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"Wajir, 21 de enero de 2006
Querido Ernesto:
Podría contarte unas cuantas mentiras. Unas cuantas mentiras o una sola muy grande. Tan grande que no hiciese falta pulir los pequeños detalles para que resultase creíble.
Por ejemplo: soy feliz, Ernesto. Me gusta estar aquí, viendo cómo me sonríen los niños cuando me acerco hasta ellos. Sabes que el calor no es un problema para mí. Disfruto con las altas temperaturas. Mi termómetro personal considera que los cuarenta grados centígrados no dan sensación de sofoco.
¿Sirve?
Otra: me siento realizada, Ernesto. Porque sé que lo que hago es útil. Porque con mi trabajo ayudo a otros. Porque no tienen nada y yo lo tengo todo.
¿Sirve?
La última: me encanta cómo estas personas afrontan el día a día. No saben lo que es quejarse y ni tan siquiera se les escucha llorar.
¿Sirve?
Por supuesto, las tres son pequeñas mentiras.
El ejemplo de la grande sería algo parecido a esto: Ernesto, no me he equivocado. No tenías razón. Sé separar perfectamente lo que soy y de dónde vengo de lo que en estos momentos estoy viendo y el lugar en el que estoy.
¿A que suena convincente?
Soy una luchadora, ya sabes.
Te quiero,
Matilde
Posdata: tengo miedo, me duele el alma y sólo duermo a ratos por culpa del calor. Las imágenes de tanta miseria junta las llevo colgadas en la mochila y no encuentro un clavo lo suficientemente resistente como para que aguante el peso de tanta injusticia.
Beso"
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La historia es real a medias: he cambiado el lugar original por Wajir (Kenya) y los nombres. Le ocurrió a una amiga que perdió las fuerzas desbordada por la situación, por el dolor ajeno y por el abandono tan desolador que contempló. Claudicó y después de una semana, consiguió reponerse, entre otras cosas, porque entendió que sus compañeros ya tenían bastante: cuestión de supervivencia.
El texto lo escribí hace un año, más o menos, dentro del grupo "Inventa una historia" y acompañaba a una foto que no era mía. Hoy he querido rescatarlo y como no sabía qué hacer para juntar las palabras a una imagen, he acabado recreando yo misma la situación.
APPARITIONS
digital representation of invented card game
idea, layout and modeling created in Photoshop
Picture character is used from Web search. i created this card game also with rules. it has four rariries, four groups and has similar system like Magic the Gathering
Thank you all for faves and comments
Elementos para inventar un Ojo de pez casero, esta en proceso, cuando una todas las piezas mostraré la creación final y las fotos..:D
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I took these 11 Photographs of the Machinery used in Bottling Coca Cola at the World of Coca Museum, in Atlanta, Georgia.
Pharmacist John Stith Pemberton invented Coca Cola in 1886. The Coca Cola Museum fronts on a small park near the Hilton Garden Inn Hotel where we stayed during our visit to Atlanta. The World of Coca Cola Museum is located at 121 Baker Street NW, Atlanta, GA 30313.
In June 2018, my wife & I attended a Family Wedding at the Hilton Garden Inn, 275 Baker Street in Atlanta, Georgia. One end the hallway on the on the 13 Floor (they call it Floor PH) gave me a Great View of the CSX Tracks, while the other end of the hallway gave me a great view of the Skyview Ferris Wheel across the street from Centennial Olympic Park.
Since we were in Atlanta for several days, I had some time to visit the Coca Cola Museum, which was a short 2 blocks away from our Hotel.
GEORGIA - SUICIDE OR SUICIDE PREVENTION?
WELCOME TO THE ALMOST-UNKNOWN
To the average Westerner, there is a not-so-well-known piece of land stuffed in by the Black Sea and the Caucasus Mountains called Georgia. It is hard to describe where Georgia and the Georgians fit in, appearance-wise and culturally being European – think Jesus (culturally speaking) and red wine (and they pretty much invented both). Only physically the country sits in Asia, therefore being a bit an offcut, sometimes being classified as part of Europe and sometimes as part of Asia – you can decide on that one. I’m not going to reveal every detail about Georgia because that is what Wikipedia and Lonely Planet are for. I do not do travel guides and tourist reviews, except, I might just mention that it is a stunning little place that has not been discovered by the tourist masses yet – Amen, let’s have a wine to that!
But, then maybe it should be better known? I like Georgia. I like the fact I can stay here visa-free for 365 days, and buy a home and set up a business without restrictions – if I wanted to. I like that everything is inexpensive and easy. I love the fact that it only takes twenty minutes to get a car registered in your name by only showing your passport, thus being the reason I bought my car here. I felt quite proud setting out to conquer the world in a Georgian flagged car - the Georgian number plates turned many heads the whole way from Turkey to Morocco, but the head-turning was probably more likely due to the fact that the steering wheel is on the wrong side. In Georgia, you drive on the right-hand side of the road (like everywhere in Europe), but since they import cars from both east and west, steering wheels are on both the left and the right. Mine is a Japanese import (a right-hand drive) meaning I awkwardly go around seeing grass more than anything else. Very nice views indeed, but passing can be challenge at times, but I got used to it – as with every other challenge life has ever presented. At the car registration office - which is conveniently located inside the big second hand car market in Rustavi - they gave me a little driver’s license-like card (car ownership card) in which acts as the car’s ‘passport’, and that coupled with my own passport allowed me to get from one country to the next – I technically had no issues with that from the Georgian-Turkish border all the way to the Sahara Desert in Africa. Any issue that did arise was only because of some ‘official’ merely being an official asshole. Those exist from time to time, but not so much in Georgia.
In the summer of July 2016, I brought my Chinese students to Georgia for three exceptional weeks. We stayed a week each in the crumbling old town of Tbilisi, on the semi-subtropical Black Sea coast near Turkey and high up in the Caucasus Mountains in a green alpine valley covered in summer wild flowers. The scenery was quite dramatic. We raided little bakeries of their cheese pies whenever we could. They are cheap. We grinded ourselves like millet between aggressive waves and the rocky shores of the coastline and almost floated off visa-free to Turkey. That was fun. And the Georgians are very, very friendly. It’s the type of country where you can spend the days as you like; lay drunk in a church garden, sit under a grapevine with a book, sip a latte at coffee shop table by the street (their coffee kind of sucks actually), be forced to drink a cognac with the bus driver as you fly around the mountainous bends… These were some of the reasons that pulled me back in September, alone though, the second time around.
And lastly, and most importantly, I like the fact that, with Georgia, you can be in a European country and still be able to find freedom from of a heavy, burden-like energy. It is a place in which the human being still comes before rules. It is a place where God is still more important than regulations. It is a society that is still more humanistic than robotic. A place where health is in the heart and not in the insurance policy. It is one of the last places left where white people are not suppressing themselves into square boxes and straight lines and defining every last inch of themselves and their lifestyles by categories and labels. It’s a place where people can live and let live, in the more natural sense. Most importantly, it is a place where you can breathe; a place where you can surrender to your natural instincts.
WISDOM LIES IN THE ROADS?
Any civilization with centuries of experience in survival in the midst of mountainous terrain with rogue neighbours all around (think: Ottoman Empire/Turkey, the Soviet Union/Russia, Persia/Iran) certainly would have some valuable wisdom to share. Architecture, alcohol and photos aside, it is my goal to dig out something deeper. Worthwhile lessons from other lands is what I am searching for. We would be wiser to run our lives and societies like big companies that become worth billions by imitating others and then adapting and improving on what we have learnt. Absorbing wisdom from far-reaching corners of the globe is what any smart person or society should do. So, with an idea in my head, car keys in hand, and with a goal to expose humanity’s more unfortunate sides, it was time to get behind the wheel and head into the frenzy of the Georgian roads!
When driving, or purchasing any type of ticket for road transport in Georgia you might feel as if you are applying to go on the suicide waiting list, but Georgian roads just may be a cure to suicide. The way the Georgians drive can probably be best described as ‘dangerous’. Georgian drivers are fast, erratic and aggressive with all their stunts conducted through cracked windscreens. In fact, it seems that half their cars have lost half their parts and it’s almost common to see two doors on a Lada chassis fly down the road - with haystacks on top. The general road rule is ‘stick to the side of the road’ (off the side in the dust is okay too) and allow the middle to be a creative zone, even around sharp bends at night – as long as whatever it is, is done fast, you can’t really go wrong. This is no worries for the Georgians because driving is like art - it is almost like an improvising time for a group of musicians. I drove in China for six years which at times can be exhilarating, and in many parts of the world with ‘uncivilized’ streets (to the Western eyes) and I can say that I rejoice in the chaos. I’m the last person in the world to want to say something is ‘dangerous’, but, Georgia… my dear Georgia… you’re in a league of your own and I LOVE IT!!
IS DANGER ACTUALLY DANGER?
Some find the act of reading a book to be relaxing. Many find reading to be tiring and quite stressful. I am one of the latter ones. Many might say driving is tiring and stressful, and that reading is a relaxing way to escape to another place. But in the ideal feminized society that modern-day Westerners are trying to create, everyone would be able to relieve stress by reading a novel, but thankfully, many people (particularly men) are unable to get their all stimulation from books (and thank Georgian Jesus for that if someday war were to encroach because throwing all your books at enemies would not help much). Georgians bring Jihad to the roads, and for me, the more chaotic and aggressive the roads are, the more relaxed I become. Words from a book just don’t flow through me like the movement of humans and vehicles battling for the same space does. This is also when my natural instincts set in. I love to be in control of, not only the car, but my life as well. I love having to concentrate. I love the stimulation of it. I love the sense of achievement it brings when arriving at where I was going – it is like winning a grand-prix. I love the adrenalin rush of Georgian roads. More often than not, I want (read: need) to feel my heart beating, my palms sweating, my blood rushing, the butterflies in my stomach. I want to remember I'm alive!
Everyone needs to feel alive in order to ‘be alive’ and live a healthy, fulfilled life. The modern over-controlled society of the West causes frustration and creates barriers and road blocks, hence allowing for more time and energy for road rage and the likes. The boredom leads to a lack of concentration. A lack of concentration leads to accidents. When we disengage from our instincts, it gives rise to more issues instead of solving the ones we set out to. We no longer understand the root causes of societal problems, because we have become so disconnected from our natures. We no longer understand the world from our intuition, but only from ideologies. Our brains have well advanced above our hearts leaving us lost and confused. Our brains categorize things so strongly now that we no longer know what we are categorizing. In turn, roads in the West have become a place of rules and misery. What happened to the fact that roads were invented for ‘going places’ as their main purpose?
AN ILLNESS OF MODERN WESTERN SOCIETY
I probably just seemed to be suggesting that you might have a good chance of killing yourself if you get within ten inches of any Georgian road, but in fact, I am implying the opposite – Georgian roads just may well be an example of a cure to suicide, and other miseries that the developed world suffers from these days. There may seem to be a paradox here, but things generally are the opposite of what they appear to be. When facing difficulty and danger, you need to give a top performance – no one swims lazily with a shark fin in tow. When you are in full concentration mode, all your senses become alive and alert. When you have survived the moment, you have a sense of accomplishment. When you have a combination of these ‘daily necessities’ (the ones that are not available at the supermarket) you start inching closer to a little friend called ‘nature’ - that forgotten thing that inherently lives within us. Humans have come a long way, we’ve forgone dangers to revel in the security of modern-day life, but it is boring. Modern life is boring. Excitement, adrenalin, fun; gone to the pits of safety. To fight, to battle, to use your brain, your body, your skills, your senses – all at the same time - there is no more of that, because it’s not allowed, not tolerated. It’s easy to see and provide for human being’s physical needs such as fresh food, clean water and oxygen, but the psychological needs of creativity, challenge, decision making and stimulation during everyday activity have not only been forgotten, but they have been banished to the darkest corners of hell – all in the name of safety.
SUICIDE OR SUICIDE PREVENTION?
The post WW2 feminizing of society has already served its benefits; people are more passive, society more equal, women have taken up more positions, marriage equality achieved and the list goes on, but this movement should now deactivate as it seems that its last purpose to achieve is to obliviously drag us by the teeth to a cliff’s edge. This nannying is running rife and, in effect, it is the source of many people’s depression, boredom, frustration and, in some cases, desperation. It’s not only suffocating, but it is against our survival instincts. The reason we still quiver when we think of a snake is because we still have nature inside us, but we don’t hesitate about getting into a car despite the overwhelming global statistics in car related deaths. So, sorry to say, but our nature (and the snake-quivering) is not going anywhere, but the fear of fun definitely needs to go…
I do not know of anyone who would ponder over the idea of suicide while feeling stimulated. Georgians commit suicide too, and are definitely not immune to misery, but they are certainly not being robbed of the simple human needs for excitement and danger. In fact, Georgian suicide rates rank among the lowest and the traffic related death rate is not excruciatingly high (although a bit higher than the most developed countries, but this could be down to geographic and financial reasons too - Georgia is being significantly poorer and steeper). Georgian drivers are highly skilled and take necessary precautions at every bend in the road, because they have to. Having to do something and just doing something are two very different concepts with very different outcomes. Georgian drivers are self-taught, well practiced with refined skill, and they make decisions based on the situation rather than the rule. It is the same idea as a person taking extra safety precautions while on a bicycle, knowing that the likelihood of getting bowled over is significantly higher. Keep in mind that musicians also get more orgasms out of improvising than playing along to a tune set out by someone else, because they are relying on something deeper; their senses, their feelings, their emotions. As kids, we are often told to slow down, so we correlate ‘slow’ with being safe, but it is not always so. Sometimes fast is safe. Sometimes danger equals carefulness. My cat only fell out the 9th floor window because it didn’t learn how to climb. Insulation and safety of the poor white mutt lead to the end of it. This insulation not only leads to the inability to foresee danger and react to it, but in effect, it makes us not only depressed but… stupider.
PUTTING SOME GEORGIA INTO OUR OWN LIVES
Georgian ex-president Mikhail Saakashvili turned his country around from the crime-ridden, corrupt, ex-Soviet police state that it was once. Jeez, this was even the place that gave birth to Stalin. After eventually being voted out, Saakashvili moved to Ukraine to help rid that country of its infestation of political crime and corruption. It is possible for a country and society to turn itself around, Georgia did it. I wonder if Saakashvili has time to come and oil the rusted Westerners, steer the West onto the path of logic; a road to something a bit healthier, a bit more sustainable, something a bit more exciting? Elements of difficulty need to be released back into society so that our survival instincts can be kicked back into gear. The feeling of being alive needs to be promoted. The nannying culture needs to be sent back to nurseries. Luckily for Georgia, it still faces enough difficulties to keep it down to earth and bit more realistic.
Maybe we could start by crushing half of the ministers and ministries and replacing them with a Ministry of Stimulation, perhaps? Maybe ex-Georgian president Mikhail Saakashvili could even head it. Stalin can be given a pass on that one. It amazes me that humans can build airplanes and spaceships to whip us around the earth and even to the moon, but what astounds me is that the most simple and obvious solutions to easy-to-solve issues can still be so puzzlingly far off. This level of human stupidity on display is equal to a duck quacking into a pipe believing the echo to be a friend. If we are aware of these issues (and admit they exist), we will continue to flourish as a great civilization. If not, we will have led ourselves to disaster through oblivion, because while the Western world nannies around, the rest of the world is gearing up, reinvigorating itself. The West is walking itself into sedation, uninterested in life, believing that all forms of strength are weaknesses. Being out of touch can only give rise to the rogue ones around us – ask Georgia. We seem to have a collective suicide wish, and that seems to be the only thing uniting us. Have our lives been too comfortable for too long that we have lost our minds? And do we now need a massive disaster to occur to unleash the Georgian driver within us?
In early March 1876 the great inventer and cookie connoisseur Alexshaunder Graham Bell and his trusted friend Mr Pipson wanted to develop an early warning device so they would always be on top of the newest cookie deliveries.
It only took Alexshaunder a few days to design and build a little something that was to revolutionise modern communication forever, the telephone.
On March 10, 1876 he and Mr Pipson were ready to give it a try. They went to different rooms of their lair, carrying one prototype with them. Alexshaunder had the honour of dialling the first phone call in the history of the world… it was engaged… after some yelling Mr Pipson had put the receiver back on the phone and the second attempt was made.
It was a triumph, Alexshaunder uttered the first words ever said on a phone “Mr Pipson… Come here… I want to see you”. Mr Pipson answered with a happy “Pip pip!” and was on his way.
After that whenever a new cookie delivery was nearby, all it needed was a short ring and Alexshaunder Graham Bell and Mr Pipson where the first in line. They were hailed as heroes by every cookie connoisseur in town and soon founded their own phone company and never felt the want of cookies again.
Hooray :-)
Built for Brickworld 2013 as part of the "Wonka" collaborative. These builds represent all the chocolaty goodness of Mr. Willy Wonka's factory, the demise of undeserving children, and the simple heroics of Charlie Bucket. Welcome to the Inventing Room!
"Charlie Bucket stared around the gigantic room in which he now found himself. The place was like a witch's kitchen! All about him black metal pots were boiling and bubbling on huge stoves, and kettles were hissing and pans were sizzling, and strange iron machines were clanking and spluttering, and there were pipes running all over the ceiling and walls, and the whole place was filled with smoke and steam and delicious rich smells."
Tour the factory and see these other amazing bignettes that were part of the collaborative:
The Chocolate Room by Max Pointner
The Nut Room by Max Pointner
The Television Room by Dave Kaleta
The Bucket's House by Ian Spacek
I think I've possible found the sculpt for the oldest Bryne Brother....now if I can only do a faceup worthy of him. This is just a start.
Many things have been invented in Birmingham, including the postal service and the postage stamp. This owl features celebratory stamps depicting all the things that are great about the city, past and present, including bands that were formed here, tourist attractions, architecture and in-ventions. This owl delivers every time and wears all of these quirky and evocative stamps with cheerful panache.
Artist: Helen Dodsworth
Has worked as a community artist and freelance designer since she graduated in 2001. Since 2011, she has been working as a freelance illustrator and running art workshops for children. She has a particular soft spot for drawing animals!
Website: helendodsworth.carbonmade.com
Sponsor: Citypress
Auction Price: £3500
The Big Hoot captured the imagination of everyone in Birmingham and beyond, with hundreds of thousands of people taking to the streets with their Big Hoot Trail maps to explore the colourful invasion of individually designed owls. Taking in the city’s 10 districts, tourists and residents alike enjoyed their owl adventure, discovering and celebrating the extraordinary creativity produced by many of Birmingham’s artistic community and over 25,000 young people.
The Big Hoot owls went under the hammer on 15 October 2015 at The Big Hoot auction sponsored by Vodafone and we are thrilled to have smashed our target by raising the incredible sum of £508,035!
The money raised from the auction will support Birmingham Children’s Hospital Charity’s £3.65m Star Appeal. This appeal will enable us to create a first of its kind, a Rare Diseases Centre in the UK specifically for children. It will provide co-ordinated care, treatment, support and most importantly hope to children and families living with a rare or undiagnosed condition.
In addition the auction raised £15,000 for G’owl’d by Temper with proceeds going to Edward’s Trust, and £7,800 for Fleet and Free with proceeds going to Birchfield Harriers.
So thank you - we simply couldn’t have done it without you.
Artists have played a major role in The Big Hoot, creating almost 100 owl sculptures. We would like to thank all the artists for their incredible creativity and hard work.
Professional artists from Birmingham, the wider Midlands region and further afield have created extraordinary giant owls that are all unique in style and character and represent the city’s creativity, history and heritage, music, fashion, architecture and attractions.
Birmingham is home to a wealth of artistic and creative individuals and communities and many award-winning and nationally and internationally acclaimed artists. We are delighted with the response from Birmingham’s creative community and are thrilled to work in collaboration with them to transform the streets, squares and parks of the city.
For five months artists have been creating owls in their studios, at home and in The Big Hoot Artists’ Studio at the Custard Factory in Digbeth. Their inspiring and innovative designs have been realised in genres including graffiti, illustration, fine art, graphics, typography, mosaic and new media. They have worked with both community groups and with corporates to realise ideas and create their stunning designs.
The Big Hoot not only provides a high quality and ambitious free public event for families but also supports the creativity of artists and celebrates talent and diversity. The Big Hoot has provided an inspiring relationship between the city and the arts.
The artists have also reached out to communities enabling more people to participate in the arts, to experience working with professional artists and to be inspiring and inspired. From the north to the south of the city residents groups, youth groups and older peoples’ groups have been collaborating with artists to generate ideas, design and create owls for The Big Hoot.
Creativity is everywhere but the opportunity to participate is not. A range of activities have been programmed within Birmingham’s diverse communities and people from the age of 3 – 97 and from wards within the city boundaries have contributed to The Big Hoot and helped make the event extraordinary. Our projects have seen artists working with hundreds of residents and community members including children in looked after care, older peoples’ clubs, young people and residents organisations to design and decorate the owls displayed as part of the 10 week public event.
19 aprile 2008
INVENTATO DI SANA PIANTA
ovvero gli affari del barone Laborde
di Hermann Broch
regia Luca Ronconi
con Massimo De Francovich, Pia Lanciotti, Massimo Popolizio, Anna Bonaiuto, Giovanni Crippa, Giacinto Palmarini, Pasquale Di Filippo
traduzione di Roberto Rizzo
scene Marco Rossi
luci Gerardo Modica
Piccolo Teatro di Milano - Teatro d’Europa
Olá Meninas!
Segue a lista das pessoas que estão inscritas no chá de bebê da Catarina. Se por acaso você mandou FM e seu nome não está aqui me perdoe... deixe um comment que mando um FM confirmando, ok?
Então, vamos lá:
1 - Amores di Amanda presentinho recebido - lembrancinha enviada!
2 - Ana inventando moda presentinho recebido - lembrancinha enviada!
3 - Arte em detalhes presentinho recebido - lembrancinha enviada!
4 - As bonecas da avo presentinho recebido - lembrancinha enviada!
5 - Ateliê Raquel Franco presentinho recebido - lembrancinha enviada!
6 - Bete moraes presentinho recebido - lembrancinha enviada!
7 - Boneca arteira presentinho recebido - lembrancinha enviada!
8 - Brechó da escorpiana presentinho recebido - lembrancinha enviada!
9 - buggiganga lembrancinha enviada!
10 - Cantinho da Lau Flickr excluido
11 - Catia Gisleine
12 - clelinha presentinho recebido - lembrancinha enviada!
13 - Edi lins presentinho recebido - lembrancinha enviada!
14 - Ivezinha arteira presentinho recebido - lembrancinha enviada!
15 - Juliana Tachetti > lembrancinha enviada!
16 - Keli - mãos a arte presentinho recebido - lembrancinha enviada!
17 - Lilacia presentinho recebido - lembrancinha enviada!
18 - Lu da Malu presentinho recebido - lembrancinha enviada!
19 - Marys bijoux presentinho recebido - lembrancinha enviada!
20 - Michelle Lucas presentinho recebido - lembrancinha enviada!
21 - Nanda mello presentinho recebido - lembrancinha enviada!
22 - Oficina da arte não está mais participando
23 - Paninhos e Afins presentinho recebido - lembrancinha enviada!
24 - Perlinha Soares não está mais participando
25 - Pura arte by karenn presentinho recebido - lembrancinha enviada!
26 - Shatila por déia Mundi presentinho recebido - lembrancinha enviada!
27 - silviartesanato não está mais participando
28 - suzanamelancia presentinho recebido - lembrancinha enviada!
29 - Vanessa Artes > lembrancinha enviada!
30 - Arte das borboletinhas 1 - thaty presentinho recebido - lembrancinha enviada!
31 - Tati & Tom (Tati Tortelly) presentinho recebido - lembrancinha enviada!
32 - Alecsandra Gonçalves (irmã da Vanessa)> lembrancinha enviada!
33 - Rosangela Bastospresentinho recebido - lembrancinha enviada!
34 - Sonia Little Cat (filha da Gi de as bonecas da Avo)> lembrancinha enviada!
35 - Salete2
36 - Arte das borboletinhas 2 - vanessa presentinho recebido - lembrancinha enviada!
37 - *nanda
VEJA CÓDIGOS DE RASTREAMENTO NESSE LINK: www.flickr.com/photos/jubarbiero/2978384206/
Outra coisa é que fui comprar tecidinhos e vasinhos para as lembrancinhas esse fim de semana e meu tecidinho está em falta, então vou fazer com um parecido, que vou postar a foto daqui a pouquinho. Se por acaso essa mudança de tecidinho.
Além disso, muitas meninas estão me perguntando o que me falta ainda.
Bom, gente, falta muita coisa, viu?
Como dei prioridade para comprar as coisas maiores, acabei deixando outras de lado. Então abaixo tem uma lista do que ainda não tenho e esotu precisando, ok? Lembrando que Catarina vai nascer grandona, então dou preferência para tamanho P ou M, e não RN porque ela vai perde muito rápido!
Segue listinha, que você pode ou não seguir. Lembrando que com criança tudo sempre tem utilidade e sem contar que sem que tem muitas mamães experientes aqui que terão ensinamentos incriveis para uma mãe de primeira viagem como eu! hehehe
Body manga comprida
Body manga curta
calça - culote
macacão
manta
meia
pijaminha
toalinha de boca
casaquinho
fralda de pano
sapatinhos
luvinhas
camisetas
toalha de banho com capuz
cueiro
travesseiro
sacola do bebe confirmado por Ana inventando moda
frasqueira
mala maternidade
sling
mosquiteiro
porta bebe
tesoura de cortar unha confirmado por Edi Lins
pinça
termometro digital confirmado por As bonecas da Avo
kit de higiene
caixinha de remédios confirmado por Salete2
bolsa termica
capa para bolsa termica
escova e pente confirmado por Edi Lins
cotonete
fita adesiva
oleo de bebe
lavanda
xampu
sabonete
algodão
lenço umedecido
mamadeira
cabides forrados
escova de mamadeira confirmado por arte em detalhes
fraldas descartáveis
aspirador nasal confirmado por Lú da Malu
massageador escova dental confirmado por Lú da Malú
tesoura infantil confirmado por Lú da Malú
saboneteira confirmado por pura arte by karenn
lógico que tem várias coisas que precisamos mais de um, mas se você quiser que eu marque alguma coisinha para você para as outras meninas saberem o que será, me diga que vou atualizando o post.
beijinhos a todas!
Vi uma luz verde iluminar uma árvore em um bar na Vila Madalena. Achei lindo e quis colocar aqui em casa. Mas ainda não tenho certeza se gosto. Vou aguardar mais uns dias.
Acrilico e marker su tela
70 x 80 cm
Una mattina d'inverno come tutte le altre, un'esistenza come tutte le altre.
La noia fa da molla a questa situazione archetipica, nella quale un uomo si trasforma in un supereroe che deve combattere un folle mostro a due teste (accompagnato dalla sua scialba donna, nonchè bambola gonfiabile) che si è violentente impossessato delle case popolari che ora usa come schienale.
Il nostro eroe allora sguaina la spada, scatena il suo serpente spray per fermare l'attacco degli scarafaggi tossici che scivolano sulla superificie del lago ghiacciato e cercano di infettarlo con le loro siringhe.
In più egli trova anche il tempo per estrarre dal suo corpo biomeccanico, un canestro ed una palla da basket, con la quale realizza un cesto perfetto, solo per dimostrare quanto sia figo.
Insomma, il nostro protagonista si rivela davvero un fenomeno nelle situazioni da lui stesso inventate per mettersi alla prova, chissà invece come se la cava nel mondo reale...
Acrylic and marker on canvas
70 x 80 cm
A winter morning like others, an existence like others.
It's boredom to spark off this archetipic situation, in wich a man become a superhero who must fight against a mad doubleheaded monster (in company with his dull woman, as well sex doll) who violently took tenements wich now He uses as a backplate.
Then our hero unsheathes the sword, let his spray/snake go wild against the toxic bugs that glides on the frozen lake surface who wants to infect him with their syringes.
In addition he finds the time to extract from his biomechanic body a basket and a basketball realizing a perfect strike just to demonstrate he's really cool.
Well, our main character is really amazing when solves situations to challenge himself, who knows, instead how he gat away in his normal real life..
Inventamos el ritmo que nos gustaba bailar, creí en ti incluso cuando tu ya no lo hacías, me sobraron agallas, también orgullo. Puede que muramos los dos por un fallo suyo, que yo duerma hasta que duela, intentado no extrañar, tal vez perdonar, pensando en el tiempo que pase haciendote olvidar... Que no se pierda la costumbre de enamorarse, ama como si nunca te hubiera herido.
Invented in Hungary in 1974, this toy didn't make its international debut until early 1980, when it was shown at the London, Paris, Nuremberg and New York Toy Fairs.
Despite not hitting the toy shelves until just before Christmas, sales rocketed. Children and adults alike had to get their hands on one, but as demand far outstripped supply they became almost as difficult to buy as to solve.
It won the 1980 Toy of the Year Award and continued to dominate the toy market in 1981 picking up the title for the second year running.
For kids in Britain, solving the cube usually involved peeling each sticker off one-by-one - a messy job which often ended in disaster as the coloured squares refused to stick back on. It made it easier to solve in future though, as it was now completely black.
Breaking the cube open with a screwdriver and rearranging the pieces was another favourite option. But if you did it often enough one wrong twist could send pieces scattering into orbit.
(Taken for MacroMondays Theme : 1980s)
The Ultimate Fighting Championship (UFC) was invented by a Vegetarian. His name is Rorion Gracie. It is the origin of octagon cage fighting and modern mixed martial arts as we have come to know it today in the octagon. The vegetarian also created the practice of cage fighting in an Octagon, the octagon was also invented by the vegetarian.
You may have heard of Gracie Jiujitsu. This was invented by Rorion Gracie's father, Helio Gracie, of the Gracie Family, the forefather of Gracie Barra. Helio Gracie, the inventor of Gracie Jiu-Jitsu GJJ was also a vegetarian.
Uncle Carlos is Carlos Gracie, brother of Helio Gracie, a vegetarian and that is who developed BJJ, Brazialian Jiu Jitsu. BJJ is a must-learn technique for every MMA fighter in the UFC today, if not in the world. That is, if they want to win, the meat-eater had better learn what was invented a hundred years ago by a Vegetarian man or they won't last the ring.
Pollo-Vegetarian Royce Gracie also won the very 1st UFC #1! And the vegetarian had to fight those who weighed up to 250+ pounds! Not only did he beat all the other meat-eaters, he beat all the other meat-eaters in 1 night!
And then to prove it wasn't an accident, he did it again! A vegetarian also won UFC #2 and vegetarians have been dominant in the UFC ever since, though you may not know it just like you probably didn't know vegetarians invented it.
Vegetarian Mac Danzig beat all the other meat-eaters to take the belt on THE ULTIMATE FIGHTER. Danzig is not just vegetarian, he is vegan, and he was the largest, most massive muscular man on the entire show.
Vegetarian Nick Diaz also won THE ULTIMATE FIGHTER. So did Nate Diaz, also a vegetarian. The StrikeForce middleweight champion Jake Shields is a vegetarian. Heavyweight Frank Mir ate vegetarian at 280 pounds. Randy Couture beat 6 foot 8 Tim Sylvia and Couture trains on an alkaline plant-based diet. The EliteXC martial arts belt holder is a vegetarian. UFC fighter Aaron Simpson is a vegetarian. Jon Fitch ranked #2 in the world at the current time is vegetarian. Ben Saunders MMA fighter is a Vegetarian. Luke Cuomo who made it to the semi-finals and the finals on The Ultimate Fighter eats vegetarian. WEC champion Urijah Faber trains on a plant-based diet. MMA fighter Kyra Gracie is vegetarian. Ryron Gracie of the Gracie Mixed Martial Arts clan is vegetarian.
Penny Thomas, the world Brazilian Jiujitsu womens champion is vegetarian. Nicolas Gregorades of the Jiujitsu Brotherhood fighting academy is virtually all vegetarian. Shanti belha, 2-time world Brazilian Jiujitsu fighting champion is vegetarian. Ahmed El Ghandouri, Brazilian Kiujitsu Black Belt is a vegan.
Dave Meyer of the American BJJ Academy and a blackbelt in Brazilian Jiu Jitsu under Machado--is vegetarian.
The original ultimate fighters the roman Gladiators were mainly vegetarian. Kung Fu was developed by the Shaolin Monks who were vegetarian. The very Art of Martial Arts itself was invented by Bodhidharma who was from India, and was a vegetarian.
Bellator Fighting Championships Ricardo Moreira is a vegan. Eric the Bengal Castile, in the UFC is a vegetarian. Heavyweight boxer Mike Tyson is now a vegan. StrikeForce fighter and NFL Football player and Heisman Trophy winner Herschel Walker is a vegetarian. The Dream3 Grand Prix Fighting championship belt is owned by a vegetarian.
The TITAN Fighting Championships fight winner Jason High is a vegetarian. Vegetarians are now ranked in the top 2,3,and 5 spots in the best p4p in the world in the UFC welterweight division, meaning that vegetarians hold 66% of the top rankings in the UFC's welterweight division. Antonio McKee who established Rampage Jackson's Gym is a vegan. AKC trains vegetarian UFC fighters. Noah Hannibal "The VEGAN TANK" is a vegetarian powerlifter who beat all his other opponents and took gold in the Australian Powerlifting championships. MMA Fighter Dale Hart is a vegetarian and has an unblemished 5 and 0 record. All wins.
MMA fighter Erik Purcell is a vegetarian. The vegetarian Purcell just beat 6 foot 6 inch Aaron Skates at the Reality Fighting Championships. King of the Cage fighter Tom Kenny is vegetarian.
UFC Heavyweight contender Shane Carwin is now training vegan. Heavyweight 120kilogram Jan Muller is vegetarian. JiuJitsu champion Henry Atkins is vegan. MMA Fighter Georgi Krakhanyan is vegetarian.
Finland fighter Harri Nieminem is vegetarian. So is James WIlks, vegetarian UFC fighter from England in the UK.
And many more. You probably didn't realize that so many UFC fighters and current belt holders and MMA champions were vegetarians, because they are often not preachy about it and don't make it known, but they have recognized the best most-athletic and muscular endurance diet for athletes and UFC fighters is plant-based vegetarian and vegan. Your cardio power shoots through the roof. You can out-last, out-hit, and out-muscle other opponents who don't know what hit them. Plus, nobody wants meat-eaters to find out that a vegetarian diet is better, that's like giving away the secret, so vegan and vegetarian fighters sometimes keep tight lipped and let meat eaters continue to post and convince all the others that meat or steak is what you need before a fight, that way their opponents will gas, get tired out, be weak and not have any strength, and once again lose do to a meat-based diet. Lowcarb is even funnier since you can actually get opponents to go around eating bacon, sausage, and piles of fat and get them loaded down, obese, and likely to fall over, that is if they even make weight. Likewise the Paleo Diet has now been found fake and scientifically wrong, proven wrong by actual Paleontologists. Turns out the original discoverer of Australopithecus, a real paleontologist revealed man's ancient ancestors were vegetarian, including Australopithecus africanus, Paranthropus boisei, Ardipithecus ramidus, all vegetarian ancestors of man that came millions of years BEFORE paleo man. Turns out the Paleo Diet was fabricated by a "gym teacher" who was not even a paleontologist and was never on even 1 archeological dig.
The Paleo Diet was ranked 24th by experts in nutrition, problem is there were just 24 in the list for review, which means The Paleo Diet came in LAST place, the worst diet of all. --Yes, the Paleo Diet was found deficient, pseudo-scientific nonsense made to appear like it was scientific, and the Paleo Diet lost and landed in last place as the worst. This is also a reason why crossfit has become the laughing-stock of the athletic and fitness world, akin to the shake-weight of fitness. Or the mullet. Crossfit fitness centers often have what's called a "puke bucket" lying around. They like to claim this as somehow being proof that their workouts of little light burpees and things is 'so tough' but really it's just because crossfit people start eating the Paleo Diet and it tastes so bad and is so horrible for fitness and athletes that they vomit it back up. All kinds of partially digested meat and so forth, right there in the gym when they work out. Didn't know this? Do a search for "Crossfit Puke Bucket" you'll see it. They even wear T-shirts bragging about puking on it in crossfit, because the paleo diet tastes so bad. Imagine how much worse it tastes on the way back up. Robb Wolf recommending sausages and things. Great for sausage-lovers probably, but not real ironmen or mma fighters or real athletes.
Crossfit is pretty much like ladies' pilates. MovNat is like having someone come over and do your housework, carrying out the trash, and mopping up the bathroom for you. In any case, the foods recommended by the gym teacher who peddled the Paleo Diet were found nutritionally deficient, and Paleo Diet foods have now been linked to colorectal cancer (cancer of the butt). This is why Paleo and Crossfit have become ridiculed as 'so silly not even a caveman did it'. Referring to the fact that the Paleo Diet told to people in the books is NOT even what paleolithic man turned out to eat. For instance, on a real paleo diet, you'd have to eat maggots in your meat, afterall, paleo man scavenged putrifying meat. Also you can't refrigerate your meat, on a paleo diet, then you'll need to keep your meat outside, in the hot sun, because paleo man originated in Africa. So on Paleo you'll need to eat luke warm rotted meat, brimming with botfy maggots in it. Oh, and you can't drink treated disinfected water, cavemen didn't have tapwater out of faucets, sorry. Nor bottled water. So if you're on paleo you'll have to drink out of some watering-hole where animals wash themselves.
Drinking feces ound delicious? If you think so, then Paleo is for you. Just don't expect girls or the ladies to be around you because unlike vegetarians, men on a Paleo Diet it's been shown to cause horrible B.O. stink and odor. Oh, and paleo man didn't have a toothbrush. So ladies, if your boyfriend ot date is paleo, look forward to low stamina, offensive Body Odor smells, cavemen didn't have showers, and getting close to a mouth full of bacteria because paleo man didn't brush their teeth.
Vegetarians do not have this problem. And last longer, were scientifically measured in tests to have More Testosterone than meat eaters, smell better, comb their hair, and have higher stamina, and endurance. And better protectors. Afterall, vegetarians invented Martial Arts, BJJ, and the UFC.
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The hula hoop is an ancient invention - no modern company and no single inventor can claim that they invented the first hula hoop. The Greeks used hooping as a form of exercise.
Older hoops have been made from metal, bamboo, wood, grasses, and even vines. However, modern companies "re-invented" their own versions of the hula hoop using unusual materials, for example; plastic hula hoops with added bits of glitter and noise makers, and hoops that are collapsible.
Around 1300, hooping came to Great Britain, homemade versions of the toy became very popular. In the early 1800s, British sailors first witnessed hula dancing in the Hawaiian Islands. Hula dancing and hooping look somewhat similar and the name "hula hoop" came together.
Richard Knerr and Arthur "Spud" Melin founded the Wham-O company which helped popularize another ancient toy, the frisbee.
Knerr and Melin started the Wham-O company from their Los Angeles garage in 1948. The men were marketing a slingshot originally invented for training pet falcons and hawks {it slung meat at the birds). This slingshot was named "Wham-O" because of the sound it made when it hit the target. Wham-O also became the company's name.
Wham-O has become the most successful manufacturer of hula hoops in modern times. They trademarked the name Hula Hoop ® and start manufacturing the toy out of the new plastic Marlex in 1958.
Twenty million Wham-O hula hoops sold for $1.98 in the first six months.
Trivia
•Japan once banned the hula hoop because the rotating hip action seems indecent.
•On June 4, 2005, Australian Kareena Oates set a Guinness world record for hula hooping - with 100 hoops for three full revolutions.
•101 hoops were spun by Alesya Goulevich of Belarus on June 11, 2006
•105 hoops were spun by Jin Linlin of China on October 28, 2007.
•The world record for the largest Hula Hoop (by circumference) spun was set by American Ashrita Furman at 51.5 feet on June 1, 2007.
Skateboarding was first started in the 1950s, when all across California surfers got the idea of trying to surf the streets. No one really knows who made the first board -- instead, it seems that several people came up with similar ideas at the same time. Several people have claimed to have invented the skateboard first, but nothing can be proved, and skateboarding remains a strange spontaneous creation.
These first skateboarders started with wooden boxes or boards with roller skate wheels slapped on the bottom. Like you might imagine, a lot of people got hurt in skateboarding's early years! It was a sport just being born and discovered, so anything went. The boxes turned into planks, and eventually companies were producing decks of pressed layers of wood -- similar to the skateboard decks of today. During this time, skateboarding was seen as something to do for fun after surfing.
In 1963, skateboarding was at a peak of popularity, and companies like Jack's, Hobie and Makaha started holding skateboarding competitions. At this time, skateboarding was mostly either downhill slalom or freestyle. Torger Johnson, Woody Woodward and Danny Berer were some well known skateboarders at this time, but what they did looked almost completely different from what skateboarding looks like today! Their style of skateboarding, called "freestyle", is more like dancing ballet or ice skating with a skateboard.
Then, in 1965, skateboarding's popularity suddenly crashed. Most people assumed that skateboarding was a fad that had died out, like the hoola hoop. Skateboard companies folded, and people who wanted to skate had to make their own skateboards again from scratch.
But people still skated, even though parts were hard to find and boards were home made. Skaters were using clay wheels for their boards, which was extremely dangerous and hard to control. But then in 1972, Frank Nasworthy invented urethane skateboard wheels, which are similar to what most skaters use today. His company was called Cadillac Wheels, and the invention sparked new interest in skateboarding among surfers and other young people.
In the spring of 1975, skateboarding took an evolutionary boost toward the sport that we see today. In Del Mar, California a slalom and freestyle contest was held at the Ocean Festival. That day, the Zephyr team showed the world what skateboarding could be. They rode their boards like no one had in the public eye, low and smooth, and skateboarding was taken from being a hobby to something serious and exciting (Read more about the history of Dogtown and the Zephyr team). The Zephyr team had many members, but the most famous are Tony Alva, Jay Adams and Stacy Peralta.
But that was only the first big jump in the evolution of skateboarding - continue to the next page for the rest of the history...
The Zephyr team, and all the skaters who wanted to be like them, also made skateboarding even more edgy in the public eye, and added a strong anti-establishment sentiment that still remains in skateboarding today.
In 1978, only a few years into the popularity of this new style of low-to-the-ground skateboarding, a skater named Alan Gelfand (nicknamed "Ollie") invented a maneuver that gave skateboarding another revolutionary jump. He would slam his back foot down on the tail of his board and jump, thereby popping himself and the board into the air. The ollie was born, a trick that completely revolutionized skateboarding -- most tricks today are based in performing an ollie. The trick still bears his name, and Alan Gelfand was inducted into the skateboard hall of fame in 2002.
Unfortunately, near the end of the 70's skateboarding faced its second crash in popularity. Public skate parks had been being built, but with skateboarding being such a dangerous activity, insurance rates got out of control. This, combined with less and less people coming to use skateparks forced most to close.
But skaters kept skating. Through the 80's skateboarders started to built their own ramps at home, and to skate whatever else they could find. Skateboarding began to be more of an underground movement, with skaters continuing to ride, but to make the whole world into their skatepark.
During the 80's, smaller skateboard companies owned by skateboarders started cropping up. This enabled each company to be creative and do whatever they wanted - new styles and shapes of boards were tried.
It was also during the 80's that the VCR came on the scene, and opened up the world of skateboarding to any kid, anywhere. Stacey Peralta and George Powell pulled together a team of young talented skaters and named them the Bones Brigade. Stacey had a talent for filming, and in 1984 shot the first of a long series of revolutionary skateboard videos - The Bones Brigade Video Show. The team included Steve Caballero, Tony Hawk, Mike McGill, Lance Mountain, Rodney Mullen, Stacy Peralta, and Kevin Staab, among piles of other huge named skaters. Peralta made more Bones Brigade videos - Future Primitive in 1985, and the famous Search for Animal Chin in 1987. There are many, many more. Skateboarding began influencing clothing styles, music and culture.
Unfortunately, near the end of the 80's, skateboarding started to dive in popularity again. Vert skateboarding quickly lost popularity, and most skaters only rode street. Each time skateboarding has fallen in popularity, it has fallen a little less. But these dips in popularity have huge impacts on pro skaters. Pure vert skaters like Tony Hawk had a very difficult time holding on through the late 80's and early 90's. The stress on Tony Hawk was incredible, and he even lost his first wife during this time.
Vert skateboarding took a dive in fame in the early 90s, but skateboarding still remained, though it became primarily street. It was then that Mike Vallely and Natas Kaupas came on the scene and pushed street skateboarding even further.
Skateboarding started to grow again in popularity in the 90's, this time with a more raw, edgy, and dangerous attitude. This coincides with the rise of more angry punk music, and the general discontent with the current system that raged throughout this time frame. Call it discontent, or call it Post Modern frustration, but the image of the poor, angry skater punk came to the surface loud and proud. Interestingly, this only helped to fuel skateboarding's popularity.
In 1995, ESPN held their first Extreme Games, in Rhode Island. This first X Games was a huge success, and helped pull skateboarding closer to the mainstream, and closer to being accepted by the general population (read more in the History of the X Games). In 1997 the first Winter X Games were held, and "Extreme Sports" were classified. Plenty of skaters resent the way skateboarding has slowly moved from underground to mainstream. However, the X Games did bring vert skateboarding back into popularity. The X Games and competitions like that have continued to keep vert skateboarding popular, even though vert few skaters actually ride real vert ramps. Vert skateboarding has slowly become a much loved spectator sport.
Since 2000, attention in the media and products like skateboarding video games, children's skateboards and commercialization have all pulled skateboarding more and more into the mainstream. The benefit of this is that, of course, skaters are more accepted, and the assumption that all skaters are criminals is slowly being torn down. Also, with more money being put into skateboarding, there are more skateparks, better skateboards, and more skateboarding companies to keep innovating and inventing new things.
However, there is a large group of skaters who miss the underground days, and who strongly disagree with the way skateboarding has been made more mainstream. One benefit of skateboarding is that it is a very individual activity. There is no right or wrong way to skate. However, if skateboarding is officially classified as a "sport", many skaters fear that this freedom will die out. There is currently a great deal of concern about skateboarding becoming an Olympic sport (read Skateboarding in the Olympics? for more).
But, with all this history crammed into such a short period of time, it's easy to see that no one knows where skateboarding will truly go from here. Skateboarding still hasn`t stopped evolving, and skaters are coming up with new tricks all the time. Boards are also continuing to evolve, as companies try to make them lighter and stronger, or try to improve on their performance. Skateboarding has always been about personal discovery and pushing oneself to the limit, but where will skateboarding go from here? Wherever skaters continue to take it.
CARL BARKS
Carl Barks (March 27, 1901 – August 25, 2000) was an American Disney Studio illustrator and comic book creator, who invented Duckburg and many of its inhabitants, such as Scrooge McDuck (1947), Gladstone Gander (1948), the Beagle Boys (1951), The Junior Woodchucks (1951), Gyro Gearloose (1952), Cornelius Coot (1952), Flintheart Glomgold (1956), John D. Rockerduck (1961) and Magica De Spell (1961). The quality of his scripts and drawings earned him the nicknames The Duck Man and The Good Duck Artist. Writer-artist Will Eisner called him "the Hans Christian Andersen of comic books."
In 1987, Barks was one of the three inaugural inductees of the Will Eisner Comic Book Hall of Fame.
Professional artist
At the same time Barks had started thinking about turning a hobby that he always enjoyed into a profession: that of drawing. Since his early childhood he spent his free time by drawing on any material he could find. He had attempted to improve his style by copying the drawings of his favorite comic strip artists from the newspapers where he could find them. As he later said, he wanted to create his own facial expressions, figures and comical situations in his drawings but wanted to study the master comic artists' use of the pen and their use of color and shading.
Among his early favorites were Winsor McCay (mostly known for Little Nemo) and Frederick Burr Opper (mostly known for Happy Hooligan) but he would later study any style that managed to draw his attention.
At 16 he was mostly self-taught but at this point he decided to take some lessons through correspondence. He only followed the first four lessons and then had to stop because his working left him with little free time. But as he later said, the lessons proved very useful in improving his style.
By December 1918, he left his father's home to attempt to find a job in San Francisco, California. He worked for a while in a small publishing house while attempting to sell his drawings to newspapers and other printed material with little success.
Disney
In November 1935, when he learned that Walt Disney was seeking more artists for his Studio, Barks decided to apply. He was approved for a try-out which entailed a move to Los Angeles, California. He was one of two in his class of trainees who was hired. His starting salary was 20 dollars a week. He started at Disney Studios in 1935, more than a year after the debut of Donald Duck on June 9, 1934 in the short animated film The Wise Little Hen.
Barks initially worked as an inbetweener. This involved being teamed and supervised by one of the head animators who did the key poses of character action (often known as extremes) for which the inbetweeners did the drawings between the extremes to create the illusion of movement. While an inbetweener, Barks submitted gag ideas for cartoon story lines being developed and showed such a knack for creating comical situations that by 1937 he was transferred to the story department. His first story sale was the climax of Modern Inventions, for a sequence where a robot barber chair gives Donald Duck a haircut on his butt.
In 1937 when Donald Duck became the star of his own series of cartoons instead of co-starring with Mickey Mouse and Goofy as previously, a new unit of storymen and animators was created devoted solely to this series. Though he originally just contributed gag ideas to some duck cartoons by 1937 Barks was (principally with partner Jack Hannah) originating story ideas that were storyboarded and (if approved by Walt) put into production. He collaborated on such cartoons as Donald's Nephews (1938), Donald's Cousin Gus (1939), Mr. Duck Steps Out (1940),Timber (1941), The Vanishing Private (1942) and The Plastics Inventor (1944).
Unhappy at the emerging wartime working conditions at Disney plus bothered by ongoing sinus problems caused by the studio's air conditioning, Barks quit in 1942. Shortly before quitting, he moonlighted as a comic book artist, contributing half the artwork for a one-shot comic book (the other half of the art being done by story partner Jack Hannah) titled Donald Duck Finds Pirate Gold. This 64-page story was adapted by Donald Duck comic strip writer Bob Karp from an unproduced feature, and published in October 1942 in [Dell] Four Color Comics #9. It was the first Donald Duck story originally produced for an American comic book and also the first involving Donald and his nephews in a treasure hunting expedition, in this case for the treasure of Henry Morgan. Barks would later use the treasure hunting theme in many of his stories. This actually was not his first work in comics, as earlier the same year Barks along with Hannah and fellow storyman Nick George scripted Pluto Saves the Ship, which was among the first original Disney comic book stories published in the United States.
After quitting the Studio, Barks relocated to the Hemet/San Jacinto area in the semi-desert inland empire region east of Los Angeles where he hoped to start a chicken farm.
When asked which of his stories was a favorite in several interviews Barks cited the ten-pager in Walt Disney's Comics and Stories 146 (Nov. 1952) in which Donald tells the story of the chain of unfortunate events that took place when he owned a chicken farm in a town which subsequently was re-named Omelet. Likely one reason it was a favorite is that it was inspired by Barks' own experiences in the poultry business.
But to earn a living in the meantime he inquired whether Western Publishing, which had published Pirate Gold, had any need for artists for Donald Duck comic book stories. He was immediately assigned to illustrate the script for a ten-page Donald Duck story for the monthly Walt Disney's Comics and Stories. At the publisher's invitation he revised the storyline and the improvements impressed the editor sufficiently to invite Barks try his hand at contributing both the script and the artwork of his follow-up story. This set the pattern for Barks' career in that (with rare exceptions) he provided art (pencil, inking, solid blacks and lettering) and scripting for his stories.
The Victory Garden, that initial ten-page story published in April, 1943 was the first of about 500 stories featuring the Disney ducks Barks would produce for Western Publishing over the next three decades, well into his purported retirement. These can be mostly divided into two categories:
Ten-pagers, comedic Donald Duck stories that were the lead for the monthly flagship title Walt Disney's Comics and Stories, whose circulation peaked in the mid-1950s at 3 million copies sold a month.
Humorous adventure stories, usually 24-32 pages in length. In the 1940s these were one-shots in the Four Color series (issued 4-6 times a year) that starred Donald and his nephews. From the early 1950s Barks undertook the quarterly adventures of Uncle Scrooge and the duck clan in Scrooge's own title.
He surrounded Donald Duck and nephews Huey, Dewey and Louie with a cast of eccentric and colorful characters, such as the aforementioned Scrooge McDuck, the wealthiest duck in the world; Gladstone Gander, Donald's obscenely lucky cousin; inventor Gyro Gearloose; the persistent Beagle Boys; the sorceress Magica De Spell; Scrooge's rivals Flintheart Glomgold and John D. Rockerduck; Daisy's nieces April, May and June; Donald's neighbor Jones, and The Junior Woodchucks organization.
People who work for Disney generally do so in relative anonymity; the stories only carry Walt Disney's name and (sometimes) a short identification number. Prior to 1960, the creator of these stories remained a mystery to his readers. However, many readers recognized Barks' work and drawing style, and began to call him the Good Duck Artist, a label which stuck even after his true identity was discovered by John and Bill Spicer in 1959. After Barks received a 1960 visit from Bill and John Spicer and Ron Leonard, he was no longer anonymous, as his name soon became known to his readers.
Barks stories (whether humorous adventures or domestic comedies) often exhibited a wry, dark irony born of hard experience. The 10 pagers showcased Donald as everyman, struggling against the cruel bumps and bruises of everyday life with the nephews often acting as a Greek chorus commenting on the unfolding disasters Donald wrought upon himself. Yet while seemingly defeatist in tone, the humanity of the characters shines through in their persistence despite the obstacles. These stories found popularity not only among young children but adults as well. Despite the fact that Barks had done little traveling his adventure stories often had the duck clan globe trotting to the most remote or spectacular of places. This allowed Barks to indulge his penchant for elaborate backgrounds that hinted at his thwarted ambitions of doing realistic stories in the vein of Hal Foster's Prince Valiant.
Carl Barks retired in 1966 but was persuaded by editor Chase Craig to script stories for Western. The last new comic book story drawn by Carl Barks was a Daisy Duck tale ("The Dainty Daredevil") published in Walt Disney Comics Digest issue 5 (Nov. 1968). When bibliographer Michael Barrier asked Barks about why he drew it, Barks' vague recollection was no one was available and he was asked to do it as a favor by editor Chase Craig.
He wrote one Uncle Scrooge story, three Donald Duck stories and from 1970-1974 was the main writer for the Junior Woodchucks comic book (issues 6 through 25). The latter included environmental themes that Barks first explored in 1957 ["Land of the Pygmy Indians", Uncle Scrooge 18]. Barks also sold a few sketches to Western that were redrawn as covers. For a time the Barkses lived in Goleta, California before returning to the Inland Empire by moving to Temecula.
To make a little extra money beyond what his pension and scripting earnings brought in, Barks started doing oil paintings to sell at the local art shows he and Garé exhibited at. Subjects included humorous depictions of life on the farm and portraits of Native American princesses. These skillfully rendering paintings encouraged fan Glenn Bray to ask Barks if he could commission a painting of the ducks ("A Tall Ship and a Star to Steer Her By", taken from the cover of Walt Disney's Comics and Stories 108 by Barks). This prompted Barks to contact George Sherman at Disney's Publications Department to request permission to produce and sell oil paintings of scenes from his stories. In July 1971 Barks was granted a royalty-free license by Disney. When word spread that Barks was taking commissions from those interested in purchasing an oil of the ducks, much to his astonishment the response quickly outstripped what he reasonably could produce in the next few years.
When Barks expressed dismay at coping with the backlog of orders he faced, fan/dealers Bruce Hamilton and Russ Cochran suggested Barks instead auction his paintings at conventions and via Cochran's catalog Graphic Gallery. By September 1974 Barks had discontinued taking commissions.
At Boston's NewCon convention, in October 1975, the first Carl Barks oil painting auctioned at a comic book convention ("She Was Spangled and Flashy") sold for $2,500. Subsequent offerings saw an escalation in the prices realized. The buyer of this painting, Jerry Osborne, quickly became one of Barks' close friends. Barks even painted Osborne into the scene of his 1976 "July Fourth in Duckburg." Jerry Osborne delivered the eulogy at Barks' funeral at Grants Pass, Oregon.[citation needed]
In 1976, Barks and Garé went to Boston for the NewCon show, their first comic convention appearance. Among the other attendees was famed Little Lulu comic book scripter John Stanley; despite both having worked for Western Publishing this was the first time they met. The highlight of the convention was the auctioning of what was to that time the largest duck oil painting Barks had done, "July Fourth in Duckburg", which included depictions of several prominent Barks fans and collectors. It sold for a then record high amount: $6,400.
Soon thereafter a fan sold unauthorized prints of some of the Scrooge McDuck paintings, leading Disney to withdraw permission for further paintings. To meet demand for new work Barks embarked on a series of paintings of non-Disney ducks and fantasy subjects such as Beowulf and Xerxes. These were eventually collected in the limited-edition book Animal Quackers.
As the result of heroic efforts by Star Wars producer Gary Kurtz and screenwriter Edward Summer, Disney relented and in 1981, allowed Barks to do a now seminal oil painting called "Wanderers of Wonderlands" for a breakthrough limited edition book entitled Uncle Scrooge McDuck: His Life and Times. The book collected 11 classic Barks stories of Uncle Scrooge colored by artist Peter Ledger along with a new Scrooge story by Barks done storybook style with watercolor illustrations, "Go Slowly, Sands of Time". After being turned down by every major publisher in New York City, Kurtz and Summer published the book through Celestial Arts, which Kurtz acquired partly for this purpose. The book went on to become the model for virtually every important collection of comic book stories. It was the first book of its kind ever reviewed in Time Magazine and subsequently in Newsweek, and the first book review in Time Magazine with large color illustrations.
In 1977 and 1982, Barks attended the San Diego Comic Con. As with his appearance in Boston, the response to his presence was overwhelming, with long lines of fans waiting to meet Barks and get his autograph.
In 1981, Bruce Hamilton and Russ Cochran, two long-time Disney comics fans, decided to combine forces to bring greater recognition to the works of Carl Barks. Their first efforts went into establishing Another Rainbow Publishing, the banner under which they produced and issued the award-winning book, "The Fine Art of Walt Disney´s Donald Duck by Carl Barks", a comprehensive collection of the Disney duck paintings of this artist and storyteller. Not long after, the company began producing fine art lithographs of many of these paintings, in strictly limited editions, all signed by Barks, who eventually produced many original works for the series.
In 1983 Another Rainbow took up the daunting task of collecting the entire Disney comic book ouvré of Barks—over 500 stories in all—in the ten-set, thirty-volume Carl Barks Library. These oversized hardbound volumes reproduced Barks´ pages in pristine black and white line art, as close as possible to the way he would originally drawn them, and included mountains of special features, articles, reminiscences, interviews, storyboards, critiques, and more than a few surprises. This monumental project was finally completed in mid-1990.
In 1985 a new division was founded, Gladstone Publishing, which took up the then-dormant Disney comic book license. Gladstone introduced a whole new generation of Disney comic book readers to the wondrous storytelling of such luminaries as Barks, Paul Murry, and Floyd Gottfredson, as well as presenting the first works of modern Disney comics masters Don Rosa and William Van Horn. Seven years after Gladstone's founding, the Carl Barks Library was revived as full-color, high-quality squarebound comic albums (including the first-ever Carl Barks trading cards) - the Carl Barks Library in Color.
Barks relocated one last time to Grants Pass, Oregon near where he grew up, partly at the urging of friend and Broom Hilda artist Russell Myers, who lived in the area. The move also was motivated, Barks stated in another famous quip, by Temecula being too close to Disneyland and thus facilitating a growing torrent of drop-in visits by vacationing fans. In this period Barks made only one public appearance, at a comic book shop near Grants Pass.
From 1993 to 1998, Barks' career was managed by the "Carl Barks Studio" (Bill Grandey and Kathy Morby—They had sold Barks original art since 1979). This involved numerous art projects and activities, including a tour of 11 European countries in 1994, Iceland being the first foreign country he ever visited. Barks appeared at the first of many Disneyana conventions in 1993. Silk screen prints of paintings along with high-end art objects (such as original water colors, bronze figurines and ceramic tiles) were produced based on designs by Barks.
During the summer of 1994 and until his death, Carl Barks & his studio personally assigned Peter Reichelt, a museum exhibition producer from Mannheim, Germany, as his agent for Europe. Publisher "Edition 313" put out numerous lithographs. In 1997, tensions between Barks and the Studio eventually resulted in a lawsuit that was settled with an agreement that included the disbanding of the Studio. Barks never traveled to make another Disney appearance. He was represented by Rev. Ed Bergen, as he completed a final project. Gerry Tank and Jim Mitchell were to assist Barks in his final years.
During his Carl Barks Studio years, Barks created two more stories: the script for the final Uncle Scrooge story "Horsing Around with History", which was first published in Denmark in 1994 with Bill Van Horn art. The Barks outlines for Barks final Donald Duck story "Somewhere in Nowhere", were first published in 1997, in Italy, with art by Pat Block.
Austrian artist Gottfried Helnwein curated and organized the first solo museum-exhibition of Carl Barks. Between 1994 and 1998 the retrospective was shown in ten European museums and seen by more than 400,000 visitors.
At the same time in spring 1994, Reichelt and Ina Brockmann designed a special museum exhibition tour about Barks' life and work. Also represented for the first time at this exhibition were Disney artists Al Taliaferro and Floyd Gottfredson. Since 1995, more than 500,000 visitors have attended the shows in Europe, Reichelt also translated the Michael Barrier Barks biography into German and published it in 1994.
Steven Spielberg and George Lucas have acknowledged that the rolling-boulder booby trap in the opening scene of Raiders of the Lost Ark was inspired by the 1954 Carl Barks Uncle Scrooge adventure "The Seven Cities of Cibola" (Uncle Scrooge 7). Lucas and Spielberg have also said that some of Barks's stories about space travel and the depiction of aliens had an influence on them. Lucas wrote the foreword to the 1982 Uncle Scrooge McDuck: His Life and Times. In it he calls Barks’s stories "cinematic" and "a priceless part of our literary heritage".
Carl Barks has spent most of his life drawing, illustrating, painting and telling stories about ducks. He was editor and artist for the Calgary Eyeopener until he joined the Disney Studio in 1935. Barks wrote and drew thirty six early Donald Duck cartoons. Walt Disney was supervisor to his "duck unit". In 1942 he dedicated himself to the art form that made him famous: writing comics books and drawing them. Carl became the preeminent Disney comic book artist and remains so to this day. In 1996 his timeless work has been reprinted worldwide. He is known as the father of Donald Duck as well as the creator of the miserly Uncle Scrooge. Duckburg and most of the duck clan owe their existence to his pen and paintbrush. In 1968 Carl began a new career capturing the duck family in oil paintings. Many Disney Bark's products have been created from his work including silk-screens, lithographs, bronze and porcelain figurines. At 93 Barks went on an eleven country museum tour with his oil paintings. From Iceland to Poland forty of his paintings were received to rave reviews and huge crowds. In Denmark the 3rd grade was let out to meet Barks at the boat. When asked what he would most like to be remembered for he answers "storytelling."
The spectacular Great Bedchamber wasn’t for sleeping in but for the King to be dressed in public. In the Great Bedchamber the king might receive senior courtiers and ministers while dressing, a French royal custom, known as the levée. The King was attended by Gentlemen of the Bedchamber in this room, which is appropriately one of the most sumptuous in the Palace.
The Great Bedchamber was William III’s inner sanctum; access was strictly controlled by the Groom of the Stool. Those privileged to attend while the king was dressed were kept at a suitable distance behind a gilded rail.
Footstool
A set of beech and giltwood footstools with over upholstered seats. S-scroll shape legs at front and straight turned legs are the rear, all with feet of square fluted section joined by a serpentine X-frame stretcher.
•Provenance: Made c.1695-1705 and acquired by William III c. 1700.
•People Involved:
oCreator(s): English (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Beechwood and gilded wood, fabric
beech; velvet; burlap
carved; gilded; upholstered; woven (gold)
oMeasurements: 47.0 x 63.5 x 49.5 cm (whole object)
Barometer
A free standing, portable barometer made c.1695-1705 contained in an ivory tapering tube with a screw-type portable cistern on a stand supported by four gilt bronze male terms. The dial at the top in three stages with inscriptions in English and French and in engraved gilt brass frames. Traces of the Royal Monogram “ЯWR” on each side.
•Provenance: Acquired by William III c. 1700. Daniel Quare made several clocks, watches and barometers for William III. He was a clockmaker and instrument maker who invented a repeating watch movement in 1680 and a portable barometer in 1695. He was a Quaker, born in Somerset c.1647, who became a Brother in the Clockmakers’ Company in London in 1671 and Master of the Company in 1708. Quare was offered but declined the Royal Warrant as a practicing Quaker he was unable to sign an oath of allegiance. Notwithstanding he was “free of the back stairs” at royal residences.
•People Involved:
oCreator(s): Daniel Quare (1649?-1724) (manufacturer); English (nationality)
oAcquirer(s): William III, King of Great Britain (1650-1702)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Ivory, gilt metal, glass
ivory; animal materials; bronze; brass; glass (material)
turned; gilded; cast; engraved (incised)
oMeasurements: 95.0 × 11.0 cm (whole object)
Candlestand
Each with circular top with gadrooned edge, on a central tripartite shaft carved with scrolls, foliate and husks, the whole of the central shaft on three scrolled legs. The Pelletier family of carvers and gilders were of French origin and by 1682, Jean Pelletier had arrived in London. His workshop also comprised his two sons, Thomas and Rene. It was in all likelihood due to the patronage of the francophile Master of the Great Wardrobe, Ralph, Duke of Montagu, that the Pelletier family came to enjoy royal patronage. The candlestands, or torcheres, form part of the commission to furnish the King’s Apartments at Hampton Court Palace that Montagu obtained for Jean Pelletier. Between 1699 and 1702, furniture costing nearly £600 was delivered. A warrant dated October 25, 1701 included a quantity of tables and stands for “ye Drawing Room, Privy Chamber, Eating Room, Gallery, &c., at Hampton Court”, comprising “six pair of large stands at £30 p. pair”, ten of which survive [RCIN 1002.1-8 & RCIN 1015.1-2]. Within this set, one pair is of very slightly lesser quality in their carved detail [RCIN 1015]. A further four candlestands of more elaborate design were also supplied [RCIN 57029].
•Provenance: Supplied to William III, October 25, 1701; for the State Apartments, Hampton Court Palace.
•People Involved:
oCreator(s): Jean Pelletier (active c.1681-d. 1705) (furniture maker); English (nationality)
oAcquirer(s): William III, King of Great Britain (1650-1702)
•Physical Properties
oMedium and Techniques: Carved and gilded oak and lime wood
oak; limewood
carved; gilded
oMeasurements: 154.0 × 57.5 × 50.5 cm (whole object)
Fireback
Square fireback with arched crest. Central scene depicts a nude with a putto embracing a warrior in armor (Venus & Adonis?) with a dog. Surrounded by a thick border of fruit, flowers and shells, topped by a crown flanked by two dolphins.
•People Involved:
oCreator(s): English (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques:
iron
cast
oMeasurements: 118.0 × 84.0 cm (whole object)
Pair of Firedogs
Pair of baluster-shaped, silver plated firedogs.
•People Involved:
oCreator(s): English (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques:
metal
cast; silver plated
oMeasurements: 46.5 × 32.5 cm (whole object)
Fire Screen
A cheval firescreen on a gilded wood swivel stand with a carcase of oak. The upright rectangular frame has a panel of crimson velvet and silver galon borders. Pierced carved cresting with, in the center on either side, male and female masks flanked by foliate scrolling. The baluster shaped supports are surmounted by pineapple motifs and carved with floral and foliate motifs. The border at the base of the screen is also pierced and incorporates H-motifs and eagle heads. All mounted on square blocks decorated with pateræ and square section reeded s-scroll tripod feet.
•Provenance: R. Macquoid & R. Edwards in The Dictionary of English Furniture, London, 1927, vol. III, pp. 67 & 71 suggest that the fire screen is “strongly imbued with French influence”. Edwards & Jourdain suggest that the screen was made by John (Jean) Pelletier, a Huguenot French immigrant craftsman (Georgian Cabinet-Makers, London, 1944, p. 16 & fig. 4). Made c.1695-1705 and supplied to William III, c.1700, for Hampton Court Palace.
•People Involved:
oCreator(s): English (nationality)
Attributed to: Jean Pelletier (active c.1681-d. 1705) (furniture maker)
oAcquirer(s): William III, King of Great Britain (1650-1702)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Carved and pierced giltwood, with velvet and woven silver (galon)
oak; velvet; metal
carved; pierced; gilded; woven (silver)
oMeasurements: 141.0 × 110.0 × 34.5 cm (whole object)
Mirror
An overmantle mirror made c.1695-1705 to fit arched gap above the chimney piece in the King’s Great Bedchamber at Hampton Court Palace. Palladian or Venetian style in three sections with a central arched section, flanked by upright rectangular sections, surrounded and divided by blue glass bands applied with white glass rosettes and attached to the wall with glass screws.
•Provenance: Supplied to William III for the Great Bedchamber, Hampton Court Palace, c.1700 by Garrett Johnson, glassmaker (most likely to be Gerrit Jensen). He submitted his invoice of c.1700, which included the following: “For a glass 48in. long 31in. broad Diamd Cutt round Ye Topps for Ye Grt Bed Chamb 40 : 00 : 00” Gerrit Jensen (active 1680-d.1715) was of Dutch or Flemish origin. He was known to be working in London from premises in St. Martin’s Lane by 1680 where he was known as a pre-eminent “Cabbinet maker and Glasse seller”. He was the only cabinetmaker working in England during this period known to have used metal inlays and elaborate “seaweed” or “arabesque” marquetry. His furniture reflects the fashionable French court styles of Pierre Golle, André Charles Boulle and Daniel Marot.
•People Involved:
oCreator(s): Gerrit Jensen (active 1680-d.1715) (manufacturer); English (nationality)
oCommissioner(s): William III, King of Great Britain (1650-1702)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Cut and colored glass
reflective glass
cut
oMeasurements: 131.0 × 191.0 cm (whole object)
Guanyin, Goddess of Mercy
A Chinese white porcelain (blanc de Chine) figure of Guanyin, Goddess of Mercy made from 1660 to 1690. Hollow, with head and hands inserted. With downcast eyes and a benign expression, the deity stands on a hollow mound base with clouds. She has elongated ear lobes (as befits a Bodhisattva), and her hair is dressed in plaits and coiled on top, with a diadem bearing an image of Amitabha Buddha (celestial Buddha, often called the Buddha of infinite light) seated on a lotus. A mantle covering the head falls to the shoulders, and her long robes hang in folds across the chest below a chain necklace with a ruyi-head ornament; from the long sleeves project arms adorned with wrist bands, with hands clasped. Below is an under-robe falling to her projecting feet. The robes were later picked out in red, green and black pigments, now largely worn off, and the base and mantle in a greenish pigment with vestiges of gilding.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Dehua, Fujian Province [China] (porcelain manufacturer); Chinese (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: White porcelain with remains of painting in colors and gilt added in Europe
porcelain
molded; painted
oMeasurements: 47.5 × 13.5 × 12.2 cm (whole object)
Guanyin, Goddess of Mercy
A Chinese white porcelain (blanc de Chine) figure of Guanyin, Goddess of Mercy made from 1660 to 1690. With downcast eyes and a benign expression, the deity stands on a hollow mound base with clouds. She has elongated ear lobes (as befits a Bodhisattva), and her hair is dressed in plaits and coiled on top, with a diadem in front now partly broken. A mantle covers the head and the long robes are open at the chest, revealing a necklace with a lotus ornament; the arms projecting from the long sleeves are adorned with wrist bands above the clasped hands. A long pendent jewel chain appears over an under-robe from which the feet protrude below. The figure was colored in Europe with red, green, black and gold pigments which are now largely worn away.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Dehua, Fujian Province [China] (porcelain manufacturer); Chinese (Nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: White porcelain with remains of painting in colors and gilt added in Europe
porcelain
molded; painted
oMeasurements: 44.5 × 11.8 × 10.4 cm (whole object)
Four Vases
Four blue-and-white Ming porcelain vases made c.1635-45. Each of hexagonal baluster shape, the broad-shouldered body spreading towards the foot, short hexagonal neck, and recessed, unglazed, circular base. Painted in uneven violet blue round the body is a scene depicting four standard-bearers, an attendant with a fan, and an official, to whom a bearded figure offers a tray holding a vase containing three arrows (for the ancient Chinese game of pitchpot, touhu), among banana trees, with V-shaped grasses underfoot, views of distant mountain peaks and a city wall, and a scene-ending cliff swathed in mist. Round the shoulder is a frieze of “cloud-collar” panels with lotus plants in white reserve, and round the neck, a dentate border; above the foot, a band of stiff leaves.
Many jars of this type, with covers, were found in the “Hatcher” wreck of c.1643 in the South China Sea.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Jingdezhen [Jiangxi Province, China] (place of production); Chinese (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in underglaze blue
porcelain
painted
oMeasurements:
Height: 31.2 cm, 31.0 cm, 31.2 cm, 30.2 cm (whole object)
Pair of “Rolwagen” Vases
A pair of cylindrical porcelain vases made from 1645 to 1665 painted in underglaze blue and famille verte enamels. Each with open mouth constricted at the base of a short neck, with unglazed base; the neck of RCIN 1048.2 somewhat taller. Painted on one side is a bold, rampant dragon with two-horned blue head and green mane, red scaly body, yellow spine and claws outlined in black, with green whiskers and feet, among red, green and blue flames extending to the reverse, with a red sacred jewel. Round the neck are two flower sprays and a jewel.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Jingdezhen [Jiangxi Province, China] (place of production); Chinese (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and techniques: Porcelain painted in underglaze blue and famille verte enamels
porcelain; enamel
painted; blue underglazed
oMeasurements:
Height: 28.8 cm, 28.5 cm (whole object)
Pair of Bottles
A pair of porcelain bottles made from 1670 to1690, each with pear-shaped body and tall tapering neck; low foot. Painted in vivid green, bright blue, yellow, red and black enamels, with a design differing somewhat on the two pieces. Round the body in sketchy style is a water landscape with a red boat, rocky shores and a willow tree, a promontory with temple buildings and distant mountains, the water indicated by broad strokes of green outlined in black. Round the neck are red rings enclosing a band with a pendent jewel chain on either side, and a frieze of pointed leaves below; similar rings mark out an empty band above the foot.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Arita, Hizen province [Japan] (place of production)
oStyle of: Japanese; Kakiemon (style); Japan [Asia] (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in “Kakiemon-style” enamel colors
porcelain
painted
oMeasurements:
Height: 24.4 cm, 23.4 cm (whole object)
Vase
A Chinese porcelain vase made from 1650 to 1680 painted in underglaze blue. Of slender, baluster shape, with spreading foot, narrow, waisted neck and spreading lip, below which the mouth is slightly cupped; the recessed base glazed. Painted round the body are leafy scrolls, with blooms of peony and hibiscus; round the foot is a border of ill-defined dabs of blue; round the shoulder is a border of chevron pattern; and round the neck, two rows of leaf patterns.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Jingdezhen [Jiangxi Province, China] (place of production); Chinese (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in underglaze blue
porcelain
painted
oMeasurements: 22.2 × 8.5 cm (whole object)
Vase
A porcelain vase made from 1650 to 1680 painted in underglaze blue. Of slender, baluster shape, with spreading foot, narrow, waisted neck and spreading lip; the recessed base glazed. Painted round the body are leafy scrolls, with blooms of peony, hibiscus and convolvulus; round the foot is a border of ill-defined dabs of blue; round the shoulder is a border of chevron pattern; and round the neck, two rows of leaf patterns.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Jingdezhen [Jiangxi Province, China] (place of production); Chinese (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in underglaze blue
porcelain
painted
oMeasurements: 20.2 × 8.5 cm (whole object)
Pair of Flasks
Two Chinese porcelain flasks made from 1630 to 1650, with mounts from the 17th century, painted in underglaze blue with silver mounts. Each with flattened, pear-shaped body, tall, tapering, squared neck and rectangular, unglazed base with a mold line. The back is flat and the front face rounded, an unusual form apparently copied from “Spa water” glass bottles made for Spa, a town near Liège, in Belgium. On each flask, the upper part of the neck is encased in a square silver mount, perhaps of Dutch workmanship, chased with leafy pendants and one with a screw-threaded top with small silver cap, possibly a replacement. Painted on the front is a landscape with a European church, its steeple topped by a cross, with buildings and trees and a large cross standing in the foreground, a mountain peak visible beyond. On the reverse are two different flowering plants; on both faces of the necks, long leafy sprays; and along each side a band of rosettes. RCIN 1058.1 has lost its silver threaded screw-cap.
These flasks are among the earliest Chinese porcelains on which the Christian church and cross are represented. Certain square bottles after the form of contemporary ships’ flasks are painted with a similar large cross and with the instruments of the Passion.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Jingdezhen [Jiangxi Province, China] (place of production); Chinese (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in underglaze blue; silver mounts
porcelain; paint; silver
painted; blue underglazed
oMeasurements:
Height: (overall) 20.5 cm, 20.5 cm (whole object)
Pair of Vases with Covers
A pair of hexagonal porcelain jars with covers made from 1670 to 90. Each with six gently curved sides tapering to the foot, rounded shoulder and straight hexagonal neck, the flat base unglazed; the low, domed cover with projecting rim, unglazed infitting flange, and flat knob finial.
Painted in rich blue, green, red and brown enamels (without black or gold). On alternate sides appear a long-tailed, long-necked, brown-bodied bird perched on a flowering stem, and one of two other designs of tall flowering plants. Round the shoulder is a band of scrollwork in green on a red ground, interrupted at the corners, alternately, by quatrefoil panels displaying a bird with outstretched blue wings and fan-shaped green tail, and by blue blooms with red centers. Round the neck is a border of key-fret in red; the cover repeating the shoulder design.
The vases are identical in design but not a “matched pair”, unlike RCIN 1094 where one vase repeats the design of the other in reverse.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Arita, Hizen province [Japan] (place of production); Japan [Asia] (nationality)
oStyle of: Japanese; Kakiemon (style)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in “Kakiemon-style” enamel
porcelain
painted
oMeasurements:
Height: (overall) 31.5 cm, 31.5 cm, (jar only) 26.9 cm, 26.9 cm (whole object)
31.5 × 19.0 cm (whole object)
27.0 × 19.0 cm (excluding case, cover, etc):
Pair of Bottles
A pair of Ming white and blue porcelain bottles made from 1625 to 40. Each with globular body tapering into a tall neck, spreading towards the mouth; low foot and glazed base. Painted in violet blue round the body are floral sprays in a broad band divided by a formal central border, which is interrupted by four roundels containing rustic scenes: a peasant in a paddy field, a fisherman with a lobster pot, a farmer with a sheaf on his shoulder, and a scholar reclining with a book, enclosed within petal borders. Round the neck are four “tulip” motifs with blooms resembling pinks.
See also RCIN 1152.
The place of the bottles’ manufacture, at Jingdezhen, is indicated by a large sherd from a similar bottle also painted with “tulip” motifs, the same border below and similar roundels (disposed, however, in two bands round the body), which was excavated at Jingdezhen from the Shibaqiao kiln-site.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Jingdezhen [Jiangxi Province, China] (place of production); Chinese (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in underglaze blue
porcelain
painted
oMeasurements:
Height: 36.8 cm, 38.3 cm (whole object)
Beaker Vase
A porcelain beaker vase of Chinese gu form made from 1670 to 1690, the waisted cylinder spreading to a trumpet mouth, with inset foot and glazed base. Painted in blue are a border of knobbed scrollwork round the lower body, punctuated by rosettes and with a frieze of pointed petals below, partly in red enamel; also blue double rings round the foot and at the lip with a smaller petal frieze. Painted round the body, in red, yellow, green and greyish purple with black outlines, are flowering chrysanthemums with some gilt blooms growing among grasses, and on the reverse a flowering fruit tree.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Arita, Hizen province [Japan] (maker); Japan [Asia] (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in underglaze blue, enamels and gilt
porcelain
painted
oMeasurements: 42.2 × 21.1 cm (whole object)
Pair of Vases
A pair of Chinese porcelain beaker vases made from 1645 to 1665. Each cylindrical, of gu form, spreading towards the mouth and foot, with unglazed base. Painted round the sides of RCIN 1216.1 is a scene, with a woman in a green robe on a balustraded terrace addressed by a bearded figure with a staff who has a disc-like object suspended from his left hand, with a bounding dog and growing plants, and a budding tree in blue growing by a rock. Above are two lines from a poem:
“Since days of old matters of matrimony have been set by fate,
How can marriage be brought about by the biddings of the mind?”
The lines are found in the short story “Qian xiucai cuo zhan fenghuang chou” (“Scholar Qian Wrongly Takes the Phoenix Companion”, also known as “The Perfect Lady by Mistake”), taken from Xingshi hengyan (“Constant Words to Awaken the World”), a book of stories by Feng Menglong (1574–1646). This collection was first published in the seventh year of the Tianqi reign of the Ming dynasty (equivalent to 1627 in the Western calendar). In the story, a lazy and unsuitable bridegroom, Yan Jun, tries to trick a beautiful bride, Qiufang, into marrying him by sending his handsome and intelligent (but impoverished) cousin, “Scholar Qian”, in his place. The deception backfires, and Qiufang marries Scholar Qian instead, while the ugly Yan Jun is exposed for what he really is, a schemer and a cheat, and publicly disgraced. The image on the vase of the young beauty and the ugly man alludes to this story through the inscription.
RCIN 1216.2 is painted with two long-tailed birds perched on a drooping branch of a tree with red and blue flowers, by a stream with three swimming fish in red, under a large yellow moon. Above are two lines from a poem:
“The watchman calls the fifth watch; it is not quite dawn,
Moonlight shines on the myrtle blossom growing by the palace steps.”
The lines are the final two lines from the four-line poem “Zhi Yutang zuo” (“Composed While Serving at the Hall of Jade”) by Hong Zikui (1176-1236) of the Southern Song dynasty. The Jade Hall in the title of this poem was an alternative name for the Hanlin Academy, the highest seat of learning at the Chinese court. The poet Hong Zikui served as a high-ranking official in the Ministry of Justice, as well as being a member of the Hanlin Academy. In the poem, officials within the Academy are drafting memorials to the emperor. The two lines that appear on the vase vividly describe the scene before dawn, the opening of the palace gates and the submission of the edicts.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Jingdezhen [Jiangxi Province, China] (place of production); Chinese (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in underglaze blue and famille verte enamels
porcelain
painted
oMeasurements:
Height: 20.5 cm, 21.7 cm (whole object)
Pair of Vases
A pair of slender Chinese porcelain baluster vases made in the 17th century with mounts from the late 17th century, each with short neck and everted lip, spreading foot and unglazed base burnt orange; the porcelain roughly finished and the glaze uneven. RCIN 1214.1 is fitted at the lip with a European gilt-bronze band with a pierced scrollwork border, and rim intended to receive a cover (now lacking), with foliate clasps under the neck; and at the foot, a matching scrollwork band with foliate clasps around the foot (some missing). There is no evidence of similar additions to RCIN 1214.2.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Jingdezhen [Jiangxi Province, China] (place of production); Chinese (nationality); Europe (metalworker)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain with deep purplish-blue glaze and gilt-bronze mounts
oporcelain; brass; gilt bronze
oMeasurements:
Height: (overall) 12.0 cm, 11.8 cm (whole object)
Pair of Bottles
Two small octagonal porcelain bottles made from 1680 to 1700. Each with pear-shaped body tapering into a tall slender neck; low hexagonal foot and glazed base. Elegantly painted in green, red and blue enamel with black outlines and gilding. Displayed across three faces is a chrysanthemum plant with a butterfly, and on the reverse side another flowering plant; at the neck are three pendent flower sprays with gilt borders, with a red ring below the lip.
Text adapted from Chinese and Japanese Works of Art in the Collection of Her Majesty The Queen: Volume I.
•People Involved:
oCreator(s): Arita, Hizen province [Japan] (place of production); Japan [Asia] (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Porcelain painted in Imari-style enamels and gilt
porcelain
painted
oMeasurements:
Height: 23.2 cm, 22.6 cm (whole object)
Elbow Chair
A beech and giltwood upholstered chair. Caned seat, loose cushion, loose crimson velvet covers trimmed with gold galloon. Legs plain at back, inverted S-shape at front with feet of square fluted section, serpentine X-frame stretcher and supports for upholstered arms.
•Provenance: Made c.1695-1705; and acquired by William III c. 1700.
•People Involved:
oCreator(s): English (nationality)
•Physical Properties:
oMedium and Techniques: Beechwood and gilded wood, fabric
beech; cane (plant material); grass; velvet; burlap
turned; carved; gilded; woven (gold); upholstered
oMeasurements: 120.0 × 68.0 × 84.0 cm (whole object)
twitter.com/Memoire2cite CULTURE URBAINE @ Banlieue Funky @ Ma playlist içi www.youtube.com/user/sidkeums/playlists… Est ce que ces clichés réducteurs concernant les liens entre la funk et la vie dans les quartiers sont vrais ou non? La funk est elle liée à une population vivant dans les ghettos ou pas? On me dit que la funk est une music de banlieusard, qu'elle a grandi dans les cités et comme elle est ancienne puis dépassée par le rap, elle n'a plus aucune valeur médiatique en France et reste, hélas, underground. Bien sur tout est lié , le Funk n' a pas vraiment marché en France , donc comme il est rester underground il s' adresse aux minorités , aux pauvres aux banlieues . Mais bon , le Funk pour moi c' est aussi un mode de vie , dans laquelle je me reconnais et dans laquelle je me sens bien , c' est un peu ce que j' ai mis dans mes mixs , le Style , la Basse , la facon de chanter , voilà , voilà . débat intéressant , j'ai lu l'article , même les 2 (pas le 3ème) , bien écrit vivant , et qui tombe pas dans les clichés , normal il à l'air d'avoir été par un mec qui à vraiment vécu le truc , et qui aime aussi la musique , c'est tout de suite mieux .Musique de Banlieue , surement , underground aujourdh'ui , encore plus qu'avant . Mais musique de banlieu au sens large , j'ai toujours vécu en banlieu (un peu à Paris même) , et c'est parcque la musique était un échapatoire et qu'elle circulais bien que j'écoute cette musique encore aujourdh'ui , le FUNK était 'le truc' qui te filais la pêche , les nouveautés , les Son US ça faisait rêvé aussi , et puis on se disait forcément qu'on avais un 'truc' à nous , que d'autre n'avais pas , cette musique était à nous et on pouvais pas nous la piquer , ni même nous 'interdire' le plaisir qu'elle nous apportait ..... sa t'amenais à la danse , au plaisir de téclater , d'inventer des pas , et plus la musique était bonne , plus t'avais envie d'inventer des nouveau pas et de te déchirer sur le dance floor (enfin le bittum à l'époque Laughing ) .Barry White , James Brown , c'est vrai que s'était les refs 'sacré' chez un certain public , peu être les 'anciens' , ceux qui avais 10ans de plus que nous en 80 , c'est à dire des 50/60 ans aujourdh'ui .Mais en 80 le FUNK à explosé , et ce qui était exceptionnel s'était ce coté nouveau , ça n'arrêtais pas de sortir , et toujours du SON plus fort , plus nouveau , différent , et pourtant on est passé à coté de tonnes de trucs , mais s'était déjà l'éclate ..... mais donc ça continue , enfin pour moi et pas mal d'autre je pense .... ce qui manque , c'est un peu plus de reconnaissance médiathique , par exemple pour que nouveau artiste puisse marcher et nous sorti quelques bombes encore aujourdh'ui , y'en a mais trop peu , et quel galère commercialement pour y arriver ...
Cette musique à été quand même une musique de minortié ,et l'ai encore , rien à voir avec l'Impact du Rock , de la POP ou même de la chanson Française .....
Musique de Banlieu pour moi ça n'a rien de négatif , toute manière la banlieu elle est partout maintenant , bien plus Grande et Vivante que la Capital ou que les grandes villes qui s'endorme question 'fiesta' ..... Je suis obligé de vous rejoindre, ayant connu ce phénomène.
En effet ayant passé ma jeunesse dans le 9.3 (le côté obscur de la force). A cette époque déjà c'était un brassage de nationalités et c'est ce qui rendait la banlieue si riche culturellement.Le Funk n'avait que peu le droit de citer (jeux de mots Rolling Eyes )dans les médias, en effet le début des radios libres de la bande FM en 81 a fait progresser la diffusion bien proprette en France.En effet des radios comme radio 7 ou Voltage FM ont fait exploser la funk en terme d'audience en région parisienne.
Tous les ghettos blaster et les autoradios diffusaient du shalamar, du EWF , du Kool & the Gand et consors. Je me souviens que celui qui ramenait un disque du rayon import de la Fnac ou d'un disquaire parisien le faisait écouter à tout le monde, en effet les fenêtres s'ouvraient et diffusaient largement le son sur lequel tout le monde dansait et s'extasiait.Mais aussi les autoradios des voitures des grands frères autour desquelles on s'aglutinait comme des mouches, je me souviens avoir écouté en boucle un dimanche après midi le LP de fat larry's band sur le parking devant le batiment.
Les radios nationales diffusaient plutot du disco, Cerrone Hernandez Ottawan... Ce qui faisait que la banlieue a été encore une fois le précurseur du mouvement en France, certes du au fait que cela venait des states. Et rebelote en 84 avec l'arrivée du Rap et du smurf.
La banlieue est très réactive, en effet elle sent et des fois aussi crée les tendances.
Mais elle fait peur aussi, et on lui colle maintenant une connotation péjorative, et du coup on lui laisse des trucs bien à elle comme une marque de reconnaissance à laquelle les biens pensants ne veulent pas être assimilés.
ça a été le cas avec les fringues, exemple le groupe NTM qui s'est approprié les vestes HELLY HANSEN, ensuite les personnes qui achetaient habituellement ces vêtements (les voileux) se sont éloignés de cette dernière pour ne pas être assimilé...La Funk a subi la même chose... Mais peut être que les bobos qui ont le pouvoir vont y trouver un certain engouement et la remettre sur le devant de la scène mais cela sera un dur combat... je suis également de votre avis,ce n'est pas du tout péjoratif de dire qu'il y a plus de gent issus de cités comme moi qui écoute de la funk et du rap que des gars habitants dans le 16 eme Wink
je suis née dans une cité et tout comme vous j'ai trempé dans cette ambiance Mr.Red
et je ne regrette pas du tout.c'est vrai qu'a l'époque les refs etaient plutot barry white,marvin gaye,kool and the gang,earth wind & fire ect...c'etait plus dur à l'époque de trouver des nouveautées,alors quand ça pouvait se faire ,c'etait la teuf et c la ou on usaient nos stan smith sur le bitume n'est ce pas christian Laughing et ca glissait mal dailleur lol Laughing
par contre j'ai des cousins qui on vecus lomgtemps dans des cités et qui écoute du hard rock,on ne prend pas forcément la même voie,et dailleur quand on parle de music affraid What a Face affraid What a Face ça fait des étincelles surtout quand ils me disent que ma music et morte What a Face c'est a ce moment la que j'aimerais bien que vous soyez là avec moi Confusedla music black est en moi et rien ni personne ne pourras m'en faire changer Wink les radios libres y on été pour beaucoup , parcque quand tu avais une radio dans ton salon , s'était toujours les mêmes trucs qui passait , et puis vers 81 , en tournant le bouton (quand t'avais le droit Laughing ) , si tu cherchais bien et que tu avais de la chance , tu tombais sur un truc 'inconnu' , jamais entendu , du FUNK !!!! dwarf Punaise et là ton cerveau faisait un tour , t'es sens aussi !! (pour peu que tu est été receptif , c'est pas le cas de tout le monde ...) , et là tu restait scotché sur le bouton , à le tourner en modissant les parasites créé par les grosses Radio autour !!!ça rajoutait à la puissance du truc , s'était furtif , un morceau de temps en temps par hasard , avec les parasites et l'impression que ça venais d'une autre pays , genre les US , voir d'une autre planète !!!quand j'ai entendu du BRASS Construction par exemple , ou du SOS BAND , vers 83 , ça à été un CHOC Terrible ! surtout qu'il donnais pas toujours les titres , après tu gardais ta K7 bien précieuse , on se les faisait écouter entre pote , déjà avec Nico, pour voir ce que chacun avais choppé , et ça s'était toute les semaines : 'alors ta enregistré quoi ? wouaaaaa la Tuerie !!!! et celle là !!!! wouaaaa Laughing 'en tout cas c'est sympa de voir que beaucoup on des histoires similaires , du vécu qu'on a eu chacun dans sa banlieu (moi s'était 94) , dans son quartier , dans sa cité , moi j'habitait pas une cité , mais le lycée de banlieu jouais bien le mélange , on était entre pote et de même délire , et qu'on soit de cité ou pas , on s'en foutait à l'époque , on kiffais la musique , était dans le même bain , même Bus , même centre commerciaux , direction Creteil Soleil ou Rosny2 Laughing pour trainer la savate , faire des conneries , et kiffer le SON .... En effet Christian, je me rappelle encore avoir passé des heures la nuit le week end et même parfois la semaine à écouter des émissions funk sur la bande FM et à enregistrer des K7 à tire l'arigot. Moi aussi dans ma cité (dans le 95) je rejoignais 1 ou 2 potes pour comparer ce que l'on avait enregistré, c'était terrible !je me rappelle aussi que je notais les noms des interprètes, des titres, des années, sur un petit carnet et ça m'a beaucoup aidé quand j'ai commencé à investir dans les vinyls sur Paris.
Et puis ensuite, étant le seul à acheter des vinyls dans la cité, les mecs débarquaient chez moi et me disaient "vas-y serge mets moi ça mets moi ci" et puis je leur faisais découvrir des tueries et là les gars ils étaient raides morts tellement ça tapait
Et puis quand tu avais un pote qui avait également une belle collection, c'était sympa d'aller chez l'un ou chez l'autre et du style "écoute celui-là tu ne l'as pas il est terrible"
Ah que de bons souvenirs !!
Après je ne sais pas si on peut dire que le Funk est un musique de banlieue mais je pense que ce n'est pas le plus important Bah comme d'habitude, je m'inscris en faux, absolument pas d'accord avec tout amalgame banlieue-black-Beur etc ...Je l'ai déjà dit à maintes reprises, j'avais 18 ans en 1980 et je n'ai pas vécu l'époque dorée du Funk par procuration !J'ai écumé les boites de nuit de la région parisienne et de France, avec mes potes black, beur, portuguais mais aussi plein de français bien blanc ...
Je n'y ai entendu que du Funk de 80 à 83, il faut arrêter de raconter des conneries ... Tous mes potes étaient à l'affût, je me rappelle encore de l'émotion à la découverte de One way/ al hudson - You can do it, Whispers - And the beat goes on - Prince - I wanna be your lover pour ne citer que des connus. Du matin à l'aube, c'était uniquement du funk et je ne parle pas que des boites branchées de la banlieue, mais ausi de très grosses boites comme le midnight express à La Défense, ou le studio sur les champs, le sands aux sables et des tas de megaboites sur la cote d'azur ou même à Rimini en Italie ...
Une grande majorité de jeunes de tous horizons écoutaient du funk, ne vous faites pas abuser ... C'était la musique à la mode, j'entends pour les jeunes qui sortaient !
Les Born to be alive, Cerrone, Sylvester ou autres Bee geeseries c'était avant, en majorité, de 76 à 79. A partir de 79-80, le son a changé en boite pour le plaisir de mes oreilles !!!
C'est vrai qu'il y a eu un manque de médiatisation au niveau du grand public, dommage qu'il n'y avait pas Internet .... Mais ce que les jeunes écoutaient quand ils sortaient, ils le cherchaient sur les radios, merci à Radio 7, Voltage FM de nous avoir fait fabriquer d'incroyables cassettes !!!
Bref j'en ai marre d'entendre dire que le Funk était une musique mineure, c'est archi faux, tellement les jeunes de ma génération en ont été imprégnés, on n'entendait que ça partout ou on sortait !C'est également faux que les banlieusards ne pouvaient pas rentrer dans les boites huppées ... J'ai trainé au palace juste pour citer LA boite ...
de 79 à 83, les gens se sappaient classe, veste rétro, chemise ou T-Shirt, pantalon à pinces en toile, collège aux pieds ou encore combinaison de couleur avec ceinture en toile de l'armée de couleur assortie qui retombait sur le coté, matez les pochettes de vos skeuds nom de dieu ! C'était avant 83 et le survet et les basket ringardes ... Bref habillé comme ça tu rentrais partout, ce n'était pas écrit sur ton visage que tu venais de la banlieue et du moment que t'avais de la monnaie ... s what you got, comme disent les Reddings ... et oui le funk était associé à la classe, le style, j'espère qu'il y en a qui l'ont vécu comme moi ..Vous allez dire que je focalise sur les boites de nuit ... mais le Funk c'est cà, c'est une musique de dance, de discothèque, une musique festive !!!
Rien à battre si ça ne passait pas sur France Inter ou à la téloche, le funk ça se mérite, il faut aller à sa rencontre !
Imaginez l'avènement du Funk s'il avait lieu aujourd'hui, avec Internet et la reconnaissance universelle de la musique black et de ses artistes ?En attendant, malgré ce manque de vecteur de promotion à l'époque, je note que dans de nombreux films récents, il y a du Funk 80 bien présent dans la bande sonore, donc pas si méconnue que ça ...
Rien à voir avec le Ghetto, c'est juste une musique ancienne, comme moi je ne m'emballe pas sur de la musique des années 60 ... et je pense que contrairement au Jazz, intemporel, c'est le sort de toute musique de dance de tomber un peu dans l'oubli ...Ca n'enlève rien aux qualités de cette musique fantastique qui contribue encore aujourd'hui à me faire aimer la vie et l'amitié !!! une petite nuance,un avis,un éclairage différent sur le sujet et ce que vous en avez dis : ne prenez pas ce que je vais dire pour quelque chose de péjoratif mais j'ai l'impression que vous avez une vision vachement parisiano-parisienne des choses en ce qui concerne le funk et la banlieue,idem pour l'idée de dire que les forces vives,l'avenir,l'energie créatrice viennent ou viendront des banlieues.Nul doute qu'il s'y passe beaucoup de choses et pas seulement des faits divers liés à la violence et autres mais la (les) banlieues ne sont qu'une infime partie ,un petit bout du (d'un) pays.L'essentiel du territoire ne vit pas sur le modèle des banlieues et tout ne vient pas de ces dernières sur le plan culturel,musical,mode etc.Il doit y avoir quelques centaines de grandes banlieues ( quartiers) en france, c'est à dire l'équivalent d'un paté de maison à l'échelle d'une ville.C'est comme les états unis qui se prennent pour le monde,ils faut qu'ils s'aperçoivent qu'ils ne sont qu'un petit point sur la mape-monde.Les "quartiers" ou" l'esprit" des quartiers n'ont pas générés que des supers trucs au niveau zique etc...Des groupes comme NTM ont insuflés des modes,des comportements qui sont pas forcement positifs.Cette tendance par exemple par mimétisme,identification, des jeunes à se la jouer badboys,à se la raconter, découle de l'image que ces rapeurs ont véhiculés.Comme si avoir un survet et une capuche sur la tronche te donnait le pouvoir et la certitude d'être un dur et de susciter la crainte.Cet été j'étais dans un bal (animé par un pote qui fait de la discomobile) et à un moment donné t'as des mecs qui sont arrivés avec survet,capuche sur la tronche, sourcils froncés et tout l'toutim (la panoplie du parfait badboy),et au bout d'un moment ils ont tombés toute la marchandise parce que trop chaud et dessous y'avait des mecs imberbes style 14 ans,qui avait encore du lait au coin des lèvres et qui se la racontaient.Franchement limite risible. Pour moi ils sont déguisés,comme on se déguisait en zorro quand on était môme.Les rapeurs comme NTM ont contribués à façonner,à influençer les jeunes de cette façon,avec cette façon de parler qui est plus de l'éructation qu'autres chose.Pour moi ce rap,c'est à dire celui du "rentre dedans",que beaucoup de mômes singent,c'est le nouvel opium du peuple,en plus branché.Et je ne confond pas avec les autres style de rap ( celui des 80's etc...).Tout ceci pour dire que je suis souvent sur les routes pour mon job et d'autres raison et que la majorité du pays ne vit pas sur le modèle et le tempo des banlieues,c'est qu'un microcosme.Et donc pour en revenir logiquement au funk, dans les grandes villes il a été une musique partagé par tous,par monsieur tout le monde (incluant bien sur les banlieues),diffusé largement sur les radios libres et donc connus de tous.Aux usa par contre c'est evident que c'etait une musique des quartiers populaires à la base,comme l'a été le rap,le smurf etc,mais il s'est démocratisé par la suite.Ici tous les mecs que je connais qui ont été ou qui sont fous de funk sont des gens de tous univers et de tous milieux.C'etait une musique de club,festive, impossible d'y échapper dans les sorties.Par contre c'est vrai que les mecs de quartiers ont une affection particulière pour cette sique.Ceux à qui je fais des cds le plus souvent sont des mecs qui ont connus cette période,qui ont fréquentés les club à l'époque et qui en sont nostalgique.Ca leur rapelle des souvenirs.Mais le raccourci funk-banlieue est peut être valable sur Paris mais sur le reste du territoire surement pas. il y a pas de Vrai ou de Faux , on ajuste tous des vécus différents et c'est intéressant d'avoir des avis différent justement pour voir que tout ne c'est pas passé pareil partout et pour tout le monde .Je me souviendrais toujours d'un mec sur un autre Forum qui disait que les années 80s s'était les pires moment de ça vie , et que le Funk de cette période il le détestait pour ça , s'était d'ailleur pas du FUNK pour lui , se garde se genre de discour en mémoire , même si je n'y adhère pas du tout et que c'est à l'opposé complétement de mon vécu , pour les 80s c'est la liberté , la rue (rien de négatif la dedant , je dis rue dans le sens Liberté et découverte , de ma rue , de mon quartier , de ma banlieu et ensuite de Paris , via les transports , s'était donc la fête de pouvoir allez partout sans retenue et sans crainte à l'époque ) , les années 80s pour moi c'est la fête , les 'booms' , le Funk et le Rap , la danse d'une manière générale puis à partir de 84 le Smurf et le Break , bref je vivait que par ça , le post dans le sac de sport pour allez au lycée .....Donc je pense qu'il faut lire et accepter que chacun à un vécu différent .La banlieue à été très réceptive à cette musique , car c'est une musique 'positive' et qui fais du bien à l'écoute , mais ce n'est pas une musique de Banlieu (fabriqué en banlieu) , c'est la même au US , c'est de la musique faites par des artistes dans des Studio , avec de sproductions , donc de l'Argent derrirèe , on est loin des trucs Rap fais dans un coin de la banlieu aujourdh'ui (d'ailleur moi je suis moin négatif sur le RAP , il joue un rôle , même si j'aimerais que musicalement il soit meilleur , et que le message soit plus positif , mais c'est juste que les mecs on perdu un truc en route , le coté DJ pour la recherche musical , et le coté écriture pour les messages , d'ailleurs quand ta rien à dire faut pas faire du RAP !!)Donc voilà , le FUNK n'est pas non plus une musique de boite de nuit (sujet aussi lancé par Petabass) , bien qu'il à marché quand il était à la mode début 80s , moi les boites ça reste aussi un 'microcosme' de peu de personne , j'y est Jamais mis les pieds pour ma part (enfin en 80s) , par contre j'ai été au Bataclan et en divers soirée et Boom , et ça envoyais du lourd , ça dansait comme j'ai rarement vue , et s'était l'éclate , et pour faire contre poid , j'était en survet/basket comme je l'ai toujours été , mais j'avais pas la bave au lèvre et je cherchais personne , sauf à la danse à la limite , mais ça restait bonne esprit , dans la lignée de 'beat stree' , j'avais ce modèle en tête , claqué à la danse , mais c'est tout ça s'arrête là .... (en fait on était plus démo , et le kiffe d'avoir les gens qui te regarde et t'aplaudisse ça suffisait , on avais un truc , pas besoin de jouer au balèze ....ce que je comprend qu'on soit obligé de faire quand on a rien )
Pour moi le coté boite de nuit , c'st justement le coté 'sappe' , 'thune' et ensuite 'drag' , voir même 'picole' , dans les 80s rien de tout ça ne m'intéressait , à part peu être la 'drag' , mais je le faisait plus par la tchatche et la danse , mais on m'a jamais laissé l'occasion de danser en boite C'est à dire que le funk dans les 80's t'y échappais pas,c'était la musique dominante dans les club,comme le disco avant lui (il a remplacé le disco par le principe de la sélection naturelle,comme dans la nature) mais pas seulement puisqu'il était omniprésent sur les radios.Qui ne connait pas Mel Brooks "it's good to be the king ?" même ceux qui n'aiment pas.Ensuite que ca soit pas dans nos gouts c'est une chose,mais tout le monde a été traversé par cette vague,aucune échapatoire possible,donc aucune catégories ou lieux n'a pu ignorer cette zique."funky town" de Lipps Inc est une melodie qui est connu de toute la planète,même si certains ne savent pas de qui il s'agit.Mais le funk (en france et europe en tout cas) a été connu par apport aux boites et radios,l'un marchait avec l'autre d'ailleurs.T'avais les djs qui faisaient des emissions funk la semaine et ils balancaient leur titres le w-end en club,une espèce d'autopromo.Le funk a donc été connu via les boites,comme musique de danse,sans les boites point de carton d'imagination,d'oliver cheatham etc.Ensuite on s'est apercu que c'etait plus large et qu'il existaient d'autres formes,plus elaborées,mais le funk reste attaché et identifié aux boites comme le musette est identifié aux bals musettes et autres guinguettes.Après l'ambiance des 80's c'est pas que du 100% tout bon,les mentalités à la con existaient déjà (elles se perpétuent de generations en generations),les connards et frimeurs avaient déjà pignon sur rues et les trucs qui daillaient étaient légion.Moi ce que j'ai pas aimé au niveau musical dans les 80's,bien que jeune,c'était la new wave et tout les hits branchouillards à la mode style Désireless,Etienne Daho,Axel Bauer et compagnie,ca ca m'a gonflé un max,une èspèce de musique pour petits bourges,tout ce que j'aime pas.C'est mon avis. je vois qu'un petit débat plutôt délicat vient de ce lancer sur la planète Funkysize bounce
Alors moi je ne vais pas écrire des lignes et des lignes mais j'aimerais juste dire que le Funk au même titre que la Soul et que le hip-hop aujourd'hui, reste tout simplement de par son origine une musique des minorités.
Et qui dit minorités, dit forcément banlieue, ghetto, black, blanc , beur....Si vous y regardez de plus près, les chanteurs de Jazz, de R'n'B(le vrais), de Soul, de Funk...Ce n'était que très rarement des petits blanc des quartiers chic, mais 90% de noirs afro-américain des ghetto pauvre des USA.
Donc, forcément il y à une certaine identification culturelle et j'irais même dire physique pour certains ce sont reconnu en Europe et particulièrment en France.
Après bien entendu , il ne faut pas forcément être Noir pour écouter du Funk, ou venir de quartiers populaires, mais cette étiquette restera à jamais graver dans cette musique, qui est, ne l'oublions pas, de la "BLACK music"! Dans les années 82/83/84/85/86, La FUNK était écoutée par de nombreuses personnes (Quartier ou Non). c'était la musique de l'époque.
En boite dans les années 82/83/84/85/86, la FUNK était naturellement la musique qui tournée, pas de partout mais beaucoup de FUNK quand même.
A partir de 87 environ, la FUNK comme nous l'entendons, passer de moins en moins en boite et seul les passionnés continuer à écouter cette musique (Quartier ou Non).
En 87, un patron de Boite m'a dit qu'il ne passait plus de FUNK car la FUNK était une musique de soi disant "racaille de quartiers" et attirer ces gens là. J'étais évidemment pas d'accord du tout avec lui. J'ai plein d'amis qui n'ont pas grandi dans un quartier et qui depuis toujours écoute de la FUNK.
Je dirai que la FUNK étant de la Black Music, les personnes de Quartier s'identifient plus à celle ci, idem pour le REGGAE.
Ce qui est vrai, c'est que dans les quartiers, la "DANCE MUSIC" au sens large (Pré - 1990) était/est beaucoup plus écouté que le ROCK ou le HARD. la FUNK, c'est la musique de la fête, de la danse, ect.Si on prend les Etats Unis (Patrie de la FUNK), la FUNK était au départ écoutée uniquement par les Blacks et c'est longtemps aprés que les blancs se sont mis à écouter cette musique et à danser dessus.Alors Non, la FUNK n'est pas une musique de banlieusards même si c'est vrai qu'elle est enormement écouter la bas.
A mon avis, il faut remonter aux racines de cette musique (USA), pour comprendre pourquoi les gens des quartiers aiment cette musique.Je pense qu'on est parti sur un amalgame : en effet on a jamais dit que le funk est une musique de banlieusards (Merci au passage de nous rappeler que pour faire des disques il faut de la thune et des studios... ) faite par des banlieusards ou alors de la banlieue de brooklyn, NYC...On a dit que la funk est et a toujours été une musique de prédilection dans les banlieues (parisiennes ou autres d'ailleurs c'est kiff à Lyon, Marseille, Nantes et consors.) Au passage Paris et sa région n'est pas une goutte d'eau mais représente quand même 1/6e de la population nationale.
Loin de moi l'idée de faire de Paris et la RP le centre du monde, pas de nombrilisme dans mes propros. Mais que les producteurs blancs y est trouvé une manne financière je suis d'accord. Mais pour ce faire il faut aussi la diffuser et la vendre et oui les discothèques y ont contribué, mais il faut bien reconnaitre qu'on y entendait souvent les même titres : Oliver Cheatham, Fat larry's bans, Whispers et Indeep. Si les radios libres n'avaient pas pris le relais on aurait stigmatisé la funk à ces quelques titres, heureusement il n'en ai rien et tous autant que nous sommes nous en découvrons tous les jours.
Si on a parlé de la banlieue c'est qu'on y a passé notre enfance et notre jeunesse, c'est un retour d'expérience en live....je tenais à eclaircir ce point.(c'est fait) Smile
Sur ce je vous souhaite à tous un joyeux réveillon en famille ou entre amis ou je pense que notre zik à toute sa place. sunny Je viens d'une famille aisée mais avec un amour inconditionnel pour la Musique avec un grand M, comme j'ai pu l'écrire auparavant, j'ai grandi dans un univers musical entouré de musiciens et de musiciennes.
Très vite, la musique afro-américaine a suscité mon attention et m'a amené à m'initier aux instruments comme le trombone et la guitare basse avant de m'amuser avec une boite à rythme pour créer quelques beats electro.
J'ai également beaucoup lu et regardé pas mal de documents sur ce sujet.Ce courant musical qu'est la funk a varié au cours des décennies depuis sa création jusqu'à sa fusion avec d'autres styles et non sa disparition comme je peux le lire à droite à gauche.Initialement, c'était une musique créée de toute pièce par les minorités noires qui revendiquaient, par leur musicalité, qu'ils étaient noirs et fiers de l'être pour être respectés par les blancs mais aussi pour proclamer leur égalité des droits vis-à-vis des gouvernements d'époque.
La funk servait d'échappatoire à leurs galères des quartiers car ils y vivaient, pour la plupart, dans des ghettos américains et ce style musical visait à les rendre plus joyeux face à l'oppression de la majorité blanche.
D'un discours funk plutôt radical du début 70's, ce courant a voulu séduire la communauté blanche dans les 80's en produisant des sons adaptables aux boîtes de nuit dans l'objectif de brasser les cultures, les influences, les personnalités pour produire de l'unité.
Le paradoxe c'est que nos banlieues françaises sont peuplées de minorités ethniques différentes qui se sont identifiées voire ont fortement emmagasiné ce que vivaient les afro-américains dans leurs quartiers américains mais aussi dans leurs consciences, ceci expliquant cela.
Après, dans cette logique de brassage et de métissage, des tas d'expériences individuelles issues de vécus différents peuvent se distinguer de ce lien avec le "ghetto" mais le fondement historique de ce style musical reste la symbiose entre la tradition africaine et la sensibilité européenne, un bon exemple qu'il serait judicieux de suivre pour restaurer la paix universelle entre les peuples.Revenir en haut Aller en bas C'est u peu ce que je voulais te répondre Moog Surprised normal que les blancs ont contribué à l'évolution de cette musique, car dur d'avoir un studio, des instruments et un ingé du son quand tu t'appel "Williams jackson Jr" que tu est noir et que tu est un chômeur au milieu du Bronx en 1975 avec le groove dans la peau blackeye C'est pas au regard de l'argent que je parlais,mais c'est un fait que les blancs ont mis leur grains de sable dans la démocratisation de la funk.Des grands groupes confirmés et certainement plein aux as passaient aussi par des studios et des maisons de disques tenues par des blancs,c'est ainsi.Mais pas que bien sûr.D'ailleurs pour ceux qui ont suivis l'histoire de la funk ou du disco ou même d'autres musiques les grandes maisons de disques n'étaient au début que de petites structures montées avec 3 bouts de ficèles par des passionés de zique et pas tout sûres du tout de marcher,et pas par des mecs friqués et gavés.Après c'est sûr qu'ils s'en sont mis plein les fouilles,mais l'appat et l'appétit du gain n'a pas de couleur ni d'apparence particulière .Témoins les rapeurs americains (ou autres) sortis du ghetto et revendicatifs au début qui deviennent miliardaires et s'accoquinent bien du système qu'ils dénonçaient au début et deviennent aussi suffisants et hautains que les mecs sur lesquels ils chiaient dans leurs premières années. Sad
Get Up, Get Down. Depuis l'arrivée de ces musiques noires en France, les minorités raciales, les beurs et les blacks en particulier, s'en sont emparés.
Mais tout ceci n'est qu'une partie de l'iceberg. Un iceberg de préjugés qui ont la peau dure.
C'est vrai que la Soul avec pour leader James Brown a fait swinguer bon nombre de cités, que le Funk, venu quelques années plus tard, a fait rêver et alimenté des centaines de soirées dans des boites comme le Pass' (Pacific), le Midnight Express, le Moretti ... mais également des boites comme Le Palace, le Rex Club ... dans lesquels les banlieusards n'avaient pas droit de cité.Que Positive Force, Delegation et Barry White chantaient des hymnes qui devenaient nationaux dans les "tiers-quar", des hymnes que personne n'a osé siffler.
Il n'était pas besoin d'habiter en cité ou en banlieue pour les aimer. Pour les écouter, oui, enfin peut-être. Quoi que !!!! C'est sur, le téléphone arabe fonctionnait bien mieux dans nos quartiers qu'ailleurs. Entre le foot et le baby. Il était quasi-indispensable pour faire passer le message. L'entassement a parfois du bon.Et à l'époque, il n'y avait pas beaucoup de médias pour diffuser et donc faire entendre ces musiques venues d'ailleurs.RTL et Europe No1 étaient hégémoniques sur les ondes et il ne fallait pas compter sur la première chaîne, Antenne 2 ou FR3 pour voir le moindre noir nous chanter Ramona à la télé si ce n'est La Compagnie Créole et encore si l'on avait été sage. Servie par la mère Danielle Gilbert, ces noirs là ne ressemblaient pas vraiment à ceux des pochettes de disques américains. Encore un postulat qui tombe. Tous les noirs ne se ressemblent pas. Il y en a de plusieurs sortes. Mazette !!!On croit rêver.De plus, quand on voyait un black, on essayait de nous faire croire qu'il était le seul, l'unique. Mais ce complexe est toujours rémanent dans notre beau pays. C'est une tradition bien française.Souvenez vous: Boney M fut quasiment l'unique groupe Disco visible en France même si l'on a eu droit à la pause Ottawan lancée par Bellolo et Morali (encore!). Qui eux, reconnaissons le, ne sont pas noirs.C'est François Mitterand et ses radios libres qui lancera le Funk en France. Sans le savoir, d'ailleurs. Si il l'avait su, il l'aurait certainement mis sous écoute ... mais avec le nombre important, à l'époque, de sorties hebdomadaires, il lui aurait fallu beaucoup beaucoup d'oreilles ... plus en tout cas que pour écouter Jean Edern ou Carole Bouquet. Mais revenons à nos artistes, aux vrais, à ceux qui nous préoccupent.
RTL, Bernard Shu et Sugarhill Gang
Avant cela, le premier qui nous amena sur un plateau d'argent du Funk à la radio, à la fin des années 70, fut Bernard Shu (RIP). Ce DJ/animateur, animait le Hit des Clubs, le samedi soir sur RTL, pardon, sur WRTL. On voit immédiatement la culture US dans cette appellation radiophonique.Ce monsieur qui habitait sur une péniche sur les quais de la Seine, a été le premier a programmer Rappers Delight de Sugarhill Gang en Europe - un mardi soir à 23h. Excusez du peu et ce quelques jours seulement après WBLS à New-York. Bravo et merci encore Arshu !!! Respect.
Ce type a élagué pour les radios libres un terrain miné de chanson française (légitime et de bien meilleure qualité que l'actuelle, ce qui n'est pas un exploit) et de faux chanteurs lancés sur la vague Disco par des producteurs sourds mais pas aveugles, enfin pas insensibles aux belles couleurs des Pascals (un Pascal, des Pascaux ???) de l'époque (billets de 500 francs soit 80 euros environ).
Bref, il aura tout donné ou presque et il faut se souvenir qu'à l'époque, point de lecteur mp3, pas de walkman, peu de possibilités d'enregistrer quoique cela soit, à moins de s'appeler bien sur Mitterrand ou de disposer d'une chaine hi-fi avec enregistreur de K7 mais c'était plus cher. C'est dire si l'on attendait ce rendez-vous quotidien et hebdomadaire avec impatience. Comme de juste, après les résultats de la dernière journée de foot sur la même antenne.
Mais rendons à Mitterand ce qui appartient à Tonton, c'est à dire la création des radios libres qui libéra beaucoup de talents et qui continue de le faire.
Le Funk et la musique noire importée des Etats-Unis ou d'Angleterre est enfin à portée de radio, à portée d'oreilles. De toutes les oreilles. d'où qu'elles viennent, d'où qu'elles écoutent.L'Etat lui-même donnera l'exemple en créant une radio libre pour jeunes, Radio 7, dans les locaux de Radio France (au premier étage à gauche par l'escalier, à droite c'était comme de coutume, les toilettes).
Et pendant ce temps, les jeunes, français, arabes et africains jouent au foot, se font refouler des boites de nuit ou passent des examens - pas seulement à l'hôpital. Une jeunesse normale qui passe son temps comme elle le peut. Une jeunesse qui écoute bien sur de la musique. Le plus souvent à la radio. Pas le choix. Pas encore.
Radio 7, Sidney, Carbone 14 et les radios libres
Radio 7 nous donnera l'une des émissions de radio les + mythiques de Funk en ce début des années 80.
Issus de Radio France, deux animateurs de talent, Smith et Wessun, nous offriront un véritable récital de Funk avec Destination Planète 7, pendant plusieurs années. Ils reprendront le concept utilisé par Bernard Shu, un petit animateur robot, et une programmation de OUF. Mais à l'époque, c'était hyper facile. Tout était bon !!!! Mais leur sélection n'en était que plus excellente.
Radio 7 a également eu la chance d'avoir Sidney. Enfin !! Et de la radio, la télé n'était pas trop loin.
H I P, H O P !!!!Alors ça vous revient. Un black avec une casquette (à l'époque ce n'était pas courant) qui débarque d'un avion à Roissy et qui nous parle de musiques venues d'ailleurs. De musiques faites par d'autres blacks. Si si, c'est possible, les noirs savent aussi chanter.
Alors, Sidney ? Un noir à la télé !!!! Oui, un noir, enfin pas trop, un peu, un noir à la Obama en moins politique et en tout aussi démocrate.et politiquement correct. Mais avant tout et surtout un fou de Funk, un musicien de talent, membre du génial groupe Black White & Co. Un type qui sait de quoi il cause. Même si il est noir ... bah voyons, c'est possible cela ?
Et quel animateur. Un modèle, vraiment !!! Bien meilleur que le DJ qui sévit désormais dans certaines soirées R&B parisiennes.Un tribun entertainer qui rendit coup pour coup à un ancien marin breton qui grimpait dangereusement dans les sondages. Œil pour œil, dent pour dent, mais Sidney, lui, a encore les siens. Dommage pour l'autre. La musique est plus forte que l'avanie, encore plus quand elle est bonne et distillée comme cela.
A côté de cela, il y eut Phil Barney (et oui, l'ex ancien chanteur), qui a commencé sa carrière comme vendeur dans un magasin de skeuds à Montparnasse, le Mini Club de Nuit ouvert par le créateur de Champs Disques, Alain Markezy. Un talent de fou qui fit les bonheurs de Carbone 14, la radio qui révéla Jean Yves Lafesse. Une radio que les sbires de Mitterand ont tenté à maintes reprises de fermer avec l'appui des CRS commandités par Michelle Cotta. Oui, la même Michele Cotta reconvertie en confidente des people/politiques. Mais encore une fois la musique fut plus forte que le pouvoir qui avait permis son existence. Ubuesque.
Phil animait sur Carbone une émission de Funk en plein après-midi. Une émission qui fit louper les cours à un nombre incalculable de collégiens et de lycéens. J'en fut, je le revendique. Pardon maman.On se souvient encore de ses mélopées et de ses envolées lyriques sur Too Hot de Pure Energy. Un truc de fou !!! Un truc de psychopathe, bien avant le 113. un feuj d'Algérie on da mic, du jamais vu, enfin pas comme cela. Le Manhattan Show, Sidney et Sex Maxhine ... et Dee Nasty Et qui pourrait oublier le Manhattan Show ? Pas moi en tous cas. Et encore moins vous, puisque sur Skeuds, nous avons ressorti cette émission des placards. Et ça marche !!! A l'époque, plusieurs centaines de milliers d'auditeurs en Ile de France écoutaient cette émission, d'abord sur Mercure 104 FM puis sur Canal 89. Merci Jean Michel, Fabrice et Deborah.Ce début des années 80 marque une France dominée par le socialisme revanchard, les bons sentiments à pas cher, par une gauche caviar qui ouvre et ferme des placards. Et enfin et surtout par une reconnaissance des enfants des éboueurs-garagistes-maçons de nos rues, de nos villes, de nos quartiers. Il était temps.
Les beurs et les blacks font la fête sur ces musiques urbaines. Ils dansent, chantent sur le Funk de Slave, Kool & The Gang ou Alicia Myers. Ils commencent à trouver leurs marques dans la société française. Montrent un visage que l'on ne voulait pas regarder. Pas voir.Le milieu des années 80, marque l'arrivée en masse du Rap et du Break, suivis de près par l'Electro. Les beurs restent avec Barry White, moins bon danseurs que les blacks, qui eux se retrouvent à la Défense ou à Stalingrad avec l'ami Dee Nasty, le Dj des pauvres, le Dj de Belleville. Le premier Dj médiatique en France. Un cœur en or.Un blanc, un français, un comble !!!! Que vient faire ce toubab dans cette mélasse ?
Tandis que TF1 fait le choix Sidney, Antenne 2 choisit un scénariste de BD et un amoureux de musique (plutôt blanche) pour animer la première émission de Funk à télé: Sex Machine. Ce sont Jean Pierre Dionnet et Phlippe Manoeuvre accompagnés de la pulpeuse et regrettée Pauline Laffont.
Quelle émission !!!
Un florilège des meilleurs clips de l'époque présenté(s) sur un scénario signé Dionnet. Du jamais vu.
Le Funk rentre en force à le télé, et avec la télé dans les foyers mais sans trop bousculer les clichés. Les tabous sont tenaces.Mais revenons à Dee Nesty, mon ami Daniel.
Ce Dj de légende s'émancipa sur Radio 7, puis fit les beaux jours de Nova avant de se faire virer par quelqu'un à qui il avait fait une fleur. Et pourtant, je l'avais prévenu.
NTM, Yop Yop ... avec Teddy Riley
C'était le belle époque des débuts d'un groupe composé par deux dyonisiens du nom de NTM, de Lionel D, le vigile de supermarché apprenti rappeur ...
Le rap français était né et d'entrée les meilleurs ont profité de cette naissance pour faire carrière. Et à en croire le nombre de spectateurs présents à leurs derniers concerts, ils le méritaient amplement. Et dire que j'ai été au patronage avec Didier. Marrant. Et oui, moi aussi, je suis de Saint-Denis.
Quand je lui ai raconté cela, il y a six ans environ devant Sony Music à Wagram, ça l'a bigrement fait marrer. Spank aussi d'ailleurs.Mais le rap français n'a pas empêché le Funk de perdurer dans les oreilles de nos banlieusards. Et des autres.
La faute aux radios libres, qui plus libres que jamais, malgré le retour d'une droite sursitaire aux affaires (qui causera la fin de Radio 7), s'en donnent à cœur joie et utilisent au mieux le large catalogue de cette vaste musique. Elles font passer le message, partout et pas uniquement dans le Nord, car les ondes radios comme celles de Tchernobill, ne s'arrêtent pas aux frontières, ni des banlieues, ni des pays.
Mais le son change. Les noirs américains veulent plaire au public blanc. Ils mettent des guitares électriques dans leurs chansons.Alors, les beurs, les noirs et les autres font de la résistance et nomment Oliver Cheatam, ministre du Funk et Barry White, ministre du patrimoine International. Aucune soirée digne de ce nom ne peut se passer de Get Down Saturday Night.L'intelligence de ces amoureux de musique a été de perpétuer ce mythe du Funk et de la Soul et de le transmettre aux petits frères, aux petites sœurs. On appelle cela la tradition orale.
On ne peut oublier comme cela les Whispers, Shalamar, Khemistry, Yvette Cason ... non, on ne les oubliera pas comme cela. On ne les a pas oubliés.
Puis arrive, à la fin des années 80, une nouvelle composante dans le paysage musical noir américain. La New Jack.
Pour ma part, je l'ai découverte dans un magasin Tower Records proche de Colombus Circle (on revient au Funk) à New York avec le premier album de Guy. Encore trois noirs me direz-vous. Oui et alors; à New-York, c'est plutôt moi l'étranger. Non ? Tout est relatif sauf en France.
Cette New-Jack est un croisement habile de Rap et de Funk/R&B.A l'initiative de ce nouveau courant musical on trouve un jeune homme de talent du nom de Teddy Riley. En France, les noirs adhèrent immédiatement, les beurs un peu moins, les autres, bah il n'y a pas de statistiques officielles fournies par l'INSEE. Et quand bien même, elles seraient discutables.Mais Make That Move, Let The Music Play ne s'oublient pas décidément pas comme cela ... et les radios jouent bien plus de Funk que de New Jack, malgré l'actualité débordante de cette nouvelle musique.
Le Rap lui, continue de faire des adeptes, cette mixité des genres musicaux renforce la mixité des cultures, la mixité des courants de pensée.
Le Rap se radicalise, devient plus agressif, plus revendicatif, vindicatif, plus pro-black aussi. Les revendications ne sont pas uniquement française et nationales.
Les anciens ne s'y reconnaissent pas trop. Leurs Dieux sont toujours Barry White, Joe Tex, Leon Sylvers ... pas Flavor Flav ni Roxanne même Shante .
RLP, lui, a quitté Radio 7 pour rejoindre Skyrock et jouer les sons électroniques de Chicago mais la résistance s'organise. Sans lui. RIP RLP.La suite, est ICI ...Alors, qu'en pensez-vous ? Vous avez peut-être des anecdotes à nous narrer, des histoires de l'époque.Et que pensez vous des ces raccourcis littéraires qui mettent les beurs, les noirs, les banlieusards, dans le même panier de linge sale ??tous des voleurs, tous des feignants, tous des incapables, tous des sans avenir ... et tous des p'tits gars qui pendant leurs nombreux loisirs, quand ils ne dépouillent pas une petite vieille, écoutent du funk, du rap et du r&b. Interdit pour eux d'écouter de la musique classique, du rock, ou rien du tout.
Et inversement, le rap, le hip hop, le funk, le r&b ne peuvent-être écoutés que par des noirs, des arabes ... si possible habitant en banlieue.Bref, donnez nous votre conception de la mixité sociale et raciale. Sans tabou, ni retenue mais avec courtoisie et politessse.Évitez les "ta mère elle s*ce des ours et ton père c'est John Mc Cain", on ne les laissera pas passer. N'alimentez pas la lie dont se servent nos amis anciens marins qui viennent de vendre leur paquebot.
Lewis Howard Latimer, 1848-1928
African American inventor and patent draftsman. He worked with Alexander Graham Bell and Thomas Edison and invented a modification to the process for making carbon filaments aimed to reduce breakages. While at Edison, Latimer wrote the first book on electric lighting.
As a son of parents who escaped slavery, he had a long and impressive career.
Much more:
Don Preston, tecladista do Grande Mothers Re:Invented, durante show da banda em São Paulo. Mais fotos - UOL - musica.uol.com.br/album/thegrandemothers_sp_2010_album.jh...
NIKOLA TESLA-INVENTOR-PINTURA-ARTE-RETRATO-CIENCIA-INVENTOS-PERSONAJES-ELECTRICIDAD-MISTERIOS-PINTURAS-ARTISTA-PINTOR-ERNEST DESCALS-
En el Camino del Pintar y Estudiar previamente a los Personajes de la Ciencia que con sus Inventos e Investigaciones Científicas han entrado de lleno en la profundidad de los Misterios que se acercan a la Mística y a la Metafísica, he estado Pintando los Retratos del Misterioso NIKOLA TESLA, un Sabio del que sabemos poco y cuya extraña muerte aumentó el Misterio sobre su Vida. Pinturas del artista Pintor ERNEST DESCALS con los grandes protagonistas del Mundo Oculto, Pintura de Retrato con Técnicas Mixtas, Cretas y Acuarelas sobre papel de 65 x 50 centímetros.
Speech given by Mr. Alain Simard
President and CEO of Équipe Spectra
(as delivered)
December 10, 2002
LA CULTURE ET LES COMMUNICATIONS COMME AXE DE DÉVELOPPEMENT POUR MONTRÉAL
Oui, le monde a changé depuis 25 ans, et il va continuer de changer, pour le meilleur ou pour le pire…
Chez Spectra, même si ça peut sembler naïf, nous avons toujours eu comme motivation première, le désir de partager notre passion pour la culture, d'élargir les horizons du monde, de leur faire découvrir de nouveaux artistes venus de partout, en offrant au grand public des contenus culturels novateurs et de grande qualité. Et on croit encore que ça vaut la peine de faire notre petite part pour faire évoluer le monde.
Vous savez, il y a 25 ans, quand j'organisais des spectacles «underground» depuis ma «commune hippie», j'étais loin de me douter que je développais de nouvelles approches marketing pour rejoindre une clientèle qui deviendrait bientôt très convoitée : «les babyboomers». Puis quand nous nous sommes diversifiés, un peu instinctivement, dans le disque, la télévision, les produits dérivés et les salles de spectacles, c'était d'abord et avant tout pour contrôler la qualité artistique de nos projets et leur distribution... on n'avait jamais entendu le mot «convergence» ! Mais ce dont je suis le plus fier, c'est d'avoir contribué à bâtir une nouvelle industrie du divertissement et de l'événementiel en développant de nouveaux créneaux inexploités, en inventant souvent de nouvelles formules, plutôt que de concurrencer ce qui existait déjà, et en partageant le fruit de nos succès avec nos partenaires et employés.
Il faut savoir que L'Équipe Spectra amène de l'eau au moulin à toute l'industrie culturelle avec qui elle fonctionne en complémentarité avec une éthique irréprochable : nous louons nos salles aux autres producteurs qui seraient normalement nos compétiteurs; nous engageons leurs artistes dans nos festivals ou nos émissions télé, et jamais, en 25 ans nous n'avons été accusés de maraudage, de favoritisme ou de conflit d'intérêt. Nous avons d'ailleurs depuis nos débuts un code d'éthique rigoureux, dont l'application est vérifiée par la SODEC, et qui régit toutes les transactions de l'Équipe Spectra avec les festivals qui sont des organismes à but non lucratif. Et j'aimerais en profiter pour remercier aujourd'hui tous les partenaires qui nous ont appuyés depuis 25 ans car on n'aurait pas pu bâtir ça tout seul : on avait peut être la foi qui transporte les montagnes, mais pas le porte-monnaie…C'est sans doute grâce à cette passion authentique que nous avons pu développer une vision et une crédibilité qui nous ont mérité l'appui des médias, des pouvoirs publics et des commanditaires sans qui nous n'aurions jamais pu réaliser nos rêves les plus fous.
Je dois dire qu'on n'était quand même pas les seuls à rêver il y a 25 ans ! Combien d'autres lançaient à cette époque soit une troupe de danse ou une troupe de théâtre, (ou même un cirque !), soit une compagnie de production télévisuelle ou de cinéma, soit un magazine, une nouvelle station FM, une maison de disques ou d'édition, un projet multimédia, un atelier de décors, une galerie d'art, un studio de son, une petite agence de publicité, un cinéma parallèle, un café d'artistes ou un restaurant nouvelle cuisine.
Il y a 25 ans, alors que tous ces jeunes profitaient des loyers modiques d'un centre-ville au marché immobilier à tout le moins morose, qui aurait pu imaginer que l'effervescence culturelle qui en découlerait deviendrait un jour un avantage stratégique dans le positionnement international de Montréal et que sa personnalité festive deviendrait le symbole de sa qualité de vie, à tel point que d'autres grandes villes, comme Toronto, deviendraient jalouses de son «indice bohémien» !
Depuis trois ans, presque tous les grands magazines internationaux, de National Geographic Traveler à Wallpaper Magazine en passant par Condé Nast et Travel & Leisure, ont classé Montréal dans leur palmarès des villes les plus «trendy» de la planète, à cause de sa qualité de vie, de ses festivals et de son activité culturelle. On compare son dynamisme à celui de Barcelone ou de San Francisco…
C'est un fait que le centre-ville de Montréal bouillonne aujourd'hui d'activités diverses, démultipliées grâce à son bilinguisme et son multiculturalisme : nous avons ainsi accès à un choix inouï de productions aussi bien locales qu'américaines ou européennes de même qu'à une foule de lieux et d'activités pour agrémenter nos sorties.
Lors d'un récent sondage auprès de ses clients, Destination Centre-Ville, l'association des marchands de l'artère commerciale la plus achalandée au Canada, la rue Sainte-Catherine, découvrait que le divertissement est la motivation première de cet achalandage, et ce, dans 51 % des cas. Ce sont donc les spectacles, les cinémas, les festivals, les restaurants et les bars qui attirent la majorité des gens qui en profitent pour magasiner…
Si l'on veut préserver et maintenir cette effervescence propre à l'expérience montréalaise, il faut aujourd'hui prendre des mesures pour protéger et stimuler le milieu de la création culturelle qui est à l'origine de cette personnalité distinctive. Pour ce faire, il faut bien sûr augmenter significativement le budget du Conseil des arts de Montréal, tel que promis par l'administration municipale, ce qui lui permettrait de s'impliquer davantage dans la création d'œuvres originales dans les institutions du centre-ville, notamment dans le cadre des grands festivals qui doivent constamment offrir des contenus culturels crédibles pour conserver leur couverture de presse internationale et ce n'est pas le rôle des subventions de développement économique ou des commandites privées de leur donner la marge de manœuvre pour le faire.
Il faudra aussi trouver la façon de compenser pour la «gentrification» croissante de l'arrondissement Ville Marie et la hausse de sa valeur locative, histoire de ne pas évincer les artistes et créateurs qui auront contribué à son succès… Il importe donc de prévoir des mesures incitatives pour favoriser l'accueil ou la relocalisation des petits organismes culturels et des créateurs pour retenir et favoriser leur concentration dans le secteur.
C'est pour cette raison que je proposais, lors du récent Sommet de Montréal, de prioriser le domaine de la culture et des communications comme axe de développement pour l'est du centre-ville, en y incluant la «Cité des Ondes» (SRC, TVA, TQ), le quartier Latin et ses institutions du savoir, le futur «quartier des spectacles» et le Vieux Montréal avec sa vocation patrimoniale, muséale et touristique.
Voilà une avenue naturelle pour le développement du centre-ville de Montréal où sont déjà concentrés 80 % des emplois du domaine de la culture et des communications au Québec, soit plus de 100 000 personnes qui en façonnent la personnalité, d'autant plus que la plupart des autres grands secteurs économiques comme l'industrie pharmaceutique, les biotechnologies ou le secteur de l'aérospatiale sont généralement localisés en périphérie. En outre, cette stratégie est des plus structurantes pour l'industrie touristique qui crée, ne l'oublions pas, plus de 64 000 emplois principalement concentrés dans le centre-ville. Il faut savoir qu'à Montréal, les hôteliers paient annuellement près de 200 millions de dollars en taxes foncières et 100 millions de dollars en TPS et TVQ. N'oublions pas qu'il s'agit d'argent neuf dans notre économie, parce qu'il provient des touristes venus d'ailleurs….Tout ça pour dire que ces secteurs économiques constituent certainement la base sur laquelle peut se construire l'avenir de l'arrondissement Ville Marie et de Montréal.
Pourtant, il y a 25 ans, la culture, le divertissement et le tourisme étaient souvent considérés comme les parents pauvres de la «grande industrie» et du monde de la finance, avec des emplois jugés précaires et sans avenir…Qui aurait cru que ces secteurs deviendraient des locomotives de l'économie de l'an 2000, selon l'Organisation mondiale du commerce.
Lors du colloque «Tourisme et divertissement» organisé le mois dernier par la Chaire de tourisme, on apprenait que la tendance touristique en plus forte croissance dans le monde sont les séjours urbains de courte durée et qu'ils sont intimement liés à l'expérience culturelle et à l'ambiance que peut offrir une grande ville. On y démontrait que les festivals et événements de même que les complexes thématiques de divertissement, les casinos et les musées contribuent à positionner une ville sur l'échiquier international, «favorisant la venue d'investisseurs, la tenue de congrès, l'arrivée de nouveaux citoyens et enfin la revitalisation et la prospérité de la cité». Selon Robert Sprazzichino, expert européen en matière d'aménagement urbain, «la culture, le tourisme et les loisirs sont aujourd'hui considérés comme des facteurs essentiels et même comme des moteurs de régénération et de redynamisation urbaine».
Montréal n'a peut-être pas de Statue de la Liberté, de tour Eiffel ou de Disneyworld, mais elle jouit maintenant d'une réputation enviable, celle d'être la «Ville des festivals». Et cette «marque de commerce», cette personnalité distinctive exploitée avec succès par Tourisme Montréal depuis quelques années, a permis cet été à Montréal de «surclasser» pour la première fois Toronto et Vancouver, à la fois pour le nombre de touristes étrangers et pour le tarif moyen des chambres d'hôtel. Après les événements du 11 septembre, nous étions la seule ville canadienne à connaître une augmentation du taux d'occupation des hôtels !
Il y a 25 ans, quand j'écrivais, dans une demande de subvention pour la création du Festival International de Jazz de Montréal «qu'un jour, cet événement attirera des milliers de touristes américains», je peux vous dire que j'ai sérieusement fait rire de moi… et ça a pris 5 ans avant de finalement toucher une première subvention de 10 000 $ !
Même moi, je n'aurais jamais cru que ce projet quelque peu utopique puisse devenir un jour l'un des plus importants festivals au monde avec 1,7 million de participants, et même être choisi par Attractions Canada comme l'une des 8 principales attractions touristiques au pays, avec les chutes Niagara et les Rocheuses !
Depuis plusieurs années, un participant sur cinq au Festival de Jazz vient de l'extérieur de Montréal, la moitié en provenance des États Unis, soit une personne sur dix. Le plus remarquable, c'est que 86 % des visiteurs du Québec et 80 % des touristes étrangers sont venus à Montréal spécifiquement à cause du Festival de Jazz! Et, selon l'étude effectuée par KPMG en 2001, ces seuls touristes venus au Festival de Jazz ont dépensé à Montréal 44,5 millions de dollars, générant 10 millions de dollars de recettes fiscales pour le gouvernement du Québec et 7,2 millions de dollars au fédéral - toujours de l'argent NEUF dans notre économie et près de 10 fois ce que le Festival a reçu en fonds publics !
Même les FrancoFolies, un événement en croissance qui touche principalement les jeunes et les communautés culturelles, à qui nous voulons donner le goût de la musique francophone, rejoignent maintenant 18 % de touristes dont les 2/3 proviennent de l'extérieur du Québec, avec un total de 700 000 visiteurs en dix jours. Quand on y ajoute le Grand Prix de Formule Un qui démarre la saison d'été en lion, La Feria du Vélo, Juste Pour Rire, Le Mondial SAQ, les Internationaux de Tennis du Canada et le Festival des Films du Monde qui vient clôturer «l'été des festivals», on obtient une masse critique d'événements qui assurent un rayonnement international ininterrompu pour Montréal pendant trois mois, avec des télédiffusions multiples dans des dizaines de pays à longueur d'année.
Et souvent, les événements montréalais ont ceci d'unique au monde qu'ils ont la capacité d'accueillir des centaines de milliers de spectateurs avec des activités d'animation urbaine gratuites, dans les rues du centre-ville fermées à la circulation automobile, alors qu'ailleurs ils se limitent à des sites fermés et souvent payants.
Il faut savoir qu'en conséquence les organisateurs sont souvent seuls à couvrir tous les coûts d'aménagement, de programmation, de sécurité, de nettoyage et de publicité pour des activités qui rapportent à tous sauf à eux. De là le besoin d'un apport indispensable des commandites privées et des aides gouvernementales pour assurer la survie de cette jeune industrie typiquement québécoise, souvent subventionnée à moins de 20 % de son budget alors que ses concurrents internationaux le sont souvent de 40 % à 60 %, grâce à des taxes dédiées à l'hébergement, comme à la Nouvelle Orléans, Chicago ou Edimbourg.
Une récente étude de KPMG pour le compte du REMI (Regroupement des Événements Majeurs Internationaux) démontre que ces dix-neuf événements représentent globalement une activité économique de 300 millions de dollars, créant plus de 7000 emplois annualisés au Québec qui génèrent directement plus de 58 millions de dollars de recettes fiscales pour le gouvernement du Québec, et ce, sur les seules dépenses des touristes, en plus des 10 millions de dollars encaissés à même les dépenses des événements eux-mêmes!
C'est pourquoi il faut saluer la vision du gouvernement du Québec pour avoir créé, il y a trois ans, un fonds de 10 millions de dollars par année pour soutenir cette industrie et l'aider à développer son produit, un investissement qui a donc profité à toute la société, ayant provoqué une croissance des retombées touristiques de 23 % en seulement deux ans! De plus, chaque dollar investi dans les événements a été multiplié par cinq grâce à l'effet de levier qu'il a donné aux organisateurs pour aller chercher plus de commandites et de revenus du grand public!
C'est pourquoi il est indispensable pour les événements que soit renouvelé ce fonds triennal qui échoit cette année, histoire d'en conserver leurs acquis et maintenir leur potentiel de croissance. Il est de plus impératif que le gouvernement fédéral (qui touche lui aussi près de 40 000 000 $ d'argent neuf chaque année) reconnaisse enfin cette activité économique et touristique florissante, même si elle est surtout concentrée au Québec. Les événements souhaitent évidemment qu'Ottawa crée un programme normé pour aider à financer leurs infrastructures temporaires, en remplacement du programme quelque peu controversé des commandites…
Il faut se rappeler que si d'aucuns ont questionné les modalités d'attribution de ces programmes gouvernementaux, personne n'a jamais remis en question la pertinence d'investir des fonds publics dans les grands événements populaires et touristiques. Il faudrait donc faire attention de ne pas jeter le bébé avec l'eau du bain…
Fort de ce succès, nous avons devant nous un défi pour maximiser l'impact des événements à longueur d'année pour Montréal : la désaisonnalisation. C'est donc pour consolider l'image de la «Ville des festivals» comme destination culturelle et gastronomique, même dans la saison creuse d'hiver, que nous avons créé en collaboration avec Tourisme Montréal et les trois paliers de gouvernement, le Festival MONTRÉAL EN LUMIÈRE.
Ce projet, retenu comme une des priorités du Sommet économique de 1996, regroupe au sein de son conseil d'administration les représentants des milieux économique, touristique et culturel, dont la Chambre de commerce, l'Association des Hôteliers et la Place des Arts.
Après seulement trois ans, déjà près d'un demi-million de visiteurs, dont 15 % venus de l'extérieur de Montréal, étaient comptés l'hiver dernier aux différentes activités des trois volets de l'événement : la Fête de la lumière Hydro Québec, les Plaisirs de la table SAQ et les Arts La Financière Sun Life.
En association avec les Productions l'Entracte (à qui l'on doit le récent défilé du Père Noël), nous nous attaquons maintenant à la saison automnale en collaboration avec les marchands du Vieux Montréal et le Vieux Port : dès octobre prochain, «La Grande Mascarade, la fête de l'Halloween» transformera ces sites historiques en des lieux magiques et mystérieux qui pourront accueillir de grandes foules avec de multiples activités gratuites aussi amusantes qu'épeurantes…
Cette nouvelle fête populaire possède un énorme potentiel de croissance et vise à moyen terme à devenir l'un des événements majeurs entourant l'Halloween et la fête des Morts en Amérique du Nord, une autre façon de confirmer la réputation festive et ludique de Montréal à longueur d'année.
Dans la foulée de cet objectif qui fait largement consensus, il faut retenir deux grandes tendances qui se sont imposées au colloque Divertissement et tourisme (où je prenais d'ailleurs la parole, en compagnie de Normand Legault, du Grand Prix de Formule Un, et Daniel Lamarre, du Cirque du Soleil) : la création de mégacomplexes culturels et de divertissement, de même que la «thématisation» comme stratégie de «branding» pour consolider le positionnement d'une ville comme destination internationale. Comme ils répondent à ces critères déterminants, j'ai choisi pour terminer mon exposé de vous parler brièvement de projets qui me tiennent particulièrement à cœur : le Complexe Spectrum, la future Place des festivals et le Quartier des spectacles.
Il y a 20 ans exactement, quand nous avons lancé le Spectrum dans l'ancien cinéma Alouette (là-même où mon père m'avait amené voir Bambi pour ma première sortie au cinéma), jamais nous n'aurions imaginé que cette salle pourrait devenir ce lieu mythique du spectacle montréalais, encore moins qu'elle serait un jour au cœur de la revitalisation de la rue Sainte Catherine.
Après avoir déménagé le Festival International de Jazz de Montréal dans ce secteur pour profiter de ses nombreux terrains vacants et de la proximité d'une dizaine de salles de spectacles, je peux vous dire que je connais ce quadrilatère situé entre Bleury et Jeanne Mance comme le fond de ma poche. Depuis 20 ans, je rêve de voir revitalisé ce no man's land, avec ses quatre stationnements à ciel ouvert et ses deux terrains vagues qui coupent encore la Place des Arts et le Complexe Desjardins du reste du centre-ville. C'est d'ailleurs là que se situe la véritable démarcation entre l'Est et l'Ouest de Montréal : aussi bien les anglophones que les francophones s'y sentent chez eux, que ce soit au Spectrum ou au Festival de Jazz.
Construit sur un terrain d'un acre situé angle Bleury et Sainte Catherine, le Complexe Spectrum comprendra l'actuelle salle de spectacles ainsi qu'un club de jazz, quatre nouvelles salles de cinéma Ex Centris et neuf salles de cinéma Alliance Atlantis, des restaurants, une librairie / disquaire ainsi qu'une billetterie centrale, ouverts tous les soirs. Jouxtant la future Place des festivals et en face du nouveau Complexe de 280 millions de dollars annoncé par le gouvernement du Québec (comprenant les Conservatoires de Musique et de Théâtre ainsi que la future salle de l'OSM), nous voulons faire du Complexe Spectrum le vaisseau-amiral du Quartier des spectacles, un haut lieu de la culture populaire montréalaise, toujours dans la mire des caméras de Musique Plus et de Musimax, situés de l'autre côté de la rue Bleury.
Incidemment, cet investissement de 40 millions de dollars, réalisé par l'Équipe Spectra en partenariat avec Daniel Langlois d'Ex Centris et la SGF, générera suffisamment de nouvelles taxes foncières pour permettre à la Ville de Montréal de recouvrer son investissement de six millions dans la Place des festivals en seulement quatre ou cinq ans. Ce projet d'agora publique, annoncé par le maire de Montréal et le premier ministre Bernard Landry le printemps dernier viendra compléter cette revitalisation du centre-ville tout en assurant la pérennité du plus beau site d'animation urbaine au monde. Ce nouveau lieu public, qui pourra être utilisé comme patinoire l'hiver, servira à tous les Montréalais à longueur d'année et deviendra une attraction touristique à la façon du Rockfeller Plaza, à New York, ou encore de la Place d'Youville, à Québec.
Il faut se réjouir de voir tous ces projets qui vont transfigurer le centre-ville de Montréal d'ici cinq ans, avec des investissements évalués à 350 millions de dollars. Mais on est loin du milliard déjà engagé par Toronto pour en faire la «capitale culturelle du Canada».
Pour garder un de nos rares avantages stratégiques de Montréal, je crois qu'il faut se retrousser les manches et se donner en priorité comme objectif commun de concrétiser l'aménagement du Quartier des spectacles, une des pistes d'action principales issues du Sommet de Montréal. La beauté de ce projet de l'ADISQ, c'est qu'il vise d'abord à consolider des acquis et des équipements culturels qui n'ont jamais été mis en valeur comme un tout : il existe dans l'axe de la rue Sainte Catherine, entre Bleury et Saint Denis (et sur Saint Laurent), une masse critique de 25 salles de spectacles et théâtres qui totalisent (avec la nouvelle salle de l'OSM) 28 000 sièges, alors que Broadway en compte 46 000 à New York. Il s'agit donc de structurer, de revitaliser et d'embellir ce quartier aussi connu comme le site des grands festivals, en le «thématisant» officiellement comme «quartier des spectacles» pour maximiser son pouvoir d'attraction au moyen d'une intervention urbanistique prévoyant une signalisation propre, un mobilier urbain et un plan d'éclairage spécifique, ainsi que des services d'entretien et de sécurité accrus.
Pour en exploiter tout son potentiel de développement touristique, il faudra relier le Quartier des spectacles par des axes piétonniers invitants avec le Palais des Congrès, le Vieux Montréal, la Cité internationale et le Quartier des affaires. Tourisme Montréal et les organismes culturels travaillent déjà à créer une billetterie centrale accessible aux touristes et congressistes séjournant dans les grands hôtels pour prolonger leur séjour et avoir un impact à long terme dans la forfaitisation de la destination.
Le momentum est mûr pour une action collective et concertée, à l'heure où d'autres projets structurants sont à l'horizon, dont l'agrandissement du Musée Pointe à Callières, la revitalisation de La Ronde par Six Flags et surtout l'investissement de 470 000 000 $ dans le Casino pour en faire un équipement de classe internationale afin d'en augmenter la vocation touristique.
De la même façon que nous avons réussi la revitalisation du Vieux Montréal et du Vieux Port depuis 10 ans, puis du Quartier international qui s'apprête à voir le jour avec un Palais des congrès agrandi (qui nous permettra de garder notre titre de 4e ville de congrès dans le monde - encore de l'argent neuf !), nous devons concrétiser aujourd'hui nos énergies dans l'aménagement et la mise en valeur de ce Quartier des spectacles, investir encore plus dans la création culturelle pour renforcer la personnalité festive et ludique du centre-ville, locomotive du développement économique, social et culturel de la région métropolitaine.
C'est un investissement à la fois pour la qualité de vie de tous les citoyens, et un acte de foi dans l'avenir de Montréal comme métropole culturelle internationale et l'une des grandes destinations de la planète.
Yeshiva University's annual hackathon, a 24-hour coding and technology event. Named Invent YU, this year's theme focused on Israel and the start-up culture in Israel.
Con el correr del tiempo Emily logro despojarse de todo lo que pensaba que le hacia mal, la doble culpa, las verdades que se acercaban a ella como hombres mariposas o pajaros negros anunciando un mensaje intraducible. Se sentó y aulló a la luna, no era más que una puta desesperada buscando amor, o tal vez ya no era nada. Busco paz en el sueño, y durmió pensando en faros y pajaros, su sueño no era como su vida. Para nada, adentro del sueño había color y se propuso hacer un inventario....
The Gallia Permanent Waving machine for hair styling was invented by Gaston Boudou around 1919 and in partnership with René Rambaud set about building up a business selling their Gallia machines. Over the years, the Gallia machine and reagents used had been improved and by 1929, there were many Gallia Hair Clinics operating throughout Europe and the US. The clinics also trained Gallia machine operators who were awarded their certificate and badge on successful completion of the course. Gallia was but one type of hair permanent waving machine available to hairstylists at the time.
A ‘permanent wave’ is commonly called a ‘perm and during the late 20’s a first class permanent wave would cost close to 300 Francs. Such a perm involved the use of chemical reagents to break down the keratin’s di-sulphide links and heat to re-form the hair into its new shape. A Permanent Wave could last up to six months before the hair outgrew it and a re-perm was required. Standard ‘non-permanent’ hair waving cost a fraction of that amount and at best, could last up to two weeks before it needed renewal.
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References:
Producing fashion: commerce, culture, and consumers by Regina Lee Blaszczyk (University of Pensylvania Press 2008, pp237-239).
golfgal.hubpages.com/hub/The-Permanent-Wave-That-Was-Only... (Interesting link about Permanent Waving with pictures of the types of machines involved, including one of Shirley Temple getting her curly locks renewed).
en.wikipedia.org/wiki/Perm_(hairstyle)
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Enamels: 1 (blue).
Finish: Gilt.
Material: Brass.
Fixer: Pin.
Size: 1 ½” x ¾” (about 38mm x 20mm).
Process: Die stamped.
Makers: Thomas Fattorini Ltd, Regent St, Birmingham (1933-1961).
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Thank you for reading.
Stuart.
This is my Lego Ideas project, so if you can, please support it here: ideas.lego.com/projects/7d059690-be78-43c3-a590-09228df65c6d
This is the Lego version of the Greek Myth Daedalus and Icarus. You can find a more thorough description of this on the Ideas site.
I did not invent this tower construction method.