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Untitled, 1947. Oil on canvas (1903-1970) Lent by the National Gallery of Art, Washington. Oakland Museum
Huile sur toile, 71 x 92 cm, 1942, Guggenheim museum, New York.
Mark Rothko (né Marcus Rothkovitz) a immigré de Russie (aujourd'hui Lettonie) aux États-Unis à l'âge de dix ans. Il a brièvement fréquenté l'Université de Yale à New Haven, dans le Connecticut, mais n'a pas obtenu son diplôme. Il a donc déménagé à New York, où il a commencé à suivre des cours d'art à l'Art Students League avec Max Weber, l'un des seuls professeurs à avoir une connaissance directe et un enthousiasme pour le modernisme européen (la majorité mettant l'accent sur le réalisme traditionnel). Les premières peintures expressionnistes de Rothko sur des sujets quotidiens reflétaient l’influence de Weber ainsi que celle d’artistes tels que Marc Chagall et Chaim Soutine. A la fin des années 1920, sa connaissance de l'artiste américain Milton Avery, qui servit de mentor à Rothko et à un groupe de jeunes artistes dont Adolph Gottlieb, l'exposa à de nouvelles approches de la couleur et de la forme.
De 1936 à 1939, Rothko a participé à des projets artistiques soutenus par la Works Progress Administration, une agence gouvernementale fondée au lendemain de la Grande dépression pour aider à fournir des emplois aux chômeurs. En outre, il s’est associé à des artistes partageant les mêmes idées pour organiser des expositions de leurs œuvres et lutter contre la mainmise du régionalisme sur l’art américain. C'est également à cette époque que Rothko assiste à plusieurs expositions d'œuvres surréalistes, dont une importante étude de 1936 au Museum of Modern Art de New York, et rencontre des émigrés surréalistes, tels qu'André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy et Matta, qui ont fui à New York pendant la Seconde guerre mondiale.
À la fin des années 1930, Rothko et Gottlieb ont adapté la méthode d'Avery consistant à utiliser différents registres pour structurer la composition dans une série de peintures incorporant des symboles mythiques et des figures archétypales tirées du surréalisme, des théories de l'inconscient collectif du psychiatre suisse Carl Jung et de l'art primitif et archaïque. Rothko a également trouvé son inspiration dans des textes littéraires et philosophiques allant de la tragédie grecque antique à Die Geburt der Tragödie aus dem Geiste der Musik de Friedrich Nietzsche (La Naissance de la tragédie à partir de l'esprit de la musique, 1872).
Sans titre (1942) illustrant cette période du développement de Rothko est divisé en trois niveaux : le niveau supérieur contient une grande forme composée de parties du visage désincarnées, qui semblent présider, comme un dieu, à la toile ; la couche intermédiaire est occupée par la tête et le torse d'un cerf et le registre inférieur avec les pieds, les serres et les mains du cerf. Cette division de la toile en royaumes divins et terrestres est répétée dans plusieurs œuvres de l'époque et fait écho à la déclaration de Rothko de 1945 selon laquelle "nos peintures, comme tous les mythes, combinent des lambeaux de réalité avec ce qui est considéré comme irréel et insistent sur la validité de leur fusion" (cf. New York Times, 8 juillet 1945) (cf. Guggenheim museum).
This, in the final room of the show is a Chinese Kuan Yin, many centuries old, with Rothko's work, 'Red #14'
Het Gemeentemuseum presenteert – nog tot 1 maart 2015 - een tentoonstelling over de wereldberoemde kunstenaar Mark Rothko. Van blozend roze tot jubelend geel tot knallend blauw en somber zwart. Wanneer je voor de immense doeken van Mark Rothko staat voel je hoe je in zijn wereld wordt gezogen. De kleurvelden – opgebouwd uit zinderende verflagen – zijn van een ongekende intensiteit en verbeelden universele gevoelens als angst, extase, tragiek en euforie.
Hier hangen de laatste Mondriaan en de laatste Rothko naast elkaar.
Homily of Archbishop Byers
Visit this location at Archdiocese of Lepanto & Mater Dolorosa Church in Second Life
Huile et acrylique sur toile, 228 x 176 cm, 1963, centre Pompidou, Paris.
""Le contenu de la peinture est la peinture elle-même" (Rothko).
N° 14 constitue un jalon important dans l'œuvre de Mark Rothko, au milieu des années 1960. Alors que dominaient jusqu'alors des couleurs vives, il assombrit sa palette jusqu'aux bruns et aux noirs. Les aplats légers et flottants cèdent la place à des masses plus compactes dans des peintures empreintes désormais de gravité, que le critique Michel Ragon qualifie de "tables de méditation" (cf. centre Pompidou).