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Finally, a somewhat better image of my book carving! I don't have a title for it, but I've been contemplating "Imagination", because I like clichés like that.
This took approximately 15 hours and was done entirely with X-Acto knife, ruler, and pencil. Also prussian blue acrylic paint, Elmer's School Glue, and some swizzle (coffee) straws for finishing it off with sealing the pages and making the ladder.
Book page altered with Photoshop brushes (clocks), paint, and carnival tickets embellished with an embossed rubber stamp of a hurricane graphic.
Feel free to use this in all your work, just don't redistribute or sell the original as your own product! T4L-agree.
EOS 5D Mark III+TAMRON SP AF90mm F/2.8 Di MACRO 1:1
* If you have requests or comments, please describe these in photo comment space.
Altered matchbox for ARTnSOUL swap. using festive fabric, lace, ribbon, buttons, beads, image (K&Company), charms.
Working on the 'surprise' today ;)
Jan x
EOS 5D Mark III+TAMRON SP AF90mm F/2.8 Di MACRO 1:1
* If you have requests or comments, please describe these in photo comment space.
Shot in Glasgow
Off camera flash: Neewer flash on 1/16th power band front + Neewer flash on half power behind band
This is the UMM Alter II, a Portuguese all terrain vehicle.
Portugal was never famous for its auto industry, this being one of the most successful ones.
They were produced from 1986 to mid-nineties, used Peugeot engines and many can still be found on our roads. This is the short soft top version.
About the model, it has doors and hood that open, engine, detailed interiors, steering and rear suspension.
More photos: www.flickr.com/photos/biczzz/albums/72157668123294394
More about these cars: www.lr-mad.co.uk/index.php/en/umm-alter
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Este é o UMM Alter II, um veículo português todo-o-terreno.
Um dos mais famosos exemplos da indústria automóvel portuguesa.
Foram produzidos desde 1986 até meio dos anos 90, usavam motores Peugeot e muitos ainda podem ser encontrados nas nossas estradas. Esta é a versão curta soft top com capota em lona.
Sobre o modelo, tem portas que abrem, motos, interiores detalhados e suspensão traseira.
Mais fotos: www.flickr.com/photos/biczzz/albums/72157668123294394
Mais sobre a UMM e estes jipes: rodasdeviriato.blogspot.pt/search?q=umm
I love the way this turned out!! The idea was to alter a shoe ala Marie Antoinette. I decided to make the shoe into something she might have worn!!
If the 1960's was the era made most defined by choices made under the influence of mind altering substances, then the 1980's would be the equivalent time period for toys.
This is Sky Lynx, one of the multitude of G1 toys reissued under the Encore label from Takara, the Japanese half of the Transformers partnership. In case your memory is hazy, fellow 80's child, Sky Lynx is the one with the pretentious sounding English accent on the show, and is kind of a dick.
If I remember my history right, during the mid 80's, the popularity of Transformers exploded, which left Hasbro/Takara scrambling to find new product in order to sell.
As a result, there was an external search to bring third party toys under the Transformers label. This in itself was not unique, as Transformers started off under the Diaclone line, with some Microman and others thrown into the mix. Omega Supreme. Shockwave, Predaking, and Reflector, I believe, were all not developed in-house.
Having said all that, the 80's were a strange and wonderful time for toys. All sorts of weird stuff was being developed and sold - certainly, while the toys were of a simpler design, when you went to a toy store there was probably a better chance of you being surprised by something on the shelf. By comparison, toys these days are pretty tame, with the only exotic things being Barbie's latest fashion accessory, or some of the more questionable WWE figure designs.
So.. Sky Lynx. Created by Tomy (back when Takara and Tomy were not one as it is these days).. I honestly have no idea what they were thinking.
The set comes in two parts - a space shuttle that transforms into a bird with a long tail and skinny chicken feet, and a blue.. thing that transforms into a Lynx, I guess, but really it's a vague cat creature of sorts. I don't have a memory of the parts ever separating on the show, but that could just be me. The blue part is where the characters boarded Sky Lynx for transportation.
Transformation is pretty straight forward, with the more delicate of the two being the Shuttle as it has various panels and uses an archaic sliding system for its tail and neck. This is probably the first Encore release I ever handled that I felt had flimsier plastic.
The two parts "combine" for lack of better terms (held together by three pegs) and would either walk or roll depending on what setting you had it on
Sky Lynx was one of the bigger Transformers toys. I know it can be hard to tell from the photos, but even without extending the tail the shuttle has to be close to a foot long, and for sure with it extended it exceeds 12 inches in length.
Colour scheme is pretty attractive, consisting primarily of the Ultra Magnus palette of white & blue with some red thrown in for good measure. There are,also gold chrome stickers and plastics that pop quite nicely. Detailing on the various parts was well done, even by modern standards.
Of course, as a toy goes, it's kind of boring even by 80's standards. The fun part was the shuttle, as it could actually transform into something, albeit a bird thing with generally limited articulation (which wasn't really a thing back in the day). The blue thing, well, really just became a set of legs for the upper half, and I remember being disappointed as a kid that other than walking, Sky Lynx didn't do much. He didn't come with any weapons or any other accessories, and the only offence he had was the laser embedded in his mouth.
It also didn't help that he was the anal retentive one on the show.
Another problem with the toy was that Sky Lynx also fell apart.. alot.. especially when you were flying around with him in combined mode.
Or maybe I had man hands as a child.
So, there you have it - an interesting relic of the past. But I suppose it could be worse. At least Sky Lynx had some sort of transformation.
He could have been a Pretender.. or worse - an Actionmaster.
Some time ago I ran across my never-finished altered book, started years ago. It was fun to find, maybe it will evolve :)
Trengte en nålepute, og hermet da etter Tammy Kay fra badgirls DT
Sort prikkete Creative Imaginations
Rosa prikkete pinkpaislee
Div bånd
Sommerfugl mal fra internett
Prima blomst (farget sort
Blonder
Blomst fra hobbybutikk
Bazzill big brads
Scalloped mønstersaks
Rosa filtstoff
Isopor som sengebunn
Vatt
Catedral de Santa María del Fiore
La basílica catedral metropolitana de Santa Maria del Fiore, o catedral de Santa María de la Flor (en italiano, Cattedrale di Santa Maria del Fiore), es la sede episcopal (en italiano duomo) de la archidiócesis de Florencia, Italia. Es una de las obras maestras del arte gótico y del primer Renacimiento italiano.
Símbolo de la riqueza y del poder de la capital toscana durante los siglos XIII y siglo XIV, la catedral florentina es uno de los edificios más grandes de la cristiandad. Su nombre se refiere al lirio, símbolo de Florencia, o al antiguo nombre del pueblo llamado Fiorenza. Pero, por otra parte, un documento del siglo XV afirma que la «flor» se refiere a Cristo.
Destaca, de forma singular, la grandiosa cúpula, obra de Filippo Brunelleschi,1 una estructura isostática de 100 m de altura interior; 114,5 m de altura exterior; 45,5 m de diámetro exterior y 41 m de luz (diámetro interior) con la particularidad de que esta cúpula, en sí misma, anula los empujes horizontales para no transmitir al tambor que la sustenta prácticamente más cargas que las verticales correspondientes a su propio peso.2 A la cúpula hay que añadir el campanile de Giotto, un campanario independiente trazado por Giotto, de 84,70 m de altura, y el baptisterio de San Juan, con las famosas puertas de bronce de Ghiberti. El conjunto, formado por la iglesia, el campanario y el baptisterio, constituye una de las joyas artísticas y arquitectónicas de Florencia.
La basílica se encuentra dentro de la declaración del Centro histórico de Florencia como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1982.3
La catedral fue levantada en el espacio que ocupó la antigua iglesia de Santa Reparata, impulsada su construcción por la magnificencia de las nuevas catedrales de Pisa y Siena.
Al final del siglo XIII, la iglesia de Santa Reparata, de nueve centurias, se derrumbaba, como lo atestiguan los documentos. Más aún, resultaba demasiado pequeña en un período de rápido crecimiento de la población. La próspera Florencia quería sobrepasar la grandiosidad de sus rivales toscanos, Pisa y Siena, con una iglesia magnífica, más grandiosa en tamaño y adornada más ricamente en el exterior. Esta catedral, cuando se terminó, resultó ser la más grande de Europa, con una capacidad para 30.000 personas. En la actualidad sólo es superada, en tamaño, por la basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano, la catedral de San Pablo en Londres, la catedral de Sevilla y la catedral de Milán.
La nueva iglesia fue diseñada por Arnolfo di Cambio en 1296 para ser el templo católico mayor del mundo (aunque su diseño fue alterado varias veces y más tarde reducido en tamaño). Arnolfo fue también el famoso arquitecto de la basílica de la Santa Cruz y el palazzo Vecchio. Diseñó tres anchas naves que morían bajo la cúpula octogonal, con la nave central cubriendo la superficie de Santa Reparata. La primera piedra fue puesta el 8 de septiembre de 1296 por el cardenal Valeriana, el primer nuncio papal enviado a Florencia. La realización de este vasto proyecto duraría 170 años, así como los esfuerzos colectivos de varias generaciones. Después de la muerte de Arnolfo, en 1302, el trabajo en la catedral se hizo más lento y llegó a suspenderse durante treinta años. La construcción recibió un ímpetu nuevo cuando las reliquias de san Zenobio fueron descubiertas en 1330 en Santa Reparata.
En 1331, el Arte della Lana (Gremio de los mercaderes de la lana) asumió el patronazgo exclusivo para la construcción de la catedral y, en 1334, nombraron a Giotto di Bondone como maestro de obras. Asistido por Andrea Pisano, continuó el diseño de Arnolfo di Cambio. Su triunfo mayor fue la construcción del campanile («campanario»), pero murió en 1337, dejando inacabada la obra. Andrea Pisano continuó con los trabajos hasta que éstos tuvieron que abandonarse a causa de la Peste negra en 1348.
En 1355 se reemprenden los trabajos dentro de la catedral, llevados a cabo por una serie de arquitectos, entre los que cabe mencionar a Francesco Talenti, que acabó el campanario y amplió el proyecto con el ábside y las capillas laterales, pero no alteró el exterior. En 1359 le sucedió Giovanni di Lapo Ghini (1360-1369), que dividió la nave central en cuatro crujías cuadradas. Otros arquitectos fueron Alberto Arnoldi, Giovanni d'Ambrogio, Neri di Fioravante y Orcagna. En 1375 la vieja iglesia de Santa Reparata fue demolida. La nave se completó en 1380, quedando sin terminar, en 1418, la cúpula.
Las paredes están cubiertas por bandas alternadas en horizontal y vertical con mármoles multicolor: de Carrara (blanco), Prato (verde) y Siena (rojo). Estas bandas de mármol tenían que repetir las decoraciones del baptisterio y del campanario de Giotto. Hay dos puertas laterales, las Puertas de los Cardenales (sur) y la Puerta de los Mandorla (norte) con esculturas de Nanni di Banco, Donatello y Jacopo della Quercia. Las seis ventanas laterales, notables por su delicado trazado y adornos, están separadas por pilares. Solo las cuatro ventanas más cercanas al transepto dejan pasar la luz; las otras dos son simplemente ornamentales. Las ventanas del triforio son redondas, una característica común en el estilo ítalo-gótico. El pavimento de la iglesia fue cubierto con mármol en el siglo XVIII.
El 24 de diciembre de 1966, el papa Pablo VI realizó la misa del Gallo en esta catedral, el motivo, las inundaciones que el 4 de noviembre de ese año destruyeron la ciudad. En una catedral abarrotada que homenajeó a los fallecidos, presidió el recinto una gran flor de lis, símbolo de la ciudad de Florencia.
Cúpula
La cúpula, de 45,5 m de ancho, era originalmente una cúpula de madera construida por Arnolfo di Cambio. Construir una cúpula sobre el presbiterio conllevaba muchos problemas técnicos. Existía ya un modelo de ladrillo para la cúpula desde 1367 (como queda explicado en la Vida de Brunelleschi de Antonio Manetti, ca. 1480).
En 1419 tuvo lugar un concurso para diseñar una nueva cúpula (cupola en italiano) para la catedral. Los dos competidores más importantes eran Lorenzo Ghiberti (famoso por su labor en las «Puertas del Paraíso», en el baptisterio) y Filippo Brunelleschi.
Un desconocido arquitecto de la época llegó incluso a proponer que se llenara la catedral con tierra antes de levantar la cúpula a fin de construir la cúpula encima de la tierra moldeada (aún no se sabía de qué forma construir una cúpula con tanto peso y magnitud). Cuando se le preguntó cómo sacaría la tierra, se sugirió que la ciudad podría mezclar monedas con la tierra y los pobres, incidentalmente, vaciarían la cúpula.4
Brunelleschi se inspiró en la cúpula del "doble pared" o "doble casco" del Panteón de Roma. Con la ayuda de Donatello y Nanni di Banco construyó un modelo de madera y ladrillo (exhibido en el Museo de la Opera del Duomo). Brunelleschi ganó por poco. Su modelo sirvió como guía para los artistas, pero intencionadamente lo presentó incompleto con la finalidad de asegurar su control sobre la construcción.
Las soluciones del artista eran ingeniosas y sin precedentes como el peculiar diseño octogonal de doble casco: la cúpula se eleva sobre un tambor octogonal, lo que permitía que la cúpula entera fuera construida desde la superficie, sin necesidad de andamios, que suponían un elevado costo.
Esta enorme construcción pesa 37.000 toneladas métricas y contiene más de 4 millones de ladrillos. Brunelleschi hizo varios modelos y dibujos durante su construcción. Tuvo que inventar máquinas elevadoras especiales y grúas para izar las piedras grandes. Estas máquinas especialmente diseñadas y las brillantes técnicas de albañilería fueron las espectaculares contribuciones a la arquitectura de Brunelleschi. En la cúpula se utilizaron también refuerzos horizontales de tirantes de piedra y hierro, preparando el camino para las ideas de reforzamiento de hierro y acero que se utilizarían siglos después, como el caso del hormigón.
Pese a la resolución del concurso, ambos arquitectos fueron los encargados de llevar a cabo la obra. No hubo consenso. Ghiberti se burló de estos planos y los tildó de imposibles. Brunelleschi, profundamente ofendido, simuló una enfermedad y partió para Roma, dejando el proyecto en las manos de Ghiberti. Pero Ghiberti pronto se dio cuenta de que no estaba capacitado para llevar a cabo la obra por sí solo. En 1423 Brunelleschi regresó asumiendo la responsabilidad total de su construcción.
El trabajo de la cúpula comenzó en 1420 y fue completado en 1436. La catedral fue consagrada por el papa Eugenio IV el 25 de marzo de 1436 (el primer día del año de acuerdo con el calendario florentino). Fue la primera cúpula octogonal en la historia que se construyó sin el soporte de un armazón de madera (el Panteón de Agripa fue construido entre 118 y 128 sin estructuras de soporte, pero se trata de una cúpula redonda) y fue la mayor cúpula construida entonces (todavía es la cúpula de albañilería más grande del mundo). Fue uno de los logros más espectaculares del Renacimiento.
La idea de Brunelleschi para coronar la cúpula con una gran linterna fue puesta en duda, dando lugar a otro concurso. Sus competidores fueron Lorenzo Ghiberti y Antonio Cachieri: Brunelleschi resultó ganador. Su diseño era para una linterna octogonal con ocho arbotantes en radio y ocho ventanas arqueadas (ahora exhibidas en el Museo de la Opera del Duomo). La construcción de la linterna se inició unos meses antes de su muerte, en 1446. Su construcción se ralentizó durante 25 años sin que su progreso fuera notable, debido a las intervenciones realizadas por varios arquitectos. Finalmente fue completada por su amigo Michelozzo en 1461. El tejado cónico fue rematado por Verrocchio en 1469, con una capa de cobre y una cruz que contenía reliquias. Éste utilizó una grúa especialmente diseñada por Leonardo da Vinci. Esta última estructura supone una altura total de 114,5 m entre la cúpula y la linterna. La cubierta de cobre fue golpeada por un rayo el 17 de julio de 1600 y se cayó. Fue reemplazada por otra, aún más grande, dos años más tarde.
La decoración del tambor de la galería, realizada por Baccio d’Agnolo, nunca fue acabada porque fue desaprobada por Miguel Ángel.
La construcción de la catedral, empezada en 1296 con el diseño de Arnolfo di Cambio, fue acabada, pues, en 1469 por Verrocchio con el ciborio de cobre en la linterna. Pero la fachada principal aún estaba por completarse y seguiría así durante siglos.
Fachada
La fachada original, diseñada por Arnolfo di Cambio y normalmente atribuida su construcción a Giotto, fue de hecho comenzada veinte años después de la muerte de Giotto. Un dibujo a pluma y tinta de mediados del siglo XV de la llamada fachada de Giotto se conserva en el Codex Rustici, así como el dibujo de Bernardino Poccetti de 1587, ambos exhibidos en el Museo de la Opera del Duomo. Esta primera fachada se debe al esfuerzo colectivo de varios artistas, entre ellos Andrea Orcagna y Taddeo Gaddi, y fue sólo completada en su parte baja, después fue abandonada. En 1587-1588 el arquitecto de corte de los Médici, Bernardo Buontalenti, la demolió por orden del Gran Duque Francisco I de Médicis, ya que parecía no estar de moda en los tiempos del Renacimiento. Algunas de las esculturas originales se muestran en el Museo de la Ópera del Duomo, detrás de la catedral. Otras están ahora en el Museo de Berlín y en el Louvre. El concurso para una nueva fachada terminó con un gran escándalo de corrupción. El diseño de la fachada, en madera, de Buontalenti, está expuesto en el Museo de la Ópera del Duomo. Varios diseños nuevos fueron propuestos en años posteriores, pero los modelos (de Giovanni Antonio Dosio, Giovanni de Médici con Alessandro Pieroni y Giambologna) no fueron aceptados. La fachada se dejó, por tanto, descubierta hasta el siglo XIX.
En 1864 se abrió un concurso para diseñar una fachada nueva y resultó ganador Emilio De Fabris (1808-1883) en 1871. El trabajo comenzó en 1876 y se terminó en 1887. Esta fachada neogótica en mármoles blancos, verdes y rosas forma una unidad en armonía con la catedral, el campanario de Giotto y el baptisterio.
La fachada entera está dedicada a María, madre de Cristo y patrona de la catedral.
La construcción de las tres puertas de bronce se llevó a cabo de 1899 a 1903. Están adornadas con escenas de la vida de la Virgen. Los mosaicos de los tímpanos de las puertas fueron diseñados por Niccoló Barabino. Representan (de izquierda a derecha): La Caridad entre los fundadores de instituciones filantrópicas florentinas, Cristo en el trono con María y Juan Bautista; Artesanos florentinos y Mercaderes y humanistas rindiendo homenaje a la Fe. El frontispicio encima del portal central contiene un medio relieve de Tito Sarrocchi y representa a María entronizada empuñando un cetro floreado.
Encima de la fachada se abren una serie de nichos con los doce Apóstoles y, en el centro, la Virgen con el Niño. Entre el rosetón y el tímpano, hay una galería con los bustos de grandes artistas florentinos.
Interior
La catedral presenta planta basilical clásica, con una nave central muy alta y ancha y dos naves laterales de menores dimensiones, formando una cruz latina. Las naves quedan separadas por anchos arcos ojivales con columnas compuestas, dividiendo la nave en cuatro tramos cuadrados.
Sus dimensiones son enormes: 153 m de largo por 130 m de ancho (de un lado a otro del transepto) y 107 m de alto desde la base hasta la cima de la cúpula. La altura de los arcos en los pasillos es de 23 m.
El interior es algo sombrío y da una impresión de vaciedad. La relativa desnudez de la iglesia corresponde a la austeridad de la vida religiosa, tal como la predicaba Girolamo Savonarola.
Muchas de las decoraciones de la iglesia se han perdido con el paso de tiempo o han sido trasladadas al Museo de la Opera del Duomo, como las magníficos "cantorías" (tribunas o púlpitos para los cantores) de Luca Della Robbia y Donatello.
Como la catedral fue construida con fondos públicos, algunos de los objetos de arte de esta iglesia están dedicados a las personas ilustres y líderes militares de Florencia.
•Dante y la Divina Comedia de Domenico di Michelino (1465). Esta pintura es especialmente interesante porque nos muestra, aparte de las escenas de la Divina Comedia, una vista de Florencia en 1465, una Florencia que Dante mismo no hubiera podido ver en su tiempo.
•La estatua ecuestre de Giovanni Acuto de Paolo Uccello (1436). Este fresco, casi unicolor, fue transferido a tela en el siglo XIX, está pintado en terra verde, el color más cercano a la pátina del bronce.
•La estatua ecuestre de Niccoló da Tolentino de Andrea del Castagno (1456). Este fresco transferido a tela en el siglo XIX, en el mismo estilo que el original, está pintado en un color semejante al mármol. Sin embargo está decorado más ricamente y da una mayor impresión de movimiento.
Ambos frescos representan a los condottieri como figuras cabalgando triunfalmente. Ambos pintores tuvieron problemas cuando aplicaban las nuevas reglas de perspectiva y acercamiento, usaron dos puntos de unidad, uno para el caballo y otro para el pedestal, en lugar de usar sólo un punto de unificación.
•Bustos de Giotto (por Benedetto da Maiano), Brunelleschi (por Buggiano, 1447) Marsilio Ficino y Antonio Squarcialupi (famoso organista). Todos estos bustos son de los siglos XV y XVI.
Encima de la puerta mayor está la colosal fachada del reloj, con retratos al fresco de cuatro profetas o evangelistas pintados por Paolo Ucello (1443). Este litúrgico reloj con una sola aguja muestra las 24 horas de la hora itálica (el horario italiano), un período que termina con el ocaso a las 24 horas. Este horario fue usado hasta el siglo XVIII. Es uno de los pocos relojes de aquel tiempo que todavía existen y funcionan.
La iglesia es particularmente notable por sus 44 vitrales, el proyecto más grande de este tipo en Italia de los siglos XIV y XV. En las vidrieras de las naves y del transepto se representan figuras de santos del Antiguo y Nuevo Testamento, mientras que en el rosetón de la cúpula o encima de la entrada muestran a Cristo y María. Es el trabajo de los artistas florentinos más importantes de la época como Donatello, Lorenzo Ghiberti, Paolo Uccello y Andrea del Castagno.
Cristo coronando a María como Reina, vidriera redonda encima del reloj, con un rico caleidoscopio de colores, fue diseñada por Gaddo Gaddi a principios de 1300.
Donatello diseñó la vidriera de La Coronación de la Virgen en el tambor de la cúpula (la única que se puede ver desde la nave).
El precioso monumento funerario de Antonio d’Orso (1323), obispo de Florencia, fue hecho por Tino di Camaino, el escultor más importante de su tiempo.
La cruz monumental, situada detrás del trono episcopal, en el altar mayor, es de Benedetto da Maiano (1495-1497). El coro es obra de Bartolommeo Bandinelli. Las puertas de la sacristía, de diez paneles de bronce, fueron realizadas por Luca Della Robbia, de quien se conservan también dos trabajos en terracota vidriada dentro de la sacristía: Angel con candil y La Resurrección de Cristo.
Detrás del ábside central está el altar de San Zenobio, primer obispo de Florencia. El altar, una obra maestra de Ghiberti, contiene la urna con sus reliquias. Encima de este santuario está el cuadro de La Última Cena del menos conocido Giovanni di Balduccio. También había un panel-mosaico en pasta vidriada de San Zenobio, obra del miniaturista del siglo XVI Monte di Giovanni expuesto, actualmente, en el Museo de la Opera del Duomo.
Muchas decoraciones datan del siglo XVI, bajo el patronazgo de los Grandes Duques, como el pavimento coloreado en mármoles, atribuido a Baccio d'Agnolo y Francesco da Sangallo (1520-26). Algunas piezas del mármol de la fachada fueron usadas, boca abajo, en el pavimento (como se demostró en la restauración del mismo después de la inundación de 1966).
En cuanto al interior de la cúpula, primero se sugirió que los 45 m de ancho fueran cubiertos con una decoración en mosaico para aprovechar al máximo la luz que entraba por los rosetones y a través de la linterna. Brunelleschi propuso que la bóveda brillara como oro resplandeciente, pero su muerte en 1446 puso fin a este proyecto y las paredes de la cúpula fueron enjalbegadas. Cosme I de Médicis decidió que la cúpula fuera pintada con una representación de El Juicio Final. Esta obra, de 3600 m² de superficie pintada, fue comenzada en 1568 por Giorgio Vasari y Federico Zuccaro y duraría hasta 1579. La parte superior, cerca de la linterna, representa a Los 24 Ancianos del Apocalipsis. Fue acabado por Vasari antes de su muerte en 1574. Federico Zuccaro y otros colaboradores, como Domenico Cresti, acabaron otras secciones: (de arriba hacia abajo) Coros de Ángeles, Cristo, María y los Santos, Virtudes, Dones del Espíritu Santo, y Beatitudes, y en la parte baja de la cúpula: Pecados Mortales e Infierno. Estos frescos están considerados como las mejores obras de Zuccaro. Pero la calidad de la obra es desigual debido a las colaboraciones de artistas varios que utilizaron diferentes técnicas. Vasari había usado pintura al fresco mientras que Zuccaro pintaba con pintura en seco.
Cripta
Se llevaron a cabo laboriosas excavaciones en la catedral entre 1965 y 1974. Las bóvedas subterráneas fueron usadas para sepultar a los obispos florentinos a través de los siglos. La historia arqueológica de esta enorme área ha sido revelada: ruinas de casas romanas, un pavimento del cristianismo temprano, ruinas de la antigua catedral de Santa Reparata y ampliaciones sucesivas de dicha iglesia. Cerca de la entrada abierta al público está la tumba de Brunelleschi, como prueba del gran cariño que le profesaron los florentinos.
Alter Egos, Pseudonyme und fiktive Personen. Zu künstlerischer Autorschaft und Namensgebung
Bernadette Corporation, Hina Berau/Judith Fischer, Ursula Bogner, Dagmar Buhr, Ricarda Denzer, Mario Garcia Torres, Matthias Klos, Warren Neidich, Roee Rosen, Isa Rosenberger,
Lora Sana/Carola Dertnig, Untitled Collective, Unknown Artist, Ronda Zheng
Kuratiert von Georgia Holz und Claudia Slanar
Fonte Official FB page :
Heroes push us to excel. Their will, courage, and sacrifice can bring out the best in the world around them.
Fittingly, on their fifth full-length album, The Last Hero, hard rock juggernaut Alter Bridge pursue a level of excellence inspired by timeless heroism. Making the record became something of a personal quest for the quartet—Myles Kennedy [vocals, guitar], Mark Tremonti [guitar, vocals], Brian Marshall [bass], and Scott Phillips [drums]. In 2013, the band reached an elevated creative and critical milestone with Fortress. It bowed at #12 on the Billboard Top 200, moving over 30,000 copies first-week and earning unanimous tastemaker praise. The record garnered perfect scores from Total Guitar and KERRANG! as well as acclaim from Billboard, The Guardian, Loudwire, Ultimate Guitar, and many more. In between sold out tours in Europe and North America, the guys appeared on VH1 and graced the cover of Classic Rock Magazine who labeled Fortress, “The best thing they’ve ever done,” while Eddie Trunk called it, “A top 10 album of the last 10 years.” When it came time to write new music, the musicians collectively raised the bar yet again.
“Every time we do a record, my only goal is for people to simply think it’s better than the previous one,” declares Mark. “We pushed ourselves so hard last time, and we knew were going to push ourselves much harder here. When we brought material in, it had to outdo Fortress.”
“We always strive for that,” agrees Myles. “While recognizing where we’ve come from, we wanted to expand what Alter Bridge is. This record is definitely an exploration of the hero theme—whether it be the lack of heroes, the need for heroes, or a tribute to heroes. There’s a story in there.”
Myles wrapped up touring with Slash, and Mark finished up a successful run supporting his second solo album Cauterize in late 2015. By January 2016, the four members congregated back in Orlando with longtime producer Michael “Elvis” Baskette [Slash, Trivium]. Over the next four months, they diligently assembled and tracked the 13 songs comprising The Last Hero.
“Because we have very finite windows of time to put these records together, it’s nonstop when we regroup,” explains Myles. “Each writer is very involved.”
“We’d work all day in the studio, and Myles and I would go back to my house and come up with ideas all night,” recalls Mark. “We set up camp in my kids’ playroom with a Garage Band system to prepare for the next day. It was intense.”
Constantly progressing, the boys decided to employ some fresh techniques, utilize more alternate tunings and even recorded on a seven-string guitar for the first time.
“We don’t want to put out the same thing over and over again,” Tremonti continues. “We want to keep everyone guessing. There are three new tunings, and that helped keep us inspired. I’d never recorded on a seven-string until now. This is the first record where Myles planned out his solos beforehand. In the past, he would wing it with this magical, improvisational touch. What he did is amazing. Me and Slash have both said he’s the best guitar player in our bands.”
“We weren’t afraid to travel certain roads we might’ve been hesitant to venture down on the last two albums,” adds Myles. “As a result, some of the songs are more uplifting and melodic. There was certainly a psychological shift. We embraced the past. You hear elements of each record throughout our history.”
The Last Hero opens with the urgent, untamed, and undeniable “Show Me A Leader.” Following an intricate clean intro, the song gallops into a rapturous chant punctuated by fierce and fiery seven-string shredding. It’s a clarion call for the next phase of Alter Bridge.
“Lyrically, it definitely reflects the frustration a lot of people are feeling with the current state of the world,” admits Myles. “The world is looking for trustworthy effective leadership and not this undignified dog and pony show that’s really made a mockery of our system.”
“It’s indicative of our process,” Mark goes on. “Myles had this guitar intro that I loved, and I had the chorus. We put them together. The words call out for a proper leader.”
“My Champion” climbs from a swell of delay into an impressive guitar lick before Myles delivers one of the most spirited choruses of their career to date. “The lyric was actually inspired by thinking back to my situation as a kid,” he remembers. “I was this really small, underdeveloped kid who had to work extremely hard to keep up with all of my peers. It was very frustrating. I would hear a lot of words of encouragement from parents, coaches, or teachers though. A lot of those things were stored away, and they manifested themselves in this song. I’ve been able to apply some of those concepts in my life a thousand times over since then.”
Then, there’s “Poison in Your Veins,” which channels an airy refrain through a whirlwind of guitar Sturm und Drang. “This song showcases the inner dialogue in one’s head; serving as reminder to live life courageously, take chances, and ultimately believe in yourself. It’s not a new theme for us, but definitely one that can never be overstated," explains Myles.
Tremonti adds: “We wanted to make it as musically interesting as possible, while preserving a hook.”
“Losing Patience” tempers a bombastic drum groove with an ominous and poignant proclamation, while the ballad “You Will Be Remembered” evinces another side of the sound. “It’s a tribute to heroes like anybody who’s served the country or community,” Myles remarks. “The song touches on the ultimate sacrifice soldiers, police, and firemen are willing to give.”
Nearing seven minutes, the title track and finale ebbs and flows between hypnotic heaviness and an instrumental elegance that’s cinematic in scope. “That’s probably my favorite track,” he states. “Whether it’s today, 100 years ago, or 1,000 years ago, being a human on this planet is never easy. We’re going through a lot. The need for heroes, positive influences, and good leadership is obvious, but we definitely need it right now.”
“Fans love the epic side of Alter Bridge,” Mark says. “We tried to stretch the boundaries again. The arrangement isn’t typical at all. It’s an important moment for the record.”
Ultimately, Alter Bridge heroically deliver for fans worldwide and rock music at large.
“It’s good to be back in the Alter Bridge battle,” Myles leaves off. “Every time we do a record, I’m reminded of how great it is to have this passionate and loyal audience. We don’t take it lightly. We consider it an honor that people let us into their lives that way.”