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BOVINO ABERDEEN ANGUS COLORADO ~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~
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Bos taurus taurus Linnaeus, 1758
Orden: Artiodactyla Owen, 1848 (Artiodáctilos) ....
Familia: Bovidae Gray, 1821 (Bóvidos = Bovinos) ..... subfamilia: Bovinae Gray, 1821
Desde la creación del libro genealógico del Aberdeen Angus, en 1862, se han venido registrando los animales de ambas capas, sin distinción, y de esta manera lo hacen hasta el día de hoy la mayoría de los registros del mundo, aunque por mucho tiempo los ejemplares de manto negro eran los preferidos, sobre los que exhibían en el pelaje al gen recesivo rojizo.
Pero en el Libro genealógico de la American Aberdeen Angus se detuvo el registro de los terneros rojos a partir de 1917, lo que llevó a que los nacimientos de ejemplares rojos ha llegado a ser muy poco frecuente en la población Angus negra estadounidense. Desde 1945 algunos pocos ganaderos fueron seleccionando a los esos pocos terneros rojos, para fijar este color, el que le aporta ventajas en tolerancia al calor, y la posibilidad de cruzar con otras razas de color rojo sin introducir el gen dominante negro.
En 1954, la "Red Angus Association of America" fue fundada, con sede en Sheridan, Wyoming.
Hoy, esta raza es muy popular en EEUU, Australia, Argentina, etc.
La VARIEDAD COLORADA fue introducida en la Argentina en 1890, por los coroneles británicos Charles M. Knight y Monthif Porteous.
Se caracteriza por su bello manto de tonos castaños en variados matices, desde el más oscuro, hasta el rufo anaranjado o rojizo.
Dado que el color negro es dominante sobre el colorado, aunque éste no se exprese, permanece en el genotipo de todos los Aberdeen-Angus.
En los últimos años se nota un fuerte crecimiento de esta variedad, en desmedro de la variedad Negra, pues el pelaje de los animales de este último color se calienta, al estar expuesto al sol, muchos grados más que el de los ejemplares colorados, generándoles un mayor estrés térmico en las regiones de clima cálido.
Una segunda ventaja es la posibilidad de cruzarla con otras razas de color rojo sin introducir el gen dominante negro.
Otro factor decisivo para este cambio de paradigma es el hecho de que los insectos hematófagos (en especial la dañina mosca de los cuernos) prefieren posarse sobre pelajes el color negro.
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El Aberdeen-Angus es una raza bovina productora de carne autóctona de Escocia.
Alrededor del año 1500, en los condados escoceses de Aberdeen y Forfar (parte del cual era conocido como Angus), se comprobó la existencia de un tipo de ganado vacuno rústico, mocho, y de pelajes negro y colorado, con notables atributos productivos, al que se lo llamaba "Angus doddies".
En 1862 se publicó por primera vez el Polled Cattle Herd Book, es decir el registro genealógico para la hacienda mocha.
Los primeros cuatro tomos incluían, conjuntamente y sin distinción de negro o colorado, a los animales Aberdeen-Angus (reconocida oficialmente como raza en 1867), y Galloway, pero más tarde, los criadores de esta última raza adquirieron la sección correspondiente a sus animales, separándose ambos registros.
En 1879 fue fundada en Gran Bretaña la entidad que reúne, desde entonces, a los criadores de Angus de ese país: "The Aberdeen-Angus Cattle Society", aunque primeramente se llamó: "Polled Cattle Society".
El éxito de la raza se debe, en gran medida, al “pionero” Hugh Watson, de Keillor (Angus), al “constructor” William McCombie, de Tillyfour (Aberdeen), y al “perfeccionador” Sir George MacPherson-Grant, de Ballindalloch (Banff).
El trabajo de estos tres pioneros abarcó un siglo, pues Watson inició sus actividades en 1808, y MacPherson-Grant murió en 1907.
Las cualidades carniceras del Aberdeen-Angus fueron reconocidas en infinidad de exposiciones y concursos como la mejor del mundo.
Así, por ejemplo, participó en el prestigioso Smithfield Show desde 1891 hasta 1955.
De los 333 campeones en distintas categorías, 158 fueron Aberdeen-Angus puros, y 107 cruza Angus, mientras que Shorthorn ganó 40, Galloway 14, Hereford 9, Devon 4 y Welsh Black 1.
A esto hay que sumarle que los criadores preferían las vacas Aberdeen-Angus con manchas blancas en las ubres, pues las consideraban buenas lecheras.
Prueba de ello fue que la raza participó en la Exposición Lechera de Londres hasta 1914.
Hoy en día la raza está ampliamente difundida en Gran Bretaña, Irlanda, Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Argentina, Uruguay, Portugal, y en el resto de los países ganaderos del mundo.
Es muy importante en Gran Bretaña, la Argentina, y en los Estados Unidos, donde es la raza más popular, con 324.266 animales de pedigrí registrados.
"Aberdeen-Angus" es el nombre de origen de la progenie desarrollada en Escocia, y sigue usándose en el Reino Unido, la Argentina, y en el Uruguay.
En el actual mundo ganadero de EE. UU. es conocida simplemente como "Angus", o "Black Angus" (Angus negro).
Cabe aclarar que en este último país (entre otros) las dos variedades poseen libros de pedigree separados, ya que se las trata como dos razas distintas.
El Aberdeen Angus se caracteriza por su sobresaliente fertilidad y aptitud materna, gran precocidad sexual y productiva, alta capacidad de crecimiento y excelente rendimiento al gancho con carne de insuperable calidad.
El peso del ternero al nacer es de, aproximadamente, 33 Kg.
La hembra adulta tiene una altura a la cruz de entre 125 a 140 cm, y su peso varía entre los 550 y 700 kg.
Llega a la madurez sexual a los 15 meses.
El macho adulto posee una altura a la cruz de entre 135-150 cm, y su peso varía entre los 900 y 1000 kg.
Ninguno de los dos sexos posee cornamenta.
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DESARROLLO EN LA ARGENTINA:
En 1879, el hacendado don Carlos Guerrero fue el primer argentino en introducir al país animales de la variedad NEGRA de la raza Aberdeen-Angus, puros con pedigree inscripto en el Herd Book inglés:
fueron el toro “Virtuoso” y las vaquillonas “Aunt Lee” y “Cinderella”.
Más tarde le siguieron importaciones realizadas por Roth, Grant, Ritchie, Villanueva, Brown, Sauze, Hogg, Unanue, Urquiza y muchos otros.
Un gran impulso para la raza significó la fundación, el 18 de septiembre de 1920, de la Corporación Argentina de Aberdeen-Angus (hoy, Asociación Argentina de Angus), que tiene como objetivo principal promover las variedades negra y colorada.
Los ejemplares de pedigree son inscriptos en el Herd Book Argentino desde 1901.
La Asociación Argentina de AnGus tiene su sede en la calle Cerviño 4449 5° Piso, CP 1425, de la ciudad de Buenos Aires.
Hoy, más de la mitad de los 55 millones de bovinos argentinos lleva sangre Angus (tanto en zonas templadas como en condiciones menos benignas), donde demuestra su increíble adaptabilidad a diferentes climas, calidades forrajeras y sistemas productivos.
En la Argentina, la raza Angus presenta valores intermedios de “frame score”, dadas las características del mercado local de producción de animales de tamaño corporal moderado (referencia asociada con los mejores niveles de eficiencia en materia de fertilidad y capacidad de crecimiento bajo regímenes de explotación extensiva).
Con estos valores se ofrecen excelentes terneros de destete, y animales listos para la faena con 420 kilos de peso promedio.
Los países vecinos, especialmente Brasil y Paraguay, incorporan regularmente a sus rodeos genética Angus argentina, reconocida por su excelente calidad y prestigio, que resultan un valioso aporte destinado a mejorar los niveles cualitativos y cuantitativos de la producción de carne bovina en todo el mundo.
(6 de marzo de 2009)
Theobald, Departamento Constitución, provincia de Santa Fe, ARGENTINA
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La rocca Sanvitale, nota anche come castello di Fontanellato, è una fortezza situata nell'omonimo paese in provincia di Parma. Domina il centro abitato di Fontanellato e si caratterizza per il profondo fossato d'acqua, che la circonda completamente.
La storia dell'edificazione della rocca Sanvitale può essere fatta risalire all'anno 1124, quando venne eretta una prima torre di difesa.
Nel 1386 le terre di Fontanellato, con la relativa rocca, vennero cedute ai Sanvitale.
Nel 1404, al feudo fu conferito il rango di contea: fu in tale periodo che il castello divenne una residenza signorile di notevole prestigio. La rocca appartenne alla famiglia Sanvitale fino al 1948, anno in cui Giovanni Sanvitale la vendette all'amministrazione comunale.
The Rocca Sanvitale, or Sanvitale Castle, is a fortress residence located in the centre of the town of Fontanellato, near Parma, northern Italy. Construction of the moated block, accessible through a drawbridge, was begun in the 13th century, mostly completed by 15th century, with embellishments continuing through to the 18th century. It is prototypical of the urban castle-houses of the turbulent medieval communes of Northern Italy. Until the 1930s it was the home of the descendants of the Count of Sanvitale.
The crenelated walls and asymmetric towers are surrounded by an arcaded town. Adjacent to the castle are gardens and a courtyard. The optical chamber (camera ottica) has an optical system in place that projects to an inside wall a view of the town through mirrors and a prism. Rocca Sanvitale is now partly a museum and partly offices and conference hall for the town administration.
ENGLISH
The promoter Campo Volantín S.L. was the Company that extracted to contest the construction of a bridge that was saving the river Nervión not far from the emplacement where there is located today the prestigious Museum Guggenheim, in Bilbao, work of another recognized architect of international prestige, Frank O. Gehry.
The principal characteristic of the above mentioned project was consisting also of the fact that the bridge would have to be the sufficiently high thing as to stop to go on to the ships under his underpass. Santiago Calatrava, which gained the project, designed an impressive gangplank thanks to the great parabolic arch of steel that inclined and unfolded it crosses the gangplank across.
The arch of steel, with a circular section of 50 cm. Of thickness, it reaches a final height of 15 meters. The gangplank, with a total length of 75 meters, rises up to 8.5 meters of height with regard to his tide to open way to the ships under his underpass.
Two ramps of access in two sections of 2 meters of width each one and with a slope of 7 %, save the high difference that offers the gangplank her to cross of a side to other one. A few cables tightened of 30 mm. Of diameter they anchor to the arch of a white immaculate color for the sustenance of the surprising gangplank.
The architect endowed to this pedestrian gangplank of modern and innovative design by means of the employment a material of precious colorations, the translucent glass, and that together with the artificial lighting by means of a few areas lodged under the board, produce every night the visual only and authentic spectacular spectacle.
SPANISH
La promotora Campo Volantín S.L. fue la Empresa que sacó a concurso la construcción de un puente que salvase el río Nervión no lejos del emplazamiento donde se encuentra ubicado hoy día el prestigioso Museo Guggenheim, en Bilbao, obra de otro reconocido arquitecto de prestigio internacional, Frank O. Gehry.
La característica principal de dicho proyecto consistía también en que el puente tendría que ser lo suficientemente alto como para dejar pasar a los barcos bajo su paso inferior. Santiago Calatrava, que ganó el proyecto, diseñó una pasarela sobrecogedora gracias al gran arco parabólico de acero que inclinado y desdoblado cruza la pasarela de un lado a otro.
El arco de acero, con una sección circular de 50 cm. de espesor, alcanza una altura final de 15 metros. La pasarela, con una longitud total de 75 metros, se eleva a 8.5 metros de altura con respecto a su pleamar para dejar paso a los barcos bajo su paso inferior.
Dos rampas de acceso en dos tramos de 2 metros de ancho cada una y con una pendiente del 7%, salvan el alto desnivel que ofrece la pasarela para cruzarla de un lado al otro. Unos cables tensados de 30 mm. de diámetro se anclan al arco de un color blanco inmaculado para el sustento de la sorprendente pasarela.
El arquitecto dotó a esta pasarela peatonal de diseño moderno e innovador mediante el empleo un material de preciosas coloraciones, el vidrio translúcido, y que junto con la iluminación artificial mediante unos focos alojados bajo el tablero, producen cada noche un espectáculo visual único y auténticamente espectacular.
Copyright © José Miguel Hernández Hernández
L'església de l'antiga colegiata i canònica de Sant Vicenç de Cardona ha estat objecte d'un estudi profund des dels inicis del segle XX, quan el conegut i prestigiós arquitecte català Lluís Domènech i Montaner, va realitzar una primera catalogació del romànic a Catalunya, i va classificar la colegiata de Sant Vicenç com a exemple i prototip del que va considerar com a primer moviment romànic a Catalunya. Des de llavors l'església ha estat coneguda internacionalment i és fàcil trobar treballs i estudis sobre ella en llibres editats a l'estranger, assenyalant com a arquetip de construcció romànica per la senzillesa de les seves línies i arcs, l'absència de decoració interior i la simetria amb la qual compte la seva distribució interior. Es tracta d'una església de planta basilical de tres naus, encapçalades per un creuer molt poc sobresortint i tres absis semicirculars. Un ampli presbiteri precedeix l'absis central, sobre elevat del nivell de la resta de la nau per l'existència d'un semi-soterrani en forma de cripta, situada sota ell.
La iglesia de la antigua colegiata y canónica de Sant Vicenç de Cardona ha sido objeto de un estudio profundo desde los inicios del siglo XX, cuando el conocido y prestigioso arquitecto catalán Lluís Domènech i Montaner, realizó una primera catalogación del románico en Cataluña, y clasificó la colegiata de Sant Vicenç como ejemplo y prototipo de lo que consideró como primer movimiento románico en cataluña. Desde entonces la iglesia ha sido conocida internacionalmente y es fácil encontrar trabajos y estudios sobre ella en libros editados en el extranjero, señalándola como arquetipo de construcción románica por la sencillez de sus líneas y arcos, la ausencia de decoración interior y la simetría con la que cuenta su distribución interior. Se trata de una iglesia de planta basilical de tres naves, encabezadas por un crucero muy poco sobresaliente y tres ábsides semicirculares. Un amplio presbiterio precede al ábside central, sobre elevado del nivel del resto de la nave por la existencia de un semi-sotano en forma de cripta, situada bajo él.
Francesco del Cossa (Ferrara, 1436 - Bologna, 1478) - Madonna and Child Enthroned between Saints Petronius and John the Evangelist adored by the client Alberto Cattani. (Merchants' Altarpiece) (c. 1474) tempera on canvas 227.2x26 cm. - National Gallery of Bologna
Deluso dai magri compensi ricevuti dal duca Borso d’Este per gli affreschi del Salone dei Mesi di Palazzo Schifanoia, a Ferrara, nel marzo del 1470, con un moto di orgoglio e con una lucida consapevolezza dei propri meriti, abbandona la città estense per trasferirsi a Bologna dove spera di ricevere maggiore riconoscimento.
Qui si apre per lui un’intensa stagione lavorativa contrassegnata da commissioni di grande prestigio come questo dipinto, meglio conosciuto come Pala dei Mercanti dal Palazzo della Mercanzia di Bologna, per cui fu eseguito.
In questa opera Francesco del Cossa attenua gli eccessi dello stile bizzarro e tagliente tipico della pittura ferrarese a vantaggio di una maggiore monumentalità delle figure, contribuendo ad aggiornare sulle novità rinascimentali l’ambiente pittorico bolognese.
Rappresenta la Vergine in trono col Bambino, accompagnata da san Petronio, patrono di Bologna in abiti vescovili e con in mano il modellino della città e da san Giovanni Evangelista, assorto nella lettura del Vangelo.
I santi sono identificati anche dalle due scritte in lettere capitali romane, incise sull’architrave.
In basso compare, in prospettiva, la firma dell’artista, mentre sul gradino del trono, insieme alla data 1474 si leggono i nomi dei due committenti, Domenico Amorini e Alberto Cattani, che appare ritratto di profilo e in scala ridotta, dietro al San Petronio. Sopra il muro che fa da sfondo è rappresentata la scena dell’Annunciazione.
Disappointed by the meager remuneration he received from Duke Borso d'Este for the frescoes in the Salone dei Mesi in Palazzo Schifanoia, Ferrara, in March 1470, with a surge of pride and a lucid awareness of his own merits, he left the Este city for Bologna, where he hoped to receive greater recognition.
Here opened for him an intense season of work marked by prestigious commissions such as this painting, better known as Pala dei Mercanti from the Palazzo della Mercanzia in Bologna, for which it was executed.
In this work Francesco del Cossa toned down the excesses of the bizarre and sharp style typical of Ferrara painting in favor of a greater monumentality of the figures, helping to bring the Bolognese painting milieu up to date with Renaissance innovations.
It depicts the enthroned Virgin and Child, accompanied by Saint Petronius, patron saint of Bologna in bishop's robes and holding a model of the city, and Saint John the Evangelist, absorbed in reading the Gospel.
The saints are also identified by the two inscriptions in Roman capital letters, engraved on the architrave.
At the bottom appears, in perspective, the artist's signature, while on the throne step, along with the date 1474, are the names of the two patrons, Domenico Amorini and Alberto Cattani, who appears portrayed in profile and on a smaller scale, behind the Saint Petronius. Above the wall that forms the background is the scene of the Annunciation.
SANTA MARÍA ASSUMPTA
Una de las atracciones más populares de Positano. Ésta iglesia fascina a los visitantes por su bella arquitectura y antiguo arte religioso.
Una cúpula central revestida de azulejos amarillos, verdes y azules de mayólica hacen de la iglesia de Santa María Assunta uno de los lugares más característicos de Positano. Esta estructura del siglo X se construyó donde yació una antigua abadía benedictina dedicada a San Vito, el santo patrón de Positano.
La Iglesia de Santa María Assunta en Positano solía ser un gran ejemplo del arte medieval, cuya historia estaba profundamente ligada al monasterio benedictino de Santa María. Según la leyenda, el monasterio fue erigido en honor a un icono bizantino que representa a la Virgen María, que aún es venerado por los lugareños.
La abadía tuvo cierto prestigio hasta la primera mitad del siglo XV, cuando el último abad benedictino Antonio Acciappaccia di Sorrento y sus monjes, cansados de ser asaltados por violentos saqueadores provenientes de la costa de Cilento , abandonaron el monasterio.
Unos años más tarde la iglesia fue asignada a Nicola Miroballi, abad comendatario y más tarde nombrado arzobispo de Amalfi . Salvo algunas excepciones, la "época de los abades comendadores" fue en general fatídica: a pesar de las obras de restauración realizadas a principios del siglo XVII, la iglesia fue quedando en ruinas. El clero local privó de su poder al último abad comendatario, Liborio Marra, e inició las verdaderas obras de restauración en 1777. Las obras terminaron finalmente en 1783, y el icono de la Virgen fue coronado con una corona de oro.
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La rocca Sanvitale, nota anche come castello di Fontanellato, è una fortezza situata nell'omonimo paese in provincia di Parma. Domina il centro abitato di Fontanellato e si caratterizza per il profondo fossato d'acqua, che la circonda completamente.
La storia dell'edificazione della rocca Sanvitale può essere fatta risalire all'anno 1124, quando venne eretta una prima torre di difesa.
Nel 1386 le terre di Fontanellato, con la relativa rocca, vennero cedute ai Sanvitale.
Nel 1404, al feudo fu conferito il rango di contea: fu in tale periodo che il castello divenne una residenza signorile di notevole prestigio. La rocca appartenne alla famiglia Sanvitale fino al 1948, anno in cui Giovanni Sanvitale la vendette all'amministrazione comunale.
The Rocca Sanvitale, or Sanvitale Castle, is a fortress residence located in the centre of the town of Fontanellato, near Parma, northern Italy. Construction of the moated block, accessible through a drawbridge, was begun in the 13th century, mostly completed by 15th century, with embellishments continuing through to the 18th century. It is prototypical of the urban castle-houses of the turbulent medieval communes of Northern Italy. Until the 1930s it was the home of the descendants of the Count of Sanvitale.
The crenelated walls and asymmetric towers are surrounded by an arcaded town. Adjacent to the castle are gardens and a courtyard. The optical chamber (camera ottica) has an optical system in place that projects to an inside wall a view of the town through mirrors and a prism. Rocca Sanvitale is now partly a museum and partly offices and conference hall for the town administration.
Tōeizan Kan'ei-ji Endon-in (東叡山寛永寺円頓院) (also spelled Kan'eiji or Kaneiji) is a Tendai Buddhist temple in Tokyo, Japan, founded in 1625 during the Kan'ei era by Tenkai, in an attempt to emulate the powerful religious center Enryaku-ji, in Kyoto. The main object of worship is Yakushirurikō Nyorai (薬師瑠璃光如来).
It was named in a reference both to the Enryaku-ji's location atop Mount Hiei (Tōeizan means "Mount Hiei of the East"), and also after the era during which it was erected, like Enryaku-ji (named after the Enryaku year period). Because it was one of the two Tokugawa bodaiji (funeral temple; the other was Zōjō-ji) and because it was destroyed in the closing days of the war that put an end to the Tokugawa shogunate, it is inextricably linked to the Tokugawa shōguns.
Once a great complex, it used to occupy the entire heights north and east of Shinobazu Pond and the plains where Ueno Station now stands. It had immense wealth, power and prestige, and it once consisted of over 30 buildings. Of the 15 Tokugawa shōguns, six are buried here.
Many temple structures were destroyed in the great Meireki fire of 1657. A new hall was constructed inside the enclosure of Kan'ei-ji in 1698. The temple and its numerous annexes were almost completely destroyed during the Boshin War's Battle of Ueno and never restored. Much of the site where it once stood was confiscated and is now occupied by Ueno Park.
What is today the temple's main hall was taken from Kita-in in Kawagoe (Saitama Prefecture) and transferred to the site of a former Kan'ei-ji subtemple. Kan'ei-ji's five-story pagoda and the Ueno Tōshō-gū shrine were amongst the gems of the old temple enclosure. Both stand undisturbed by the passage of years since the end of the Tokugawa shogunate.
The Shinobazu Pond itself and the Bentendō Temple which stands on its island used to be an integral part of Kan'ei-ji. Tenkai, liking Lake Biwa, had Benten Island built in imitation of Chikubushima, and then the Bentendō on it. At the time the island was accessible only by boat, but later a stone bridge was added on the east, making it possible to walk to it. The Bentendō Temple was destroyed during World War II, and the present one is a reconstruction.
Kan'ei-ji - Wikipedia
Tōeizan Kan'ei-ji Endon-in (東 叡 山 寛 永 寺 円 頓 院) (también escrito Kan'eiji o Kaneiji) es un templo budista Tendai en Tokio, Japón, fundado en 1625 durante la era Kan'ei por Tenkai, en un intento de emular al poderoso centro religioso Enryaku-ji, en Kioto. El principal objeto de adoración es Yakushirurikō Nyorai (薬 師 瑠 璃 光 如 来).
Se nombró en referencia tanto a la ubicación de Enryaku-ji en la cima del monte Hiei (Tōeizan significa "Monte Hiei del este"), y también después de la era durante la cual se erigió, como Enryaku-ji (llamado así por el período del año Enryaku ). Debido a que fue uno de los dos Tokugawa bodaiji (templo funerario; el otro fue Zōjō-ji) y debido a que fue destruido en los últimos días de la guerra que puso fin al shogunato Tokugawa, está indisolublemente ligado a los shōguns Tokugawa.
Una vez fue un gran complejo, solía ocupar todas las alturas al norte y al este del estanque Shinobazu y las llanuras donde ahora se encuentra la estación Ueno. Tenía una inmensa riqueza, poder y prestigio, y estuvo formado por más de 30 edificios. De los 15 shōguns Tokugawa, seis están enterrados aquí.
Muchas estructuras de templos fueron destruidas en el gran incendio de Meireki de 1657. Se construyó una nueva sala dentro del recinto de Kan'ei-ji en 1698. El templo y sus numerosos anexos fueron destruidos casi por completo durante la batalla de Ueno durante la Guerra Boshin y nunca fueron restaurados. . Gran parte del sitio donde una vez estuvo fue confiscado y ahora está ocupado por el Parque Ueno.
Lo que es hoy el salón principal del templo fue tomado de Kita-in en Kawagoe (Prefectura de Saitama) y trasladado al sitio de un antiguo subtemplo de Kan'ei-ji. La pagoda de cinco pisos de Kan'ei-ji y el santuario Ueno Tōshō-gū se encontraban entre las gemas del antiguo recinto del templo. Ambos permanecen impasibles por el paso de los años desde el fin del shogunato Tokugawa.
El estanque Shinobazu y el templo Bentendō que se encuentra en su isla solían ser una parte integral de Kan'ei-ji. Tenkai, al igual que el lago Biwa, hizo construir la isla Benten a imitación de Chikubushima, y luego el Bentendō en ella. En ese momento, solo se podía acceder a la isla en barco, pero más tarde se agregó un puente de piedra en el este, lo que permitió caminar hasta ella. El templo de Bentendō fue destruido durante la Segunda Guerra Mundial, y el actual es una reconstrucción.
Chevrolet fue fundada el 3 de noviembre de 1911 por iniciativa del piloto de carreras suizo-francés Louis Chevrolet, en colaboración con el ingeniero francés Ettienne Planche y más tarde con el empresario William C. Durant, quien estuvo a cargo de la financiación del proyecto. La compañía había nacido como la Chevrolet Motor Car Company y su fundación fue la estrategia más eficaz planteada por Durant para retomar la conducción de la General Motors, de la cual fue expulsado en 1910 luego de su primera gran crisis financiera.
Tras la toma del control de la General Motors por parte de los organismos financieros, William C. Durant (quien no tenía el más mínimo conocimiento de mecánica, ni mucho menos estaba interesado en llevarla a la práctica) en su afán de querer recuperar su negocio perdido y viendo un gran futuro en la venta de automóviles, decidió invertir parte de su fortuna en la creación de una nueva marca de coches, con la cual poder recuperar lo que alguna vez fue suyo. Por su parte, Louis Chevrolet era un piloto suizo de carreras que había desembarcado en Estados Unidos y se había alistado en competencias de automovilismo, presentándose a correr principalmente con vehículos de la marca Buick perteneciente a General Motors. Estas competencias, animaron a Chevrolet a ser el creador de sus propios coches, para lo cual se alió con el ingeniero francés Ettienne Planche. Sin embargo, el capital monetario para financiar el proyecto no fue el suficiente como para que el mismo pueda emerger. Por tal motivo, ambos terminaron topándose con William C. Durant, quien les proveyó el apoyo financiero para la creación de la firma, además de mantener la idea inicial de utilizar el nombre de Chevrolet para bautizar a la compañía. Sin embargo, a pesar de bautizar a la firma con su nombre, Louis Chevrolet nunca pudo ser en sí su propietario, ya que la mayoría de las acciones quedaron en poder de Durant, dejándole a Louis un paquete minoritario.
El logo de Chevrolet surgió cuando Durant estaba en París en un viaje de negocios, y durante su estadía en un hotel parisino, observó que los decorados de las paredes de su habitación presentaban un extraño dibujo que mostraba un cuadrado mezclado con un paralelogramo, formando una inusual figura geométrica. Aquel dibujo captó fuertemente la atención de Durant, por lo que arrancó un trozo de ese decorado y se lo guardó en la billetera con el fin de poder implementarla a futuro en una nueva marca de automóviles. La primera vez que Chevrolet usó su logo "bowtie" fue en 1913.
El equipo inició sus acciones el 3 de noviembre de 1911, presentando como primera unidad el modelo Chevrolet Classic Six, un sedán que se presentó como novedad en el mercado, por la implementación de un motor de 6 cilindros en línea el cual fue considerado una rareza, ya que hasta ese momento se habían fabricado unidades con un máximo de 4 cilindros en línea. Pero lo que parecía que iba a ser una sociedad perfecta, terminó convirtiéndose en un verdadero conflicto que repercutió en los intereses de ambos socios. Por un lado, Chevrolet pretendió que sus coches sean reconocidos por su velocidad y su desempeño en competencias deportivas. Por el otro, Durant pretendió crear un vehículo más conservador, popular y accesible a todo el mundo. La crisis estalló luego de la adquisición por parte de Durant de la Little Motor Car Company, una pequeña empresa de automóviles de bajo consumo que había entrado en quiebra. De esa forma, la participación de Durant en la Chevrolet Motor Car Company aumentó considerablemente, lo que le permitió llevar adelante su deseo personal del coche popular. Con los pequeños motores de la Little, Durant comenzó a desarrollar su coche sobre la base del Chevrolet Classic Six. Sin embargo, la primera oposición la obtuvo de manera sorpresiva por parte de su mismísimo socio Louis Chevrolet, quien no quiso que su marca perdiese prestigio con este desarrollo. Ante esta actitud, Durant le sugirió la salida de la sociedad, ofreciéndole la compra de sus acciones. La transacción se realizó por una suma considerablemente baja, siendo que dichas acciones valdrían varios millones de dólares unos años más tarde.
Tras la salida de Louis Chevrolet de la Chevrolet Motor Car Company, Durant continuó con la expansión de la empresa manteniendo el nombre de la misma, ya que consideraba que su fonética afrancesada era un atractivo para el público y que al mismo tiempo le brindaba publicidad gratuita a costillas de su exsocio. Su plan comenzó presentando el modelo Chevrolet 490, un automóvil de bajo costo desarrollado con uno de los motores adquiridos a la Little Motor Car, y que se presentó como el primer oponente del urbano Ford T. La nomenclatura dada a este coche, tuvo que ver con el precio original con el que fue lanzado el modelo, ya que en ese entonces el Ford T valía 495 dólares, por lo que Durant redujo a 5 dólares el precio de ese coche para vender el suyo. La expansión que consiguió la Chevrolet Motor Car Company, permitió que William Durant vuelva a posicionarse dentro del mercado, de una forma tal que consiguió retomar el control de la General Motors, fusionando a Chevrolet con esta otra y convirtiéndola en la Chevrolet Division de la General Motors. El éxito en ventas de la marca, hizo de Chevrolet la marca más representativa de la GM y la terminó convirtiendo con el correr del tiempo en la marca más vendida del siglo XX.
A todo esto, Louis Chevrolet continuaría con su idea de crear una marca de automóviles que se destaque por su prestigio deportivo. Con el dinero cobrado de la venta de sus acciones en la Chevrolet Motor Car, se asoció con su hermano Gastón Chevrolet, junto a quien creó la marca Frontenac, marca tomada de una bicicleta creada por Louis durante sus tiempos de vida en Suiza. Louis obtendría un marcado éxito como preparador, mientras que su hermano se destacaría al volante de sus unidades, siendo buenos rivales para marcas de la talla de Buick, Cadillac u Oldsmobile (curiosamente, todas marcas que respondían a la GM de Durant). Unos años más tarde Chevrolet recurriría nada más ni nada menos que a Henry Ford, con quien llegaría a un acuerdo para la producción en los talleres de Frontenac de nuevos cabezales para los motores de los Ford T. Ford aceptaría la propuesta de Chevrolet, logrando reacondicionar a su modelo con los cabezales provistos por Frontenac. A su vez, Chevrolet obtendría el permiso de parte de Ford para equipar a sus coches de competición con los renovados motores de Ford T, desarrollando los llamados Fronty-Fords (apócope de Frontenac + Ford). Con esta unidad, Gaston Chevrolet obtendría una victoria en las 24 horas de Daytona. Sin embargo, una serie de crisis financieras que tuvieran su pico en la Gran Depresión del año '29, derrumbarían el sueño de Louis, haciendo que la marca Frontenac, junto a otras marcas pequeñas, entren en la completa ruina. Para subsistir, Louis terminaría volviendo a General Motors, para pedir un puesto como obrero dentro de la fábrica. Ante esta situación, General Motors (afortunadamente para él, ya sin Durant al frente y con Pierre S. Dupont como presidente), le terminaría otorgando esta "ayuda", colocándolo como obrero dentro de las fábricas de la misma marca que llevara su apellido. Sin embargo, a pesar de haber trabajado muy duro dentro de ella, las muertes de sus hermanos Gastón y Arthur, sumados a sus deudas financieras, terminarían resquebrajando su salud, muriendo finalmente en 1941 en una completa pobreza y olvidado.
William Durant finalmente tendría un final similar, cuando en 1920 nuevamente volvía a poner a GM al borde de la quiebra, lo que le valió nuevamente la expulsión de la compañía, pero esta vez de manera definitiva. Ya no contaba con su cuantiosa fortuna familiar, la cual había sido derrochada en la creación de estas empresas y tratando de adquirir nuevas firmas para poder reinstalarse en el mercado. Sus maniobras bursátiles ya no surtían efecto, por lo que terminaría en la ruina, muriendo en el año 1947 y sufriendo el mismo final que su exsocio Louis Chevrolet, de cuya desgracia financiera fue uno de los principales responsables . (Wikipedia).
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Apulian red-figure krater (ca. 330 B.C. - ca. 310 B.C.) - clay (orange-hazelnut engobe, potter's wheel, black paint) height 64 cm; diameter 33.9 cm Museo Poldi Pezzoli, Milan
Il vaso, modellato al tornio con anse e piede lavorati separatamente, si presenta ricomposto da numerosi e minuti frammenti con integrazioni in gesso ridipinte per mascherare l’incollaggio. Il cratere ha significative proporzioni secondo una consuetudine che si affermò nell’ultimo periodo della produzione apula, quando la grandezza dell’esemplare esprimeva il prestigio del defunto, così come la complessa e articolata decorazione a carattere mitico-funerario che si sviluppa su tutta la superficie del vaso. Gli importanti rimaneggiamenti dovuti al restauro hanno in parte ‘frainteso’ e compromesso la scena originale, sebbene rappresentino un’efficace testimonianza degli interventi che venivano eseguiti sui vasi nell’800 e 900, non sempre da specialisti. L’elemento floreale, richiamo a una sorta di paradeison ultramondano, è molto ben presente su tutto il vaso; il collo è decorato con un intreccio di girali da cui sorge un Eros alato e da un serto di alloro chiuso da rosetta. Sotto le anse, secondo la consuetudine, sono raffigurati palmette e girali. I mascheroni plastici presenti sulle anse sono probabilmente interpretabili come divinità infere o di passaggio. Sul lato A in un naiskos, monumento funebre con colonne ioniche e frontone, vi è raffigurato un Eros su cavallo nudo e dall’aspetto androgino. L’unione dell’elemento maschile a quello femminile simboleggiava una vera e propria mescolanza fisica, il principio di ogni cosa. Eros presenta una lunga chioma nera, una corona di perle, la bandoliera, monili alla coscia e alle braccia; è dotato inoltre di grandi ali aperte (l’ala che risulta dietro è stata chiaramente ridipinta nella parte terminale). Il cavallo, fortemente ridipinto, rivolge la testa all’indietro verso Eros. A causa della mancata comprensione del soggetto da parte del restauratore novecentesco, è stato dipinto un secondo muso di cavallo. All’esterno dell’edificio sono raffigurate due offerenti di grandi proporzioni, vestite di chitone, adorne di collana e corona radiata, che tengono nella mano un serto e un grappolo d’uva. Il lato B presenta una grande testa femminile di profilo rivolta verso sinistra. I capelli sono raccolti in una cuffia (sakkos) decorata da cui escono il ciuffo, coronato da una stephane radiata, e tre boccoli sulle tempie. È dotata di una ricca parure: un orecchino pendente e una collana a più file di sfere. Davanti e dietro alla testa tralci e fiori. Il soggetto della testa femminile isolata è molto diffuso nell’ultima produzione apula, a cui si ascrive questo pezzo, una sorta di ritratto della defunta a cui si augurava beatitudine nell’aldilà.
The vase, modeled on the potter's wheel with the handles and foot worked separately, has been reassembled from numerous small fragments with plaster additions repainted to disguise the gluing. The krater has significant proportions according to a custom that was affirmed in the last period of Apulian production, when the size of the exemplar expressed the prestige of the deceased, as well as the complex and articulated decoration of mythical-funny character that is developed over the entire surface of the vase. The important rearrangements due to the restoration have in part "misunderstood" and compromised the original scene, although they represent an effective testimony of the interventions that were carried out on the vases in the 19th and 20th centuries, not always by specialists. The floral element, a reminder of a sort of ultramundane paradeison, is very much present throughout the vase; the neck is decorated with an interweaving of whorls from which rises a winged Eros and a laurel wreath closed by a rosette. Under the handles, according to the custom, are depicted palmettes and spirals. The plastic masks on the handles are probably interpretable as deities of the underworld or passage. On side A in a naiskos, a funerary monument with Ionic columns and pediment, there is depicted an Eros on a naked horse and with an androgynous appearance. The union of the male and female elements symbolized a real physical mixture, the principle of everything. Eros has a long black hair, a crown of pearls, a bandolier, jewels on his thigh and arms; he also has large open wings (the wing behind has been clearly repainted at the end). The horse, heavily repainted, turns its head backward toward Eros. Due to the lack of understanding of the subject by the twentieth-century restorer, a second horse snout has been painted. On the outside of the building are depicted two offerers of large proportions, dressed in chiton, adorned with a necklace and radiated crown, holding in their hands a wreath and a bunch of grapes. Side B features a large female head in profile facing left. The hair is gathered in a cap (sakkos) decorated from which come out the topknot, crowned with a radiated stephane, and three ringlets on the temples. It is equipped with a rich parure: a pendant earring and a necklace with several rows of spheres. In front and behind the head are vines and flowers. The subject of the isolated female head is very common in the last Apulian production, to which this piece is ascribed, a sort of portrait of the deceased to whom one wished bliss in the afterlife.
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Web Ranelagh: Parque Eva Hajduk
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Parque Eva hajduk Ranelagh, Buenos Aires, Argentina
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La localidad debe su nombre a la estación ferroviaria, cuya denominación en 1911, nace con la habilitación del Ferrocarril del sud. A cien años de su fundación, la estación de Ranelagh es un emblema para sus pobladores.
Rodeado de jardines, espacios arbolados con altas riquezas botánicas y un belo entorno natural, el parque de la estación, en memoria de su dama pionera lleva el nombre de Eva Hadjuk.
Se destaca "Roberto DeVicenzo", maestro del golf y de la humandad, conocido en el mundo entero, quien a través de sus logros internacionales, llena de orgullo y representación a todos los vecinos.
La fundación del "Ranelagh golf club" en 1922, marca el camino del creciiento y es sinónimo de prestigio en la localidad.
Un cordial saludo a todos los vecinos que hacen que Ranelagh sea tan bello gustavo
En esta casa nació el 12 de Abril en 1933-2018 La soprano de prestigio internacional, Montserrat Caballé i folch
Venancio Blanco es un escultor contemporáneo de reconocido prestigio nacional e internacional. Nació en 1923 en Matilla de los Caños del Río (Salamanca). Estudió en la Escuela Elemental de Trabajo y en la de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Salamanca. De 1943 a 1948 cursó estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Desde 1977 es miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1981 fue nombrado director de la Academia Española de Bellas Artes en Roma y pertenece también a la Pontificia e Insigne Academia Artística dei Virtuosi al Panteón de Roma, Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla, Real Academia de Córdoba de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes, y Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción de Valladolid.
Venancio Blanco est un sculpteur contemporain de prestige national et international reconnu. Né en 1923 à Matilla de los Canos del Rio (Salamanque). Il a étudié à l'école primaire du Travail et des Arts Appliqués et des Métiers à Salamanque. De 1943 à 1948, il a étudié à l'Ecole des Beaux-Arts de San Fernando à Madrid. Depuis 1977, il est membre de l'Académie Royale des Beaux-Arts de San Fernando. En 1981, il a été nommé directeur de l'Académie espagnole des Beaux-Arts de Rome et appartient aussi à la Pontificale et Insigne Académie Art dei Virtuosi au Panthéon, l'Académie royale des Beaux-Arts de Sainte Elisabeth de Hongrie à Séville, Académie royale des sciences de Cordoue , belles lettres et arts nobles et Académie des Beaux Arts de l'Immaculée Conception de Valladolid.
Venancio Blanco is a contemporary sculptor of recognized national and international prestige. He born in 1923 in Matilla de los Canos del Rio (Salamanca). He studied at the Elementary School of Labor and the Applied Arts and Crafts in Salamanca. From 1943 to 1948 he studied at the School of Fine Arts of San Fernando in Madrid. Since 1977 he is member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando. In 1981 he was appointed director of the Spanish Academy of Fine Arts in Rome and also belongs to the Pontifical and Insigne Academy Art dei Virtuosi at the Pantheon, Royal Academy of Fine Arts of St. Elizabeth of Hungary in Seville, Royal Academy of Cordoba Science , Beautiful Letters and Noble Arts and Academy of Fine Arts of the Immaculate Conception of Valladolid.
Venancio Blanco is a contemporary sculptor of recognized national and international prestige. He born in 1923 in Matilla de los Canos del Rio (Salamanca). He studied at the Elementary School of Labor and the Applied Arts and Crafts in Salamanca. From 1943 to 1948 he studied at the School of Fine Arts of San Fernando in Madrid. Since 1977 he is member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando. In 1981 he was appointed director of the Spanish Academy of Fine Arts in Rome and also belongs to the Pontifical and Insigne Academy Art dei Virtuosi at the Pantheon, Royal Academy of Fine Arts of St. Elizabeth of Hungary in Seville, Royal Academy of Cordoba Science , Beautiful Letters and Noble Arts and Academy of Fine Arts of the Immaculate Conception of Valladolid.
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KDD València grup Amics de la Càmera 18-04-2010
CAT:
La Llotja de la Seda, Llotja de València o Llotja de Mercaders és un edifici civil d'estil gòtic valencià tardà de la ciutat de València, construït entre el 1482 i el 1548. Si hi ha un edifici que simbolitze la puixança i la riquesa del segle d'or valencià (segle XV), aquest és sens dubte la Llotja. És una mostra de l'abast de la revolució comercial durant la Baixa Edat Mitjana, del desenvolupament social i del prestigi aconseguit per la burgesia valenciana.
ESP:
La Lonja de la Seda de València o Lonja de los Mercaderes es una obra maestra del gótico civil valenciano situada en el centro histórico de la ciudad de València. Declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, se encuentra situada en la Plaza del Mercado, número 31, frente a la Iglesia de los Santos Juanes y del Mercado Central de València.
Fue construida entre 1482 y 1548, y su primer constructor fue Pere Compte entre los años 1483 y 1498 sobre el modelo de la Lonja de Palma de Mallorca, constituyéndose en un edificio emblemático de la riqueza del siglo de oro valenciano (siglo XV) y muestra de la revolución comercial durante la Baja Edad Media, del desarrollo social y del prestigio conseguido por la burguesía valenciana.
ENG:
The Llotja de la Seda (English: Silk Exchange; Spanish: Lonja de la Seda) in València is a late Valencian Gothic style civil building, built between 1482 and 1548, and one of the principal tourist attractions in the city. The UNESCO considered it as a World Heritage Site in 1996 since "the site is of outstanding universal value as it is a wholly exceptional example of a secular building in late Gothic style, which dramatically illustrates the power and wealth of one of the great Mediterranean mercantile cities.
Pachacútec sembrando la semilla del imperio Inca .
Pachacútec sowing the seed of the Inca empire.
De/From:
- Wikipedia:
- www.geni.com/people/Pachac%C3%BAtec-IX-Inca-Yupanqui-El-q...
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Pachacutec, del quechua: Pacha Kutiy Inqa Yupanki; "Inca del cambio del rumbo de la tierra, digno de estima"-
.
Noveno Inca, también fue llamado "El Reformador". General valiente y hábil político, transformó el estado inca de un simple curacazgo a un gran imperio: el Tahuantinsuyo.
Nació en el palacio de Cusicancha, como hijo del Inca Wiracocha (Huiracocha o Viracocha) y Mama Runtu Caya.
Se dice que Pachacútec fue recomendado a Wiracocha por los nobles como el más capaz de sus hijos para tomar la mascapaicha cuando éste muriese, pero según las crónicas, Wiracocha se había encariñado tanto con Inca Urco que siempre lo prefería ante cualquier otra persona. Aunque no había sido designado como sucesor por su padre Wiracocha Inca, dirigió una defensa militar ante el belicoso ejército Chanca mientras que éste y su hijo Inca Urco habían huido del señorío. La victoria sobre los chancas hizo que Wiracocha Inca lo reconociera como su sucesor alrededor de 1438.
Como parte de su visión de estadista y caudillo guerrero, conquistó muchas etnias y estados, destacando su conquista del Collao que acrecentó el prestigio de los incas y particularmente de Pachacútec, quien por la notable expansión de sus dominios fue considerado un excepcional líder, dando vida a historias épicas e himnos gloriosos en tributo a sus hazañas. Numerosos curacas no dudaban en reconocer sus destrezas e identificarlo como "hijo del Sol". Mientras aún vivía, su hijo y sucesor Túpac Yupanqui derrotó al señorío Chimú y continuó con la expansión del Tahuantinsuyo. Además de conquistador, guerrero y emperador, diversas crónicas afirman que fue también un gran administrador, planificador, filósofo, observador de la psicología humana y carismático general.
Pachacútec es el primer inca del cual se encuentran referencias históricas que corroboran su existencia; por cual, es reconocido como el "primer inca histórico" y con él, se inicia el Período Imperial o de Expansión de los Incas. Sin embargo, la relevancia de su figura y legado, así como el de su denominación, lleva a pensar a varios estudiosos que tiene una importancia mucho mayor que la de solo un personaje, llegando a representar el inicio de toda una época de transición y reestructuración para la sociedad inca, etapa de cambios que continuaría posterior a su muerte en 1471, por su hijo Túpac Yupanqui y su nieto Huayna Cápac.
El gobierno del inca Pachacútec se extendió entre 1438 y 1471. Fue un gobierno de grandes conquistas territoriales y muchos lo consideran el organizador definitivo del Imperio Incaico.
Antes de la derrota de los Chancas se le conocía con el nombre de Inca Yupanqui y posteriormente se le llamó Pachacútec, que significa "el que transforma la tierra". Se dice que fue hijo del inca Huiracocha y de Mama Runtu Caya, quienes lo educaron para ser un gran inca, a pesar de que su padre había designado a su hijo Urco para sucederlo en el trono. Pero las hazañas del príncipe Pachacútec lo llevaron a convertirse en el noveno Inca. Lo sucedió su hijo Túpac Yupanqui.
El jesuita Bernabé Cobo, a mediados del siglo XVII, condensaba: "Fue este rey el más valiente y guerrero de todos los incas, porque él ordenó la república con el concierto de leyes y estatutos que guardó todo el tiempo que duró de entonces a la venida de los españoles".
Su educación la inició con su ayo Mircoymana y la continuó en el Yachayhuasi. A su egreso mostraba un sólida formación en sus modales y pensamientos. Comenzó su reinado con gran beneplácito, el mismo día que se ciño la mascapaicha se casó con Mama Anahuarque.
Pachacutec eliminó a los Chancas, los enroló en sus ejércitos; mientras él pacificaba la comarca Ayacuchana su hermano el General Cápac Yupanqui era enviado a conquistar la costa del mar, sometiendo a los curacas de cada curacargo al reinado del Cusco.
Este Rey, embelleció el Cusco, reedificó el Inticanca colmándolo de riquezas y cambió su nombre por el de Coricancha, la inauguración fue fastuosa como justo homenaje a una obra de arte. La definitiva organización del Incario se le debe a Pachacutec en opinión de la mayoría de historiadores y lo sindican como un gran Legislador.
Anciano con un gran Imperio y cantidad de hijos varones, co-reinó con su primogénito Amaru Yupanqui habido con la Coya Mama Anahuarque, que obligó al padre pedirle abdicara en favor de su hermano Túpac Yupanqui el cual había permanecido encerrado en el Coricancha por espacio de 16 años.
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Pachacuti Inca Yupanqui or Pachacutec (in hispanicized spellings) or Pachakutiq Inka Yupanki (Quechua) was the ninth Sapa Inca (1438–1471/1472) of the Kingdom of Cusco which he transformed into the Inca Empire (Tawantinsuyu). Most archaeologists now believe that the famous Inca site of Machu Picchu was built as an estate for Pachacuti.
In Quechua Pachakutiq means "he who overturns space and time", and Yupanki means "with honor". During his reign, Cusco grew from a hamlet into an empire that could compete with, and eventually overtake, the Chimú. He began an era of conquest that, within three generations, expanded the Inca dominion from the valley of Cusco to nearly the whole of western South America.
He was the ninth ruler of the Inca state who, from ruling a simple chiefdom came to rule a great empire, the Tawantinsuyu. Although he had not been designated as successor by his father Viracocha Inca, he led a military defense against the warlike army of Chanka while his father and his brother Urco Inca fled the manor. The victory over the Chankas made Inca Viracocha recognize him as his successor around 1438.
As part of his vision of a statesman and warrior chieftain he conquered many ethnic groups and states, highlighting his conquest of the Collao that enhanced the prestige of the Inca Pachacutec. Due to the remarkable expansion of their domains he was considered an exceptional leader, enlivening glorious epic stories and hymns in tribute to his achievements. Numerous kurakas do not hesitate to recognize his skills and identify him as "son of the Sun".
He conquered the provinces of Colla-Suyu and Chinchay-Suyu. Along with his sons, Tupac Ayar Manco (or Amaru Tupac Inca), and Apu Paucar Usnu, he defeated the Collas. Additionally, he left garrisons in subjugated lands
Pachacuti, son of Inca Viracocha, was the fourth of the Hanan dynasty. His wife's name was Mama Anahuarqui, or Quya Anawarkhi (Coya Anahurque). He had three sons, Tupac Ayar Manco, Apu Paucar, and Tupac Inca Yupanqui.
Pacachuti had his two brothers, Ccapac Yupanqui and Huayana Yupanqui, killed after the military campaign against the province of Chinchay-Suyu. He also killed his sons Tilca Yupanqui and Auqui Yupanqui.
Amaru, the older son, was originally chosen to be co-regent and eventual successor. Pachacuti later chose Tupac Inca because Amaru was not a warrior. He was also the first one to retire.
Pachacuti's given name was Cusi Yupanqui and he was not supposed to succeed his father Inca Viracocha who had appointed his brother Urco as crown prince. However in the midst of an invasion of Cuzco by the Chankas, the Incas' traditional tribal archenemies, Pachacuti had a real opportunity to demonstrate his talent. While his father and brother fled the scene, Pachacuti rallied the army and prepared for a desperate defense of his homeland. In the resulting battle, the Chankas were defeated so severely that legend tells even the stones rose up to fight on Pachacuti's side. Thus "The Earth Shaker" won the support of his people and the recognition of his father as crown prince after the death of Urco.
Pachacuti rebuilt much of Cusco, designing it to serve the needs of an imperial city and as a representation of the empire. Each suyu had a sector of the city, centering on the road leading to that province; nobles and immigrants lived in the sector corresponding to their origin. Each sector was further divided into areas for the hanan (upper) and hurin (lower) moieties. Many of the most renowned monuments around Cuzco, such as the great sun temple Qurikancha, were rebuilt during Pachacuti's reign.[3]:66–69,75
Despite his political and military talents, Pachacuti did not improve the system of succession. His son became the next Inca without any known dispute after Pachacuti died in 1471 due to a terminal illness, but in future generations, the next Inca had to gain control of the empire by winning enough support from the apos, priesthood, and military to win a civil war or intimidate anyone else from trying to wrest control of the empire.
Pachacuti is also credited with having displaced hundreds of thousands in massive programs of relocation and resettling them to colonize the most remote edges of his empire. These forced colonists were called mitimaes and represented the lowest place in the Incan social hierarchy. The Incan imperial government was highly authoritative and repressive.
He sent his son Tupac Inca Yupanqui an army to repeat his conquests and tyranny, and extend his realm to Quito. Pachacuti then built irrigating channels, cultivated terraces, made roads and hospices. The Road of the Inca stretched from Quito to Chile.
Pachacuti was a poet and the author of the Sacred Hymns of the Situa city purification ceremony. Pedro Sarmiento de Gamboa attributed one song to Pachacuti on his deathbed "I was born as a lily in the garden, and like the lily I grew, as my age advanced / I became old and had to die, and so I withered and died."
Palazzo della Pilotta - Galleria nazionale di Parma.
Il museo espone, tra le altre, opere di Beato Angelico, Canaletto, Correggio, Guercino, Leonardo da Vinci, Parmigianino, Sebastiano del Piombo e Tintoretto.
La collezione parmense venne iniziata nel Rinascimento ad opera della famiglia Farnese (papa Paolo III e il cardinale Alessandro); nel 1734 Carlo di Borbone fece trasferire a Napoli la ricca collezione.
Prima del trasferimento a Napoli, la collezione era suddivisa tra Palazzo Farnese a Roma, Villa Farnese di Caprarola e Palazzo del Giardino di Parma.
Elisabetta Farnese riuscì a far assegnare il ducato di Parma al figlio Filippo che, conscio dell'importanza dell'arte per il prestigio del Casato, proibì l'alienazione della Madonna di San Gerolamo del Correggio.
Filippo fece aprire anche un'accademia di belle arti nel 1752 e istituì una quadreria con relativa borsa di studio per l'istruzione di giovani artisti.
I duchi compiono scavi nel Ducato e arricchiscono la collezione di arte greco-romana.
Nel 1760 con doni, acquisizioni, opere degli accademici e restituzioni da Napoli e Caserta, iniziò a formarsi la galleria a Parma.
Il figlio Ferdinando nel 1787 acquista la collezione di un nobile composta da quadri gotici toscani.
Durante il periodo in cui Parma fu governata dai francesi (1803-1814) le opere vennero trasportate a Parigi come oggetto delle spoliazioni napoleoniche.
Esse saranno restituite solo parzialmente nel 1816.
Nello stesso anno il governo passò alla Duchessa Maria Luigia che fece riordinare le collezioni nel Palazzo della Pilotta e fece costruire il salone che porta il suo nome.
La Rocchetta viene destinata ai dipinti del Correggio nel 1825.
Nella prima metà dell'Ottocento Maria Luigia acquista molte raccolte nobiliari affinché non si disperdano.
Pilotta Palace - National Gallery of Parma.
The museum exhibits, among others, works by Beato Angelico, Canaletto, Correggio, Guercino, Leonardo da Vinci, Parmigianino, Sebastiano del Piombo and Tintoretto.
The Parma collection was started in the Renaissance by the Farnese family (Pope Paul III and Cardinal Alessandro); in 1734 Charles of Bourbon had the rich collection transferred to Naples.
Before the move to Naples, the collection was divided between Palazzo Farnese in Rome, Villa Farnese in Caprarola and Palazzo del Giardino in Parma.
Elisabetta Farnese managed to have the Duchy of Parma assigned to her son Filippo who, aware of the importance of art for the prestige of the House, prohibited the sale of the Madonna of San Gerolamo by Correggio.
Philip also opened an academy of fine arts in 1752 and established a picture gallery with related scholarships for the education of young artists.
The dukes carried out excavations in the Duchy and enriched the collection of Greco-Roman art.
In 1760, with gifts, acquisitions, works by academics and restitutions from Naples and Caserta, the gallery in Parma began to form.
In 1787, his son Ferdinando purchased a nobleman's collection of Tuscan Gothic paintings.
During the period in which Parma was governed by the French (1803-1814) the works were transported to Paris as objects of Napoleonic plundering.
They will be returned only partially in 1816.
In the same year the government passed to Duchess Maria Luigia who had the collections reorganized in the Palazzo della Pilotta and built the hall that bears her name.
La Rocchetta was used for Correggio's paintings in 1825.
In the first half of the 19th century, Maria Luigia purchased many noble collections so that they would not be lost.
IMG_1256m
Shooter: COE
"Model": COE - "Eisenheim"
Styling: Elisa Negro www.elisanegro.com
Location: The misterious visitors' bedroom in the COE's mansion
Gears: Canon 5D Mark II + Canon 16-35 mm
Stuff: Manfrotto 190XPro-B + Ball Head 486Rc2
Settings: ISO100
Strobes: 2 x Nissin Di866
Strobe Position:
- 1 Nissin Di866 @1/4 camera left 30° behind the subject (about 50cm)
- 1 Nissin Di866 @1/32 camera right 90° from the subject (about 1,5m)
Processing: Heavy Metal Photoshop + COE's Magic Post-Processing touch©
Ispiration: The Illusionist - L'illusionista
Dedicated to: my boring sunday morning.... (halloween holyday is so boring...)
Drugs taken: - Nothing...! (is coffe / cigarettes a sort of drug?)
Topic: Due giovani adolescenti s'incontrano nella Vienna di metà Ottocento: Eisenheim (interpretato da Aaron Johnson nella parte da adolescente, poi da Edward Norton in quella da adulto) alle prime armi con trucchi di magia ed illusionismo, s'innamora della bella duchessa Sophie (Jessica Biel), la quale ricambia l'amore del ragazzo, seppur per breve tempo, divisi dalla differente classe sociale.
Quindici anni dopo, durante uno spettacolo, Eisenheim (divenuto un famoso e noto illusionista) ritrova Sophie, ora promessa sposa del principe Leopold (Rufus Sewell). I due, accorgendosi che la loro passione non si è mai spenta, riusciranno finalmente ad amarsi, suscitando le ire del perfido e malvagio principe.
Eisenheim e Sophie sapranno però fare della loro storia d'amore un grande spettacolo di magia, del quale gli spettatori del film si accorgeranno solo al termine, così come l'ispettore Uhl (Paul Giamatti), inizialmente scagnozzo del principe, poi in modo involontario ma compiaciuto complice di Eisenheim.
Las casas de indianos en Asturias son las mansiones o residencias construidas por los llamados “indianos”, que eran emigrantes españoles que marcharon a América (principalmente a Cuba, México, Argentina, Uruguay, entre otros países) en los siglos XIX y principios del XX, y que al regresar con fortuna construyeron estas viviendas.
Estas casas destacan por:
Su arquitectura llamativa, mezcla de estilos europeos y americanos.
Suelen ser grandes, coloridas y con jardines.
Representaban el éxito económico y social alcanzado por el indiano.
Se convirtieron en símbolos de prestigio y modernidad en los pueblos asturianos.
En Asturias, las casas de indianos (mansiones construidas por emigrantes que regresaban de América con fortuna) se encuentran repartidas por toda la región, pero destacan especialmente en:
Colombres (Ribadedeva): Es el epicentro, con un gran conjunto de casas y el Archivo de Indianos (Quinta Guadalupe).
Llanes: Muchos pueblos del concejo conservan elegantes casonas indianas, especialmente en Nueva, Posada y la propia villa de Llanes.
Ribadesella: Varias casonas se alinean en las entradas de la villa y en las aldeas cercanas.
Cangas de Onís: Incluye ejemplos notables, sobre todo en el entorno rural.
Pravia: Destaca por la influencia indiana en la arquitectura urbana.
La casona de mi fotografia ha sido tomada en Colombres.
The “House of indianos” in Asturias (and other northern regions of Spain) are mansions or residences built by the so-called “indianos”, Spanish emigrants who went to the Americas (mainly Cuba, Mexico, Argentina, Uruguay, among others) during the 19th and early 20th centuries, and who, after making a fortune, returned to Spain and built these houses.
These houses are notable for:
Their striking architecture, blending European and American styles.
They are usually large, colorful, and surrounded by gardens.
They symbolized the economic and social success of the indiano.
They became a mark of prestige and modernity in Asturian villages.
In Asturias, the casas de indianos (mansions built by emigrants who returned wealthy from the Americas) are spread across the region, but some towns and cities stand out:
Colombres (Ribadedeva): The epicenter, with an outstanding collection of houses and the Archivo de Indianos (Quinta Guadalupe).
Llanes: Many villages in the municipality preserve elegant Indian houses, especially in Nueva, Posada, and Llanes town itself.
Ribadesella: Several fine examples can be found at the town’s entrances and nearby villages.
Cangas de Onís: Includes remarkable houses, mostly in the surrounding rural areas.
Pravia: Known for its Indian influence in urban architecture.
The house in my photograph was taken in Colombres.
La rocca Sanvitale, nota anche come castello di Fontanellato, è una fortezza situata nell'omonimo paese in provincia di Parma. Domina il centro abitato di Fontanellato e si caratterizza per il profondo fossato d'acqua, che la circonda completamente.
La storia dell'edificazione della rocca Sanvitale può essere fatta risalire all'anno 1124, quando venne eretta una prima torre di difesa.
Nel 1386 le terre di Fontanellato, con la relativa rocca, vennero cedute ai Sanvitale.
Nel 1404, al feudo fu conferito il rango di contea: fu in tale periodo che il castello divenne una residenza signorile di notevole prestigio. La rocca appartenne alla famiglia Sanvitale fino al 1948, anno in cui Giovanni Sanvitale la vendette all'amministrazione comunale.
The Rocca Sanvitale, or Sanvitale Castle, is a fortress residence located in the centre of the town of Fontanellato, near Parma, northern Italy. Construction of the moated block, accessible through a drawbridge, was begun in the 13th century, mostly completed by 15th century, with embellishments continuing through to the 18th century. It is prototypical of the urban castle-houses of the turbulent medieval communes of Northern Italy. Until the 1930s it was the home of the descendants of the Count of Sanvitale.
The crenelated walls and asymmetric towers are surrounded by an arcaded town. Adjacent to the castle are gardens and a courtyard. The optical chamber (camera ottica) has an optical system in place that projects to an inside wall a view of the town through mirrors and a prism. Rocca Sanvitale is now partly a museum and partly offices and conference hall for the town administration.
Bull-Leaping Fresco (1700-1400 BC.) Stucco panel with scene in relief - 78.2 cm × 104.5 cm (30.8 in × 41.1 in) Heraklion archeological museum - Crete
Venne scoperto sopra un muro nel lato est del palazzo di Cnosso, nel cortile della bocca in pietra. Il suo principale soggetto è una scena di taurocatapsia, circondata da motivi lineari astratti di pietra. Tutto l'insieme è bidimensionale, eccetto le forti linee dei petti, gambe e cosce delle donne, che riflettono il tentativo artistico di conferire volume e profondità, raro per questo periodo.
Ai lati dell'immagine raffigurata del toro ci sono due donne, una delle quali tiene le corna del toro e l'altra, dalla parte opposta, tiene le sue braccia sollevate, mentre l'uomo si trova sulla schiena del toro. Le posizioni che essi assumono rivelano, come in una sequenza cinematografica, i tre momenti del gioco consistente nell'afferrare il toro per le corna, eseguire su di esso un doppio salto mortale, ricadere a terra restando in posizione verticale. La presenza contemporanea di atleti dei due sessi, inoltre, ci testimonia di una cultura nella quale, diversamente da quelle vicino-orientali, la donna iniziava a godere di un certo prestigio sociale.
Le prove archeologiche hanno dimostrato che il tipo di toro utilizzato era un incrocio, di razza gigante, tra un toro ed un uro, ora estinta in Europa. Aveva un'altezza alla spalla di oltre 180 cm e una dimensione degli zoccoli simile alle dimensioni di una testa umana
It was discovered on a wall in the east side of the palace of Knossos, in the courtyard of the mouth stone. Its main subject is a scene of bull-leaping, surrounded by abstract linear patterns of stone. The whole is two-dimensional, except the strong lines of the breasts, legs and thighs of women, reflecting the artistic attempt to give volume and depth, rare for this period.
On the sides of the image depicted the bull there are two women, one of which holds the bull's horns and the other, on the opposite side, holding his arms raised, while the man is on the back of the bull. The positions they assume reveal, as in a film sequence, the three moments of the game consists in grasping the bull by the horns, run over it a double somersault, fall to the ground remaining upright. The simultaneous presence of athletes of both sexes, also testifies to a culture in which, unlike those near-eastern, the woman began to be granted a certain social prestige.
Archaeological evidence has now uncovered that the type of bull used by ancient Minoan bull leapers was a cross breed giant aurochs bull, now extinct in Europe. It had a shoulder height of over 6 ft (180 cm) and a hoof size similar to the size of a human head
Estación de Atocha, Madrid.
Antonio López, en el Día y la Noche, retrata la cabeza de su nieta Carmen de seis meses de edad. Ambas esculturas están trabajadas como una unidad, juntas del mismo tamaño, de la misma niña y de la misma edad, en dos momentos diferentes, la vigilia y el sueño. En Día, la niña dirige a los espectadores una mirada atenta y despierta mientras que en Noche con los ojos cerrados duerme plácidamente. La niña despierta y la niña dormida representan para el autor el paso del tiempo acompañado por el paso de los trenes. El autor eligió para este conjunto unas proporciones de monumentalidad que superan la escala del espectador, con un diámetro de 3 metros aproximadamente. Las cabezas fueron fundidas en bronce a partir de moldes de escayola, e instaladas sobre sendas peanas. Cada escultura pesa más de dos mil kilos.
En su posición actual se encuentran situadas formando un ángulo de 135º, y separadas unos 17 metros entre sí, el Día mirando hacia el noreste y la Noche apuntando hacia la propia estación de Atocha Las dos cabezas emergen del plano del suelo: el Día con la barbilla apuntando hacia arriba y adelante sugiere una actitud vitalista, mientras que en la Noche la cabeza reposa tranquilamente.
Antonio López Garcia es un reconocido artista de prestigio internacional. Nació en Tomelloso el 6 de Enero de 1936. En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando donde cursó sus estudios. Realizó sus primeras exposiciones a partir de 1957 en Madrid. Recibió premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1985. En 1993 entró a formar parte de la Real Academia de San Fernando. Recibió el Premio Velázquez de Artes Plásticas en 2006. Ha tenido exposiciones monográficas en 2008 en el Museum of Fine Arts de Boston, en donde estuvieron expuestas las dos cabeza, y en 2011 en el Museo de Bellas Artes de Bilbao y el Thyssen Bornemisza.
Antonio López, on Day and Night, portrays the head of his six-month-old granddaughter Carmen. Both sculptures are worked as a unit, together of the same size, the same girl and the same age, in two different moments, the wake and the dream. In Day, the girl directs the spectators a watchful and awake look while in Night with the closed eyes she sleeps placidly. The girl wakes up and the sleeping girl represent for the author the passage of time accompanied by the passage of trains. The author chose for this set proportions of monumentality that exceed the scale of the viewer, with a diameter of approximately 3 meters. The heads were cast in bronze from plaster molds, and installed on footpaths. Each sculpture weighs more than two thousand kilos.
In their present position they are located at an angle of 135º, and separated by about 17 meters, the Day looking towards the northeast and the Night pointing towards the station of Atocha. The two heads emerge from the plane of the ground: the Day with the Chin pointing up and forward suggests a vitalist attitude, while at night the head rests quietly.
Antonio López Garcia is a recognized artist of international prestige. He was born in Tomelloso on January 6, 1936. In 1949 he moved to Madrid to prepare for admission to the Academy of Fine Arts in San Fernando where he studied. It realized its first expositions from 1957 in Madrid. He received the Prince of Asturias Award for the Arts in 1985. In 1993 he joined the Royal Academy of San Fernando. He received the Velázquez Prize for Fine Arts in 2006. He has had monographic exhibitions in 2008 at the Museum of Fine Arts in Boston, where the two heads were exhibited, and in 2011 at the Museo de Bellas Artes in Bilbao and Thyssen Bornemisza.
detail of Bull-Leaping Fresco (1700-1400 BC.) Stucco panel with scene in relief - 78.2 cm × 104.5 cm (30.8 in × 41.1 in) Heraklion archeological museum - Crete
Venne scoperto sopra un muro nel lato est del palazzo di Cnosso, nel cortile della bocca in pietra. Il suo principale soggetto è una scena di taurocatapsia, circondata da motivi lineari astratti di pietra. Tutto l'insieme è bidimensionale, eccetto le forti linee dei petti, gambe e cosce delle donne, che riflettono il tentativo artistico di conferire volume e profondità, raro per questo periodo.
Ai lati dell'immagine raffigurata del toro ci sono due donne, una delle quali tiene le corna del toro e l'altra, dalla parte opposta, tiene le sue braccia sollevate, mentre l'uomo si trova sulla schiena del toro. Le posizioni che essi assumono rivelano, come in una sequenza cinematografica, i tre momenti del gioco consistente nell'afferrare il toro per le corna, eseguire su di esso un doppio salto mortale, ricadere a terra restando in posizione verticale. La presenza contemporanea di atleti dei due sessi, inoltre, ci testimonia di una cultura nella quale, diversamente da quelle vicino-orientali, la donna iniziava a godere di un certo prestigio sociale.
Le prove archeologiche hanno dimostrato che il tipo di toro utilizzato era un incrocio, di razza gigante, tra un toro ed un uro, ora estinta in Europa. Aveva un'altezza alla spalla di oltre 180 cm e una dimensione degli zoccoli simile alle dimensioni di una testa umana
It was discovered on a wall in the east side of the palace of Knossos, in the courtyard of the mouth stone. Its main subject is a scene of bull-leaping, surrounded by abstract linear patterns of stone. The whole is two-dimensional, except the strong lines of the breasts, legs and thighs of women, reflecting the artistic attempt to give volume and depth, rare for this period.
On the sides of the image depicted the bull there are two women, one of which holds the bull's horns and the other, on the opposite side, holding his arms raised, while the man is on the back of the bull. The positions they assume reveal, as in a film sequence, the three moments of the game consists in grasping the bull by the horns, run over it a double somersault, fall to the ground remaining upright. The simultaneous presence of athletes of both sexes, also testifies to a culture in which, unlike those near-eastern, the woman began to be granted a certain social prestige.
Archaeological evidence has now uncovered that the type of bull used by ancient Minoan bull leapers was a cross breed giant aurochs bull, now extinct in Europe. It had a shoulder height of over 6 ft (180 cm) and a hoof size similar to the size of a human head
Chevrolet fue fundada el 3 de noviembre de 1911 por iniciativa del piloto de carreras suizo-francés Louis Chevrolet, en colaboración con el ingeniero francés Ettienne Planche y más tarde con el empresario William C. Durant, quien estuvo a cargo de la financiación del proyecto. La compañía había nacido como la Chevrolet Motor Car Company y su fundación fue la estrategia más eficaz planteada por Durant para retomar la conducción de la General Motors, de la cual fue expulsado en 1910 luego de su primera gran crisis financiera.
Tras la toma del control de la General Motors por parte de los organismos financieros, William C. Durant (quien no tenía el más mínimo conocimiento de mecánica, ni mucho menos estaba interesado en llevarla a la práctica) en su afán de querer recuperar su negocio perdido y viendo un gran futuro en la venta de automóviles, decidió invertir parte de su fortuna en la creación de una nueva marca de coches, con la cual poder recuperar lo que alguna vez fue suyo. Por su parte, Louis Chevrolet era un piloto suizo de carreras que había desembarcado en Estados Unidos y se había alistado en competencias de automovilismo, presentándose a correr principalmente con vehículos de la marca Buick perteneciente a General Motors. Estas competencias, animaron a Chevrolet a ser el creador de sus propios coches, para lo cual se alió con el ingeniero francés Ettienne Planche. Sin embargo, el capital monetario para financiar el proyecto no fue el suficiente como para que el mismo pueda emerger. Por tal motivo, ambos terminaron topándose con William C. Durant, quien les proveyó el apoyo financiero para la creación de la firma, además de mantener la idea inicial de utilizar el nombre de Chevrolet para bautizar a la compañía. Sin embargo, a pesar de bautizar a la firma con su nombre, Louis Chevrolet nunca pudo ser en sí su propietario, ya que la mayoría de las acciones quedaron en poder de Durant, dejándole a Louis un paquete minoritario.
El logo de Chevrolet surgió cuando Durant estaba en París en un viaje de negocios, y durante su estadía en un hotel parisino, observó que los decorados de las paredes de su habitación presentaban un extraño dibujo que mostraba un cuadrado mezclado con un paralelogramo, formando una inusual figura geométrica. Aquel dibujo captó fuertemente la atención de Durant, por lo que arrancó un trozo de ese decorado y se lo guardó en la billetera con el fin de poder implementarla a futuro en una nueva marca de automóviles. La primera vez que Chevrolet usó su logo "bowtie" fue en 1913.
El equipo inició sus acciones el 3 de noviembre de 1911, presentando como primera unidad el modelo Chevrolet Classic Six, un sedán que se presentó como novedad en el mercado, por la implementación de un motor de 6 cilindros en línea el cual fue considerado una rareza, ya que hasta ese momento se habían fabricado unidades con un máximo de 4 cilindros en línea. Pero lo que parecía que iba a ser una sociedad perfecta, terminó convirtiéndose en un verdadero conflicto que repercutió en los intereses de ambos socios. Por un lado, Chevrolet pretendió que sus coches sean reconocidos por su velocidad y su desempeño en competencias deportivas. Por el otro, Durant pretendió crear un vehículo más conservador, popular y accesible a todo el mundo. La crisis estalló luego de la adquisición por parte de Durant de la Little Motor Car Company, una pequeña empresa de automóviles de bajo consumo que había entrado en quiebra. De esa forma, la participación de Durant en la Chevrolet Motor Car Company aumentó considerablemente, lo que le permitió llevar adelante su deseo personal del coche popular. Con los pequeños motores de la Little, Durant comenzó a desarrollar su coche sobre la base del Chevrolet Classic Six. Sin embargo, la primera oposición la obtuvo de manera sorpresiva por parte de su mismísimo socio Louis Chevrolet, quien no quiso que su marca perdiese prestigio con este desarrollo. Ante esta actitud, Durant le sugirió la salida de la sociedad, ofreciéndole la compra de sus acciones. La transacción se realizó por una suma considerablemente baja, siendo que dichas acciones valdrían varios millones de dólares unos años más tarde.
Tras la salida de Louis Chevrolet de la Chevrolet Motor Car Company, Durant continuó con la expansión de la empresa manteniendo el nombre de la misma, ya que consideraba que su fonética afrancesada era un atractivo para el público y que al mismo tiempo le brindaba publicidad gratuita a costillas de su exsocio. Su plan comenzó presentando el modelo Chevrolet 490, un automóvil de bajo costo desarrollado con uno de los motores adquiridos a la Little Motor Car, y que se presentó como el primer oponente del urbano Ford T. La nomenclatura dada a este coche, tuvo que ver con el precio original con el que fue lanzado el modelo, ya que en ese entonces el Ford T valía 495 dólares, por lo que Durant redujo a 5 dólares el precio de ese coche para vender el suyo. La expansión que consiguió la Chevrolet Motor Car Company, permitió que William Durant vuelva a posicionarse dentro del mercado, de una forma tal que consiguió retomar el control de la General Motors, fusionando a Chevrolet con esta otra y convirtiéndola en la Chevrolet Division de la General Motors. El éxito en ventas de la marca, hizo de Chevrolet la marca más representativa de la GM y la terminó convirtiendo con el correr del tiempo en la marca más vendida del siglo XX.3
A todo esto, Louis Chevrolet continuaría con su idea de crear una marca de automóviles que se destaque por su prestigio deportivo. Con el dinero cobrado de la venta de sus acciones en la Chevrolet Motor Car, se asoció con su hermano Gastón Chevrolet, junto a quien creó la marca Frontenac, marca tomada de una bicicleta creada por Louis durante sus tiempos de vida en Suiza. Louis obtendría un marcado éxito como preparador, mientras que su hermano se destacaría al volante de sus unidades, siendo buenos rivales para marcas de la talla de Buick, Cadillac u Oldsmobile (curiosamente, todas marcas que respondían a la GM de Durant). Unos años más tarde Chevrolet recurriría nada más ni nada menos que a Henry Ford, con quien llegaría a un acuerdo para la producción en los talleres de Frontenac de nuevos cabezales para los motores de los Ford T. Ford aceptaría la propuesta de Chevrolet, logrando reacondicionar a su modelo con los cabezales provistos por Frontenac. A su vez, Chevrolet obtendría el permiso de parte de Ford para equipar a sus coches de competición con los renovados motores de Ford T, desarrollando los llamados Fronty-Fords (apócope de Frontenac + Ford). Con esta unidad, Gaston Chevrolet obtendría una victoria en las 24 horas de Daytona. Sin embargo, una serie de crisis financieras que tuvieran su pico en la Gran Depresión del año '29, derrumbarían el sueño de Louis, haciendo que la marca Frontenac, junto a otras marcas pequeñas, entren en la completa ruina. Para subsistir, Louis terminaría volviendo a General Motors, para pedir un puesto como obrero dentro de la fábrica. Ante esta situación, General Motors (afortunadamente para él, ya sin Durant al frente y con Pierre S. Dupont como presidente), le terminaría otorgando esta "ayuda", colocándolo como obrero dentro de las fábricas de la misma marca que llevara su apellido. Sin embargo, a pesar de haber trabajado muy duro dentro de ella, las muertes de sus hermanos Gastón y Arthur, sumados a sus deudas financieras, terminarían resquebrajando su salud, muriendo finalmente en 1941 en una completa pobreza y olvidado.
William Durant finalmente tendría un final similar, cuando en 1920 nuevamente volvía a poner a GM al borde de la quiebra, lo que le valió nuevamente la expulsión de la compañía, pero esta vez de manera definitiva. Ya no contaba con su cuantiosa fortuna familiar, la cual había sido derrochada en la creación de estas empresas y tratando de adquirir nuevas firmas para poder reinstalarse en el mercado. Sus maniobras bursátiles ya no surtían efecto, por lo que terminaría en la ruina, muriendo en el año 1947 y sufriendo el mismo final que su exsocio Louis Chevrolet, de cuya desgracia financiera fue uno de los principales responsables . (Wikipedia).
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Edificios del siglo XXI, viviendas con estilo… integradas en el Pau de Carabanchel diseñan un formato nuevo de barrio… unas de índole social, y otras privadas, llamadas “La Moraleja del Sur” debido a su precio y dotaciones son el barrio de La Peseta, plan urbanístico de Latina y Carabanchel planificado en la década de los 90, Premio de Urbanismo del Ayuntamiento de Madrid en el 93, que fueron desarrolladas por la Empresa Municipal de la Vivienda. Ésta sacó a concurso la construcción de las mismas, posibilitando a arquitectos prestigiosos pudiesen ser los que desarrollaran estos proyectos y de este modo tener viviendas públicas singulares de calidad y prestigio… con personalidad.
Viviendas que se fueron construyendo en la decada de los 2000, y que hoy dia conforman el mayor crecimiento del distrito en toda su historia.
Buildings of the 21st century, stylish homes ... integrated in the Pau de Carabanchel design a new neighborhood format ... some of a social nature, and others private, called "La Moraleja del Sur" due to its price and endowments are the neighborhood of La Peseta , urban plan of Latina and Carabanchel planned in the 90s, Urbanism Prize of the City of Madrid in 93, which were developed by the Municipal Housing Company. This one took out the construction of the same, allowing prestigious architects could be the ones to develop these projects and thus have unique public housing of quality and prestige ... with personality.
Homes that were built in the 2000s, and today make up the largest growth of the district in its history.
Warning
You are more than welcome to comment my photography and even leave the name of your group. But please do not leave one of those big logos, that are flooding the network. Thank also for the + 5 million visits that I receive in networks.
to see my photography go to:
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detail of Bull-Leaping Fresco (1700-1400 BC.) Stucco panel with scene in relief - 78.2 cm × 104.5 cm (30.8 in × 41.1 in) Heraklion archeological museum - Crete
Venne scoperto sopra un muro nel lato est del palazzo di Cnosso, nel cortile della bocca in pietra. Il suo principale soggetto è una scena di taurocatapsia, circondata da motivi lineari astratti di pietra. Tutto l'insieme è bidimensionale, eccetto le forti linee dei petti, gambe e cosce delle donne, che riflettono il tentativo artistico di conferire volume e profondità, raro per questo periodo.
Ai lati dell'immagine raffigurata del toro ci sono due donne, una delle quali tiene le corna del toro e l'altra, dalla parte opposta, tiene le sue braccia sollevate, mentre l'uomo si trova sulla schiena del toro. Le posizioni che essi assumono rivelano, come in una sequenza cinematografica, i tre momenti del gioco consistente nell'afferrare il toro per le corna, eseguire su di esso un doppio salto mortale, ricadere a terra restando in posizione verticale. La presenza contemporanea di atleti dei due sessi, inoltre, ci testimonia di una cultura nella quale, diversamente da quelle vicino-orientali, la donna iniziava a godere di un certo prestigio sociale.
Le prove archeologiche hanno dimostrato che il tipo di toro utilizzato era un incrocio, di razza gigante, tra un toro ed un uro, ora estinta in Europa. Aveva un'altezza alla spalla di oltre 180 cm e una dimensione degli zoccoli simile alle dimensioni di una testa umana
It was discovered on a wall in the east side of the palace of Knossos, in the courtyard of the mouth stone. Its main subject is a scene of bull-leaping, surrounded by abstract linear patterns of stone. The whole is two-dimensional, except the strong lines of the breasts, legs and thighs of women, reflecting the artistic attempt to give volume and depth, rare for this period.
On the sides of the image depicted the bull there are two women, one of which holds the bull's horns and the other, on the opposite side, holding his arms raised, while the man is on the back of the bull. The positions they assume reveal, as in a film sequence, the three moments of the game consists in grasping the bull by the horns, run over it a double somersault, fall to the ground remaining upright. The simultaneous presence of athletes of both sexes, also testifies to a culture in which, unlike those near-eastern, the woman began to be granted a certain social prestige.
Archaeological evidence has now uncovered that the type of bull used by ancient Minoan bull leapers was a cross breed giant aurochs bull, now extinct in Europe. It had a shoulder height of over 6 ft (180 cm) and a hoof size similar to the size of a human head
Desde hace varios años el Sistema educativo de Cuba ha sido distinguido por su alta calidad. La Universidad de la Habana fue fundada en 1727 y hay varias otras universidades y colegios de mucho prestigio. Luego del triunfo de la revolución de 1959, el gobierno nacionalizó todas las instituciones educativas y creó un sistema operado exclusivamente por el estado. Según un informe elaborado por el Consejo Económico y Social de la ONU, el sistema educativo presenta una orientación ideológica de carácter marxista, en concordancia con la constitución vigente, aprobada en 1976. El gobierno de la isla considera el éxito de la educación como uno de los máximos logros de la revolución socialista.
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Fuente Wikipedia.
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For several years the Cuban educational system has been distinguished by its high quality. The University of Havana was founded in 1727 and there are several other universities and colleges of much prestige. After the triumph of the 1959 revolution, the government nationalized all educational institutions and created a system operated exclusively by the state. According to a report prepared by the UN Economic and Social Council, the educational system has an ideological orientation of a Marxist character, in accordance with the current constitution, adopted in 1976. The island government considers the success of education as one of the maximum achievements of the socialist revolution.
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Source Wikipedia.
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Calle Arbat, Moscú - Arbat Street, Moscow - У́лица Арба́т, Москва
La calle Arbat (en ruso: У́лица Арба́т)? es una calle peatonal de un kilómetro de largo, aproximadamente, en el centro histórico de Moscú, Rusia. Popularmente conocida como «el Arbat», ha existido por lo menos desde el siglo XV, por lo que se trata de una de las calles más antiguas que sobreviven en la capital rusa. Constituye el corazón del distrito moscovita de Arbat. Originalmente la calle formaba parte de una ruta comercial importante y fue el hogar de un gran número de artesanos.
En el siglo XVIII, la nobleza rusa llegó a considerar la calle Arbat como el salón de mayor prestigio en Moscú, resultando destruida casi completamente por un gran incendio durante la ocupación de Napoleón de Moscú en 1812 y hubieron de reconstruirla.1 En los siglos XIX y XX se la conocía como el lugar donde vivía la pequeña nobleza, artistas y académicos. En la época soviética vivían allí muchos funcionarios gubernamentales de alto rango.
Hoy en día la calle y sus alrededores están experimentando una gentrificación y se considera un lugar deseable para vivir. Debido a los muchos edificios históricos y los numerosos artistas que han vivido y trabajado en la calle, la calle Arbat es también una importante atracción turística.
es.wikipedia.org/wiki/Calle_Arbat
Arbat Street (Russian: Арба́т), mainly referred to in English as the Arbat, is a pedestrian street about one kilometer long in the historical centre of Moscow, Russia. The Arbat has existed since at least the 15th century, which makes it one of the oldest surviving streets of the Russian capital. It forms the heart of the Arbat District of Moscow. Originally the street formed part of an important trade-route and was home to a large number of craftsmen.
In the 18th century, the Russian nobility came to regard the Arbat as the most prestigious living area in Moscow. Almost completely destroyed by the great fire of 1812 associated with Napoleon's occupation of Moscow, the street required rebuilding. In the 19th and early 20th centuries it became known as the a place where petty nobility, artists, and academics lived. In the Soviet period, it housed many high-ranking government officials.
As of 2016, the street and its surroundings are undergoing gentrification, and it is considered a desirable place to live. Because of the many historic buildings, and due to the numerous artists who have lived and worked in the street, the Arbat has also become an important tourist attraction.
Antoon van Dyck (Antwerp, 1599 - London, 1641) Marchesa Elena Grimaldi Cattaneo (1623) - Van Dyck exhibition Painter of Court - Turin, Royal Museums - Palatine Hall of the Sabauda Gallery
Fu uno dei più grandi artisti del Seicento europeo, il miglior allievo di Rubens e rivoluzionò l’arte del ritratto del XVII secolo.
Personaggio di fama internazionale, gentiluomo dai modi raffinati, artista geniale e amabile conversatore, Van Dyck fu pittore ufficiale delle più grandi corti d’Europa, dagli aristocratici genovesi ai Savoia, dall’Arciduchessa Isabella alle corti di Giacomo I e di Carlo I d’Inghilterra, che lo definiva “gloria del mondo”: così Carlo I amava definire il maestro fiammingo, per accrescere il lustro e il prestigio della corte.
In Italia, Van Dyck soggiornò per sei anni, dal 1621 al 1627, visitando numerose città e potè approfondire lo studio dell’arte italiana e in particolare quella veneta, avviò i contatti con l’aristocrazia genovese, i sovrani torinesi e i duchi di Firenze, committenti che lo condussero a specializzarsi nella ritrattistica .Formandosi sui modelli di Tiziano e rispondendo alle esigenze celebrative della committenza, Van Dyck elaborò un genere del tutto personale, caratterizzato da una grande perfezione formale. Opere come la Marchesa Elena Grimaldi Cattaneo, il Cardinale Guido Bentivoglio, Emanuele Filiberto Principe di Savoia, l’Arciduchessa Isabella Clara Eugenia in abito monastico, Il Principe Tomaso di Savoia Carignano, Carlo I e la Regina Enrichetta Maria sono esempi sublimi dei suoi ritratti che, per la naturalezza e spontaneità dei gesti, per la cura estrema nella resa dei materiali preziosi come sete e merletti, per le pennellate impalpabili che creano atmosfere vibranti e seducenti, esercitano ancora oggi un fascino irresistibile.
Van Dyck, the great Flemish paintery, was Rubens’ star pupil and one of the greatest exponents of 17th-century European art, revolutionizing the portraiture of the period.
He was also an internationally famous personality, refined gentleman, charming conversationalist, brilliant artist and official painter to the most important European courts.
Van Dyck spent six years in Italy, from 1621 to 1627, visiting various cities and studying Italian art and especially that of the Veneto. Here he established contacts with the Genoese aristocracy, the royals in Turin and the dukes of Florence, who commissioned works and led him to specialize in portraiture. By basing himself on Titian’s models and fulfilling the celebratory needs of his clients, Van Dyck developed a completely personal genre, characterized by great formal perfection. Works like Marchesa Elena Grimaldi Cattaneo; Cardinal Guido Bentivoglio; Emanuele Filiberto, Prince of Savoy; Archduchess Isabella Dressed as a Nun; Tomaso Francesco of Savoy, Prince of Carignano, and Charles I and Queen Henrietta Maria are supreme examples of his portraiture which, due to their naturalness and spontaneous gestures, the meticulously rendered precious silks and lace, and the imperceptible brushwork that creates vibrant and seductive atmospheres, still exert an irresistible fascination today.
Carlo Fornara (Prestinone, October 21, as of 1871 - Prestinone, September 15, 1968) - Flowers (c. 1895) oil on canvas size 40 x 31 cm - Galleria d'art Moderna Paolo d'Adele Giannoni - Novara
Studia alla Scuola di Belle Arti Rossetti Valentini (1884-1891); gli è maestro Enrico Cavalli. All'Esposizione Triennale di Milano del 1891 conosce la pittura di Segantini, decisiva per la sua svolta verso uno stile divisionista. Del 1894-1895 (e ancora nel 1896) è poi il viaggio in Francia, alla ricerca degli impressionisti e verosimilmente dei modelli del `pointillisme'. Nel 1897 realizza "En plein air", che viene rifiutato alla Triennale di Milano; conosce però Alberto Grubicy, entra nel suo circuito ed inizia la partecipazione a rassegne nazionali ed internazionali di prestigio. Sin dal 1899 è presente alla Biennale di Venezia; nel 1907 ha una sala alla mostra dei divisionisti italiani a Parigi, nel 1909 è invitato al Salon d'Automne. Dal 1921 rinuncia alle manifestazioni ufficiali. "La conquista della terra" (1916) ornava la sala del Parlamento dell'Argentina.
He studied at the School of Fine Arts Rossetti Valentini (1884-1891), the teacher is Enrico Cavalli. All'Esposizione Triennale in Milan in 1891 he knew the painting of Segantini, decisive for its turning point towards a divisionist style. Of 1894-1895 (and again in 1896) is then the trip to France, in search of Impressionists and probably the models of `pointillisme'. In 1897 he made "En plein air", which was rejected at the Milan Triennale, but knows Alberto Grubicy, enters his circuit and begins participation in national and international exhibitions of prestige. Since 1899 is present at the Venice Biennale, in 1907 has a room at the exhibition of Italian divisionists in Paris, in 1909 he was invited to the Salon d'Automne. From 1921 renounces the official events. "The Conquest of the Earth" (1916) adorned the hall of the Parliament of Argentina.
detail of Bull-Leaping Fresco (1700-1400 BC.) Stucco panel with scene in relief - 78.2 cm × 104.5 cm (30.8 in × 41.1 in) Heraklion archeological museum - Crete
Venne scoperto sopra un muro nel lato est del palazzo di Cnosso, nel cortile della bocca in pietra. Il suo principale soggetto è una scena di taurocatapsia, circondata da motivi lineari astratti di pietra. Tutto l'insieme è bidimensionale, eccetto le forti linee dei petti, gambe e cosce delle donne, che riflettono il tentativo artistico di conferire volume e profondità, raro per questo periodo.
Ai lati dell'immagine raffigurata del toro ci sono due donne, una delle quali tiene le corna del toro e l'altra, dalla parte opposta, tiene le sue braccia sollevate, mentre l'uomo si trova sulla schiena del toro. Le posizioni che essi assumono rivelano, come in una sequenza cinematografica, i tre momenti del gioco consistente nell'afferrare il toro per le corna, eseguire su di esso un doppio salto mortale, ricadere a terra restando in posizione verticale. La presenza contemporanea di atleti dei due sessi, inoltre, ci testimonia di una cultura nella quale, diversamente da quelle vicino-orientali, la donna iniziava a godere di un certo prestigio sociale.
Le prove archeologiche hanno dimostrato che il tipo di toro utilizzato era un incrocio, di razza gigante, tra un toro ed un uro, ora estinta in Europa. Aveva un'altezza alla spalla di oltre 180 cm e una dimensione degli zoccoli simile alle dimensioni di una testa umana
It was discovered on a wall in the east side of the palace of Knossos, in the courtyard of the mouth stone. Its main subject is a scene of bull-leaping, surrounded by abstract linear patterns of stone. The whole is two-dimensional, except the strong lines of the breasts, legs and thighs of women, reflecting the artistic attempt to give volume and depth, rare for this period.
On the sides of the image depicted the bull there are two women, one of which holds the bull's horns and the other, on the opposite side, holding his arms raised, while the man is on the back of the bull. The positions they assume reveal, as in a film sequence, the three moments of the game consists in grasping the bull by the horns, run over it a double somersault, fall to the ground remaining upright. The simultaneous presence of athletes of both sexes, also testifies to a culture in which, unlike those near-eastern, the woman began to be granted a certain social prestige.
Archaeological evidence has now uncovered that the type of bull used by ancient Minoan bull leapers was a cross breed giant aurochs bull, now extinct in Europe. It had a shoulder height of over 6 ft (180 cm) and a hoof size similar to the size of a human head
E' COME VENDERE GHIACCIO AGLI ESCHIMESI....
Udine è una città accogliente e vivace e negli ultimi anni vengono proposte iniziative culturali, gastronomiche e turistiche che attirano migliaia di visitatori dalle vicine regioni ed anche oltre confine.
Qualche mese fa nel centro storico sono stati ospitati diversi produttori francesi con un mercatino molto pittoresco....mi ha fatto sorridere la proposta dei loro pregiati vini, a prezzi piuttosto impegnativi, quando sappiamo che il Friuli Venezia Giulia non è seconda a nessuno per la qualità ed il prestigio della produzione vinicola nel mondo.
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IT'S LIKE SELLING ICE TO ESKIMOS....
Udine is a welcoming and lively city and in recent years cultural, gastronomic and tourist initiatives have been proposed that attract thousands of visitors from nearby regions and even beyond the border.
A few months ago, the historic center hosted several French producers with a very picturesque market.... the proposal of their fine wines, at rather demanding prices, made me smile, when we know that Friuli Venezia Giulia is second to none for the quality and prestige of wine production in the world.
Immagine realizzata con lo smartphone HUAWEI MATE 20 PRO
Prayer book - Bedroom of Rocca Sanvitale Fontanellato
La rocca Sanvitale, nota anche come castello di Fontanellato, è una fortezza situata nell'omonimo paese in provincia di Parma. Domina il centro abitato di Fontanellato e si caratterizza per il profondo fossato d'acqua, che la circonda completamente.
La storia dell'edificazione della rocca Sanvitale può essere fatta risalire all'anno 1124, quando venne eretta una prima torre di difesa.
Nel 1386 le terre di Fontanellato, con la relativa rocca, vennero cedute ai Sanvitale.
Nel 1404, al feudo fu conferito il rango di contea: fu in tale periodo che il castello divenne una residenza signorile di notevole prestigio. La rocca appartenne alla famiglia Sanvitale fino al 1948, anno in cui Giovanni Sanvitale la vendette all'amministrazione comunale.
The Rocca Sanvitale, or Sanvitale Castle, is a fortress residence located in the centre of the town of Fontanellato, near Parma, northern Italy. Construction of the moated block, accessible through a drawbridge, was begun in the 13th century, mostly completed by 15th century, with embellishments continuing through to the 18th century. It is prototypical of the urban castle-houses of the turbulent medieval communes of Northern Italy. Until the 1930s it was the home of the descendants of the Count of Sanvitale.
The crenelated walls and asymmetric towers are surrounded by an arcaded town. Adjacent to the castle are gardens and a courtyard. The optical chamber (camera ottica) has an optical system in place that projects to an inside wall a view of the town through mirrors and a prism. Rocca Sanvitale is now partly a museum and partly offices and conference hall for the town administration.
Carlo Fornara (Prestinone, October 21, 1871 - Prestinone, September 15, 1968) - The coalman (1927) oil on canvas size 49 x 69 cm - Galleria d'Arte Moderna Paolo e Adele Giannoni - Novara
Studia alla Scuola di Belle Arti Rossetti Valentini (1884-1891); gli è maestro Enrico Cavalli. All'Esposizione Triennale di Milano del 1891 conosce la pittura di Segantini, decisiva per la sua svolta verso uno stile divisionista. Del 1894-1895 (e ancora nel 1896) è poi il viaggio in Francia, alla ricerca degli impressionisti e verosimilmente dei modelli del `pointillisme'. Nel 1897 realizza "En plein air", che viene rifiutato alla Triennale di Milano; conosce però Alberto Grubicy, entra nel suo circuito ed inizia la partecipazione a rassegne nazionali ed internazionali di prestigio. Sin dal 1899 è presente alla Biennale di Venezia; nel 1907 ha una sala alla mostra dei divisionisti italiani a Parigi, nel 1909 è invitato al Salon d'Automne. Dal 1921 rinuncia alle manifestazioni ufficiali. "La conquista della terra" (1916) ornava la sala del Parlamento dell'Argentina.
He studied at the School of Fine Arts Rossetti Valentini (1884-1891), the teacher is Enrico Cavalli. All'Esposizione Triennale in Milan in 1891 he knew the painting of Segantini, decisive for its turning point towards a divisionist style. Of 1894-1895 (and again in 1896) is then the trip to France, in search of Impressionists and probably the models of `pointillisme'. In 1897 he made "En plein air", which was rejected at the Milan Triennale, but knows Alberto Grubicy, enters his circuit and begins participation in national and international exhibitions of prestige. Since 1899 is present at the Venice Biennale, in 1907 has a room at the exhibition of Italian divisionists in Paris, in 1909 he was invited to the Salon d'Automne. From 1921 renounces the official events. "The Conquest of the Earth" (1916) adorned the hall of the Parliament of Argentina.
Català: Estrenat l'any 1969, el Talgo III RD, era part del prestigiós club TEE. Aquest tren va continuar donant servei fins que l'any 2010. Quan va ser cancel·lat el Catalan Talgo entre Barcelona i Montpellier. Avui s'ha presentat el Tarraco, projecte que recuperarà aquesta composició i circularà cada cap de setmana durant l'estiu, entre Barcelona-França i Tarragona. Avui el tren es presentava als mitjans i directius. Una foto pel seu pas per Sitges.
Castellano: Inagurado en 1969, el Talgo III RD, era parte del prestigioso club TEE. Este tren continuó dando servicio hasta que el año 2010. Cuando fue cancelado el Catalán Talgo entre Barcelona y Montpellier. Hoy se ha presentado el Tarraco, proyecto que recuperará esta composición y circulará cada fin de semana durante el verano, entre Barcelona-Francia y Tarragona. Hoy el tren se presentaba a los medios y directivos. Una foto por su paso por Sitges.