 2 décembre 1851. S’étant proclamé empereur sous le nom de Napoléon III – Victor Hugo le surnomma Napoléon le petit ! – il promit à tous, paysans, ouvriers, petits bourgeois, qu’il régnerait pour eux. Mais son règne fut en fait celui de la collaboration achevée de l’État avec la grande bourgeoisie.

 

En 1864, la concentration du capital et le poids acquis par le grand patronat furent symbolisés par la création du Comité des forges, dont le dirigeant, Eugène Schneider, patron des usines du Creusot, régent de la Banque de France et président de la Société générale, était aussi le chef de la Chambre des députés. L’empereur, tout en se réservant la nomination de l’exécutif, en exerçant sa dictature, avait mis en place une Assemblée législative et tolérait des élections municipales largement truquées. Des capitalistes comme Schneider, des banquiers, étaient nommés ministres, élus députés et maires. Le monde politique se mêlait de plus en plus à celui des affaires. La politique d’ailleurs, pour certains avocats, journalistes, notables, devint un bon moyen de se lier à la grande bourgeoisie et de s’enrichir. Sous l’Empire, la corruption fut monnaie courante et souvent objet de scandales, une pratique qui n’a jamais cessé par la suite, sous toutes les Constitutions jusqu’à aujourd’hui.

 

Adolphe Thiers, futur chef du gouvernement qui allait réprimer la Commune, était le parfait modèle de ces politiciens. Petit bourgeois entré en politique dès 1830, opportuniste et ambitieux, il fit carrière du côté tantôt de l’opposition, tantôt du pouvoir, selon l’air du temps, plus souvent monarchiste que républicain. Sa seule fidélité allait aux classes dominantes, à la propriété, à l’Église, en un mot à l’ordre établi. Il n’oublia pas de s’enrichir au passage et fut accusé de malversation. En 1848, il se réclama du « parti de l’ordre », il en appela déjà à l’intervention de l’armée contre les travailleurs.

 

Le capitalisme transformait la société. Sous l’Empire, les banques se développèrent, avec la création du Crédit foncier, du Crédit Lyonnais, de la Société Générale. L’essor industriel et celui du commerce furent sans précédent. Toutefois, l’industrialisation se limitait encore à certaines régions : au nord de la France, à l’Alsace, au couloir rhodanien entre Lyon et Marseille et à la région parisienne. Les villes ouvrières grandissaient, Roubaix atteignait 75 000 habitants en 1870, Lille 160 000, Marseille et Lyon autour de 300 000. En 1860, Paris était passé de douze à vingt arrondissements, absorbant d’un coup ses faubourgs, pour atteindre presque deux millions d’habitants.

Le prolétariat se développe et s’organise

 

À Paris, de larges couches de la petite bourgeoisie étaient en voie de prolétarisation, en particulier les artisans et boutiquiers menacés par les progrès de l’industrie. Beaucoup dépendaient de plus gros patrons qu’eux et beaucoup employaient un ou quelques ouvriers seulement, dont ils étaient plus proches que de la bourgeoisie aisée. Le prolétariat se développait. Les ouvriers et employés travaillaient pour la plupart dans de petits ateliers. Même le travail à domicile était encore fréquent. Avec les progrès du machinisme, femmes et enfants étaient exploités aussi par les capitalistes : en 1868, près de 100 000 enfants âgés de 5 à 12 ans travaillaient dans les fabriques parisiennes.

 

400 000 travailleurs, des paysans venus des campagnes, furent embauchés à l’occasion des travaux gigantesques du préfet Haussmann dans les années 1860. Il transforma la capitale et, parlant à Napoléon III de « défendre Paris contre l’invasion des ouvriers de la province », chassa par la même occasion les travailleurs des quartiers riches.

 

Parmi les prolétaires, il fallait aussi compter les concierges et le personnel des maisons bourgeoises, les bonnes, les nourrices. Le prolétariat et la petite bourgeoisie partageaient donc la même vie dans les quartiers populaires : Montmartre, Belleville, Charonne, la Bastille, la Villette et d’autres.

 

Dans des villes ouvrières plus petites, le prolétariat représentait parfois une fraction plus importante de la population. Le Creusot, fief de Schneider, avec 23 000 habitants en 1866, en est le parfait exemple : ses mines et ses usines comptaient près de 10 000 ouvriers et mineurs, travaillant douze heures par jour, dont l’espérance de vie ne dépassait pas 24 ans.

 

Le second Empire encadra fermement les travailleurs. En 1854 fut institué un livret de travail, sur lequel étaient inscrits les emplois occupés et qui renseignait les patrons et la police sur chaque ouvrier. Les associations et les grèves étaient interdites. Pendant une dizaine d’années, le mouvement ouvrier se développa par le biais de sociétés clandestines et de journaux circulant sous le manteau. Les militants étaient recherchés par la police, souvent arrêtés, condamnés et emprisonnés.

 

Puis le pouvoir, cherchant à accroître sa popularité, finit par assouplir les règles de façon paternaliste, maniant alternativement la carotte et le bâton. En 1862, les sociétés de secours mutuel furent autorisées. La même année, l’empereur permit à une délégation d’ouvriers de se rendre à l’exposition universelle de Londres. Ils y rencontrèrent des militants du mouvement syndical et socialiste anglais et rentrèrent avec un programme revendicatif : ils réclamaient entre autres une meilleure représentation des ouvriers aux élections et le droit de coalition. En 1864, ce dernier fut accordé, la grève devenait possible, à condition que les ouvriers ne portent pas atteinte à la déjà sacro-sainte « liberté du travail ». Les coopératives puis les chambres syndicales furent autorisées en 1866 et 1868, mais pas les syndicats au sein des entreprises. En 1868, on assouplit aussi le régime de la presse et des réunions, mais les journaux restaient soumis à la censure et leurs rédacteurs fréquemment poursuivis.

 

Cependant, les dernières années de l’Empire virent un progrès rapide de la combativité et de l’organisation ouvrières. Les grèves des ouvriers bronziers, des fondeurs de fer, des teinturiers, des relieurs et d’autres faisaient du bruit. Il y eut même des heurts sanglants avec les forces de l’ordre : treize morts à La Ricamarie en juin 1869 ; quatorze à Aubin en octobre de la même année. En avril 1870, la grève éclata au Creusot. Les ouvriers revendiquaient la gestion de leur caisse de secours, tenue par le patron. Schneider débarqua de Paris avec 3 000 soldats pour faire reprendre le travail ; les tribunaux prononcèrent des peines de prison, une centaine d’ouvriers furent licenciés.

Socialistes, blanquistes, proudhoniens

 

Les progrès de l’organisation ouvrière s’accompagnaient de l’influence croissante des idées socialistes. Le socialisme scientifique de Marx n’avait pas encore acquis un poids prépondérant parmi les multiples tendances, héritières des traditions socialistes de la première moitié du siècle, en particulier celles liées à Blanqui et à Proudhon.

 

Blanqui, dans la lignée de Babeuf qui, dès la fin de la Révolution française, s’était dressé contre la bourgeoisie, avait rejoint les sociétés secrètes républicaines qui conspiraient pour s’emparer du gouvernement. Toute sa vie, il resta convaincu qu’un petit groupe d’hommes déterminés devait prendre le pouvoir par un coup de force armé, au nom des classes populaires, pour le leur remettre ensuite. Joignant les actes à la parole, chaque fois que la situation politique lui sembla favorable, il passa à l’action, ce qui lui valut d’être emprisonné la plus grande partie de sa vie et un surnom, « l’enfermé », prononcé avec respect. Après Juin 1848, dans son célèbre Toast de Londres, il avait averti les prolétaires : « Qui a du fer a du pain ! On se prosterne devant les baïonnettes, on balaye les cohues désarmées. La France hérissée de travailleurs en armes, c’est l’avènement du socialisme. » Son autorité morale était grande et beaucoup de socialistes français se réclamaient de lui à l’époque de la Commune.

 

L’autre courant important de l’époque était lié à Proudhon, mort en 1865. Les idées de Proudhon avaient du poids, en particulier à Paris, parmi les artisans et boutiquiers en voie de prolétarisation. Proudhon était l’auteur de l’expression saisissante « La propriété, c’est le vol ». Mais contrairement à Marx, qui avait très tôt polémiqué avec lui, il espérait stopper le développement du capitalisme, et donc l’appauvrissement et la prolétarisation de la petite bourgeoisie. Il défendait la liberté d’entreprendre, la petite propriété face à la grande et, dans une certaine mesure seulement, les coopératives ouvrières pour échapper à la concurrence des entreprises capitalistes. C’était vouloir arrêter le cours de l’histoire.

 

Les idées de Proudhon étaient d’autant plus influentes parmi les petits artisans et leurs salariés qu’il fallait souvent savoir lire et écrire pour devenir apprenti, et c’est notamment par l’intermédiaire de cette minorité de jeunes travailleurs ayant le goût de l’étude que les idées socialistes gagnaient le prolétariat. Le relieur Eugène Varlin, figure emblématique du mouvement ouvrier de l’époque et de la Commune, en est un bon exemple : il eut la chance d’aller à l’école jusqu’à treize ans et garda le goût de la lecture en commençant son apprentissage d’ouvrier relieur, en même temps qu’il s’engageait dans le combat pour le socialisme.

L’Association internationale des travailleurs

 

Parallèlement aux différentes tendances et, d’une certaine manière, dans le but de les fédérer, l’Association Internationale des travailleurs (AIT), qu’on appela l’Internationale, avait été fondée en septembre 1864 à Londres.

 

Marx rédigea ses statuts et son Adresse inaugurale à la demande des militants qui en avaient pris l’initiative. On y confrontait les idées. Petit à petit, des conceptions plus modernes, en lien avec les luttes du prolétariat, gagnèrent du terrain, par exemple la reconnaissance de la nécessité des grèves, que Proudhon contestait. L’Internationale se donna pour but la collectivisation du sol, des mines, des moyens de transport. Affirmant la nécessité de l’émancipation des travailleurs par les travailleurs eux-mêmes, elle s’efforça de créer des sections dans les villes ouvrières : en France à Paris, Lyon, Marseille, Narbonne, Lille, Saint-Étienne, Le Creusot, etc. En 1868, le Russe Bakounine adhérait à son tour à l’Internationale.

 

Les premières sections parisiennes de l’AIT furent fondées début 1865 : 200 travailleurs y adhéraient alors. Varlin, le jeune ouvrier relieur, était l’un d’eux. Leur nombre ne cessa d’augmenter, jusqu’à dépasser un millier de cotisants et bien plus de sympathisants. Les sections se fédérèrent : elles avaient de multiples liens et ramifications parmi les ouvriers, notamment à travers les chambres syndicales. L’Internationale soutenait les grèves et animait des coopératives, où les travailleurs se liaient en discutant des idées socialistes. Ses militants visaient en définitive l’organisation politique du prolétariat.

 

Pour les possédants, qui cherchaient un responsable à la multiplication des grèves et à l’esprit de révolte des prolétaires, l’Internationale devint le coupable idéal. On la rendait responsable de tout. Ses membres étaient poursuivis et, à Paris, trois grands procès lui furent intentés en trois ans, qui eurent pour principal résultat d’accroître sa renommée.

 

Engels a écrit plus tard que la Commune avait été un « enfant spirituel de l’Internationale », bien que celle-ci n’ait pas été directement à l’origine de son action. La Commune ne fut pas un événement fortuit. Deux décennies de transformation économique et sociale et, plus encore, des années de luttes ouvrières et de volonté d’organiser le prolétariat préparèrent son avènement. À la veille de la Commune, une partie du prolétariat et de la petite bourgeoisie des grandes villes aspirait déjà à ce qu’on appelait la République sociale universelle, la République des travailleurs.

De la guerre contre la Prusse à la proclamation de la République

 

Les événements furent précipités en juillet 1870 par la guerre que Napoléon III déclencha contre la Prusse, guerre qualifiée par ses opposants de dynastique, car elle visait de façon évidente à redorer la couronne de plus en plus contestée de l’empereur. Cependant l’offensive française fut un désastre. Face à une armée plus nombreuse et mieux organisée, elle se transforma en débâcle. Dès la mi-août, la défaite était certaine. La capitale entra en effervescence, une crise politique mûrissait à vue d’œil. Blanqui, pensant le moment propice, tenta de déclencher une insurrection, qui échoua. Le 2 septembre, Napoléon III fut fait prisonnier à Sedan avec toute son armée et il capitula. L’armée prussienne occupait l’est de la France, progressant rapidement vers Paris.

 

Aussitôt connue la capture de l’empereur, les grandes villes prononcèrent sa déchéance et, à Paris, la population descendit dans la rue aux cris de « Vive la République ! », exigeant qu’on réorganise la défense de la capitale. Sous la pression populaire, le 4 septembre 1870, les députés et les maires de Paris proclamèrent la République.

Du 4 septembre 1870 au 18 mars 1871 : La République bourgeoise

Le gouvernement de la Défense nationale

 

Les socialistes eurent alors l’impression d’assister à une réédition de la révolution de 1848, qu’ils n’avaient pas oubliée, et ils tentèrent de s’y opposer. En effet, ce 4 septembre 1870, des bourgeois se précipitent à l’Hôtel de Ville, républicains de longue date pour les uns, républicains du jour pour d’autres qui, la veille encore, étaient bonapartistes. Tous ces gens qui tergiversaient et n’osaient pas en finir avec l’Empire, craignant l’intervention des classes populaires, s’empressent de mettre en place un gouvernement provisoire. Ils veulent à tout prix contrôler la situation, éviter un vide du pouvoir qui laisserait le champ libre aux républicains les plus radicaux et aux socialistes qui agitent les quartiers ouvriers. Il faut tenir le gouvernement, il n’est pas question de se laisser déborder.

 

Mais, face aux militants ouvriers qui envahissent eux aussi l’Hôtel de Ville et qui ne leur font plus confiance, cette fois ils doivent batailler ferme. C’est la cohue, on se bouscule, on s’insulte, on jette à la figure de ceux qui brandissent un drapeau tricolore les morts de Juin 1848. On s’écharpe sur les noms proposés pour constituer le gouvernement.

 

Jean-Baptiste Clément, l’auteur du Temps des cerises, futur communard, présent ce jour-là, écrit : « Les bourgeois bedonnants et transpirants dissimulent leurs transes en se donnant des airs bon enfant, ils sont d’une familiarité écœurante ! Ils tapent à petits coups sur les épaules des ouvriers comme s’ils caressaient les fesses de leurs chevaux ; ils leur serrent les mains en feignant l’émotion. Les mêmes qui ont hurlé, il y a un mois à peine : « Vive la guerre ! À Berlin ! » Les mêmes, qui ont voté oui à tous les plébiscites et applaudi à tous les crimes de l’Empire, vous abordent sans vous connaître et vous rudoient absolument, comme si on avait gardé, avec eux, Napoléon III et sa bande. »

 

La foule des Parisiens qui se presse n’a pas conscience de ce qui se joue. Pour l’heure, la victoire est grisante. Clément poursuit : « Comme toujours, on endormit la foule en lui parlant d’union en face du danger ; en lui disant qu’il fallait agir vite ; qu’au-dessus des théories, il y avait l’honneur national ; qu’au-dessus de la République, il y avait la France ! qu’il fallait faire taire les rancunes, chasser d’abord les Prussiens, et qu’on s’entendrait bien ensuite. » Les socialistes sont contraints de s’incliner devant le nouveau gouvernement, qui prend le nom de gouvernement de la Défense nationale, dirigé par un général nommé Trochu.

 

Le premier souci de ce gouvernement, malgré son nom, n’est pas de reprendre la guerre contre la Prusse, mais de mettre au pas le prolétariat parisien entré en ébullition. Ses ministres sont soit des politiciens de longue date – plusieurs étaient déjà au gouvernement en 1848 d’ailleurs –, soit de jeunes républicains comme le journaliste Henri Rochefort ou les avocats Jules Ferry et Léon Gambetta. Gambetta, qui s’attribue le ministère de l’Intérieur, est alors connu comme opposant à Napoléon et très populaire à Paris. Cela ne l’empêchera pas de qualifier, quelques mois plus tard, la Commune vaincue d’insurrection criminelle, saluant « le dévouement et la sagesse » des conseils de guerre qui déportent, emprisonnent et fusillent les survivants.

 

Cependant, avec la République, une vie politique intense jaillit au grand jour, sous la forme d’une floraison d’associations et de clubs où l’on discute politique, et de journaux par centaines à Paris et en province. Les opposants de longue date à l’Empire, plus ou moins radicaux, ont le vent en poupe. Mais il y a aussi de plus en plus de clubs « rouges ». Marx met cependant en garde ses amis parisiens contre la tentation d’un coup de force des socialistes impatients, dans des circonstances aussi difficiles, alors que les Prussiens sont en passe d’assiéger Paris. Il leur conseille plutôt de profiter de la liberté républicaine pour « procéder méthodiquement à leur propre organisation de classe, nous dirions aujourd’hui pour construire un parti ouvrier capable de prendre la tête du prolétariat.

La Garde nationale : le prolétariat en armes

 

Le gouvernement provisoire est prêt à entamer des pourparlers de paix. Comme Trochu le reconnaîtra par la suite, dès le 4 septembre il cherche à faire accepter la capitulation aux Parisiens et, pour cela, il est même prêt à accélérer la défaite. Il déclare en privé : « Si, dans une grande bataille livrée sous Paris, 20 000 ou 25 000 hommes restaient sur le terrain, Paris capitulerait. »

 

Mais, contrairement au gouvernement, le prolétariat n’envisage pas de capituler. À partir du moment où la Prusse s’est transformée de nation attaquée en nation envahissant le territoire français, il considère comme légitime de défendre la patrie et une République qui, pour lui, doit être une République sociale. Dans Paris, l’heure est à la mobilisation générale. On évoque les grands jours de la Révolution française, 1792, quand les armées étrangères avaient été repoussées et la monarchie renversée. Tous les électeurs des grandes villes sont alors appelés à entrer dans la Garde nationale.

 

Dès les premières défaites de l’armée française, Napoléon III avait fait appel à cette réserve, sorte de milice bourgeoise à l’origine, chargée surtout du maintien de l’ordre : elle avait participé à la répression du prolétariat parisien en juin 1848. Mais face au siège qui s’annonce, dans l’euphorie républicaine, il s’agit de constituer le peuple en armes, d’ouvrir la Garde nationale à tous les électeurs sans plus de distinction sociale. Le gouvernement est mis devant le fait accompli. Parallèlement, on lance une souscription populaire pour fabriquer des canons.

 

À Paris, organisée sur la base des arrondissements, la Garde nationale se retrouve alors composée d’une immense majorité de travailleurs. 215 de ses bataillons sur 240 sont issus des quartiers populaires et elle compte plusieurs centaines de milliers d’hommes. À la différence de l’armée régulière, ses bataillons élisent leurs officiers. Elle reflète donc l’état d’esprit des prolétaires, qui choisissent parmi eux ceux qui font la preuve de leurs capacités et de leur dévouement pendant le siège, souvent des républicains et même, de plus en plus, des socialistes.

 

La solde d’un garde national est de 30 sous (1,50 franc) par jour, plus 75 centimes pour son épouse et 25 centimes par enfant. C’est bien moins qu’un salaire mais, en ces temps qui s’annoncent difficiles et où le chômage explose, ce sera pour beaucoup leur seul revenu. Le lien entre le prolétariat et la Garde nationale est d’autant plus fort.

Agitation politique à Paris et en province

 

Le siège de la capitale commence le 19 septembre. Dans les quartiers ouvriers il entraîne le rationnement, puis la famine, en plus des bombardements quotidiens. Quant aux riches, soit ils quittent la capitale, soit ils y continuent leurs affaires, spéculant au marché noir. Ils ne manquent de rien. Quand Paris commence à ne plus manger à sa faim, tandis que les prolétaires se contentent de pain rempli de paille, de suif, et mangent des chiens, des chats et des rats, on découpe les animaux du jardin des Plantes dans les boucheries des quartiers chics. Le sentiment justifié de devoir faire tous les sacrifices et d’être seul à défendre la patrie envahit rapidement le prolétariat.

 

Dès le 4 septembre, des militants ouvriers méfiants vis-à-vis du gouvernement bourgeois ont organisé des comités dits de défense et de vigilance dans les quartiers populaires. Forts de leur succès, le 13 septembre ils constituent ensemble un Comité central républicain des vingt arrondissements, qui placarde dans les rues un programme préfigurant la Commune.

 

On invoque de plus en plus souvent la Commune, qui dans l’esprit populaire fait référence à la Commune des sans-culottes du 10 août 1792. Contre les manœuvres des bourgeois et des monarchistes qui, en province, calomnient déjà de toutes leurs forces la République, on revendique la représentation directe du peuple. Avant même Paris, dans plusieurs villes ont lieu des tentatives d’élire des Communes, autrement dit des municipalités déléguant à leurs représentants les pouvoirs jusqu’alors centralisés par l’État.

 

À Lyon, la Commune est proclamée le 28 septembre, à Marseille le 1er novembre, mais le gouvernement réussit à les renverser aussitôt en concentrant sur place ses forces armées. La perspective d’une fédération de Communes dans les grandes villes de France constitue une menace tangible pour lui. À Paris aussi d’ailleurs, le 31 octobre, à l’annonce de nouvelles défaites militaires et à l’évocation d’un armistice, la foule envahit l’Hôtel de Ville aux cris de « Pas d’armistice ! » et « Vive la Commune ! » Quelques blanquistes et une fraction des représentants du Comité des vingt arrondissements tentent alors de renverser le gouvernement. Mais Paris n’est pas encore mûr pour la révolution, le gouvernement garde le contrôle de la situation. Marx écrira : « Si la Commune avait remporté la victoire au début de novembre 1870 à Paris, à un moment où elle était déjà instaurée dans les grandes villes du pays, elle aurait sûrement trouvé un écho et se serait étendue à toute la France. »

 

Plus les semaines passent, plus il devient clair que le gouvernement s’apprête à capituler, malgré les déclarations belliqueuses de ses ministres. Les opérations militaires qu’il ordonne reviennent à envoyer ses troupes au massacre. Une sortie à Buzenval se solde par 4 000 morts et provoque une nouvelle manifestation de colère à Paris le 22 janvier 1871. Cette fois les soldats tirent sur la foule, faisant une trentaine de victimes.

 

Le 28 janvier, un armistice est signé avec la Prusse. Le divorce entre le gouvernement et les Parisiens devient inévitable. La Garde nationale, gagnée par l’indignation devant ce qu’elle considère comme une trahison, se réunit le 6 février et décide de se constituer en fédération. Les bataillons sont appelés à se prononcer et, le 15 février, la proclamation officielle de la Fédération soulève l’enthousiasme. On décide de former un Comité central pour représenter ceux qui s’appellent désormais fièrement des fédérés. La Garde nationale déclare alors qu’elle s’opposera à toute tentative de renverser la République et qu’elle ne se laissera pas désarmer.

L’Assemblée des monarchistes contre Paris

 

Il y a de bonnes raisons de craindre pour la République. Contre Paris, la bourgeoisie compte s’appuyer sur une nouvelle Assemblée nationale chargée de ratifier le traité de paix en cours de négociation. Le 8 février, des élections organisées dans la précipitation donnent une majorité des deux tiers aux monarchistes. Les villes ont voté plutôt républicain, mais la paysannerie, dans les campagnes, est toujours sous le joug des propriétaires, des notables et des curés. On dresse les paysans contre les Parisiens en leur disant que ce sont des « partageux » qui veulent tout prendre aux honnêtes gens, des va-t-en-guerre prêts à ruiner le pays au profit des Prussiens. Cette Assemblée nationale, où siègent donc fièrement des marquis et des ducs, déteste la République et, surtout, le prolétariat républicain de Paris. Elle se réunit d’abord à Bordeaux.

 

Lors des négociations de paix, à Versailles, le chancelier Bismarck exige une indemnité de cinq milliards de francs-or. La communarde Victorine Brocher, dans ses Mémoires, résume la situation : « L’Assemblée de Bordeaux sentait bien que sa place était dans la capitale historique, mais elle avait peur des 400 000 fusils restés entre les mains des combattants. Elle savait aussi qu’il fallait payer cinq milliards aux Allemands. Où les prendre, si ce n’est dans la poche du travailleur ? Il fallait absolument taper les Parisiens. Ainsi, d’un côté la peur, de l’autre nécessité d’argent. Il fallait donc aller au plus pressé. Désarmer Paris ; puis on pourrait lui faire suer son argent pour la rançon par de nouveaux impôts indispensables. »

 

Aux élections du 8 février, le prolétariat parisien a voté républicain, il a élu Victor Hugo, Rochefort, Gambetta, Clemenceau… Mais, signe précurseur de l’évolution des esprits, pour la première fois, quatre candidats « socialistes-révolutionnaires » présentés par les associations ouvrières sont élus à Paris. Deux d’entre eux sont eux-mêmes ouvriers, le ciseleur Tolain et le teinturier Malon, membres de l’Internationale.

Le Comité central de la Garde nationale, embryon de pouvoir ouvrier ?

 

Le 24 février, 2 000 délégués de la Garde nationale ont élu leur Comité central et voté les statuts de la Fédération. Quelques jours plus tard, le Comité central donne l’ordre de rassembler les canons et de les mettre à l’abri des Allemands, que le gouvernement vient d’autoriser à défiler dans Paris du 1er au 3 mars. La première réaction des Parisiens a d’abord été de vouloir dresser des barricades. Mais le Comité central, craignant une provocation, s’y est opposé : « Toute attaque servirait à désigner le peuple aux coups des ennemis qui noieraient les revendications sociales dans un fleuve de sang…» Il fait cependant barricader la moitié de Paris, dont les quartiers où sont entreposés les canons. Les troupes allemandes pénètrent alors dans une ville morte, c’est une victoire morale pour les Parisiens et un défi lancé au gouvernement.

 

De son côté, la bourgeoisie passe à l’offensive. Début mars, l’Assemblée nationale déménage de Bordeaux à Versailles. Paris est ainsi « décapitalisée » de manière démonstrative.

 

Adolphe Thiers, qui succède à Trochu à la tête du gouvernement, nomme commandant de la Garde nationale un général ayant fait toute sa carrière sous l’Empire : c’est une provocation. La Garde nationale refuse et, à sa place, élit symboliquement Garibaldi, le héros de l’unité italiennne. Elle proclame : « Plus d’armées permanentes, mais la nation tout entière armée. Plus d’oppression, d’esclavage ou de dictature d’aucune sorte, mais la nation souveraine, mais les citoyens libres, se gouvernant à leur gré. » Thiers annonce alors la suppression de la solde des gardes nationaux, ce qui revient à les condamner à la misère.

 

Pour intimider les Parisiens, il annonce aussi la fin du moratoire des échéances et des loyers, entré en vigueur au début du siège. Le règlement des loyers, que les locataires ne pouvaient plus payer, avait été reporté, de même que les échéances commerciales, que les boutiquiers et artisans étaient incapables d’honorer. Le gouvernement annule ce report, toutes les dettes redeviennent donc exigibles, intérêts compris. C’est étrangler les locataires et la petite bourgeoisie parisienne.

 

Les provocations se multiplient. Des journaux populaires sont interdits. Blanqui est condamné à mort par contumace pour la tentative armée du 31 octobre ainsi que Flourens, autre socialiste connu à Paris. Blanqui est alors emprisonné loin de Paris : Thiers refusera de le libérer pendant toute la durée de la Commune, affirmant que cela reviendrait à donner « un corps d’armée » aux Parisiens.

 

En réponse, le 15 mars, la Fédération de la Garde nationale déclare qu’elle ne reconnaît plus d’autre autorité que celle de son Comité central. Trotsky, après l’expérience de la révolution russe, comparera ce Comité central, élu par les fédérés juste à la veille de la Commune, à « un conseil de députés des ouvriers armés et de la petite bourgeoisie », autrement dit à un embryon d’État ouvrier.

 

Dans la nuit du 17 au 18 mars, Thiers passe à l’action en tentant de s’emparer par surprise des canons parisiens, persuadé qu’il n’y aura pas de résistance.

 

Et pourtant, comme l’écrivit rétrospectivement Louise Michel, militante de la Commune du premier au dernier jour : « La patience de ceux qui souffrent semble éternelle, mais avant le raz-de-marée, les flots aussi sont patients et doux, ils reculent avec de longues vagues molles : ce sont celles-là mêmes qui vont s’enfler et revenir semblables à des montagnes, s’effondrer en mugissant sur le rivage, et avec elles l’engloutir dans l’abîme. »

Le 18 mars : le pouvoir aux mains des Parisiens

 

L’épisode est connu : au petit matin du 18 mars, les Parisiens qui se réveillent, à Belleville et à Montmartre, s’aperçoivent que des soldats se sont emparés des canons et attendent les attelages qui doivent les tirer. Les comités de vigilance se regroupent aussitôt, on réveille les habitants qui sommeillaient encore, on sonne l’alarme, femmes et hommes se rassemblent autour des soldats, les interpellent, fraternisent. La Garde nationale ameutée, on dresse des barricades et tout Paris entre bientôt en ébullition. Au soir, l’opération de Thiers a échoué.

 

Au cours de cette journée, deux généraux, Lecomte et Thomas, sont fusillés par leurs soldats et la foule en colère. Le premier a commandé à ses hommes de faire feu, trois fois de suite, mais ceux-ci ont mis crosse en l’air et l’ont fait arrêter. Le second a été reconnu alors que, vêtu en civil, il inspectait une barricade au pied de Montmartre : c’est un fusilleur de Juin 1848. Ces deux morts servent aussitôt de prétexte à Thiers et à l’Assemblée nationale pour accuser les communards d’être des criminels. Ce seront pourtant les seuls ennemis désarmés tués par les Parisiens, sous le coup de la colère, jusqu’aux massacres des communards pendant la Semaine sanglante.

 

Thiers fuit précipitamment à Versailles. Naturellement, Paris se tourne vers le Comité central de la Garde nationale pour prendre la situation en main. Dans l’Hôtel de Ville déserté par les bourgeois paniqués, ses membres se saisissent alors du pouvoir laissé vacant et annoncent l’élection de la Commune de Paris.

 

Le lendemain, le prolétariat parisien et la petite bourgeoisie se réveillent donc avec le pouvoir entre les mains, sans avoir cherché consciemment à s’en emparer, en réaction à l’attaque de Thiers et à la fuite en catastrophe de son gouvernement.

La Commune : première ébauche d’un État ouvrier

Le Comité central se met en retrait

 

Le Comité central de la Garde nationale ne veut pas former lui-même un gouvernement. Il est convaincu que seule l’élection de la Commune de Paris au suffrage universel, obligeant l’Assemblée nationale à la reconnaître, la rendra inattaquable.

 

C’est certes à son honneur de ne pas agir comme n’importe quelle assemblée bourgeoise cherchant à confisquer le pouvoir au peuple. Mais, d’un autre côté, compter sur l’effet d’une légitimité électorale face à une bourgeoisie qui est en train de déclencher la guerre civile, c’est manquer de lucidité. Le 22 mars, les réactionnaires parisiens des beaux quartiers manifestent déjà, munis de bâtons, de poignards et de revolvers. Place Vendôme, ils attaquent des gardes nationaux en criant « Vive l’Assemblée nationale ! À bas le Comité ! À bas les assassins ! » Quelques coups de fusil les dispersent, ils ne sont pas encore assez forts, mais leur attitude belliqueuse ne fait aucun doute. Cependant, le Comité central perd des moments précieux.

 

Quelques rares communards réclament qu’on marche sur Versailles tandis que Thiers est en fuite, mais ils ne sont pas suivis. Au contraire, on regarde avec amusement les troupes et gardes nationaux qui obéissent encore au gouvernement quitter la capitale pour rejoindre Versailles avec armes et bagages. Thiers ordonne aux fonctionnaires parisiens de le rejoindre avec leurs dossiers, ou de désobéir au Comité central, pour désorganiser Paris et mettre la Commune dans l’incapacité de gouverner. Il fait couper le télégraphe et les routes. Le prolétariat, encore à la fête, laisse faire. Le fait même que l’ennemi s’enfuit à Versailles lui apparaît, à tort, comme la preuve de sa victoire complète. Quelques jours plus tard, on laissera également sans réagir les versaillais s’emparer du Mont--Valérien, près de Boulogne, une position élevée qui sera impossible à reprendre et depuis laquelle ils bombarderont tout l’Ouest parisien.

 

La victoire écrasante et somme toute facile du 18 mars a donné à la population l’illusion qu’on ne pouvait rien contre elle. Le 30 mars, le socialiste Charles Longuet écrit même, dans le premier numéro du Journal officiel de la Commune : « L’antagonisme des classes a cessé d’être ! »

Fallait-il marcher sur Versailles ?

 

La question a souvent été posée par la suite, à cause de la fin tragique de la Commune.

 

Trotsky écrira à ce sujet : « On aurait pu alors écraser la bande gouvernementale presque sans effusion de sang. À Paris, on aurait pu faire prisonniers tous les ministres, avec Thiers en tête. Personne n’aurait levé la main pour les défendre. On ne l’a pas fait. Il n’y avait pas d’organisation de parti centralisée, ayant une vue d’ensemble sur les choses, ni d’organes spéciaux pour réaliser ses décisions. » Il aurait fallu, dit-il, envoyer des agitateurs parmi les troupes rejoignant Versailles pour rallier les soldats à la première occasion. La question n’est pas tant de savoir quel aurait été alors le cours des événements, que de réfléchir à ce que doit être une politique révolutionnaire.

 

En arrivant au pouvoir, sentant la force du prolétariat, les communards espèrent de toute évidence éviter la guerre civile. Les socialistes, influencés par les idées et les illusions de la petite bourgeoisie démocrate, ne croient pas, pour la plupart, devoir imposer la dictature du prolétariat à la bourgeoisie. Ils affirment que Paris n’a pas l’intention d’exporter le modèle de la Commune au reste du pays autrement que par la force de l’exemple. Leur perspective, c’est l’autonomie de Communes démocratiquement élues dans tout le pays, et une fédération libre de ces Communes pour asseoir la République sociale.

 

Le Comité central pourrait pourtant, à bon droit, considérer que le prolétariat, sous l’uniforme de la Garde nationale, lui a déjà donné assez de légitimité pour agir de manière révolutionnaire. Selon Trotsky : « La vraie tâche révolutionnaire consistait à assurer au prolétariat le pouvoir dans tout le pays. Paris devait en servir de base, de place d’armes. Et, pour atteindre ce but, il fallait, sans perdre de temps, vaincre Versailles et envoyer par toute la France des agitateurs, des organisateurs, de la force armée. Il fallait entrer en contact avec les sympathisants, raffermir les hésitants et briser l’opposition des adversaires. »

Les élus de la Commune

 

Élue le 26 mars, la Commune est proclamée le 28. Dans L’Ami du peuple, Vermorel, socialiste qui vient d’être élu par le 18e arrondissement, écrit : « La révolution du 18 mars consacre l’avènement politique du prolétariat, comme la révolution de 1789 a consacré l’avènement politique de la bourgeoisie. »

 

Les élus de la Commune sont, pour certains, des intellectuels et des petits bourgeois proches du peuple et souvent socialistes. Vermorel en est un, comme l’écrivain Jules Vallès, ou le peintre Courbet. Mais il y a aussi, pour la première fois, beaucoup d’ouvriers, âgés pour la plupart d’une trentaine d’années : des métallurgistes, des typographes, ouvriers relieurs, bijoutiers, teinturiers, menuisiers, etc. On compte aussi quelques artisans et boutiquiers. Ces travailleurs sont presque tous socialistes et, en tout, près d’un tiers des élus sont adhérents de l’Internationale.

 

Ces hommes sont des inconnus pour les journaux versaillais, qui s’en indignent. Mais la plupart ne sont pas des inconnus pour ceux qui les ont élus ! Certains militent dans la classe ouvrière depuis des années.

 

Varlin, l’un des plus connus, a mené des grèves avec ses camarades relieurs, au cours desquelles se sont révélées ses qualités d’organisateur. Il a consacré avec dévouement tout son temps à la cause ouvrière, soutenant les grèves ici et là, jusqu’au Creusot, en 1870, où il a aussi contribué à fonder une section de l’Internationale. Il a participé à la création d’une coopérative ouvrière, La Marmite, avec une autre militante socialiste, Nathalie Le Mel ; ils y ont nourri des familles ouvrières pendant le siège. Nommé commandant d’un bataillon de la Garde nationale, Varlin était déjà élu à son Comité central avant de devenir membre de la Commune.

 

Pour réorganiser les services que Thiers a sabotés en partant, la poste, la voirie, les hôpitaux, la police, etc., la Commune met en place des commissions et nomme des responsables. Varlin et un comptable, Jourde, sont ainsi délégués à la commission des Finances ; le ciseleur Camélinat est chargé de la réorganisation des Postes, puis de la Monnaie ; deux typographes prennent la tête de l’Imprimerie nationale ; le teinturier Malon et l’ouvrier bijoutier Frankel animent la commission du Travail et de l’Échange ; un médecin, Vaillant, s’occupe de la commission de l’Enseignement ; le mécanicien Avrial est nommé directeur de l’artillerie ; des ouvriers deviennent généraux… La liste n’est pas exhaustive.

 

Il faut signaler aussi la présence, dans le Conseil de la Commune, de quelques républicains plus âgés, anciens quarante-huitards, opposants résolus sous l’Empire. Le plus emblématique est peut-être le journaliste Delescluze, alors âgé de 64 ans. Plusieurs fois condamné, exilé, de nouveau emprisonné en août 1870 pour avoir protesté contre la guerre, il représente la tradition jacobine issue de la Révolution française. Élu à l’Assemblée nationale par les Parisiens le 8 février, il en démissionne pour rallier la Commune, où sa voix compte : il participe successivement à quatre commissions et mourra sur une barricade.

Le rôle des femmes dans la Commune

 

Si la Commune ne va pas jusqu’à accorder le droit de vote aux femmes – qui n’existe nulle part à l’époque – elle s’appuie en revanche largement sur elles, militantes et combattantes.

 

Louise Michel, institutrice, est certainement la plus connue des communardes. Dans Paris assiégé, elle a créé une cantine pour ses élèves. Elle anime le comité de vigilance de Montmartre qui sonne l’alarme au matin du 18 mars et s’habille fréquemment en uniforme de la Garde nationale. Une fois la Commune élue, elle est active sur plusieurs fronts : elle réclame la réquisition des maisons abandonnées pour y loger les sans-abri et y établir des asiles où les enfants seront nourris. Elle propose de fondre les cloches de Montmartre pour en faire des canons. Elle veut la fermeture des maisons de prostitution, la prise en charge des vieillards, des infirmes et des orphelins par la Commune. Et quand les combats avec Versailles commencent, elle organise un service d’ambulancières et participe elle-même aux combats.

 

On pourrait en citer bien d’autres : Nathalie Le Mel, qui avait lancé La Marmite avec Varlin, prend la parole dans les clubs depuis le 4 septembre. Avec Elisabeth Dmitrieff, une autre socialiste révolutionnaire originaire de Russie, elle crée l’Union des femmes pour la défense de Paris et les soins aux blessés. Pendant la Semaine sanglante, d’après un rapport de police, on la trouvera « à la tête d’un bataillon d’une cinquantaine de femmes, elle a construit la barricade de la place Pigalle et elle y a arboré le drapeau rouge ».

 

L’action de la Commune est le résultat direct de celle des militantes et militants les plus actifs du prolétariat parisien. Et, dans ce genre d’événements, il ne s’agit pas seulement des militants de longue date. Des vocations se font jour, celles et ceux qui sont habitués à être au bas de l’échelle, à obéir sans avoir leur mot à dire, deviennent capables d’initiatives insoupçonnées et d’un dévouement sans bornes.

Travailleurs de tous les pays, unissons-nous !

 

La Commune prouve aussi, par ses actes autant que par ses paroles, que les prolétaires en lutte n’ont pas de patrie, en accueillant et en donnant sans hésiter des responsabilités aux étrangers qui veulent s’engager dans ses rangs. Léo Frankel, ouvrier bijoutier hongrois, membre de l’Internationale, est installé depuis 1867 à Paris. Il est élu à la Commune par le 13e arrondissement et nommé à la tête de la commission du Travail et de l’Échange où il joue un rôle des plus importants. La Commune déclare à cette occasion au Journal officiel que son drapeau est celui de la République universelle et que les étrangers qui la servent deviennent implicitement ses citoyens.

 

Elle n’hésitera pas non plus à nommer commandant militaire en chef de la place de Paris un polonais, Jaroslaw Dombrowski, officier de carrière, exilé suite à l’insurrection de Varsovie de 1863, qui se porte volontaire et s’illustre dès les premières attaques des versaillais.

 

Ils sont loin d’être les seuls. Parmi les communards arrêtés à l’issue de la Semaine sanglante, on compte 1 725 étrangers, dont beaucoup de Belges et d’Italiens.

 

Le patriotisme des communards consistait à défendre Paris contre l’occupant prussien et la République contre l’Assemblée royaliste de Versailles. Mais la Commune fait la différence entre les peuples et leurs dirigeants. Elle affirme sa haine farouche des guerres de conquête, fustige les généraux « couards devant la Prusse », transformés en « foudres de guerre contre les Français ». Quelle meilleure preuve de la veulerie de la bourgeoisie que la réconciliation de Thiers et de Bismarck contre Paris ?

 

Symboliquement, le 13 avril, sous l’impulsion du peintre Courbet, la Commune démolit la colonne Vendôme, monument à la gloire du militarisme, érigée au début du siècle par Napoléon Ier pour célébrer la bataille d’Austerlitz. C’était pour elle un « monument de barbarie », une « insulte permanente des vainqueurs aux vaincus ».

Démocratie prolétarienne contre démocratie bourgeoise

 

Si Marx salue la Commune comme « la forme enfin trouvée permettant de réaliser l’émancipation économique du travail », ce n’est pas seulement en raison de l’origine sociale de ses élus. N’étant pas liés à la grande bourgeoisie comme le sont les gouvernants et parlementaires de tous les régimes bourgeois, les communards mettent en place un État d’un type vraiment nouveau, dont l’efficacité est démontrée en quelques jours par la remise en route de la quasi-totalité des administrations sabotées par Thiers.

 

Pour commencer, la Commune décrète la séparation de l’Église et de l’État et supprime le budget des cultes, c’est-à-dire l’entretien des curés par l’État.

 

Elle instaure la responsabilité personnelle des élus et leur révocabilité à tout moment. Lorsqu’un élu de la Commune participe à l’élaboration d’un décret ou d’une loi, c’est à lui de s’assurer de son exécution et de ses résultats. Il doit trouver les ressources matérielles et humaines nécessaires à son application, et il ne peut les trouver qu’auprès du prolétariat. Celui-ci peut en retour contrôler ses élus et les remplacer sans attendre, s’ils ne se montrent pas à la hauteur de leurs responsabilités.

 

Ce fonctionnement est étendu à tous les corps de l’appareil d’État et à la plupart de ses représentants. L’armée permanente est supprimée et remplacée par le peuple en armes, qui s’incarne alors dans la Garde nationale. Les différents corps de police, qui avaient fini par être haïs de la population qu’ils persécutaient et que la République bourgeoise avait maintenus, sont dissous et leur autorité transférée aux maires d’arrondissement. On étend le principe électif aux magistrats, c’est-à-dire à la Justice.

 

La Commune met donc fin à la distinction, si chère à la démocratie bourgeoise, entre pouvoir exécutif et pouvoir législatif, car cette séparation n’a pas d’autre but que de tromper la population. Dans la république bourgeoise, l’exécutif exerce le véritable pouvoir, s’appuyant sur un appareil d’État dont la majorité est composée de hauts fonctionnaires et de magistrats non élus et liés à la grande bourgeoisie de mille façons. Pendant ce temps, les Parlements bourgeois pérorent, discutent sans fin, opposent différents partis qui se disputent des postes lucratifs et valident pour la forme les décisions prises par l’exécutif. Et les parlementaires se servent aussi, pour la plupart, de leur fonction comme tremplin pour faire carrière dans les banques et les entreprises capitalistes.

 

La Commune met fin à cette démocratie de façade et la remplace par un organisme agissant, doté d’une représentativité bien plus large et immédiate. Elle va même plus loin, en décrétant dès le 2 avril que « dans une République réellement démocratique, il ne peut y avoir ni sinécure ni exagération de traitement » : le maximum, pour tous les employés aux divers services publics, civils et militaires de la Commune, est fixé à 6 000 francs par an et tout cumul de traitement est interdit. Auparavant, le directeur des chemins de fer par exemple touchait 100 000 francs par an. Les élus eux-mêmes s’accordent 5 400 francs par an, alors que les ministres du gouvernement se faisaient donner 40 000 francs. On est bien loin des revenus exorbitants que s’attribuent sans le moindre scrupule les parlementaires et hauts fonctionnaires de l’État bourgeois.

Les répercussions de la Commune en province

 

À l’annonce des événements parisiens, de nombreuses villes, Limoges, Vierzon, Nevers, Saint-Étienne, Narbonne, Aix, Toulouse, Bordeaux, connaissent à leur tour une agitation. Par endroits, des minorités tentent de passer à l’action en proclamant leurs propres Communes, éphémères faute de bénéficier d’un soutien populaire suffisamment large et, surtout, faute de temps, car elles sont réprimées aussitôt. À Lyon, en mars et en avril, deux tentatives ont lieu. À Marseille, des insurgés prennent la préfecture pendant quelques jours : un corps d’armée encercle la ville, la bombarde et y pénètre enfin. Après huit heures de combats acharnés, les troupes du gouvernement conduisent 500 prisonniers au château d’If. Quelques semaines plus tard, les dirigeants marseillais seront condamnés à mort par des conseils de guerre et exécutés.

 

Au Creusot, après la proclamation de la République, un ouvrier mécanicien, Dumay, avait été nommé maire et, aux élections de février à l’Assemblée nationale, sa liste avait obtenu 77 % des voix. À la nouvelle du 18 mars, une foule nombreuse se réunit et clame dans l’enthousiasme qu’elle veut suivre Paris. La Garde nationale défile en ville, des fraternisations ont lieu avec les soldats et, le 26 mars, Dumay proclame la Commune du Creusot. Mais dès le lendemain un millier de soldats envoyés en renfort désarment la Garde nationale. Schneider organise peu après de nouvelles élections municipales, en présence de l’armée, menaçante. Il soutient une liste que les contremaîtres montrent aux ouvriers en leur disant : « Voilà le pain ! », tandis qu’ils montrent celle des partisans de la Commune en leur disant : « Voilà la misère ! »

 

Pour le communard Benoît Malon : « Toutes ces tentatives échouèrent pour être restées indépendantes les unes des autres. » La Commune de Paris reste donc isolée.

 

Elle souffre aussi des mensonges répandus par les versaillais auprès des paysans ignorants et de la petite bourgeoisie provinciale. Courant avril, une femme qui anime un journal communard intitulé La Sociale, sous le pseudonyme d’André Léo, rédige pourtant une adresse aux paysans qui dit : « La terre au paysan, l’outil à l’ouvrier, le travail pour tous. […] On vous dit : les Parisiens, les socialistes sont des partageux. Eh ! Bonnes gens, ne voyez-vous pas qui vous dit cela ? Ne sont-ils pas des partageux ceux qui, ne faisant rien, vivent grassement du travail des autres ? » Avec un instinct juste, elle devine que le prolétariat peut entraîner la paysannerie avec lui. L’immense majorité des paysans sont opprimés par l’État bourgeois, qui prélève de lourds impôts et abandonne les petits propriétaires à leur misère. Si le prolétariat se montre déterminé à le briser et à le remplacer par un État au service des classes laborieuses, il peut entraîner avec lui les masses pauvres des campagnes. C’est ce que démontrera la révolution russe de 1917.

La première attaque des versaillais et le décret sur les otages

 

Dès le 2 avril, Thiers lance une première offensive contre Paris, avec la complicité du chancelier Bismarck, qui fait libérer 60 000 prisonniers pour qu’il puisse reconstituer une armée de plus de 100 000 hommes. Les troupes prussiennes bloquent elles-mêmes tout le nord et l’est de la capitale. Ainsi, face aux insurgés parisiens, les classes dominantes des deux pays, la veille encore en guerre, s’entendent pour protéger leurs intérêts communs. Bismarck accepte aussi de reporter le premier paiement des réparations de guerre jusqu’à la chute de la Commune.

 

La capitale est alors entourée de remparts et ses accès protégés par des forts. L’attaque prend les Parisiens par surprise. Depuis l’armistice, dit Victorine Brocher, on n’avait plus entendu le son du canon et, depuis l’avènement de la Commune, on vivait « dans une atmosphère de confiance et d’espoir ». Les communards repoussent les assaillants, mais les versaillais fusillent des prisonniers, dont deux des premiers élus de la Commune qu’elle avait nommés généraux, Duval et Flourens. Pendant des semaines, bombardements et attaques vont se succéder jusqu’à ce que les versaillais parviennent à pénétrer dans Paris. La guerre reprend donc, mais désormais c’est une guerre sociale.

 

Ramenée brutalement à la réalité, la Commune prend alors un décret selon lequel elle arrêtera et jugera toute personne soupçonnée de complicité avec Versailles, les coupables seront retenus en otages et toute exécution d’un prisonnier de guerre ou d’un partisan de la Commune sera suivie de l’exécution d’un nombre triple d’otages. Le jour même, on arrête des prêtres, dont Darboy, archevêque de Paris, et des gendarmes. Cependant, ce décret sur les otages ne sera jamais appliqué. Les premiers otages seront tués seulement fin mai, même pas sur ordre de la Commune, mais par des Parisiens rendus furieux par les massacres de la Semaine sanglante. Versailles s’aperçoit vite que peu d’otages sont retenus – il y en aura 74 en tout à la mi-mai – et que la Commune ne met pas ses menaces à exécution. Thiers semble de toute façon prêt à sacrifier cyniquement ces quelques otages pour mieux justifier la saignée qu’il prépare.

 

La Commune, elle, voulait dès le premier jour abolir la peine de mort. Le 6 avril encore, des communards brûlent symboliquement une guillotine place Voltaire.

 

La défense de Paris va solliciter toujours plus de forces et d’abnégation. Certains de ceux qui ont d’abord vu la Commune avec sympathie, dans la petite bourgeoisie parisienne, prendront peur et flancheront, mais le prolétariat, lui, combattra jusqu’au bout. Les bataillons de la Garde nationale sont volontaires. Les femmes organisent le ravitaillement, les ambulances et les secours aux blessés, quand elles ne participent pas elles-mêmes aux combats.

L’œuvre de la Commune

 

La Commune a manqué de temps pour s’orienter et mettre en œuvre jusqu’au bout les transformations sociales qu’elle a entreprises. Des communards eux-mêmes ont en outre décrit un manque d’organisation, voire la « pagaille » qui régnait parfois. On est même allé jusqu’à un risque de scission et de démission d’une partie des élus, au moment où la situation militaire devenait critique. Mais la lutte et la cause communes l’ont emporté sur les dissensions, la volonté d’agir a décuplé les énergies.

 

Ainsi, malgré les impératifs de la défense, malgré la brièveté de son existence, la Commune réussit à prendre quelques mesures qui au moins caractérisent véritablement sa nature et ses buts.

Des mesures pour les travailleurs et pour reprendre en main la production

 

Les principaux décrets en faveur des travailleurs sont élaborés par la commission du Travail et de l’Échange, dont les six membres, Frankel, Malon, Theisz, Chalain, Longuet et Seraillier, sont tous adhérents de l’AIT.

 

Le 16 avril, la commission prend d’emblée une mesure radicale, qui porte atteinte à la propriété privée. Beaucoup de patrons ayant fermé leurs ateliers, elle décide de réquisitionner ces ateliers abandonnés au profit des associations ouvrières, pour que celles-ci relancent la production et donnent du travail aux ouvriers. On envisage même la future réunion de ces associations dans une grande fédération ouvrière, une nouvelle organisation du travail et de la production qui, comme le souligne Marx, irait de fait dans le sens du communisme. Certains communards envisagent consciemment, comme l’écrira Frankel, « un passage progressif du mode de production capitaliste à un mode de production coopératif ». Pourtant, si le Conseil de la Commune soutient cette mesure à l’unanimité, ce n’est pas par doctrine. Les conceptions socialistes les plus répandues, celles de Proudhon, n’allaient pas dans cette direction. Mais, parce qu’elle émane du prolétariat, qui a terriblement besoin de travailler, la Commune agit résolument et de manière pragmatique. Le décret est accueilli avec enthousiasme, on met un local à la disposition de la fédération des chambres syndicales à qui l’on a confié sa mise en œuvre. Faute de temps cependant, seul le recensement des ateliers abandonnés sera réalisé.

 

Frankel réclame aussi que la Commune achète les vêtements des gardes nationaux en priorité aux associations ouvrières, plutôt qu’aux entreprises privées qui, de surcroît, facturent plus cher.

 

Quelques jours plus tard, la Commune prend un arrêté interdisant le travail de nuit des boulangers. Les ouvriers de cette corporation réclament que le travail commence seulement à cinq heures du matin, et pas plus tôt. Ils veulent aussi qu’on supprime les placeurs, qui s’occupent pour les patrons boulangers de recruter les ouvriers ou de les écarter selon leur bon vouloir. Les patrons protestent, mais la Commune choisit son camp sans hésiter et c’est celui des ouvriers. Frankel déclare : « Je trouve que c’est le seul décret véritablement socialiste qui ait été rendu par la Commune ; tous les autres décrets peuvent être plus complets que celui-là, mais aucun n’a aussi complètement le caractère social. Nous sommes ici non pas seulement pour défendre des questions de municipalité, mais pour faire des réformes sociales. Et pour faire ces réformes sociales, devons-nous d’abord

Liberty Enlightening the World (French: La liberté éclairant le monde), commonly known as the Statue of Liberty (French: Statue de la Liberté), has stood on Liberty Island in New York Harbor, welcoming visitors, immigrants, and returning Americans, since it was presented to the United States by the people of France. Dedicated on October 28, 1886, the gift commemorated the centennial of the signing of the United States Declaration of Independence and has since become one of the most recognizable national icons--a symbol of democracy and freedom.

 

The 151-foot (46-meter) tall statue was sculpted by Frédéric Auguste Bartholdi and stands atop Richard Morris Hunt's 154-foot (93-meter) rectangular stonework pedestal with a foundation in the shape of an irregular eleven-pointed star. Maurice Koechlin, chief engineer of Gustave Eiffel's engineering company and designer of the Eiffel Tower, engineered the internal structure. Eugène Viollet-le-Duc was responsible for the choice of copper and adoption of the repoussé technique, where a malleable metal is hammered on the reverse side. The Statue of Liberty depicts a woman clad in Roman Stola and holding a torch and tablet, and is made of a sheeting of pure copper, hung on a framework of steel with the exception of the flame of the torch, which is coated in gold leaf.

 

Affectionately known as Lady Liberty, the figure is derived from Libertas, ancient Rome's goddess of freedom from slavery, oppression, and tyranny. Her left foot, fitted in Roman sandals, tramples broken shackles, symbolizing freedom from opression and tyranny, while her raised right foot symbolizes Liberty and Freedom refusing to stand still. Her torch signifies enlightenment. The tablet in her hand represents knowledge and shows the date of the Declaration of Independence--July 4, 1776. The seven spikes on the crown represent the Seven Seas and seven continents. Visually the the Statue of Liberty draws inspiration from the ancient Colossus of Rhodes of the Greek Sun-god Zeus or Helios, and is referred to in the 1883 sonnet The New Colossus by Emma Lazarus, which was later engraved inside.

 

The Statue of Liberty National Monument was designated a landmark by the New York City Landmarks Preservation Commission in 1976.

 

New Jersey State Register (1971)

National Register #66000058 (1966)

Bronze inlaid with silver, second half of the first century B.C.E.

 

Condition: Essentially complete and in an exceptional state of preservation; some repairs and interior reinforcement to the body.

 

H. 58 cm.

 

An Undisputed Masterpiece of Ancient Metalworking, an Artistic Masterpiece

 

This sumptuously ornamented vessel, unique among the ancient vases known to us, is probably best characterized as a lebes (cauldron). Its purpose can only be inferred. The decoration alludes to Dionysos, god of wine and ecstasy. The half-length figure of a young satyr (or Pan), a member of the god's inebriated retinue, adorns the front, and a large grapevine leaf is shown in relief under the back handle. The exuberant vegetation-like forms of the handles and the intricate low-relief composition of blooms and foliage at the front seem to express the inexhaustible generative forces of nature, another Dionysiac theme. The vessel must have been connected with the service of wine, and the very functional hinged design of the lid may imply that it was made for actual use. However, the extraordinary preservation of the piece suggests that it survived in a closed chamber, probably a tomb, either as a container for the ashes of the deceased or as a funerary offering.

 

While the object as a whole is unprecedented, many of its separate features have revealing parallels elsewhere; Hellenistic elements predominate. The basic shape of the body, a flattened globular form with a short, wide neck and everted lip, is one familiar in decorative or ceremonial vases of late Hellenistic times, as well as in Roman cinerary urns. Monumental vessels of this form, usually with griffin protomes testifying to the shape's ultimate derivation from the great orientalizing cauldrons of Archaic times, figure prominently in the sanctuary scenes of Second- and Third-Style wall painting. in these representations as in our piece the vase has a lid of flattened conical shape with concave sides, culminating in a tall, spindlelike turned finial.

 

The energized appearance of the vessel owes much to the fact that its body rests not on the usual profiles base but on three rollerlike spool feet. It has been noted (Bernard Holtzmann, verbally to Marion True) that similar feet support the basin with perching doves in the Capitoline mosaic, which is probably a work of the second century B.C.E.

 

The fluted side handles of the lebes, bursting into leaf at the edges of their central bead, have palmette attachment plates. They belong to a Hellenistic type seen, for example, on a bronze hydria in the Metropolitan Museum of Art (66.11.12); variants, including an example on the New York art market (Fortuna Gallery, 1993), continue into the Roman period.

 

The magnificent foliate back handle has a close parallel in two bronze attachments from the Mahdia wreck (an ancient ship, laden with works of art, that sank off Tunis at the end of the second century B.C.E.). They appear to have a slightly different curvature but are strikingly similar to the lebes handle in style and basic composition. On the lebes, the toothed acanthus of the handle proper continues beyond the hinge, breaking like a wave onto the lid, where the foliage is modeled in low relief and has frothing, ruffled edges like the acanthus on Italo-Hellenistic capitals.

 

Hellenistic rococo inspiration is obvious in the bust of a satyr decorating the front of the vase. The handsome, high-cheekboned young rustic snaps his fingers an bares his teeth in a wild, impudent grin; his eyes and teeth are silvered. His facial features and his gesture recall the Kroupezion Satyr and the Young Centaur, large-scale Hellenistic works usually dated in the second half of the second century B.C.E. The finely modeled bust seems to reproduce a prototype of this time with almost academic precision. One detail, the wart near the right nostril, has a realism almost unknown outside of Roman portraiture. (There are at least two other bust appliqués with the same composition, but they are in completely different styles from our piece and have both been dated, perhaps on insufficient evidence, relatively early in Hellenistic times).

 

Other elements carry us further into Roman Republican or Early Imperial times. The vessel's lip is decorated front and back with flat plates of cut-out scrollwork. This cut and curled ornament is a Roman fashion, at its height in the metalware of the first century B.C.E. The miniature cup held by the young satyr is decorated around the lip with scrollwork in the same style and is fitted with thumb-plates, loop handles, and finger-rests like those familiar from silver drinking cups of the first centuries B.C.E. and C.E. The cut-out ivy-leaf shaped plates connecting the spool feet with the body or our piece are also very Roman. The large repoussé vine leaf under the back handle seems a spontaneous creation, loosely inspired by the appliqué vine-leaf attachment plates of oinochoe handles.

 

The delicate foliate ornament worked in relief below the bust recalls another forerunner for this part of our vessel's decoration: the relief designs under the handle attachments of Hellenistic situlas. It springs, via a vestigial leaf chalice, from an inverted "flaming" palmette. The palmette, with thin, undulating lobes around a much longer lanceolate central lobe, is an elaboration of an early Hellenistic type, further refined by the introduction of tiny silver rosettes, each on an incised stem, between the lobes. This kind of palmette is revived in Types II, II, IVb, and VI of the standardized decorative schemes for the base of Roman marble candelabra. The overall designs of these reliefs, combining foliate and abstract ornament, have telling affinities with the composition adorning the lebes--their creation is ascribed to Early Imperial times.

 

On the lebes, the foliage springing up from the inverted palmette has the treelike arrangement, perfectly symmetrical for all its apparent lushness, that appears in the reliefs of the Ara Pacis Augustae, constructed between 13 and 9 B.C.E. As on the Ara Pacis, the design is composed around a candelabrum-like vertical axis of stacked vegetal forms. Many details, including some whole flowers, evenly distributed for a starry effect and always symmetrically disposed, are picked out in silver. Regularly spaced acanthus scrolls, each encircling a flattened, frontally seen blossom, are the basic units of construction. The jagged, crisp-looking foliage on the lebes, still related to late Republican decoration, recalls the early Augustan frieze from the Temple of the Divus Julius. The acanthus scrolls are flattened as if pressed between the plain, solid background and an imaginary front plane. The continuity and linear energy of the stems, rather than the plasticity of the leaves and blooms, is emphasized (cf. the decoration on the seat of the Augustan goddess from Cumae). Each growth knot has paired wrapper-leaves, one short and one elongated, whose tips turn back, sometimes folding over to appear in "perspective," or curling around a neighboring stem. Abstract, ribbonlike helices, their tips rolled around silver buttons, mingle with the foliage; these are a feature or Early Imperial ornament. As in the Divus Julius frieze, slender, wandering shoots intertwine with the more regular elements to create a lacy unity. A few naturalistic touches are admitted, such as the little, ragged-looking bunches of immature leaves and the pairs of soft bud capsules. Two lightly sketched birds, symmetrically placed, are gestures to a vogue for inhabited foliage.

 

The additive, inorganic combination of decorative features, many of them derived from earlier models, and the sudden jumps in scale and degrees of relief recall vessels from the cities destroyed by Vesuvius in 79 C.E. Details picked out in silver and lacy low-relief ornament, even on bulky vessels, are well known on the bronze vases from Pompeii, Herculaneum, and the villas of the surrounding countryside. The vase's bulging belly and tall conical lid, as well as the manner of the four-sided composition's placement over three supports, obviously suggest the famous Pompeian "samovar."

 

The pieces from the Vesuvian sites, however, furnish only a terminus ante quem, since some of them were probably not new when they were buried. The Hellenistic components in the decoration of our lebes seem to represent survivals of Mahdia-like forms down past the middle of the first century B.C.E. Elements more specific to the decorative vocabulary of late Republican Rome and still attested in early Augustan times, but disappearing thereafter, show that the piece is unlikely to be much later. Its sophistication, vitality, and grace suggest that it was produced by one of the mainstream ateliers whose work inspired the Pompeian pieces. The lebes is to those vessels as the deliciously inventive decoration of the Farnesina Hosue by the Tiber is to routine Third-Style Roman wall painting.

 

The inside of the vessel is rather summarily finished. The body is hammered and the vine leaf under the back handle raised in repoussé. The relief foliate ornament at the front, however, was evidently worked by another technique, since it seems to have left no "ghost" on the interior (unless this is disguised by a reinforcing material). No interior seam is evident along the ridge at the juncture of the body and shoulder, though one would expect these elements to have been made separately. The cone of the lid is hammered and turned, and a lining piece has been soldered to its interior. The turned finial, as well as the cast handles, bust, scrollwork plates, and feet, were separately made.

 

Formerly in the collection of Barbara and Lawrence Fleischman, New York; text from the catalog of that collection.

 

From the collection of the Getty Villa, Malibu, California.

Plus jolie sur Fond Noir/ Nicer seen on a black background.

2em essai, Voilà la photo que je voulais faire lorsque j'ai posté celle-ci / That is the photo I was trying to do when I posted this one: www.flickr.com/photos/pentaxamera/8180644819/in/photostream

Sometimes we feel like we're trying to skateboard down a flight of stairs. An exhilarating, if bumpy ride.

 

We're trying to work through the learning curve on a number of disparate techniques all in one little earring. On one of the spectrum, we are using ancient forging and metal forming techniques to shape the sterling silver. Then, we're exploring how to use a pulse arc micro welder to speed the entire process because, well we don't want to grow ancient trying to make one pair of earrings. It also amuses us to juxtapose ancient and cutting edge techniques in one piece.

 

We can see a long road ahead of us.

The twists were done while the piece was in a vice and heated to a bright cherry red with a torch. A pair of pliers with the jaws ground smooth was used to grip and turn the piece while hot. The others were struck with a blunt tool while at a dull red temperature.

An exhibition piece de gozne ivory ‘San Miguel Arkanghel’ figure with gold and silver accoutrements

 

ESTIMATE: PHP 1,500,000 - 1,800,000

 

Early 19th century

Manila

Ivory head, hands, legs; gold wings, helmet, shield, and closed-toe boots; silver sword; lightwood San Miguel’s mannequin body, devil figure, and base; polychrome and gesso

Without stand: 33 x 18 x 14 cm (13 x 7 x 5 1/2 in)

With stand: 42 x 18.5 x 14.5 cm (16 1/2 x 7 1/4 x 5 3/4 in)

 

Literature:

Regalado Trota Jose, Images of Faith: Religious Ivory Carvings from the Philippines, 1990, p. 92

 

Exhibition:

"Images of Faith: Religious Ivory Carvings from the Philippines," 1990, USC Pacific Asia Museum, Pasadena

 

Provenance:

Collection of Johnny Ramirez, Manila

 

San Miguel Arkanghel, or St. Michael the Archangel, is most popularly depicted in Christian art as the armored angel with sword and shield, trampling Satan beneath his feet. This exquisite santo stands out for its exceptional craftsmanship, high-quality materials, notable former owner, and feature in a book published over 30 years ago. Its well-carved, well-preserved ivory head, arms, and legs are mounted on a de gozne or mannequin body. The detailed chasing and repoussé work in precious gold and silver are evident in the helmet—resembling a cuirass—along with the scaled-down sword with its wavy blade and crossguard, the buckler shield, closed-toe boots, and a pair of wings. San Miguel’s compassionate expression and overall pale, neutral tones contrast beautifully with the bemused, mischievous look of the dark-painted devil, emphasizing the universal theme of Good over Evil—a hopeful reminder that goodness always triumphs.

 

This santo was one of Johnny Ramirez’s most prized acquisitions and had always had a special place on top of an exquisite kamagong chest of drawers in the sitting room of his luxurious penthouse condominium unit in the metropolis. He lent this santo to the Pacific Asia Museum for their second major exhibition on religious ivories in 1990, and it appeared in the accompanying exhibition catalog.

 

Lot 710 of the Salcedo Auctions online and live auction on 27 September 2025. For more information and to place an online bid, please go to salcedoauctions.com.

Relief, or relievo rilievo, is a sculptural technique. The term relief is from the Latin verb relevo, to raise. To create a sculpture in relief is to give the impression that the sculpted material has been raised above the background plane. What is actually performed when a relief is cut in from a flat surface of stone (relief sculpture) or wood (relief carving) is a lowering of the field, leaving the unsculpted parts seemingly raised. The technique involves considerable chiselling away of the background, which is a time-consuming exercise. On the other hand, a relief saves forming the rear of a subject, and is less fragile and more securely fixed than a sculpture in the round, especially one of a standing figure where the ankles are a potential weak point, especially in stone. In other materials such as metal, clay, plaster stucco, ceramics or papier-mache the form can be just added to or raised up from the background, and monumental bronze reliefs are made by casting. There are different degrees of relief depending on the degree of projection of the sculpted form from the field, for which the Italian appellations are still sometimes used. The full range includes high relief (alto-rilievo), where more than 50% of the depth is shown and there may be undercut areas, mid-relief (mezzo-rilievo), low-relief (basso-rilievo, or French: bas-relief /ˌbɑːrɪˈliːf/), and shallow-relief or rilievo schiacciato, where the plane is scarcely more than scratched in order to remove background material. There is also sunk relief, which was mainly restricted to Ancient Egypt. However the distinction between high relief and low relief is the clearest and most important, and these two are generally the only terms used to discuss most work. The definition of these terms is somewhat variable, and many works combine areas in more than one of them, sometimes sliding between them in a single figure; accordingly some writers prefer to avoid all distinctions. The opposite of relief sculpture is counter-relief, intaglio, or cavo-rilievo, where the form is cut into the field or background rather than rising from it; this is very rare in monumental sculpture.

 

Reliefs are common throughout the world on the walls of buildings and a variety of smaller settings, and a sequence of several panels or sections of relief may represent an extended narrative. Relief is more suitable for depicting complicated subjects with many figures and very active poses, such as battles, than free-standing "sculpture in the round". Most ancient architectural reliefs were originally painted, which helped to define forms in low relief. The subject of reliefs is for convenient reference assumed in this article to be usually figures, but sculpture in relief often depicts decorative geometrical or foliage patterns, as in the arabesques of Islamic art, and may be of any subject.

 

Rock reliefs are those carved into solid rock in the open air (if inside caves, whether natural or man-made, they are more likely to be called "rock-cut"). This type is found in many cultures, in particular those of the Ancient Near East and Buddhist countries. A stela is a single standing stone; many of these carry reliefs.

 

TYPES

The distinction between high and low relief is somewhat subjective, and the two are very often combined in a single work. In particular, most later "high reliefs" contain sections in low relief, usually in the background. From the Parthenon Frieze onwards, many single figures have heads in high relief, but their lower legs are in low relief; the slightly projecting figures created in this way work well in reliefs that are seen from below (see Moissac portal in gallery). As unfinished examples from various periods show, raised reliefs, whether high or low, were normally "blocked out" by marking the outline of the figure and reducing the background areas to the new background level, work no doubt performed by apprentices (see gallery). Hyphens may or may not be used in all these terms, though they are rarely seen in "sunk relief" and are usual in "bas-relief" and "counter-relief". Works in the technique are described as "in relief", and, especially in monumental sculpture, the work itself is "a relief".

 

BAS RELIEF OR LOW RELIEF

A bas-relief ("low relief", from the Italian basso rilievo) or low relief is a projecting image with a shallow overall depth, for example used on coins, on which all images are in low relief. In the lowest reliefs the relative depth of the elements shown is completely distorted, and if seen from the side the image makes no sense, but from the front the small variations in depth register as a three-dimensional image. Other versions distort depth much less. It is a technique which requires less work, and is therefore cheaper to produce, as less of the background needs to be removed in a carving, or less modelling is required. In the art of Ancient Egypt and other ancient Near Eastern and Asian cultures, and also Meso-America, a very low relief was commonly used for the whole composition. These images would all be painted after carving, which helped to define the forms; today the paint has worn off in the great majority of surviving examples, but minute, invisible remains of paint can usually be discovered through chemical means.

 

The Ishtar Gate of Babylon, now in Berlin, has low reliefs of large animals formed from moulded bricks, glazed in colour. Plaster was sometimes used in Egypt and Rome, and probably elsewhere, but needs very good conditions to survive – Roman decorative plasterwork is mainly known from Pompeii and other sites buried by ash from Mount Vesuvius. Low relief was relatively rare in Western medieval art, but may be found, for example in wooden figures or scenes on the insides of the folding wings of multi-panel altarpieces.

 

Low relief is probably the most common type of relief found in Hindu-Buddhist arts of India and Southeast Asia. The low reliefs of 2nd-century BCE to 6th-century CE Ajanta Caves and 5th to 10th-century Ellora Caves in India are noted for they were carved out from rock-cut hill. They are probably the most exquisite examples of Buddhist, Hindu, and Jain arts in India. Most of these low reliefs are used in narrating sacred scriptures, such as those founds in 9th century Borobudur temple in Central Java, Indonesia, that narrating The birth of Buddha (Lalitavistara). Borobudur itself possess 1,460 panels of narrating low reliefs. Another example is low reliefs narrating Ramayana Hindu epic in Prambanan temple, also in Java. In Cambodia, the temples of Angkor are also remarkable for their collection of low reliefs. The Samudra manthan or "Churning of Ocean of Milk" of 12th-century Angkor Wat is an example of Khmer art. Another examples are low reliefs of Apsaras adorned the walls and pillars of Angkorian temples. The low reliefs of Bayon temple in Angkor Thom also remarkable on capturing the daily life of Khmer Empire.

 

The revival of low relief, which was seen as a classical style, begins early in the Renaissance; the Tempio Malatestiano in Rimini, a pioneering classicist building, designed by Leon Battista Alberti around 1450, uses low reliefs by Agostino di Duccio inside and on the external walls. Since the Renaissance plaster has been very widely used for indoor ornamental work such as cornices and ceilings, but in the 16th century it was used for large figures (many also using high relief) at the Chateau of Fontainebleau, which were imitated more crudely elsewhere, for example in the Elizabethan Hardwick Hall.

 

In later Western art, until a 20th-century revival, low relief was used mostly for smaller works or combined with higher relief to convey a sense of distance, or to give depth to the composition, especially for scenes with many figures and a landscape or architectural background, in the same way that lighter colours are used for the same purpose in painting. Thus figures in the foreground are sculpted in high-relief, those in the background in low-relief. Low relief may use any medium or technique of sculpture, stone carving and metal casting being most common. Large architectural compositions all in low relief saw a revival in the 20th century, being popular on buildings in Art Deco and related styles, which borrowed from the ancient low reliefs now available in museums. Some sculptors, including Eric Gill, have adopted the "squashed" depth of low relief in works that are actually free-standing.

 

Mid-relief, "half-relief" or mezzo-rilievo is somewhat imprecisely defined, and the term is not often used in English, the works usually being described as low relief instead. The typical traditional definition is that only up to half of the subject projects, and no elements are undercut or fully disengaged from the background field. The depth of the elements shown is normally somewhat distorted. Shallow-relief or rilievo stiacciato, used for the background areas of compositions with the main elements in low-relief, was perfected by the Italian Renaissance sculptor Donatello. It is a very shallow relief, which merges into engraving in places, and can be hard to read in photographs.

 

HIGH RELIEF

High relief (or altorilievo, from Italian) is where in general more than half the mass of the sculpted figure projects from the background, indeed the most prominent elements of the composition, especially heads and limbs, are often completely undercut, detaching them from the field. The parts of the subject that are seen are normally depicted at their full depth, unlike low relief where the elements seen are "squashed" flatter. High-relief thus uses essentially the same style and techniques as free-standing sculpture, and in the case of a single figure gives largely the same view as a person standing directly in front of a free-standing statue would have. All cultures and periods in which large sculptures were created used this technique in monumental sculpture and architecture.

 

Most of the many grand figure reliefs in Ancient Greek sculpture used a very "high" version of high-relief, with elements often fully free of the background, and parts of figures crossing over each other to indicate depth. The metopes of the Parthenon have largely lost their fully rounded elements, except for heads, showing the advantages of relief in terms of durability. High relief has remained the dominant form for reliefs with figures in Western sculpture, also being common in Indian temple sculpture. Smaller Greek sculptures such as private tombs, and smaller decorative areas such as friezes on large buildings, more often used low relief.

Hellenistic and Roman sarcophagus reliefs were cut with a drill rather than chisels, enabling and encouraging compositions extremely crowded with figures, like the Ludovisi Battle sarcophagus (250–260 CE). These are also seen in the enormous strips of reliefs that wound round Roman triumphal columns. The sarcophagi in particular exerted a huge influence on later Western sculpture. The European Middle Ages tended to use high relief for all purposes in stone, though like Ancient Roman sculpture their reliefs were typically not as high as in Ancient Greece. Very high relief reemerged in the Renaissance, and was especially used in wall-mounted funerary art and later on Neo-classical pediments and public monuments.

 

In Hindu-Buddhist art of India and Southeast Asia high relief can also be found, although it is not as common as low reliefs. Most of Hindu-Buddhist sculptures however also can be considered as a high relief, since these sculptures usually connected to a stella as the background to support the statue as well as provides additional elements such as aura or halo in the back of sculpture's head, or floral decoration. The examples of Indian high reliefs can be found in Khajuraho temple, that displaying voluptuous twisting figures that often describes the erotic Kamasutra positions. In 9th-century Prambanan temple, Central Java, the examples are the high reliefs of Lokapala devatas, the guardian of directions deities.

 

SUNK RELIEF

Sunk or sunken relief is largely restricted to the art of Ancient Egypt where it is very common, becoming after the Amarna period of Ahkenaten the dominant type used, as opposed to low relief. It had been used earlier, but mainly for large reliefs on external walls, and for hieroglyphs and cartouches. The image is made by cutting the relief sculpture itself into a flat surface. In a simpler form the images are usually mostly linear in nature, like hieroglyphs, but in most cases the figure itself is in low relief, but set within a sunken area shaped round the image, so that the relief never rises beyond the original flat surface. In some cases the figures and other elements are in a very low relief that does not rise to the original surface, but others are modeled more fully, with some areas rising to the original surface. This method minimizes the work removing the background, while allowing normal relief modelling.

 

The technique is most successful with strong sunlight to emphasise the outlines and forms by shadow, as no attempt was made to soften the edge of the sunk area, leaving a face at a right-angle to the surface all around it. Some reliefs, especially funerary monuments with heads or busts from ancient Rome and later Western art, leave a "frame" at the original level around the edge of the relief, or place a head in a hemispherical recess in the block (see Roman example in gallery). Though essentially very similar to Egyptian sunk relief, but with a background space at the lower level around the figure, the term would not normally be used of such works.

 

COUNTER RELIEF

Sunk relief technique is not to be confused with "counter-relief" or intaglio as seen on engraved gem seals - where an image is fully modeled in a "negative" manner. The image goes into the surface, so that when impressed on wax it gives an impression in normal relief. However many engraved gems were carved in cameo or normal relief.

 

A few very late Hellenistic monumental carvings in Egypt use full "negative" modelling as though on a gem seal, perhaps as sculptors trained in the Greek tradition attempted to use traditional Egyptian conventions.

 

SMALL OBJECTS

Small-scale reliefs have been carved in various materials, notably ivory, wood, and wax. Reliefs are often found in decorative arts such as ceramics and metalwork; these are less often described as "reliefs" than as "in relief". Small bronze reliefs are often in the form of "plaques" or plaquettes, which may be set in furniture or framed, or just kept as they are, a popular form for European collectors, especially in the Renaissance.

 

Various modelling techniques are used, such repoussé ("pushed-back") in metalwork, where a thin metal plate is shaped from behind using various metal or wood punches, producing a relief image. Casting has also been widely used in bronze and other metals. Casting and repoussé are often used in concert in to speed up production and add greater detail to the final relief. In stone, as well as engraved gems, larger hardstone carvings in semi-precious stones have been highly prestigious since ancient times in many Eurasian cultures. Reliefs in wax were produced at least from the Renaissance.

 

Carved ivory reliefs have been used since ancient times, and because the material, though expensive, cannot usually be reused, they have a relatively high survival rate, and for example consular diptychs represent a large proportion of the survivals of portable secular art from Late Antiquity. In the Gothic period the carving of ivory reliefs became a considerable luxury industry in Paris and other centres. As well as small diptychs and triptychs with densely packed religious scenes, usually from the New Testament, secular objects, usually in a lower relief, were also produced.

 

These were often round mirror-cases, combs, handles, and other small items, but included a few larger caskets like the Casket with Scenes of Romances (Walters 71264) in Baltimore, Maryland, in the United States. Originally there were very often painted in bright colours. Reliefs can be impressed by stamps onto clay, or the clay pressed into a mould bearing the design, as was usual with the mass-produced terra sigillata of Ancient Roman pottery. Decorative reliefs in plaster or stucco may be much larger; this form of architectural decoration is found in many styles of interiors in the post-Renaissance West, and in Islamic architecture.

 

WIKIPEDIA

Here is the central motif of my necklace "Flaming Forest" done by my husband, Douglas, using copper in the repousse technique. It's been heat-patinated.

 

For more on my process, visit my blog:

storiestheytell.blogspot.com

 

Sterling silver box design, made with repousse technic,set with cubic zirconia stones.

Voici le moment ou la mère repousse l’oisillon afin de lui montrer qu’il doit commencer à chercher par lui-même sa nourriture.

***********************

This is the moment when the mother pushes the chick to show him that he must start looking for food himself.

 

Crown of the Virgin of the Immaculate Conception (Crown of the Andes, Columbia) c. 1660 (diadem), c. 1770 (arches), gold and emeralds, 34.3 cm (The Metropolitan Museum of Art)

Learn more at Smarthistory

Liberty Enlightening the World (French: La liberté éclairant le monde), commonly known as the Statue of Liberty (French: Statue de la Liberté), has stood on Liberty Island in New York Harbor, welcoming visitors, immigrants, and returning Americans, since it was presented to the United States by the people of France. Dedicated on October 28, 1886, the gift commemorated the centennial of the signing of the United States Declaration of Independence and has since become one of the most recognizable national icons--a symbol of democracy and freedom.

 

The 151-foot (46-meter) tall statue was sculpted by Frédéric Auguste Bartholdi and stands atop Richard Morris Hunt's 154-foot (93-meter) rectangular stonework pedestal with a foundation in the shape of an irregular eleven-pointed star. Maurice Koechlin, chief engineer of Gustave Eiffel's engineering company and designer of the Eiffel Tower, engineered the internal structure. Eugène Viollet-le-Duc was responsible for the choice of copper and adoption of the repoussé technique, where a malleable metal is hammered on the reverse side. The Statue of Liberty depicts a woman clad in Roman Stola and holding a torch and tablet, and is made of a sheeting of pure copper, hung on a framework of steel with the exception of the flame of the torch, which is coated in gold leaf.

 

Affectionately known as Lady Liberty, the figure is derived from Libertas, ancient Rome's goddess of freedom from slavery, oppression, and tyranny. Her left foot, fitted in Roman sandals, tramples broken shackles, symbolizing freedom from opression and tyranny, while her raised right foot symbolizes Liberty and Freedom refusing to stand still. Her torch signifies enlightenment. The tablet in her hand represents knowledge and shows the date of the Declaration of Independence--July 4, 1776. The seven spikes on the crown represent the Seven Seas and seven continents. Visually the the Statue of Liberty draws inspiration from the ancient Colossus of Rhodes of the Greek Sun-god Zeus or Helios, and is referred to in the 1883 sonnet The New Colossus by Emma Lazarus, which was later engraved inside.

 

The Statue of Liberty National Monument was designated a landmark by the New York City Landmarks Preservation Commission in 1976.

 

Statue of Liberty National Monument New Jersey State Register (1971)

Statue of Liberty National Monument National Register #66000058 (1966)

 

Champtocé-sur-Loire (Maine-et-Loire)

  

Château de Champtocé.

 

Une forteresse fut bâties sur un promontoire de shiste, par la famille de Craon, dès le XIIIe siècle. Le château faisait partie des défenses de l'Anjou face au duché de Bretagne.

  

C'est dans ce château qu'est né Gilles de Laval, baron de Rais (ou Retz), comte de Brienne, seigneur de Pouzauges, Tiffauges, Machecoul, Pornic, Bourgneuf, Champtocé et autres...

 

Gilles de Rais ou de Retz est né à Champtocé-sur-Loire vers 1404. Né Gilles de Montmorency-Laval il sera baron de Retz et comme baron de Retz possesseur de Pornic. Il combattra les anglais aux côtés de Jeanne d'Arc et sera promu maréchal de France, il a environ 25 ans, le jour du sacre de Charles VII à Reims. Il sera disgracié après l'échec du siège de Paris en août 1429 (les anglais occupaient Paris depuis 1420, les bourgeois de Paris avaient d'ailleurs accepté l'administration anglaise par mépris de Charles VII qu'ils appelaient le "rois de Bourges", mais surtout parce que les anglais leur avaient accordé de nouveaux privilèges. Les troupes de Charles VII seront repoussées d'ailleurs autant par les parisiens que par les anglais peu nombreux). Il retourna donc sur ses terres et dépensa son immense fortune que le brigandage (était ce le seul? C'était le temps des "Ecorcheurs") ne parvenait à maintenir. En 1433 il ne lui resta plus aucune terre à part celles de sa femme et deux châteaux en Anjou. En 1435, un édit du Roi interdisait à quiconque de commercer avec lui. Il fit venir d'Italie un alchimiste qui prétendait pouvoir fabriquer de l'or (Franco Prelati), puis essaya de reprendre par la force ce qu'il avait vendu. C'est en essayant de reprendre un de ses châteaux à un religieux qu'il s'aliène le duc de Bretagne et l'évêque de Nantes. (En 1439, Gille de Rais doit vendre la forteresse de Saint-Etienne-de-Mer-Morte à Geoffroy Le Ferron. Contestant cette vente, il demande des comptes au recteur de la paroisse, qui est aussi le frère de Geoffroy Le Ferron. Il entre, à cheval et en armes, dans l'église paroissiale au cours de l'office de la Pentecôte 1440 et brutalise le religieux). Des rumeurs circulaient depuis longtemps à son propos, concernant des enlèvements d'enfants.

 

Une enquête est lancée et le 15 septembre 1440, Jean Labbé, capitaine de Jean V, assisté du notaire Robin Guillaumet, le

représentant de Malestroi, arrête Gilles de Rais à Machecoul. Celui-ci est enfermé au château de Bouffray à Nantes. Il est suivi peu après par ses complices, Prelati, Blanchet, Henriet, Poitou et Perrine Martin.

 

Gilles de Rais fera l'objet de deux procès, un devant la justice civile dépendante du duc et un devant la justice ecclésiastique rendue par l'évêque.

Le tribunal séculier reproche au prévenu le refus d’obéir au duc de Bretagne, son suzerain, dans la prise du château, et des assassinats d’enfants.

Le tribunal ecclésiastique juge Gilles de Rais pour hérésie, sorcellerie avec évocation des démons, viol de l’immunité de l’Église lors de l’enlèvement du religieux devenu propriétaire d'un de ses châteaux, et enfin pour sodomie. De nombreux témoignages, dont ceux des parents des enfants disparus, sont cités dans les actes des procès. Les serviteurs de Gilles de Rais confirment les enlèvements. Sous la torture, Gilles de Rais se livrera à une confession particulièrement horrible (Lorsque le juge Pierre de L’Hôpital interroge Gilles de Rais sur ses motivations, celui-ci répond à plusieurs reprises que ce fut «seulement pour son plaisir et sa délectation charnelle»).Les deux procès estiment à entre 140 et plus de 200 le nombre des victimes. Le 25 octobre 1440, les deux procès condamnent Gilles de Rais et ses deux complices à être pendus et brûlés. Toutefois, Gilles de Rais sera inhumé avec les honneurs dus à son rang. Les cadavres des complices seront effectivement brûlés. L'alchimiste Prelati (père Francisco Prelati) sera condamné, mais s'échappera.

  

fr.wikipedia.org/wiki/Château_de_Champtocé

 

Amphora with horned lion chimera handles and repousse reliefs of lotus and palmettes. bull protome and repousse floral designs. Persian, Achaemenid, 480 BC, Gilded silver. Found in a woman's tomb at Kurakova Mogila, Duvanli, Bulgaria. From the National Archaeologucal Institute with Museum, Sofia, Bulgaria. Special Exhibit, Animal-Shaped Vessels from the Ancient World: Feasting with Gods, Heroes and Kings. Harvard Art Museum. Cambridge, Massachusetts, USA. Copyright 2018, James A. Glazier.

The ritual crown (top) with one of the five diadems, found at a temple site in Hockwold-cum-Wilton. The ritual crown is made of bronze and decorated with repousse medallions depicting bearded faces of a Celtic type. The god worshipped may have only been of local significance, but the crown's pointed finial is reminiscent of the spiked head-dress worn by flamines, a priestly college of high status in Rome itself. The crown stands 6" high, and the headband is adjustable.