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Acrylique sur papier, 173 x 123 cm, 1969, Tate modern, Londres.
Sans titre est une grande peinture sur papier représentant deux rectangles dans des tons de brun différents. Le rectangle inférieur, plus clair, montre les traits horizontaux d'un pinceau large, tandis que le rectangle supérieur contient des marques verticales dans un ton plus profond, appliquées avec un pinceau plus sec. Ces deux champs sont séparés par une fine ligne horizontale pâle. Les formes remplissent presque le cadre et sont bordées uniquement par une bordure blanche de papier non peint, qui a été découverte lorsque le ruban adhésif qui fixait le papier à une planche pendant la peinture a été soulevé.
L'artiste expressionniste abstrait Mark Rothko est surtout connu, aux côtés de ses compatriotes américains Barnett Newman et Clyfford Still, comme un pionnier de la peinture sur champs colorés. Ce mouvement se caractérise par des compositions simplifiées formées de formes géométriques aux couleurs ininterrompues. Bien qu'il ait travaillé dans des teintes vibrantes lors de ses premiers travaux, réalisés à la fin des années 1940, la palette est ensuite devenue plus sourde et sombre. En 1968, Rothko souffrit d'un anévrisme de l'aorte et, sur avis médical, commença à travailler à plus petite échelle, ce qui précipita de nombreuses œuvres sur papier et une nouvelle réduction de la forme et de la palette. Dans les toiles antérieures, des zones rectangulaires de couleur planaient sur des champs saturés de pigments, tandis que dans les peintures sur papier, comme Sans titre 1969, les rectangles devenaient le fond lui-même, tandis que le bord blanc du papier servait à souligner à la fois la planéité de la surface et à suggérer la possibilité de profondeur (cf. Tate).
Peinture à l'huile et peinture acrylique sur toile, 267 x 241 cm, 1958, Tate modern, Londres.
Black on Maroon est une grande peinture à l’huile non encadrée sur une toile rectangulaire orientée verticalement. La couleur de base du tableau est un marron foncé. Comme le suggère le titre de l’œuvre, celui-ci est recouvert d’un grand rectangle noir, qui à son tour entoure deux étroits rectangles marron, suggérant une structure en forme de fenêtre. La peinture noire forme un bloc de couleur solide mais les bords sont estompés, se fondant dans les zones marron. Différents pigments ont été utilisés dans le marron, mélangeant des nuances de couleur pourpre et sang de bœuf. Ce ton changeant donne une impression de profondeur dans une composition par ailleurs abstraite.
Black on Maroon a été peint par l'artiste expressionniste abstrait Mark Rothko. Il est surtout connu, aux côtés de ses compatriotes américains Barnett Newman et Robert Motherwell, comme un pionnier de la peinture sur champs colorés. Le mouvement était caractérisé par des compositions simplifiées de couleurs ininterrompues, qui produisaient un plan d'image plat. Noir sur marron a été peint sur une seule feuille de toile de coton en coton étroitement tendue. La toile a été apprêtée avec une couche de base de peinture marron à base de pigments en poudre mélangés à de la colle de peau de lapin. La colle contenue dans la peinture rétrécit en séchant, donnant à la surface du tableau son fini mat. Sur la base, Rothko a ajouté une deuxième couche qu'il a ensuite grattée pour laisser une fine couche de couleur. La peinture noire a ensuite été ajoutée par coups de pinceau rapides et interrompus, à l’aide d’un gros pinceau de décorateur commercial. Avec de larges gestes de balayage, Rothko étala la peinture sur la surface de la toile, brouillant les bords entre les blocs de couleur, créant une impression de mouvement et de profondeur.
Au début de 1958, Rothko fut chargé de peindre une série de peintures murales pour le restaurant exclusif Four Seasons du Seagram Building à New York, conçu par Mies van der Rohe et Philip Johnson. Rothko était intéressé par la possibilité de disposer d'un cadre durable pour que ses peintures soient considérées comme un groupe. Il souhaitait créer un environnement englobant du genre de celui qu’il avait rencontré en visitant le vestibule de Michel-Ange à la Bibliothèque Laurentienne à Florence en 1950 et de nouveau en 1959 :
"J’ai été très influencé inconsciemment par les murs de Michel-Ange dans la salle des escaliers de la Bibliothèque Médicis de Florence. Il a obtenu exactement le genre de sentiment que je recherche : il donne aux spectateurs le sentiment d’être enfermés dans une pièce où toutes les portes et fenêtres sont murées, de sorte qu’ils ne peuvent que se cogner la tête pour toujours contre le mur.
(Cité dans Breslin 2012, p.400).
Rothko a commencé à travailler sur la commande Seagram dans un nouveau grand studio, ce qui lui a permis de simuler la salle à manger privée du restaurant. Entre 1958 et 1959, Rothko créa trois séries de peintures, mais n'était pas satisfait de la première et vendit ces peintures sous forme de panneaux individuels. Dans les deuxième et troisième séries, Rothko a expérimenté diverses permutations du cadre de fenêtre flottant et s'est orienté vers une palette de couleurs plus sombres, pour contrer la perception selon laquelle son travail était décoratif. Noir sur Marron appartient à la troisième série, dans laquelle les blocs de couleur au sein des œuvres étaient devenus plus définis. Au moment où Rothko avait terminé ces travaux, il avait développé des doutes quant à la pertinence du cadre du restaurant, ce qui l'a conduit à se retirer de la commande. Cependant, ce groupe d’œuvres est toujours appelé "Seagram Murals".
Les œuvres ont été exposées lors de la rétrospective de Rothko en 1961 à la Whitechapel Art Gallery de Londres et, en 1965, Norman Reid, alors directeur de la Tate, a contacté Rothko pour étendre sa représentation dans la collection de la galerie. Rothko a suggéré qu'un groupe de peintures des « "Seagram Murals" soit exposé dans une salle dédiée. Le premier don de Rothko, le premier Noir sur Marron de 1958 eut lieu en 1968. L'année suivante, Reid fournit à Rothko une petite maquette en carton de l'espace désigné de la galerie pour finaliser sa sélection et proposer un accrochage. Rothko a ensuite fait don de huit autres peintures en 1969, dont celle-ci, et parmi ces huit, quatre sont intitulées Noir sur Marron et quatre Rouges sur Marron (cf. Tate).
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Mark Rothko American, born Russia ( now Latvia). 1903 - 1970
No. 16 (Red, Brown, and Black) 1958
Oil on canvas
Mrs. Simon Guggenheim Fund, 1959
In 1943, Rothko, with his friend the painter Adolph Gottlieb, wrote several philosophical statements that would continue to guide his painting for years to come: “We favor the simple expression of the complex thought. We are for the large shape because it has the impact of the unequivocal. We wish to reassert the picture plane. We are for flat forms because they destroy illusion and reveal truth.” The scale and surface of this painting reflect these ideas. Rothko abandoned traditional Renaissance three-point perspective, which conceives of the canvas as a window onto another world. Multiple glazes of dark pigments of varying opacity result in a picture surface that seems flat yet quivers and vibrates, offering a sense of atmospheric depth. Rothko hoped that these compositional strategies would invite visual and emotional contemplation, creating the conditions for silence and reflection.
From the Placard: MoMA Museum of Modern Art, New York, NY
Abstract expressionism art piece by Mark Rothko. Moody and depressing but love his work – I could stare at them forever
I made the Rothko cookies that were originally on Pixel Whisk. I did not like the way the cookies wound up baking (the dough kept cracking when I rolled it out) but I loved the "painting" on the fondant. This was the first time I worked with fondant and it was a lot easier than I expected. I used the Wilton premade fondant instead of trying to make it myself.
inflated plastic, now deflated and cotton flock, done at the time that rothko was making work like this, the real time comment, the plasticity, and the formal quality, plus the weird touchstone of pop, where if one is being totally earnest, or totally mocking or both at the same time becomes a game of three card monte---the chapter on this work in abstract painting in canada is completely inadequate.
Huile sur toile, 191 x 215 cm, 1944, Moma, New York.
Tourbillon lent au bord de la mer (Slow Swirl at the Edge of the Sea) représente deux créatures dansant entre mer et ciel, entourées d'arabesques, de spirales et de rayures. Les formes "n’ont aucune association directe avec une expérience visible particulière, mais on y reconnaît le principe et la passion des organismes", a déclaré Rothko. Pour lui, l'art était "une aventure dans un monde inconnu". Comme les surréalistes avant lui, l'artiste a regardé à l’intérieur, dans son propre inconscient, pour trouver l’inspiration et le matériau de son travail (cf. Moma).
Mark Rothko is one of my favorite painters. His use of color and space keeps me always interested.
Walking at the harbour of Oslo I happened to see this. Sometimes old things get beautiful.
This was shot on the plane during my trip to New York in August. There was a storm in the air and this specific cloud kept shooting bolts of lightning during the sunset.
This photo reminds me of Mark Rothko's paintings, hence the name.
Peinture acrylique, à l'huile avec colle tempera et pigment sur toile, 267 x 381 cm, 1958, Tate modern, Londres.
Noir sur marron est une grande peinture à l’huile non encadrée sur une toile rectangulaire orientée horizontalement. La couleur de base du tableau est un marron foncé. Celui-ci est recouvert d’un grand rectangle noir, qui à son tour entoure deux rectangles marron verticaux plus minces, suggérant une structure en forme de fenêtre. La peinture noire forme un bloc de couleur solide mais les bords sont flous, se fondant dans les zones marron. Différents pigments ont été utilisés dans le marron, mélangeant la couleur d'un vin profond à un mauve sourd avec des accents de rouge. Ce ton changeant donne une impression de profondeur dans une composition par ailleurs abstraite.
L'artiste expressionniste abstrait Mark Rothko est surtout connu, aux côtés de ses compatriotes américains Barnett Newman et Robert Motherwell, comme un pionnier de la peinture sur champs colorés. Le mouvement était caractérisé par des compositions simplifiées de couleurs ininterrompues, qui produisaient un plan d'image plat. Noir sur marron a été peint sur une seule feuille de toile de coton étroitement tendue, apprêtée avec une couche de base de peinture marron à base de pigments en poudre mélangés à de la colle de peau de lapin. La colle contenue dans la peinture rétrécit en séchant, donnant à la surface du tableau son fini mat. Sur la base, Rothko a ajouté une deuxième couche qu'il a ensuite grattée pour laisser une fine couche de couleur. La peinture noire a ensuite été ajoutée par coups de pinceau rapides et interrompus, à l’aide d’un gros pinceau de décorateur commercial. Avec de larges gestes de balayage, Rothko étala la peinture sur la surface de la toile, brouillant les bords entre les blocs de couleur, créant une impression de mouvement et de profondeur. Des accents de peinture acrylique rouge ont été appliqués sur le coin inférieur gauche. Avec le temps, ceux-ci sont devenus plus apparents à mesure que les pigments de la partie marron de la toile se sont estompés à des rythmes différents.
Au début de 1958, Rothko fut chargé de peindre une série de peintures murales pour le restaurant exclusif Four Seasons du Seagram Building à New York, conçu par Mies van der Rohe et Philip Johnson. Rothko était intéressé par la possibilité de disposer d'un cadre durable pour que ses peintures soient considérées comme un groupe. Il souhaitait créer un environnement englobant du genre de celui qu’il avait rencontré en visitant le vestibule de Michel-Ange à la Bibliothèque Laurentienne à Florence en 1950 et de nouveau en 1959 :
"J’ai été très influencé inconsciemment par les murs de Michel-Ange dans la salle des escaliers de la Bibliothèque Médicis de Florence. Il a obtenu exactement le genre de sentiment que je recherche : il donne aux spectateurs le sentiment d’être enfermés dans une pièce où toutes les portes et fenêtres sont murées, de sorte qu’ils ne peuvent que se cogner la tête pour toujours contre le mur" (cité dans Breslin 2012). Rothko a commencé à travailler sur la commande Seagram dans un nouveau grand studio, ce qui lui a permis de simuler la salle à manger privée du restaurant. Entre 1958 et 1959, Rothko créa trois séries de peintures, mais n'était pas satisfait de la première et vendit ces peintures sous forme de panneaux individuels. Dans les deuxième et troisième séries, Rothko a expérimenté diverses permutations du cadre de fenêtre flottant et s'est orienté vers une palette de couleurs plus sombres, pour contrer la perception selon laquelle son travail était décoratif.
Noir sur marron appartient à la deuxième série. Au moment où Rothko avait terminé ces travaux, il développait des doutes quant à la pertinence du cadre du restaurant, ce qui l'a conduit à se retirer de la commande. Cependant, ce groupe d’œuvres est toujours appelé "Seagram Murals".
Les œuvres ont été exposées lors de la rétrospective de Rothko en 1961 à la Whitechapel Art Gallery de Londres et en 1965, Norman Reid, alors directeur de la Tate, a contacté Rothko pour étendre sa représentation dans la collection de la galerie. Rothko a suggéré qu'un groupe de peintures des "Seagram Murals" soit exposé dans une salle dédiée. Noir sur marron a été le premier tableau à être donné en 1968, bien qu'il soit connu sous le nom d'Esquisse pour "Mural N° 6" ou Two Openings in Black Over Wine. L'année suivante, Reid fournit à Rothko une petite maquette en carton de l'espace désigné de la galerie pour finaliser sa sélection et proposer un accrochage. Rothko a ensuite fait don de huit autres peintures et le titre de Noir sur marron a été aligné sur le reste de l'œuvre, dont quatre également intitulés Black on Maroon et quatre Red on Maroon ce qui est maintenant communément appelé la "salle Rothko" (cf. Tate).
Aquarelle, gouache et encre indienne sur papier, 100 x 66 cm, avril 1946, Guggenheim museum, New York.
A la fin des années 1930 et au début des années 1940, Mark Rothko, comme William Baziotes, Adolph Gottlieb et Theodoros Stamos, combinaient des thèmes mythiques avec des images primordiales afin d'exprimer des expériences universelles. Dans son œuvre de cette période, des formes biomorphiques évanescentes flottent dans une brume atmosphérique. Ressemblant à des formes de vie rudimentaires ou à des plantes et créatures subaquatiques primitives, ces formes sont destinées à fournir un équivalent visible d'images logées dans le subconscient. Bien qu’il s’appuie principalement sur ses sensations les plus intimes, Rothko s’est également tourné vers l’art antérieur. L'exemple de Joan Miró est évoqué dans Sacrifice dans la ligne pointillée, la flamme, le personnage amorphe en bas à gauche et les vrilles filiformes et sinueuses.
Des allusions figuratives et littéraires, bien que déguisées, persistent ici. Les éléments architecturaux contrastent avec les formes aquatiques et le milieu nébuleux : les registres horizontaux s'articulent comme des moulures, comme dans une huile sans titre de Rothko de 1939-40, dans laquelle une frise de visages apparaît entre une corniche ondulante et deux gradins ornementaux. Le titre peut être inspiré par l’intérêt de Rothko pour la tragédie grecque et par l’examen de ses origines par Friedrich Nietzsche. Malgré la persistance de ces références, les images ouvertement figuratives ont disparu, signalant une évolution vers l’abstraction complète du style mature de Rothko. Dans son zonage horizontal, sa texture nuageuse et ses contours flous, Sacrifice anticipe ses peintures de champs de couleurs caractéristiques et pleinement évoluées (cf. Lucy Flint, Guggenheim museum).