The newly refurbished atrium situated within the Innovation centre

Many things have been invented in Birmingham, including the postal service and the postage stamp. This owl features celebratory stamps depicting all the things that are great about the city, past and present, including bands that were formed here, tourist attractions, architecture and in-ventions. This owl delivers every time and wears all of these quirky and evocative stamps with cheerful panache.

 

Artist: Helen Dodsworth

Has worked as a community artist and freelance designer since she graduated in 2001. Since 2011, she has been working as a freelance illustrator and running art workshops for children. She has a particular soft spot for drawing animals!

Website: helendodsworth.carbonmade.com

 

Sponsor: Citypress

 

Auction Price: £3500

 

The Big Hoot captured the imagination of everyone in Birmingham and beyond, with hundreds of thousands of people taking to the streets with their Big Hoot Trail maps to explore the colourful invasion of individually designed owls. Taking in the city’s 10 districts, tourists and residents alike enjoyed their owl adventure, discovering and celebrating the extraordinary creativity produced by many of Birmingham’s artistic community and over 25,000 young people.

 

The Big Hoot owls went under the hammer on 15 October 2015 at The Big Hoot auction sponsored by Vodafone and we are thrilled to have smashed our target by raising the incredible sum of £508,035!

 

The money raised from the auction will support Birmingham Children’s Hospital Charity’s £3.65m Star Appeal. This appeal will enable us to create a first of its kind, a Rare Diseases Centre in the UK specifically for children. It will provide co-ordinated care, treatment, support and most importantly hope to children and families living with a rare or undiagnosed condition.

 

In addition the auction raised £15,000 for G’owl’d by Temper with proceeds going to Edward’s Trust, and £7,800 for Fleet and Free with proceeds going to Birchfield Harriers.

 

So thank you - we simply couldn’t have done it without you.

 

Artists have played a major role in The Big Hoot, creating almost 100 owl sculptures. We would like to thank all the artists for their incredible creativity and hard work.

Professional artists from Birmingham, the wider Midlands region and further afield have created extraordinary giant owls that are all unique in style and character and represent the city’s creativity, history and heritage, music, fashion, architecture and attractions.

Birmingham is home to a wealth of artistic and creative individuals and communities and many award-winning and nationally and internationally acclaimed artists. We are delighted with the response from Birmingham’s creative community and are thrilled to work in collaboration with them to transform the streets, squares and parks of the city.

For five months artists have been creating owls in their studios, at home and in The Big Hoot Artists’ Studio at the Custard Factory in Digbeth. Their inspiring and innovative designs have been realised in genres including graffiti, illustration, fine art, graphics, typography, mosaic and new media. They have worked with both community groups and with corporates to realise ideas and create their stunning designs.

The Big Hoot not only provides a high quality and ambitious free public event for families but also supports the creativity of artists and celebrates talent and diversity. The Big Hoot has provided an inspiring relationship between the city and the arts.

The artists have also reached out to communities enabling more people to participate in the arts, to experience working with professional artists and to be inspiring and inspired. From the north to the south of the city residents groups, youth groups and older peoples’ groups have been collaborating with artists to generate ideas, design and create owls for The Big Hoot.

Creativity is everywhere but the opportunity to participate is not. A range of activities have been programmed within Birmingham’s diverse communities and people from the age of 3 – 97 and from wards within the city boundaries have contributed to The Big Hoot and helped make the event extraordinary. Our projects have seen artists working with hundreds of residents and community members including children in looked after care, older peoples’ clubs, young people and residents organisations to design and decorate the owls displayed as part of the 10 week public event.

Perder la vergüenza,

perder la cabeza,

encontrar una sonrisa y sonreír con ella,

salir de compras,

comprar una botella,

beberla en pareja,

jugar en la trastienda,

viajar en tren,

una colonia dulce,

salir de cena y compartir el postre,

comer piñones,

hacer macarrones,

hablar del tiempo en las reuniones,

mirar diez capítulos seguidos de una serie,

jugar a hacer palabras,

construirlas más largas,

mirar el calendario,

subir al escenario,

sobrevolar tu barrio,

escondida en un armario.

 

Sólo subo cuestas

Río por no llorar.

 

Delafe Aconsejo ver el vídeo, es muuy divertido.

 

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Cuando era niña me encantaban las faldas de tul. Como las de las bailarinas, decía yo. También me gustaban las flores, especialmente las silvestres, los globos de colores, bailar, cantar, inventar historias y mundos y toda clase de personajes. Poseía una imaginación exuberante, tanta que no me di cuenta hasta que me hice mayor. Así que crecí y en algún momento del camino pensé que debía de tratar de encajar, de ser “normal” y de todas esas cosas que tan erróneamente muchas veces nos enseñan en las escuelas y en nuestras familias y en general en nuestra sociedad…

Y cuando ya casi me había perdido de vista, cuando andaba totalmente desorientada en ese laberinto insulso de días sin magia ni creatividad, algo se rompió dentro de mí y salieron las lágrimas, y salió el GRITO, y luego mi voz y los globos de colores y las flores y la risa y de nuevo toda esa desbordante imaginación.

 

Perder la vergüenza,

perder la cabeza,

encontrar una sonrisa y sonreír con ella.

 

Para el grupo Planeta Dyp.

'cos we invented disco!

 

Bugger those gloomy UrbEx shots.

The graffiti was already there when we visited one very windy day - doors were slamming, the wind was making howling noises, it was, indeed, spooky indeed... despite Beelitz becoming a bit mainstream and sadly, getting very trashed by some idiots.

RE-invented mens trousers into a Pavlova Skirt!

Andrea Zittel (born 1965) is an American artist based in Joshua Tree, CA whose practice encompasses spaces, objects and modes of living in an ongoing investigation that explores the questions "How to live?" and "What gives life meaning?"

Her work has been described as an "expansive approach to art and space making, creating social sculptures that traverse boundaries between art, architecture, design and technology." Her installations, wearables and sculptures transform the necessities of daily living, such as eating, socializing, sleeping and bathing, "into artful experiments and scenarios for new ways of living.”

 

In the early 1990s, Zittel began making art in response to her own surroundings and daily routines, creating functional objects relating to shelter, furniture, and clothing "in an ongoing endeavor to better understand human nature and the social construction of needs." It was then she began working under the name "A-Z Administrative Services," which evolved into the A-Z Enterprise that continues to encompass all aspects of day-to-day living. Home furniture, clothing, food all become the sites of investigation in an ongoing endeavor to better understand human nature. Zittel reconsiders the significance of given social structures, revealing that what may seem fixed and rational is often arbitrary. "What I'm interested in," Zittel said, "is that each person examines his own goals, talents and options, and then based on these begins to invent new models or roles to fulfill his or her needs." From Zittel's 2005 manifesto:

"What makes us feel liberated is not total freedom, but rather living in a set of limitations that we have created and prescribed for ourselves."

 

(Wikipedia)

A Toronto-area entrepreneur Yi Jiang invented a foot-pedal washing machine intended for people who live in tiny apartments, for college students and for campers.

 

The idea is people sometimes need to wash a few pieces of clothing immediately, but it's too much of a waste of water and electricity to turn on the regular washing machine, and that is when this man-powered washing machine becomes handy.

In honor of National Pie Day and National Handwriting Day. . . I combined the two.

I think I've possible found the sculpt for the oldest Bryne Brother....now if I can only do a faceup worthy of him. This is just a start.

twitter.com/Memoire2cite CULTURE URBAINE @ Banlieue Funky @ Ma playlist içi www.youtube.com/user/sidkeums/playlists… Est ce que ces clichés réducteurs concernant les liens entre la funk et la vie dans les quartiers sont vrais ou non? La funk est elle liée à une population vivant dans les ghettos ou pas? On me dit que la funk est une music de banlieusard, qu'elle a grandi dans les cités et comme elle est ancienne puis dépassée par le rap, elle n'a plus aucune valeur médiatique en France et reste, hélas, underground. Bien sur tout est lié , le Funk n' a pas vraiment marché en France , donc comme il est rester underground il s' adresse aux minorités , aux pauvres aux banlieues . Mais bon , le Funk pour moi c' est aussi un mode de vie , dans laquelle je me reconnais et dans laquelle je me sens bien , c' est un peu ce que j' ai mis dans mes mixs , le Style , la Basse , la facon de chanter , voilà , voilà . débat intéressant , j'ai lu l'article , même les 2 (pas le 3ème) , bien écrit vivant , et qui tombe pas dans les clichés , normal il à l'air d'avoir été par un mec qui à vraiment vécu le truc , et qui aime aussi la musique , c'est tout de suite mieux .Musique de Banlieue , surement , underground aujourdh'ui , encore plus qu'avant . Mais musique de banlieu au sens large , j'ai toujours vécu en banlieu (un peu à Paris même) , et c'est parcque la musique était un échapatoire et qu'elle circulais bien que j'écoute cette musique encore aujourdh'ui , le FUNK était 'le truc' qui te filais la pêche , les nouveautés , les Son US ça faisait rêvé aussi , et puis on se disait forcément qu'on avais un 'truc' à nous , que d'autre n'avais pas , cette musique était à nous et on pouvais pas nous la piquer , ni même nous 'interdire' le plaisir qu'elle nous apportait ..... sa t'amenais à la danse , au plaisir de téclater , d'inventer des pas , et plus la musique était bonne , plus t'avais envie d'inventer des nouveau pas et de te déchirer sur le dance floor (enfin le bittum à l'époque Laughing ) .Barry White , James Brown , c'est vrai que s'était les refs 'sacré' chez un certain public , peu être les 'anciens' , ceux qui avais 10ans de plus que nous en 80 , c'est à dire des 50/60 ans aujourdh'ui .Mais en 80 le FUNK à explosé , et ce qui était exceptionnel s'était ce coté nouveau , ça n'arrêtais pas de sortir , et toujours du SON plus fort , plus nouveau , différent , et pourtant on est passé à coté de tonnes de trucs , mais s'était déjà l'éclate ..... mais donc ça continue , enfin pour moi et pas mal d'autre je pense .... ce qui manque , c'est un peu plus de reconnaissance médiathique , par exemple pour que nouveau artiste puisse marcher et nous sorti quelques bombes encore aujourdh'ui , y'en a mais trop peu , et quel galère commercialement pour y arriver ...

Cette musique à été quand même une musique de minortié ,et l'ai encore , rien à voir avec l'Impact du Rock , de la POP ou même de la chanson Française .....

Musique de Banlieu pour moi ça n'a rien de négatif , toute manière la banlieu elle est partout maintenant , bien plus Grande et Vivante que la Capital ou que les grandes villes qui s'endorme question 'fiesta' ..... Je suis obligé de vous rejoindre, ayant connu ce phénomène.

En effet ayant passé ma jeunesse dans le 9.3 (le côté obscur de la force). A cette époque déjà c'était un brassage de nationalités et c'est ce qui rendait la banlieue si riche culturellement.Le Funk n'avait que peu le droit de citer (jeux de mots Rolling Eyes )dans les médias, en effet le début des radios libres de la bande FM en 81 a fait progresser la diffusion bien proprette en France.En effet des radios comme radio 7 ou Voltage FM ont fait exploser la funk en terme d'audience en région parisienne.

Tous les ghettos blaster et les autoradios diffusaient du shalamar, du EWF , du Kool & the Gand et consors. Je me souviens que celui qui ramenait un disque du rayon import de la Fnac ou d'un disquaire parisien le faisait écouter à tout le monde, en effet les fenêtres s'ouvraient et diffusaient largement le son sur lequel tout le monde dansait et s'extasiait.Mais aussi les autoradios des voitures des grands frères autour desquelles on s'aglutinait comme des mouches, je me souviens avoir écouté en boucle un dimanche après midi le LP de fat larry's band sur le parking devant le batiment.

Les radios nationales diffusaient plutot du disco, Cerrone Hernandez Ottawan... Ce qui faisait que la banlieue a été encore une fois le précurseur du mouvement en France, certes du au fait que cela venait des states. Et rebelote en 84 avec l'arrivée du Rap et du smurf.

La banlieue est très réactive, en effet elle sent et des fois aussi crée les tendances.

Mais elle fait peur aussi, et on lui colle maintenant une connotation péjorative, et du coup on lui laisse des trucs bien à elle comme une marque de reconnaissance à laquelle les biens pensants ne veulent pas être assimilés.

ça a été le cas avec les fringues, exemple le groupe NTM qui s'est approprié les vestes HELLY HANSEN, ensuite les personnes qui achetaient habituellement ces vêtements (les voileux) se sont éloignés de cette dernière pour ne pas être assimilé...La Funk a subi la même chose... Mais peut être que les bobos qui ont le pouvoir vont y trouver un certain engouement et la remettre sur le devant de la scène mais cela sera un dur combat... je suis également de votre avis,ce n'est pas du tout péjoratif de dire qu'il y a plus de gent issus de cités comme moi qui écoute de la funk et du rap que des gars habitants dans le 16 eme Wink

je suis née dans une cité et tout comme vous j'ai trempé dans cette ambiance Mr.Red

et je ne regrette pas du tout.c'est vrai qu'a l'époque les refs etaient plutot barry white,marvin gaye,kool and the gang,earth wind & fire ect...c'etait plus dur à l'époque de trouver des nouveautées,alors quand ça pouvait se faire ,c'etait la teuf et c la ou on usaient nos stan smith sur le bitume n'est ce pas christian Laughing et ca glissait mal dailleur lol Laughing

par contre j'ai des cousins qui on vecus lomgtemps dans des cités et qui écoute du hard rock,on ne prend pas forcément la même voie,et dailleur quand on parle de music affraid What a Face affraid What a Face ça fait des étincelles surtout quand ils me disent que ma music et morte What a Face c'est a ce moment la que j'aimerais bien que vous soyez là avec moi Confusedla music black est en moi et rien ni personne ne pourras m'en faire changer Wink les radios libres y on été pour beaucoup , parcque quand tu avais une radio dans ton salon , s'était toujours les mêmes trucs qui passait , et puis vers 81 , en tournant le bouton (quand t'avais le droit Laughing ) , si tu cherchais bien et que tu avais de la chance , tu tombais sur un truc 'inconnu' , jamais entendu , du FUNK !!!! dwarf Punaise et là ton cerveau faisait un tour , t'es sens aussi !! (pour peu que tu est été receptif , c'est pas le cas de tout le monde ...) , et là tu restait scotché sur le bouton , à le tourner en modissant les parasites créé par les grosses Radio autour !!!ça rajoutait à la puissance du truc , s'était furtif , un morceau de temps en temps par hasard , avec les parasites et l'impression que ça venais d'une autre pays , genre les US , voir d'une autre planète !!!quand j'ai entendu du BRASS Construction par exemple , ou du SOS BAND , vers 83 , ça à été un CHOC Terrible ! surtout qu'il donnais pas toujours les titres , après tu gardais ta K7 bien précieuse , on se les faisait écouter entre pote , déjà avec Nico, pour voir ce que chacun avais choppé , et ça s'était toute les semaines : 'alors ta enregistré quoi ? wouaaaaa la Tuerie !!!! et celle là !!!! wouaaaa Laughing 'en tout cas c'est sympa de voir que beaucoup on des histoires similaires , du vécu qu'on a eu chacun dans sa banlieu (moi s'était 94) , dans son quartier , dans sa cité , moi j'habitait pas une cité , mais le lycée de banlieu jouais bien le mélange , on était entre pote et de même délire , et qu'on soit de cité ou pas , on s'en foutait à l'époque , on kiffais la musique , était dans le même bain , même Bus , même centre commerciaux , direction Creteil Soleil ou Rosny2 Laughing pour trainer la savate , faire des conneries , et kiffer le SON .... En effet Christian, je me rappelle encore avoir passé des heures la nuit le week end et même parfois la semaine à écouter des émissions funk sur la bande FM et à enregistrer des K7 à tire l'arigot. Moi aussi dans ma cité (dans le 95) je rejoignais 1 ou 2 potes pour comparer ce que l'on avait enregistré, c'était terrible !je me rappelle aussi que je notais les noms des interprètes, des titres, des années, sur un petit carnet et ça m'a beaucoup aidé quand j'ai commencé à investir dans les vinyls sur Paris.

Et puis ensuite, étant le seul à acheter des vinyls dans la cité, les mecs débarquaient chez moi et me disaient "vas-y serge mets moi ça mets moi ci" et puis je leur faisais découvrir des tueries et là les gars ils étaient raides morts tellement ça tapait

Et puis quand tu avais un pote qui avait également une belle collection, c'était sympa d'aller chez l'un ou chez l'autre et du style "écoute celui-là tu ne l'as pas il est terrible"

Ah que de bons souvenirs !!

Après je ne sais pas si on peut dire que le Funk est un musique de banlieue mais je pense que ce n'est pas le plus important Bah comme d'habitude, je m'inscris en faux, absolument pas d'accord avec tout amalgame banlieue-black-Beur etc ...Je l'ai déjà dit à maintes reprises, j'avais 18 ans en 1980 et je n'ai pas vécu l'époque dorée du Funk par procuration !J'ai écumé les boites de nuit de la région parisienne et de France, avec mes potes black, beur, portuguais mais aussi plein de français bien blanc ...

Je n'y ai entendu que du Funk de 80 à 83, il faut arrêter de raconter des conneries ... Tous mes potes étaient à l'affût, je me rappelle encore de l'émotion à la découverte de One way/ al hudson - You can do it, Whispers - And the beat goes on - Prince - I wanna be your lover pour ne citer que des connus. Du matin à l'aube, c'était uniquement du funk et je ne parle pas que des boites branchées de la banlieue, mais ausi de très grosses boites comme le midnight express à La Défense, ou le studio sur les champs, le sands aux sables et des tas de megaboites sur la cote d'azur ou même à Rimini en Italie ...

Une grande majorité de jeunes de tous horizons écoutaient du funk, ne vous faites pas abuser ... C'était la musique à la mode, j'entends pour les jeunes qui sortaient !

Les Born to be alive, Cerrone, Sylvester ou autres Bee geeseries c'était avant, en majorité, de 76 à 79. A partir de 79-80, le son a changé en boite pour le plaisir de mes oreilles !!!

C'est vrai qu'il y a eu un manque de médiatisation au niveau du grand public, dommage qu'il n'y avait pas Internet .... Mais ce que les jeunes écoutaient quand ils sortaient, ils le cherchaient sur les radios, merci à Radio 7, Voltage FM de nous avoir fait fabriquer d'incroyables cassettes !!!

Bref j'en ai marre d'entendre dire que le Funk était une musique mineure, c'est archi faux, tellement les jeunes de ma génération en ont été imprégnés, on n'entendait que ça partout ou on sortait !C'est également faux que les banlieusards ne pouvaient pas rentrer dans les boites huppées ... J'ai trainé au palace juste pour citer LA boite ...

de 79 à 83, les gens se sappaient classe, veste rétro, chemise ou T-Shirt, pantalon à pinces en toile, collège aux pieds ou encore combinaison de couleur avec ceinture en toile de l'armée de couleur assortie qui retombait sur le coté, matez les pochettes de vos skeuds nom de dieu ! C'était avant 83 et le survet et les basket ringardes ... Bref habillé comme ça tu rentrais partout, ce n'était pas écrit sur ton visage que tu venais de la banlieue et du moment que t'avais de la monnaie ... s what you got, comme disent les Reddings ... et oui le funk était associé à la classe, le style, j'espère qu'il y en a qui l'ont vécu comme moi ..Vous allez dire que je focalise sur les boites de nuit ... mais le Funk c'est cà, c'est une musique de dance, de discothèque, une musique festive !!!

Rien à battre si ça ne passait pas sur France Inter ou à la téloche, le funk ça se mérite, il faut aller à sa rencontre !

Imaginez l'avènement du Funk s'il avait lieu aujourd'hui, avec Internet et la reconnaissance universelle de la musique black et de ses artistes ?En attendant, malgré ce manque de vecteur de promotion à l'époque, je note que dans de nombreux films récents, il y a du Funk 80 bien présent dans la bande sonore, donc pas si méconnue que ça ...

Rien à voir avec le Ghetto, c'est juste une musique ancienne, comme moi je ne m'emballe pas sur de la musique des années 60 ... et je pense que contrairement au Jazz, intemporel, c'est le sort de toute musique de dance de tomber un peu dans l'oubli ...Ca n'enlève rien aux qualités de cette musique fantastique qui contribue encore aujourd'hui à me faire aimer la vie et l'amitié !!! une petite nuance,un avis,un éclairage différent sur le sujet et ce que vous en avez dis : ne prenez pas ce que je vais dire pour quelque chose de péjoratif mais j'ai l'impression que vous avez une vision vachement parisiano-parisienne des choses en ce qui concerne le funk et la banlieue,idem pour l'idée de dire que les forces vives,l'avenir,l'energie créatrice viennent ou viendront des banlieues.Nul doute qu'il s'y passe beaucoup de choses et pas seulement des faits divers liés à la violence et autres mais la (les) banlieues ne sont qu'une infime partie ,un petit bout du (d'un) pays.L'essentiel du territoire ne vit pas sur le modèle des banlieues et tout ne vient pas de ces dernières sur le plan culturel,musical,mode etc.Il doit y avoir quelques centaines de grandes banlieues ( quartiers) en france, c'est à dire l'équivalent d'un paté de maison à l'échelle d'une ville.C'est comme les états unis qui se prennent pour le monde,ils faut qu'ils s'aperçoivent qu'ils ne sont qu'un petit point sur la mape-monde.Les "quartiers" ou" l'esprit" des quartiers n'ont pas générés que des supers trucs au niveau zique etc...Des groupes comme NTM ont insuflés des modes,des comportements qui sont pas forcement positifs.Cette tendance par exemple par mimétisme,identification, des jeunes à se la jouer badboys,à se la raconter, découle de l'image que ces rapeurs ont véhiculés.Comme si avoir un survet et une capuche sur la tronche te donnait le pouvoir et la certitude d'être un dur et de susciter la crainte.Cet été j'étais dans un bal (animé par un pote qui fait de la discomobile) et à un moment donné t'as des mecs qui sont arrivés avec survet,capuche sur la tronche, sourcils froncés et tout l'toutim (la panoplie du parfait badboy),et au bout d'un moment ils ont tombés toute la marchandise parce que trop chaud et dessous y'avait des mecs imberbes style 14 ans,qui avait encore du lait au coin des lèvres et qui se la racontaient.Franchement limite risible. Pour moi ils sont déguisés,comme on se déguisait en zorro quand on était môme.Les rapeurs comme NTM ont contribués à façonner,à influençer les jeunes de cette façon,avec cette façon de parler qui est plus de l'éructation qu'autres chose.Pour moi ce rap,c'est à dire celui du "rentre dedans",que beaucoup de mômes singent,c'est le nouvel opium du peuple,en plus branché.Et je ne confond pas avec les autres style de rap ( celui des 80's etc...).Tout ceci pour dire que je suis souvent sur les routes pour mon job et d'autres raison et que la majorité du pays ne vit pas sur le modèle et le tempo des banlieues,c'est qu'un microcosme.Et donc pour en revenir logiquement au funk, dans les grandes villes il a été une musique partagé par tous,par monsieur tout le monde (incluant bien sur les banlieues),diffusé largement sur les radios libres et donc connus de tous.Aux usa par contre c'est evident que c'etait une musique des quartiers populaires à la base,comme l'a été le rap,le smurf etc,mais il s'est démocratisé par la suite.Ici tous les mecs que je connais qui ont été ou qui sont fous de funk sont des gens de tous univers et de tous milieux.C'etait une musique de club,festive, impossible d'y échapper dans les sorties.Par contre c'est vrai que les mecs de quartiers ont une affection particulière pour cette sique.Ceux à qui je fais des cds le plus souvent sont des mecs qui ont connus cette période,qui ont fréquentés les club à l'époque et qui en sont nostalgique.Ca leur rapelle des souvenirs.Mais le raccourci funk-banlieue est peut être valable sur Paris mais sur le reste du territoire surement pas. il y a pas de Vrai ou de Faux , on ajuste tous des vécus différents et c'est intéressant d'avoir des avis différent justement pour voir que tout ne c'est pas passé pareil partout et pour tout le monde .Je me souviendrais toujours d'un mec sur un autre Forum qui disait que les années 80s s'était les pires moment de ça vie , et que le Funk de cette période il le détestait pour ça , s'était d'ailleur pas du FUNK pour lui , se garde se genre de discour en mémoire , même si je n'y adhère pas du tout et que c'est à l'opposé complétement de mon vécu , pour les 80s c'est la liberté , la rue (rien de négatif la dedant , je dis rue dans le sens Liberté et découverte , de ma rue , de mon quartier , de ma banlieu et ensuite de Paris , via les transports , s'était donc la fête de pouvoir allez partout sans retenue et sans crainte à l'époque ) , les années 80s pour moi c'est la fête , les 'booms' , le Funk et le Rap , la danse d'une manière générale puis à partir de 84 le Smurf et le Break , bref je vivait que par ça , le post dans le sac de sport pour allez au lycée .....Donc je pense qu'il faut lire et accepter que chacun à un vécu différent .La banlieue à été très réceptive à cette musique , car c'est une musique 'positive' et qui fais du bien à l'écoute , mais ce n'est pas une musique de Banlieu (fabriqué en banlieu) , c'est la même au US , c'est de la musique faites par des artistes dans des Studio , avec de sproductions , donc de l'Argent derrirèe , on est loin des trucs Rap fais dans un coin de la banlieu aujourdh'ui (d'ailleur moi je suis moin négatif sur le RAP , il joue un rôle , même si j'aimerais que musicalement il soit meilleur , et que le message soit plus positif , mais c'est juste que les mecs on perdu un truc en route , le coté DJ pour la recherche musical , et le coté écriture pour les messages , d'ailleurs quand ta rien à dire faut pas faire du RAP !!)Donc voilà , le FUNK n'est pas non plus une musique de boite de nuit (sujet aussi lancé par Petabass) , bien qu'il à marché quand il était à la mode début 80s , moi les boites ça reste aussi un 'microcosme' de peu de personne , j'y est Jamais mis les pieds pour ma part (enfin en 80s) , par contre j'ai été au Bataclan et en divers soirée et Boom , et ça envoyais du lourd , ça dansait comme j'ai rarement vue , et s'était l'éclate , et pour faire contre poid , j'était en survet/basket comme je l'ai toujours été , mais j'avais pas la bave au lèvre et je cherchais personne , sauf à la danse à la limite , mais ça restait bonne esprit , dans la lignée de 'beat stree' , j'avais ce modèle en tête , claqué à la danse , mais c'est tout ça s'arrête là .... (en fait on était plus démo , et le kiffe d'avoir les gens qui te regarde et t'aplaudisse ça suffisait , on avais un truc , pas besoin de jouer au balèze ....ce que je comprend qu'on soit obligé de faire quand on a rien )

Pour moi le coté boite de nuit , c'st justement le coté 'sappe' , 'thune' et ensuite 'drag' , voir même 'picole' , dans les 80s rien de tout ça ne m'intéressait , à part peu être la 'drag' , mais je le faisait plus par la tchatche et la danse , mais on m'a jamais laissé l'occasion de danser en boite C'est à dire que le funk dans les 80's t'y échappais pas,c'était la musique dominante dans les club,comme le disco avant lui (il a remplacé le disco par le principe de la sélection naturelle,comme dans la nature) mais pas seulement puisqu'il était omniprésent sur les radios.Qui ne connait pas Mel Brooks "it's good to be the king ?" même ceux qui n'aiment pas.Ensuite que ca soit pas dans nos gouts c'est une chose,mais tout le monde a été traversé par cette vague,aucune échapatoire possible,donc aucune catégories ou lieux n'a pu ignorer cette zique."funky town" de Lipps Inc est une melodie qui est connu de toute la planète,même si certains ne savent pas de qui il s'agit.Mais le funk (en france et europe en tout cas) a été connu par apport aux boites et radios,l'un marchait avec l'autre d'ailleurs.T'avais les djs qui faisaient des emissions funk la semaine et ils balancaient leur titres le w-end en club,une espèce d'autopromo.Le funk a donc été connu via les boites,comme musique de danse,sans les boites point de carton d'imagination,d'oliver cheatham etc.Ensuite on s'est apercu que c'etait plus large et qu'il existaient d'autres formes,plus elaborées,mais le funk reste attaché et identifié aux boites comme le musette est identifié aux bals musettes et autres guinguettes.Après l'ambiance des 80's c'est pas que du 100% tout bon,les mentalités à la con existaient déjà (elles se perpétuent de generations en generations),les connards et frimeurs avaient déjà pignon sur rues et les trucs qui daillaient étaient légion.Moi ce que j'ai pas aimé au niveau musical dans les 80's,bien que jeune,c'était la new wave et tout les hits branchouillards à la mode style Désireless,Etienne Daho,Axel Bauer et compagnie,ca ca m'a gonflé un max,une èspèce de musique pour petits bourges,tout ce que j'aime pas.C'est mon avis. je vois qu'un petit débat plutôt délicat vient de ce lancer sur la planète Funkysize bounce

Alors moi je ne vais pas écrire des lignes et des lignes mais j'aimerais juste dire que le Funk au même titre que la Soul et que le hip-hop aujourd'hui, reste tout simplement de par son origine une musique des minorités.

Et qui dit minorités, dit forcément banlieue, ghetto, black, blanc , beur....Si vous y regardez de plus près, les chanteurs de Jazz, de R'n'B(le vrais), de Soul, de Funk...Ce n'était que très rarement des petits blanc des quartiers chic, mais 90% de noirs afro-américain des ghetto pauvre des USA.

Donc, forcément il y à une certaine identification culturelle et j'irais même dire physique pour certains ce sont reconnu en Europe et particulièrment en France.

Après bien entendu , il ne faut pas forcément être Noir pour écouter du Funk, ou venir de quartiers populaires, mais cette étiquette restera à jamais graver dans cette musique, qui est, ne l'oublions pas, de la "BLACK music"! Dans les années 82/83/84/85/86, La FUNK était écoutée par de nombreuses personnes (Quartier ou Non). c'était la musique de l'époque.

En boite dans les années 82/83/84/85/86, la FUNK était naturellement la musique qui tournée, pas de partout mais beaucoup de FUNK quand même.

A partir de 87 environ, la FUNK comme nous l'entendons, passer de moins en moins en boite et seul les passionnés continuer à écouter cette musique (Quartier ou Non).

En 87, un patron de Boite m'a dit qu'il ne passait plus de FUNK car la FUNK était une musique de soi disant "racaille de quartiers" et attirer ces gens là. J'étais évidemment pas d'accord du tout avec lui. J'ai plein d'amis qui n'ont pas grandi dans un quartier et qui depuis toujours écoute de la FUNK.

Je dirai que la FUNK étant de la Black Music, les personnes de Quartier s'identifient plus à celle ci, idem pour le REGGAE.

Ce qui est vrai, c'est que dans les quartiers, la "DANCE MUSIC" au sens large (Pré - 1990) était/est beaucoup plus écouté que le ROCK ou le HARD. la FUNK, c'est la musique de la fête, de la danse, ect.Si on prend les Etats Unis (Patrie de la FUNK), la FUNK était au départ écoutée uniquement par les Blacks et c'est longtemps aprés que les blancs se sont mis à écouter cette musique et à danser dessus.Alors Non, la FUNK n'est pas une musique de banlieusards même si c'est vrai qu'elle est enormement écouter la bas.

A mon avis, il faut remonter aux racines de cette musique (USA), pour comprendre pourquoi les gens des quartiers aiment cette musique.Je pense qu'on est parti sur un amalgame : en effet on a jamais dit que le funk est une musique de banlieusards (Merci au passage de nous rappeler que pour faire des disques il faut de la thune et des studios... ) faite par des banlieusards ou alors de la banlieue de brooklyn, NYC...On a dit que la funk est et a toujours été une musique de prédilection dans les banlieues (parisiennes ou autres d'ailleurs c'est kiff à Lyon, Marseille, Nantes et consors.) Au passage Paris et sa région n'est pas une goutte d'eau mais représente quand même 1/6e de la population nationale.

Loin de moi l'idée de faire de Paris et la RP le centre du monde, pas de nombrilisme dans mes propros. Mais que les producteurs blancs y est trouvé une manne financière je suis d'accord. Mais pour ce faire il faut aussi la diffuser et la vendre et oui les discothèques y ont contribué, mais il faut bien reconnaitre qu'on y entendait souvent les même titres : Oliver Cheatham, Fat larry's bans, Whispers et Indeep. Si les radios libres n'avaient pas pris le relais on aurait stigmatisé la funk à ces quelques titres, heureusement il n'en ai rien et tous autant que nous sommes nous en découvrons tous les jours.

Si on a parlé de la banlieue c'est qu'on y a passé notre enfance et notre jeunesse, c'est un retour d'expérience en live....je tenais à eclaircir ce point.(c'est fait) Smile

Sur ce je vous souhaite à tous un joyeux réveillon en famille ou entre amis ou je pense que notre zik à toute sa place. sunny Je viens d'une famille aisée mais avec un amour inconditionnel pour la Musique avec un grand M, comme j'ai pu l'écrire auparavant, j'ai grandi dans un univers musical entouré de musiciens et de musiciennes.

Très vite, la musique afro-américaine a suscité mon attention et m'a amené à m'initier aux instruments comme le trombone et la guitare basse avant de m'amuser avec une boite à rythme pour créer quelques beats electro.

J'ai également beaucoup lu et regardé pas mal de documents sur ce sujet.Ce courant musical qu'est la funk a varié au cours des décennies depuis sa création jusqu'à sa fusion avec d'autres styles et non sa disparition comme je peux le lire à droite à gauche.Initialement, c'était une musique créée de toute pièce par les minorités noires qui revendiquaient, par leur musicalité, qu'ils étaient noirs et fiers de l'être pour être respectés par les blancs mais aussi pour proclamer leur égalité des droits vis-à-vis des gouvernements d'époque.

La funk servait d'échappatoire à leurs galères des quartiers car ils y vivaient, pour la plupart, dans des ghettos américains et ce style musical visait à les rendre plus joyeux face à l'oppression de la majorité blanche.

D'un discours funk plutôt radical du début 70's, ce courant a voulu séduire la communauté blanche dans les 80's en produisant des sons adaptables aux boîtes de nuit dans l'objectif de brasser les cultures, les influences, les personnalités pour produire de l'unité.

Le paradoxe c'est que nos banlieues françaises sont peuplées de minorités ethniques différentes qui se sont identifiées voire ont fortement emmagasiné ce que vivaient les afro-américains dans leurs quartiers américains mais aussi dans leurs consciences, ceci expliquant cela.

Après, dans cette logique de brassage et de métissage, des tas d'expériences individuelles issues de vécus différents peuvent se distinguer de ce lien avec le "ghetto" mais le fondement historique de ce style musical reste la symbiose entre la tradition africaine et la sensibilité européenne, un bon exemple qu'il serait judicieux de suivre pour restaurer la paix universelle entre les peuples.Revenir en haut Aller en bas C'est u peu ce que je voulais te répondre Moog Surprised normal que les blancs ont contribué à l'évolution de cette musique, car dur d'avoir un studio, des instruments et un ingé du son quand tu t'appel "Williams jackson Jr" que tu est noir et que tu est un chômeur au milieu du Bronx en 1975 avec le groove dans la peau blackeye C'est pas au regard de l'argent que je parlais,mais c'est un fait que les blancs ont mis leur grains de sable dans la démocratisation de la funk.Des grands groupes confirmés et certainement plein aux as passaient aussi par des studios et des maisons de disques tenues par des blancs,c'est ainsi.Mais pas que bien sûr.D'ailleurs pour ceux qui ont suivis l'histoire de la funk ou du disco ou même d'autres musiques les grandes maisons de disques n'étaient au début que de petites structures montées avec 3 bouts de ficèles par des passionés de zique et pas tout sûres du tout de marcher,et pas par des mecs friqués et gavés.Après c'est sûr qu'ils s'en sont mis plein les fouilles,mais l'appat et l'appétit du gain n'a pas de couleur ni d'apparence particulière .Témoins les rapeurs americains (ou autres) sortis du ghetto et revendicatifs au début qui deviennent miliardaires et s'accoquinent bien du système qu'ils dénonçaient au début et deviennent aussi suffisants et hautains que les mecs sur lesquels ils chiaient dans leurs premières années. Sad

Get Up, Get Down. Depuis l'arrivée de ces musiques noires en France, les minorités raciales, les beurs et les blacks en particulier, s'en sont emparés.

Mais tout ceci n'est qu'une partie de l'iceberg. Un iceberg de préjugés qui ont la peau dure.

C'est vrai que la Soul avec pour leader James Brown a fait swinguer bon nombre de cités, que le Funk, venu quelques années plus tard, a fait rêver et alimenté des centaines de soirées dans des boites comme le Pass' (Pacific), le Midnight Express, le Moretti ... mais également des boites comme Le Palace, le Rex Club ... dans lesquels les banlieusards n'avaient pas droit de cité.Que Positive Force, Delegation et Barry White chantaient des hymnes qui devenaient nationaux dans les "tiers-quar", des hymnes que personne n'a osé siffler.

Il n'était pas besoin d'habiter en cité ou en banlieue pour les aimer. Pour les écouter, oui, enfin peut-être. Quoi que !!!! C'est sur, le téléphone arabe fonctionnait bien mieux dans nos quartiers qu'ailleurs. Entre le foot et le baby. Il était quasi-indispensable pour faire passer le message. L'entassement a parfois du bon.Et à l'époque, il n'y avait pas beaucoup de médias pour diffuser et donc faire entendre ces musiques venues d'ailleurs.RTL et Europe No1 étaient hégémoniques sur les ondes et il ne fallait pas compter sur la première chaîne, Antenne 2 ou FR3 pour voir le moindre noir nous chanter Ramona à la télé si ce n'est La Compagnie Créole et encore si l'on avait été sage. Servie par la mère Danielle Gilbert, ces noirs là ne ressemblaient pas vraiment à ceux des pochettes de disques américains. Encore un postulat qui tombe. Tous les noirs ne se ressemblent pas. Il y en a de plusieurs sortes. Mazette !!!On croit rêver.De plus, quand on voyait un black, on essayait de nous faire croire qu'il était le seul, l'unique. Mais ce complexe est toujours rémanent dans notre beau pays. C'est une tradition bien française.Souvenez vous: Boney M fut quasiment l'unique groupe Disco visible en France même si l'on a eu droit à la pause Ottawan lancée par Bellolo et Morali (encore!). Qui eux, reconnaissons le, ne sont pas noirs.C'est François Mitterand et ses radios libres qui lancera le Funk en France. Sans le savoir, d'ailleurs. Si il l'avait su, il l'aurait certainement mis sous écoute ... mais avec le nombre important, à l'époque, de sorties hebdomadaires, il lui aurait fallu beaucoup beaucoup d'oreilles ... plus en tout cas que pour écouter Jean Edern ou Carole Bouquet. Mais revenons à nos artistes, aux vrais, à ceux qui nous préoccupent.

RTL, Bernard Shu et Sugarhill Gang

Avant cela, le premier qui nous amena sur un plateau d'argent du Funk à la radio, à la fin des années 70, fut Bernard Shu (RIP). Ce DJ/animateur, animait le Hit des Clubs, le samedi soir sur RTL, pardon, sur WRTL. On voit immédiatement la culture US dans cette appellation radiophonique.Ce monsieur qui habitait sur une péniche sur les quais de la Seine, a été le premier a programmer Rappers Delight de Sugarhill Gang en Europe - un mardi soir à 23h. Excusez du peu et ce quelques jours seulement après WBLS à New-York. Bravo et merci encore Arshu !!! Respect.

Ce type a élagué pour les radios libres un terrain miné de chanson française (légitime et de bien meilleure qualité que l'actuelle, ce qui n'est pas un exploit) et de faux chanteurs lancés sur la vague Disco par des producteurs sourds mais pas aveugles, enfin pas insensibles aux belles couleurs des Pascals (un Pascal, des Pascaux ???) de l'époque (billets de 500 francs soit 80 euros environ).

Bref, il aura tout donné ou presque et il faut se souvenir qu'à l'époque, point de lecteur mp3, pas de walkman, peu de possibilités d'enregistrer quoique cela soit, à moins de s'appeler bien sur Mitterrand ou de disposer d'une chaine hi-fi avec enregistreur de K7 mais c'était plus cher. C'est dire si l'on attendait ce rendez-vous quotidien et hebdomadaire avec impatience. Comme de juste, après les résultats de la dernière journée de foot sur la même antenne.

Mais rendons à Mitterand ce qui appartient à Tonton, c'est à dire la création des radios libres qui libéra beaucoup de talents et qui continue de le faire.

Le Funk et la musique noire importée des Etats-Unis ou d'Angleterre est enfin à portée de radio, à portée d'oreilles. De toutes les oreilles. d'où qu'elles viennent, d'où qu'elles écoutent.L'Etat lui-même donnera l'exemple en créant une radio libre pour jeunes, Radio 7, dans les locaux de Radio France (au premier étage à gauche par l'escalier, à droite c'était comme de coutume, les toilettes).

Et pendant ce temps, les jeunes, français, arabes et africains jouent au foot, se font refouler des boites de nuit ou passent des examens - pas seulement à l'hôpital. Une jeunesse normale qui passe son temps comme elle le peut. Une jeunesse qui écoute bien sur de la musique. Le plus souvent à la radio. Pas le choix. Pas encore.

Radio 7, Sidney, Carbone 14 et les radios libres

Radio 7 nous donnera l'une des émissions de radio les + mythiques de Funk en ce début des années 80.

Issus de Radio France, deux animateurs de talent, Smith et Wessun, nous offriront un véritable récital de Funk avec Destination Planète 7, pendant plusieurs années. Ils reprendront le concept utilisé par Bernard Shu, un petit animateur robot, et une programmation de OUF. Mais à l'époque, c'était hyper facile. Tout était bon !!!! Mais leur sélection n'en était que plus excellente.

Radio 7 a également eu la chance d'avoir Sidney. Enfin !! Et de la radio, la télé n'était pas trop loin.

H I P, H O P !!!!Alors ça vous revient. Un black avec une casquette (à l'époque ce n'était pas courant) qui débarque d'un avion à Roissy et qui nous parle de musiques venues d'ailleurs. De musiques faites par d'autres blacks. Si si, c'est possible, les noirs savent aussi chanter.

Alors, Sidney ? Un noir à la télé !!!! Oui, un noir, enfin pas trop, un peu, un noir à la Obama en moins politique et en tout aussi démocrate.et politiquement correct. Mais avant tout et surtout un fou de Funk, un musicien de talent, membre du génial groupe Black White & Co. Un type qui sait de quoi il cause. Même si il est noir ... bah voyons, c'est possible cela ?

Et quel animateur. Un modèle, vraiment !!! Bien meilleur que le DJ qui sévit désormais dans certaines soirées R&B parisiennes.Un tribun entertainer qui rendit coup pour coup à un ancien marin breton qui grimpait dangereusement dans les sondages. Œil pour œil, dent pour dent, mais Sidney, lui, a encore les siens. Dommage pour l'autre. La musique est plus forte que l'avanie, encore plus quand elle est bonne et distillée comme cela.

A côté de cela, il y eut Phil Barney (et oui, l'ex ancien chanteur), qui a commencé sa carrière comme vendeur dans un magasin de skeuds à Montparnasse, le Mini Club de Nuit ouvert par le créateur de Champs Disques, Alain Markezy. Un talent de fou qui fit les bonheurs de Carbone 14, la radio qui révéla Jean Yves Lafesse. Une radio que les sbires de Mitterand ont tenté à maintes reprises de fermer avec l'appui des CRS commandités par Michelle Cotta. Oui, la même Michele Cotta reconvertie en confidente des people/politiques. Mais encore une fois la musique fut plus forte que le pouvoir qui avait permis son existence. Ubuesque.

Phil animait sur Carbone une émission de Funk en plein après-midi. Une émission qui fit louper les cours à un nombre incalculable de collégiens et de lycéens. J'en fut, je le revendique. Pardon maman.On se souvient encore de ses mélopées et de ses envolées lyriques sur Too Hot de Pure Energy. Un truc de fou !!! Un truc de psychopathe, bien avant le 113. un feuj d'Algérie on da mic, du jamais vu, enfin pas comme cela. Le Manhattan Show, Sidney et Sex Maxhine ... et Dee Nasty Et qui pourrait oublier le Manhattan Show ? Pas moi en tous cas. Et encore moins vous, puisque sur Skeuds, nous avons ressorti cette émission des placards. Et ça marche !!! A l'époque, plusieurs centaines de milliers d'auditeurs en Ile de France écoutaient cette émission, d'abord sur Mercure 104 FM puis sur Canal 89. Merci Jean Michel, Fabrice et Deborah.Ce début des années 80 marque une France dominée par le socialisme revanchard, les bons sentiments à pas cher, par une gauche caviar qui ouvre et ferme des placards. Et enfin et surtout par une reconnaissance des enfants des éboueurs-garagistes-maçons de nos rues, de nos villes, de nos quartiers. Il était temps.

Les beurs et les blacks font la fête sur ces musiques urbaines. Ils dansent, chantent sur le Funk de Slave, Kool & The Gang ou Alicia Myers. Ils commencent à trouver leurs marques dans la société française. Montrent un visage que l'on ne voulait pas regarder. Pas voir.Le milieu des années 80, marque l'arrivée en masse du Rap et du Break, suivis de près par l'Electro. Les beurs restent avec Barry White, moins bon danseurs que les blacks, qui eux se retrouvent à la Défense ou à Stalingrad avec l'ami Dee Nasty, le Dj des pauvres, le Dj de Belleville. Le premier Dj médiatique en France. Un cœur en or.Un blanc, un français, un comble !!!! Que vient faire ce toubab dans cette mélasse ?

Tandis que TF1 fait le choix Sidney, Antenne 2 choisit un scénariste de BD et un amoureux de musique (plutôt blanche) pour animer la première émission de Funk à télé: Sex Machine. Ce sont Jean Pierre Dionnet et Phlippe Manoeuvre accompagnés de la pulpeuse et regrettée Pauline Laffont.

Quelle émission !!!

Un florilège des meilleurs clips de l'époque présenté(s) sur un scénario signé Dionnet. Du jamais vu.

Le Funk rentre en force à le télé, et avec la télé dans les foyers mais sans trop bousculer les clichés. Les tabous sont tenaces.Mais revenons à Dee Nesty, mon ami Daniel.

Ce Dj de légende s'émancipa sur Radio 7, puis fit les beaux jours de Nova avant de se faire virer par quelqu'un à qui il avait fait une fleur. Et pourtant, je l'avais prévenu.

NTM, Yop Yop ... avec Teddy Riley

C'était le belle époque des débuts d'un groupe composé par deux dyonisiens du nom de NTM, de Lionel D, le vigile de supermarché apprenti rappeur ...

Le rap français était né et d'entrée les meilleurs ont profité de cette naissance pour faire carrière. Et à en croire le nombre de spectateurs présents à leurs derniers concerts, ils le méritaient amplement. Et dire que j'ai été au patronage avec Didier. Marrant. Et oui, moi aussi, je suis de Saint-Denis.

Quand je lui ai raconté cela, il y a six ans environ devant Sony Music à Wagram, ça l'a bigrement fait marrer. Spank aussi d'ailleurs.Mais le rap français n'a pas empêché le Funk de perdurer dans les oreilles de nos banlieusards. Et des autres.

La faute aux radios libres, qui plus libres que jamais, malgré le retour d'une droite sursitaire aux affaires (qui causera la fin de Radio 7), s'en donnent à cœur joie et utilisent au mieux le large catalogue de cette vaste musique. Elles font passer le message, partout et pas uniquement dans le Nord, car les ondes radios comme celles de Tchernobill, ne s'arrêtent pas aux frontières, ni des banlieues, ni des pays.

Mais le son change. Les noirs américains veulent plaire au public blanc. Ils mettent des guitares électriques dans leurs chansons.Alors, les beurs, les noirs et les autres font de la résistance et nomment Oliver Cheatam, ministre du Funk et Barry White, ministre du patrimoine International. Aucune soirée digne de ce nom ne peut se passer de Get Down Saturday Night.L'intelligence de ces amoureux de musique a été de perpétuer ce mythe du Funk et de la Soul et de le transmettre aux petits frères, aux petites sœurs. On appelle cela la tradition orale.

On ne peut oublier comme cela les Whispers, Shalamar, Khemistry, Yvette Cason ... non, on ne les oubliera pas comme cela. On ne les a pas oubliés.

Puis arrive, à la fin des années 80, une nouvelle composante dans le paysage musical noir américain. La New Jack.

Pour ma part, je l'ai découverte dans un magasin Tower Records proche de Colombus Circle (on revient au Funk) à New York avec le premier album de Guy. Encore trois noirs me direz-vous. Oui et alors; à New-York, c'est plutôt moi l'étranger. Non ? Tout est relatif sauf en France.

Cette New-Jack est un croisement habile de Rap et de Funk/R&B.A l'initiative de ce nouveau courant musical on trouve un jeune homme de talent du nom de Teddy Riley. En France, les noirs adhèrent immédiatement, les beurs un peu moins, les autres, bah il n'y a pas de statistiques officielles fournies par l'INSEE. Et quand bien même, elles seraient discutables.Mais Make That Move, Let The Music Play ne s'oublient pas décidément pas comme cela ... et les radios jouent bien plus de Funk que de New Jack, malgré l'actualité débordante de cette nouvelle musique.

Le Rap lui, continue de faire des adeptes, cette mixité des genres musicaux renforce la mixité des cultures, la mixité des courants de pensée.

Le Rap se radicalise, devient plus agressif, plus revendicatif, vindicatif, plus pro-black aussi. Les revendications ne sont pas uniquement française et nationales.

Les anciens ne s'y reconnaissent pas trop. Leurs Dieux sont toujours Barry White, Joe Tex, Leon Sylvers ... pas Flavor Flav ni Roxanne même Shante .

RLP, lui, a quitté Radio 7 pour rejoindre Skyrock et jouer les sons électroniques de Chicago mais la résistance s'organise. Sans lui. RIP RLP.La suite, est ICI ...Alors, qu'en pensez-vous ? Vous avez peut-être des anecdotes à nous narrer, des histoires de l'époque.Et que pensez vous des ces raccourcis littéraires qui mettent les beurs, les noirs, les banlieusards, dans le même panier de linge sale ??tous des voleurs, tous des feignants, tous des incapables, tous des sans avenir ... et tous des p'tits gars qui pendant leurs nombreux loisirs, quand ils ne dépouillent pas une petite vieille, écoutent du funk, du rap et du r&b. Interdit pour eux d'écouter de la musique classique, du rock, ou rien du tout.

Et inversement, le rap, le hip hop, le funk, le r&b ne peuvent-être écoutés que par des noirs, des arabes ... si possible habitant en banlieue.Bref, donnez nous votre conception de la mixité sociale et raciale. Sans tabou, ni retenue mais avec courtoisie et politessse.Évitez les "ta mère elle s*ce des ours et ton père c'est John Mc Cain", on ne les laissera pas passer. N'alimentez pas la lie dont se servent nos amis anciens marins qui viennent de vendre leur paquebot.

Built for Brickworld 2013 as part of the "Wonka" collaborative. These builds represent all the chocolaty goodness of Mr. Willy Wonka's factory, the demise of undeserving children, and the simple heroics of Charlie Bucket. Welcome to the Inventing Room!

 

"Charlie Bucket stared around the gigantic room in which he now found himself. The place was like a witch's kitchen! All about him black metal pots were boiling and bubbling on huge stoves, and kettles were hissing and pans were sizzling, and strange iron machines were clanking and spluttering, and there were pipes running all over the ceiling and walls, and the whole place was filled with smoke and steam and delicious rich smells."

 

Tour the factory and see these other amazing bignettes that were part of the collaborative:

The Chocolate Room by Max Pointner

The Nut Room by Max Pointner

The Television Room by Dave Kaleta

The Bucket's House by Ian Spacek

Maker: John Adams Whipple (1822-1891)

Born: USA

Active: USA

Medium: blindstamp

Size:

Location: USA

 

Object No. 2016.386b

Shelf: C-17

 

Publication:

 

Provenance:

 

Other Collections:

 

Notes: Boston daguerreotypist John Whipple invented an albumen-on-glass negative process independent from those published by Niépce de St. Victor or the Langenheim brothers. Whipple used the term crystalotype to refer to these albumen plates as well as to the salted paper prints made from his glass negatives. Many of Whipple’s prints were stamped with the term crystalotype on the paper mount. When Whipple eventually switched to the collodion process to make his negatives, he continued for a short time to call the prints crystalotypes, a reference to the glass negative support. (source: Notes on Photographs).

 

John Adams Whipple (September 10, 1822–1891) was an American inventor and early photographer. He was the first in the United States to manufacture the chemicals used for daguerreotypes; he pioneered astronomical and night photography; he was a prize-winner for his extraordinary early photographs of the moon; and he was the first to produce images of stars other than the sun (the star Vega and the double star Castor and Pollux). Whipple was born in Grafton, Massachusetts, to Jonathan and Melinda (Grout) Whipple. While a boy he was an ardent student of chemistry, and on the introduction of the daguerreotype process into the United States (1839-1840) he was the first to manufacture the necessary chemicals. His health having become impaired through this work, he devoted his attention to photography. He made his first daguerreotype in the winter of 1840, "using a sun-glass for a lens, a candle box for a camera, and the handle of a silver spoon as a substitute for a plate." Over time he became a prominent daguerreotype portraitist in Boston. In addition to making portraits for the Whipple and Black studio, Whipple photographed important buildings in and around Boston, including the house occupied by General George Washington in 1775 and 1776 (photographed circa 1855, now in the Smithsonian). Whipple married Elizabeth Mann on May 12, 1847. Between 1847 and 1852 Whipple and astronomer William Cranch Bond, director of the Harvard College Observatory, used Harvard's Great Refractor telescope to produce images of the moon that are remarkable in their clarity of detail and aesthetic power. This was the largest telescope in the world at that time, and their images of the moon took the prize for technical excellence in photography at the great 1851 Crystal Palace Exhibition in London. On the night of July 16-17, 1850, Whipple and Bond made the first daguerreotype of a star (Vega). In 1863, Whipple used electric lights to take night photographs of Boston Common. Whipple was as prolific as an inventor as a photographer. He invented crayon daguerreotypes and with his partner, James Wallace Black, he developed the process for making paper prints from glass albumen negatives (crystalotypes). His American patents include Patent Number 6,056, the "Crayon Daguerreotype"; Patent Number 7,458, the "Crystallotype". (Source: Wikipedia)

 

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I N F O R M A C I Ó N D E L A P R O D U C C I Ó N

  

SINOPSIS CORTA

  

Cuando cuatro tipos poco convencionales descubren lo que hacen los grandes bancos, los

  

medios y los reguladores gubernamentales al ignorar el inminente colapso de la economía global, se les

  

ocurre una idea: La Gran Apuesta. Sus audaces inversiones los llevan al lado oscuro de la industria

  

bancaria moderna, donde deben cuestionar a todas las personas y todas las cosas. Basada en una

  

historia verdadera y el libro best seller de Michael Lewis (The Blind Side, Moneyball), dirigida por Adam

  

McKay (Anchorman, Step Brothers), La Gran Apuesta es protagonizada por Christian Bale, Steve Carell,

  

Ryan Gosling y Brad Pitt.

  

SINOPSIS LARGA

  

En 2005 MICHAEL BURRY (Christian Bale), un excéntrico administrador de mesa de dinero

  

y entusiasta de la música heavy metal que vive en San José, estudia miles de créditos individuales

  

agrupados en bonos hipotecarios de alta clasificación y descubre algo sorprendente: los productos

  

financieros están cargados con préstamos inmobiliarios falaces con vencimiento en los siguientes años.

  

Mientras los banqueros de Wall Street y las agencias reguladoras del gobierno ignoran esta bomba de

  

tiempo que ya comenzó su cuenta regresiva, Burry inventa un instrumento financiero llamado permuta

  

de incumplimiento crediticio con objeto de “acortar” el floreciente mercado inmobiliario, lo cual

  

consterna mucho a los propietarios e inversionistas de su fondo de cobertura.

  

Cuando JARED VENNETT (Ryan Gosling), un joven y eficiente banquero de Wall Street,

  

deduce la estrategia de Burry, utiliza una torre de inestables bloques Jenga para persuadir al irascible

  

administrador de fondos de cobertura MARK BAUM (Steve Carell) de que él también debe invertir

  

millones en permutas de incumplimiento crediticio. Al principio escéptico, Baum y su entusiasta equipo

  

de jóvenes analistas (Jeremy Strong, Hamish Linklater y Rafe Spall) hacen su propia investigación. Al

  

estudiar el mercado inmobiliario en Florida, entrevistan a varios agentes hipotecarios elocuentes que

  

suelen obtener créditos para compradores evidentemente subcalificados, incluyendo a una bailarina de

  

un club de strippers que adquirió varias propiedades sin un enganche inicial.

  

Mientras tanto dos jóvenes administradores de mesa de dinero, JAMIE SHIPLEY (Finn

  

Wittrock) y CHARLIE GELLER (John Magaro) también descubren la burbuja del mercado

  

inmobiliario. Ellos desean entrar en las grandes ligas financieras y se decepcionan cuando se enteran de

  

que su fondo de US$30 millones queda muy por debajo de los requisitos de casi US$1.5 mil millones

  

necesarios para lograr una silla en la mesa de los adultos. Así que recurren a BEN RICKERT (Brad

  

Pitt), un banquero convertido en fatalista ambiental, que usa sus conexiones para ayudarlos a que hagan

  

su propia apuesta contra Wall Street.

  

Cuando el mercado finalmente explota en 2008, estos inversionistas contrarios ganan miles de

  

millones, sin embargo quedarán afectados para siempre debido a su experiencia. Y mientras las

  

instituciones financieras cuya conducta irresponsable causó el problema son rescatadas por los

  

contribuyentes de Estados Unidos, millones de ciudadanos perdieron sus casas, sus trabajos y sus

  

ahorros para el retiro en una catástrofe económica cuyos efectos aún se perciben hoy en día.

  

Paramount Pictures y Regency Enterprises presentan una producción de Plan B

  

Entertainment, La Gran Apuesta, dirigida por Adam McKay (Step Brothers, Anchorman), protagonizada

  

por Christian Bale, ganador de un Premio de la Academia®, junto a Steve Carell, Ryan Gosling y Brad

  

Pitt, todos ellos nominados a un Oscar®. Los productores ejecutivos son Louise Rosner-Meyer (The

  

Hunger Games, The Hunger Games: Catching Fire) y Kevin Messick (Anchorman 2: The Legend Continues).

  

Producida por el equipo ganador de un Premio de la Academia: Brad Pitt, Dede Gardner (Selma, 12

  

Years a Slave), Jeremy Kleiner (Selma, 12 Years a Slave), con Arnon Milchan (Birdman: Or (The Unexpected

  

Virtue of Ignorance), Fight Club), nominado a un Oscar. El guión es de Charles Randolph (Love & Other

  

Drugs, The Interpreter) y Adam McKay, basado en el libro The Big Short: Inside the Doomsday Machine

  

escrito por Michael Lewis (Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game, The Blind Side: Evolution

  

of a Game). El director de fotografía es Barry Ackroyd (Captain Phillips, The Hurt Locker), nominado a

  

un Oscar. El diseñador de producción es Clayton Hartley (Horrible Bosses 2, We’re the Millers). La edición

  

es de Hank Corwin (The Tree of Life, Natural Born Killers). La diseñadora de vestuario es Susan Matheson

  

(Anchorman 2: The Legend Continues, Step Brothers) y la música es de Nicholas Britell (A Tale of Love and

  

Darkness, The Seventh Fire).

  

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

  

El escritor y director Adam McKay es mejor conocido como la mente maestra detrás de los

  

éxitos taquilleros de las comedias de Will Ferrell, entre ellas Step Brothers y Anchorman: The Legend of Ron

  

Burgundy, así como de “You’re Welcome America”, el espectáculo de Broadway nominado a un Tony

  

Award®. Sin embargo cinco años atrás, cuando leyó The Big Short: Inside the Doomsday Machine, le

  

fascinó la idea de realizar un proyecto completamente distinto. Intrigado por la mezcla de comedia,

  

drama y profunda tragedia en la brillante perspectiva tras bastidores de Michael Lewis sobre el preludio

  

del colapso económico global, McKay anhelaba tomar un descanso de las comedias ligeras y llevar La

  

Gran Apuesta a las pantallas de cine.

  

“Comencé el libro como a las 10:30 de la noche y pensé, ‘Sólo voy a leer 40 páginas’”, recuerda

  

McKay. “No podía dejar la lectura. Leí toda la noche y acabé el libro a las 6 de la mañana. Ese día le

  

conté a mi esposa acerca de los personajes y la forma en que la trama entrelaza todas las distintas líneas

  

argumentales y consigue una ‘rica’ historia que a la larga describe el colapso del sistema bancario, la

  

corrupción y la complacencia, pero al mismo tiempo es divertida y es conmovedora. Ella me respondió,

  

‘Debes realizarla’. Le objeté, ‘Soy el tipo que hizo Step Brothers’. Ni siquiera lo considero probable, yo

  

supongo que Scott Rudin o Plan B ya compraron los derechos de este libro”.

  

Y de hecho Plan B Entertainment, la compañía de producción de Brad Pitt, se había asociado

  

con Paramount Pictures para desarrollar La Gran Apuesta como un largometraje. El productor Jeremy

  

Kleiner descubrió profundas similitudes entre el enfoque del autor Michael Lewis hacia el béisbol y

  

hacia Wall Street en su libro Money Ball: The Art of Winning an Unfair Game. Comenta él, “Money

  

Ball y La Gran Apuesta abordan temas familiares que las personas creen que entienden, pero plantea

  

grandes interrogantes”, explica Kleiner. “La Gran Apuesta también tenía este elemento distintivo de

  

que los protagonistas no son los típicos ‘bienhechores’. Pensamos que esto era muy emocionante, así

  

que Paramount, nuestro socio, dio un paso adelante y adquirió los derechos. Ellos comenzaron el viaje

  

por nosotros”.

  

Una vez que McKay terminó de dirigir la exitosa secuela Anchorman 2: The Legend Continues, su

  

agente le planteó el reto de nombrar la película que más le gustaría dirigir. “Antes de darme cuenta de lo

  

que decía, respondí, ‘Si pudiera hacer algo, sería La Gran Apuesta’”. Plan B envió a McKay una versión

  

preliminar del guión escrita por Charles Randolph. “Consideré que el guión tenía cosas buenas, pero

  

también sabía exactamente cómo mejorarlo”, afirma McKay. “Me reuní con Jeremy y Dede Gardner, el

  

presidente de Plan B, para presentarles mi propuesta”.

  

El guión resultante incorporó el agudo ingenio de McKay en una historia acerca de un

  

momento que definió una era en la historia reciente de Estados Unidos. “La gente me conoce por

  

películas como Talladega Nights y Anchorman, o por los videos Funny or Die, pero siempre estoy

  

involucrado en distintas causas”, explica McKay, que dominó la sátira política como escritor principal

  

de “Saturday Night Live” antes de incursionar en su carrera cinematográfica. “Siento que tu trabajo

  

como ciudadano es poner atención a lo que ocurre tanto en la política como en la sociedad. Puedes ser

  

un payaso y ser rociado con botellas de soda, pero también debes votar y conocer lo que ocurre a tu

  

Los Inconformistas

  

El libro que emocionó tanto a McKay como a Plan B para realizar una película acerca de los

  

eventos que derivaron en la crisis bancaria proviene de la mente de Michael Lewis, maestro narrador de

  

historias de no ficción. Después de trabajar en un gran banco de Wall Street él mismo durante la década

  

de 1980, Lewis escribió el best seller Liar’s Poker, un libro divertido y revelador que describe el mundo

  

lucrativo y engañoso de las operaciones de bonos. El autor no tenía planes de escribir una secuela hasta

  

que ocurrió el colapso financiero en 2008. “Comencé a leer que los grandes bancos parecidos a donde

  

yo trabajé perdieron cientos de miles de millones de dólares en operaciones del mercado de bonos

  

hipotecarios de alto riesgo”, recuerda Lewis. “Los bancos pusieron sobre la mesa dinero falso y

  

perdían enormes cantidades... así que me pregunté, ‘¿Cómo puede ocurrir esto?’”.

  

En busca de respuestas, Lewis se reunió con ex banqueros inversionistas que se quedaron sin

  

trabajo después del colapso. “Salimos a tomar una cerveza y me dijeron extra oficialmente, ‘La única

  

razón por la cual te explico por qué perdí 10 mil millones de dólares en una sola operación es que tú

  

eres la razón por la que estoy en el negocio. Leí Liar’s Poker y me emocionó tanto que decidí ser

  

corredor de Wall Street’. Después de algunas conversaciones pensé, ‘¡Jesucristo, yo generé esta crisis!’

  

Tenía una influencia personal en estos tipos responsables de perder todo este dinero pues ingresaron a

  

la profesión por el libro que yo escribí. Entonces traté de entender cómo estas instituciones, que son el

  

corazón del capitalismo, se volvieron semejantes estúpidas e hicieron cosas tan suicidas. Los bancos

  

como Goldman Sachs están llenos de tipos extremadamente brillantes, bien educados y los mejores

  

egresados de Harvard, Yale y Princeton”.

  

Sin embargo, no fueron estos antiguos Amos del Universo de Ivy League los que terminaron

  

como protagonistas en el libro de Lewis. Más bien él centró su atención sobre los inconformistas que

  

desafiaron la sabiduría dominante de los bancos, los reguladores gubernamentales y los gurús de los

  

medios, para apostar todo lo que tenían a una falla sin precedentes del mercado inmobiliario

  

estadounidense. “Advertí que fueron estos tipos inconformistas de la periferia los que descubrieron la

  

corrupción que había invadido el sistema”, explica. “Ellos son los hombres que convirtieron mi idea en

  

el libro La Gran Apuesta y no se quedó simplemente en un artículo para una revista. Los hombres que

  

apostaron contra los bancos y consiguieron fortunas, ellos fueron los personajes que me interesaron”.

  

Dinero Inteligente

  

Uno de los excéntricos tipos poco convencionales fue el Dr. Michael Burry, un neurólogo

  

ubicado en San José y convertido en administrador de mesa de dinero, con un ojo de vidrio y la

  

tendencia de ir a trabajar descalzo. Christian Bale, actor ganador del Oscar, se identificó de inmediato

  

con Burry cuando el elenco se reunió en una sesión maratónica de 9 horas para conocerse antes de la

  

producción.

  

“Mike no interactúa mucho con otras personas, pero es uno de los hombres más brillantes,

  

conmovedores y sinceros que he encontrado”, dice Bale. “Mike estudió miles y miles de hipotecas

  

individuales con objeto de crear un patrón. Nadie más tuvo la energía para hacer eso. Todos los otros

  

sólo se divertían y ganaban mucho dinero. Nadie deseaba gritar, ‘Detengan el autobús, me quiero bajar’,

  

pero Michael sí lo hizo. Él descubrió que esto era un fraude total”.

  

Con la postura de visionario antisocial que interpreta, Bale no interactuó con las otras estrellas

  

en La Gran Apuesta. Casi todas sus escenas ocurren frente a una computadora o en una amontonada

  

sala de grabación donde su personaje libera tensión tocando la batería. “Yo estuve solo en una oficina

  

durante dos semanas interpretando mi papel, así que cuando vi el resto de la película fue una completa

  

revelación”, dice el actor británico. “No tenía idea de lo que estaban haciendo, pero ahora que la vi creo

  

que Adam creó algo enormemente divertido”.

  

McKay se maravilló de la plena inmersión de Bale dentro del papel. “Burry y Bale comparten

  

este rasgo cuando ambos se dedican únicamente a trabajar”, dice el director. “La gran concentración y

  

detalles que Christian aporta a su personaje son increíbles. ¡El primer día de filmación lo vi integrarse

  

en el papel y ¡boom! Se convirtió en Michael Burry durante el resto de la película, captó su ritmo y sus

  

rasgos físicos. Como a la mitad del rodaje, después de trabajar con Christian, le pregunté si no se había

  

cansado de mí después de decirle tantas veces, ‘Estupenda toma’”.

  

Un ejemplo de la concentración impecable de Bale fue su capacidad de interpretar la secuencia

  

de batería de heavy metal a pesar de que tenía una grave lesión en la rodilla que le ocurrió mientras se

  

balanceaba en un trampolín con sus hijos. “Christian les decía a todos, ‘Estoy bien, estoy bien’, pero

  

después veías su rodilla y estaba muy inflamada”, recuerda McKay. “Se lastimó todo, sus ligamentos, su

  

rótula, su menisco, otras cosas de las que nunca había oído hablar, así que le dije, ‘No puedes trabajar

  

así, no vas a tocar la batería, conseguiremos un doble’”. Pero Bale, que aprendió a tocar la batería en

  

sólo dos semanas para dar vida al personaje, insistió en hacer la secuencia él mismo. “Interpretó toda la

  

escena, salió perfectamente y después se retiró del set. En lo que se refiere a dominar el dolor, ésta es

  

una de las cosas más increíbles que he visto”.

  

El Cruzado de Wall Street

  

En el centro moral de la historia está el irascible administrador de fondos de cobertura

  

conocido en la película como Mark Baum, interpretado por Steve Carell, actor nominado al Oscar.

  

Baum, que dirige la subsidiaria de Morgan Stanley en FrontPoint, fascinó a Carell en varios aspectos.

  

“Mark tiene un compás moral muy sólido, pero al mismo tiempo está inmerso en el mundo de Wall

  

Street, por eso creo que en cierta forma se siente atormentado”, dice el actor. “Mark considera que es el

  

caballero en la brillante armadura, incluso si ésta tiene algunas abolladuras. La reducción del mercado

  

inmobiliario comienza como un intento de fastidiar a los bancos y él demostrará que estos tipos están

  

equivocados. Pero a la larga, ¿qué significa esa victoria en términos de colateral humano? ¿Quién resulta

  

realmente afectado? Mark se siente en conflicto debido a que gana toneladas de dinero de los bancos

  

que exprimen a personas comunes de la clase media. Es un aspecto espinoso que debe resolver”.

  

La rabia de Baum hacia la avaricia de Wall Street está llena de angustia por una dolorosa

  

pérdida que su esposa Cynthia (Marisa Tomei) le exige que reconozca. “Mark tiene un vínculo visceral

  

con este terrible evento que ocurrió y se culpa a sí mismo en cierta medida”, explica Carell. “Él se

  

pregunta, ‘¿Podría haber hecho algo más para evitar la tragedia? ¿Esto me transformó en alguien que no

  

me agrada y nunca quise ser así en primera instancia?’ Hay muchas cosas que inquietan a Mark Baum en

  

Para ayudar a Baum en su cruzada están los eficientes analistas de FrontPoint: Danny Moses

  

(Rafe Spall), Porter Collins (Hamish Linklater) y Vinnie Daniel (Jeremy Strong). En apoyo a la causa de

  

Baum estos sarcásticos jóvenes reformistas estudian números, formulan preguntas capciosas y hacen

  

investigación de campo. “Estos tipos tienen corazones de leones”, afirma Carell. “Aunque parece que

  

se divierten mucho, el verdadero trabajo nunca se aleja de sus mentes”.

  

Al retirar la cortina que cubre las tretas de Wall Street, Baum y sus protegidos emergen como

  

un quimérico equipo de cruzados brutalmente honestos. “Si Michael Burry es el oráculo solitario que

  

vio venir la catástrofe antes que nadie, los analistas de FrontPoint son los tipos en el nivel de la calle”,

  

explica McKay. “Ellos bromean, maldicen, son divertidos, buenos chicos. En el centro de FrontPoint

  

está Mark Baum, el feroz individuo que no confía en el sistema”.

  

La interpretación de Carell figura como la más reciente de varias colaboraciones que realizó

  

con McKay, a quien conoció cuando ambos actuaban en la troupe de improvisación Chicago’s Second

  

City; después volvieron a hacer equipo en las películas de Anchorman. Eso ocurrió antes de que Carell

  

fuera nominado a un Oscar por su papel como John du Pont, el multimillonario filántropo de la vida

  

real que se convirtió en asesino, en la película Foxcatcher. “Steve siempre fue un gran técnico con un

  

ritmo perfecto, pero cuando lo vi en Foxcatcher, pensé ‘¡Santo Dios!’”, dice McKay. “Su interpretación

  

me impactó de verdad”.

  

Carell aportó una inexorable búsqueda de excelencia para su papel, explica el director. “Steve

  

se exigía a sí mismo sin cesar, una toma tras otra. Yo afirmaba, ‘Eso fue grandioso’, pero él respondía,

  

‘No, no, no, debe haber algo más’, y sin duda lograba profundizarlo. Fue una fabulosa colaboración”.

  

Parte de este trabajo conjunto incluyó tratar a administradores de mesa de dinero de la vida

  

real. “Me reuní con algunas personas representadas por este personaje y analicé sus cerebros”, explica

  

Carrel. “No deseas hacer una personificación de alguien, pues ése no es realmente el punto. Pero sí

  

buscas reflejar una actitud y una forma de ser que estos hombres tienen”.

  

Carell se conectó instintivamente con el hallazgo de su personaje de que la corrupción que

  

contamina el mundo empresarial se extiende mucho más allá de Wall Street. “Creo que al final de la

  

película Mark tiene el corazón roto pues percibe la profundidad del fraude. Está rodeado de hombres

  

despreciables que actúan por los motivos más tristes, huecos y egoístas, percibe la peor inmoralidad en

  

las personas. Siempre esperas algo mejor de tus camaradas humanos”.

  

El Oportunista Honesto

  

El hábil operador del Deutsche Bank, Jared Vennett, interpretado por Ryan Gosling, actor

  

nominado a un Oscar, desempeña un rol fundamental al dar entrada a Mark Baum a los entresijos de

  

estos bonos hipotecarios mal respaldados. “La idea de Michael Burry confirma la sospecha de Jared de

  

que el mercado inmobiliario es demasiado bueno para ser verdad”, explica Gosling. “No pasa mucho

  

tiempo antes de que Jared reconozca el genio de lo que hace el Dr. Burry”.

  

Apodado por sus colegas como “Chicken Little” y “Bubble Boy”, Vennett convence a Baum y

  

a su compañía del inevitable fracaso de las obligaciones de deuda garantizadas (CDO) respaldadas por

  

“tramos”, es decir capas, de créditos hipotecarios de alto riesgo para gente con mal historial crediticio y

  

baja calificación FICO. “Jared emplea los bloques apilables del juego Jenga para demostrar a Baum y a

  

su banda cómo se construye un CDO sobre un cimiento endeble que inevitablemente se derrumbará.

  

Cuando Jared jala unas pocas piezas, toda la estructura colapsa”.

  

Vennett interpreta una secuencia muy importante cuando reta a Baum para que asista al Foro

  

de Valores Estadounidense en Las Vegas. “Jared esencialmente le dice a Mark, ‘Tu apuesta es contra

  

dinero tonto y te demostraré lo tonto que es realmente este dinero’”, explica Gosling. “Cuando lleva al

  

grupo de FrontPoint a Las Vegas, ellos definitivamente perciben lo inconscientes y arrogantes que son

  

estos administradores de mesa de dinero”.

  

Gosling tuvo oportunidad de conocer en la vida real al banquero de Wall Street en el que se

  

basa su personaje. “Fue muy útil en términos de decirme cómo concentrarme en el idioma y explicarme

  

lo que de verdad sucedió”, dice el actor.

  

A diferencia de otros protagonistas de la cinta, Jared Vennett aparece como un interno de Wall

  

Street de fácil discurso, cuyo cabello está arreglado por la estilista Adruitha Lee y el creador de pelucas

  

Alex Perrone, además de estar inmaculadamente vestido con trajes a la medida elaborados por la

  

diseñadora de vestuario Susan Matheson. Como representa un doble papel y también es narrador en la

  

película, a veces Jared se dirige al público directamente. Gosling aprovechó el encanto superficial de su

  

personaje para dar claridad a una historia que suele ser mal entendida.

  

“La inspiración que me atrajo para trabajar en este proyecto es que trata a los espectadores

  

como personas inteligentes”, explica. “Gran parte de la terminología de Wall Street está diseñada para

  

aprovecharse de los clientes. La forma en que Adam narra esta historia ayuda a entender lo que ocurrió

  

Los Advenedizos de Colorado y el Guerrero Zen

  

La tercera faceta de La Gran Apuesta implica a los novatos administradores de mesa de dinero

  

conocidos en la película como Jamie Shipley y Charlie Geller, interpretados por Finn Wittrock y John

  

Magaro. “Charlie es neurótico y le agradan los libros, mientras Jamie es más atlético pero también

  

increíblemente inteligente”, explica Wittrock, mejor conocido por su excelente papel en la exitosa serie

  

“American Horror Story”. “Cuando Jamie y Charlie descubren la burbuja inmobiliaria y analizan los

  

números, los dos piensan, ‘¿Estamos locos o esto es verdadero?’”

  

Con objeto de prepararse para el papel de Charlie Geller, Magaro invirtió tiempo observando a

  

los operadores de Wall Street. “Mi hermano trabaja en finanzas, así que visité su compañía de fondos

  

de cobertura y les di un curso sobre colapso ahí”, explica Magaro. “Considero que Charlie y Jamie son

  

jóvenes que funcionan como los personajes comunes en la película. Ellos en realidad no saben en lo

  

que se meten cuando descifran cómo es la situación verdadera. Imagino que muchas personas en el

  

público también aprenderán todo esto mientras ven la película”.

  

Trabajando en un garaje de Colorado donde crearon el Fondo Brownfield de US$30 millones

  

provenientes de US$110,000 de su propio dinero, los jóvenes inversionistas recurren al ex banquero

  

Ben Rickert (Brad Pitt) para que les ayude a asegurar un contrato maestro ISDA, el cual les permitirá

  

eludir a los corredores y tratar directamente con los grandes bancos. “Ben es un fatalista neurótico que

  

hace predicciones sombrías, come únicamente alimentos orgánicos y está convencido de que el mundo

  

se acabará en cualquier momento”, observa Wittrock. “Pero aún tiene las conexiones con el mundo de

  

la banca que Charlie y Jamie necesitan para acortar el mercado inmobiliario”.

  

Filmar escenas junto a Pitt, actor dos veces nominado al Oscar y productor ganador del Oscar,

  

fue algo especial para los jóvenes actores. “Es asombroso trabajar con Brad”, dice Wittrock. “Es muy

  

relajado y cualquier cosa que se requiera, la realiza sin problemas. Además es capaz de improvisar unos

  

diálogos increíbles que te inducen a reírte, incluso en una escena donde habla por teléfono.

  

Antes de la filmación, Pitt se sumergió en las creencias poco convencionales de Ben Rickert.

  

“El tipo real está convencido de que el cambio climático y las economías corruptas están destruyendo

  

los recursos naturales”, resalta McKay. “Él de verdad piensa que el mundo se va a terminar en los

  

siguientes 50 o 100 años. Brad expresa bien todo eso. Tiene algunas escenas geniales que improvisó,

  

como cuando dice ‘No usen semillas de Monsanto; deben ser semillas puras’. O puedes verlo en el

  

aeropuerto usando una mascarilla quirúrgica. Brad quiso profundizar en esta mentalidad debido a que

  

Ben no es simplemente un espontáneo fatalista loco. Es un hombre brillante y todo lo que hace está

  

respaldado por datos, incluso si la combinación de todo ello parece bastante loca. Ésta fue una de las

  

cosas realmente divertidas para Brad cuando interpretó este personaje”.

  

Las Celebridades Explican

  

Debido a que La Gran Apuesta ocurre en un ámbito de la industria plagado de terminología

  

compleja, McKay decidió que necesitaba una forma entretenida de aclarar ciertos conceptos esenciales

  

para el público “La gente debe conocer estas cosas para entender la historia, pero cuando escuchas las

  

primeras frases como ‘obligación de deuda garantizada’ o ‘crédito de intercambio’, te hacen sentir tonto

  

y aburrido”, afirma McKay. “Los banqueros hacen todo lo posible para que estas operaciones parezcan

  

muy complicadas, así que se nos ocurrió la idea de tener celebridades que emergen en la pantalla a lo

  

largo de la película y explican directamente los conceptos al público”.

  

Las estrellas invitadas aparecen en escenificaciones inteligentes e incluyen a Margot Robbie,

  

actriz de The Wolf of Wall Street, que desmitifica los valores garantizados por hipotecas mientras bebe

  

champagne en un baño de burbujas, así como a Anthony Bourdain, chef/anfitrión de TV que compara

  

las sobras de pescado con los activos financieros tóxicos.

  

McKay afirma que reclutó a Bourdain para la escena después de leer sus memorias Kitchen

  

Confidential. “Él dice a los lectores que no deben ordenar la sopa de mariscos pues ahí es donde los

  

cocineros ponen todas las porquerías no pueden vender”, comenta el director. “Yo pensé ‘Oh Dios,

  

ésta es una metáfora perfecta para una obligación de deuda garantizada (CDO), donde los bancos

  

agrupan un montón de hipotecas pésimas y venden eso como un producto financiero de clasificación

  

Para ilustrar el desastroso efecto dominó generado por el colapso de las así llamadas “CDO

  

sintéticas”, McKay reunió a Selena Gómez con el Dr. Richard Thaler, economista conductual, en una

  

escena ubicada en un casino. Mientras Thaler expone el concepto de “Sesgo de Extrapolación”, que es

  

la tendencia a suponer que algo que ocurre ahora continuará ocurriendo, Gómez está sentada frente a

  

una mesa de blackjack con un enorme montón de fichas. “Es una especie de dinámica alta-baja donde

  

tenemos a Selena que juega blackjack mientras los observadores hacen apuestas sobre su mano”, dice

  

McKay. “Fueron los inversionistas que hacían estas apuestas laterales sobre obligaciones garantizadas

  

por hipotecas a través de las CDO los que impulsaron la economía de todo el mundo hacia el punto

  

donde tuvo que explotar”.

  

Gómez admite que le sorprendió la llamada de McKay para La Gran Apuesta. “Leí el guión y

  

no entendí casi nada, eso me asustó mucho pues pensé que debía aprender acerca de nuestro sistema

  

económico”, dice la joven actriz y súper estrella pop. “Pero después de hablar con Adam me pareció

  

lógico ser parte de esta película. Me daba oportunidad de usar mi plataforma para comunicar esto a las

  

personas que se interesan en mí. Mi generación es la que tomará las riendas después. Es importante que

  

podamos comprender lo que ocurrió”.

  

Dirección de Fotografía de Alta Energía

  

Al director de fotografía Barry Ackroyd, el drama impulsado por diálogos de McKay le ofreció

  

una oportunidad de cambiar el ritmo después de filmar aclamadas películas de suspenso y acción como

  

The Hurt Locker, Captain Phillips y United 93. “Cuando Adam se acercó y me dijo que haría La Gran

  

Apuesta, mencionó como referencia United 93 debido a que hay gran cantidad de acción en esa cinta,

  

pero también es muy confinada”, explica el director de fotografía nominado a un Oscar. “Él y yo

  

hablamos acerca de cómo elevar la energía de las escenas donde las personas hablan en oficinas para

  

integrar al público en la conversación. Deseábamos que los espectadores sintieran que estaban en ese

  

lugar con el sujeto y pudieran escuchar lo que se decía”.

  

McKay aprecia la capacidad de Ackroyd para crear sensaciones a través de su experta

  

colocación y movimiento de las cámaras. “Barry utiliza una especie de técnica de filmación neo-vérité que

  

genera cierta intimidad y urgencia dentro del cuadro. En contraste, si filmas con el tradicional cuadro de

  

proscenio y tres capas de luces todo es más brillante y eso resulta intimidante para el público”.

  

Ackroyd colaboró de cerca con el diseñador de producción Clayton Hartley y la diseñadora de

  

vestuario Matheson, que trabajaron antes con McKay en Tallageda Nights, Step Brothers y Anchorman 2:

  

The Legend Continues. “Barry tiene el don de captar la humanidad de los personajes y transmite eso a

  

nuestros jefes de departamento”, dice McKay. “Uno de los retos más grandes a lo largo de toda la

  

película consistió en asegurar que nuestras locaciones y sets tuvieran vida propia por el modo en que se

  

filmaron y se diseñaron, lo mismo ocurrió con el vestuario, los peinados y el maquillaje. Todo se debía

  

sentir lleno de vida, con un poco de rispidez por la forma en que se presentaban las escenas”.

  

Ackroyd y McKay fomentaron una dinámica relajada en el set que permitió a los actores un

  

amplio espacio para explorar sus personajes. “Barry trabajó con Ken Loach, que es muy amigable con

  

los actores”, observa Gosling. “Él acomodaba las cámaras en la esquina de la habitación con grandes

  

lentes, así que los actores nos podíamos mover libremente dentro del espacio e interactuar unos con

  

otros de manera natural. Creo que todos hicieron su mejor trabajo en este entorno”.

  

Un Imán Cinematográfico

  

Con una perspectiva fresca e irreverente sobre uno de los sucesos más comentados del siglo,

  

La Gran Apuesta transforma un sombrío capítulo de la historia estadounidense en una narración

  

atractiva y cuidadosa a través del humor negro y los personajes ingeniosos.

  

Carell espera que la película sacuda algunas plataformas. “Si estuviéramos en una fiesta y

  

alguien me preguntara sobre lo que trata la película, le diría, ‘¿Recuerdas cuando las hipotecas de alto

  

riesgo explotaron y todas esas compañías salieron del negocio, pero ninguna persona fue a la cárcel?

  

¿Recuerdas eso? ¿Recuerdas cómo simplemente todo colapsó? ¿Y después el gobierno intervino y

  

exentó a todos y pareció que no pasó nada y todo estaba bien? De eso trata esta cinta. Es una película

  

de horror y resulta mucho más terrorífica que lo que acabo de describir’”.

  

McKay visualiza La Gran Apuesta como una llamada a la acción para los cinéfilos que están

  

cansados de las prácticas empresariales abusivas. “Esta película explora cómo una cultura entera puede

  

quedar atrapada entre las redes de un sistema corrupto”, comenta. “En mi optimista sueño fantástico,

  

mi esperanza es que esta cinta realmente indigne a las personas y salgan enojadas del cine y le pregunten

  

a su congresista cómo vota sobre la reforma bancaria. Éste es mi gran sueño. Mi sueño es que todos

  

hablen con su congresista y le digan ‘Si no limitas a los grandes bancos, sin importar si eres del ala

  

derecha o del ala izquierda, no votaré más por ti”.

  

Dejando a un lado el activismo, McKay espera que La Gran Apuesta lleve al público a un

  

paseo emocionante y formativo a través del asombroso mundo de los tratos financieros en las sombras

  

de Wall Street. “Es algo extraño debido a que el tema es bastante denso, pero si realizamos bien esta

  

película, La Gran Apuesta debe ser disfrutable y además abrirá muchos ojos. Michael Lewis escribe

  

estos libros interesantes sobre temas complejos y no puedes dejar de leerlos. De igual forma, espero

  

que La Gran Apuesta sea apasionante”.

  

ACERCA DEL ELENCO

  

CHRISTIAN BALE (Michael Burry) es uno de nuestros actores más admirados y un

  

intérprete bien conocido por la intensidad y versatilidad de su oficio. Su interpretación en The Fighter le

  

aportó el Oscar® en 2011 como Mejor Actor de Reparto y fue honrado además con un Golden Globe®

  

y muchos otros premios. También recibió nominaciones a un Premio de la Academia® y un Golden

  

Globe por su interpretación en American Hustle.

  

Bale podrá ser visto pronto en Knight of Cups, de Terrence Malick, junto a Natalie Portman y

  

Wes Bentley. Actualmente se encuentra en una locación en Europa filmando el drama The Promise, de

  

Terry George, coprotagonizado por Oscar Isaac y Charlotte Le Bon.

  

Sus otros créditos cinematográficos incluyen Henry V, The Portrait of a Lady, The Secret Agent,

  

Metroland, Velvet Goldmine, All the Little Animals, American Psycho, Laurel Canyon, The Machinist, Batman

  

Begins, The New World, The Prestige, Harsh Times, Rescue Dawn, 3:10 to Yuma, I’m Not There., The Dark

  

Knight, Public Enemies, The Flowers of War, The Dark Knight Rises, Out of the Furnace y Exodus: Gods and Kings.

  

Nacido en Gales, Bale creció en Inglaterra y Estados Unidos. Debutó en el cine con un papel

  

en Empire of the Sun, de Steven Spielberg, una cinta épica sobre la Segunda Guerra Mundial.

  

RYAN GOSLING (Jared Vennett) es uno de los talentos más buscados en la industria y una

  

genuina estrella de cine. Por su papel en Half Nelson, dirigida por Ryan Fleck y Anna Boden, recibió una

  

nominación a un Premio de la Academia como Mejor Actor. Gosling interpretó a Dan, un maestro de

  

bachillerato drogadicto. Gosling también fue nominado como Mejor Actor por Screen Actors Guild,

  

Broadcast Film Critics Association, Film Independent Spirit Awards, Chicago Film Critics Association,

  

Online Film Critics’ Society, Toronto Film Critics Association y Satellite Awards. Recibió el Premio

  

como Intérprete Masculino Destacado por parte de National Board of Review y reconocimientos como

  

Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Seattle y de Estocolmo.

  

El año siguiente Gosling fue honrado con nominaciones al Golden Globe y al SAG Award

  

(Mejor Actor) por su trabajo en Lars and the Real Girl. De nuevo fue nominado a un Golden Globe por

  

el drama Blue Valentine, coprotagonizado por Michelle Williams.

  

Gosling debutó como director con Lost River, estrenada en abril de 2015. Recientemente

  

terminó la producción de la cinta The Nice Guys, de Shane Black, donde trabajó junto a Russell Crowe.

  

Gosling podrá ser visto pronto en la película Weightless, de Terrence Malick. También protagoniza La

  

La Land, al lado de Emma Stone, escrita y dirigida por Damien Chazelle.

  

Gosling consiguió el controversial rol principal en The Believer y eso representó un hito en su

  

carrera. Su interpretación le aportó críticas favorables, amplia atención de la crítica y el premio del Gran

  

Jurado en el Festival de Cine de Sundance en 2001. También recibió nominaciones como Mejor Actor

  

por parte de Spirit Awards y de London Film Critics’ Circle. En 2004 fue reconocido como Estrella

  

Masculina del Mañana por ShoWest.

  

Sus otros créditos cinematográficos incluyen The Slaughter Rule, junto a David Morse; la cinta de

  

suspenso psicológico Murder by Numbers, al lado de Sandra Bullock; The United States of Leland, con Kevin

  

Spacey y Don Cheadle; The Notebook, junto a Rachel McAdams; Fracture, con Anthony Hopkins; Crazy,

  

Stupid, Love, al lado de Steve Carell y Julianne Moore; Drive, con Albert Brooks y Bryan Cranston; The

  

Ides of March, junto a George Clooney; The Place Beyond the Pines, con Bradley Cooper y Eva Mendes;

  

Gangster Squad, también protagonizada por Emma Stone, Sean Penn y Josh Brolin; así como Only God

  

Forgives, con Kristin Scott Thomas.

  

STEVE CARELL (Mark Baum) es un actor nominado a un Premio de la Academia, bien

  

consolidado en Hollywood como una fuerza multifacética. Inicialmente obtuvo celebridad por su

  

contribución como corresponsal del programa “The Daily Show with Jon Stewart”, de Comedy

  

Central, ganador de un Emmy Award®. Más adelante Carell transitó con éxito de la televisión hasta

  

llegar a la gran pantalla. Como testimonio de que sus talentos se extienden más allá de la actuación y la

  

escritura, Carell también estableció Carousel Productions, su propia compañía de producción.

  

El año pasado Carell protagonizó junto a Mark Ruffalo, Channing Tatum y Vanessa Redgrave

  

el drama Foxcatcher, nominado a un Oscar. Dirigida por Bennett Miller, la trama describe los eventos de

  

la vida real que rodearon la muerte del luchador olímpico David Schultz, asesinado por John du Pont.

  

En la película Carell interpreta a du Pont, que entrenó al prometedor luchador Mark Schultz (Tatum) y

  

su equipo para los Juegos Olímpicos de Verano de Seúl en 1988. Por su impactante interpretación

  

Carell recibió nominaciones al Oscar como Mejor Actor, al Screen Actors Guild Award en la categoría

  

de Interpretación Destacada por un Actor en un Papel Protagónico, al BAFTA como Mejor Actor de

  

Reparto, así como al Golden Globe como Mejor Actor en una Película Dramática.

  

En octubre de 2015 Carell protagonizó Freeheld, de Peter Sollett, al lado de Julianne Moore y

  

Ellen Page. Basada en el documental de 2007 acerca de Laurel Hester y Stacie Andree, la película narra

  

la historia de una pareja del mismo sexo que luchó para modificar la Ley de Asociación Doméstica con

  

objeto de que todos los empleados públicos de New Jersey pudieran otorgar los beneficios de su

  

pensión a sus parejas domésticas.

  

Carell terminó hace poco la producción de la siguiente película de Woody Allen, como parte de

  

un elenco coral que incluye a Blake Lively, Parker Posey, Kristen Stewart, Jesse Eisenberg y Corey Stoll.

  

En 2016 Carell comenzará la producción de Battle of the Sexes junto a Brie Larson, dirigida por

  

Jonathan Dayton y Valerie Faris, el dúo de directores de Little Miss Sunshine. Con un guión escrito por

  

Simon Beaufoy, ganador del Premio de la Academia, la historia se centra en el épico partido de tenis

  

jugado en 1973 entre Billie Jean King (Larson) y Bobby Riggs (Carell). El partido tuvo los más altos

  

índices de audiencia televisiva desde la llegada del hombre a la Luna.

  

Carell interpretó su primer papel protagónico cinematográfico hace 10 años en The 40-Year-Old

  

Virgin, película que él coescribió con el director Judd Apatow. La película alcanzó los primeros lugares

  

en las taquillas durante dos fines de semana consecutivos y recaudó más de $177 millones alrededor del

  

mundo, ocupando al lugar No. 1 en su estreno en 12 países. También generó más de $100 millones en

  

ventas de DVD en Estados Unidos únicamente. La cinta fue honrada con un AFI Award como una de

  

las 10 Películas Más Destacadas del Año y recibió el Premio a la Mejor Película de Comedia en el 11º

  

Evento Anual de Critics’ Choice Awards. Asimismo, Carell y Apatow compartieron una nominación al

  

WGA Award como Mejor Guión Original.

  

En 2010 Carell prestó su talento vocal al rol protagónico de Gru en la cinta animada Despicable

  

Me, que se estrenó como #1 en las taquillas y recaudó más de $500 millones alrededor del mundo. En

  

junio de 2008 Carell protagonizó el papel de Maxwell Smart en Get Smart, al lado de Anne Hathaway y

  

Alan Arkin. La película recaudó más de $230 millones globalmente. También prestó su voz en Dr.

  

Seuss’s Horton Hears A Who! dirigida por Jimmy Hayward (Finding Nemo, Monsters, Inc.) y Steve Martino

  

(The Peanuts Movie, Ice Age: Continental Drift), protagonizada junto a Jim Carrey. La película obtuvo más

  

de $297 millones en todo el planeta. En 2006 coprotagonizó Little Miss Sunshine, que fue nominada al

  

Premio de la Academia como Mejor Película y ganó el SAG Award como Interpretación Destacada por

  

un Elenco en un Largometraje.

  

Otros créditos notables incluyen Crazy, Stupid, Love, al lado de Julianne Moore, Ryan Gosling y

  

Emma Stone, producida por Carousel Productions, la compañía de producción de Carell; Seeking a

  

Friend for the End of the World, junto a Keira Knightley; Hope Springs, con Meryl Streep y Tommy Lee

  

Jones; The Incredible Burt Wonderstone, con Jim Carrey y Steve Buscemi; Despicable Me 2, que recaudó más

  

de $918 millones; The Way Way Back, escrita y dirigida por Nat Faxon y Jim Rash, ganadores del Premio

  

de la Academia; Anchorman 2: The Legend Continues, junto a Will Ferrell y Paul Rudd; Alexander and the

  

Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Day, junto a Jennifer Garner, dirigida por Miguel Arteta.

  

En 2011 Carell terminó su temporada de ocho años en la adaptación estadounidense de la

  

aclamada serie británica “The Office”, de Ricky Gervais, nominada a un Emmy Award. En 2006 Carell

  

obtuvo un Golden Globe Award como Mejor Interpretación por un Actor en una Serie de Televisión -

  

Musical o Comedia (seguida por dos nominaciones más en la categoría) por su papel de Michael Scott,

  

el petulante y tramposo jefe de una compañía de papel en Pensilvania. También fue nominado a seis

  

Emmy Awards como Mejor Actor Protagónico en una Serie de Comedia. El programa ganó el Screen

  

Actors Guild Award como Interpretación Destacada de un Ensamble en una Serie de Comedia.

  

En 2016 TBS estrenará “Angie Tribeca” bajo Carousel Productions, la compañía de Carell.

  

Creada por Carell y su esposa Nancy, la comedia es una visión satírica sobre los procedimientos

  

policiacos y es protagonizada por Rashida Jones. La serie se proyectó el 14 de marzo de 2015 en el

  

Festival de Cine South by Southwest. Carell fue productor ejecutivo, escritor y director.

  

Nacido en Massachusetts, Carell reside actualmente en Los Ángeles con su esposa la actriz

  

Nancy Carell (“Saturday Night Live”), a quien conoció cuando ambos eran miembros del Second City

  

Theater Group en Chicago. Es el orgulloso padre de una hija y un hijo.

  

JOHN MAGARO (Charlie Geller) se convirtió rápidamente en uno de los actores jóvenes

  

más atractivos y buscados en Hollywood; a la fecha tiene un diverso grupo de trabajos que incluyen

  

cine, televisión y teatro. Coprotagonizó Not Fade Away junto a Bella Heathcote, James Gandolfini, Jack

  

Huston y Christopher McDonald, dirigida por David Chase. La cinta se estrenó en el Festival de Cine

  

de Nueva York en 2012 y la interpretación de Magaro fue reconocida con el Spotlight Award por parte

  

de Hollywood Film Awards.

  

Magaro podrá ser visto en Carol, de The Weinstein Company, al lado de Rooney Mara y Cate

  

Blanchett. Ubicada en Nueva York en los años 50, la cinta narra la historia de un empleado de una

  

tienda departamental que sueña con una vida mejor, pero se enamora de una mujer mayor y casada.

  

Magaro trabaja actualmente en la producción de War Machine, también protagonizada por Brad

  

Pitt, que será estrenada por Netflix en 2016. Esta comedia satírica se basa en el libro bestseller The

  

Operators: The Wild and Terrifying Inside Story of America’s War in Afghanistan. Así mismo, Magaro

  

participó en The Finest Hours, de Disney, con Chris Pine, Casey Affleck y Ben Foster. Ubicada en 1952,

  

la historia se enfoca en una audaz misión de rescate de la Guardia Costera cuando un par de buques

  

petroleros quedan destruidos durante una tormenta cerca de Cape Cod.

  

Sus otros créditos cinematográficos incluyen Unbroken, Liberal Arts, Down the Shore, My Soul to

  

Take, The Box, Assassination of a High School President, The Life Before Her Eyes, The Brave One y Don’t Worry

  

También familiarizado con la pequeña pantalla, Magaro interpretó roles de estrella invitada en

  

diversos programas de televisión, como “The Good Wife”, “Person of Interest”, “Body of Proof”,

  

“Law & Order”, “Law & Order: SVU”, “Taking Chance”, “Conviction” y “Orange Is the New Black”.

  

Como actor teatral Magaro dio vida al papel protagónico en una producción aclamada por la

  

crítica de “Tigers Be Still”, escrita por Kimberly Rosenstock y dirigida por Sam Gold para Roundabout

  

Theatre Company. Magaro interpretó además el rol principal en “Good Television” de Rod McLachlan,

  

dirigida por Bob Krakower, para Atlantic Theater Company.

  

ACERCA DE LOS REALIZADORES CINEMATOGRÁFICOS

  

ADAM McKAY (Director, Escritor) está detrás de muchas influyentes y exitosas cintas a lo

  

largo de su carrera. Además dejó una huella indeleble en el mundo de los comediantes como miembro

  

fundador de la troupe de comedia Upright Citizens Brigade y como escritor principal de la venerable

  

institución de comedia “Saturday Night Live”, donde conoció a Will Ferrell, su socio de producción y

  

escritura hace mucho tiempo.

  

McKay y Ferrell han colaborado en varias películas, entre ellas Step Brothers, Talladega Nights

  

y The Other Guys. La asociación de McKay con Ferrell continuó cuando McKay regresó para coescribir y

  

dirigir Anchorman 2: The Legend Continues, secuela de su cinta clásica de culto Anchorman: The Legend of Ron

  

Burgundy. McKay produjo también Welcome to Me, protagonizada por Kristen Wiig, además escribió Ant-

  

Man, el éxito del verano de Marvel.

  

El talento de McKay se extiende más allá del cine. Es frecuente colaborador en el Huffington

  

Post y escribió para diversos proyectos, como “The Awful Truth” de Michael Moore; también dirigió y

  

produjo “Eastbound & Down” de HBO, además de producir la serie “Drunk History”, nominada a un

  

Emmy Award. En Broadway McKay dirigió la obra “You’re Welcome America”, que recibió una

  

nominación a un Tony Award®. En conjunto con Ferrell y Chris Henchy, McKay comenzó el sitio Web

  

de comedia Funny or Die, que recibe más de 35 millones de visitas cada año.

  

MICHAEL LEWIS (Autor) publica muchos libros sobre diversos temas y todos, excepto

  

uno, se convirtieron en best sellers del New York Times. Sus obras más recientes son The Big Short:

  

Inside the Doomsday Machine y Boomerang: Travels in the New Third World - ambas narrativas

  

ubicadas en la crisis financiera global, además de Flash Boys: A Wall Street Revolt, que se publicó en

  

abril de 2014.

  

The Blind Side, editada en 2006, narra la historia de Michael Oher, un niño afroamericano

  

pobre y analfabeta que vive en las calles de Memphis y cuya existencia se transforma cuando lo adoptan

  

unos cristianos evangélicos blancos. Antes escribió Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game,

  

una obra que trata aparentemente sobre el béisbol, pero también sobre la forma en que los mercados

  

valoran a las personas. Dos de estos libros con tema deportivo se convirtieron en películas nominadas a

  

diversos Premios de la Academia.

  

Otros trabajos de Lewis incluyen The New New Thing, acerca de Silicon Valley durante el

  

boom de Internet; Coach: Lessons on the Game of Life, que narra el poder transformador del

  

entrenador de beisbol de su propio bachillerato; Losers, sobre la campaña presidencial de 1996; así

  

como Liar’s Poker, una historia de Wall Street basada parcialmente en su propia experiencia cuando

  

trabajó como vendedor de bonos para Salomon Brothers.

  

Lewis es columnista de Bloomberg News y escritor colaborador de Vanity Fair. Sus artículos

  

han aparecido en The New York Times Magazine, The New Yorker, Gourmet, Slate, Sports Illustrated, Foreign

  

Affairs y la revista Poetry. Trabajó como editor y columnista para el semanario británico The Spectator,

  

además de ser editor senior y corresponsal de campaña para The New Republic. Adicionalmente Lewis

  

filmó y narró cortometrajes para “Nightline” de ABC-TV; creó y presentó un documental de cuatro

  

partes sobre las consecuencias sociales de la Internet para la BBC, además grabó historias para el

  

programa radiofónico público estadounidense “This American Life”.

  

Lewis creció en Nueva Orleans y se mantiene hondamente interesado e involucrado en la

  

ciudad. Ostenta una licenciatura en historia del arte de Princeton, así como una maestría en economía

  

por parte de London School of Economics. Actualmente vive en Berkeley, California, con su esposa

  

Tabitha Soren y sus tres hijos Quinn, Dixie y Walker. En 2009 publicó Home Game: An Accidental

  

Guide to Fatherhood, acerca de sus intentos de criar a sus hijos.

  

CHARLES RANDOLPH (Escritor) es un guionista que trabajó con muchos realizadores

  

cinematográficos importantes, entre ellos Steven Spielberg, Martin Scorsese, Milos Forman y Ridley

  

Scott. Sus créditos en escritura de películas incluyen Love and Other Drugs, de Ed Zwick (2010), con Jake

  

Gyllenhaal y Anne Hathaway; The Interpreter, de Sydney Pollack (2005) con Sean Penn y Nicole Kidman;

  

así como The Life of David Gale , de Alan Parker (2003), protagonizada por Kevin Spacey, Laura Linney

  

y Kate Winslet.

  

Randolph escribe actualmente un Western para Michael Mann.

  

Para televisión, Randolph escribió y fue productor ejecutivo de los pilotos de HBO: “The

  

Wonderful Maladys” (2010), una comedia y el drama “The Missionary” (2013).

  

El escritor vive en Nueva York con su esposa, la actriz Mili Avital y sus hijos Benjamin y

  

LOUISE ROSNER–MEYER (Productora) produjo el éxito de Sundance: The Last Time I

  

Committed Suicide, con Thomas Jane, Keanu Reeves y Adrian Brody; así como la comedia Denial, de

  

Adam Rifkin. Actualmente se encuentra en producción de la comedia de acción The Brothers Grimsby,

  

creada y protagonizada por Sacha Baron Cohen, al lado de Mark Strong, Rebel Wilson y Penélope

  

Cruz. Rosner trabajó como productora ejecutiva de los éxitos taquilleros The Hunger Games y The Hunger

  

Games: Catching Fire, protagonizados por Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth y

  

Woody Harrelson.

  

Rosner se unió al aclamado director Marc Forster como productora ejecutiva en Machine Gun

  

Preacher. Protagonizada por Gerard Butler, Michelle Monaghan y Michael Shannon, la película narra la

  

verdadera historia de Sam Childers (Butler), un delincuente que se convierte en defensor de los niños

  

desesperados e indefensos en un país desgarrado por la guerra en África.

  

Asimismo Rosner fue productora ejecutiva en las comedias The Goods: Live Hard, Sell Hard y

  

Baby Mama, con Tina Fey y Amy Poehler. En 2004 Rosner coprodujo Mean Girls, de Fey, que resultó un

  

éxito taquillero y de crítica. Sus créditos adicionales como productora ejecutiva incluyen Paparazzi, On

  

the Line y Firestorm.

  

Rosner coprodujo Hot Rod, protagonizada por Andy Samberg; Fracture, con Ryan Gosling y

  

Anthony Hopkins; Beauty Shop, con Queen Latifah; Get Over It, con Kirsten Dunst y Ben Foster; así

  

como la favorita de los adolescentes She’s All That. Adicionalmente Rosner fue productora de línea en

  

A Kid In King Arthur’s Court y Boys and Girls.

  

JEREMY KLEINER (Productor) es copresidente de Plan B Entertainment, de Brad Pitt.

  

Junto con Dede Gardner, supervisa la claqueta de producción y desarrollo de Plan B, que incluye

  

proyectos con los realizadores cinematográficos Bennett Miller, Bong Joon-ho, Yann Demange y Felix

  

van Groeningen, así como algunos prospectos de televisión en HBO, Netflix y AMC.

  

En 2014 Kleiner produjo 12 Years a Slave (New Regency), drama ganador de un premio de la

  

Academia, dirigido por Steve McQueen, así como Selma (Paramount), nominada a un Premio de la

  

Academia en 2015, dirigida por Ava DuVernay. Hoy en día se encuentra en producción de War Machine

  

(Netflix), dirigida por David Michôd y protagonizada por Brad Pitt; The Lost City of Z, dirigida por

  

James Gray, con Charlie Hunnam, Sienna Miller y Robert Pattinson; además de Moonlight, dirigida por

  

Barry Jenkins.

  

En televisión Kleiner fue productor ejecutivo de “Nightingale” (HBO), cinta nominada a un

  

Emmy Award, dirigida por Elliott Lester y protagonizada por David Oyelowo. Actualmente trabaja en

  

la preproducción de la próxima serie televisiva “The OA” (Netflix), de los creadores Brit Marling y Zal

  

Antes Kleiner produjo World War Z, de Marc Forster (Paramount), protagonizada por Brad

  

Pitt; también fue productor ejecutivo en las películas de Plan B: Kick-Ass, Eat Pray Love y The Private

  

Lives of Pippa Lee.

  

ARNON MILCHAN (Productor Ejecutivo) es ampliamente reconocido como uno de los

  

más prolíferos y exitosos productores de cine independiente durante los pasados 25 años, con más de

  

100 películas entre sus créditos. Recientemente Milchan produjo Gone Girl, dirigida por David Fincher y

  

protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike; la ganadora del Oscar como Mejor Película Birdman:

  

Or (The Unexpected Virtue of Ignorance), dirigida por Alejandro González Iñárritu y protagonizada por

  

Michael Keaton, Emma Stone, Andrea Riseborough y Ed Norton; la cinta épica Noah, dirigida por

  

Darren Aronofsky, con Russell Crowe; así como True Story, con Jonah Hill y James Franco.

  

Sus próximos estrenos incluyen The Revenant, de Iñárritu; protagonizada por Tom Hardy y

  

Leonardo DiCaprio, así como Assassin’s Creed, dirigida por Justin Kurzel, con Michael Fassbender y

  

Marion Cotillard.

  

Nacido en Israel, Milchan estudió en la Universidad de Ginebra. Su primer logro empresarial

  

fue transformar el modesto negocio de su padre en una de las compañías agroquímicas más grandes del

  

país. Esta temprana hazaña fue un heraldo de la reputación ahora legendaria de Milchan dentro del

  

mercado internacional como un hábil empresario.

  

Pronto Milchan emprendió proyectos en áreas que siempre le interesaron especialmente: el

  

cine, la televisión y el teatro. Sus primeros trabajos incluyen “Dizengoff 99”, “La Menace”, “The

  

Medusa Touch”, la miniserie “Masada”, así como la producción teatral de “Amadeus”, de Roman

  

Polanski. Al terminar la década de 1980, Milchan había producido películas tales como The King of

  

Comedy, de Martin Scorsese; Once Upon a Time in America, de Sergio Leone, así como Brazil, de Terry

  

Después del gran triunfo de Pretty Woman y The War of the Roses, Milchan fundó New Regency

  

Productions y siguió adelante para producir una cadena de exitosas películas, entre ellas JFK, Sommersby,

  

A Time to Kill, Free Willy, The Client, Tin Cup, Under Siege, L.A. Confidential, The Devil’s Advocate, The

  

Negotiator, City of Angels, Entrapment, Fight Club, Big Momma’s House, Don’t Say a Word, Daredevil, Man on

  

Fire, Guess Who, Mr. & Mrs. Smith, Big Momma’s House 2, Alvin and the Chipmunks, The Fountain, Mirrors,

  

Jumper, What Happens in Vegas, Alvin and the Chipmunks: The Squeakquel, Love & Other Drugs, Big Momma’s:

  

Like Father, Like Son, Alvin and the Chipmunks: Chipwrecked, In Time y 12 Years a Slave.

  

A lo largo del camino Milchan se unió a dos poderosos inversionistas y socios que comparten

  

su visión: Nine Network y Twentieth Century Fox. De hecho Fox distribuye las películas de Regency

  

en todos los medios alrededor del mundo, excepto en la televisión internacional de paga y libre, donde

  

Milchan aprovecha el creciente mercado de televisión y nuevos medios.

  

Milchan diversificó con éxito las actividades de su compañía en la esfera del entretenimiento,

  

específicamente en el mundo televisivo, a través de Regency Television (“Malcolm in the Middle”, “The

  

Bernie Mac Show” y “Windfall”) y en el ámbito deportivo, donde la compañía fue en algún momento la

  

accionista mayoritaria de Puma, la corporación global de ropa y zapatos atléticos ubicada en Alemania.

  

Puma se vendió en 2003, después de una exitosa renovación de marca. Asimismo Regency adquirió los

  

derechos mundiales de televisión para los torneos de la Asociación de Tenis Femenil (WTA) de 1999

  

hasta 2012 y cedió la licencia de estos derechos a Pan European Broadcaster Eurosport S.A.

  

Regency es propietaria de una significativa cantidad de acciones en Israeli Network, cadena de

  

televisión que llegó a Estados Unidos a través de un contrato de distribución por satélite con Echostar.

  

Regency también adquirió una importante cantidad de acciones en Channel 10, una de las dos únicas

  

estaciones de transmisión comercial en Israel.

  

KEVIN MESSICK (Productor Ejecutivo) se unió a Gary Sanchez Productions, la compañía

  

de producción de Will Ferrell y Adam McKay, en enero de 2009. La primera cinta donde fue productor

  

ejecutivo para la compañía fue la exitosa comedia “The Other Guys”, protagonizada por Will Ferrell,

  

Mark Wahlberg, Eva Mendes, Dwayne Johnson y Samuel L. Jackson. Él produjo, con Ferrell y McKay,

  

la aventura de cuento de hadas Hansel and Gretel: Witch Hunters, protagonizada por Jeremy Renner y

  

Gemma Arterton, que recaudó más de $220 millones alrededor del mundo. También fue productor

  

ejecutivo de Anchorman 2: The Legend Continues, donde volvió hacer equipo con Will Ferrell, Steve Carell,

  

Paul Rudd y David Koechner; la comedia Tammy, protagonizada por Melissa McCarthy; así como Get

  

Hard, con Will Ferrell y Kevin Hart.

  

Messick fue productor ejecutivo en la cinta de suspenso y acción Jack Reacher, protagonizada

  

por Tom Cruise, además de Casa de mi Padre, una película en español protagonizada por Will Ferrell,

  

Diego Luna y Gael Garcia Bernal. Con Ferrell y McKay, Messick también produjo la comedia The

  

Goods: Live Hard, Sell Hard. Messick tiene diversas películas en el horizonte, entre ellas Daddy’s Home,

  

donde vuelve a trabajar con Will Ferrell y Mark Wahlberg, que se estrenará el Día de Navidad; la

  

comedia de acción Masterminds, protagonizada por Kristen Wiig, Zach Galifianakis, Owen Wilson y

  

Jason Sudeikis; así como The Boss, con Melissa McCarthy, Kristen Bell y Peter Dinklage.

  

Antes de unirse a Gary Sanchez Productions, Messick era un productor independiente. Sus

  

créditos incluyen The Answer Man, protagonizada por Jeff Daniels y Lauren Graham (Selección Oficial

  

en el Festival de Cine de Sundance en competencia dramática); A Lot Like Love, con Ashton Kutcher y

  

Amanda Peet; el documental American Pimp, dirigido por Allen y Albert Hughes (Selección Oficial en

  

Sundance en competencia de documentales); Truth or Consequences, N.M, dirigida por Kiefer Sutherland y

  

protagonizada por Vincent Gallo; The Babysitter, con Alicia Silverstone; y Surviving the Game, dirigida por

  

Ernest Dickerson y protagonizada por Rutger Hauer y Ice T.

  

Messick obtuvo una Maestría en Bellas Artes por la Escuela de Teatro, Cine y Televisión de la

  

BARRY ACKROYD, B.S.C. (Director de Fotografía), es un director de fotografía

  

nominado al Oscar, así como ganador del BAFTA y del European Film Award, que adquirió la

  

reputación de filmar películas provocativas y dinámicas con directores de alto perfil, como Paul

  

Greengrass, Kathryn Bigelow y Baltasar Kormákur. También es conocido por su larga colaboración

  

cinematográfica con el creador británico Ken Loach. Ackroyd filmó por lo menos 12 películas para

  

Loach y culminó con The Wind that Shakes the Barley, ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cine

  

Los antecedentes de Ackroyd en documentales son evidentes en su trabajo ficticio y los mejora

  

con su sensibilidad afinada durante años de filmación en películas tales como The Leader, His Driver and

  

the Driver’s Wife, de Nick Broomfield, y Anne Frank Remembered, ganadora de un Premio de la Academia.

  

Realizó una exitosa transición de documentales a largometrajes, manteniendo la disciplina relajada y

  

libre que adquirió en sus primeros días como director de fotografía.

  

Ackroyd comenzó a trabajar con el director Paul Greengrass en United 93 y siguió con Green

  

Zone, protagonizada por Matt Damon, además de Captain Phillips, que le aportó nominaciones al ASC y

  

al BAFTA Award. Su colaboración continúa con la más reciente película de la perdurable franquicia

  

Jason Bourne.

  

Sus otros créditos incluyen The Hurt Locker, de Kathryn Bigelow, por la cual fue nominado a un

  

Premio de la Academia y obtuvo un BAFTA; la cinta Parkland, dirigida por Peter Landesman; así como

  

Dark Places, adaptación de la novela de Gillian Flynn, protagonizada por Charlize Theron y dirigida por

  

Gilles Paquet-Brenner. También trabajó como director de fotografía en la próxima cinta del director

  

Sean Penn, The Last Face.

  

Ackroyd asistió a la escuela de arte en el Norte de Inglaterra y originalmente estudió para ser

  

escultor. Comenzó a trabajar como director de fotografía debido a su amor por el cine francés New

  

CLAYTON HARTLEY (Diseñador de Producción) estudió arte y arquitectura en la

  

Northwestern University. Posteriormente comenzó a trabajar y ascender los rangos como asistente de

  

producción en Bad Boys y pronto pasó al departamento de arte en Strangers Kiss y Friday the 13th: A New

  

Beginning. Continuó su camino y trabajó como asistente del director artístico en The Return of the Living

  

Dead y Hoosiers y más adelante como director artístico en The Other Sister y Jerry Maguire.

  

Después Clayton se convirtió en diseñador de producción en varias películas, como Almost

  

Famous, Cheats, American Wedding, Anchorman: The Legend of Ron Burgundy, Kicking & Screaming, Talladega

  

Nights: The Ballad of Ricky Bobby, Semi-Pro, Step Brothers, She’s Out of My League y The Other Guys. Entre los

  

directores con los que colabora a menudo se encuentran Cameron Crowe y Adam McKay.

  

Hartley recibió una nominación a la Excelencia en Diseño de Producción por parte de Art

  

Directors Guild debido a su labor en Almost Famous. Su película Daddy’s Home llegará a los cines pronto;

  

actualmente se encuentra en producción de la película The House, para New Line.

  

HANK CORWIN (Editor) editó diversas películas de alto perfil, entre ellas The Tree of Life,

  

Snow Falling on Cedars, The Horse Whisperer, Nixon y Natural Born Killers. Entre los aclamados directores

  

con los que colaboró se encuentran Oliver Stone, Robert Redford, Michael Mann, Barry Levinson,

  

Bennett Miller y Terence Malick.

  

Como uno de los editores más influyentes en el mundo publicitario, la cartera creativa de

  

Corwin también incluye numerosas campañas galardonadas para agencias globales. Fundador de la

  

compañía editorial Lost Planet, Corwin aplica su sutil y matizado estilo de edición en campañas

  

publicitarias globales para diversas marcas, entre ellas American Express, Cadillac, Nike, Adidas, ESPN

  

y Absolut. Su trabajo comercial fue reconocido con honores por parte de AICP, Festival Internacional

  

de Publicidad de Cannes, Clio Awards, One Show, British Design & Art Direction (D&AD) y ANDYs.

  

NICHOLAS BRITELL (Compositor) es un galardonado compositor, pianista y productor.

  

Su música brilló prominentemente en 12 Years a Slave, película ganadora del Oscar del director Steve

  

McQueen, para la cual compuso e hizo arreglos de música de cámara, entre ellas interpretaciones de

  

violín, coros espirituales, canciones de trabajo y danzas. Los proyectos de Britell se han destacado en

  

diversas publicaciones que incluyen los diarios Wall Street Journal y New York Times, así como las revistas

  

New York y Vogue. Hace poco terminó la banda sonora para la película A Tale of Love and Darkness, que

  

marca el debut de Natalie Portman como directora y fue seleccionada para una proyección especial en

  

el Festival de Cine de Cannes en 2015.

  

Britell musicalizó el documental The Seventh Fire, de Jack Pettibone Riccobono, que se proyectó

  

en el Festival Internacional de Cine de Berlín en febrero de 2015. Britell escribió la banda sonora para

  

la película Gimme the Loot (dirigida por Adam Leon), que obtuvo el premio del Gran Jurado en SXSW

  

en marzo de 2012 y fue selección oficial en el Festival de Cine de Cannes en 2012 (Un Certain Regard).

  

Fue galardonado con el Henry Mancini Fellowship por parte de ASCAP Foundation en diciembre de

  

2012 y también obtuvo el ASCAP/Doddle Award

just a fun image today of the best shoes ever invented! The Vibram five finger shoes!!

Part of a diptych. The counterpart is 'Underworld'

La famille Lesage originaire de Verlinghem, dans le Nord de la France, s’est fixée dans le Haut-Rhin aux alentours de 1840. Pierre-François Lesage invente et développe un système de récupération des eaux usées des villes, pour les épandre sur les terres agricoles, puis achète une compagnie de transports à chevaux établie à Dornach, dont Oscar, né à Mulhouse en 1865, prend la direction en 1885.

Dix ans plus tard, Oscar Lesage achète des terrains à proximité de la future gare de marchandises de Mulhouse (rue Josué-Hofer) et entreprend la construction d’environ 8 000 m² de bureaux, entrepôts et quais de chargement. Le sol, argileux, permet de produire sur place les briques nécessaires aux nouveaux bâtiments : c’est ainsi que naît une deuxième branche d’activité. Entre 1900 et 1914, la production de la tuilerie passe de 3 millions de briques à 12 millions de produits divers, tandis que l’entreprise de transport devient la plus importante de la région. Après la Première Guerre mondiale, les deux fils d’Oscar, René et Paul, sont chargés, respectivement, des activités transports et tuileries, séparées en 1921 (Lesage et Cie pour les transports, Tuileries Oscar Lesage pour la terre cuite).

En 1946, c’est le fils de René, Philippe, qui crée les Voyages Lesage, revendus en 1986 à Gilbert Leiber. Celui-ci a conservé l’appellation d’origine pour les agences de voyages. Les Lesage réunissent aujourd’hui quelque 110 héritiers qui gèrent différents biens et activités, au premier rang desquels le groupe Rector Lesage, spécialiste de la fabrication d’éléments de plancher en béton, dont le siège social est toujours basé à Mulhouse et qui est dirigé par Rémi Lesage, arrière-petit-fils d’Oscar.

No matter what new technology is discovered and invented, kids seem to always be getting bored. Things that were once interesting are no longer and simply go to waste...

The piano is one of the most popular musical instrument. Its rich history makes it popular among music enthusiasts. Read the blog to learn more about the history of the piano, when was the piano invented, and who invented the piano.

Wikipedia:

The Hulett was invented by George Hulett of Ohio in the late 19th century; he received a patent for his invention in 1898. The first working machine was built the following year at Conneaut Harbor in Conneaut, Ohio. It was successful, and many more were built along the Great Lakes, especially the southern shore of Lake Erie to unload boats full of taconite from the iron mines near Lake Superior. Substantial improvements were later made on the design by Samuel T. Wellman. It is these second-generation Huletts which continue to stand to this day.[1]

 

www.flickr.com/photos/115892967@N03/12304972465

 

The Hulett machine revolutionized iron ore shipment on the Great Lakes. Previous methods of unloading lake freighters, involving hoists and buckets and much hand labor, cost approximately 18¢/ton. Unloading with Huletts cost only 5¢/ton. Unloading only took 5–10 hours, as opposed to days for previous methods. Lake boats changed to accommodate the Hulett unloader, and became much larger, doubling in length and quadrupling in capacity.

 

By 1913, 54 Hulett machines were in service. Two were built at Lake Superior (unloading coal) and five at Gary, Indiana, but the vast majority were along the shores of Lake Erie. The additional unloading capacity they brought helped permit a greater than doubling of the ore traffic in the 1900–1912 period. A total of approximately 75 Huletts were built. One was installed in New York City to unload garbage.

 

The lake's Huletts were used until about 1992, when self-unloading boats were standard on the American side of the lake. All have since been scrapped. In 1999, only six remained, the group of four at Whiskey Island in Cleveland, Ohio the oldest. Another set was used unloading barges of coal in South Chicago until 2002 and were demolished in the Spring of 2010.

 

In spite of the Cleveland machines being on the National Register of Historic Places and designated as a Historic Mechanical Engineering Landmark, they were demolished in 2000 by the Cleveland Port Authority to enable development of the underlying land.[2] The Port Authority disassembled and retained two Huletts, to enable their reconstruction at another site, but the reconstruction has not yet happened.

 

Many things have been invented in Birmingham, including the postal service and the postage stamp. This owl features celebratory stamps depicting all the things that are great about the city, past and present, including bands that were formed here, tourist attractions, architecture and in-ventions. This owl delivers every time and wears all of these quirky and evocative stamps with cheerful panache.

 

Artist: Helen Dodsworth

Has worked as a community artist and freelance designer since she graduated in 2001. Since 2011, she has been working as a freelance illustrator and running art workshops for children. She has a particular soft spot for drawing animals!

Website: helendodsworth.carbonmade.com

 

Sponsor: Citypress

 

Auction Price: £3500

 

The Big Hoot captured the imagination of everyone in Birmingham and beyond, with hundreds of thousands of people taking to the streets with their Big Hoot Trail maps to explore the colourful invasion of individually designed owls. Taking in the city’s 10 districts, tourists and residents alike enjoyed their owl adventure, discovering and celebrating the extraordinary creativity produced by many of Birmingham’s artistic community and over 25,000 young people.

 

The Big Hoot owls went under the hammer on 15 October 2015 at The Big Hoot auction sponsored by Vodafone and we are thrilled to have smashed our target by raising the incredible sum of £508,035!

 

The money raised from the auction will support Birmingham Children’s Hospital Charity’s £3.65m Star Appeal. This appeal will enable us to create a first of its kind, a Rare Diseases Centre in the UK specifically for children. It will provide co-ordinated care, treatment, support and most importantly hope to children and families living with a rare or undiagnosed condition.

 

In addition the auction raised £15,000 for G’owl’d by Temper with proceeds going to Edward’s Trust, and £7,800 for Fleet and Free with proceeds going to Birchfield Harriers.

 

So thank you - we simply couldn’t have done it without you.

 

Artists have played a major role in The Big Hoot, creating almost 100 owl sculptures. We would like to thank all the artists for their incredible creativity and hard work.

Professional artists from Birmingham, the wider Midlands region and further afield have created extraordinary giant owls that are all unique in style and character and represent the city’s creativity, history and heritage, music, fashion, architecture and attractions.

Birmingham is home to a wealth of artistic and creative individuals and communities and many award-winning and nationally and internationally acclaimed artists. We are delighted with the response from Birmingham’s creative community and are thrilled to work in collaboration with them to transform the streets, squares and parks of the city.

For five months artists have been creating owls in their studios, at home and in The Big Hoot Artists’ Studio at the Custard Factory in Digbeth. Their inspiring and innovative designs have been realised in genres including graffiti, illustration, fine art, graphics, typography, mosaic and new media. They have worked with both community groups and with corporates to realise ideas and create their stunning designs.

The Big Hoot not only provides a high quality and ambitious free public event for families but also supports the creativity of artists and celebrates talent and diversity. The Big Hoot has provided an inspiring relationship between the city and the arts.

The artists have also reached out to communities enabling more people to participate in the arts, to experience working with professional artists and to be inspiring and inspired. From the north to the south of the city residents groups, youth groups and older peoples’ groups have been collaborating with artists to generate ideas, design and create owls for The Big Hoot.

Creativity is everywhere but the opportunity to participate is not. A range of activities have been programmed within Birmingham’s diverse communities and people from the age of 3 – 97 and from wards within the city boundaries have contributed to The Big Hoot and helped make the event extraordinary. Our projects have seen artists working with hundreds of residents and community members including children in looked after care, older peoples’ clubs, young people and residents organisations to design and decorate the owls displayed as part of the 10 week public event.

Gardel

 

Para mí, lo inventamos.

Seguramente fue una tarde de domingo,

con mate,

con recuerdos,

con tristeza,

con bailables bajito, en la radio,

después de los partidos.

Seguramente nos dolía una foto en la pared,

algún no tengo ganas,

algún libro.

Yo creo que andaríamos así,

sonsos de aburrimiento,

solitariando viejos para qués,

sin mujer o sin plata,

y desabridos.

Seguramente nos sentimos de golpe

terriblemente solos,

muy huérfanos, muy niños.

Tal vez tocamos fondo.

Tal vez alguien pensó en el amasijo.

Entonces, qué sé yo,

nos pasó algo rarísimo.

Nos vino como un ángel desde adentro,

nos pusimos proféticos,

nos despertamos bíblicos.

Miramos hacia las telarañas del techo,

nos dijimos:

“Hagamos pues un Dios a semejanza

de lo que quisimos ser y no pudimos.

Démosle lo mejor,

lo más sueño y lo más pájaro

de nosotros mismos.

Inventémosle un nombre, una sonrisa,

una voz que perdure por los siglos,

un plantarse en el mundo, lindo, fácil,

como pasándole ases al destino”.

Y claro, lo deseamos

y vino.

Y nos salió morocho, glorioso, engominado,

eterno como un Dios o como un disco.

Se entreabrieron los cielos de costado

y su voz nos cantaba:

mi Buenos Aires querido...

Eran como las seis,

esa hora en que empiezan los bailables

y ya acabaron todos los partidos.

 

Humberto Constantini

Cuentista, novelista y autor teatral, participó desde joven en revistas de tono polémico. Entre 1963 y 1975 publicó "Un señor alto, rubio, de bigotes", "Tres monólogos", "Más cuestiones con la vida", "Una vieja historia de caminantes", "Háblenme de Funes", "Los héroes de Trelew", y "Bandeo". En 1976 se exilia en México.

Regresa al país en enero de 1984. Su novela "De dioses, hombrecitos y policías" (Premio Casa de las Américas 1979), fue traducida al inglés, alemán, hebreo y búlgaro. Dejó inconclusa su novela "Rapsodia de Raquel Liberman". Falleció el 7 de junio de 1987.

fuente: www.elortiba.org/gardel.html

 

Vidriera en Casa de antigüedades con gramófonos, lámparas, el perrito de RCA y retrato de Gardel "el zorzal criollo". San Telmo, Buenos Aires, 2004

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If you are interested in this picture, please contact me. Thanks.

susanamul@yahoo.com.ar

Oil on canvas 13x13

Back in WW I, the aeroplane had only been newly invented, and was not yet well understood from an aerodynamic point of view, or lightweight structures, or power-packs. To lift much more than a man with some machine guns you needed some serious power, and some serious wing area. The wing area issue had been addressed earlier by tri-plane designs, but this limited the maximum speed at which planes could travel. A shift to bi-plane design required a longer span or aerofoil section width, both enabled by the LUSAC-11 with a large 415.5 sq.ft wing area. Power was provided by a 425 Packard-developed V12 Liberty engine. Original orders stood at 3,525 units to be assembled by the body-builders at Packard, Brewster and Fisher-Body (later part of General Motors), however WW I ended earlier than the expected production schedule, and in the end, only 30 planes were produced, in total, including prototypes.

 

The link between the aeroplane and the car is the V12 engine.

 

As the USA entered WW I against Germany the Aircraft Production Board summoned representatives from the Auto industry to develop a lightweight, high power engine for aircraft. To cut a long story short, the Liberty V12, designed by the Packard motor company was the outcome. The engine was produced by multiple engine suppliers, including Packard, Marmon and Lincoln motor companies. The engine was or 27 litre swept capacity (1649 CID). Though not used in automobiles, the production technologies, tooling and engineering development expertise allowed these luxury marques, and additionally Cadillac, to produce V12 designs capable for automobile use.

 

The 1922 Packard Twin-Six 3-35 Roadster shown here was a development of the first automobile production V12 produced. First produced in 1916, this first series ran until 1923.

 

In three series between 1916 and 1923, Packard built slightly more than 35,000 Twins, including numerous chassis for custom bodies. The Twin Six was the chief reason why, when the wealthy ordered a custom-bodied car, they tended to choose a Packard chassis.

 

Jesse Vincent, Packard's chief engineer, liked the 12-cylinder layout for three reasons: performance, smoothness, and silence. "A six-cylinder motor is theoretically in absolutely perfect balance," he wrote. "This is because the vibratory forces due to the rise and fall of one piston are neutralized by equal and opposite forces due to another...Now it is only possible to cancel out forces in this way if they are tied together strongly."

 

This meant a heavy crankcase and crankshaft and a rigid flywheel. But a Twelve or "Twin Six," Vincent continued, would provide the same rigidity and smoothness with less piston, crankcase, flywheel, and crankshaft weight -- and provide more horsepower and torque, to boot. He preferred a V-12 to a V-8 because a V-8 would require a wider frame, larger turning radius, and more complicated steering gear.

 

The Twin Six engine duly embodied the above principles, with two banks of L-head cylinders set at a 60-degree angle (versus 90 degrees in Cadillac's V-8). This allowed accessories to be bolted just below the frame, where they were protected from road hazards, while keeping the valves accessible.

 

Delivering 85 horsepower at 3,000 rpm, a bore and stroke at 3.00 × 5.00 inches resulted in a displacement of 424 cubic inches. Rockers were eliminated, with a separate cam for each valve, and all valves were located inboard of the cylinder blocks. A short, light crankshaft ran in three main bearings.

 

The car shown here is a 1922 Series-3 car, bodied as a Roadster.

 

The Packard-Le Père LUSAC-11 (1917) and Packard Twin-Six 3-35 Roadster (1922) have both been modelled in Lego miniland-scale for Flickr LUGNuts 79th Build Challenge, - "LUGNuts goes Wingnuts", - featuring automotive creations inspired by, named after, or with some connection to aviation.

 

Invented in Hungary in 1974, this toy didn't make its international debut until early 1980, when it was shown at the London, Paris, Nuremberg and New York Toy Fairs.

 

Despite not hitting the toy shelves until just before Christmas, sales rocketed. Children and adults alike had to get their hands on one, but as demand far outstripped supply they became almost as difficult to buy as to solve.

 

It won the 1980 Toy of the Year Award and continued to dominate the toy market in 1981 picking up the title for the second year running.

 

For kids in Britain, solving the cube usually involved peeling each sticker off one-by-one - a messy job which often ended in disaster as the coloured squares refused to stick back on. It made it easier to solve in future though, as it was now completely black.

 

Breaking the cube open with a screwdriver and rearranging the pieces was another favourite option. But if you did it often enough one wrong twist could send pieces scattering into orbit.

 

(Taken for MacroMondays Theme : 1980s)

Audi pretty much invented the AWD passenger car (though Subaru has equal claim to fame) - the legendary 'quattro'. The system, so famously applied to the Audi Coupe in the early 1980s was deployed also on the sedan 80 model on the same platform, and was a feature on the aerodynamic 100 model, launched in 1982.

 

Before 'Q', quattro permitted relatively standard Audi models to get places that most cars couldn't. Customers like to demonstrate that they have something that others don't though, so the SUV became the ticket of entry for the middle-class families around the world. The SUV format didn't really sit well with the sophisticated look of Audis - so the company met the customers halfway, with the 'Allroad'. The first allroad, developed from the C5 -generation Audi A6 Wagon, debuted in 1999. The C6-generation in 2005, and the latest C7 generation in 2012.

 

A6 allroad quattro (2012–present)

 

The 2013 A6 allroad quattro was launched at the 2012 Geneva Motor Show, along with the 2012 RS4 Avant. Sales began in 2012.

 

The allroad model contains several unique features. Audi designed more than 1,100 new, unique parts for the allroad, setting it apart from the standard A6 and making it a true all-terrain vehicle. Most obvious, the allroad received special bumpers and fender flares, giving it an aggressive offroad appearance. The bumpers and fender flares feature a tough-wearing, matte finish, contrasting the rest of the body. The roof received this same coating, as well as four longitudinal ribs for increased strength. The unique bumpers also have integrated aluminum skid plates. The allroad featured larger diameter tires than the standard A6 for improved offroad capabilities. Redesigned headlights, larger side mirrors, and a lack of door "rub strips" are unique to the allroad.

 

The allroad comes standard with an adjustable air suspension system can lift the car high enough to provide 208 mm (8 in) of ground clearance; a low-range mode (an option with manual transmission), absent from other quattro-equipped vehicles, can be selected with the touch of a button. When used together, the two systems made it possible for the allroad to complete an official Land Rover test-course, thus far it is the only car-based SUV that has been proven capable of doing so in testing.

 

Conversely, the air suspension can lower the vehicle down to only 142 mm (6 in) above road level, and simultaneously stiffen the spring and damper rates to provide a sporty driving experience, much like that of the conventional A6 with the sports suspension.

 

German model went on sale in spring 2012. Early models included 3.0 TFSI quattro (310PS), 3.0 TDI quattro (204PS), 3.0 TDI quattro (245PS), 3.0 TDI quattro (313PS)

 

[Text from Wikipedia]

 

en.wikipedia.org/wiki/Audi_A6

 

This Lego miniland-scale Audi A6 Allroad (C7 - 2012) - has been created for Flickr LUGNuts' 105th Build Challenge, titled - 'The Great Outdoors!' - a challenge for any vehicle designed for outdoor adventuring.

Anyone can make a pair of blue jeans, but Levi Strauss & Co. made the first blue jean –– in 1873. And we draw upon our heritage to continually reinvent the blue jean for generation after generation.

 

Yes, Levi Strauss & Co. has a unique history and an amazing heritage, but it involves much more than faded denim. Our designers use products from our past to inspire the designs of tomorrow. And not only did we invent the blue jean, our Dockers® brand reinvented the khaki pant.

 

Levi Strauss & Co. has been innovating since the birth of the first pair of jeans in 1873. Throughout our long history, we’ve inspired change in the marketplace, the workplace and the world. We invite you to take a look at our proud heritage in this timeline.

 

Levi Strauss, the inventor of the quintessential American garment, was born in Buttenheim, Bavaria on February 26, 1829 to Hirsch Strauss and his second wife, Rebecca Haas Strauss; Levi had three older brothers and three older sisters. Two years after his father succumbed to tuberculosis in 1846, Levi and his sisters emigrated to New York, where they were met by his two older brothers who owned a NYC-based wholesale dry goods business called “J. Strauss Brother & Co.” Levi soon began to learn the trade himself.

 

When news of the California Gold Rush made its way east, Levi journeyed to San Francisco in 1853 to make his fortune, though he wouldn’t make it panning gold. He established a wholesale dry goods business under his own name and served as the West Coast representative of the family’s New York firm. Levi eventually renamed his company “Levi Strauss & Co.”

 

Around 1872, Levi received a letter from one of his customers, Jacob Davis, a Reno, Nevada tailor. In his letter, Davis disclosed the unique way he made pants for his customers, through the use of rivets at points of strain to make them last longer. Davis wanted to patent this new idea, but needed a business partner to get the idea off the ground. Levi was enthusiastic about the idea. The patent was granted to Jacob Davis and Levi Strauss & Company on May 20, 1873; and blue jeans were born.

 

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Levi carried on other business pursuits during his career, as well. He became a charter member and treasurer of the San Francisco Board of Trade in 1877. He was a director of the Nevada Bank, the Liverpool, London and Globe Insurance Company and the San Francisco Gas and Electric Company. In 1875, Levi and two associates purchased the Mission and Pacific Woolen Mills.

 

He was also one of the city’s greatest philanthropists. Levi was a contributor to the Pacific Hebrew Orphan Asylum and Home, the Eureka Benevolent Society and the Hebrew Board of Relief. In 1897 Levi provided the funds for twenty-eight scholarships at the University of California, Berkeley, all of which are still in place today.

 

At the end of the 19th century, Levi was still involved in the day-to-day workings of the company. In 1890 — the year that the XX waist overall was given the lot number “501®” — Levi and his nephews officially incorporated the company.

 

Levi Strauss passed away on Friday, September 26th 1902. His estate amounted to nearly $6 million, the bulk of which was left to his four nephews and other family members, while donations were made to local funds and associations.

 

We’re proud to honor Levi Strauss’s legacy by celebrating his commitment to community, philanthropy and an unswerving devotion to quality. To this day, Levi Strauss & Co. strives to align itself with the same principles that guided Levi’s life.

 

THE INVENTION OF THE BLUE JEAN

May 20, 1873 marked an historic day: the birth of the blue jean. It was on that day that Levi Strauss and Jacob Davis obtained a U.S. patent on the process of putting rivets in men’s work pants for the very first time.

 

Levi Strauss, a Bavarian-born dry goods merchant, came to San Francisco in 1853 at the age of 24 to open a West Coast branch of his brothers’ New York wholesale dry goods business. Over the next 20 years, he built his business into a very successful operation, making a name for himself not only as a well-respected businessman, but also as a local philanthropist. One of Levi’s customers was a tailor named Jacob Davis.

 

WE MADE OUR FIRST JEANS OUT OF DENIM - THE TRADITIONAL FABRIC FOR MEN'S WORKWEAR. WITHIN A VERY SHORT TIME, THE JEAN WAS A BONA FIDE SUCCESS.

 

One day the wife of a local laborer asked Jacob to make a pair of pants for her husband that wouldn’t fall apart. Jacob tried to think of a way to strengthen his trousers and came up with the idea to put metal rivets at points of strain, like pocket corners and the base of the button fly. These riveted pants were an instant hit. Jacob quickly decided to take out a patent on the process, but needed a business partner to help get the project rolling. He immediately thought of Levi Strauss, from whom he had purchased the cloth to make his riveted pants.

Davis wrote to Levi to suggest that the two men hold the patent together. Levi, being an astute businessman, saw the potential for this new product, and agreed to Jacob’s proposal. The two men received patent #139,121 from the U.S. Patent and Trademark Office on May 20, 1873.

 

history-of-denim2Soon, the first riveted clothing was made and sold. We made our first jeans out of denim — the traditional fabric for men’s workwear. Within a very short time, the jean was a bona fide success. (Although, we should note that they were called “waist overalls” or “overalls” until 1960, when baby boomers adopted the name “jeans.”)

 

We consider May 20, 1873 the “birthday” of blue jeans, because although denim pants had been around as workwear for many years, it was the act of placing rivets in these traditional pants for the first time that created what we now call jeans.

 

The next time you see someone wearing a pair of Levi’s® jeans, remember that these pants are a direct descendant of that first pair made back in 1873. That year, two visionary immigrant Levi Strauss and Jacob Davis turned denim, thread and a little metal into what has become the most popular apparel on earth.

 

www.levistrauss.com/our-story/

 

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This photo was taken the day after Luke, my cat and friend, passed away (2/26/2019). I was going to bury him in the jeans, but got him cremated. I have saved his remains in both a pine box made in Montana and a small steel and glass vial. I also have his paw prints on paper with ink. As well as a paw and claw print hardened into clay.

ift.tt/1SMZfp1

I was just trying to invent something different tonight, so "deconstructed bacon wrapped shrimp" over an edamame and mung bean fettuccine tossed in olive oil and parmesan, with a broiled lobster tail and Pomagranate seeds; paired with a glass of 2014 Columbia Valley Sharecroppers Syrah. The wine aside, this plate cost me less than ten dollars to prepare. #chefmark #gourmetonapaperplate #seafoodloverinyou

Yeshiva University's annual hackathon, a 24-hour coding and technology event. Named Invent YU, this year's theme focused on Israel and the start-up culture in Israel.

Audi pretty much invented the AWD passenger car (though Subaru has equal claim to fame) - the legendary 'quattro'. The system, so famously applied to the Audi Coupe in the early 1980s was deployed also on the sedan 80 model on the same platform, and was a feature on the aerodynamic 100 model, launched in 1982.

 

Before 'Q', quattro permitted relatively standard Audi models to get places that most cars couldn't. Customers like to demonstrate that they have something that others don't though, so the SUV became the ticket of entry for the middle-class families around the world. The SUV format didn't really sit well with the sophisticated look of Audis - so the company met the customers halfway, with the 'Allroad'. The first allroad, developed from the C5 -generation Audi A6 Wagon, debuted in 1999. The C6-generation in 2005, and the latest C7 generation in 2012.

 

A6 allroad quattro (2012–present)

 

The 2013 A6 allroad quattro was launched at the 2012 Geneva Motor Show, along with the 2012 RS4 Avant. Sales began in 2012.

 

The allroad model contains several unique features. Audi designed more than 1,100 new, unique parts for the allroad, setting it apart from the standard A6 and making it a true all-terrain vehicle. Most obvious, the allroad received special bumpers and fender flares, giving it an aggressive offroad appearance. The bumpers and fender flares feature a tough-wearing, matte finish, contrasting the rest of the body. The roof received this same coating, as well as four longitudinal ribs for increased strength. The unique bumpers also have integrated aluminum skid plates. The allroad featured larger diameter tires than the standard A6 for improved offroad capabilities. Redesigned headlights, larger side mirrors, and a lack of door "rub strips" are unique to the allroad.

 

The allroad comes standard with an adjustable air suspension system can lift the car high enough to provide 208 mm (8 in) of ground clearance; a low-range mode (an option with manual transmission), absent from other quattro-equipped vehicles, can be selected with the touch of a button. When used together, the two systems made it possible for the allroad to complete an official Land Rover test-course, thus far it is the only car-based SUV that has been proven capable of doing so in testing.

 

Conversely, the air suspension can lower the vehicle down to only 142 mm (6 in) above road level, and simultaneously stiffen the spring and damper rates to provide a sporty driving experience, much like that of the conventional A6 with the sports suspension.

 

German model went on sale in spring 2012. Early models included 3.0 TFSI quattro (310PS), 3.0 TDI quattro (204PS), 3.0 TDI quattro (245PS), 3.0 TDI quattro (313PS)

 

[Text from Wikipedia]

 

en.wikipedia.org/wiki/Audi_A6

 

This Lego miniland-scale Audi A6 Allroad (C7 - 2012) - has been created for Flickr LUGNuts' 105th Build Challenge, titled - 'The Great Outdoors!' - a challenge for any vehicle designed for outdoor adventuring.

www.twitter.com/Memoire2cite Les 30 Glorieuses . com et la carte postale.. Il existe de nos jours, de nombreux photographes qui privilégient la qualité artistique de leurs travaux cartophiles. A vous de découvrir ces artistes inconnus aujourd’hui, mais qui seront peut-être les grands noms de demain. 69 BRON PARILLY LA VILLE NOUVELLE LES UC, UNE CITÉ DU FUTUR @ UN TOUR DE VILLE AUTOUR DU TEMPS Le préfabriqué @ Invention capitaliste française de l’après guerre, devenue symbole du socialisme triomphant dans les années 60, le panneau en béton lie le destin des peules. Un film historique sur une réalité partagée racontée par des habitants et par des archives inédites. www.dailymotion.com/video/x413amo Dans l’Est de l’Europe, un élément répétitif marque les villes et standardise le paysage. C’est un panneau en béton préfabriqué qui s’expose inlassablement sur des kilomètres de barres d’habitation. Des millions de personnes vivent dans des logements identiques de Paris à Moscou. www.dailymotion.com/video/x413amo Apres la guerre les Français n ont plu de toit...le gouvernement lançe alors 1 vaste progr de constr de lgts.. les Cités Modernes @ Il faut batir à échelle industrielle, il faut penser à l echelle des Villes L'invention du préfabriqué desormais le permet. dailymotion.com/video/x413amo Le bonheur est dans le béton ... Le logement préfabriqué, victime de son succès en France, fut exporté en Europe de l'Est. Qui se souvient de tout ça .. Il y avait l idee de construire massivement au plus vite ds un temps record et le moins cher possible @ Le quartier des UC à Parilly, a été la première des grandes cités construites en France, au milieu du 20e siècle, et fut en son temps un modèle. 1950. La Seconde guerre mondiale a laissé derrière elle un champ de ruines. En France, plus de 800.000 habitations ont été détruites. Partout on manque de logements : sur la côte atlantique, où des villes entières ont été rasées, mais aussi à Paris et en région lyonnaise. Pour couronner le tout, les Français se mettent à faire des bébés à tour de berceaux - le baby boom commence ! Du coup, les jeunes mariés ne peuvent dénicher un toit et restent chez leurs parents. Les mieux lotis s’entassent à 4 ou 5 dans une seule pièce, avec WC à l’étage et un évier en guise de salle de bains. Les personnes sans le sou, elles, peuplent les bidonvilles qui cernent Lyon comme à Bombay ou à Rio. Souvenez-vous de l’abbé Pierre, et de son appel de l’hiver 1954. Reloger la population constitue pourtant une priorité du gouvernement. On a nommé ministre de la Reconstruction et de l’Urbanisme un héros de la Libération, pétri des idéaux sociaux de la Résistance : le député de la Loire, Eugène Claudius-Petit (1907-1989). Monsieur le Ministre veut non seulement redonner un toit aux Français, mais les doter du nec plus ultra en matière de logement, une architecture moderne et colorée, entourée de verdure et d’espace. Dès 1951, Claudius-Petit programme la construction de six grands ensembles : à Angers (677 logements), Boulogne-Billancourt (800), Le Havre (1400), Pantin (800), Saint-Etienne (1262) et enfin à Bron, où doit naître la plus imposante de toutes ces cités, avec 2608 logements. Il en confie la réalisation à l’Office des HLM du Rhône, alors dirigé par Laurent Bonnevay, tandis que sa conception revient à de jeunes architectes Lyonnais disciples de Le Corbusier, dont René Gagès et Franck Grimal. L’emplacement de la future cité est vite trouvé : dans la partie nord du parc de Parilly, sur 27 hectares de terrains appartenant au Conseil général. Ainsi, les immeubles se glisseront entre les arbres et les pelouses, en un mariage heureux de la nature et du béton. La desserte du quartier sera assurée par le boulevard de Ceinture et par l’avenue Jean-Mermoz, deux belles avenues où il fait bon se promener, à pieds ou à vélo, au milieu de quelques autos - l'une et l'autre n'ont pas encore été transformées en voies autoroutières… Cinq ans à peine, de 1951 à 1956, suffisent pour faire sortir de terre une douzaine de grands immeubles, l’équivalent d’une ville : les quatre tours et les deux barres en S des "Unités de Construction" (UC) 5 et 7 le long du boulevard Laurent-Bonnevay ; l’UC 1 à l’angle du boulevard et de l’autoroute A43 ; enfin les quatre immeubles en L des UC 2 à 5, le long de l’A43, à l'endroit où vous vous trouvez. Leur construction utilise des procédés révolutionnaires pour l’époque : chaque appartement, qu’il s’agisse d’un T2 ou d’un T6 en duplex, reproduit un plan type aux dimensions standardisées de 5 mètres de large, 11 mètres de long et 2,5 mètres de haut, dont les éléments sont fabriqués en usine et seulement assemblés sur le chantier, ce qui permet d’énormes gains de temps. Les premiers habitants découvrent leurs appartements, ébahis. Un F3 par exemple, leur offre une salle de séjour de 18 m2, deux chambres de 10 m2, une cuisine équipée de placards et plans de travail, des WC, une salle de bains, d’immenses baies vitrées et, luxe inouï, un grand balcon peint en jaune, en rouge ou en bleu vif, transformant leur immeuble en une mosaïque multicolore. Les Brondillants passent d’un coup du taudis à l’Amérique, et de Zola au 20e siècle. Telles étaient les UC, il y a une soixantaine d'années. Une cité modèle, dont les photos couvraient les cartes-postales locales, et les magazines du monde entier. Après les UC, d'autres grands ensembles voient le jour à Bron au cours des années 1950 à 1970 : les immeubles du quartier des Essarts, près des Galeries Lafayette ; les copropriétés de la route de Genas, à côté de l'ancienne caserne Raby, et surtout les immeubles du quartier du Terraillon, au nord-est de Bron. Ces nouveaux logements, tous très prisés au moment de leur construction, font bondir la population de Bron de 12.500 habitants en 1946, à 42.000 habitants en 1968. Les experts de l'époque prédisent même que le seuil des 100.000 habitants serait atteint vers l'an 2000 ! Le temps du village était révolu. Bron devenait une ville importante de la banlieue lyonnaise.

@ LES GRANDS ENSEMBLES @ Bien qu’ils échappent à une définition unique, les grands ensembles sont ty-piquement des ensembles de logement collectif, souvent en nombre impor-tant (plusieurs centaines à plusieurs milliers de logements), construits entre le milieu des années 1950 et le milieu des années 1970, marqués par un urba-nisme de barres et de tours inspiré des préceptes de l’architecture moderne.

Ces grands ensembles, dont plusieurs centaines ont été construits en France, ont permis un large accès au confort moderne (eau courante chaude et froide, chauffage central, équipements sanitaires, ascenseur…) pour les ouvriers des banlieues ouvrières, les habitants des habitats insalubres, les rapatriés d’Algérie et la main-d’oeuvre des grandes industries.

Ils se retrouvent fréquemment en crise sociale profonde à partir des années 1980, et sont, en France, l’une des raisons de la mise en place de ce qu’on appelle la politique de la Ville. Définition Il n’y a pas de consensus pour définir un grand ensemble.On peut toutefois en distinguer deux :

• Selon le service de l’Inventaire du ministère de la Culture français, un grand ensemble est un «aménagement urbain comportant plusieurs bâtiments isolés pouvant être sous la forme de barres et de tours, construit sur un plan masse constituant une unité de conception. Il peut être à l’usage d’activité et d’habitation et, dans ce cas, comporter plusieurs centaines ou milliers de logements. Son foncier ne fait pas nécessairement l’objet d’un remembrement, il n’est pas divisé par lots ce qui le différencie du lotissement concerté».

• Selon le «géopolitologue» Yves Lacoste, un grand ensemble est une «masse de logements organisée en un ensemble. Cette organisation n’est pas seulement la conséquence d’un plan masse; elle repose sur la présence d’équipement collectifs (écoles, commerces, centre social, etc.) […]. Le grand ensemble apparaît donc comme une unité d’habitat relativement autonome formée de bâtiments collectifs, édifiée en un assez bref laps de temps, en fonction d’un plan global qui comprend plus de 1000 logements».Le géographe Hervé Vieillard-Baron apporte des précisions : c’est, selon lui, un aménagement en rupture avec le tissu urbain existant, sous la forme de barres et de tours, conçu de manière globale et introduisant des équipements règlementaires, comportant un financement de l’État et/ou des établissements publics. Toujours selon lui, un grand ensemble comporte un minimum de 500 logements (limite fixée pour les Zone à urbaniser en priorité (ZUP) en 1959). Enfin, un grand ensemble n’est pas nécessairement situé en périphérie d’une ag-glomération.

Comme on le voit ci-dessus, la détermination d’un seuil de logements peut être débattue. Les formes du grand ensemble sont assez récurrentes, inspirées (ou légitimées) par des préceptes de l’architecture moderne et en particulier des CIAM : ils se veulent une application de la Charte d’Athènes4. Pour autant, on ne peut pas dire qu’il s’agisse d’une application directe des principes de Le Corbusier. Ils sont aussi le fruit d’une industriali-sation progressive du secteur du bâtiment et, notamment en France, des procédés de préfabrication en béton.Histoire La Cité de la Muette à Drancy, construite par Eugène Beaudouin, Marcel Lods et Jean Prouvé entre 1931 et 1934 pour l’Office public HBM de la Seine, est traditionnellement considérée comme le premier grand en-semble en France. Elle est même à l’origine du terme de «grand ensemble» puisque c’est ainsi que la désigne pour la première fois Marcel Rotival dans un article de l’époque6. Cette cité, initialement conçue comme une cité-jardin, se transforme en cours d’étude en un projet totalement inédit en France, avec ses 5 tours de 15 étages et son habitat totalement collectif. Cependant, cette initiative reste sans lendemain du moins dans l’immédiat.Après la Seconde Guerre mondiale, le temps est à la reconstruction et la priorité n’est pas donnée à l’habitat. Le premier plan quinquennal de Jean Monnet (1947-1952) a avant tout pour objectif la reconstruction des infrastructures de transport et le recouvrement des moyens de production. Par ailleurs, le secteur du bâtiment en France est alors incapable de construire des logements en grande quantité et rapidement : ce sont encore de petites entreprises artisanales aux méthodes de constructions traditionnelles.

Les besoins sont pourtant considérables : sur 14,5 millions de logements, la moitié n’a pas l’eau courante, les 3/4 n’ont pas de WC, 90 % pas de salle de bain. On dénombre 350 000 taudis, 3 millions de logements surpeu-plés et un déficit constaté de 3 millions d’habitations. Le blocage des loyers depuis 19147, très partiellement atténué par la Loi de 1948, ne favorise pas les investissements privés.

L’État tente de changer la situation en impulsant à l’industrialisation des entreprises du bâtiment : en 1950, Eugène Claudius-Petit, ministre de la reconstruction, lance le concours de la Cité Rotterdam à Strasbourg. Ce programme doit comporter 800 logements, mais le concours, ouvert à un architecte associé à une entreprise de BTP, prend en compte des critères de coût et de rapidité d’exécution. Le projet est gagné par Eugène Beau-douin qui réalise un des premiers grands ensembles d’après guerre en 1953. En 1953 toujours, Pierre Courant, Ministre de la Reconstruction et du Logement, fait voter une loi qui met en place une série d’interventions (appelée «Plan Courant») facilitant la construction de logements tant du point de vue foncier que du point de vue du financement (primes à la construction, prêts à taux réduit, etc.) : la priorité est donnée clairement par le ministère aux logements collectifs et à la solution des grands ensembles.

La même année, la création de la contribution obligatoire des entreprises à l’effort de construction (1 % de la masse des salaires pour les entreprises de plus de 10 salariés) introduit des ressources supplémentaires pour la réalisation de logements sociaux : c’est le fameux «1 % patronal». Ces fonds sont réunis par l’Office Central Interprofessionnel du Logement (OCIL), à l’origine de la construction d’un certain nombre de grands ensembles.

Mais le véritable choc psychologique intervient en 1954 : le terrible hiver et l’action de l’Abbé Pierre engage le gouvernement à lancer une politique de logement volontariste. Un programme de «Logements économiques de première nécessité» (LEPN) est lancé en juillet 1955 : il s’agit de petites cités d’urgence sous la forme de pavillons en bandes. En réalité, ces réalisations précaires s’avèrent catastrophiques et se transforment en tau-dis insalubres dès l’année suivante. La priorité est donnée alors résolument à l’habitat collectif de grande taille et à la préfabrication en béton, comme seule solution au manque de logements en France.Une multitude de procédures administratives

Grands ensembles du quartier Villejean à Rennes par l’architecte Louis Arretche.Il n’existe pas une procédure type de construction d’un grand ensemble pendant cette période. En effet, de très nombreuses procédures techniques ou financières sont utilisées. Elles servent souvent d’ailleurs à désigner les bâtiments ou quartiers construits à l’époque : Secteur industrialisé, LOPOFA (LOgements POpulaires FAmiliaux), Logecos (LOGements ÉCOnomiques et familiaux), LEN (Logements économiques normalisés), l’opération Million, l’opération «Économie de main d’oeuvre». L’unique objectif de toutes ces procédures est de construire vite et en très grande quantité. Le cadre de la Zone à urbaniser en priorité intervient en 1959, avec des constructions qui ne commencent réellement qu’en 1961-1962.Les contextes de constructions Le quartier de La Rouvière (9ème arrondissement) à Marseille construit par Xavier Arsène-Henry.On peut distinguer 3 contextes de construction de ces grands ensembles à la fin des années 1950 et début des années 1960 :

• de nouveaux quartiers périphériques de villes anciennes ayant pour objectif de reloger des populations ins-tallées dans des logements insalubres en centre-ville ou pour accueillir des populations venues des campagnes environnantes (cas les plus fréquents).

• des villes nouvelles liées à l’implantation d’industries nouvelles ou à la politique d’aménagement du ter-ritoire : c’est le cas de Mourenx (avec le Gaz de Lacq), Bagnols-sur-Cèze ou Pierrelatte (liées à l’industrie nucléaire). On voit aussi des cas hybrides avec la première situation, avec des implantations proches de villes satellites de Paris, dans le but de contrebalancer l’influence de cette dernière : c’est le cas de la politique des «3M» dans le département de Seine-et-Marne avec la construction de grands ensembles liés à des zones in-dustrielles à Meaux, Melun, Montereau-Fault-Yonne.

• des opérations de rénovation de quartiers anciens : le quartier de la Porte de Bâle à Mulhouse, l’îlot Bièvre dans le 13e arrondissement de Paris, le centre-ville ancien de Chelles.

Il est à noter qu’un grand ensemble n’est pas forcément un ensemble de logements sociaux : il peut s’agir aussi de logements de standing, comme le quartier de la Rouvière à Marseille. Les modes de constructions

Le Haut du Lièvre (3000 logements, construits à partir de 1954), deux des plus longues barres de France, construite par Bernard Zehrfuss sur une crête surplombant Nancy.

Tout est mis en oeuvre pour qu’un maximum d’économies soient réalisées sur le chantier :

• la préfabrication : de nombreux procédés de préfabrications sont mis en oeuvre sur les chantiers permettant un gain de temps et d’argent. Expérimentés au cours des chantiers de la Reconstruction après la Seconde Guerre mondiale, ces procédés permettent la construction en série de panneaux de bétons, d’escaliers, d’huisseries mais aussi d’éléments de salles de bains à l’intérieur même du logements. Ces procédés ont pour nom : Camus (expérimenté au Havre et exporté jusqu’en URSS), Estiot (au Haut-du-Lièvre à Nancy) ou Tracoba (à la Pierre Collinet à Meaux). Les formes simples (barres, tours) sont privilégiées le long du chemin de grue (grue posée sur des rails) avec des usines à béton installées à proximité du chantier, toujours dans une recherche de gain de temps.

• une économie de main d’oeuvre : la préfabrication permet de faire appel à une main d’oeuvre peu qualifiée, souvent d’origine immigrée. De grands groupes de BTP bénéficient de contrats pour des chantiers de construc-tion gigantesques, favorisés par l’État.

• les maîtres d’ouvrages sont eux aussi très concentrés et favorise les grandes opérations. La Caisse des dépôts et consignations est ainsi l’un des financeurs incontournables de ce mouvement de construction avec notam-ment sa filiale, la SCIC (Société Civile immobilière de la Caisse des dépôts et consignations), créée en 1954. Elle fait appel à des architectes majeurs des années 1950 et 1960, tels que Jean Dubuisson, Marcel Lods, Jacques Henri Labourdette, Bernard Zehrfuss, Raymond Lopez, Charles-Gustave Stoskopf et elle est à l’ori-gine de nombreux grands ensembles situés en région parisienne, tels que Sarcelles (le plus grand programme en France avec 10 000 logements), Créteil, Massy-Antony.

Les désignations de ces grands ensembles sont à cette époque très diverses : unité de voisinage, unité d’habitation, ville nouvelle (sans aucun rapport avec les villes nouvelles de Paul Delouvrier), villes satellites, ou encore cités nouvelles, etc.Pendant 20 ans, on estime à 300 000 le nombre de logements construits ainsi par an, alors qu’au début des années 1950, on ne produisait que 10 000 logements chaque année. 6 millions de logements sont ainsi construits au total. 90 % de ces constructions sont aidées par l’État.

En 1965, le programme des villes nouvelles est lancé, se voulant en rupture avec l’urbanisme des grands ensembles. En 1969, les zones à urbaniser en priorité sont abandonnées au profit des zones d’aménagement concerté, créées deux ans auparavant. Enfin, le 21 mars 1973, une circulaire ministérielle signée par Olivier Guichard, ministre de l’Équipement, du Logement et des Transports, «visant à prévenir la réalisation des formes d’urbanisation dites « grands ensembles » et à lutter contre la ségrégation sociale par l’habitat», interdit toute construction d’ensembles de logements de plus de 500 unités. La construction des grands ensembles est définitivement abandonnée. La loi Barre de 1977 fait passer la priorité de l’aide gouvernementale de la construction collective à l’aide aux ménages : c’est le retour du pavillonnaire et du logement. Les banlieues populaires apparaissent dans les médias à travers le prisme de la délinquance et des émeutes. Pourtant, leur histoire doit s’analyser dans la moyenne durée des deux siècles d’urbanisation et d’industrialisation, puis de disparition de la société industrielle. Les banlieues françaises, à la différence des suburbs anglo-saxonnes qui logent les classes moyennes blanches, ont été créées dès la fin du XIX e siècle pour loger les classes populaires. Les besoins de logement expliquent les strates des paysages urbains : petits immeubles de rapport de la Belle Époque, pavillons des lotissements défectueux de l’entre-deux-guerres, barres et tours de logement social et villes nouvelles des Trente Glorieuses. Trois moments de la constitution des banlieues populaires se superposent, encore visibles dans les paysages-palimpsestes : l’âge des faubourgs industriels, devenus peu à peu friches avec la désindustrialisation qui débute dans les années 50 ; le temps des banlieues rouges et du socialisme municipal ; la construction des grands ensembles et l’entrée en crise du modèle à partir de 1970. Des faubourgs industriels à la désindustrialisation La banlieue contemporaine naît de l’entreprise de modernisation de la capitale et des grandes métropoles sous le Second Empire. Le modèle haussmannien, bien connu, régularise la ville ancienne par l’imposition de percées dans le tissu urbain existant, l’équipement en réseaux divers, la construction d’immeubles neufs le long des nouvelles percées et l’exode partiel des anciens habitants du centre vers les arrondissements annexés ou vers les faubourgs. L’agrandissement de Paris complète les ambitions d’Haussmann et de Napoléon III : au premier janvier 1860, en application de la loi du 3 novembre 1859, 5100 hectares sont ajoutés aux 3402 hectares de la capitale, qui trouve ainsi sa taille définitive et passe de 12 à 20 arrondissements. L’annexion des communes suburbaines s’accompagne d’une vision, en creux, de la nouvelle banlieue au-delà des murailles. Le projet est d’homogénéiser la nouvelle ville-capitale en généralisant les équipements urbains, notamment le métro à partir de 1900, de desserrer la pression démographique du centre vers l’extérieur, de transférer l’industrie au-delà des Fortifications. Dans ces « cayennes », les salaires sont plus bas qu’à Paris, la discipline plus rude, la taylorisation plus précoce que dans les ateliers parisiens ou lyonnais. La banlieue est livrée à elle-même, ignorée par la puissance publique. Ses espaces libres accueillent les entrepôts, la grande industrie et les fonctions que la ville transformée rejette : cimetières, hôpitaux, champs d’épandage, logements sociaux 1. Les décrets sur les établissements classés, datant du Premier Empire et repris sous la Restauration, sont à l’origine des zones d’industries polluantes en proche banlieue, notamment autour de la chimie organique. Aubervilliers est célèbre par la concentration d’industries chimiques (Saint-Gobain…). Les derniers de ces établissements classés ont cessé leur activité il y a peu de temps, sous l’impact des revendications des associations écologistes : à Saint-Denis, la Saria, entreprise d’incinération de carcasses animales, a dû fermer. L’industrialisation, comme l’avait envisagé Haussmann, se fait par le transfert des grandes usines de la capitale vers la périphérie. Après la crise économique de la fin du XIXe siècle, l’implantation de nouvelles technologies – automobile, aviation, constructions électriques – transforme des communes (Boulogne-Billancourt, Puteaux, Suresnes, Vénissieux) en technopoles de pointe. Dans ces « cayennes », les salaires sont plus bas qu’à Paris, la discipline plus rude, la taylorisation plus précoce que dans les ateliers parisiens ou lyonnais. Sans unité administrative, la banlieue constitue un domaine fragmenté en espaces socialement très différenciés : villégiature et résidence bourgeoise souvent à l’Ouest, banlieue « noire », celle des faubourgs industriels limitrophes, friches dues à la déprise agricole et maraîchère, que lotissent de petits spéculateurs. La Première Guerre mondiale renforce l’industrialisation des métropoles situées loin du front, Paris, Lyon ou Toulouse. Puis une volonté de décentralisation transfère les usines en grande banlieue : Simca glisse de Nanterre à Poissy au milieu des années 50 ; une usine Citroën de 6500 salariés, dont 4300 OS, s’ouvre à Aulnay-sous-bois en 1973. Cependant, en région parisienne, cette politique précoce et continue de désindustrialisation conduit à une diminution des emplois industriels dès les années 60, avec la politique de délocalisation menée à partir de 1955, amplifiée par la Datar. En Plaine Saint-Denis, en 1960, le secteur industriel représente 46 % des emplois contre 44 % au tertiaire ; en 1990, le secteur industriel représente 21 % des emplois et le tertiaire 72 %. Des secteurs entiers disparaissent – métallurgie, machine-outil, chimie – dont la présence structurait les sociétés ouvrières. La crise économique qui commence à partir de 1973, la division planétaire du travail et un demi-siècle de volonté décentralisatrice entraînent la disparition des banlieues industrielles, malgré des combats défensifs : l’usine Chaix de Saint-Ouen ferme après cinq ans d’occupation et de luttes à contre-courant. L’invention politique socialisme municipal et banlieue rouge Dans l’entre-deux-guerres, les banlieues populaires se couvrent d’une marée pavillonnaire de lotissements médiocres 2. La crise du logement en région parisienne conduit 450 000 nouveaux banlieusards, Parisiens et provinciaux, à s’installer dans 16 000 hectares de nouveaux quartiers pavillonnaires. Ces petits accédants à la propriété – les « mal-lotis » des années 20 – payent à crédit leur parcelle et s’installent sur des terrains dépourvus de tout équipement. Le scandale de ces petits propriétaires méritants qui campent dans la boue des banlieues, sans routes ni lumière, devient public au milieu des années 20. La loi Sarraut votée en 1928 met l’État à contribution avec les intéressés, ce qui permet de financer les aménagements indispensables, en premier lieu le réseau de voirie. Les lotissements, ces quartiers de pavillons, improvisés à partir des années 20 sur des terrains bon marché découpés au hasard de la spéculation et des opportunités foncières, incarnent le rêve populaire d’accès à la propriété. Le mal-loti devient la figure emblématique de l’exclusion banlieusarde : trompé par les lotisseurs, il se retrouve privé des éléments élémentaires de l’urbanité, aux portes de la capitale illuminée où « les rupins font la noce ». Le jeune PC (Section française de l’Internationale communiste) prend en charge les revendications de ces parias, fournit une analyse de leurs difficultés en termes de classe et s’implante dans les communes ainsi bouleversées à partir des élections municipales de 1925. Il s’appuie aussi sur le nouveau prolétariat des grandes usines. Dans le contexte du Front populaire, 1935 marque un tournant dans l’histoire de la banlieue parisienne. Les 5 et 12 mai, les Français sont appelés à élire leurs conseillers municipaux et cantonaux. Dans les 80 communes suburbaines du département de la Seine, au lendemain du second tour, 26 municipalités sont dirigées par un maire communiste. Elles n’étaient que onze au sortir du scrutin municipal de 1929. Sept autres municipalités comptent aussi en leur sein une minorité communiste. Aux législatives du printemps 1936, l’essai se confirme lors de l’élection de 27 députés communistes en banlieue parisienne sur les 72 que compte le groupe parlementaire. Le pacte germano-soviétique, la guerre, la guerre froide puis le gaullisme n’affaiblissent que temporairement la ceinture rouge, construction socio-politique qui perdure jusqu’aux années 80. Bastions rouges et cités socialistes offrent un cadre durable à l’expression des cultures populaires urbaines. La densité d’un réseau d’organisations militantes, la fréquence des fêtes locales, la politisation de l’espace quotidien grâce à la toponymie, ont créé, autour des maires, un patriotisme local à base de classe, culture du pauvre capable de retourner la stigmatisation attachée aux banlieues ouvrières. Modèle d’encadrement plus paternaliste, le socialisme municipal construit des cités-jardins, dont Suresnes, Châtenay-Malabry et Villeurbanne sont les fleurons ; elles sont pensées par des maires visionnaires, Henri Sellier ou André Morizet, comme des prototypes permettant, si elles étaient généralisées, de résoudre la question du logement populaire et en même temps la question sociale. Bastions rouges et cités socialistes offrent un cadre durable à l’expression des cultures populaires urbaines. Les grands ensembles de l’Abbé Pierre à la circulaire Guichard Dans le contexte du baby-boom, du début de la croissance économique et de la reprise de l’immigration provinciale et étrangère, la population urbaine augmente. Cet afflux aggrave le déficit séculaire de logements populaires et la fin de la Reconstruction n’y met pas fin. La crise du logement devient intolérable. Rares, surpeuplés, les logements anciens sont sous-équipés, comme le montre le recensement de 1954 : ni sanitaires, ni w-c intérieurs dans la plupart des cas, et l’eau courante dans à peine la moitié des logements. La crise du logement devient une affaire d’État. Sa médiatisation par l’Abbé Pierre aidant, l’idée du droit à un logement décent pour tous émerge de la misère urbaine des années 50. Avec la construction des grands ensembles, les anciens objectifs des réformateurs sociaux deviennent une politique publique nationale : sortir les classes populaires des taudis, faire bénéficier l’ensemble des salariés des bienfaits de l’hygiène et de la modernité, contrôler l’usage prévisionnel du sol urbain, donner à tous les enfants air, lumière et soleil. Après les tâtonnements du Plan Courant (1953), la maîtrise technique et financière de la production de masse est acquise au début de la Cinquième République (décret du 31 décembre 1958 sur les Zup). De 1946 à 1975, le parc immobilier français passe de 12,7 millions de logements à 21 millions. Pour ces 8,3 millions de logements neufs – dont 8 millions entre 1953 et 1975 –, l’engagement de l’État a été important puisque près de 80 % des logements construits durant cette période le sont grâce à une aide publique. Le nombre de logements sociaux passe de moins de 500000 à près de 3 millions, dont un tiers sous forme de grands ensembles : environ 350 sur l’ensemble du territoire, dont 43 % en région parisienne, où la demande est la plus forte. Sans débat public sur la forme urbaine, le consensus pour une production massive de logements s’établit autour de quelques représentations partagées : la ville ancienne et dense n’est plus réformable – les îlots insalubres, délimités à la fin du XIXe siècle ne sont toujours pas éradiqués ; l’hygiénisme exige de séparer l’habitat des usines ; la hantise du taudis fait accepter l’édification de logements seuls, sans équipements, où les classes populaires accèdent pour la première fois à du neuf. Les banlieues françaises se couvrent de cités nouvelles, édifiées rapidement, d’au moins 1000 logements, voire de plus de 10000 aux Minguettes (Vénissieux) ou à Sarcelles. L’industrialisation du bâtiment, l’avance de l’industrie française du béton armé, l’imposition de normes et de plans types pour les appartements conduisent à privilégier des formes simples, des barres et des tours sur des grandes parcelles de terrain. Cités dortoirs, elles sont en général construites sur des terrains agricoles ou maraîchers, en périphérie, faute de réserves foncières ; la rapidité de leur édification et la complexité des modes de financement expliquent l’absence d’équipements collectifs, à l’exception des écoles primaires ; ceux-ci suivent tardivement, ainsi que les moyens de transports en commun, ce dont se plaignent les banlieusards. Les populations logées varient évidemment suivant les cités : ce sont des familles françaises chargées d’enfants du baby-boom, souvent migrants provinciaux ; les populations de rapatriés de la décolonisation de l’Empire français les rejoignent ; pas de personnes âgées, ni d’adolescents au début du peuplement. Ces familles de salariés sont sélectionnées par les gestionnaires des cités de logement social, et non par le libre jeu du marché immobilier : autour d’une majorité d’employés et d’ouvriers, on trouve des cadres moyens et supérieurs en nombre variable suivant la politique du gestionnaire. Le logement des étrangers est conçu alors sur le mode de la différenciation : soit ils se logent par eux-mêmes dans le parc ancien, soit la puissance publique contribue à leur fournir des logements à part, aux normes de confort inférieures. Mais les plus pauvres, les familles très nombreuses, les populations étrangères et immigrées sont logés ailleurs : taudis des villes anciennes, bidonvilles, foyers pour célibataires immigrés, hôtels meublés, cités de transit ou d’urgence. Ces logements spécifiques, avec parfois un fort encadrement de travailleuses sociales, sont explicitement destinés aux « inadaptés sociaux », qu’il faut éduquer avant de les loger dans les cités nouvelles construites pour les salariés français, suivant des méthodes expérimentées dans l’entre-deux-guerres dans les cités-jardins. Le logement des étrangers est conçu alors sur le mode de la différenciation : soit ils se logent par eux-mêmes dans le parc ancien, soit la puissance publique contribue à leur fournir des logements à part, aux normes de confort inférieures. Mutations et crises, de Giscard à Mitterrand Dans la décennie 1970-1980, une série de décisions conjoncturelles et sectorielles ouvre, à terme, une ère de crise pour les banlieues populaires. La critique des grands ensembles, chronique depuis les années 60 avec l’émergence du thème de la « sarcellite » ou maladie des grands ensembles, qui générerait ennui, suicide, délinquance et toucherait en particulier les femmes et les jeunes, s’amplifie après mai 1968. Les responsables politiques s’interrogent sur le type de société urbaine qui s’édifie dans les périphéries : comment donner une âme à ces nouveaux ensembles et recréer une communauté entre des habitants venus de partout ? La dégradation de bâtiments conçus comme provisoires s’ajoute aux critiques. Olivier Guichard, ministre de l’Équipement, arrête la construction des grands ensembles par la circulaire du 21 mars 1973, qui interdit les opérations les plus massives et tente de mieux insérer les nouvelles constructions dans les villes existantes. À partir de 1965-1970, les investissements publics privilégiaient d’ailleurs les villes nouvelles, imaginées par Paul Delouvrier comme l’antithèse des grands ensembles. L’État réoriente sa politique et ses crédits vers l’aide aux ménages qui veulent accéder à la propriété individuelle de leur pavillon : les banques rentrent sur le marché immobilier et la promotion publique s’effondre à partir de 1976. La loi Barre (1977) privilégie l’aide sélective aux ménages au détriment de l’aide à la pierre, afin de rendre le marché plus fluide et de résoudre la crise naissante des grands ensembles, dont témoigne l’invention des procédures Habitat et Vie Sociale (1973-1977) qui financent les premières réhabilitations. La conséquence est que les classes moyennes quittent les logements sociaux pour les pavillons en accession à la propriété des communes alentour, comme les Minguettes à Vénissieux, abandonnées pour les pavillons de Corbas, Solaize ou Saint-Laurent-de-Mure. Sous l’effet des chocs pétroliers et de l’entrée dans la crise économique, le gouvernement met en œuvre une nouvelle politique d’immigration : fermeture des frontières, aide au retour pour les étrangers jugés responsables de la crise, maintien en l’état du nombre d’étrangers et autorisation du regroupement familial. Cette politique, lancée par Lionel Stoleru, aboutit au décret du 29 avril 1976 relatif aux conditions d’entrée et de séjour des membres des familles des étrangers autorisés à résider en France. L’intégration des familles passe par des conditions de logement semblables à celles des travailleurs français. Les mouvements de mobilité résidentielle, comme les règles d’attribution des logements HLM, qui jusqu’alors ignoraient les travailleurs étrangers, allaient faciliter leur installation 3. Il en résulte d’importantes modifications du paysage des banlieues populaires : les 255 bidonvilles de métropole, dont 120 en région parisienne, qui logeaient 50000 immigrés, sont résorbés et leur population relogée dans des grands ensembles sociaux ; le logement social s’ouvre de façon très volontariste aux familles étrangères, qu’on espère ainsi conduire aux normes de vie urbaine de la société française. Les employeurs payent, à partir de 1975, une taxe sur les salaires de leurs travailleurs étrangers pour construire de nouveaux logements, mais les fonds seront surtout utilisés pour rentabiliser ou construire de nouveaux foyers et très peu pour accroître l’offre locative sociale. C’est par le jeu des départs que se fera l’entrée des familles d’ouvriers issues de l’immigration dans le parc social. Les organismes qui gèrent les cités d’habitat social accueillent ces nouveaux locataires, d’autant que la loi Barre rend solvables les familles les plus modestes. L’idée est de répartir les familles immigrées au milieu des ménages français, suivant des quotas d’environ 15 %. Mais le souci d’intégrer les immigrés dans le logement social conduit à des logiques territoriales de regroupement communautaire qui n’ont été ni pensées, ni anticipées : les familles maghrébines deviennent majoritaires aux Minguettes au cours des années 1970. En Seine-Saint-Denis, la population scolaire étrangère passe de 17 % à 30 % entre 1975 et 1983. En 1992, 74 % des ménages maghrébins sont locataires d’une HLM. Les premières violences imputables aux jeunes sont minimisées et incomprises. Après les élections municipales de 1977, le communisme municipal se délite et la banlieue rouge disparaît, sur fond de crise généralisée des encadrements partisans. En Seine-Saint-Denis en 2001, on compte encore quinze municipalités rouges sur quarante, dont douze ont un maire communiste depuis 1945 4. Le déclin du magistère communiste s’explique certes par l’effondrement du bloc socialiste, mais aussi par l’incompréhension des phénomènes qui s’accélèrent à partir des années de crise. Les municipalités ouvrières refusent la désindustrialisation et la mixité sociale, évitent de construire de l’accession à la propriété et s’opposent aux premières procédures de la politique de la ville. Ces conceptions strictement défensives, fondées sur une vision des territoires communaux comme bastions, n’évoluent qu’à partir des années 90. Les premières violences imputables aux jeunes sont minimisées et incomprises. À La Courneuve, en 1971, un jeune est tué au café Le Nerval ; dans la même cité, en juillet 1983, un enfant algérien de dix ans est tué d’un coup de fusil par un habitant, et le quartier s’embrase ; en banlieue lyonnaise, premiers incidents en 1971, à Vaulx-en-Velin, dans une cité construite pour accueillir des harkis ; 1975, premières mises à sac de locaux scolaires ; en 1978, premiers « rodéos », généralisés aux Minguettes en 1981, où la presse nationale rend compte du phénomène pour la première fois, avec des reportages télévisés qui montrent les voitures qui brûlent au pied des tours, laissant « hébétés » habitants et élus. La gauche, arrivée au pouvoir en 1981, institutionnalise la politique de la ville, en gestation dans la décennie précédente. Décentralisation, interministérialité, zonage des quartiers en difficulté sont les principes, alors nouveaux, de cette politique, que l’alternance maintient. En 2000, en Seine-Saint-Denis, 24 communes sont classées en politique de la ville dans le cadre du contrat de Plan État région. En 1996-1997, l’Union européenne choisit Aulnay-sous-Bois et Clichy-sous-Bois comme éligibles aux fonds structurels européens. Dans les quartiers, les professionnels de la politique de la ville remplacent les militants politiques, et l’État décentralisé se substitue à l’encadrement partisan ; en Seine-Saint-Denis, les effectifs des services de l’État restent stables, passant de 45000 en 1982 à 44836 en 1999. Ainsi, replacée en moyenne durée, la crise des banlieues populaires s’explique par la désindustrialisation et la disparition des sociétés ouvrières à base partisane – ce qui ne signifie pas que les ouvriers aient disparu des banlieues –, la mutation non maîtrisée des fonctions du logement social et la crise du communisme municipal, sur fond de chômage structurel. L’amnésie qui affecte cette histoire récente, comme les décisions de politiques publiques prises alors, ne peut qu’ajouter au déficit de sens et favoriser les analyses incomplètes. le temps des barres et des tours..Certes, ces quartiers de grands ensembles, de barres et de tours, emblématiques de l'urbanisation fonctionnaliste des décennies 1950, 1960 et 1970, de FRANCE ...Le tourisme a toujours fonctionné par extension : les lisières d’hier sont aujourd’hui des hauts lieux touristiques, que l’on pense par exemple au bord de la mer, longtemps déprécié. Sur le terrain contemporain de la ville, ce sont les quartiers populaires péricentraux qui sont à présent saisis par un engouement et une économie touristiques ; plus inédite encore, la découverte par les touristes des quartiers populaires nettement périphériques. C’est le cas à Marseille, dont les quartiers nord, espaces emblématiques de la « crise des banlieues », sont désormais l’objet d’un « front » touristique et patrimonial, animé par une coopérative d’habitants particulièrement active. Cette problématique de l’émergence d’un nouveau lieu d’intérêt touristique se fait particulièrement saillante en ce qui concerne des quartiers d’habitat social en hauteur, nombreux dans ces quartiers nord. Les grands ensembles, en effet, symboles de l’urbanisme moderne honnis des décennies 1950, 1960 et 1970, mobilisent eux aussi de nouvelles pratiques. Tantôt touristiques, tantôt artistiques, elles se combinent parfois : l’article présente ces pratiques « récréa(r)tistes » d’un nouveau genre. Plus largement, il s’agit de rendre compte et d’analyser le statut, la fonction et les enjeux de pratiques réputées à l’ombre du tourisme urbain institué. Les mutations touristiques contemporaines font valoir une mobilisation de nouveaux espaces (les quartiers populaires) et de nouvelles pratiques (participatives). À cet égard, le quartier de Belleville à Paris est un laboratoire exemplaire (Chapuis, 2009). Ces nouvelles modalités touristiques traduisent une évolution culturelle conjointe à certaines dynamiques propres de l’offre touristique. Si ces espaces d’habitat populaire ont longtemps fait partie du négatif urbain mis en tourisme (qu’aller faire dans ces quartiers ?), ils sont aujourd’hui l’objet de « fronts » touristiques, qui en manifestent l’annexion spatiale et sociale aux offres urbaines traditionnelles, voire patrimonialement labellisées. Cette ligne de front se déplace, à présent, des quartiers populaires péricentraux aux quartiers nettement périphériques de banlieue. Certes, ces quartiers de grands ensembles, de barres et de tours, emblématiques de l’urbanisation fonctionnaliste des décennies 1950, 1960 et 1970, souffrent depuis longtemps d’une situation critique (pauvreté économique et sociale, relégation territoriale) et de représentations elles-mêmes péjorées et péjoratives. Or, dans certains de ces mêmes espaces se développent aujourd’hui des pratiques de découverte, de visite et de valorisation s’inscrivant dans un processus de connaissance et donc de reconnaissance de leurs identités architecturale, sociale et culturelle (Vayssière, 2002 ; Pouvreau, 2011 ; Veschambre, 2013).Cette trajectoire fait émerger et mobilise de nouvelles pratiques, tantôt touristiques, tantôt artistiques, qui se combinent parfois : nous présenterons ici ces pratiques « récréa(r)tistes » d’un nouveau genre. Toutefois, mise en scène et parcours ont de quoi surprendre, tant le décalage est effectivement grand entre un imaginaire touristique dominant – sites plaisants et accueillants (Amirou, 1995) – et ces espaces, objets d’une imagerie urbano-pathogène (Avenel, 2004). Dans l’imaginaire collectif, ces quartiers sont, au mieux, sans intérêt, au pire, synonymes de menaces. Tout concourt à associer ces territoires à une banlieue hors des sentiers de l’intéressant. Nous explorons ici les acteurs concernés (visiteurs, « guides », hébergeurs, artistes) et les mises en œuvre dans les quartiers nord de Marseille, qui élaborent et proposent ces offres d’un nouveau genre pour rendre compte et analyser le statut, la fonction et les enjeux de ces pratiques. Ces dernières, en procédant à des mélanges de genres (lieux touristiques estampillés par opposition à marges de découvertes, hébergement en cité opposé à bastides provençales, tourisme ou projet politique) ne manquent évidemment pas d’interroger les catégories d’approche et d’analyse longtemps usuelles de l’objet « tourisme ».La carte touristique de la ville de Marseillemontre combien l’offre touristique marseillaise des acteurs territoriaux promeut essentiellement les lieux, les sites et les déambulations dans les centres de la cité. Le pluriel ici s’impose dans la mesure où à la ville et ses hauts lieux traditionnels (Roncayolo, 1990) (Vieux-Port, Notre-Dame de la Garde, cité radieuse de Le Corbusier, palais Longchamp) se sont récemment ajoutés les quartiers réhabilités et gentrifiés (le Panier, les docks de La Joliette). Ce faisant, la carte de la ville distribuée par l’Office de tourisme ignore un pan entier de son territoire et des ressources qu’il abrite. Sauf un encart pour l’Estaque (non reproduit ici), les quartiers nord de Marseille n’ont pas droit à la représentation officielle et promotionnelle, soit une exclusion de près de 8000 hectares et d’environ 250 000 habitants. Au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale, le secteur du bâtiment connait un bouleversement sans précédent. Les besoins en termes de reconstruction sont tellement immenses qu’il faut penser une nouvelle façon de construire. C’est là qu’entre en scène Raymond Camus qui invente un système de préfabrication à échelle industrielle. Avec ses panneaux en béton préfabriqué,Le logement préfabriqué, victime de son succès en France, fut exporté en Europe de l’Est. Qui se souvient aujourd’hui que ces logements symboles de progrès devinrent, en pleine guerre froide, la marque de fabrique du collectivisme ? Jacqueline a 50 ans et vit à la cité des Courtillières à Pantin. Elle se souvient lorsque, enfant, elle quitta avec ses parents le « une pièce parisien » sans commodités pour un appartement spacieux et moderne dans cette cité. La cité des Courtillières est alors une cité pilote, censée réaliser le rêve d’une vie nouvelle dans une France qui manquait à la Libération cruellement de logements.Comme tant d’autres Jacqueline enfant ignorait qu’elle devait à Raymond Camus architecte génial, créateur du panneau en béton préfabriqué, cette invention qui promettait un futur radieux pour tous. Sydney, voisin de Jacqueline, se remémore lui, les bus remplis d’architectes venus d’Union soviétique pour visiter sa cité…La marque de fabrique du collectivisme Le logement préfabriqué victime de son succès en France est exporté en Europe de l’Est. Qui se souvient aujourd’hui que ces logements symboles de progrès devinrent en pleine guerre froide, la marque de fabrique du collectivisme ? Pour Julie, à Prague, ou Susanna à Berlin Est, l’arrivée du préfabriqué dans leur vie revêt une toute autre signification. Utopies sociales, idéologies politiques et avant-garde architecturale commencent à se mélanger. Le rêve du bonheur tourne vite au cauchemar…En République tchèque, l’antique ville de Most est détruite pour des raisons économiques pour être reconstruite grâce au panneau de béton. Au travers d’archives inédites et de témoignages des habitants, l’histoire incroyable de panneau en béton se raconte pour la première fois de Paris à Moscou, de 1950 à nos jours.@ Les films du MRU -Industrialiser la construction, par le biais de la préfabrication.Cette industrialisation a abouti, dans les années 1950, à un choix politique de l'Etat, la construction massive de G.E. pour résoudre la très forte crise du logement dont souffrait la France C’est là qu’entre en scène Raymond Camus qui invente un système de préfabrication à échelle industrielle. Avec ses panneaux en béton préfabriqué, il va inonder la France entière, permettant ainsi de créer des villes nouvelles et notamment, les innombrables cités dortoirs qui pullulent en périphérie des grandes villes. Un succès grandissant qui rencontrera une renommée à l’internationale, puisque le procédé sera repris en Europe de l’Est. Les villes socialistes qui se ressemblent toutes les unes aux autres, de la France en passant par la République Tchèque jusqu’en Allemagne. Lorenz Findeisen nous invite à un voyage architectural à travers ces trois pays où grâce aux images d’archives et aux témoignages des habitants, on redécouvre ce qu’était l’utopie du collectivisme et l’émergence du béton préfabriqué. Révolutionnaire pour l’époque, plébiscités par certains, décriés par d’autres, aujourd’hui ces cités s’apparentent plus à des verrues qu’autre chose. Ces grands ensembles d’immeubles souvent mal pensé, sont très souvent excentrés des centres-villes et donc des commerces. Ce documentaire retrace la vie d’une cité pilote, La Cité des Courtillières à Pantin. Cette cité était censée réaliser le rêve d’une vie nouvelle dans une France qui manquait, à la Libération cruellement de logements. Comme tant d’autres Jacqueline enfant ignorait qu’elle devait à Raymond Camus architecte génial, créateur du panneau en béton préfabriqué, cette invention qui promettait un futur radieux pour tous.France 3 Paris Île-de-France avait mis en place, à l’occasion des 60 ans de la création des « grands ensembles » et des villes nouvelles, une programmation exceptionnelle de documentaires inédits de 52 minutes autour de la thématique «Octobre des Cités, le mois des grands ensembles » Composition et production de la musique originale du film de Lorenz Findeisen « Concrete Stories » (52/120 mn). Documentaire primé « étoiles de la SCAM », diffusion France Television et festivals internationaux. (Co production franco-germano-tchèque) Béton et musique synthétique Au cours de l’été 2015 le réalisateur Lorenz Findeisen commande à Etienne de la Sayette une musique originale pour son film Le bonheur est dans le béton (diffusé sur France 3 et dans divers festivals de film documentaire internationaux). Le réalisateur, qui connaissait bien le travail d’Etienne de la Sayette, principalement basé sur des instruments acoustiques, le prend à contrepied en lui demandant une musique synthétique minimaliste “à la Kraftwerk”, pour accompagner les vues de paysage bétonnés des années 70, s’étendant à l’infini depuis les abords des villes. Le jour même où Etienne de la Sayette accepte la proposition, il tombe par hasard sur un Roland SH 2000 poussiéreux dans un marché aux puces de Seoul. Il y voit un signe du destin et effectue des razzia dans les vides greniers et magasins d’occasions de Seoul afin de se procurer en quelques jours un tas de vieux synthés analogiques, boites à rythme et pédales d’effets… Pas de séquenceur, pas de programmation, rien de numérique, tout l’intérêt est de se salir les mains et de jouer ces machines comme de n’importe quel autre instrument acoustique. Au final, pas moins de 30mn de musique ont été produites sur mesure, une musique qui joue le rôle de narrateur dans un film dépourvu de voix off.

Production les Films du Tambour de Soie www.dailymotion.com/video/x413amo

www.youtube.com/watch?v=zR_jxCANYac&fbclid=IwAR2IzWlM... … Le temps de l'urbanisme, 1962, Réalisation : Philippe Brunet www.dailymotion.com/video/xgj2zz?playlist=x34ije … … … … -Les grands ensembles en images Les ministères en charge du logement et leur production audiovisuelle (1944-1966) MASSY - Les films du MRU - La Cité des hommes, 1966, Réalisation : Fréderic Rossif, Albert Knobler www.dailymotion.com/video/xgiqzr?playlist=x34i - Les films du MRU @ les AUTOROUTES - Les liaisons moins dangereuses 1972 la construction des autoroutes en France - Le réseau autoroutier 1960 Histoire de France Transports et Communications - www.dailymotion.com/video/xxi0ae?playlist=x34ije … - A quoi servaient les films produits par le MRU ministère de la Reconstruction et de l'Urbanisme ? la réponse de Danielle Voldman historienne spécialiste de la reconstruction www.dailymotion.com/video/x148qu4?playlist=x34ije … -les films du MRU - Bâtir mieux plus vite et moins cher 1975 l'industrialisation du bâtiment et ses innovations : la préfabrication en usine, le coffrage glissant... www.dailymotion.com/video/xyjudq?playlist=x34ije … - TOUT SUR LA CONSTRUCTION DE NOTRE DAME LA CATHEDRALE DE PARIS Içi www.notredamedeparis.fr/la-cathedrale/histoire/historique... -MRU Les films - Le Bonheur est dans le béton - 2015 Documentaire réalisé par Lorenz Findeisen produit par Les Films du Tambour de Soie içi www.dailymotion.com/video/x413amo?playlist=x34ije Noisy-le-Sec le laboratoire de la reconstruction, 1948 L'album cinématographique de la reconstruction maison préfabriquée production ministère de la Reconstruction et de l'Urbanisme, 1948 L'album cinématographique içi www.dailymotion.com/video/xwytke

archipostcard.blogspot.com/search?updated-max=2009-02-13T... -Créteil.un couple à la niaiserie béate exalte les multiples bonheurs de la vie dans les new G.E. www.youtube.com/watch?v=FT1_abIteFE … La Ville bidon était un téléfilm d'1 heure intitulé La Décharge.Mais la censure de ces temps de présidence Pompidou en a interdit la diffusion télévisuelle - museedelacartepostale.fr/periode-semi-moderne/ - archipostalecarte.blogspot.com/ - Hansjörg Schneider BAUNETZWOCHE 87 über Papiermoderne www.baunetz.de/meldungen/Meldungen_BAUNETZWOCHE_87_ueber_... … - ARCHITECTURE le blog de Claude LOTHIER içi leblogdeclaudelothier.blogspot.com/2006/ - - Le balnéaire en cartes postales autour de la collection de David Liaudet, et ses excellents commentaires.. www.dailymotion.com/video/x57d3b8 -Restaurants Jacques BOREL, Autoroute A 6, 1972 Canton d'AUXERRE youtu.be/LRNhNzgkUcY munchies.vice.com/fr/article/43a4kp/jacques-borel-lhomme-... … Celui qu'on appellera le « Napoléon du prêt-à-manger » se détourne d'ailleurs peu à peu des Wimpy, s'engueule avec la maison mère et fait péricliter la franchise ...

museedelacartepostale.fr/blog/ -'être agent de gestion locative pour une office H.L.M. en 1958' , les Cités du soleil 1958 de Jean-Claude Sée- les films du MRU içi www.dailymotion.com/video/xgj74q présente les réalisations des HLM en France et la lutte contre l'habitat indigne insalubre museedelacartepostale.fr/exposition-permanente/ - www.queenslandplaces.com.au/category/headwords/brisbane-c... - collection-jfm.fr/t/cartes-postales-anciennes/france#.XGe... - www.cparama.com/forum/la-collection-de-cpa-f1.html - www.dauphinomaniac.org/Cartespostales/Francaises/Cartes_F... - furtho.tumblr.com/archive Le Logement Collectif* 50,60,70's, dans tous ses états..Histoire & Mémoire d'H.L.M. de Copropriété Renouvellement Urbain-Réha-NPNRU., twitter.com/Memoire2cite tout içi sig.ville.gouv.fr/atlas/ZUS/ - media/InaEdu01827/la-creatio" rel="noreferrer nofollow">fresques.ina.fr/jalons/fiche-media/InaEdu01827/la-creatio Bâtir mieux plus vite et moins cher 1975 l'industrialisation du bâtiment et ses innovations : www.dailymotion.com/video/xyjudq?playlist=x34ije la préfabrication en usine www.dailymotion.com/video/xx6ob5?playlist=x34ije , le coffrage glissant www.dailymotion.com/video/x19lwab?playlist=x34ije ... De nouvelles perspectives sont nées dans l'industrie du bâtiment avec les principes de bases de l'industrialisation du bâtiment www.dailymotion.com/video/x1a98iz?playlist=x34ije ,

www.dailymotion.com/video/xk6xui?playlist=x34ije , www.dailymotion.com/video/xk1dh2?playlist=x34ije : mécanisation, rationalisation et élaboration industrielle de la production. Des exemples concrets sont présentés afin d'illustrer l'utilisation des différentes innovations : les coffrages outils, coffrage glissant, le tunnel, des procédés pour accélérer le durcissement du béton. Le procédé dit de coffrage glissant est illustré sur le chantier des tours Pablo Picasso à Nanterre. Le principe est de s'affranchir des échafaudages : le coffrage épouse le contour du bâtiment, il s'élève avec la construction et permet de réaliser simultanément l'ensemble des murs verticaux. Au centre du plancher de travail, une grue distribue en continu le ferraillage et le béton. Sur un tel chantier les ouvriers se relaient 24h / 24 , www.dailymotion.com/video/xwytke?playlist=x34ije , www.dailymotion.com/video/x1bci6m?playlist=x34ije

Le reportage se penche ensuite sur la préfabrication en usine. Ces procédés de préfabrication en usine selon le commentaire sont bien adaptés aux pays en voie de développement, cela est illustré dans le reportage par une réalisation en Libye à Benghazi. Dans la course à l'allégement des matériaux un procédé l'isola béton est présenté. Un chapitre sur la construction métallique explique les avantage de ce procédé. La fabrication de composants ouvre de nouvelles perspectives à l'industrie du bâtiment.

Lieux géographiques : la Grande Borne 91, le Vaudreuil 27, Avoriaz, Avenue de Flandres à Paris, tours Picasso à Nanterre, vues de la défense, Benghazi Libye www.dailymotion.com/video/xk6xui?playlist=x34ije , www.dailymotion.com/video/xk1dh2?playlist=x34ije : mécanisation, rationalisation et élaboration industrielle de la production. Des exemples concrets sont présentés afin d'illustrer l'utilisation des différentes innovations : les coffrages outils, coffrage glissant, le tunnel, des procédés pour accélérer le durcissement du béton. Le procédé dit de coffrage glissant est illustré sur le chantier des tours Pablo Picasso à Nanterre. Le principe est de s'affranchir des échafaudages : le coffrage épouse le contour du bâtiment, il s'élève avec la construction et permet de réaliser simultanément l'ensemble des murs verticaux. Au centre du plancher de travail, une grue distribue en continu le ferraillage et le béton. Sur un tel chantier les ouvriers se relaient 24h / 24 , www.dailymotion.com/video/xwytke?playlist=x34ije , www.dailymotion.com/video/x1bci6m?playlist=x34ije Demain Paris 1959 dessin animé présentant l'aménagement de la capitale dans les années 60, Animation, dessin animé à vocation pédagogique visant à promouvoir la politique d’aménagement suivie dans les années 60 à Paris. Un raccourci historique sur l’extension de Paris du Moyen Âge au XIXe siècle (Lutèce, œuvres de Turgot, Napoléon, Haussmann), ce dessin animé retrace la naissance de la banlieue et de ses avatars au XXe siècle. Il annonce les grands principes d’aménagement des villes nouvelles et la restructuration du centre de Paris (référence implicite à la charte d’Athènes). Le texte est travaillé en rimes et vers. Une chanson du vieux Paris conclut poétiquement cette vision du futur. Thèmes principaux : Aménagement urbain / planification-aménagement régional Mots-clés : Banlieue, extension spatiale, histoire, quartier, ville, ville nouvelle Lieu géographique : Paris 75 Architectes ou personnalités : Eugène Haussmann, Napoléon, Turgot Réalisateurs : André Martin, Michel Boschet Production : les films Roger Leenhardt www.dailymotion.com/video/xw6lak?playlist=x34ije - Rue neuve 1956 la reconstruction de la France dix ans après la fin de la seconde guerre mondiale, villes, villages, grands ensembles réalisation : Jack Pinoteau , Panorama de la reconstruction de la France dix ans après la fin de la seconde guerre mondiale, ce film de commande évoque les villes et villages français détruits puis reconstruits dans un style respectant la tradition : Saint-Malo, Gien, Thionville, Ammerschwihr, etc. ainsi que la reconstruction en rupture avec l'architecture traditionnelle à Châtenay-Malabry, Arles, Saint Étienne, Évreux, Chambéry, Villeneuve-Saint-Georges, Abbeville, Le Havre, Marseille, Boulogne-sur-Mer, Dunkerque. Le documentaire explique par exemple la manière dont a été réalisée la reconstruction de Saint-Malo à l'intérieur des rempart de la vieille ville : "c'est la fidélité à l'histoire et la force du souvenir qui a guidé l'architecte". Dans le même esprit à Gien, au trois quart détruite en 1940, seul le château construit en 1494 pour Anne de Beaujeu, fille aînée de Louis XI, fut épargné par les bombardements. La ville fut reconstruite dans le style des rares immeubles restant. Gien est relevé de ses ruines et le nouvel ensemble harmonieux est appelé « Joyau de la Reconstruction française ». Dans un deuxième temps est abordé le chapitre de la construction des cités et des grands ensembles, de l’architecture du renouveau qualifiée de "grandiose incontestablement". S’il est précisé "on peut aimer ou de ne pas aimer ce style", l’emporte au f

My Way: An Autobiography Hardcover -2014

: 416 pages

by Paul Anka (Author), David Dalton (Author)

A teen idol of the 1950s who virtually invented the singer/songwriter/heartthrob combination that still tops pop music today, Paul Anka rocketed to fame with a slew of hits—from “Diana” to “Put Your Head on my Shoulder”—that earned him a place touring with the major stars of his era, including Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, and Buddy Holly. He wrote Holly’s last hit, and just missed joining the rocker on his final, fatal plane flight. Anka also stepped in front of the camera in the teen beach-party movie era, scoring the movies and romancing their starlets, including Annette Funicello.

 

When the British invasion made his fans swoon for a new style of music—and musician--Anka made sure he wasn’t conquered. A rapier-canny businessman and image-builder who took his career into his own hands—just as he had from the very beginning, swiping his mother’s car at fourteen to drive himself, underage, to his first gigs in Quebec—Anka toured the world until he could return home in triumph. A charter member of the Rat Pack, he wrote the theme music for The Tonight Show as well as his friend Frank Sinatra’s anthem “My Way”. By the 1970s, a multi-decade string of pop chart-toppers, including “Puppy Love” and “(You’re) Having My Baby”, cemented his status as an icon.

 

My Way is bursting with rich, rollicking stories of the business and the people in Anka’s life: Elizabeth Taylor, Dodi Fayed, Tom Jones, Michael Jackson, Adnan Khashoggi, Little Richard, Brooke Shields, Johnny Roselli, Sammy Davis, Jr., Brigitte Bardot, Barnum & Bailey Circus acrobats, and many more. Anka is forthcoming, funny and smart as a whip about the business he’s been in for almost six decades. My Way moves from New York to Vegas, from the casino stage to backstages all over the world. It’s the most entertaining autobiography of the year.

    

www.uppercasegallery.ca/uppercase-journal/2008/6/23/old-s...

Entre le XIVe et le XVIe siècle, l’Europe connaît un renouveau intellectuel, artistique et scientifique sans précédent. Désignée plus tard sous le nom d’« humanisme », une culture s’invente, marquée par un nouveau rapport au savoir et un retour aux sources gréco-latines. La BnF consacre une exposition à ce mouvement de pensée, en proposant un parcours à travers plus de 240 œuvres, manuscrits, livres imprimés, estampes, dessins, sculptures, objets d’art, monnaies… qui plonge le visiteur dans l’univers des humanistes de la Renaissance.

The Ultimate Fighting Championship (UFC) was invented by a Vegetarian. His name is Rorion Gracie. It is the origin of octagon cage fighting and modern mixed martial arts as we have come to know it today in the octagon. The vegetarian also created the practice of cage fighting in an Octagon, the octagon was also invented by the vegetarian.

 

You may have heard of Gracie Jiujitsu. This was invented by Rorion Gracie's father, Helio Gracie, of the Gracie Family, the forefather of Gracie Barra. Helio Gracie, the inventor of Gracie Jiu-Jitsu GJJ was also a vegetarian.

 

Uncle Carlos is Carlos Gracie, brother of Helio Gracie, a vegetarian and that is who developed BJJ, Brazialian Jiu Jitsu. BJJ is a must-learn technique for every MMA fighter in the UFC today, if not in the world. That is, if they want to win, the meat-eater had better learn what was invented a hundred years ago by a Vegetarian man or they won't last the ring.

 

Pollo-Vegetarian Royce Gracie also won the very 1st UFC #1! And the vegetarian had to fight those who weighed up to 250+ pounds! Not only did he beat all the other meat-eaters, he beat all the other meat-eaters in 1 night!

 

And then to prove it wasn't an accident, he did it again! A vegetarian also won UFC #2 and vegetarians have been dominant in the UFC ever since, though you may not know it just like you probably didn't know vegetarians invented it.

 

Vegetarian Mac Danzig beat all the other meat-eaters to take the belt on THE ULTIMATE FIGHTER. Danzig is not just vegetarian, he is vegan, and he was the largest, most massive muscular man on the entire show.

 

Vegetarian Nick Diaz also won THE ULTIMATE FIGHTER. So did Nate Diaz, also a vegetarian. The StrikeForce middleweight champion Jake Shields is a vegetarian. Heavyweight Frank Mir ate vegetarian at 280 pounds. Randy Couture beat 6 foot 8 Tim Sylvia and Couture trains on an alkaline plant-based diet. The EliteXC martial arts belt holder is a vegetarian. UFC fighter Aaron Simpson is a vegetarian. Jon Fitch ranked #2 in the world at the current time is vegetarian. Ben Saunders MMA fighter is a Vegetarian. Luke Cuomo who made it to the semi-finals and the finals on The Ultimate Fighter eats vegetarian. WEC champion Urijah Faber trains on a plant-based diet. MMA fighter Kyra Gracie is vegetarian. Ryron Gracie of the Gracie Mixed Martial Arts clan is vegetarian.

 

Penny Thomas, the world Brazilian Jiujitsu womens champion is vegetarian. Nicolas Gregorades of the Jiujitsu Brotherhood fighting academy is virtually all vegetarian. Shanti belha, 2-time world Brazilian Jiujitsu fighting champion is vegetarian. Ahmed El Ghandouri, Brazilian Kiujitsu Black Belt is a vegan.

 

Dave Meyer of the American BJJ Academy and a blackbelt in Brazilian Jiu Jitsu under Machado--is vegetarian.

 

The original ultimate fighters the roman Gladiators were mainly vegetarian. Kung Fu was developed by the Shaolin Monks who were vegetarian. The very Art of Martial Arts itself was invented by Bodhidharma who was from India, and was a vegetarian.

 

Bellator Fighting Championships Ricardo Moreira is a vegan. Eric the Bengal Castile, in the UFC is a vegetarian. Heavyweight boxer Mike Tyson is now a vegan. StrikeForce fighter and NFL Football player and Heisman Trophy winner Herschel Walker is a vegetarian. The Dream3 Grand Prix Fighting championship belt is owned by a vegetarian.

 

The TITAN Fighting Championships fight winner Jason High is a vegetarian. Vegetarians are now ranked in the top 2,3,and 5 spots in the best p4p in the world in the UFC welterweight division, meaning that vegetarians hold 66% of the top rankings in the UFC's welterweight division. Antonio McKee who established Rampage Jackson's Gym is a vegan. AKC trains vegetarian UFC fighters. Noah Hannibal "The VEGAN TANK" is a vegetarian powerlifter who beat all his other opponents and took gold in the Australian Powerlifting championships. MMA Fighter Dale Hart is a vegetarian and has an unblemished 5 and 0 record. All wins.

 

MMA fighter Erik Purcell is a vegetarian. The vegetarian Purcell just beat 6 foot 6 inch Aaron Skates at the Reality Fighting Championships. King of the Cage fighter Tom Kenny is vegetarian.

 

UFC Heavyweight contender Shane Carwin is now training vegan. Heavyweight 120kilogram Jan Muller is vegetarian. JiuJitsu champion Henry Atkins is vegan. MMA Fighter Georgi Krakhanyan is vegetarian.

 

Finland fighter Harri Nieminem is vegetarian. So is James WIlks, vegetarian UFC fighter from England in the UK.

 

And many more. You probably didn't realize that so many UFC fighters and current belt holders and MMA champions were vegetarians, because they are often not preachy about it and don't make it known, but they have recognized the best most-athletic and muscular endurance diet for athletes and UFC fighters is plant-based vegetarian and vegan. Your cardio power shoots through the roof. You can out-last, out-hit, and out-muscle other opponents who don't know what hit them. Plus, nobody wants meat-eaters to find out that a vegetarian diet is better, that's like giving away the secret, so vegan and vegetarian fighters sometimes keep tight lipped and let meat eaters continue to post and convince all the others that meat or steak is what you need before a fight, that way their opponents will gas, get tired out, be weak and not have any strength, and once again lose do to a meat-based diet. Lowcarb is even funnier since you can actually get opponents to go around eating bacon, sausage, and piles of fat and get them loaded down, obese, and likely to fall over, that is if they even make weight. Likewise the Paleo Diet has now been found fake and scientifically wrong, proven wrong by actual Paleontologists. Turns out the original discoverer of Australopithecus, a real paleontologist revealed man's ancient ancestors were vegetarian, including Australopithecus africanus, Paranthropus boisei, Ardipithecus ramidus, all vegetarian ancestors of man that came millions of years BEFORE paleo man. Turns out the Paleo Diet was fabricated by a "gym teacher" who was not even a paleontologist and was never on even 1 archeological dig.

 

The Paleo Diet was ranked 24th by experts in nutrition, problem is there were just 24 in the list for review, which means The Paleo Diet came in LAST place, the worst diet of all. --Yes, the Paleo Diet was found deficient, pseudo-scientific nonsense made to appear like it was scientific, and the Paleo Diet lost and landed in last place as the worst. This is also a reason why crossfit has become the laughing-stock of the athletic and fitness world, akin to the shake-weight of fitness. Or the mullet. Crossfit fitness centers often have what's called a "puke bucket" lying around. They like to claim this as somehow being proof that their workouts of little light burpees and things is 'so tough' but really it's just because crossfit people start eating the Paleo Diet and it tastes so bad and is so horrible for fitness and athletes that they vomit it back up. All kinds of partially digested meat and so forth, right there in the gym when they work out. Didn't know this? Do a search for "Crossfit Puke Bucket" you'll see it. They even wear T-shirts bragging about puking on it in crossfit, because the paleo diet tastes so bad. Imagine how much worse it tastes on the way back up. Robb Wolf recommending sausages and things. Great for sausage-lovers probably, but not real ironmen or mma fighters or real athletes.

 

Crossfit is pretty much like ladies' pilates. MovNat is like having someone come over and do your housework, carrying out the trash, and mopping up the bathroom for you. In any case, the foods recommended by the gym teacher who peddled the Paleo Diet were found nutritionally deficient, and Paleo Diet foods have now been linked to colorectal cancer (cancer of the butt). This is why Paleo and Crossfit have become ridiculed as 'so silly not even a caveman did it'. Referring to the fact that the Paleo Diet told to people in the books is NOT even what paleolithic man turned out to eat. For instance, on a real paleo diet, you'd have to eat maggots in your meat, afterall, paleo man scavenged putrifying meat. Also you can't refrigerate your meat, on a paleo diet, then you'll need to keep your meat outside, in the hot sun, because paleo man originated in Africa. So on Paleo you'll need to eat luke warm rotted meat, brimming with botfy maggots in it. Oh, and you can't drink treated disinfected water, cavemen didn't have tapwater out of faucets, sorry. Nor bottled water. So if you're on paleo you'll have to drink out of some watering-hole where animals wash themselves.

 

Drinking feces ound delicious? If you think so, then Paleo is for you. Just don't expect girls or the ladies to be around you because unlike vegetarians, men on a Paleo Diet it's been shown to cause horrible B.O. stink and odor. Oh, and paleo man didn't have a toothbrush. So ladies, if your boyfriend ot date is paleo, look forward to low stamina, offensive Body Odor smells, cavemen didn't have showers, and getting close to a mouth full of bacteria because paleo man didn't brush their teeth.

 

Vegetarians do not have this problem. And last longer, were scientifically measured in tests to have More Testosterone than meat eaters, smell better, comb their hair, and have higher stamina, and endurance. And better protectors. Afterall, vegetarians invented Martial Arts, BJJ, and the UFC.

  

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CARL BARKS

 

Carl Barks (March 27, 1901 – August 25, 2000) was an American Disney Studio illustrator and comic book creator, who invented Duckburg and many of its inhabitants, such as Scrooge McDuck (1947), Gladstone Gander (1948), the Beagle Boys (1951), The Junior Woodchucks (1951), Gyro Gearloose (1952), Cornelius Coot (1952), Flintheart Glomgold (1956), John D. Rockerduck (1961) and Magica De Spell (1961). The quality of his scripts and drawings earned him the nicknames The Duck Man and The Good Duck Artist. Writer-artist Will Eisner called him "the Hans Christian Andersen of comic books."

In 1987, Barks was one of the three inaugural inductees of the Will Eisner Comic Book Hall of Fame.

 

Professional artist

At the same time Barks had started thinking about turning a hobby that he always enjoyed into a profession: that of drawing. Since his early childhood he spent his free time by drawing on any material he could find. He had attempted to improve his style by copying the drawings of his favorite comic strip artists from the newspapers where he could find them. As he later said, he wanted to create his own facial expressions, figures and comical situations in his drawings but wanted to study the master comic artists' use of the pen and their use of color and shading.

 

Among his early favorites were Winsor McCay (mostly known for Little Nemo) and Frederick Burr Opper (mostly known for Happy Hooligan) but he would later study any style that managed to draw his attention.

 

At 16 he was mostly self-taught but at this point he decided to take some lessons through correspondence. He only followed the first four lessons and then had to stop because his working left him with little free time. But as he later said, the lessons proved very useful in improving his style.

 

By December 1918, he left his father's home to attempt to find a job in San Francisco, California. He worked for a while in a small publishing house while attempting to sell his drawings to newspapers and other printed material with little success.

 

Disney

In November 1935, when he learned that Walt Disney was seeking more artists for his Studio, Barks decided to apply. He was approved for a try-out which entailed a move to Los Angeles, California. He was one of two in his class of trainees who was hired. His starting salary was 20 dollars a week. He started at Disney Studios in 1935, more than a year after the debut of Donald Duck on June 9, 1934 in the short animated film The Wise Little Hen.

 

Barks initially worked as an inbetweener. This involved being teamed and supervised by one of the head animators who did the key poses of character action (often known as extremes) for which the inbetweeners did the drawings between the extremes to create the illusion of movement. While an inbetweener, Barks submitted gag ideas for cartoon story lines being developed and showed such a knack for creating comical situations that by 1937 he was transferred to the story department. His first story sale was the climax of Modern Inventions, for a sequence where a robot barber chair gives Donald Duck a haircut on his butt.

 

In 1937 when Donald Duck became the star of his own series of cartoons instead of co-starring with Mickey Mouse and Goofy as previously, a new unit of storymen and animators was created devoted solely to this series. Though he originally just contributed gag ideas to some duck cartoons by 1937 Barks was (principally with partner Jack Hannah) originating story ideas that were storyboarded and (if approved by Walt) put into production. He collaborated on such cartoons as Donald's Nephews (1938), Donald's Cousin Gus (1939), Mr. Duck Steps Out (1940),Timber (1941), The Vanishing Private (1942) and The Plastics Inventor (1944).

 

Unhappy at the emerging wartime working conditions at Disney plus bothered by ongoing sinus problems caused by the studio's air conditioning, Barks quit in 1942. Shortly before quitting, he moonlighted as a comic book artist, contributing half the artwork for a one-shot comic book (the other half of the art being done by story partner Jack Hannah) titled Donald Duck Finds Pirate Gold. This 64-page story was adapted by Donald Duck comic strip writer Bob Karp from an unproduced feature, and published in October 1942 in [Dell] Four Color Comics #9. It was the first Donald Duck story originally produced for an American comic book and also the first involving Donald and his nephews in a treasure hunting expedition, in this case for the treasure of Henry Morgan. Barks would later use the treasure hunting theme in many of his stories. This actually was not his first work in comics, as earlier the same year Barks along with Hannah and fellow storyman Nick George scripted Pluto Saves the Ship, which was among the first original Disney comic book stories published in the United States.

 

After quitting the Studio, Barks relocated to the Hemet/San Jacinto area in the semi-desert inland empire region east of Los Angeles where he hoped to start a chicken farm.

When asked which of his stories was a favorite in several interviews Barks cited the ten-pager in Walt Disney's Comics and Stories 146 (Nov. 1952) in which Donald tells the story of the chain of unfortunate events that took place when he owned a chicken farm in a town which subsequently was re-named Omelet. Likely one reason it was a favorite is that it was inspired by Barks' own experiences in the poultry business.

 

But to earn a living in the meantime he inquired whether Western Publishing, which had published Pirate Gold, had any need for artists for Donald Duck comic book stories. He was immediately assigned to illustrate the script for a ten-page Donald Duck story for the monthly Walt Disney's Comics and Stories. At the publisher's invitation he revised the storyline and the improvements impressed the editor sufficiently to invite Barks try his hand at contributing both the script and the artwork of his follow-up story. This set the pattern for Barks' career in that (with rare exceptions) he provided art (pencil, inking, solid blacks and lettering) and scripting for his stories.

The Victory Garden, that initial ten-page story published in April, 1943 was the first of about 500 stories featuring the Disney ducks Barks would produce for Western Publishing over the next three decades, well into his purported retirement. These can be mostly divided into two categories:

Ten-pagers, comedic Donald Duck stories that were the lead for the monthly flagship title Walt Disney's Comics and Stories, whose circulation peaked in the mid-1950s at 3 million copies sold a month.

 

Humorous adventure stories, usually 24-32 pages in length. In the 1940s these were one-shots in the Four Color series (issued 4-6 times a year) that starred Donald and his nephews. From the early 1950s Barks undertook the quarterly adventures of Uncle Scrooge and the duck clan in Scrooge's own title.

 

He surrounded Donald Duck and nephews Huey, Dewey and Louie with a cast of eccentric and colorful characters, such as the aforementioned Scrooge McDuck, the wealthiest duck in the world; Gladstone Gander, Donald's obscenely lucky cousin; inventor Gyro Gearloose; the persistent Beagle Boys; the sorceress Magica De Spell; Scrooge's rivals Flintheart Glomgold and John D. Rockerduck; Daisy's nieces April, May and June; Donald's neighbor Jones, and The Junior Woodchucks organization.

 

People who work for Disney generally do so in relative anonymity; the stories only carry Walt Disney's name and (sometimes) a short identification number. Prior to 1960, the creator of these stories remained a mystery to his readers. However, many readers recognized Barks' work and drawing style, and began to call him the Good Duck Artist, a label which stuck even after his true identity was discovered by John and Bill Spicer in 1959. After Barks received a 1960 visit from Bill and John Spicer and Ron Leonard, he was no longer anonymous, as his name soon became known to his readers.

 

Barks stories (whether humorous adventures or domestic comedies) often exhibited a wry, dark irony born of hard experience. The 10 pagers showcased Donald as everyman, struggling against the cruel bumps and bruises of everyday life with the nephews often acting as a Greek chorus commenting on the unfolding disasters Donald wrought upon himself. Yet while seemingly defeatist in tone, the humanity of the characters shines through in their persistence despite the obstacles. These stories found popularity not only among young children but adults as well. Despite the fact that Barks had done little traveling his adventure stories often had the duck clan globe trotting to the most remote or spectacular of places. This allowed Barks to indulge his penchant for elaborate backgrounds that hinted at his thwarted ambitions of doing realistic stories in the vein of Hal Foster's Prince Valiant.

 

Carl Barks retired in 1966 but was persuaded by editor Chase Craig to script stories for Western. The last new comic book story drawn by Carl Barks was a Daisy Duck tale ("The Dainty Daredevil") published in Walt Disney Comics Digest issue 5 (Nov. 1968). When bibliographer Michael Barrier asked Barks about why he drew it, Barks' vague recollection was no one was available and he was asked to do it as a favor by editor Chase Craig.

 

He wrote one Uncle Scrooge story, three Donald Duck stories and from 1970-1974 was the main writer for the Junior Woodchucks comic book (issues 6 through 25). The latter included environmental themes that Barks first explored in 1957 ["Land of the Pygmy Indians", Uncle Scrooge 18]. Barks also sold a few sketches to Western that were redrawn as covers. For a time the Barkses lived in Goleta, California before returning to the Inland Empire by moving to Temecula.

 

To make a little extra money beyond what his pension and scripting earnings brought in, Barks started doing oil paintings to sell at the local art shows he and Garé exhibited at. Subjects included humorous depictions of life on the farm and portraits of Native American princesses. These skillfully rendering paintings encouraged fan Glenn Bray to ask Barks if he could commission a painting of the ducks ("A Tall Ship and a Star to Steer Her By", taken from the cover of Walt Disney's Comics and Stories 108 by Barks). This prompted Barks to contact George Sherman at Disney's Publications Department to request permission to produce and sell oil paintings of scenes from his stories. In July 1971 Barks was granted a royalty-free license by Disney. When word spread that Barks was taking commissions from those interested in purchasing an oil of the ducks, much to his astonishment the response quickly outstripped what he reasonably could produce in the next few years.

 

When Barks expressed dismay at coping with the backlog of orders he faced, fan/dealers Bruce Hamilton and Russ Cochran suggested Barks instead auction his paintings at conventions and via Cochran's catalog Graphic Gallery. By September 1974 Barks had discontinued taking commissions.

 

At Boston's NewCon convention, in October 1975, the first Carl Barks oil painting auctioned at a comic book convention ("She Was Spangled and Flashy") sold for $2,500. Subsequent offerings saw an escalation in the prices realized. The buyer of this painting, Jerry Osborne, quickly became one of Barks' close friends. Barks even painted Osborne into the scene of his 1976 "July Fourth in Duckburg." Jerry Osborne delivered the eulogy at Barks' funeral at Grants Pass, Oregon.[citation needed]

 

In 1976, Barks and Garé went to Boston for the NewCon show, their first comic convention appearance. Among the other attendees was famed Little Lulu comic book scripter John Stanley; despite both having worked for Western Publishing this was the first time they met. The highlight of the convention was the auctioning of what was to that time the largest duck oil painting Barks had done, "July Fourth in Duckburg", which included depictions of several prominent Barks fans and collectors. It sold for a then record high amount: $6,400.

 

Soon thereafter a fan sold unauthorized prints of some of the Scrooge McDuck paintings, leading Disney to withdraw permission for further paintings. To meet demand for new work Barks embarked on a series of paintings of non-Disney ducks and fantasy subjects such as Beowulf and Xerxes. These were eventually collected in the limited-edition book Animal Quackers.

 

As the result of heroic efforts by Star Wars producer Gary Kurtz and screenwriter Edward Summer, Disney relented and in 1981, allowed Barks to do a now seminal oil painting called "Wanderers of Wonderlands" for a breakthrough limited edition book entitled Uncle Scrooge McDuck: His Life and Times. The book collected 11 classic Barks stories of Uncle Scrooge colored by artist Peter Ledger along with a new Scrooge story by Barks done storybook style with watercolor illustrations, "Go Slowly, Sands of Time". After being turned down by every major publisher in New York City, Kurtz and Summer published the book through Celestial Arts, which Kurtz acquired partly for this purpose. The book went on to become the model for virtually every important collection of comic book stories. It was the first book of its kind ever reviewed in Time Magazine and subsequently in Newsweek, and the first book review in Time Magazine with large color illustrations.

 

In 1977 and 1982, Barks attended the San Diego Comic Con. As with his appearance in Boston, the response to his presence was overwhelming, with long lines of fans waiting to meet Barks and get his autograph.

 

In 1981, Bruce Hamilton and Russ Cochran, two long-time Disney comics fans, decided to combine forces to bring greater recognition to the works of Carl Barks. Their first efforts went into establishing Another Rainbow Publishing, the banner under which they produced and issued the award-winning book, "The Fine Art of Walt Disney´s Donald Duck by Carl Barks", a comprehensive collection of the Disney duck paintings of this artist and storyteller. Not long after, the company began producing fine art lithographs of many of these paintings, in strictly limited editions, all signed by Barks, who eventually produced many original works for the series.

 

In 1983 Another Rainbow took up the daunting task of collecting the entire Disney comic book ouvré of Barks—over 500 stories in all—in the ten-set, thirty-volume Carl Barks Library. These oversized hardbound volumes reproduced Barks´ pages in pristine black and white line art, as close as possible to the way he would originally drawn them, and included mountains of special features, articles, reminiscences, interviews, storyboards, critiques, and more than a few surprises. This monumental project was finally completed in mid-1990.

 

In 1985 a new division was founded, Gladstone Publishing, which took up the then-dormant Disney comic book license. Gladstone introduced a whole new generation of Disney comic book readers to the wondrous storytelling of such luminaries as Barks, Paul Murry, and Floyd Gottfredson, as well as presenting the first works of modern Disney comics masters Don Rosa and William Van Horn. Seven years after Gladstone's founding, the Carl Barks Library was revived as full-color, high-quality squarebound comic albums (including the first-ever Carl Barks trading cards) - the Carl Barks Library in Color.

 

Barks relocated one last time to Grants Pass, Oregon near where he grew up, partly at the urging of friend and Broom Hilda artist Russell Myers, who lived in the area. The move also was motivated, Barks stated in another famous quip, by Temecula being too close to Disneyland and thus facilitating a growing torrent of drop-in visits by vacationing fans. In this period Barks made only one public appearance, at a comic book shop near Grants Pass.

 

From 1993 to 1998, Barks' career was managed by the "Carl Barks Studio" (Bill Grandey and Kathy Morby—They had sold Barks original art since 1979). This involved numerous art projects and activities, including a tour of 11 European countries in 1994, Iceland being the first foreign country he ever visited. Barks appeared at the first of many Disneyana conventions in 1993. Silk screen prints of paintings along with high-end art objects (such as original water colors, bronze figurines and ceramic tiles) were produced based on designs by Barks.

 

During the summer of 1994 and until his death, Carl Barks & his studio personally assigned Peter Reichelt, a museum exhibition producer from Mannheim, Germany, as his agent for Europe. Publisher "Edition 313" put out numerous lithographs. In 1997, tensions between Barks and the Studio eventually resulted in a lawsuit that was settled with an agreement that included the disbanding of the Studio. Barks never traveled to make another Disney appearance. He was represented by Rev. Ed Bergen, as he completed a final project. Gerry Tank and Jim Mitchell were to assist Barks in his final years.

During his Carl Barks Studio years, Barks created two more stories: the script for the final Uncle Scrooge story "Horsing Around with History", which was first published in Denmark in 1994 with Bill Van Horn art. The Barks outlines for Barks final Donald Duck story "Somewhere in Nowhere", were first published in 1997, in Italy, with art by Pat Block.

Austrian artist Gottfried Helnwein curated and organized the first solo museum-exhibition of Carl Barks. Between 1994 and 1998 the retrospective was shown in ten European museums and seen by more than 400,000 visitors.

 

At the same time in spring 1994, Reichelt and Ina Brockmann designed a special museum exhibition tour about Barks' life and work. Also represented for the first time at this exhibition were Disney artists Al Taliaferro and Floyd Gottfredson. Since 1995, more than 500,000 visitors have attended the shows in Europe, Reichelt also translated the Michael Barrier Barks biography into German and published it in 1994.

 

Steven Spielberg and George Lucas have acknowledged that the rolling-boulder booby trap in the opening scene of Raiders of the Lost Ark was inspired by the 1954 Carl Barks Uncle Scrooge adventure "The Seven Cities of Cibola" (Uncle Scrooge 7). Lucas and Spielberg have also said that some of Barks's stories about space travel and the depiction of aliens had an influence on them. Lucas wrote the foreword to the 1982 Uncle Scrooge McDuck: His Life and Times. In it he calls Barks’s stories "cinematic" and "a priceless part of our literary heritage".

 

Carl Barks has spent most of his life drawing, illustrating, painting and telling stories about ducks. He was editor and artist for the Calgary Eyeopener until he joined the Disney Studio in 1935. Barks wrote and drew thirty six early Donald Duck cartoons. Walt Disney was supervisor to his "duck unit". In 1942 he dedicated himself to the art form that made him famous: writing comics books and drawing them. Carl became the preeminent Disney comic book artist and remains so to this day. In 1996 his timeless work has been reprinted worldwide. He is known as the father of Donald Duck as well as the creator of the miserly Uncle Scrooge. Duckburg and most of the duck clan owe their existence to his pen and paintbrush. In 1968 Carl began a new career capturing the duck family in oil paintings. Many Disney Bark's products have been created from his work including silk-screens, lithographs, bronze and porcelain figurines. At 93 Barks went on an eleven country museum tour with his oil paintings. From Iceland to Poland forty of his paintings were received to rave reviews and huge crowds. In Denmark the 3rd grade was let out to meet Barks at the boat. When asked what he would most like to be remembered for he answers "storytelling."

Invented delights. Click here to read at The Delhi Walla.

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The COPENHAGEN ULTRACONTEMPORARY BIENNALE will be done in 3 platform

the parliament is platform 2

Artist have to express closer to decision makers . in time , in the NOW

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a presentation of COPENHAGEN ULTRACONTEMPORARY BIENNALE will be done at the Venice Biennale 2015 ---

check date and place here www.facebook.com/CopenhagenBiennale

COPENHAGEN ULTRACONTEMPORARY BIENNALE

main : copenhagenbiennale.org/

www.facebook.com/CopenhagenBiennale

www.emergencyrooms.org/formats.html

www.emergencyrooms.org/

 

meanwhile during Venice Biennale contemporary art will be shown by

 

ABBOUD, Jumana Emil .ABDESSEMED, Adel .ABONNENC, Mathieu Kleyebe

ABOUNADDARA.ACHOUR, Boris ADKINS, Terry AFIF, Saâdane

AKERMAN, Chantal AKOMFRAH, John AKPOKIERE, Karo

AL SOLH, Mounira ALGÜN RINGBORG, Meriç ALLORA, Jennifer & CALZADILLA, Guillermo

ATAMAN, Kutlug BAJEVIC, Maja BALLESTEROS, Ernesto

BALOJI, Sammy BARBA, Rosa

BASELITZ, Georg BASUALDO, Eduardo BAUER, Petra

BESHTY, Walead BHABHA, Huma BOLTANSKI, Christian

BONVICINI, Monica BOYCE, Sonia

BOYD, Daniel BREY, Ricardo BROODTHAERS, Marcel BRUGUERA, Tania

BURGA, Teresa CALHOUN, Keith & McCORMICK, Chandra CAO, Fei

CHAMEKH, Nidhal CHERNYSHEVA, Olga CHUNG, Tiffany

COOPERATIVA CRÁTER INVERTIDO CREATIVE TIME SUMMIT

DAMIANI, Elena DELLER, Jeremy DJORDAJDZE, Thea DUMAS, Marlene

E-FLUX JOURNAL EDWARDS, Melvin EFFLATOUN, Inji EHMANN, Antje & FAROCKI, Harun

EICHHORN, Maria EVANS, Walker FAROCKI, Harun FLOYD, Emily

FRIEDL, Peter FUSCO, Coco FUSINATO, Marco

GAINES, Charles GALLAGHER, Ellen GALLARDO, Ana GARCIA, Dora

GATES, Theaster GENZKEN, Isa GLUKLYA GOMES, Sônia GROSSE, Katharina

GULF LABOR GURSKY, Andreas HAACKE, Hans

HADJITHOMAS, Joana & JOREIGE, Khalil HARRY, Newell HASSAN, Kay

HIRSCHHORN, Thomas HÖLLER, Carsten HOLT, Nancy & SMITHSON, Robert

IM, Heung Soon INVISIBLE BORDERS: Trans-African Photographers ISHIDA, Tetsuya

JI, Dachun JULIEN, Isaac K., Hiwa KAMBALU, Samson KIM, Ayoung

KLUGE, Alexander KNGWARREYE, Emily Kame LAGOMARSINO, Runo LEBER, Sonia & CHESWORTH, David

LIGON, Glenn MABUNDA, Gonçalo MADHUSUDHANAN MAHAMA, Ibrahim

MALJKOVIC, David MAN, Victor MANSARAY, Abu Bakarr MARKER, Chris

MARSHALL, Kerry James MARTEN, Helen MAURI, Fabio McQUEEN, Steve

MOHAIEMEN, Naeem MORAN, Jason MÜLLER, Ivana MUNROE, Lavar MURILLO, Oscar

MUTU, Wangechi NAM, Hwayeon NAUMAN, Bruce NDIAYE, Cheikh NICOLAI, Olaf

OFILI, Chris OGBOH, Emeka PARRENO, Philippe PASCALI, Pino PIPER, Adrian

PONIFASIO, Lemi QIU, Zhijie RAISSNIA, Raha RAQS MEDIA COLLECTIVE

(NARULA, Monica; BAGCHI, Jeebesh; SENGUPTA, Shuddhabrata) REYNAUD-DEWAR, Lili

RIDNYI, Mykola ROBERTS, Liisa ROTTENBERG, Mika SCHÖNFELDT, Joachim SELMANI, Massinissa

SENGHOR, Fatou Kand SHETTY, Prasad & GUPTE, Rupal SIBONY, Gedi

SIMMONS, Gary SIMON, Taryn SIMPSON, Lorna SMITHSON, Robert SUBOTZKY, Mikhael

SUHAIL, Mariam SZE, Sarah THE PROPELLER GROUPthe TOMORROW

TIRAVANIJA, Rirkrit TOGUO, Barthélémy XU, Bing YOUNIS, Ala

  

ALBANIA

Albanian Trilogy: A Series of Devious Stratagems

Armando Lulaj

Commissioner: Ministry of Culture. Curator: Marco Scotini. Deputy Curator: Andris Brinkmanis. Venue: Pavilion at Arsenale

ANDORRA

Inner Landscapes

Roqué, Joan Xandri

Commissioner: Henry Périer. Deputy Commissioner: Joana Baygual, Sebastià Petit, Francesc Rodríguez

Curator: Paolo de Grandis, Josep M. Ubach. Venue: Spiazzi, Castello 3865

ANGOLA

On Ways of Travelling

António Ole, Binelde Hyrcan, Délio Jasse, Francisco Vidal, Nelo Teixeira

Commissioner: Ministry of Culture, Rita Guedes Tavares. Curator: António Ole. Deputy Curator: Antonia Gaeta. Venue: Conservatorio Benedetto Marcello - Palazzo Pisani, San Marco 2810

ARGENTINA

The Uprising of Form

Juan Carlos Diste´fano

Commissioner: Magdalena Faillace. Curator: Mari´a Teresa Constantin. Venue: Pavilion at Arsenale – Sale d’Armi

ARMENIA, Republic of

Armenity / Haiyutioun

Haig Aivazian, Lebanon; Nigol Bezjian, Syria/USA; Anna Boghiguian Egypt/Canada; Hera Büyüktasçiyan, Turkey; Silvina Der-Meguerditchian, Argentina/Germany; Rene Gabri & Ayreen Anastas, Iran/Palestine/USA; Mekhitar Garabedian, Belgium; Aikaterini Gegisian, Greece; Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi, Italy; Aram Jibilian, USA; Nina Katchadourian, USA/Finland; Melik Ohanian, France; Mikayel Ohanjanyan, Armenia/Italy; Rosana Palazyan, Brazil; Sarkis, Turkey/France; Hrair Sarkissian, Syria/UK

Commissioner: Ministry of Culture of the Republic of Armenia. Deputy Commissioner: Art for the World, Mekhitarist Congregation of San Lazzaro Island, Embassy of the Republic of Armenia in Italy, Vartan Karapetian. Curator: Adelina Cüberyan von Fürstenberg. Venue: Monastery and Island of San Lazzaro degli Armeni

AUSTRALIA

Fiona Hall: Wrong Way Time

Fiona Hall

Commissioner: Simon Mordant AM. Deputy Commissioner: Charles Green. Curator: Linda Michael. Scientific Committee: Simon Mordant AM, Carolyn Christov-Bakargiev, Max Delany, Rachel Kent, Danie Mellor, Suhanya Raffel, Leigh Robb. Venue: Pavilion at Giardini

AUSTRIA

Heimo Zobernig

Commissioner: Yilmaz Dziewior. Curator: Yilmaz Dziewior. Scientific Committee: Friends of the Venice Biennale. Venue: Pavilion at Giardini

AZERBAIJAN, Republic of

Beyond the Line

Ashraf Murad, Javad Mirjavadov, Tofik Javadov, Rasim Babayev, Fazil Najafov, Huseyn Hagverdi, Shamil Najafzada

Commissioner: Heydar Aliyev Foundation. Curators: de Pury de Pury, Emin Mammadov. Venue: Palazzo Lezze, Campo S.Stefano, San Marco 2949

Vita Vitale

Edward Burtynsky, Mircea Cantor, Loris Cecchini, Gordon Cheung, Khalil Chishtee, Tony Cragg, Laura Ford, Noemie Goudal, Siobhán Hapaska, Paul Huxley, IDEA laboratory and Leyla Aliyeva, Chris Jordan with Rebecca Clark and Helena S.Eitel, Tania Kovats, Aida Mahmudova, Sayyora Muin, Jacco Olivier, Julian Opie, Julian Perry, Mike Perry, Bas Princen, Stephanie Quayle, Ugo Rondinone, Graham Stevens, Diana Thater, Andy Warhol, Bill Woodrow, Erwin Wurm, Rose Wylie

Commissioner: Heydar Aliyev Foundation. Curators: Artwise: Susie Allen, Laura Culpan, Dea Vanagan. Venue: Ca’ Garzoni, San Marco 3416

BELARUS, Republic of

War Witness Archive

Konstantin Selikhanov

Commissioner: Natallia Sharanhovich. Deputy Commissioners: Alena Vasileuskaya, Kamilia Yanushkevich. Curators: Aleksei Shinkarenko, Olga Rybchinskaya. Scientific Committee: Dmitry Korol, Daria Amelkovich, Julia Kondratyuk, Sergei Jeihala, Sheena Macfarlane, Yuliya Heisik, Hanna Samarskaya, Taras Kaliahin, Aliaksandr Stasevich. Venue: Riva San Biagio, Castello 2145

BELGIUM

Personnes et les autres

Vincent Meessen and Guests, Mathieu K. Abonnenc, Sammy Baloji, James Beckett, Elisabetta Benassi, Patrick Bernier & Olive Martin, Tamar Guimara~es & Kasper Akhøj, Maryam Jafri, Adam Pendleton

Commissioner: Wallonia-Brussels Federation and Wallonia-Brussels International. Curator: Katerina Gregos. Venue: Pavilion at Giardini

COSTA RICA

"Costa Rica, Paese di pace, invita a un linguaggio universale d'intesa tra i popoli".

Andrea Prandi, Beatrice Gallori, Beth Parin, Biagio Schembari, Carla Castaldo, Celestina Avanzini, Cesare Berlingeri, Erminio Tansini, Fabio Capitanio, Fausto Beretti, Giovan Battista Pedrazzini, Giovanni Lamberti, Giovanni Tenga, Iana Zanoskar, Jim Prescott, Leonardo Beccegato, Liliana Scocco, Lucia Bolzano, Marcela Vicuna, Marco Bellagamba, Marco Lodola, Maria Gioia dell’Aglio, Mario Bernardinello, Massimo Meucci, Nacha Piattini, Omar Ronda, Renzo Eusebi, Tita Patti, Romina Power, Rubens Fogacci, Silvio di Pietro, Stefano Sichel, Tino Stefanoni, Ufemia Ritz, Ugo Borlenghi, Umberto Mariani, Venere Chillemi, Jacqueline Gallicot Madar, Massimo Onnis, Fedora Spinelli

Commissioner: Ileana Ordonez Chacon. Curator: Gregorio Rossi. Venue: Palazzo Bollani

CROATIA

Studies on Shivering: The Third Degree

Damir Ocko

Commissioner: Ministry of Culture. Curator: Marc Bembekoff. Venue: Palazzo Pisani, S. Marina

CUBA

El artista entre la individualidad y el contexto

Lida Abdul, Celia-Yunior, Grethell Rasúa, Giuseppe Stampone, LinYilin, Luis Edgardo Gómez Armenteros, Olga Chernysheva, Susana Pilar Delahante Matienzo

Commissioner: Miria Vicini. Curators: Jorge Fernández Torres, Giacomo Zaza. Venue: San Servolo Island

CYPRUS, Republic of

Two Days After Forever

Christodoulos Panayiotou

Commissioner: Louli Michaelidou. Deputy Commissioner: Angela Skordi. Curator: Omar Kholeif. Deputy Curator: Daniella Rose King. Venue: Palazzo Malipiero, Sestiere San Marco 3079

CZECH Republic and SLOVAK Republic

Apotheosis

Jirí David

Commissioner: Adam Budak. Deputy Commissioner: Barbara Holomkova. Curator: Katarina Rusnakova. Venue: Pavilion at Giardini

ECUADOR

Gold Water: Apocalyptic Black Mirrors

Maria Veronica Leon Veintemilla in collaboration with Lucia Vallarino Peet

Commissioner: Andrea Gonzàlez Sanchez. Deputy Commissioner: PDG Arte Communications. Curator: Ileana Cornea. Deputy Curator: Maria Veronica Leon Veintemilla. Venue: Istituto Santa Maria della Pietà, Castello 3701

ESTONIA

NSFW. From the Abyss of History

Jaanus Samma

Commissioner: Maria Arusoo. Curator: Eugenio Viola. Venue: Palazzo Malipiero, campo San Samuele, San Marco 3199

EGYPT

CAN YOU SEE

Ahmed Abdel Fatah, Gamal Elkheshen, Maher Dawoud

Commissioner: Hany Al Ashkar. Curator: Ministry of Culture. Venue: Pavilion at Giardini

FINLAND (Pavilion Alvar Aalto)

Hours, Years, Aeons

IC-98

Commissioner: Frame Visual Art Finland, Raija Koli. Curator: Taru Elfving. Deputy Curator: Anna Virtanen. Venue: Pavilion at Giardini

FRANCE

revolutions

Céleste Boursier-Mougenot

Commissioner: Institut français, with Ministère de la Culture et de la Communication. Curator: Emma Lavigne. Venue: Pavilion at Giardini

GEORGIA

Crawling Border

Rusudan Gobejishvili Khizanishvili, Irakli Bluishvili, Dimitri Chikvaidze, Joseph Sabia

Commissioner: Ana Riaboshenko. Curator: Nia Mgaloblishvili. Venue: Pavilion at Arsenale – Sale d’Armi

GERMANY

Fabrik

Jasmina Metwaly / Philip Rizk, Olaf Nicolai, Hito Steyerl, Tobias Zielony

Commissioner: ifa (Institut für Auslandsbeziehungen) on behalf of the Federal Foreign Office. Deputy Commissioner: Elke aus dem Moore, Nina Hülsmeier. Curator: Florian Ebner. Deputy Curator: Tanja Milewsky, Ilina Koralova. Venue: Pavilion at Giardini

GREAT BRITAIN

Sarah Lucas

Commissioner: Emma Dexter. Curator: Richard Riley. Deputy Curator: Katrina Schwarz. Venue: Pavilion at Giardini

GRENADA *

Present Nearness

Oliver Benoit, Maria McClafferty, Asher Mains, Francesco Bosso and Carmine Ciccarini, Guiseppe Linardi

Commissioner: Ministry of Culture. Deputy Commissioner: Susan Mains. Curator: Susan Mains. Deputy Curator: Francesco Elisei. Venue: Opera don Orione Artigianelli, Sala Tiziano, Fondamenta delle Zattere ai Gesuati, Dorsoduro 919

GREECE

Why Look at Animals? AGRIMIKÁ.

Maria Papadimitriou

Commissioner: Hellenic Ministry of Culture, Education and Religious Affairs. Curator: Gabi Scardi. Deputy Curator: Alexios Papazacharias. Venue: Pavilion at Giardini

BRAZIL

So much that it doesn't fit here

Antonio Manuel, André Komatsu, Berna Reale

Commissioner: Luis Terepins. Curator: Luiz Camillo Osorio. Deputy Curator: Cauê Alves. Venue: Pavilion at Giardini

CANADA

Canadassimo

BGL

Commissioner: National Gallery of Canada, Marc Mayer. Deputy Commissioner: National Gallery of Canada, Yves Théoret. Curator: Marie Fraser. Venue: Pavilion at Giardini

CHILE

Poéticas de la disidencia | Poetics of dissent: Paz Errázuriz - Lotty Rosenfeld

Paz Errázuriz, Lotty Rosenfeld

Commissioner: Antonio Arèvalo. Deputy Commissioner: Juan Pablo Vergara Undurraga. Curator: Nelly Richard. Venue: Pavilion at Arsenale - Artiglierie

CHINA, People’s Republic of

Other Future

LIU Jiakun, LU Yang, TAN Dun, WEN Hui/Living Dance Studio, WU Wenguang/Caochangdi Work Station

Commissioner: China Arts and Entertainment Group, CAEG. Deputy Commissioners: Zhang Yu, Yan Dong. Curator: Beijing Contemporary Art Foundation. Scientific Committee: Fan Di’an, Zhang Zikang, Zhu Di, Gao Shiming, Zhu Qingsheng, Pu Tong, Shang Hui. Venue: Pavilion at Arsenale – Giardino delle Vergini

GUATEMALA

Sweet Death

Emma Anticoli Borza, Sabrina Bertolelli, Mariadolores Castellanos, Max Leiva, Pier Domenico Magri, Adriana Montalto, Elmar Rojas (Elmar René Rojas Azurdia), Paolo Schmidlin, Mónica Serra, Elsie Wunderlich, Collettivo La Grande Bouffe

Commissioner: Daniele Radini Tedeschi. Curators: Stefania Pieralice, Carlo Marraffa, Elsie Wunderlich. Deputy Curators: Luciano Carini, Simone Pieralice. Venue: Officina delle Zattere, Dorsoduro 947, Fondamenta Nani

HOLY SEE

Commissioner: Em.mo Card. Gianfranco Ravasi, Presidente del Pontificio Consiglio della Cultura. Venue: Pavilion at Arsenale – Sale d’Armi

HUNGARY

Sustainable Identities

Szilárd Cseke

Commissioner: Monika Balatoni. Deputy Commissioner: István Puskás, Sándor Fodor, Anna Karády. Curator: Kinga German. Venue: Pavilion at Giardini

ICELAND

Christoph Büchel

Commissioner: Björg Stefánsdóttir. Curator: Nína Magnúsdóttir. Venue: to be confirmed

INDONESIA, Republic of

Komodo Voyage

Heri Dono

Commissioner: Sapta Nirwandar. Deputy Commissioner: Soedarmadji JH Damais. Curator: Carla Bianpoen, Restu Imansari Kusumaningrum. Scientific Committee: Franco Laera, Asmudjo Jono Irianto, Watie Moerany, Elisabetta di Mambro. Venue: Venue: Arsenale

IRAN

Iranian Highlights

Samira Alikhanzaradeh, Mahmoud Bakhshi Moakhar, Jamshid Bayrami, Mohammed Ehsai

The Great Game

Lida Abdul, Bani Abidi, Adel Abidin, Amin Agheai, Ghodratollah Agheli, Shahriar Ahmadi, Parastou Ahovan, Farhad Ahrarnia, Rashad Alakbarov, Nazgol Ansarinia, Reza Aramesh, Alireza Astaneh, Sonia Balassanian, Mahmoud Bakhshi, Moakhar Wafaa Bilal, Mehdi Farhadian, Monir Farmanfarmaian, Shadi Ghadirian, Babak Golkar, Shilpa Gupta, Ghasem Hajizadeh, Shamsia Hassani, Sahand Hesamiyan, Sitara Ibrahimova, Pouran Jinchi, Amar Kanwar, Babak Kazemi, Ryas Komu, Ahmad Morshedloo, Farhad Moshiri, Mehrdad Mohebali, Huma Mulji, Azad Nanakeli, Jamal Penjweny, Imran Qureshi, Sara Rahbar, Rashid Rana, T.V. Santhosh, Walid Siti, Mohsen Taasha Wahidi, Mitra Tabrizian, Parviz Tanavoli, Newsha Tavakolian, Sadegh Tirafkan, Hema Upadhyay, Saira Wasim

Commissioner: Majid Mollanooruzi. Deputy Commissioners: Marco Meneguzzo, Mazdak Faiznia. Curators: Marco Meneguzzo, Mazdak Faiznia. Venue: Calle San Giovanni 1074/B, Cannaregio

IRAQ

Commissioner: Ruya Foundation for Contemporary Culture in Iraq (RUYA). Deputy Commissioner: Nuova Icona - Associazione Culturale per le Arti. Curator: Philippe Van Cauteren. Venue: Ca' Dandolo, San Polo 2879

IRELAND

Adventure: Capital

Sean Lynch

Commissioner: Mike Fitzpatrick. Curator: Woodrow Kernohan. Venue: Pavilion at Arsenale - Artiglierie

ISRAEL

Tsibi Geva | Archeology of the Present

Tsibi Geva

Commissioner: Arad Turgem, Michael Gov. Curator: Hadas Maor. Venue: Pavilion at Giardini

 

ITALY

Ministero dei Beni e delle attività culturali e del turismo - Direzione Generale Arte e Architettura Contemporanee e Periferie Urbane. Commissioner: Federica Galloni. Curator: Vincenzo Trione. Venue: Padiglione Italia, Tese delle Vergini at Arsenale

 

JAPAN

The Key in the Hand

Chiharu Shiota

Commissioner: The Japan Foundation. Deputy Commissioner: Yukihiro Ohira, Manako Kawata and Haruka Nakajima. Curator: Hitoshi Nakano. Venue : Pavilion at Giardini

 

KENYA

Creating Identities

Yvonne Apiyo Braendle-Amolo, Qin Feng, Shi Jinsong, Armando Tanzini, Li Zhanyang, Lan Zheng Hui, Li Gang, Double Fly Art Center

Commissioner: Paola Poponi. Curator: Sandro Orlandi Stagl. Deputy Curator: Ding Xuefeng. Venue: San Servolo Island

 

KOREA, Republic of

The Ways of Folding Space & Flying

MOON Kyungwon & JEON Joonho

Commissioner: Sook-Kyung Lee. Curator: Sook-Kyung Lee. Venue: Pavilion at Giardini

 

KOSOVO, Republic of

Speculating on the blue

Flaka Haliti

Commissioner: Ministry of Culture, Youth and Sports. Curator: Nicolaus Schafhausen. Deputy Curator: Katharina Schendl. Venue: Pavilion at Arsenale - Artiglierie

 

LATVIA

Armpit

Katrina Neiburga, Andris Eglitis

Commissioner: Solvita Krese (Latvian Centre for Contemporary Art). Deputy Commissioner: Kitija Vasiljeva. Curator: Kaspars Vanags. Venue: Pavilion at Arsenale

 

LITHUANIA

Museum

Dainius Liškevicius

Commissioner: Vytautas Michelkevicius. Deputy Commissioner: Rasa Antanaviciute. Curator: Vytautas Michelkevicius. Venue: Palazzo Zenobio, Fondamenta del Soccorso 2569, Dorsoduro

 

LUXEMBOURG, Grand Duchy of

Paradiso Lussemburgo

Filip Markiewicz

Commissioner: Ministry of Culture. Deputy Commissioner: MUDAM Luxembourg. Curator: Paul Ardenne. Venue: Cà Del Duca, Corte del Duca Sforza, San Marco 3052

 

MACEDONIA, Former Yugoslavian Republic of

We are all in this alone

Hristina Ivanoska and Yane Calovski

Commissioner: Maja Nedelkoska Brzanova, National Gallery of Macedonia. Deputy Commissioner: Olivija Stoilkova. Curator: Basak Senova. Deputy Curator: Maja Cankulovska Mihajlovska. Venue: Pavilion at Arsenale - Sale d’Armi

 

MAURITIUS *

From One Citizen You Gather an Idea

Sultana Haukim, Nirmal Hurry, Alix Le Juge, Olga Jürgenson, Helge Leiberg, Krishna Luchoomun, Neermala Luckeenarain, Kavinash Thomoo, Bik Van Der Pol, Laure Prouvost, Vitaly Pushnitsky, Römer + Römer

Commissioner: pARTage. Curators: Alfredo Cramerotti, Olga Jürgenson. Venue: Palazzo Flangini - Canareggio 252

 

MEXICO

Possesing Nature

Tania Candiani, Luis Felipe Ortega

Commissioner: Tomaso Radaelli. Deputy Commissioner: Magdalena Zavala Bonachea. Curator: Karla Jasso. Venue: Pavilion at Arsenale – Sale d’Armi

 

MONGOLIA *

Other Home

Enkhbold Togmidshiirev, Unen Enkh

Commissioner: Gantuya Badamgarav, MCASA. Curator: Uranchimeg Tsultemin. Scientific Committee: David A Ross, Boldbaatar Chultemin. Venue: European Cultural Centre - Palazzo Mora

 

MONTENEGRO

,,Ti ricordi Sjecaš li se You Remember "

Aleksandar Duravcevic

Commissioner/Curator: Anastazija Miranovic. Deputy Commissioner: Danica Bogojevic. Venue: Palazzo Malipiero (piano terra), San Marco 3078-3079/A, Ramo Malipiero

 

MOZAMBIQUE, Republic of *

Theme: Coexistence of Tradition and Modernity in Contemporary Mozambique

Mozambique Artists

Commissioner: Joel Matias Libombo. Deputy Commissioner: Gilberto Paulino Cossa. Curator: Comissariado-Geral para a Expo Milano 2015. Venue: Pavilion at Arsenale

 

NETHERLANDS, The

herman de vries - to be all ways to be

herman de vries

Commissioner: Mondriaan Fund. Curators: Colin Huizing, Cees de Boer. Venue: Pavilion ar Giardini

 

NEW ZEALAND

Secret Power

Simon Denny

Commissioner: Heather Galbraith. Curator: Robert Leonard. Venue: Biblioteca Nazionale Marciana, Marco Polo Airport

 

NORDIC PAVILION (NORWAY)

Camille Norment

Commissioner: OCA, Office for Contemporary Art Norway. Curator: Katya García-Antón. Deputy Curator: Antonio Cataldo. Venue: Pavilion at Giardini

 

PERU

Misplaced Ruins

Gilda Mantilla and Raimond Chaves

Commissioner: Armando Andrade de Lucio. Curator: Max Hernández-Calvo. Venue: Pavilion at Arsenale – Sale d’Armi

 

PHILIPPINES

Tie a String Around the World

Manuel Conde, Carlos Francisco, Manny Montelibano, Jose Tence Ruiz

Commissioner: National Commission for Culture and the Arts (NCCA), Felipe M. de Leon Jr. Curator: Patrick D. Flores. Venue: European Cultural Centre - Palazzo Mora

 

POLAND

Halka/Haiti. 18°48’05”N 72°23’01”W

C.T. Jasper, Joanna Malinowska

Commissioner: Hanna Wróblewska. Deputy Commissioner: Joanna Wasko. Curator: Magdalena Moskalewicz. Venue: Pavilion at Giardini

 

PORTUGAL

I Will Be Your Mirror / poems and problems

João Louro

Commissioner/Curator: María de Corral. Venue: Palazzo Loredan, campo S. Stefano

 

ROMANIA

Adrian Ghenie: Darwin’s Room

Adrian Ghenie

Commissioner: Monica Morariu. Deputy Commissioner: Alexandru Damian. Curator: Mihai Pop. Venue: Pavilion at Giardini

 

Inventing the Truth. On Fiction and Reality

Michele Bressan, Carmen Dobre-Hametner, Alex Mirutziu, Lea Rasovszky, Stefan Sava, Larisa Sitar

Commissioner: Monica Morariu. Deputy Commissioner: Alexandru Damian. Curator: Diana Marincu. Deputy Curators: Ephemair Association (Suzana Dan and Silvia Rogozea). Venue: New Gallery of the Romanian Institute for Culture and Humanistic Research in Venice

 

RUSSIA

The Green Pavilion

Irina Nakhova

Commissioner: Stella Kesaeva. Curator: Margarita Tupitsyn. Venue: Pavilion at Giardini

 

SERBIA

United Dead Nations

Ivan Grubanov

Commissioner: Lidija Merenik. Deputy Commissioner: Ana Bogdanovic. Curator: Lidija Merenik. Deputy Curator: Ana Bogdanovic. Scientific Committee: Jovan Despotovic. Venue: Pavilion at Giardini

 

SAN MARINO

Repubblica di San Marino “ Friendship Project “ China

Xu De Qi, Liu Dawei, Liu Ruo Wang, Ma Yuan, Li Lei, Zhang Hong Mei, Eleonora Mazza, Giuliano Giulianelli, Giancarlo Frisoni, Tony Margiotta, Elisa Monaldi, Valentina Pazzini

Commissioner: Istituti Culturali della Repubblica di San Marino. Curator: Vincenzo Sanfo. Venue: TBC

 

SEYCHELLES, Republic of *

A Clockwork Sunset

George Camille, Léon Wilma Loïs Radegonde

Commissioner: Seychelles Art Projects Foundation. Curators: Sarah J. McDonald, Victor Schaub Wong. Venue: European Cultural Centre - Palazzo Mora

 

SINGAPORE

Sea State

Charles Lim Yi Yong

Commissioner: Paul Tan, National Arts Council, Singapore. Curator: Shabbir Hussain Mustafa. Scientific Committee: Eugene Tan, Kathy Lai, Ahmad Bin Mashadi, June Yap, Emi Eu, Susie Lingham, Charles Merewether, Randy Chan. Venue: Pavilion at Arsenale – Sale d’Armi

 

SLOVENIA, Republic of

UTTER / The violent necessity for the embodied presence of hope

JAŠA

Commissioner: Simona Vidmar. Deputy Commissioner: Jure Kirbiš. Curators: Michele Drascek and Aurora Fonda. Venue: Pavilion at Arsenale - Artiglierie

 

SPAIN

Los Sujetos (The Subjects)

Pepo Salazar, Cabello/Carceller, Francesc Ruiz, + Salvador Dalí

Commissioner: Ministerio Asuntos Exteriores. Gobierno de España. Curator: Marti Manen. Venue: Pavilion at Giardini

 

SYRIAN ARAB REPUBLIC

Origini della civiltà

Narine Ali, Ehsan Alar, Felipe Cardeña, Fouad Dahdouh, Aldo Damioli, Svitlana Grebenyuk, Mauro Reggio, Liu Shuishi, Nass ouh Zaghlouleh, Andrea Zucchi, Helidon Xhixha

Commissioner: Christian Maretti. Curator: Duccio Trombadori. Venue: Redentore – Giudecca, San Servolo Island

 

SWEDEN

Excavation of the Image: Imprint, Shadow, Spectre, Thought

Lina Selander

Commissioner: Ann-Sofi Noring. Curator: Lena Essling. Venue: Pavilion at Arsenale

 

SWITZERLAND

Our Product

Pamela Rosenkranz

Commissioner: Swiss Arts Council Pro Helvetia, Sandi Paucic and Marianne Burki. Deputy-Commissioner: Swiss Arts Council Pro Helvetia, Rachele Giudici Legittimo. Curator: Susanne Pfeffer. Venue: Pavilion at Giardini

 

THAILAND

Earth, Air, Fire & Water

Kamol Tassananchalee

Commissioner: Chai Nakhonchai, Office of Contemporary Art and Culture (OCAC), Ministry of Culture. Curator: Richard David Garst. Deputy Curator: Pongdej Chaiyakut. Venue: Paradiso Gallerie, Giardini della Biennale, Castello 1260

 

TURKEY

Respiro

Sarkis

Commissioner: Istanbul Foundation for Culture and Arts. Curator: Defne Ayas. Deputy Curator: Ozge Ersoy. Venue: Pavilion at Arsenale – Sale d’Armi

 

TUVALU

Crossing the Tide

Vincent J.F. Huang

Commissioner: Taukelina Finikaso. Deputy Commissioner: Temate Melitiana. Curator: Thomas J. Berghuis. Scientific Committee: Andrea Bonifacio. Venue: Pavilion at Arsenale

 

UKRAINE

Hope!

Yevgenia Belorusets, Nikita Kadan, Zhanna Kadyrova, Mykola Ridnyi & SerhiyZhadan, Anna Zvyagintseva, Open Group, Artem Volokitin

Commissioner: Ministry of Culture. Curator: Björn Geldhof. Venue: Riva dei Sette Martiri

 

UNITED ARAB EMIRATES

1980 – Today: Exhibitions in the United Arab Emirates

Abdullah Al Saadi, Abdul Qader Al Rais, Abdulraheem Salim, Abdulrahman Zainal, Ahmed Al Ansari, Ahmed Sharif, Hassan Sharif, Mohamed Yousif, Mohammed Abdullah Bulhiah, Mohammed Al Qassab, Mohammed Kazem, Moosa Al Halyan, Najat Meky, Obaid Suroor, Salem Jawhar

Commissioner: Salama bint Hamdan Al Nahyan Foundation. Curator: Hoor Al Qasimi. Venue: Pavilion at Arsenale – Sale d'Armi

 

UNITED STATES OF AMERICA

Joan Jonas: They Come to Us Without a Word

Joan Jonas

Commissioner: Paul C. Ha. Deputy Commissioner: MIT List Visual Arts Center. Curators: Ute Meta Bauer, Paul C. Ha. Venue: Pavilion at Giardini

 

URUGUAY

Global Myopia II (Pencil & Paper)

Marco Maggi

Commissioner: Ricardo Pascale. Curator: Patricia Bentancour. Venue: Pavilion at Giardini

 

VENEZUELA, Bolivarian Republic of

Te doy mi palabra (I give you my word)

Argelia Bravo, Félix Molina (Flix)

Commissioner: Oscar Sotillo Meneses. Deputy Commissioner: Reinaldo Landaeta Díaz. Curator: Oscar Sotillo Meneses. Deputy Curator: Morella Jurado. Scientific Committee: Carlos Pou Ruan. Venue: Pavilion at Giardini

 

ZIMBABWE, Republic of

Pixels of Ubuntu/Unhu: - Exploring the social and cultural identities of the 21st century.

Chikonzero Chazunguza, Masimba Hwati, Gareth Nyandoro

Commissioner: Doreen Sibanda. Curator: Raphael Chikukwa. Deputy Curator: Tafadzwa Gwetai. Scientific Committee: Saki Mafundikwa, Biggie Samwanda, Fabian Kangai, Reverend Paul Damasane, Nontsikelelo Mutiti, Stephen Garan'anga, Dominic Benhura. Venue: Santa Maria della Pieta

 

ITALO-LATIN AMERICAN INSTITUTE

Voces Indígenas

Commissioner: Sylvia Irrazábal. Curator: Alfons Hug. Deputy Curator: Alberto Saraiva. Venue: Pavilion at Arsenale

ARGENTINA

Sofia Medici and Laura Kalauz

PLURINATIONAL STATE OF BOLIVIA

Sonia Falcone and José Laura Yapita

BRAZIL

Adriana Barreto

Paulo Nazareth

CHILE

Rainer Krause

COLOMBIA

León David Cobo,

María Cristina Rincón and Claudia Rodríguez

COSTA RICA

Priscilla Monge

ECUADOR

Fabiano Kueva

EL SALVADOR

Mauricio Kabistan

GUATEMALA

Sandra Monterroso

HAITI

Barbara Prézeau Stephenson

HONDURAS

Leonardo González

PANAMA

Humberto Vélez

NICARAGUA

Raúl Quintanilla

PARAGUAY

Erika Meza

Javier López

PERU

José Huamán Turpo

URUGUAY

Gustavo Tabares

 

Ellen Slegers

  

001 Inverso Mundus. AES+F

Magazzino del Sale n. 5, Dorsoduro, 265 (Fondamenta delle Zattere ai Saloni); Palazzo Nani Mocenigo, Dorsoduro, 960

May 9th – October 31st

Organization: VITRARIA Glass + A Museum

www.vitraria.com

www.inversomundus.com

 

Catalonia in Venice: Singularity

Cantieri Navali, Castello, 40 (Calle Quintavalle)

May 9th - November 22nd

Organization: Institut Ramon Llull

www.llull.cat

venezia2015.llull.cat

 

Conversion. Recycle Group

Chiesa di Sant’Antonin, Castello (Campo Sant’Antonin)

May 6th - October 31st

Organization: Moscow Museum of Modern Art

www.mmoma.ru/

 

Dansaekhwa

Palazzo Contarini-Polignac, Dorsoduro, 874 (Accademia)

May 7th – August 15th

Organization: The Boghossian Foundation

www.villaempain.com

 

Dispossession

Palazzo Donà Brusa, Campo San Polo, 2177

May 9th - November 22nd

Organization: European Capital of Culture Wroclaw 2016

wroclaw2016.pl/biennale/

 

EM15 presents Doug Fishbone’s Leisure Land Golf

Arsenale Docks, Castello, 40A, 40B, 41C

May 6th - July 26th

Organization: EM15

www.em15venice.co.uk

 

Eredità e Sperimentazione

Grand Hotel Hungaria & Ausonia, Viale Santa Maria Elisabetta, 28, Lido di Venezia

May 9th - November 22nd

Organization: Istituto Nazionale di BioArchitettura - Sezione di Padova

www.bioarchitettura.it

 

Frontiers Reimagined

Palazzo Grimani, Castello, 4858 (Ramo Grimani)

May 9th - November 22nd

Organization: Tagore Foundation International; Polo museale del Veneto

www.frontiersreimagined.org

 

Glasstress 2015 Gotika

Istituto Veneto di Scienze Lettere ed Arti, Palazzo Cavalli Franchetti, San Marco, 2847 (Campo Santo Stefano); Chiesa di Santa Maria della Visitazione, Centro Culturale Don Orione Artigianelli, Dorsoduro, 919 (Zattere); Fondazione Berengo, Campiello della Pescheria, 15, Murano;

May 9th — November 22nd

Organization: The State Hermitage Museum

www.hermitagemuseum.org

 

Graham Fagen: Scotland + Venice 2015

Palazzo Fontana, Cannaregio, 3829 (Strada Nova)

May 9th - November 22nd

Organization: Scotland + Venice

www.scotlandandvenice.com

 

Grisha Bruskin. An Archaeologist’s Collection

Former Chiesa di Santa Caterina, Cannaregio, 4941-4942

May 6th – November 22nd

Organization: Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR), Università Ca’ Foscari Venezia

www.unive.it/csar

 

Helen Sear, ... The Rest Is Smoke

Santa Maria Ausiliatrice, Castello, 450 (Fondamenta San Gioacchin)

May 9th - November 22nd

Organization: Cymru yn Fenis/Wales in Venice

www.walesinvenice.org.uk

 

Highway to Hell

Palazzo Michiel, Cannaregio, 4391/A (Strada Nova)

May 9th - November 22nd

Organization: Hubei Museum of Art

www.hbmoa.com

 

Humanistic Nature and Society (Shan-Shui) – An Insight into the Future

Palazzo Faccanon, San Marco, 5016 (Mercerie)

May 7th – August 4th

Organization: Shanghai Himalayas Museum

www.himalayasmuseum.org

 

In the Eye of the Thunderstorm: Effervescent Practices from the Arab World & South Asia

Dorsoduro, 417 (Zattere)

May 6th - November 15th

Organization: ArsCulture

www.arsculture.org/

www.eyeofthunderstorm.com

 

Italia Docet | Laboratorium- Artists, Participants, Testimonials and Activated Spectators

Palazzo Barbarigo Minotto, San Marco, 2504 (Fondamenta Duodo o Barbarigo)

May 9th – June 30th; September 11st – October 31st

Organization: Italian Art Motherboard Foundation (i-AM Foundation)

www.i-amfoundation.org

www.venicebiennale-italiadocet.org

 

Jaume Plensa: Together

Basilica di San Giorgio Maggiore, Isola di San Giorgio Maggiore

May 6th – November 22nd

Organization: Abbazia di San Giorgio Maggiore Benedicti Claustra Onlus

www.praglia.it

 

Jenny Holzer "War Paintings"

Museo Correr, San Marco, 52 (Piazza San Marco)

May 6th – November 22nd

Organization: The Written Art Foundation; Museo Correr, Fondazione Musei Civici di Venezia

www.writtenartfoundation.com

correr.visitmuve.it

 

Jump into the Unknown

Palazzo Loredan dell’Ambasciatore, Dorsoduro, 1261-1262

May 9th – June 18th

Organization: Nine Dragon Heads

9dh-venice.com

 

Learn from Masters

Palazzo Bembo, San Marco, 4793 (Riva del Carbon)

May 9th – November 22nd

Organization: Pan Tianshou Foundation

pantianshou.caa.edu.cn/foundation_en

 

My East is Your West

Palazzo Benzon, San Marco, 3927

May 6th – October 31st

Organization: The Gujral Foundation

www.gujralfoundation.org

   

Ornamentalism. The Purvitis Prize

Arsenale Nord, Tesa 99

May 9th – November 22nd

Organization: The Secretariat of the Latvian Presidency of the Council of the European Union in 2015

www.purvisabalva.lv/en/ornamentalism

 

Path and Adventure

Arsenale, Castello, 2126/A (Campo della Tana)

May 9th – November 22nd

Organization: The Civic and Municipal Affairs Bureau; The Macao Museum of Art; The Cultural Affairs Bureau

www.iacm.gov.mo

www.mam.gov.mo

www.icm.gov.mo

 

Patricia Cronin: Shrine for Girls, Venice

Chiesa di San Gallo, San Marco, 1103 (Campo San Gallo)

May 9th – November 22nd

Organization: Brooklyn Rail Curatorial Projects

curatorialprojects.brooklynrail.org

 

Roberto Sebastian Matta. Sculture

Giardino di Palazzo Soranzo Cappello, Soprintendenza BAP per le Province di Venezia, Belluno, Padova e Treviso, Santa Croce, 770 (Fondamenta Rio Marin)

May 9th – November 22nd

Organization: Fondazione Echaurren Salaris

www.fondazioneechaurrensalaris.it

www.maggioregam.com/56Biennale_Matta

 

Salon Suisse: S.O.S. Dada - The World Is A Mess

Palazzo Trevisan degli Ulivi, Dorsoduro, 810 (Campo Sant'Agnese)

May 9th; June 4th - 6th; September 10th - 12th; October 15th - 17th; November 19th – 21st

Organization: Swiss Arts Council Pro Helvetia

www.prohelvetia.ch

www.biennials.ch

 

Sean Scully: Land Sea

Palazzo Falier, San Marco, 2906

May 9th – November 22nd

Organization: Fondazione Volume!

www.fondazionevolume.com

 

Sepphoris. Alessandro Valeri

Molino Stucky, interior atrium, Giudecca, 812

May 9th – November 22nd

Organization: Assessorato alla Cultura del Comune di Narni(TR); a Sidereal Space of Art; Satellite Berlin

www.sepphorisproject.org

 

Tesla Revisited

Palazzo Nani Mocenigo, Dorsoduro, 960

May 9th – October 18th

Organization: VITRARIA Glass + A Museum

www.vitraria.com/

 

The Bridges of Graffiti

Arterminal c/o Terminal San Basilio, Dorsoduro (Fondamenta Zattere al Ponte Lungo)

May 9th - November 22nd

Organization: Associazione Culturale Inossidabile

www.inossidabileac.com

 

The Dialogue of Fire. Ceramic and Glass Masters from Barcelona to Venice

Palazzo Tiepolo Passi, San Polo, 2774

May 6th - November 22nd

Organization: Fundaciò Artigas; ArsCulture

www.fundacio-artigas.com/

www.arsculture.org/

www.dialogueoffire.org

 

The Question of Beings

Istituto Santa Maria della Pietà, Castello, 3701

May 9th - November 22nd

Organization: Museum of Contemporary Art, Taipei (MoCA, Taipei)

www.mocataipei.org.tw

 

The Revenge of the Common Place

Università Ca' Foscari, Ca' Bernardo, Dorsoduro, 3199 (Calle Bernardo)

May 9th – September 30th

Organization: Vrije Universiteit Brussel (Free University Brussels-VUB)

www.vub.ac.be/

 

The Silver Lining. Contemporary Art from Liechtenstein and other Microstates

Palazzo Trevisan degli Ulivi, Dorsoduro, 810 (Campo Sant'Agnese)

October 24th – November 1st

Organization: Kunstmuseum Liechtenstein

www.kunstmuseum.li

www.silverlining.li

 

The Sound of Creation. Paintings + Music by Beezy Bailey and Brian Eno

Conservatorio Benedetto Marcello, Palazzo Pisani, San Marco, 2810 (Campo Santo Stefano)

May 7th - November 22nd

Organization: ArsCulture

www.arsculture.org/

 

The Union of Fire and Water

Palazzo Barbaro, San Marco, 2840

May 9th - November 22nd

Organization: YARAT Contemporary Art Organisation

www.yarat.az

www.bakuvenice2015.com

 

Thirty Light Years - Theatre of Chinese Art

Palazzo Rossini, San Marco, 4013 (Campo Manin)

May 9th - November 22nd

Organization: GAC Global Art Center Foundation; The Guangdong Museum of Art

www.globalartcenter.org

www.gdmoa.org

 

Tsang Kin-Wah: The Infinite Nothing, Hong Kong in Venice

Arsenale, Castello, 2126 (Campo della Tana)

May 9th - November 22nd

Organization: M+, West Kowloon Cultural District; Hong Kong Arts Development Council

www.westkowloon.hk/en/mplus

www.hkadc.org.hk

www.venicebiennale.hk

 

Under the Surface, Newfoundland and Labrador at Venice

Galleria Ca' Rezzonico, Dorsoduro, 2793

May 9th - November 22nd

Organization: Terra Nova Art Foundation

tnaf.ca

 

Ursula von Rydingsvard

Giardino della Marinaressa, Castello (Riva dei Sette Martiri)

May 6th - November 22nd

Organization:Yorkshire Sculpture Park

www.ysp.co.uk

 

We Must Risk Delight: Twenty Artists from Los Angeles

Magazzino del Sale n. 3, Dorsoduro, 264 (Zattere)

May 7th - November 22nd

Organization: bardoLA

www.bardoLA.org

 

Wu Tien-Chang: Never Say Goodbye

Palazzo delle Prigioni, Castello, 4209 (San Marco)

May 9th - November 22nd

Organization: Taipei Fine Arts Museum of Taiwan

www.tfam.museum

 

Xanadu

Istituto Santa Maria della Pietà, Castello, 3701

May 9th - November 22nd

Organization: Dream Amsterdam Foundation

www.dreamamsterdam.nl

www.nikunja.org/xanadu

 

Universities and Associations that have joined the project

Sotheby’s Institute of Art, London / St Lucas University College of Art & Design, Antwerp / University of Washington - College of Arts & Sciences, Seattle / Iowa State University - College of Design, Ames / Universität für angewandte Kunst, Vienna

Venice International University / Università Ca’ Foscari, Venezia / Università Ca’ Foscari, Venezia - Dipartimento di Filosofia e Beni Culturali / Università IUAV di Venezia / Università Commerciale Luigi Bocconi, Milano - Dipartimento di Marketing / Accademia di Belle Arti di Brera, Milano - Ufficio Relazioni Internazionali. Erasmus Office / Politecnico di Milano - Scuola del Design. Laurea in Design degli Interni / Università di Roma Sapienza - Facoltà di Architettura / Associazione Cinemavvenire, Roma / Università per Stranieri di Perugia / Università per Stranieri di Siena

 

Central Pavilion at the Giardini (3,000 sq.m.) to the Arsenale

Bice Curiger Massimiliano Gioni

A Parliament for a Biennale

Paolo Baratta, President of la Biennale di Venezia

Okwui Enwezor the ARENA Karl Marx’s Das Kapital

Theaster Gates Chris Rehberger Joseph Haydn Cesare Paveset David Adjaye Olaf Nicolai Joana Hadjithomas and Khalil Joreige Marsilio Editori. emergency cinema.” Abounaddara

Mathieu KleyebeCharles Gaines’Jeremy Deller Jason Moran , venedig biennale biennial

 

other Biennale :(Biennials ) :

  

Venice Biennial , Documenta Havana Biennial,Istanbul Biennial ( Istanbuli),Biennale de Lyon ,Dak'Art Berlin Biennial,Mercosul Visual Arts Biennial ,Bienal do Mercosul Porto Alegre.,Berlin Biennial ,Echigo-Tsumari Triennial .Yokohama Triennial Aichi Triennale,manifesta ,Copenhagen Biennale,Aichi Triennale

Yokohama Triennial,Echigo-Tsumari Triennial.Sharjah Biennial ,Biennale of Sydney, Liverpool , São Paulo Biennial ; Athens Biennale , Bienal do Mercosul ,Göteborg International Biennial for Contemporary Art

  

This tragic tale of the Orient was only the second feature film in which a color film process invented by Technicolor was used throughout (and was the first to use their subtractive two-color process). It stars the stunningly beautiful Anna May Wong as Lotus Flower, a Chinese girl who finds an American sailor washed up on the shore. The sailor, Allen Carver (Kenneth Harlan), professes to love her and they marry. He goes back out to the sea and Lotus Flower has a baby. But Carver is a faithless man, and he returns to China with an American wife, Barbara (Beatrice Bentley). Lotus Flower is devastated. She hands the baby over to Barbara and then "pays her debt to the sea" by throwing herself into it and drowning. Barbara adopts the child, as per Lotus Flower's last wishes. If this story seems to bear some similarities to Madame Butterfly, scenarist Frances Marion didn't exactly deny it. In fact, she later said it was "practically the step-daughter of Madame Butterfly." Despite its lack of an original story, Technicolor made it a success. But the process was so complicated -- in those days, the blue-greens were photographed on one strip of film, and orange-reds on another, to be glued together later -- that it took many more years and innovations before color was commonly used.

FIRST ASIAN AMERICAN STAR!

Written by PHILIP LEIBFRIED

 

Her complexion was described as "a rose blushing through old ivory;" she was beautiful, tall (5'7"), slender, and Chinese-American. The last fact kept her from attaining the highest echelon among Hollywood's pantheon of stars, but it did not affect her popularity, nor keep her from becoming a household name. She was Anna May Wong, nee Wong Liu Tsong, a name which translates to "Frosted Yellow Willows," and she was born, appropriately enough, on Flower Street in Los Angeles' Chinatown on 3 January 1905, above her father's laundry. Anna May Wong's contribution to show business is a unique one; she was the first Asian female to become a star, achieving that stardom at a time when bias against her race was crushing. With determination and talent allied to her exotic beauty, she remained the only Asian female star throughout her forty-year career, never fully overcoming all prejudices in maintaining that position. Perhaps the rediscovery of her art will elevate her star to the pantheon of great performers and serve as a guiding light to Asian performers who still struggle to find their rightful place. Anna May Wong's life and career is something that is important for all who value greatly the Asian / Asian Pacific American communities' many artists and what we can all contribute!

Excerpt from : That Old Feeling: Anna May Wong

Part II of Richard Corliss' tribute to the pioneer Chinese-American star.

Daughter of the Dragon. Paramount 1931.

Based on a Fu Manchu novel by Sax Rohmer.

Daughter of the Dragon extended the curse sworn by Dr. Fu on the Petrie family to the next generation. Fu Manchu (Warner Oland), long ago injured and exiled in an attempt on Petrie Sr., returns to London and confronts the father: "In the 20 years I have fought to live," he says in his florid maleficence, "the thought of killing you and your son has been my dearest nurse." He kills the father, is mortally wounded himself and, on his deathbed, reveals his identity to his daughter Ling Moy (Wong) and elicits her vow that she will "cancel the debt" to the Fu family honor and murder the son, Ronald (Bramwell Fletcher)... who, dash it all, is madly infatuated with Ling Moy. Ronald has seen "Princess Ling Moy Celebrated Oriental Dancer" perform, and the vision has made him woozy. "I wish I could find a word to describe her," this calf-man effuses. "Exotic that's the word! And she's intriguing, if you know what I mean." In a near-clinch, Ling Moy wonders if a Chinese woman can appeal to a British toff. When he begs her to "chuck everything and stay," she asks him, "If I stayed, would my hair ever become golden curls, and my skin ivory, like Ronald's?" But the lure of the exotic is hard to shake. "Strange," he says, "I prefer yours. I shall never forget your hair and your eyes." They almost kiss ... when an off-camera scream shakes him out of his dream. It is from his girlfriend Joan (Frances Dade), and the societal message is as clear and shrill: white woman alerting white man to treachery of yellow woman. Ling Moy, a nice girl, previously unaware of her lineage, might be expected to struggle, at least briefly, with the shock of her identity and the dreadful deed her father obliges her to perform. But Wong makes an instant transformation, hissing, "The blood is mine. The hatred is mine. The vengeance shall be mine." Just before his death, Fu mourns that he has no son to kill Ronald. But, in a good full-throated reading, Wong vows: "Father, father, I will be your son. I will be your son!" The audience then has the fun of watching her stoke Ronald's ardor while plotting his death. When she is with him, pleading and salesmanship radiate from her bigeyes. But when an ally asks her why she keeps encouraging the lad, she sneers and says, "I am giving him a beautiful illusion. Which I shall crush." As a villainess, she is just getting started. Revealing her mission to Ronald, she tells him she plans to kill Joan "Because you must have a thousand bitter tastes of death before you die." (The ripe dialogue is by Hollywood neophyte Sidney Buchman, whose distinguished list of credits would include Mr. Smith Goes to Washington, Here Comes Mr Jordan and The Talk of the Town.) She soon ascends on a geyser of madness as she decides on a new torture: "My vengeance is inspired tonight. You will first have the torture of seeing her beauty eaten slowly away by this hungry acid." An aide holds a hose gadget over Joan's soon-to-be-corroded face, and Ronald cries for Ling Moy to stop. Very well she says. "Ling Moy is merciful." She barks at Ronald: "Kill her!" He must decide if his favorite white girl is to be etched with acid or stabbed to death. Great stuff! Melodrama is the art of knowing how precisely too far to goThe film is a triangle: not so much of Ling Moy, Ronald and Joan as of Ling Moy, Ronald and a Chinese detective, Ah Kee, played by Sessue Hayakawa, the Japanese actor who in the teens was Hollywood's first Asian male star. He's not plausibly Chinese here, and he is in a constant, losing battle with spoken English. But he is a part of movie history, in the only studio film of the Golden Age to star two ethnically Asian actors. And he gives his emotive all to such lines as "It is the triumph of irony that the only woman I have ever deeply loved should be born of the blood that I loathe." And in the inevitable double-death finale neither the villainess nor the noble detective can survive the machinations of Hollywood justice he gently caresses the long hair of the lady he would love to have loved. "Flower Ling Moy," he says, a moment before expiring. "A flower need not love, but only be loved. As Ah Kee loved you."

The Personal Anna May Wong

This 5'7 beauty loved to study and could speak in an English accent, as well as being fluent in German and French with more than a passing knowledge of other tongues including Italian and Yiddish. For exercise she rode horses, played golf, and tennis. She liked to cook and regaled her guests with succulent Chinese dishes at frequent dinner parties. She preferred casual clothes, wearing slacks and sweaters at home, but cultivated an oriental motif in her very smart formal wardrobe. She studied singing with Welsh tenor Parry Jones before she participated in the film Limehouse Blues as George Raft's mistress. Anna loved to dance to contemporary music. Anna was quoted as saying, "I think I got my first chance because they thought I was peculiar. But, now I like to believe that the public are fond of me because they think I'm nice."

The story of Anna May Wong’s life traced the arc of triumph and tragedy that marked so many of her films. Wong's youthful ambition and screen appeal got her farther than anyone else of her race. But her race, or rather Hollywood's and America's fear of giving Chinese and other non-whites the same chance as European Americans, kept her from reaching the Golden Mountaintop. We can be startled and impressed by the success she, alone, attained. And still weask: Who knows what Anna May Wong could have been allowed to achieve if she

had been Anna May White?

Anna May Wong passed away on Feb. 3rd 1961 she was 56 years old.

  

Filmography:

The Red Lantern. Metro 1919. The First Born. Robertson Cole 1921.

Shame. Fox 1921. Bits of Life. Assoc. First National 1921.

The First Born. Robertson Cole 1921. Thundering Dawn. Universal 1923

The Toll of the Sea. Metro 1922 Drifting. Universal 1923 Fifth Avenue. PRC 1926.

Lillies of the Field. Assoc. First National 1924. The Thief of Bagdad. United Artists 1924

The Fortieth Door. Pathé serial 1924. The Alaskan. Paramount 1924.

Peter Pan. Paramount 1924. Forty Winks. Paramount 1925.

The Silk Bouquet/The Dragon Horse. Hi Mark Prod. 1926 The Desert's Toll. MGM 1926.

A Trip to Chinatown. Fox 1926. The Chinese Parrot. Universal. 1927.

Driven from Home. Chadwick 1927. Mr. Wu. MGM 1927.

Old San Francisco. Warner Bros. 1927. Why Girls Love Sailors. Pathé short 1927.

The Devil Dancer. United Artists 1927. Streets of Shanghai. Tiffany 1927.

Across to Singapore. MGM 1928. Pavement Butterfly (aka City Butterfly).

The City Butterfly. German 1929. Across to Singapore. MGM 1928.

The Crimson City. Warner Bros. 1928. Song. German 1928

Chinatown Charlie. First National 1928. Piccadilly, British International 1929.

Elstree Calling. British International 1930. The Flame of Love. British International 1930.

Hay Tang. German 1930. L'Amour Maitre Des Choses. French 1930.

Daughter of the Dragon. Paramount 1931. Shanghai Express. Paramount 1932.

A Study in Scarlet. World Wide 1933. Tiger Bay. Associated British 1933.

Chu Chin Chow. Gaumont 1934. Java Head. Associated British 1934.

Limehouse Blues. Paramount 1934. Daughter of Shanghai. Paramount 1937.

Hollywood Party. MGM short subject 1937. Dangerous to Know. Paramount 1938.

The Toll of the Sea. Metro 1922. The Thief of Bagdad 1924

 

Shanghai Express 1932

The hula hoop is an ancient invention - no modern company and no single inventor can claim that they invented the first hula hoop. The Greeks used hooping as a form of exercise.

 

Older hoops have been made from metal, bamboo, wood, grasses, and even vines. However, modern companies "re-invented" their own versions of the hula hoop using unusual materials, for example; plastic hula hoops with added bits of glitter and noise makers, and hoops that are collapsible.

 

Around 1300, hooping came to Great Britain, homemade versions of the toy became very popular. In the early 1800s, British sailors first witnessed hula dancing in the Hawaiian Islands. Hula dancing and hooping look somewhat similar and the name "hula hoop" came together.

  

Richard Knerr and Arthur "Spud" Melin founded the Wham-O company which helped popularize another ancient toy, the frisbee.

Knerr and Melin started the Wham-O company from their Los Angeles garage in 1948. The men were marketing a slingshot originally invented for training pet falcons and hawks {it slung meat at the birds). This slingshot was named "Wham-O" because of the sound it made when it hit the target. Wham-O also became the company's name.

 

Wham-O has become the most successful manufacturer of hula hoops in modern times. They trademarked the name Hula Hoop ® and start manufacturing the toy out of the new plastic Marlex in 1958.

 

Twenty million Wham-O hula hoops sold for $1.98 in the first six months.

 

Trivia

•Japan once banned the hula hoop because the rotating hip action seems indecent.

•On June 4, 2005, Australian Kareena Oates set a Guinness world record for hula hooping - with 100 hoops for three full revolutions.

•101 hoops were spun by Alesya Goulevich of Belarus on June 11, 2006

•105 hoops were spun by Jin Linlin of China on October 28, 2007.

•The world record for the largest Hula Hoop (by circumference) spun was set by American Ashrita Furman at 51.5 feet on June 1, 2007.

 

Skateboarding was first started in the 1950s, when all across California surfers got the idea of trying to surf the streets. No one really knows who made the first board -- instead, it seems that several people came up with similar ideas at the same time. Several people have claimed to have invented the skateboard first, but nothing can be proved, and skateboarding remains a strange spontaneous creation.

These first skateboarders started with wooden boxes or boards with roller skate wheels slapped on the bottom. Like you might imagine, a lot of people got hurt in skateboarding's early years! It was a sport just being born and discovered, so anything went. The boxes turned into planks, and eventually companies were producing decks of pressed layers of wood -- similar to the skateboard decks of today. During this time, skateboarding was seen as something to do for fun after surfing.

 

In 1963, skateboarding was at a peak of popularity, and companies like Jack's, Hobie and Makaha started holding skateboarding competitions. At this time, skateboarding was mostly either downhill slalom or freestyle. Torger Johnson, Woody Woodward and Danny Berer were some well known skateboarders at this time, but what they did looked almost completely different from what skateboarding looks like today! Their style of skateboarding, called "freestyle", is more like dancing ballet or ice skating with a skateboard.

 

Then, in 1965, skateboarding's popularity suddenly crashed. Most people assumed that skateboarding was a fad that had died out, like the hoola hoop. Skateboard companies folded, and people who wanted to skate had to make their own skateboards again from scratch.

 

But people still skated, even though parts were hard to find and boards were home made. Skaters were using clay wheels for their boards, which was extremely dangerous and hard to control. But then in 1972, Frank Nasworthy invented urethane skateboard wheels, which are similar to what most skaters use today. His company was called Cadillac Wheels, and the invention sparked new interest in skateboarding among surfers and other young people.

 

In the spring of 1975, skateboarding took an evolutionary boost toward the sport that we see today. In Del Mar, California a slalom and freestyle contest was held at the Ocean Festival. That day, the Zephyr team showed the world what skateboarding could be. They rode their boards like no one had in the public eye, low and smooth, and skateboarding was taken from being a hobby to something serious and exciting (Read more about the history of Dogtown and the Zephyr team). The Zephyr team had many members, but the most famous are Tony Alva, Jay Adams and Stacy Peralta.

 

But that was only the first big jump in the evolution of skateboarding - continue to the next page for the rest of the history...

 

The Zephyr team, and all the skaters who wanted to be like them, also made skateboarding even more edgy in the public eye, and added a strong anti-establishment sentiment that still remains in skateboarding today.

In 1978, only a few years into the popularity of this new style of low-to-the-ground skateboarding, a skater named Alan Gelfand (nicknamed "Ollie") invented a maneuver that gave skateboarding another revolutionary jump. He would slam his back foot down on the tail of his board and jump, thereby popping himself and the board into the air. The ollie was born, a trick that completely revolutionized skateboarding -- most tricks today are based in performing an ollie. The trick still bears his name, and Alan Gelfand was inducted into the skateboard hall of fame in 2002.

 

Unfortunately, near the end of the 70's skateboarding faced its second crash in popularity. Public skate parks had been being built, but with skateboarding being such a dangerous activity, insurance rates got out of control. This, combined with less and less people coming to use skateparks forced most to close.

 

But skaters kept skating. Through the 80's skateboarders started to built their own ramps at home, and to skate whatever else they could find. Skateboarding began to be more of an underground movement, with skaters continuing to ride, but to make the whole world into their skatepark.

 

During the 80's, smaller skateboard companies owned by skateboarders started cropping up. This enabled each company to be creative and do whatever they wanted - new styles and shapes of boards were tried.

 

It was also during the 80's that the VCR came on the scene, and opened up the world of skateboarding to any kid, anywhere. Stacey Peralta and George Powell pulled together a team of young talented skaters and named them the Bones Brigade. Stacey had a talent for filming, and in 1984 shot the first of a long series of revolutionary skateboard videos - The Bones Brigade Video Show. The team included Steve Caballero, Tony Hawk, Mike McGill, Lance Mountain, Rodney Mullen, Stacy Peralta, and Kevin Staab, among piles of other huge named skaters. Peralta made more Bones Brigade videos - Future Primitive in 1985, and the famous Search for Animal Chin in 1987. There are many, many more. Skateboarding began influencing clothing styles, music and culture.

 

Unfortunately, near the end of the 80's, skateboarding started to dive in popularity again. Vert skateboarding quickly lost popularity, and most skaters only rode street. Each time skateboarding has fallen in popularity, it has fallen a little less. But these dips in popularity have huge impacts on pro skaters. Pure vert skaters like Tony Hawk had a very difficult time holding on through the late 80's and early 90's. The stress on Tony Hawk was incredible, and he even lost his first wife during this time.

 

Vert skateboarding took a dive in fame in the early 90s, but skateboarding still remained, though it became primarily street. It was then that Mike Vallely and Natas Kaupas came on the scene and pushed street skateboarding even further.

Skateboarding started to grow again in popularity in the 90's, this time with a more raw, edgy, and dangerous attitude. This coincides with the rise of more angry punk music, and the general discontent with the current system that raged throughout this time frame. Call it discontent, or call it Post Modern frustration, but the image of the poor, angry skater punk came to the surface loud and proud. Interestingly, this only helped to fuel skateboarding's popularity.

 

In 1995, ESPN held their first Extreme Games, in Rhode Island. This first X Games was a huge success, and helped pull skateboarding closer to the mainstream, and closer to being accepted by the general population (read more in the History of the X Games). In 1997 the first Winter X Games were held, and "Extreme Sports" were classified. Plenty of skaters resent the way skateboarding has slowly moved from underground to mainstream. However, the X Games did bring vert skateboarding back into popularity. The X Games and competitions like that have continued to keep vert skateboarding popular, even though vert few skaters actually ride real vert ramps. Vert skateboarding has slowly become a much loved spectator sport.

 

Since 2000, attention in the media and products like skateboarding video games, children's skateboards and commercialization have all pulled skateboarding more and more into the mainstream. The benefit of this is that, of course, skaters are more accepted, and the assumption that all skaters are criminals is slowly being torn down. Also, with more money being put into skateboarding, there are more skateparks, better skateboards, and more skateboarding companies to keep innovating and inventing new things.

 

However, there is a large group of skaters who miss the underground days, and who strongly disagree with the way skateboarding has been made more mainstream. One benefit of skateboarding is that it is a very individual activity. There is no right or wrong way to skate. However, if skateboarding is officially classified as a "sport", many skaters fear that this freedom will die out. There is currently a great deal of concern about skateboarding becoming an Olympic sport (read Skateboarding in the Olympics? for more).

 

But, with all this history crammed into such a short period of time, it's easy to see that no one knows where skateboarding will truly go from here. Skateboarding still hasn`t stopped evolving, and skaters are coming up with new tricks all the time. Boards are also continuing to evolve, as companies try to make them lighter and stronger, or try to improve on their performance. Skateboarding has always been about personal discovery and pushing oneself to the limit, but where will skateboarding go from here? Wherever skaters continue to take it.

   

www.twitter.com/Memoire2cite Les 30 Glorieuses . com et la carte postale.. Il existe de nos jours, de nombreux photographes qui privilégient la qualité artistique de leurs travaux cartophiles. A vous de découvrir ces artistes inconnus aujourd’hui, mais qui seront peut-être les grands noms de demain. 69 BRON PARILLY LA VILLE NOUVELLE LES UC, UNE CITÉ DU FUTUR @ UN TOUR DE VILLE AUTOUR DU TEMPS Le préfabriqué @ Invention capitaliste française de l’après guerre, devenue symbole du socialisme triomphant dans les années 60, le panneau en béton lie le destin des peules. Un film historique sur une réalité partagée racontée par des habitants et par des archives inédites. www.dailymotion.com/video/x413amo Dans l’Est de l’Europe, un élément répétitif marque les villes et standardise le paysage. C’est un panneau en béton préfabriqué qui s’expose inlassablement sur des kilomètres de barres d’habitation. Des millions de personnes vivent dans des logements identiques de Paris à Moscou. www.dailymotion.com/video/x413amo Apres la guerre les Français n ont plu de toit...le gouvernement lançe alors 1 vaste progr de constr de lgts.. les Cités Modernes @ Il faut batir à échelle industrielle, il faut penser à l echelle des Villes L'invention du préfabriqué desormais le permet. dailymotion.com/video/x413amo Le bonheur est dans le béton ... Le logement préfabriqué, victime de son succès en France, fut exporté en Europe de l'Est. Qui se souvient de tout ça .. Il y avait l idee de construire massivement au plus vite ds un temps record et le moins cher possible @ Le quartier des UC à Parilly, a été la première des grandes cités construites en France, au milieu du 20e siècle, et fut en son temps un modèle. 1950. La Seconde guerre mondiale a laissé derrière elle un champ de ruines. En France, plus de 800.000 habitations ont été détruites. Partout on manque de logements : sur la côte atlantique, où des villes entières ont été rasées, mais aussi à Paris et en région lyonnaise. Pour couronner le tout, les Français se mettent à faire des bébés à tour de berceaux - le baby boom commence ! Du coup, les jeunes mariés ne peuvent dénicher un toit et restent chez leurs parents. Les mieux lotis s’entassent à 4 ou 5 dans une seule pièce, avec WC à l’étage et un évier en guise de salle de bains. Les personnes sans le sou, elles, peuplent les bidonvilles qui cernent Lyon comme à Bombay ou à Rio. Souvenez-vous de l’abbé Pierre, et de son appel de l’hiver 1954. Reloger la population constitue pourtant une priorité du gouvernement. On a nommé ministre de la Reconstruction et de l’Urbanisme un héros de la Libération, pétri des idéaux sociaux de la Résistance : le député de la Loire, Eugène Claudius-Petit (1907-1989). Monsieur le Ministre veut non seulement redonner un toit aux Français, mais les doter du nec plus ultra en matière de logement, une architecture moderne et colorée, entourée de verdure et d’espace. Dès 1951, Claudius-Petit programme la construction de six grands ensembles : à Angers (677 logements), Boulogne-Billancourt (800), Le Havre (1400), Pantin (800), Saint-Etienne (1262) et enfin à Bron, où doit naître la plus imposante de toutes ces cités, avec 2608 logements. Il en confie la réalisation à l’Office des HLM du Rhône, alors dirigé par Laurent Bonnevay, tandis que sa conception revient à de jeunes architectes Lyonnais disciples de Le Corbusier, dont René Gagès et Franck Grimal. L’emplacement de la future cité est vite trouvé : dans la partie nord du parc de Parilly, sur 27 hectares de terrains appartenant au Conseil général. Ainsi, les immeubles se glisseront entre les arbres et les pelouses, en un mariage heureux de la nature et du béton. La desserte du quartier sera assurée par le boulevard de Ceinture et par l’avenue Jean-Mermoz, deux belles avenues où il fait bon se promener, à pieds ou à vélo, au milieu de quelques autos - l'une et l'autre n'ont pas encore été transformées en voies autoroutières… Cinq ans à peine, de 1951 à 1956, suffisent pour faire sortir de terre une douzaine de grands immeubles, l’équivalent d’une ville : les quatre tours et les deux barres en S des "Unités de Construction" (UC) 5 et 7 le long du boulevard Laurent-Bonnevay ; l’UC 1 à l’angle du boulevard et de l’autoroute A43 ; enfin les quatre immeubles en L des UC 2 à 5, le long de l’A43, à l'endroit où vous vous trouvez. Leur construction utilise des procédés révolutionnaires pour l’époque : chaque appartement, qu’il s’agisse d’un T2 ou d’un T6 en duplex, reproduit un plan type aux dimensions standardisées de 5 mètres de large, 11 mètres de long et 2,5 mètres de haut, dont les éléments sont fabriqués en usine et seulement assemblés sur le chantier, ce qui permet d’énormes gains de temps. Les premiers habitants découvrent leurs appartements, ébahis. Un F3 par exemple, leur offre une salle de séjour de 18 m2, deux chambres de 10 m2, une cuisine équipée de placards et plans de travail, des WC, une salle de bains, d’immenses baies vitrées et, luxe inouï, un grand balcon peint en jaune, en rouge ou en bleu vif, transformant leur immeuble en une mosaïque multicolore. Les Brondillants passent d’un coup du taudis à l’Amérique, et de Zola au 20e siècle. Telles étaient les UC, il y a une soixantaine d'années. Une cité modèle, dont les photos couvraient les cartes-postales locales, et les magazines du monde entier. Après les UC, d'autres grands ensembles voient le jour à Bron au cours des années 1950 à 1970 : les immeubles du quartier des Essarts, près des Galeries Lafayette ; les copropriétés de la route de Genas, à côté de l'ancienne caserne Raby, et surtout les immeubles du quartier du Terraillon, au nord-est de Bron. Ces nouveaux logements, tous très prisés au moment de leur construction, font bondir la population de Bron de 12.500 habitants en 1946, à 42.000 habitants en 1968. Les experts de l'époque prédisent même que le seuil des 100.000 habitants serait atteint vers l'an 2000 ! Le temps du village était révolu. Bron devenait une ville importante de la banlieue lyonnaise.

@ LES GRANDS ENSEMBLES @ Bien qu’ils échappent à une définition unique, les grands ensembles sont ty-piquement des ensembles de logement collectif, souvent en nombre impor-tant (plusieurs centaines à plusieurs milliers de logements), construits entre le milieu des années 1950 et le milieu des années 1970, marqués par un urba-nisme de barres et de tours inspiré des préceptes de l’architecture moderne.

Ces grands ensembles, dont plusieurs centaines ont été construits en France, ont permis un large accès au confort moderne (eau courante chaude et froide, chauffage central, équipements sanitaires, ascenseur…) pour les ouvriers des banlieues ouvrières, les habitants des habitats insalubres, les rapatriés d’Algérie et la main-d’oeuvre des grandes industries.

Ils se retrouvent fréquemment en crise sociale profonde à partir des années 1980, et sont, en France, l’une des raisons de la mise en place de ce qu’on appelle la politique de la Ville. Définition Il n’y a pas de consensus pour définir un grand ensemble.On peut toutefois en distinguer deux :

• Selon le service de l’Inventaire du ministère de la Culture français, un grand ensemble est un «aménagement urbain comportant plusieurs bâtiments isolés pouvant être sous la forme de barres et de tours, construit sur un plan masse constituant une unité de conception. Il peut être à l’usage d’activité et d’habitation et, dans ce cas, comporter plusieurs centaines ou milliers de logements. Son foncier ne fait pas nécessairement l’objet d’un remembrement, il n’est pas divisé par lots ce qui le différencie du lotissement concerté».

• Selon le «géopolitologue» Yves Lacoste, un grand ensemble est une «masse de logements organisée en un ensemble. Cette organisation n’est pas seulement la conséquence d’un plan masse; elle repose sur la présence d’équipement collectifs (écoles, commerces, centre social, etc.) […]. Le grand ensemble apparaît donc comme une unité d’habitat relativement autonome formée de bâtiments collectifs, édifiée en un assez bref laps de temps, en fonction d’un plan global qui comprend plus de 1000 logements».Le géographe Hervé Vieillard-Baron apporte des précisions : c’est, selon lui, un aménagement en rupture avec le tissu urbain existant, sous la forme de barres et de tours, conçu de manière globale et introduisant des équipements règlementaires, comportant un financement de l’État et/ou des établissements publics. Toujours selon lui, un grand ensemble comporte un minimum de 500 logements (limite fixée pour les Zone à urbaniser en priorité (ZUP) en 1959). Enfin, un grand ensemble n’est pas nécessairement situé en périphérie d’une ag-glomération.

Comme on le voit ci-dessus, la détermination d’un seuil de logements peut être débattue. Les formes du grand ensemble sont assez récurrentes, inspirées (ou légitimées) par des préceptes de l’architecture moderne et en particulier des CIAM : ils se veulent une application de la Charte d’Athènes4. Pour autant, on ne peut pas dire qu’il s’agisse d’une application directe des principes de Le Corbusier. Ils sont aussi le fruit d’une industriali-sation progressive du secteur du bâtiment et, notamment en France, des procédés de préfabrication en béton.Histoire La Cité de la Muette à Drancy, construite par Eugène Beaudouin, Marcel Lods et Jean Prouvé entre 1931 et 1934 pour l’Office public HBM de la Seine, est traditionnellement considérée comme le premier grand en-semble en France. Elle est même à l’origine du terme de «grand ensemble» puisque c’est ainsi que la désigne pour la première fois Marcel Rotival dans un article de l’époque6. Cette cité, initialement conçue comme une cité-jardin, se transforme en cours d’étude en un projet totalement inédit en France, avec ses 5 tours de 15 étages et son habitat totalement collectif. Cependant, cette initiative reste sans lendemain du moins dans l’immédiat.Après la Seconde Guerre mondiale, le temps est à la reconstruction et la priorité n’est pas donnée à l’habitat. Le premier plan quinquennal de Jean Monnet (1947-1952) a avant tout pour objectif la reconstruction des infrastructures de transport et le recouvrement des moyens de production. Par ailleurs, le secteur du bâtiment en France est alors incapable de construire des logements en grande quantité et rapidement : ce sont encore de petites entreprises artisanales aux méthodes de constructions traditionnelles.

Les besoins sont pourtant considérables : sur 14,5 millions de logements, la moitié n’a pas l’eau courante, les 3/4 n’ont pas de WC, 90 % pas de salle de bain. On dénombre 350 000 taudis, 3 millions de logements surpeu-plés et un déficit constaté de 3 millions d’habitations. Le blocage des loyers depuis 19147, très partiellement atténué par la Loi de 1948, ne favorise pas les investissements privés.

L’État tente de changer la situation en impulsant à l’industrialisation des entreprises du bâtiment : en 1950, Eugène Claudius-Petit, ministre de la reconstruction, lance le concours de la Cité Rotterdam à Strasbourg. Ce programme doit comporter 800 logements, mais le concours, ouvert à un architecte associé à une entreprise de BTP, prend en compte des critères de coût et de rapidité d’exécution. Le projet est gagné par Eugène Beau-douin qui réalise un des premiers grands ensembles d’après guerre en 1953. En 1953 toujours, Pierre Courant, Ministre de la Reconstruction et du Logement, fait voter une loi qui met en place une série d’interventions (appelée «Plan Courant») facilitant la construction de logements tant du point de vue foncier que du point de vue du financement (primes à la construction, prêts à taux réduit, etc.) : la priorité est donnée clairement par le ministère aux logements collectifs et à la solution des grands ensembles.

La même année, la création de la contribution obligatoire des entreprises à l’effort de construction (1 % de la masse des salaires pour les entreprises de plus de 10 salariés) introduit des ressources supplémentaires pour la réalisation de logements sociaux : c’est le fameux «1 % patronal». Ces fonds sont réunis par l’Office Central Interprofessionnel du Logement (OCIL), à l’origine de la construction d’un certain nombre de grands ensembles.

Mais le véritable choc psychologique intervient en 1954 : le terrible hiver et l’action de l’Abbé Pierre engage le gouvernement à lancer une politique de logement volontariste. Un programme de «Logements économiques de première nécessité» (LEPN) est lancé en juillet 1955 : il s’agit de petites cités d’urgence sous la forme de pavillons en bandes. En réalité, ces réalisations précaires s’avèrent catastrophiques et se transforment en tau-dis insalubres dès l’année suivante. La priorité est donnée alors résolument à l’habitat collectif de grande taille et à la préfabrication en béton, comme seule solution au manque de logements en France.Une multitude de procédures administratives

Grands ensembles du quartier Villejean à Rennes par l’architecte Louis Arretche.Il n’existe pas une procédure type de construction d’un grand ensemble pendant cette période. En effet, de très nombreuses procédures techniques ou financières sont utilisées. Elles servent souvent d’ailleurs à désigner les bâtiments ou quartiers construits à l’époque : Secteur industrialisé, LOPOFA (LOgements POpulaires FAmiliaux), Logecos (LOGements ÉCOnomiques et familiaux), LEN (Logements économiques normalisés), l’opération Million, l’opération «Économie de main d’oeuvre». L’unique objectif de toutes ces procédures est de construire vite et en très grande quantité. Le cadre de la Zone à urbaniser en priorité intervient en 1959, avec des constructions qui ne commencent réellement qu’en 1961-1962.Les contextes de constructions Le quartier de La Rouvière (9ème arrondissement) à Marseille construit par Xavier Arsène-Henry.On peut distinguer 3 contextes de construction de ces grands ensembles à la fin des années 1950 et début des années 1960 :

• de nouveaux quartiers périphériques de villes anciennes ayant pour objectif de reloger des populations ins-tallées dans des logements insalubres en centre-ville ou pour accueillir des populations venues des campagnes environnantes (cas les plus fréquents).

• des villes nouvelles liées à l’implantation d’industries nouvelles ou à la politique d’aménagement du ter-ritoire : c’est le cas de Mourenx (avec le Gaz de Lacq), Bagnols-sur-Cèze ou Pierrelatte (liées à l’industrie nucléaire). On voit aussi des cas hybrides avec la première situation, avec des implantations proches de villes satellites de Paris, dans le but de contrebalancer l’influence de cette dernière : c’est le cas de la politique des «3M» dans le département de Seine-et-Marne avec la construction de grands ensembles liés à des zones in-dustrielles à Meaux, Melun, Montereau-Fault-Yonne.

• des opérations de rénovation de quartiers anciens : le quartier de la Porte de Bâle à Mulhouse, l’îlot Bièvre dans le 13e arrondissement de Paris, le centre-ville ancien de Chelles.

Il est à noter qu’un grand ensemble n’est pas forcément un ensemble de logements sociaux : il peut s’agir aussi de logements de standing, comme le quartier de la Rouvière à Marseille. Les modes de constructions

Le Haut du Lièvre (3000 logements, construits à partir de 1954), deux des plus longues barres de France, construite par Bernard Zehrfuss sur une crête surplombant Nancy.

Tout est mis en oeuvre pour qu’un maximum d’économies soient réalisées sur le chantier :

• la préfabrication : de nombreux procédés de préfabrications sont mis en oeuvre sur les chantiers permettant un gain de temps et d’argent. Expérimentés au cours des chantiers de la Reconstruction après la Seconde Guerre mondiale, ces procédés permettent la construction en série de panneaux de bétons, d’escaliers, d’huisseries mais aussi d’éléments de salles de bains à l’intérieur même du logements. Ces procédés ont pour nom : Camus (expérimenté au Havre et exporté jusqu’en URSS), Estiot (au Haut-du-Lièvre à Nancy) ou Tracoba (à la Pierre Collinet à Meaux). Les formes simples (barres, tours) sont privilégiées le long du chemin de grue (grue posée sur des rails) avec des usines à béton installées à proximité du chantier, toujours dans une recherche de gain de temps.

• une économie de main d’oeuvre : la préfabrication permet de faire appel à une main d’oeuvre peu qualifiée, souvent d’origine immigrée. De grands groupes de BTP bénéficient de contrats pour des chantiers de construc-tion gigantesques, favorisés par l’État.

• les maîtres d’ouvrages sont eux aussi très concentrés et favorise les grandes opérations. La Caisse des dépôts et consignations est ainsi l’un des financeurs incontournables de ce mouvement de construction avec notam-ment sa filiale, la SCIC (Société Civile immobilière de la Caisse des dépôts et consignations), créée en 1954. Elle fait appel à des architectes majeurs des années 1950 et 1960, tels que Jean Dubuisson, Marcel Lods, Jacques Henri Labourdette, Bernard Zehrfuss, Raymond Lopez, Charles-Gustave Stoskopf et elle est à l’ori-gine de nombreux grands ensembles situés en région parisienne, tels que Sarcelles (le plus grand programme en France avec 10 000 logements), Créteil, Massy-Antony.

Les désignations de ces grands ensembles sont à cette époque très diverses : unité de voisinage, unité d’habitation, ville nouvelle (sans aucun rapport avec les villes nouvelles de Paul Delouvrier), villes satellites, ou encore cités nouvelles, etc.Pendant 20 ans, on estime à 300 000 le nombre de logements construits ainsi par an, alors qu’au début des années 1950, on ne produisait que 10 000 logements chaque année. 6 millions de logements sont ainsi construits au total. 90 % de ces constructions sont aidées par l’État.

En 1965, le programme des villes nouvelles est lancé, se voulant en rupture avec l’urbanisme des grands ensembles. En 1969, les zones à urbaniser en priorité sont abandonnées au profit des zones d’aménagement concerté, créées deux ans auparavant. Enfin, le 21 mars 1973, une circulaire ministérielle signée par Olivier Guichard, ministre de l’Équipement, du Logement et des Transports, «visant à prévenir la réalisation des formes d’urbanisation dites « grands ensembles » et à lutter contre la ségrégation sociale par l’habitat», interdit toute construction d’ensembles de logements de plus de 500 unités. La construction des grands ensembles est définitivement abandonnée. La loi Barre de 1977 fait passer la priorité de l’aide gouvernementale de la construction collective à l’aide aux ménages : c’est le retour du pavillonnaire et du logement. Les banlieues populaires apparaissent dans les médias à travers le prisme de la délinquance et des émeutes. Pourtant, leur histoire doit s’analyser dans la moyenne durée des deux siècles d’urbanisation et d’industrialisation, puis de disparition de la société industrielle. Les banlieues françaises, à la différence des suburbs anglo-saxonnes qui logent les classes moyennes blanches, ont été créées dès la fin du XIX e siècle pour loger les classes populaires. Les besoins de logement expliquent les strates des paysages urbains : petits immeubles de rapport de la Belle Époque, pavillons des lotissements défectueux de l’entre-deux-guerres, barres et tours de logement social et villes nouvelles des Trente Glorieuses. Trois moments de la constitution des banlieues populaires se superposent, encore visibles dans les paysages-palimpsestes : l’âge des faubourgs industriels, devenus peu à peu friches avec la désindustrialisation qui débute dans les années 50 ; le temps des banlieues rouges et du socialisme municipal ; la construction des grands ensembles et l’entrée en crise du modèle à partir de 1970. Des faubourgs industriels à la désindustrialisation La banlieue contemporaine naît de l’entreprise de modernisation de la capitale et des grandes métropoles sous le Second Empire. Le modèle haussmannien, bien connu, régularise la ville ancienne par l’imposition de percées dans le tissu urbain existant, l’équipement en réseaux divers, la construction d’immeubles neufs le long des nouvelles percées et l’exode partiel des anciens habitants du centre vers les arrondissements annexés ou vers les faubourgs. L’agrandissement de Paris complète les ambitions d’Haussmann et de Napoléon III : au premier janvier 1860, en application de la loi du 3 novembre 1859, 5100 hectares sont ajoutés aux 3402 hectares de la capitale, qui trouve ainsi sa taille définitive et passe de 12 à 20 arrondissements. L’annexion des communes suburbaines s’accompagne d’une vision, en creux, de la nouvelle banlieue au-delà des murailles. Le projet est d’homogénéiser la nouvelle ville-capitale en généralisant les équipements urbains, notamment le métro à partir de 1900, de desserrer la pression démographique du centre vers l’extérieur, de transférer l’industrie au-delà des Fortifications. Dans ces « cayennes », les salaires sont plus bas qu’à Paris, la discipline plus rude, la taylorisation plus précoce que dans les ateliers parisiens ou lyonnais. La banlieue est livrée à elle-même, ignorée par la puissance publique. Ses espaces libres accueillent les entrepôts, la grande industrie et les fonctions que la ville transformée rejette : cimetières, hôpitaux, champs d’épandage, logements sociaux 1. Les décrets sur les établissements classés, datant du Premier Empire et repris sous la Restauration, sont à l’origine des zones d’industries polluantes en proche banlieue, notamment autour de la chimie organique. Aubervilliers est célèbre par la concentration d’industries chimiques (Saint-Gobain…). Les derniers de ces établissements classés ont cessé leur activité il y a peu de temps, sous l’impact des revendications des associations écologistes : à Saint-Denis, la Saria, entreprise d’incinération de carcasses animales, a dû fermer. L’industrialisation, comme l’avait envisagé Haussmann, se fait par le transfert des grandes usines de la capitale vers la périphérie. Après la crise économique de la fin du XIXe siècle, l’implantation de nouvelles technologies – automobile, aviation, constructions électriques – transforme des communes (Boulogne-Billancourt, Puteaux, Suresnes, Vénissieux) en technopoles de pointe. Dans ces « cayennes », les salaires sont plus bas qu’à Paris, la discipline plus rude, la taylorisation plus précoce que dans les ateliers parisiens ou lyonnais. Sans unité administrative, la banlieue constitue un domaine fragmenté en espaces socialement très différenciés : villégiature et résidence bourgeoise souvent à l’Ouest, banlieue « noire », celle des faubourgs industriels limitrophes, friches dues à la déprise agricole et maraîchère, que lotissent de petits spéculateurs. La Première Guerre mondiale renforce l’industrialisation des métropoles situées loin du front, Paris, Lyon ou Toulouse. Puis une volonté de décentralisation transfère les usines en grande banlieue : Simca glisse de Nanterre à Poissy au milieu des années 50 ; une usine Citroën de 6500 salariés, dont 4300 OS, s’ouvre à Aulnay-sous-bois en 1973. Cependant, en région parisienne, cette politique précoce et continue de désindustrialisation conduit à une diminution des emplois industriels dès les années 60, avec la politique de délocalisation menée à partir de 1955, amplifiée par la Datar. En Plaine Saint-Denis, en 1960, le secteur industriel représente 46 % des emplois contre 44 % au tertiaire ; en 1990, le secteur industriel représente 21 % des emplois et le tertiaire 72 %. Des secteurs entiers disparaissent – métallurgie, machine-outil, chimie – dont la présence structurait les sociétés ouvrières. La crise économique qui commence à partir de 1973, la division planétaire du travail et un demi-siècle de volonté décentralisatrice entraînent la disparition des banlieues industrielles, malgré des combats défensifs : l’usine Chaix de Saint-Ouen ferme après cinq ans d’occupation et de luttes à contre-courant. L’invention politique socialisme municipal et banlieue rouge Dans l’entre-deux-guerres, les banlieues populaires se couvrent d’une marée pavillonnaire de lotissements médiocres 2. La crise du logement en région parisienne conduit 450 000 nouveaux banlieusards, Parisiens et provinciaux, à s’installer dans 16 000 hectares de nouveaux quartiers pavillonnaires. Ces petits accédants à la propriété – les « mal-lotis » des années 20 – payent à crédit leur parcelle et s’installent sur des terrains dépourvus de tout équipement. Le scandale de ces petits propriétaires méritants qui campent dans la boue des banlieues, sans routes ni lumière, devient public au milieu des années 20. La loi Sarraut votée en 1928 met l’État à contribution avec les intéressés, ce qui permet de financer les aménagements indispensables, en premier lieu le réseau de voirie. Les lotissements, ces quartiers de pavillons, improvisés à partir des années 20 sur des terrains bon marché découpés au hasard de la spéculation et des opportunités foncières, incarnent le rêve populaire d’accès à la propriété. Le mal-loti devient la figure emblématique de l’exclusion banlieusarde : trompé par les lotisseurs, il se retrouve privé des éléments élémentaires de l’urbanité, aux portes de la capitale illuminée où « les rupins font la noce ». Le jeune PC (Section française de l’Internationale communiste) prend en charge les revendications de ces parias, fournit une analyse de leurs difficultés en termes de classe et s’implante dans les communes ainsi bouleversées à partir des élections municipales de 1925. Il s’appuie aussi sur le nouveau prolétariat des grandes usines. Dans le contexte du Front populaire, 1935 marque un tournant dans l’histoire de la banlieue parisienne. Les 5 et 12 mai, les Français sont appelés à élire leurs conseillers municipaux et cantonaux. Dans les 80 communes suburbaines du département de la Seine, au lendemain du second tour, 26 municipalités sont dirigées par un maire communiste. Elles n’étaient que onze au sortir du scrutin municipal de 1929. Sept autres municipalités comptent aussi en leur sein une minorité communiste. Aux législatives du printemps 1936, l’essai se confirme lors de l’élection de 27 députés communistes en banlieue parisienne sur les 72 que compte le groupe parlementaire. Le pacte germano-soviétique, la guerre, la guerre froide puis le gaullisme n’affaiblissent que temporairement la ceinture rouge, construction socio-politique qui perdure jusqu’aux années 80. Bastions rouges et cités socialistes offrent un cadre durable à l’expression des cultures populaires urbaines. La densité d’un réseau d’organisations militantes, la fréquence des fêtes locales, la politisation de l’espace quotidien grâce à la toponymie, ont créé, autour des maires, un patriotisme local à base de classe, culture du pauvre capable de retourner la stigmatisation attachée aux banlieues ouvrières. Modèle d’encadrement plus paternaliste, le socialisme municipal construit des cités-jardins, dont Suresnes, Châtenay-Malabry et Villeurbanne sont les fleurons ; elles sont pensées par des maires visionnaires, Henri Sellier ou André Morizet, comme des prototypes permettant, si elles étaient généralisées, de résoudre la question du logement populaire et en même temps la question sociale. Bastions rouges et cités socialistes offrent un cadre durable à l’expression des cultures populaires urbaines. Les grands ensembles de l’Abbé Pierre à la circulaire Guichard Dans le contexte du baby-boom, du début de la croissance économique et de la reprise de l’immigration provinciale et étrangère, la population urbaine augmente. Cet afflux aggrave le déficit séculaire de logements populaires et la fin de la Reconstruction n’y met pas fin. La crise du logement devient intolérable. Rares, surpeuplés, les logements anciens sont sous-équipés, comme le montre le recensement de 1954 : ni sanitaires, ni w-c intérieurs dans la plupart des cas, et l’eau courante dans à peine la moitié des logements. La crise du logement devient une affaire d’État. Sa médiatisation par l’Abbé Pierre aidant, l’idée du droit à un logement décent pour tous émerge de la misère urbaine des années 50. Avec la construction des grands ensembles, les anciens objectifs des réformateurs sociaux deviennent une politique publique nationale : sortir les classes populaires des taudis, faire bénéficier l’ensemble des salariés des bienfaits de l’hygiène et de la modernité, contrôler l’usage prévisionnel du sol urbain, donner à tous les enfants air, lumière et soleil. Après les tâtonnements du Plan Courant (1953), la maîtrise technique et financière de la production de masse est acquise au début de la Cinquième République (décret du 31 décembre 1958 sur les Zup). De 1946 à 1975, le parc immobilier français passe de 12,7 millions de logements à 21 millions. Pour ces 8,3 millions de logements neufs – dont 8 millions entre 1953 et 1975 –, l’engagement de l’État a été important puisque près de 80 % des logements construits durant cette période le sont grâce à une aide publique. Le nombre de logements sociaux passe de moins de 500000 à près de 3 millions, dont un tiers sous forme de grands ensembles : environ 350 sur l’ensemble du territoire, dont 43 % en région parisienne, où la demande est la plus forte. Sans débat public sur la forme urbaine, le consensus pour une production massive de logements s’établit autour de quelques représentations partagées : la ville ancienne et dense n’est plus réformable – les îlots insalubres, délimités à la fin du XIXe siècle ne sont toujours pas éradiqués ; l’hygiénisme exige de séparer l’habitat des usines ; la hantise du taudis fait accepter l’édification de logements seuls, sans équipements, où les classes populaires accèdent pour la première fois à du neuf. Les banlieues françaises se couvrent de cités nouvelles, édifiées rapidement, d’au moins 1000 logements, voire de plus de 10000 aux Minguettes (Vénissieux) ou à Sarcelles. L’industrialisation du bâtiment, l’avance de l’industrie française du béton armé, l’imposition de normes et de plans types pour les appartements conduisent à privilégier des formes simples, des barres et des tours sur des grandes parcelles de terrain. Cités dortoirs, elles sont en général construites sur des terrains agricoles ou maraîchers, en périphérie, faute de réserves foncières ; la rapidité de leur édification et la complexité des modes de financement expliquent l’absence d’équipements collectifs, à l’exception des écoles primaires ; ceux-ci suivent tardivement, ainsi que les moyens de transports en commun, ce dont se plaignent les banlieusards. Les populations logées varient évidemment suivant les cités : ce sont des familles françaises chargées d’enfants du baby-boom, souvent migrants provinciaux ; les populations de rapatriés de la décolonisation de l’Empire français les rejoignent ; pas de personnes âgées, ni d’adolescents au début du peuplement. Ces familles de salariés sont sélectionnées par les gestionnaires des cités de logement social, et non par le libre jeu du marché immobilier : autour d’une majorité d’employés et d’ouvriers, on trouve des cadres moyens et supérieurs en nombre variable suivant la politique du gestionnaire. Le logement des étrangers est conçu alors sur le mode de la différenciation : soit ils se logent par eux-mêmes dans le parc ancien, soit la puissance publique contribue à leur fournir des logements à part, aux normes de confort inférieures. Mais les plus pauvres, les familles très nombreuses, les populations étrangères et immigrées sont logés ailleurs : taudis des villes anciennes, bidonvilles, foyers pour célibataires immigrés, hôtels meublés, cités de transit ou d’urgence. Ces logements spécifiques, avec parfois un fort encadrement de travailleuses sociales, sont explicitement destinés aux « inadaptés sociaux », qu’il faut éduquer avant de les loger dans les cités nouvelles construites pour les salariés français, suivant des méthodes expérimentées dans l’entre-deux-guerres dans les cités-jardins. Le logement des étrangers est conçu alors sur le mode de la différenciation : soit ils se logent par eux-mêmes dans le parc ancien, soit la puissance publique contribue à leur fournir des logements à part, aux normes de confort inférieures. Mutations et crises, de Giscard à Mitterrand Dans la décennie 1970-1980, une série de décisions conjoncturelles et sectorielles ouvre, à terme, une ère de crise pour les banlieues populaires. La critique des grands ensembles, chronique depuis les années 60 avec l’émergence du thème de la « sarcellite » ou maladie des grands ensembles, qui générerait ennui, suicide, délinquance et toucherait en particulier les femmes et les jeunes, s’amplifie après mai 1968. Les responsables politiques s’interrogent sur le type de société urbaine qui s’édifie dans les périphéries : comment donner une âme à ces nouveaux ensembles et recréer une communauté entre des habitants venus de partout ? La dégradation de bâtiments conçus comme provisoires s’ajoute aux critiques. Olivier Guichard, ministre de l’Équipement, arrête la construction des grands ensembles par la circulaire du 21 mars 1973, qui interdit les opérations les plus massives et tente de mieux insérer les nouvelles constructions dans les villes existantes. À partir de 1965-1970, les investissements publics privilégiaient d’ailleurs les villes nouvelles, imaginées par Paul Delouvrier comme l’antithèse des grands ensembles. L’État réoriente sa politique et ses crédits vers l’aide aux ménages qui veulent accéder à la propriété individuelle de leur pavillon : les banques rentrent sur le marché immobilier et la promotion publique s’effondre à partir de 1976. La loi Barre (1977) privilégie l’aide sélective aux ménages au détriment de l’aide à la pierre, afin de rendre le marché plus fluide et de résoudre la crise naissante des grands ensembles, dont témoigne l’invention des procédures Habitat et Vie Sociale (1973-1977) qui financent les premières réhabilitations. La conséquence est que les classes moyennes quittent les logements sociaux pour les pavillons en accession à la propriété des communes alentour, comme les Minguettes à Vénissieux, abandonnées pour les pavillons de Corbas, Solaize ou Saint-Laurent-de-Mure. Sous l’effet des chocs pétroliers et de l’entrée dans la crise économique, le gouvernement met en œuvre une nouvelle politique d’immigration : fermeture des frontières, aide au retour pour les étrangers jugés responsables de la crise, maintien en l’état du nombre d’étrangers et autorisation du regroupement familial. Cette politique, lancée par Lionel Stoleru, aboutit au décret du 29 avril 1976 relatif aux conditions d’entrée et de séjour des membres des familles des étrangers autorisés à résider en France. L’intégration des familles passe par des conditions de logement semblables à celles des travailleurs français. Les mouvements de mobilité résidentielle, comme les règles d’attribution des logements HLM, qui jusqu’alors ignoraient les travailleurs étrangers, allaient faciliter leur installation 3. Il en résulte d’importantes modifications du paysage des banlieues populaires : les 255 bidonvilles de métropole, dont 120 en région parisienne, qui logeaient 50000 immigrés, sont résorbés et leur population relogée dans des grands ensembles sociaux ; le logement social s’ouvre de façon très volontariste aux familles étrangères, qu’on espère ainsi conduire aux normes de vie urbaine de la société française. Les employeurs payent, à partir de 1975, une taxe sur les salaires de leurs travailleurs étrangers pour construire de nouveaux logements, mais les fonds seront surtout utilisés pour rentabiliser ou construire de nouveaux foyers et très peu pour accroître l’offre locative sociale. C’est par le jeu des départs que se fera l’entrée des familles d’ouvriers issues de l’immigration dans le parc social. Les organismes qui gèrent les cités d’habitat social accueillent ces nouveaux locataires, d’autant que la loi Barre rend solvables les familles les plus modestes. L’idée est de répartir les familles immigrées au milieu des ménages français, suivant des quotas d’environ 15 %. Mais le souci d’intégrer les immigrés dans le logement social conduit à des logiques territoriales de regroupement communautaire qui n’ont été ni pensées, ni anticipées : les familles maghrébines deviennent majoritaires aux Minguettes au cours des années 1970. En Seine-Saint-Denis, la population scolaire étrangère passe de 17 % à 30 % entre 1975 et 1983. En 1992, 74 % des ménages maghrébins sont locataires d’une HLM. Les premières violences imputables aux jeunes sont minimisées et incomprises. Après les élections municipales de 1977, le communisme municipal se délite et la banlieue rouge disparaît, sur fond de crise généralisée des encadrements partisans. En Seine-Saint-Denis en 2001, on compte encore quinze municipalités rouges sur quarante, dont douze ont un maire communiste depuis 1945 4. Le déclin du magistère communiste s’explique certes par l’effondrement du bloc socialiste, mais aussi par l’incompréhension des phénomènes qui s’accélèrent à partir des années de crise. Les municipalités ouvrières refusent la désindustrialisation et la mixité sociale, évitent de construire de l’accession à la propriété et s’opposent aux premières procédures de la politique de la ville. Ces conceptions strictement défensives, fondées sur une vision des territoires communaux comme bastions, n’évoluent qu’à partir des années 90. Les premières violences imputables aux jeunes sont minimisées et incomprises. À La Courneuve, en 1971, un jeune est tué au café Le Nerval ; dans la même cité, en juillet 1983, un enfant algérien de dix ans est tué d’un coup de fusil par un habitant, et le quartier s’embrase ; en banlieue lyonnaise, premiers incidents en 1971, à Vaulx-en-Velin, dans une cité construite pour accueillir des harkis ; 1975, premières mises à sac de locaux scolaires ; en 1978, premiers « rodéos », généralisés aux Minguettes en 1981, où la presse nationale rend compte du phénomène pour la première fois, avec des reportages télévisés qui montrent les voitures qui brûlent au pied des tours, laissant « hébétés » habitants et élus. La gauche, arrivée au pouvoir en 1981, institutionnalise la politique de la ville, en gestation dans la décennie précédente. Décentralisation, interministérialité, zonage des quartiers en difficulté sont les principes, alors nouveaux, de cette politique, que l’alternance maintient. En 2000, en Seine-Saint-Denis, 24 communes sont classées en politique de la ville dans le cadre du contrat de Plan État région. En 1996-1997, l’Union européenne choisit Aulnay-sous-Bois et Clichy-sous-Bois comme éligibles aux fonds structurels européens. Dans les quartiers, les professionnels de la politique de la ville remplacent les militants politiques, et l’État décentralisé se substitue à l’encadrement partisan ; en Seine-Saint-Denis, les effectifs des services de l’État restent stables, passant de 45000 en 1982 à 44836 en 1999. Ainsi, replacée en moyenne durée, la crise des banlieues populaires s’explique par la désindustrialisation et la disparition des sociétés ouvrières à base partisane – ce qui ne signifie pas que les ouvriers aient disparu des banlieues –, la mutation non maîtrisée des fonctions du logement social et la crise du communisme municipal, sur fond de chômage structurel. L’amnésie qui affecte cette histoire récente, comme les décisions de politiques publiques prises alors, ne peut qu’ajouter au déficit de sens et favoriser les analyses incomplètes. le temps des barres et des tours..Certes, ces quartiers de grands ensembles, de barres et de tours, emblématiques de l'urbanisation fonctionnaliste des décennies 1950, 1960 et 1970, de FRANCE ...Le tourisme a toujours fonctionné par extension : les lisières d’hier sont aujourd’hui des hauts lieux touristiques, que l’on pense par exemple au bord de la mer, longtemps déprécié. Sur le terrain contemporain de la ville, ce sont les quartiers populaires péricentraux qui sont à présent saisis par un engouement et une économie touristiques ; plus inédite encore, la découverte par les touristes des quartiers populaires nettement périphériques. C’est le cas à Marseille, dont les quartiers nord, espaces emblématiques de la « crise des banlieues », sont désormais l’objet d’un « front » touristique et patrimonial, animé par une coopérative d’habitants particulièrement active. Cette problématique de l’émergence d’un nouveau lieu d’intérêt touristique se fait particulièrement saillante en ce qui concerne des quartiers d’habitat social en hauteur, nombreux dans ces quartiers nord. Les grands ensembles, en effet, symboles de l’urbanisme moderne honnis des décennies 1950, 1960 et 1970, mobilisent eux aussi de nouvelles pratiques. Tantôt touristiques, tantôt artistiques, elles se combinent parfois : l’article présente ces pratiques « récréa(r)tistes » d’un nouveau genre. Plus largement, il s’agit de rendre compte et d’analyser le statut, la fonction et les enjeux de pratiques réputées à l’ombre du tourisme urbain institué. Les mutations touristiques contemporaines font valoir une mobilisation de nouveaux espaces (les quartiers populaires) et de nouvelles pratiques (participatives). À cet égard, le quartier de Belleville à Paris est un laboratoire exemplaire (Chapuis, 2009). Ces nouvelles modalités touristiques traduisent une évolution culturelle conjointe à certaines dynamiques propres de l’offre touristique. Si ces espaces d’habitat populaire ont longtemps fait partie du négatif urbain mis en tourisme (qu’aller faire dans ces quartiers ?), ils sont aujourd’hui l’objet de « fronts » touristiques, qui en manifestent l’annexion spatiale et sociale aux offres urbaines traditionnelles, voire patrimonialement labellisées. Cette ligne de front se déplace, à présent, des quartiers populaires péricentraux aux quartiers nettement périphériques de banlieue. Certes, ces quartiers de grands ensembles, de barres et de tours, emblématiques de l’urbanisation fonctionnaliste des décennies 1950, 1960 et 1970, souffrent depuis longtemps d’une situation critique (pauvreté économique et sociale, relégation territoriale) et de représentations elles-mêmes péjorées et péjoratives. Or, dans certains de ces mêmes espaces se développent aujourd’hui des pratiques de découverte, de visite et de valorisation s’inscrivant dans un processus de connaissance et donc de reconnaissance de leurs identités architecturale, sociale et culturelle (Vayssière, 2002 ; Pouvreau, 2011 ; Veschambre, 2013).Cette trajectoire fait émerger et mobilise de nouvelles pratiques, tantôt touristiques, tantôt artistiques, qui se combinent parfois : nous présenterons ici ces pratiques « récréa(r)tistes » d’un nouveau genre. Toutefois, mise en scène et parcours ont de quoi surprendre, tant le décalage est effectivement grand entre un imaginaire touristique dominant – sites plaisants et accueillants (Amirou, 1995) – et ces espaces, objets d’une imagerie urbano-pathogène (Avenel, 2004). Dans l’imaginaire collectif, ces quartiers sont, au mieux, sans intérêt, au pire, synonymes de menaces. Tout concourt à associer ces territoires à une banlieue hors des sentiers de l’intéressant. Nous explorons ici les acteurs concernés (visiteurs, « guides », hébergeurs, artistes) et les mises en œuvre dans les quartiers nord de Marseille, qui élaborent et proposent ces offres d’un nouveau genre pour rendre compte et analyser le statut, la fonction et les enjeux de ces pratiques. Ces dernières, en procédant à des mélanges de genres (lieux touristiques estampillés par opposition à marges de découvertes, hébergement en cité opposé à bastides provençales, tourisme ou projet politique) ne manquent évidemment pas d’interroger les catégories d’approche et d’analyse longtemps usuelles de l’objet « tourisme ».La carte touristique de la ville de Marseillemontre combien l’offre touristique marseillaise des acteurs territoriaux promeut essentiellement les lieux, les sites et les déambulations dans les centres de la cité. Le pluriel ici s’impose dans la mesure où à la ville et ses hauts lieux traditionnels (Roncayolo, 1990) (Vieux-Port, Notre-Dame de la Garde, cité radieuse de Le Corbusier, palais Longchamp) se sont récemment ajoutés les quartiers réhabilités et gentrifiés (le Panier, les docks de La Joliette). Ce faisant, la carte de la ville distribuée par l’Office de tourisme ignore un pan entier de son territoire et des ressources qu’il abrite. Sauf un encart pour l’Estaque (non reproduit ici), les quartiers nord de Marseille n’ont pas droit à la représentation officielle et promotionnelle, soit une exclusion de près de 8000 hectares et d’environ 250 000 habitants. Au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale, le secteur du bâtiment connait un bouleversement sans précédent. Les besoins en termes de reconstruction sont tellement immenses qu’il faut penser une nouvelle façon de construire. C’est là qu’entre en scène Raymond Camus qui invente un système de préfabrication à échelle industrielle. Avec ses panneaux en béton préfabriqué,Le logement préfabriqué, victime de son succès en France, fut exporté en Europe de l’Est. Qui se souvient aujourd’hui que ces logements symboles de progrès devinrent, en pleine guerre froide, la marque de fabrique du collectivisme ? Jacqueline a 50 ans et vit à la cité des Courtillières à Pantin. Elle se souvient lorsque, enfant, elle quitta avec ses parents le « une pièce parisien » sans commodités pour un appartement spacieux et moderne dans cette cité. La cité des Courtillières est alors une cité pilote, censée réaliser le rêve d’une vie nouvelle dans une France qui manquait à la Libération cruellement de logements.Comme tant d’autres Jacqueline enfant ignorait qu’elle devait à Raymond Camus architecte génial, créateur du panneau en béton préfabriqué, cette invention qui promettait un futur radieux pour tous. Sydney, voisin de Jacqueline, se remémore lui, les bus remplis d’architectes venus d’Union soviétique pour visiter sa cité…La marque de fabrique du collectivisme Le logement préfabriqué victime de son succès en France est exporté en Europe de l’Est. Qui se souvient aujourd’hui que ces logements symboles de progrès devinrent en pleine guerre froide, la marque de fabrique du collectivisme ? Pour Julie, à Prague, ou Susanna à Berlin Est, l’arrivée du préfabriqué dans leur vie revêt une toute autre signification. Utopies sociales, idéologies politiques et avant-garde architecturale commencent à se mélanger. Le rêve du bonheur tourne vite au cauchemar…En République tchèque, l’antique ville de Most est détruite pour des raisons économiques pour être reconstruite grâce au panneau de béton. Au travers d’archives inédites et de témoignages des habitants, l’histoire incroyable de panneau en béton se raconte pour la première fois de Paris à Moscou, de 1950 à nos jours.@ Les films du MRU -Industrialiser la construction, par le biais de la préfabrication.Cette industrialisation a abouti, dans les années 1950, à un choix politique de l'Etat, la construction massive de G.E. pour résoudre la très forte crise du logement dont souffrait la France C’est là qu’entre en scène Raymond Camus qui invente un système de préfabrication à échelle industrielle. Avec ses panneaux en béton préfabriqué, il va inonder la France entière, permettant ainsi de créer des villes nouvelles et notamment, les innombrables cités dortoirs qui pullulent en périphérie des grandes villes. Un succès grandissant qui rencontrera une renommée à l’internationale, puisque le procédé sera repris en Europe de l’Est. Les villes socialistes qui se ressemblent toutes les unes aux autres, de la France en passant par la République Tchèque jusqu’en Allemagne. Lorenz Findeisen nous invite à un voyage architectural à travers ces trois pays où grâce aux images d’archives et aux témoignages des habitants, on redécouvre ce qu’était l’utopie du collectivisme et l’émergence du béton préfabriqué. Révolutionnaire pour l’époque, plébiscités par certains, décriés par d’autres, aujourd’hui ces cités s’apparentent plus à des verrues qu’autre chose. Ces grands ensembles d’immeubles souvent mal pensé, sont très souvent excentrés des centres-villes et donc des commerces. Ce documentaire retrace la vie d’une cité pilote, La Cité des Courtillières à Pantin. Cette cité était censée réaliser le rêve d’une vie nouvelle dans une France qui manquait, à la Libération cruellement de logements. Comme tant d’autres Jacqueline enfant ignorait qu’elle devait à Raymond Camus architecte génial, créateur du panneau en béton préfabriqué, cette invention qui promettait un futur radieux pour tous.France 3 Paris Île-de-France avait mis en place, à l’occasion des 60 ans de la création des « grands ensembles » et des villes nouvelles, une programmation exceptionnelle de documentaires inédits de 52 minutes autour de la thématique «Octobre des Cités, le mois des grands ensembles » Composition et production de la musique originale du film de Lorenz Findeisen « Concrete Stories » (52/120 mn). Documentaire primé « étoiles de la SCAM », diffusion France Television et festivals internationaux. (Co production franco-germano-tchèque) Béton et musique synthétique Au cours de l’été 2015 le réalisateur Lorenz Findeisen commande à Etienne de la Sayette une musique originale pour son film Le bonheur est dans le béton (diffusé sur France 3 et dans divers festivals de film documentaire internationaux). Le réalisateur, qui connaissait bien le travail d’Etienne de la Sayette, principalement basé sur des instruments acoustiques, le prend à contrepied en lui demandant une musique synthétique minimaliste “à la Kraftwerk”, pour accompagner les vues de paysage bétonnés des années 70, s’étendant à l’infini depuis les abords des villes. Le jour même où Etienne de la Sayette accepte la proposition, il tombe par hasard sur un Roland SH 2000 poussiéreux dans un marché aux puces de Seoul. Il y voit un signe du destin et effectue des razzia dans les vides greniers et magasins d’occasions de Seoul afin de se procurer en quelques jours un tas de vieux synthés analogiques, boites à rythme et pédales d’effets… Pas de séquenceur, pas de programmation, rien de numérique, tout l’intérêt est de se salir les mains et de jouer ces machines comme de n’importe quel autre instrument acoustique. Au final, pas moins de 30mn de musique ont été produites sur mesure, une musique qui joue le rôle de narrateur dans un film dépourvu de voix off.

Production les Films du Tambour de Soie www.dailymotion.com/video/x413amo

www.youtube.com/watch?v=zR_jxCANYac&fbclid=IwAR2IzWlM... … Le temps de l'urbanisme, 1962, Réalisation : Philippe Brunet www.dailymotion.com/video/xgj2zz?playlist=x34ije … … … … -Les grands ensembles en images Les ministères en charge du logement et leur production audiovisuelle (1944-1966) MASSY - Les films du MRU - La Cité des hommes, 1966, Réalisation : Fréderic Rossif, Albert Knobler www.dailymotion.com/video/xgiqzr?playlist=x34i - Les films du MRU @ les AUTOROUTES - Les liaisons moins dangereuses 1972 la construction des autoroutes en France - Le réseau autoroutier 1960 Histoire de France Transports et Communications - www.dailymotion.com/video/xxi0ae?playlist=x34ije … - A quoi servaient les films produits par le MRU ministère de la Reconstruction et de l'Urbanisme ? la réponse de Danielle Voldman historienne spécialiste de la reconstruction www.dailymotion.com/video/x148qu4?playlist=x34ije … -les films du MRU - Bâtir mieux plus vite et moins cher 1975 l'industrialisation du bâtiment et ses innovations : la préfabrication en usine, le coffrage glissant... www.dailymotion.com/video/xyjudq?playlist=x34ije … - TOUT SUR LA CONSTRUCTION DE NOTRE DAME LA CATHEDRALE DE PARIS Içi www.notredamedeparis.fr/la-cathedrale/histoire/historique... -MRU Les films - Le Bonheur est dans le béton - 2015 Documentaire réalisé par Lorenz Findeisen produit par Les Films du Tambour de Soie içi www.dailymotion.com/video/x413amo?playlist=x34ije Noisy-le-Sec le laboratoire de la reconstruction, 1948 L'album cinématographique de la reconstruction maison préfabriquée production ministère de la Reconstruction et de l'Urbanisme, 1948 L'album cinématographique içi www.dailymotion.com/video/xwytke

archipostcard.blogspot.com/search?updated-max=2009-02-13T... -Créteil.un couple à la niaiserie béate exalte les multiples bonheurs de la vie dans les new G.E. www.youtube.com/watch?v=FT1_abIteFE … La Ville bidon était un téléfilm d'1 heure intitulé La Décharge.Mais la censure de ces temps de présidence Pompidou en a interdit la diffusion télévisuelle - museedelacartepostale.fr/periode-semi-moderne/ - archipostalecarte.blogspot.com/ - Hansjörg Schneider BAUNETZWOCHE 87 über Papiermoderne www.baunetz.de/meldungen/Meldungen_BAUNETZWOCHE_87_ueber_... … - ARCHITECTURE le blog de Claude LOTHIER içi leblogdeclaudelothier.blogspot.com/2006/ - - Le balnéaire en cartes postales autour de la collection de David Liaudet, et ses excellents commentaires.. www.dailymotion.com/video/x57d3b8 -Restaurants Jacques BOREL, Autoroute A 6, 1972 Canton d'AUXERRE youtu.be/LRNhNzgkUcY munchies.vice.com/fr/article/43a4kp/jacques-borel-lhomme-... … Celui qu'on appellera le « Napoléon du prêt-à-manger » se détourne d'ailleurs peu à peu des Wimpy, s'engueule avec la maison mère et fait péricliter la franchise ...

museedelacartepostale.fr/blog/ -'être agent de gestion locative pour une office H.L.M. en 1958' , les Cités du soleil 1958 de Jean-Claude Sée- les films du MRU içi www.dailymotion.com/video/xgj74q présente les réalisations des HLM en France et la lutte contre l'habitat indigne insalubre museedelacartepostale.fr/exposition-permanente/ - www.queenslandplaces.com.au/category/headwords/brisbane-c... - collection-jfm.fr/t/cartes-postales-anciennes/france#.XGe... - www.cparama.com/forum/la-collection-de-cpa-f1.html - www.dauphinomaniac.org/Cartespostales/Francaises/Cartes_F... - furtho.tumblr.com/archive Le Logement Collectif* 50,60,70's, dans tous ses états..Histoire & Mémoire d'H.L.M. de Copropriété Renouvellement Urbain-Réha-NPNRU., twitter.com/Memoire2cite tout içi sig.ville.gouv.fr/atlas/ZUS/ - media/InaEdu01827/la-creatio" rel="noreferrer nofollow">fresques.ina.fr/jalons/fiche-media/InaEdu01827/la-creatio Bâtir mieux plus vite et moins cher 1975 l'industrialisation du bâtiment et ses innovations : www.dailymotion.com/video/xyjudq?playlist=x34ije la préfabrication en usine www.dailymotion.com/video/xx6ob5?playlist=x34ije , le coffrage glissant www.dailymotion.com/video/x19lwab?playlist=x34ije ... De nouvelles perspectives sont nées dans l'industrie du bâtiment avec les principes de bases de l'industrialisation du bâtiment www.dailymotion.com/video/x1a98iz?playlist=x34ije ,

www.dailymotion.com/video/xk6xui?playlist=x34ije , www.dailymotion.com/video/xk1dh2?playlist=x34ije : mécanisation, rationalisation et élaboration industrielle de la production. Des exemples concrets sont présentés afin d'illustrer l'utilisation des différentes innovations : les coffrages outils, coffrage glissant, le tunnel, des procédés pour accélérer le durcissement du béton. Le procédé dit de coffrage glissant est illustré sur le chantier des tours Pablo Picasso à Nanterre. Le principe est de s'affranchir des échafaudages : le coffrage épouse le contour du bâtiment, il s'élève avec la construction et permet de réaliser simultanément l'ensemble des murs verticaux. Au centre du plancher de travail, une grue distribue en continu le ferraillage et le béton. Sur un tel chantier les ouvriers se relaient 24h / 24 , www.dailymotion.com/video/xwytke?playlist=x34ije , www.dailymotion.com/video/x1bci6m?playlist=x34ije

Le reportage se penche ensuite sur la préfabrication en usine. Ces procédés de préfabrication en usine selon le commentaire sont bien adaptés aux pays en voie de développement, cela est illustré dans le reportage par une réalisation en Libye à Benghazi. Dans la course à l'allégement des matériaux un procédé l'isola béton est présenté. Un chapitre sur la construction métallique explique les avantage de ce procédé. La fabrication de composants ouvre de nouvelles perspectives à l'industrie du bâtiment.

Lieux géographiques : la Grande Borne 91, le Vaudreuil 27, Avoriaz, Avenue de Flandres à Paris, tours Picasso à Nanterre, vues de la défense, Benghazi Libye www.dailymotion.com/video/xk6xui?playlist=x34ije , www.dailymotion.com/video/xk1dh2?playlist=x34ije : mécanisation, rationalisation et élaboration industrielle de la production. Des exemples concrets sont présentés afin d'illustrer l'utilisation des différentes innovations : les coffrages outils, coffrage glissant, le tunnel, des procédés pour accélérer le durcissement du béton. Le procédé dit de coffrage glissant est illustré sur le chantier des tours Pablo Picasso à Nanterre. Le principe est de s'affranchir des échafaudages : le coffrage épouse le contour du bâtiment, il s'élève avec la construction et permet de réaliser simultanément l'ensemble des murs verticaux. Au centre du plancher de travail, une grue distribue en continu le ferraillage et le béton. Sur un tel chantier les ouvriers se relaient 24h / 24 , www.dailymotion.com/video/xwytke?playlist=x34ije , www.dailymotion.com/video/x1bci6m?playlist=x34ije Demain Paris 1959 dessin animé présentant l'aménagement de la capitale dans les années 60, Animation, dessin animé à vocation pédagogique visant à promouvoir la politique d’aménagement suivie dans les années 60 à Paris. Un raccourci historique sur l’extension de Paris du Moyen Âge au XIXe siècle (Lutèce, œuvres de Turgot, Napoléon, Haussmann), ce dessin animé retrace la naissance de la banlieue et de ses avatars au XXe siècle. Il annonce les grands principes d’aménagement des villes nouvelles et la restructuration du centre de Paris (référence implicite à la charte d’Athènes). Le texte est travaillé en rimes et vers. Une chanson du vieux Paris conclut poétiquement cette vision du futur. Thèmes principaux : Aménagement urbain / planification-aménagement régional Mots-clés : Banlieue, extension spatiale, histoire, quartier, ville, ville nouvelle Lieu géographique : Paris 75 Architectes ou personnalités : Eugène Haussmann, Napoléon, Turgot Réalisateurs : André Martin, Michel Boschet Production : les films Roger Leenhardt www.dailymotion.com/video/xw6lak?playlist=x34ije - Rue neuve 1956 la reconstruction de la France dix ans après la fin de la seconde guerre mondiale, villes, villages, grands ensembles réalisation : Jack Pinoteau , Panorama de la reconstruction de la France dix ans après la fin de la seconde guerre mondiale, ce film de commande évoque les villes et villages français détruits puis reconstruits dans un style respectant la tradition : Saint-Malo, Gien, Thionville, Ammerschwihr, etc. ainsi que la reconstruction en rupture avec l'architecture traditionnelle à Châtenay-Malabry, Arles, Saint Étienne, Évreux, Chambéry, Villeneuve-Saint-Georges, Abbeville, Le Havre, Marseille, Boulogne-sur-Mer, Dunkerque. Le documentaire explique par exemple la manière dont a été réalisée la reconstruction de Saint-Malo à l'intérieur des rempart de la vieille ville : "c'est la fidélité à l'histoire et la force du souvenir qui a guidé l'architecte". Dans le même esprit à Gien, au trois quart détruite en 1940, seul le château construit en 1494 pour Anne de Beaujeu, fille aînée de Louis XI, fut épargné par les bombardements. La ville fut reconstruite dans le style des rares immeubles restant. Gien est relevé de ses ruines et le nouvel ensemble harmonieux est appelé « Joyau de la Reconstruction française ». Dans un deuxième temps est abordé le chapitre de la construction des cités et des grands ensembles, de l’architecture du renouveau qualifiée de "grandiose incontestablement". S’il est précisé "on peut aimer ou de ne pas aimer ce style", l’emporte au f