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The poster reproduces No. 14, Mark Rothko’s 1960 painting done in oil on canvas, part of the collection of the San Francisco Museum of Modern Art bordered in white above the words “Mark Rothko San Francisco Museum of Modern Art.” Professionally framed in black wood and glass, it measures 39 X 29 inches.
You can sit back and gaze appreciatively at it to get in the proper spiritual frame of mind and soul before making a pilgrimage to the Rothko Chapel on Houston.* And, for no extra charge, you can use it to hide unsightly blemishes on your wall.
All artists develop a signature style. Mark Rothko's struck me when I saw Penelope's Pussy (the black one) laying on a deflated air-bed. Whilst inspiration had left the air-bed, it nevertheless filled me.
Collage of various photo's of Rothko paintings taken during the Rothko exposition at the "Gemeentemuseum Den Haag, Netherlands"
I am always on the lookout for Rothkoesque images, preferably two blocks of colour separated by a black line. This image was captured in the back of a trade's ute. The ute was blue and had a blue floor in the tray - the bottom block of colour. A (silver) tool box made of the typical industrial steel was secured to the floor. The tool box steel reflected the colour of the floor, and the join became the black line. This image becomes one of my favourites.
Mea culpa, mea cupla, mea maxima culpa..
Visit this location at Archdiocese of Lepanto & Mater Dolorosa Cathedral Church in Second Life
Acrylique sur toile, 203 x 175 cm, 1969-1970, Guggenheim museum, New York.
Avec des peintures telles que Sans titre, Mark Rothko a atteint son langage mature et explorera le potentiel expressif des champs rectangulaires empilés de couleurs lumineuses. Comme d’autres artistes de l’école de New York, il a utilisé des moyens abstraits pour exprimer des émotions humaines universelles, s’efforçant sincèrement de créer un art d’une intensité impressionnante pour un monde laïc.
Afin d'expliquer le pouvoir de ses toiles, certains historiens de l'art ont cité leur similitude de composition avec la peinture de paysage romantique et la décoration d'autel chrétien. Anna Chave suggère que l’intérêt précoce de Rothko pour l’iconographie religieuse est à la base de ses travaux ultérieurs. Elle voit une référence à une Vierge à l'enfant dans Sans titre, œuvre apparemment abstraite qui s'est développée à partir des fantasmes biologiques surréalistes qu'il peignait au début des années 1940. Pour Chave, ces peintures matures englobent métaphoriquement le cycle de la vie du berceau à la tombe, abritant en partie une référence oblique aux adorations et aux mises au tombeau. Les rectangles empilés peuvent être lus verticalement comme une Vierge abstraite divisée en deux par des divisions horizontales qui indiquent le Christ couché.
Même sans l’argument de Chave, il est clair que Rothko espérait exploiter la grandeur de la peinture religieuse. Les principes de frontalité et d'imagerie iconique dans ses œuvres de maturité sont communs aux retables traditionnels, et les deux formats ont des dimensions et des proportions similaires. Souvent plus grandes qu’un être humain, les toiles de Rothko inspirent le genre d’émerveillement et de révérence traditionnellement associé à la peinture monumentale religieuse ou paysagère.
Ce sont ces voiles euphoriques de couleurs pures et diaphanes de Rothko qui ont amené les critiques à le féliciter comme un sensualiste et un coloriste, ce qui l’a peiné parce qu’il croyait que ses champions avaient perdu de vue ses intentions sérieuses. Pour lui, les toiles mettaient en scène une violente bataille d’opposés : vertical contre horizontal, couleur chaude contre froid, en invoquant les conflits existentiels de la modernité. Les Peintures noires, commencées un an avant le suicide de l’artiste, confirment sa conviction selon laquelle son œuvre englobait la tragédie. La désolation de toiles telles que Sans titre (Noir sur gris), vidées de leurs couleurs et étouffées par une bordure blanche, plutôt que de suggérer les formes flottantes ou les couches voilées de ses œuvres antérieures, indiquent que, comme il l'affirmait, ses peintures sont la mort (cf. Jennifer Bénédiction, Guggenheim museum).