Execution on the Old Town Square 21. 6. 1621

23-06-2001 | Olaf Barth, Katrin Bock

Olaf Barth and Katrin Bock now take a look at the events that took place on the Old Town Square 380 years ago.

Execution on the Old Town Square 21. 6. 1621

If you have ever been to Prague, you may have noticed the 27 crosses which have been embedded into the pavement at the foot of the Old Town Town Hall. Perhaps you have wondered about their origin. Well, in the following minutes you will learn more about the context of these crosses. First of all, listen to the Czech writer Alois Jirasek portraying the events at the end of the 19th century in one of his stories:

"In the night of 20 to 21 June 1621, fear and grief prevailed everywhere in Prague, and the roads had become like deserted, for on Prague restrictions had been imposed. Only the clash of the weapons and the heavy steps of foreign soldiers broke through the oppressive silence. On the Old Town Square there was a lot of activity, and boards and beams were unloaded from wagons and carried to the middle of the place, where a scaffold grew by the flickering light of numerous torches. By daybreak a gallows covered with red cloth was towering. At sunrise fulminated a cannon cracker showing that the execution had to begin. On the scaffold dark hooded people were visible, the assistents of the executioner and the gravedigger. Finally, the executioner, Jan Mydláø, also appeared. Immediately the imperial judges took their seats, and the names of the twenty-seven death-condemned noblemen were exclaimed. While foreign soldiers were drumming in the streets of Prague, in the houses people of Prague prayed for their faithful, the 27 men who were either beheaded or hanged at the same time. It is reported that once a year, always in the night from the 20th to the 21st of June, the noblemen and citizens appear on the Old Town Square. Silently they walk over the square to the church, where, kneeling before the altar, they receive the Last Supper in both forms. And as silently as they have come they disappear again."

The Hradschin 1618, in the year of the window-lintel (contemporary engraving)

So far the Czech writer Alois Jirasek about the events of that night 380 years ago, when the leaders of the insurrection of the Estates against the Catholic Habsburgs were judged. 27 nobles, gentlemen and citizens, Czechs and Germans, Protestants and a Catholic then left their lives. They were punished for having joined an uprising against the legal Habsburg emperor which had a religious background, for the Emperor had previously tried to restrict the freedom of religion which had been in force in the Bohemian lands since the middle of the fifteenth century. The revolt had begun on May 23, 1618, with the famous Prague defenestration, and ended with the battle Battle of White Mountain in November 1620, for the Czechs still today a national trauma. In that battle before the gates of Prague the army of the Catholic Habsburgs the Protestant Estates had utterly vanquished. What followed was a relentless persecution of all insurgents, regardless of their social position or nationality. Emperor Ferdinand II used his military victory to strengthen his position in the rebellious Bohemian lands, to suppress the Protestant faith and to break the power of the Estates once and for all.

Procession on the White Mountains (Josef Berka and A. Gustav, around 1800)

All persons who had somehow participated in the uprising of the Estates were punished. The worst punishment experienced three lords, seven knights and 17 citizens, who were executed in the early morning hours of June 21, 1621 on the Old Town Square. The execution took place conforming to the etiquette: first came the lords, then the knights, and finally the citizens. It is said the bloodthirsty torture to have lasted for four hours, while the executioner Jan Mydlar in the proces was to have beaten blunt four swords.

Joachim Andreas Graf Schlick was the first to be beheaded, whose family had grown rich thanks to the silver mines in the west Bohemian Jáchymov valley. Count Schlick had worked for many years at the Saxon court as an educator of the future ruler Johann Georg. During the Bohemian uprising of the Estates, Schlick had been quite active. Among other things, he was one of the participants of the famous 1618 defenestration. Next came Vaclav Budova from Budovec. Since the beginning of the 17th century, he had been strongly committed to the observance of the freedom of belief in the Bohemian lands and had been one of the spokesmen of the insurgents. As the third nobleman, Krystof Harant of Polzice and Bezdruzice lost his head. He had been court musician and companion of Rudolf at the court of Emperor Rudolf II. He was not very interested in politics, but he had been one of the military leaders of the insurgents, which now cost him his head. All three of them, without any doubt, belonged to the intellectual elite of the country, all three of them had been to many places, were well-educated, spoke several languages, and were Protestants.

Among the 7 knights was also the Catholic Divis Cernin of Chudenice. This one had made the fatal mistake of opening the gates of the castle to the representatives of the Estates on the 23rd of May, 1618, who then threw the three representatives of the Habsburg power out of a window in protest against the restriction of the rights of the Protestants.

Jan Jesensky

Jan Jessenius, the rector of the Charles University of Prague, was one of those who got the severest judgement. He was not only beheaded, his tongue had been cut off before, additionally he was also quartered after the execution. Emperor Ferdinand had expressed himself personally for this harsh judgment. The internationally respected scholar, who had carried out the first public autopsy in Prague in 1600, had aroused the wrath of the ruler as he had himself pronounced against the election of Ferdinand for the King of Bohemia as well as published a series of harsh writings against the Habsburgs.

The heads of twelve executed were hanged in iron baskets for deterrence and warning at the Old Town Bridge Tower. From there they were removed only 10 years later, when the Saxons 1631 occupied Prague for a short time.

Ferdinand II.

Emperor Ferdinand II took advantage of the victory over the rebellious Protestant estates, which had dethroned him, the legitimate heir, and elected another one, the "Winter King", Frederick of the Palatinate. 166 nobles Ferdinand had completely dispossessed, another 500 lost a large part of their estates. On the other hand, his faithful were rewarded. Those were given great lands in the Bohemian lands. In addition, monasteries were returned lands that they had lost during the Hussite wars in the 15th century.

The greatest winners were probably Albrecht von Waldstein, Karl von Liechtenstein, and Johann Ulrich von Eggenberg, who were now able to call great domains their own. But also other noble families then settled in the Bohemian lands, like the Trauttmansdorff, Thun, Metternich and Clary families.

Even ordinary citizens and peasants were affected: those who did not convert to the Catholic faith had to leave the country. In 1624 the Catholic faith became the only one recognized in the Bohemian lands - more and more subjects saw themselves forced to emigrate. Some 150,000 people are said to have left the Bohemian lands for religious reasons in the years after the defeat of the Protestant Estates. The probably most famous emigrant of that time is Jan Amos Komensky - Comenius. The pedagogue and bishop of the Unity of the Brotherhood settled down after a few journeys in Holland, where he died in 1670 at the age of 78.

Even in the eyes of most of today's Czechs, the "time of darkness" began with the defeat of the Protestant estates in the Battle of Weissenberg. As such, the almost 300 years of the unrestricted rule of the Habsburgs over the Bohemian countries were designated, which ended only with the independence of Czechoslovakia in 1918. The formerly proud kingdom of Bohemia had been degrated to a Habsburg province according to the new regional order of 1627, and had lost most of its rights, including the freedom of faith for which its inhabitants had fought since the death for heresy of Jan Hus in 1415. Today, not only the 27 crosses embedded on the Old Town Square, but also all the magnificent Baroque buildings in the country, are reminiscent of this historic epoch. With these the Catholic Habsburgs showed their Bohemian and Moravian subjects who is the boss in the country.

And so we are already at the end of our trip into the 17th century.

 

Hinrichtung auf dem Altstädter Ring 21. 6. 1621

23-06-2001 | Olaf Barth, Katrin Bock

Olaf Barth und Katrin Bock werfen heute einen Blick auf die Geschehnisse, die sich vor 380 Jahren auf dem Altstädter Ring ereigneten.

Hinrichtung auf dem Altstädter Ring 21. 6. 1621

Wer von Ihnen schon mal in Prag war, dem sind sie vielleicht aufgefallen, die 27 in das Pflaster eingelassenen Kreuze zu Füssen des Altstädter Rathausturmes. Vielleicht haben Sie sich über deren Ursprung gewundert. Nun in den folgenden Minuten erfahren Sie mehr über die Bewandtnis dieser Kreuze. Hören Sie zunächst einmal, wie der tschechische Schriftsteller Alois Jirasek die entsprechenden Ereignisse Ende des 19. Jahrhunderts in einer seiner Geschichten schilderte:

"In der Nacht vom 20. auf den 21. Juni 1621 herrschte überall in Prag Angst und Trauer. Die Strassen waren wie ausgestorben, denn über Prag war Ausgangsverbot verhängt worden. Nur das Klirren der Waffen und schwere Schritte fremder Soldaten durchbrachen die bedrückende Stille. Auf dem Altstädter Ring herrschte reger Betrieb. Bretter und Balken wurden von Wagen abgeladen und zur Platzmitte getragen, wo beim flackernden Licht zahlreicher Fackeln ein Gerüst wuchs. Als es zu dämmern begann, ragte da ein mit rotem Stoff überzogener Galgen empor. Beim Sonnenaufgang donnerte von der Prager Burg ein Kanonenschlag. Ein Zeichen dafür, dass die Exekution beginne. Auf dem Galgengerüst waren dunkle vermummte Gestalten zu sehen - die Henkershelfer und der Totengräber. Schliesslich erschien auch der Henker Jan Mydláø. Alsbald nahmen die kaiserlichen Richter ihre Sitze ein, und die Namen der 27 zum Tode verurteilten Standesherren wurden ausgerufen. Während in den Strassen Prags fremde Soldaten trommelten, beteten in den Häusern die Prager für ihre Getreuen, die 27 Herren, die zur selben Zeit geköpft oder gehängt wurden. Es wird berichtet, dass die hingerichteten Adeligen und Bürger einmal im Jahr, immer in der Nacht vom 20. auf den 21. Juni, auf dem Altstädter Ring erscheinen. Schweigend gehen sie über den Platz zur Kirche, wo sie, vor dem Altar knieend, das Abendmahl in beiderlei Gestalt empfangen. Und so lautlos wie sie gekommen verschwinden sie wieder."

Der Hradschin 1618, im Jahre des Fenstersturzes (Zeitgenössiger Stich)

Soweit der tschechische Schriftsteller Alois Jirasek über die Ereignisse jener Nacht vor 380 Jahren, als die Anführer des Ständeaufstandes gegen die katholischen Habsburger gerichtet wurden. 27 Adelige, Herren und Bürger, Tschechen und Deutsche, Protestanten und ein Katholik liessen damals ihr Leben. Bestraft wurden sie dafür, dass sie sich einem Aufstand gegen den rechtmässigen Habsburger Kaiser angeschlossen hatten, der einen religiösen Hintergrund hatte, denn der Kaiser hatte zuvor versucht, die seit Mitte des 15. Jahrhunderts in den Böhmischen Ländern geltende Religionsfreiheit einzuschränken. Der Aufstand hatte am 23. Mai 1618 mit dem berühmten Prager Fenstersturz begonnen und mit der für Tschechen noch heute ein nationales Trauma darstellenden Schlacht am Weissen Berg im November 1620 geendet. In jener Schlacht vor den Toren Prags hatte das Heer der katholischen Habsburger die protestantischen Stände vernichtend geschlagen. Was folgte war eine unbarmherzige Verfolgung aller Aufständischen, ungeachtet ihrer gesellschaftlichen Stellung oder Nationalität. Kaiser Ferdinand II. nutzte seinen militärischen Sieg, um seine Stellung in den aufständischen Böhmischen Ländern zu stärken, den protestantischen Glauben zurückzudrängen und die Macht der Stände ein für alle mal zu brechen.

Prozession am Weißen Berge (Josef Berka und A. Gustav, um 1800)

Alle Personen, die irgendwie an dem Ständeaufstand beteiligt gewesen waren, wurden bestraft. Am schlimmsten traf es dabei drei Herren, sieben Ritter und 17 Bürger, die in den frühen Morgenstunden des 21. Junis 1621 auf dem Altstädter Ring hingerichtet wurden. Bei der Hinrichtung wurde die Etike gewahrt: zuerst waren die Herren dran, dann die Ritter und schliesslich die Bürger. Vier Stunden lang soll die blutige Tortur gedauert haben, vier Schwerter soll der Henker Jan Mydlar dabei stumpf geschlagen haben.

Als erster wurde Joachim Andreas Graf Schlick geköpft, dessen Familie dank der Silberminen im westböhmischen Joachimsthal reich geworden war. Graf Schlick hatte jahrelang am sächsischen Hof als Erzieher des zukünftigen Herrschers Johann Georg gewirkt. Während des böhmischen Ständeaufstands war Schlick recht aktiv gewesen, unter anderem gehörte er zu den Teilnehmern des berühmten Fenstersturzes von 1618. Als nächstes kam Vaclav Budova von Budovec an die Reihe. Dieser hatte sich seit dem Beginn des 17. Jahrhunderts stark für die Einhaltung der Glaubensfreiheit in den Böhmischen Ländern eingesetzt und war einer der Wortführer der Aufständischen gewesen. Als dritter hochgestellter Adeliger verlor Krystof Harant von Polzice und Bezdruzice seinen Kopf. Dieser war am Hofe Kaiser Rudolfs II. Hofmusikant und Gesellschafter Rudolfs gewesen. Für Politik interessierte er sich nicht sehr, doch war er einer der Heerführer der Aufständischen gewesen, das kostete ihn nun seinen Kopf. Alle drei Herren gehörten ohne Zweifel zur geistigen Elite des Landes, alle drei waren weitgereist, hervorragend gebildet, sprachen mehrere Sprachen - und waren Protestanten.

Unter den 7 Rittern war auch der Katholik Divis Cernin von Chudenice. Dieser hatte den verhängnisvollen Fehler gemacht, am 23. Mai 1618 den Repräsentanten der Stände die Burgtore geöffnet zu haben, die dann die drei Vertreter der Habsburger Macht aus Protest gegen die Einschränkung der Rechte der Protestanten aus einem Fenster warfen.

Jan Jesensky

Eines der härtesten Urteile traf Jan Jessenius, den Rektor der Prager Karlsuniversität, der als 16. an die Reihe kam: er wurde nicht nur geköpft, zuvor wurde ihm die Zunge abgeschnitten, ausserdem wurde er nach der Hinrichtung noch geviertelt. Für dieses harte Urteil hatte sich Kaiser Ferdinand persönlich ausgesprochen. Der international angesehene Gelehrte, der 1600 in Prag die erste öffentliche Obduktion durchgeführt hatte, hatte den Zorn des Herrschers erregt, da er sich auf verschiedenen Landtagen gegen die Wahl Ferdinands zum böhmischen König ausgesprochen sowie eine Reihe von scharfen Schriften gegen die Habsburger veröffentlicht hatte.

Die Köpfe von zwölf Hingerichteten wurden in Eisenkörben zur Abschreckung und Warnung an den Altstädter Brückenturm gehängt. Von dort wurden sie erst 10 Jahre später entfernt, als die Sachsen 1631 Prag für kurze Zeit besetzten.

Ferdinand II.

Kaiser Ferdinand II. nutzte seinen Sieg über die aufständischen protestantischen Stände, die ihn, den rechtmässigen Erben, entthront hatten und einen anderen, den "Winterkönig" Friedrich von der Pfalz, gewählt hatten. 166 Adelige liess Ferdinand vollkommen enteignen, weitere 500 verloren einen Grossteil ihrer Güter. Belohnt wurden dagegen seine Getreuen. Diese erhielten grosse Ländereien in den Böhmischen Ländern. Ausserdem bekamen Klöster Ländereien zurück, die sie zur Zeit der Hussitenkriege im 15. Jahrhundert verloren hatten.

Die grössten Gewinner waren wohl Albrecht von Waldstein, Karl von Liechtenstein sowie Johann Ulrich von Eggenberg, die nun grosse Herrschaften ihr Eigen nennen konnten. Aber auch andere Adelsdfamilien setzten damals in den Böhmischen Ländern ihren Fuss, wie die Familien Trauttmansdorff, Thun, Metternich und Clary.

Auch einfache Bürger und Bauern waren betroffen: wer nicht zum katholischen Glauben übertrat, musste das Land verlassen. 1624 wurde der katholische Glaube der einzig anerkannte in den Böhmischen Ländern - immer mehr Untertanen sahen sich gezwungen, zu emigrieren. Rund 150.000 Menschen sollen in den Jahren nach der Niederlage der protestantischen Stände die Böhmischen Länder aus religiösen Gründen verlassen haben. Der wohl bekannteste Emigrant jener Zeit ist Jan Amos Komensky - Comenius. Der Pädagoge und Bischof der Brüderunität liess sich nach einigen Reisen in Holland nieder, wo er 1670 im Alter von 78 Jahren verstarb.

Auch in den Augen der meisten heutigen Tschechen begann damals mit der Niederlage der protestantischen Stände in der Schlacht am Weissen Berg die "Zeit der Finsternis". Als solche werden die knapp 300 Jahre der uneingeschränkten Herrschaft der Habsburger über die Böhmischen Länder bezeichnet, die erst mit der Unabhängigkeit der Tschechoslowakei 1918 endeten. Das einstmals stolze Königreich Böhmen war nach der neuen Landesordnung von 1627 zu einer Habsburger Provinz degradiert worden und hatte die meisten seiner Rechte verloren - auch das der Glaubensfreiheit, für das seine Bewohner seit dem Ketzertod des Jan Hus 1415 gekämpft hatten. Heute erinnern an diese Geschichtsepoche nicht nur die 27 in das Strassenpflaster eingelassenen Kreuze auf dem Altstädter Ring, sondern auch all die prächtigen Barockbauten im Lande. Mit diesen zeigten die katholischen Habsburger ihren böhmischen und mährischen Untertanen, wer der Herr im Lande ist.

Und damit sind wir bereits am Ende unseres Ausfluges in das 17. Jahrhundert.

www.radio.cz/de/rubrik/geschichte/hinrichtung-auf-dem-alt...

Sculpture in Context 2018 The National Botanic Gardens, 6th September to 19th October 2018

 

My Sony HX-90V battery became exhausted so I had to use my little RX0 to take this and a few other photographs during my weekend visit to the Botanic Gardens.

The Brisbane sign on South Bank with the city across the river in the background. A popular spot with tourists but I managed a shot without lots of kids climbing on the sign. Next shot was taken a little later.

 

Scavenge Challenge - Signs in context

“The optimist sees the donut, the pessimist sees the hole.” ~ Oscar Wilde.

Well, i could see nothing, coz i already ate it.

A location context Map created using QGIS

Cinnamon sugar on rye & pumpernickel

Distant View of Wind Mills East of Village of Carmichael SASK

 

& Vid Doc

Zoom Out

 

to a Beauty Prairie Cloudscape Landscape

for MM

In other countries you would think these belong to the Ku Klus Klan.

 

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En raison du contexte sanitaire, la Fédération Française de Gymnastique organise cette année le championnat de TOP 12 GAF (pour Gymnastique artistique féminine) sur une journée. Cette compétition regroupant les 12 meilleures équipes nationales se déroule à Haguenau le samedi 27 mars 2021.

Kacey Marlatt at Starfish Studios, Seattle, WA.

August 2009.

 

Makeup + hair: Finn von Claret

Photography: Libby Bulloff

 

exoskeletoncabaret.com

edinburgh

Dance of Spring (Song of the Birds), 1924

Oil on canvas

Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, Missouri, Bebe and Crosby Kemper Collection, gift of the Enid and Crosby Kemper Foundation, 2003.03.01

 

Here Stella assembles a classical temple of flora and fauna—in his own words, culled “from the elysian lyricism of the Italian spring.” Flowers rise from a pink lotus at the base of a central column, culminating in the curious combination of a lupine and a longhorn steer’s head flower, a floral form that resembles a bull’s skull. Below perch three sparrows, the national bird of Italy and a favorite of Stella’s.

 

Joseph Stella: Visionary Nature

February 24 – May 21, 2023

 

Italian-born American modernist Joseph Stella (1877–1946) is primarily recognized for his dynamic Futurist-inspired paintings of New York, especially the Brooklyn Bridge and Coney Island. Lesser known, but equally as ambitious, is his work dedicated to the natural world, a theme that served as a lifelong inspiration. Throughout his career, Stella produced an extraordinary number of works—in many formats and in diverse media—that take nature as their subject. These lush and colorful works are filled with flowers, trees, birds, and fish—some of which he encountered on his travels across continents or during his visits to botanical gardens, while others are abstracted and fantastical. Through these pictures, he created a rich and variegated portrait of nature, a sanctuary for a painter in a modern world.

 

Joseph Stella: Visionary Nature is co-organized by the High and the Brandywine River Museum of Art and is the first major museum exhibition to exclusively examine Stella’s nature-based works. The exhibition features more than one hundred paintings and works on paper that reveal the complexity and spirituality that drove Stella’s nature-based works and the breadth of his artistic vision. Through expanded in-gallery didactics, including a graphic timeline of Stella’s career and a short film, the exhibition digs deeply into the context of the works, exploring their inspirations, meanings, and stylistic influences.

 

Touring Dates:

Norton Museum of Art, West Palm Beach, Florida (October 15, 2022–January 15, 2023)

Brandywine Museum of Art, Chadds Ford, Pennsylvania (June 17, 2023–September 24, 2023)

 

www.nytimes.com/2022/11/30/arts/design/joseph-stella-flor...

 

www.forbes.com/sites/natashagural/2022/12/21/joseph-stell...

 

www.atlantamagazine.com/news-culture-articles/joseph-stel...

 

If you know the painter Joseph Stella, it’s probably from his famous urban landscapes like Brooklyn Bridge (1921), a futurist interpretation of New York’s dramatic 20th-century industrialization. But Stella was just as captivated by the botanical world as he was by cityscapes, and today, Atlantans can see that side of the artist in vivid color. Joseph Stella: Visionary Nature, an explosive new exhibit at the High Museum of Art, features dozens of his flower and plant-filled paintings and drawings. In Atlanta through May 21, the exhibit travels chronologically through Stella’s lifelong love-affair with the natural world, from an early study of a piece of bark to the epic, intricate Tree of My Life.

 

Visionary Nature was a joint effort between the High; the Norton Museum in West Palm Beach, Florida; and the Brandywine Museum in Chadds Ford, Pennsylvania, where it heads next. “They were really focused on [Stella’s] nature works, and we have a great work by Stella here at the High,” said Stephanie Heydt, the museum’s Margaret and Terry Stent Curator of American Art. “It was a great collaboration.”

 

Stella was born in 1877 in Muro Lucano, a hilly city in southern Italy. He immigrated to New York originally intending to follow his brother into medicine, but after a uninspired stint in medical school, he pivoted to painting. Stella studied briefly under the impressionist painter William Merritt Chase at the New York School of Art and soon developed a reputation as a sensitive interpreter of the urban working class.

 

The High’s exhibit features of some of these early works, in which the natural world spills out amidst the smokestacks and steel mills of America’s industrial revolution. “This is the Progressive Era at the turn of the twentieth century,” Heydt explained. “And he’s looking at the people in his own community, specifically the Italian immigrants.”

 

Traveling back in Europe, Stella was inspired by the contemporary artists he saw there: the cubism of Pablo Picasso and early futurism of Umberto Boccioni. He drew on these sources back in the U.S, earning acclaim for his dynamic geometric paintings of the metropolis; several choice selections, including American Landscape (1929), and Smoke Stacks (1921), are on view in this exhibit.

 

But even as Stella built his career on the towering achievements of urban industry, he yearned for the sunny landscapes of his youth. He frequented havens like the Bronx Botanical Gardens, which opened in 1891 and offered escape from New York’s sooty streets. Walking through Brooklyn one day, he later wrote in an essay, he stumbled across a sapling.

 

“This little tree is coming up from a crack in the sidewalk, shadowed by a factory, and he sees himself in this tree,” Heydt said. “He says, This is me.”

 

That encounter inspired Tree of My Life (1919) a florid aria sung to the natural world. A sturdy olive tree—Stella himself—anchors the canvas, surrounded by a vortex of tropical plants, birds, and, in the background, Stella’s native Italian hills. Brandywine Museum Director Thomas Padon envisaged the exhibit after seeing Tree of My Life in a private collection. “I was transfixed,” Padon told the New York Times.

 

Stella painted Tree of My Life and Brooklyn Bridge within a year of each other, announcing a duality that would define the rest of this career. While he painted flowers throughout his life, it was his moody, futurist treatments of New York that made him an art-world celebrity. European artists fleeing World War I were landing in New York in droves, sparking a new creative fascination with the cutting-edge American city. “(Marcel) Duchamp says the art of Europe is dead, and this century is about America,” explained Heydt. “Stella’s understood to be one of the first American-based painters to figure out . . . how to paint the new modern city.”

 

But Stella’s love of the natural world—and of Europe—endured. He returned to botanical themes throughout his life, infused with the Old Master styles of the Italian Renaissance. Many works in this exhibit invoke the sun-drenched vistas and towering cathedrals of Italy, overrun by sumptuous flowers that are decidedly not native to the Iberian peninsula. Stella—a native turned immigrant—seems to delight in the contradiction: in Dance of Spring (1924), tropical orchids and calla lilies burst open in a beam of beatific light, like Jesus rising to the heavens in a Raphael. Purissima (1927), part of the High’s own collection, evokes the iconic Renaissance Madonna, here transformed by Stella’s whimsy: the stamens of a lily serve as her celestial crown, while snowy egrets (the Florida kind) grace her sides.

 

With saturations of color abounding in every room, Visionary Nature enjoys an added depth through words. Stella was a prolific writer, and the exhibit makes canny use of text to explore his passion for the living world. “My devout wish,” reads one such diary segment on view, “That my every working day might begin and end . . . with the light, gay painting of a flower.” In a unique addition to their exhibition, the High created a short video featuring more of Stella’s own thoughts. “We wanted to end with his voice telling us how he felt about various paintings in the show . . . or his ideas about art,” explained Heydt.

 

Stella, who died in 1946, spent the last years of his life in ill health, largely confined to his studio. He never stopped painting the natural world; a few of those last works, modest trees still full of flair, are on view here. A few years before his death, his friend and fellow artist Charmion von Wiegand paid a visit to his studio. She found Stella amidst a riot of color, studiously painting his favorite subject. “Flower studies of all kinds litter the floor,” wrote von Wiegand, “and turn it into a growing garden.”

Computer generated Wood - Context Free algorithm

"Forest in winter"

by stephen Variation: TUD, uploaded on March 15th, 2009.

Modified by Emilio I. Panizo

 

Computer generated Star - Context Free algorithm

"StarFlow"

by Osspro Variation: ADF, uploaded on November 17th, 2007.

Modified by Emilio I. Panizo

 

A) EL ARTE COMO EXPRESIÓN HUMANA EN EL TIEMPO Y EN EL ESPACIO. LA ACTUALIDAD DEL HECHO ARTÍSTICO

 

- La función social del arte. Su valoración en distintos modelos históricos y culturas diversas. La obra de arte en su contexto histórico.

- Colecciones y Museos. Funciones del museo en el mundo del arte.

- La conservación del patrimonio artístico. Referir los cuidados que necesita la obra artística. Criterios de conservación y restauración de arquitectura y obra mueble. Presentar el museo como centro de exposición, conservación y estudio.

 

B) LOS ESTILOS ARTÍSTICOS: EVOLUCIÓN HISTÓRICA Y DIVERSIDAD ESPACIAL.

 

ARTE DE LA PREHISTORIA

 

1- Pintura rupestre: las pinturas de las cuevas franco-cantábricas y las pinturas de los abrigos levantinos.

 

2- Megalitismo: la arquitectura megalítica de la fachada atlántica y la arquitectura ciclópea de las Islas Baleares.

 

Dentro de la triple división del Arte Prehistórico en Paleolítico, Mesolítico y Neolítico, significar que el hombre del Paleolítico y Mesolítico vive de la caza y desarrolla una pintura rupestre en cuevas y abrigos, mientras que en el Neolítico practica la agricultura, surgen los primeros asentamientos estables y la sociedad deja de ser «consumidora de los bienes de la naturaleza» para convertirse en «productora de su propio alimento».

 

Teorizar sobre los fines de la pintura rupestre (mágico o ritos de iniciación) y comentar las diferencias entre las pinturas de las cuevas franco-cantábricas y la de los abrigos levantinos.

 

Señalar el sentido práctico del Neolítico mediante la tipología de las construcciones megalíticas, profundizando en los dólmenes andaluces y en los talayots, taulas y navetas de las Islas Baleares.

 

ARTE EGIPCIO

 

1.- Arquitectura. La tumba y el templo.

 

2.- Formas y características de la escultura y la pintura.

 

La arquitectura egipcia es arquitrabada. Por lo que respecta a la tumba señalar su tipología y la evolución de la pirámide desde el modelo escalonado de Zoser, en Sakkara, hasta la Gran Pirámide de Keops, en Gizeh. En cuanto al templo enumerar sus partes y dependencias, y reflejar su evolución desde los edificios al aire libre (Karnak y Luxor) a los «speos» de Ramses II, pasando por el «semiespeos» de la reina Hatchepsut, en Deir-el-Bahari.

 

En el campo de la plástica resaltar que los egipcios se distinguen del resto de los pueblos antiguos por buscar deliberadamente el canon ideal del cuerpo humano, convirtiéndose en precursores inmediatos de los griegos. A partir de este punto, explicar los conceptos de «ley de frontalidad», «visión rectilínea» y canon de belleza basado en 18 puños, haciendo ver al alumno que entre los griegos la «ley de frontalidad» desaparece en el siglo V, y que frente al puño, en la Hélade, se prefirió la cabeza como módulo de proporción armónica para el ser humano. Finalmente, señalar que en Egipto este código se mantuvo, casi inmutable, a lo largo de tres mil años, mientras que los griegos lo fueron cambiando.

 

ARTE GRIEGO

 

1.- Introducción. Los órdenes.

 

2.- El templo griego: el Partenón.

 

3.- La escultura. Los grandes maestros de los siglos V y IV. Policleto y Fidias. Praxiteles y Scopas. Lisipo y su canon.

 

4.- El periodo helenístico.

 

5 – La escultura ibérica.

 

Explicar los órdenes clásicos a partir de la preocupación griega por construir a escala humana y advertir la «armonía visual» y refinamientos ópticos que utilizaron los arquitectos en curvatura de entablamentos, inclinación y éntasis de las columnas, y distancia desigual de los intercolumnios para corregir las aberraciones naturales del ojo humano. Definir sus creaciones arquitectónicas, destacando la importancia del Partenón en la cultura griega, analizando planta y alzado, así como la decoración escultórica.

 

La escultura griega por su importancia posterior, debe ser analizada en virtud de los grandes problemas externos e internos que resuelve. De entrada, los maestros del siglo V diferencian la «escultura» de la «imagen de culto», a través de las creaciones de Policleto y Fidias. Policleto, que se ocupará meramente de los aspectos formales, rompe la «ley de frontalidad» y aplica el canon de belleza basado en siete cabezas, regulando sus esculturas profanas por el principio de «Diartrosis». Fidias agrega a estos rasgos un contenido anímico (el «quid divinum»), que hace que sus figuras de dioses dejen de ser simples esculturas para convertirse en imágenes de culto que provocan la devoción del fiel. (Para aclarar estos conceptos, situémonos en el siglo XVII español, señalando las diferencias entre una escultura -retrato ecuestre de Felipe III o Felipe IV- y una imagen –Crucificado procesional de Gregorio Fernández o Martínez Montañés-). Explicar, asimismo, la doble tendencia de la escultura del siglo IV: la «charis» o gracia ática de Praxiteles y el «pathos» dramático de Scopas. Por último ver el resumen de todas estas tendencias en Lisipo, «el último de los clásicos». Con respecto al mundo helenístico, señalar sus límites, el proceso de secularización del arte y su carácter mundano.

 

Entre los siglos VI y I a. C. vivieron en la cuenca occidental del Mediterráneo un conjunto de pueblos con una cultura homogénea que los griegos llamaron Íberos. Las estatuas que produjeron constituyen hoy el capítulo más interesante del arte español antiguo. Su iconografía puede dividirse en tres apartados: los temas militares, los animalistas, y las representaciones femeninas con las Damas del Cerro de los Santos, Elche y Baza.

 

ARTE ROMANO

 

1.-Arquitectura y ciudad.

 

2.-Escultura. El retrato y el relieve histórico.

 

Explicar la ciudad romana: sus partes y construcciones más relevantes que la integran, explicando las distintas tipologías arquitectónicas.

 

Enfocar el análisis de la arquitectura romana bajo una doble óptica: las creaciones técnicas y los modelos prácticos. Entre las primeras cabe destacar: la concepción axial de los conjuntos monumentales, en Foros y Termas, constituyendo el precedente de los grandes palacios del Despotismo Ilustrado; el descubrimiento de la cúpula como eje de simetría vertical; el empleo del nicho como eje central de simetría dando lugar al ábside; el uso de la bóveda de cañón y la utilización de la fachada compuesta por pisos de arquerías.

 

Con respecto a la plástica romana enumerar la tipología de sus monumentos conmemorativos, señalando las características del relieve histórico (Ara Pacis y columna Trajana). Destacar la importancia del retrato, profundizando en la clasificación y en la doble tendencia realista/idealista.

 

ARTE PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO

 

1.- La nueva iconografía: la pintura de las catacumbas. La cristianización de la basílica.

 

2.- Los edificios bizantinos y la cúpula: Santa Sofía.

 

3.- La decoración musivaria.

 

Aprovechar este tema para comentar al alumno cómo un mismo arte puede sufrir transformaciones estéticas a partir de una cesura política: el arte paleocristiano antes y después del Edicto de Milán y el arte bizantino antes y después de la revolución iconoclasta.

 

Del arte paleocristiano durante la etapa de las persecuciones señalar las características de la catacumba y su decoración pictórica como un nuevo lenguaje expresivo. Tras la Paz de la Iglesia, referir como se cristianiza un modelo arquitectónico comercial de índole pagano -la basílica-, poniéndola al servicio de una religión comunitaria, ya que por ser la liturgia y el ceremonial romano al aire libre sus templos se concibieron como relicarios de sus dioses, incapaces, por tanto, de albergar a una asamblea de fieles.

 

Del arte bizantino señalar el gran logro arquitectónico de la cúpula sobre pechinas y el derrame de empujes y contrarrestos mediante el empleo de medias cúpulas, recogiendo pero superando la tradición y técnica romana expuesta en el Panteón. Asimismo enfocar los edificios de planta centrada y basilical bajo la óptica del espacio interior como complemento al fachadismo. Analícese también la utilización del mosaico como soporte decorativo y la inflexión que se opera en la iconografía a raíz de la revolución iconoclasta.

 

ARTE MUSULMÁN DE AL-ÁNDALUS

 

1.- Arte e Islam.

 

2.- Arquitectura. Arte califal: la mezquita de Córdoba, arquitectura y decoración. La ciudad palatina de Medina Azahra.

 

3.- Arte almohade. El arte nazarí: la Alhambra y el Generalife.

 

Enfocar el arte islámico como producto de la dimensión social árabe, ahondando en sus principios genuinos mediante los cuales se trata de organizar y dar sentido a pueblos, comunidades e individuos. Desechar la idea deformada, distorsionada y tópica, tan extendida en Occidente, al conocer al Islam a través de una sola faceta, la religiosa, y consecuentemente enfrentarla hostilmente, bajo conceptos maniqueos, al cristianismo.

 

Explicar la mezquita como trasunto de la vivienda doméstica de Mahoma -un patio y un recinto cubierto- señalando sus partes y la tipología de los elementos arquitectónicos. Ejemplarizar esta propuesta a través de la Mezquita de Córdoba. Aludir también por su trascendencia a la ciudad burocrática de Medina Azahra con Abd Al-Rahaman III.

 

Advertir el carácter anicónico del arte y el resumen de su código ornamental en la epigrafía, la decoración geométrica y el ataurique, o decoración vegetal estilizada.

 

Dada la importancia del arte islámico en Al-Ándalus, significar algunos de los vestigios más relevantes del arte almohade, como la Torre del Oro y la Giralda en Sevilla. Por último, explicar la acrópolis nazarita de la Alhambra granadina bajo la triple dimensión de ciudad, alcazaba y residencia; advirtiendo la importancia de la jardinería y la «civilización del agua para los musulmanes».

 

ARTE ROMÁNICO

 

1.- Introducción al románico.

 

2.- Arquitectura. Elementos formales y soluciones constructivas. La iglesia de peregrinación y el monasterio.

 

3.- Escultura y pintura.

 

Incidir en su asombrosa brevedad. El momento de máxima creatividad empezó a fines del siglo XI y en torno a 1140 había sido ya sustituido, en la Isla de Francia, por el gótico. Como características sociales y políticas comentar el feudalismo y las peregrinaciones, con especial significación en el Camino de Santiago. Desde el punto de vista técnico señalar todas las variedades expresivas que cristalizan en una iglesia de peregrinación, tomando como ejemplo la catedral compostelana. Advertir, a continuación, las peculiaridades nacionales que ofrece este estilo, subordinando la decoración al elemento rector, que es la arquitectura.

 

No obstante, dentro del panorama escultórico considerar la función pedagógica y docente de los claustros y, sobre todo, de las portadas como «catecismos pétreos» para enseñar a una población iletrada las verdades de la fe, a través de las artes visuales. Analizar la iconografía y la funcionalidad del tímpano como una «cristianización» de los frontones griegos.

 

Por lo que respecta a la pintura, establecer los distintos procedimientos técnicos entre la pintura mural y la decoración sobre tabla, centrándose en el románico español.

 

ARTE GÓTICO

 

1.- Características generales de la arquitectura gótica.

 

2.- La ciudad: la catedral y los edificios civiles.

 

3.- La escultura: portadas y retablos.

 

4.- La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena.

 

5.- Los primitivos flamencos del siglo XV: los van Eyck.

 

Explicar las importantes transformaciones que se producen desde el punto de vista económico y social respecto al románico. Frente al románico agrario, feudal y monástico surge ahora el gótico artesanal y burgués.

 

Significación de la catedral en la Baja Edad Media. Sobre una de las grandes catedrales francesas, analizar la estructura espacial y los elementos característicos de la arquitectura gótica. En cuanto a la arquitectura gótica española comentar las tres grandes catedrales castellanas del siglo XIII (León, Burgos y Toledo) y las que surgirán en el ámbito mediterráneo.

 

Valoración de la escultura ornamental gótica en las fachadas de los edificios y explicación del retablo como receptáculo de historias sagradas y método de formación.

 

Con respecto a la pintura del período advertir la doble corriente que genera la Italia del Trecento y los Países Bajos durante el siglo XV, así como la repercusión de estas tendencias en España. Sobre la pintura italiana del Trecento, analizar la doble dirección que representa la escuela florentina a través de Giotto y la escuela sienesa mediante Simone Martini. Sobre el arte flamenco explicar la técnica del aceite secante y el procedimiento de las «veladuras» a través de los hermanos Van Eyck.

 

ARTE MUDÉJAR

 

1.- El mudejarismo en la arquitectura española.

 

2.- El mudéjar cortesano: palacios, capillas funerarias y sinagogas.

 

3.- El mudéjar popular: Castilla, León, Toledo, Aragón y Andalucía.

 

Advertir cómo el mudejarismo ha sido una constante en la arquitectura española. Así mismo señalar que existió un mudéjar cortesano que se manifestó en palacios, capillas funerarias financiadas por la aristocracia y en las sinagogas judías; y otro mudéjar popular que tuvo su máximo exponente en el templo parroquial con características propias en Castilla, León, Toledo, Aragón y Andalucía.

 

ARTE RENACENTISTA Y MANIERISTA

 

1.- Introducción al Renacimiento.

 

2.- El Quattrocento italiano. Arquitectura: Brunelleschi y Alberti. Escultura: Donatello y Ghiberti. Pintura: Fra Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli.

 

3.- El Cinquecento y la crisis del Manierismo en Italia. Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio. Escultura: Miguel Ángel. Pintura: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. La escuela veneciana.

 

4.- España. Arquitectura: del Plateresco al Escorial. Escultura: los primeros imagineros: Berruguete y Juni. Pintura: El Greco.

 

El Renacimiento italiano representa una etapa decisiva en el desarrollo de la civilización occidental. Su nacimiento en los albores del siglo XV (el «Quattrocento» o Renacimiento temprano) y el excepcional esplendor que conseguirá en el siglo XVI (el «Cinquecento»: alto Renacimiento hasta 1520, fecha de la muerte de Rafael, y Manierismo posteriormente) contribuyeron a la transición entre la Europa medieval y la Edad Moderna. Este período de investigación y plenitud creadora bastó para forjar en el terreno de las artes un sistema de representación, que perduraría intacto hasta fines del siglo XIX.

 

Explicar la aparición del humanismo y el sentido antropocéntrico del arte en las «cortes» italianas del siglo XV, donde los artistas combinaron las impresiones ópticas del mundo visible con un sentido de estructura interior, que derivó, tras múltiples indagaciones, a la esfera de la teoría de las proporciones, la perspectiva y la anatomía.

 

En el terreno arquitectónico fue donde mejor se observa el resurgir de los motivos clásicos y su adaptación a las necesidades contemporáneas. Analizar la armonía y dignidad de estas estructuras a partir de los logros conseguidos por Brunelleschi en Florencia y Alberti en Mantua.

 

La recuperación de los valores clásicos en la figura y en el relieve se estudian en los relieves de Ghiberti para las puertas del Baptisterio de la Catedral de Florencia. Conviene señalar la personalidad de Donatello, sus aportes a la técnica escultórica y la importancia de la escultura ecuestre en el Renacimiento.

 

Con respecto a la pintura, Fra Angélico permite estudiar el intimismo religioso y avances técnicos como la perspectiva lineal, el sentido del dibujo y el color en la pintura renacentista. Asimismo, apuntar la gravedad psicológica de Masaccio y su plasticidad; el uso de la luz como elemento expresivo en Piero della Francesca, y el dibujo ondulante y nervioso de Botticelli.

 

El siglo XVI italiano contempla la «época de los genios». Pero la belleza emanada del equilibrio entre efectos ópticos y estructuras, la síntesis entre lo clásico y lo cristiano comienza a disolverse, dando paso, por la reiteración de tipos y patrones ya establecidos, a la complacencia en el equívoco manierista. Es entonces cuando las nítidas composiciones piramidales, las proporciones naturales y graciosos ademanes son sustituidos por composiciones nerviosas, carentes de espacios y atestadas por imágenes turbulentas, artificialmente alargadas y, a veces, arbitrariamente coloreadas, donde triunfa la «figura serpentinata». Examinar los logros arquitectónicos del periodo a través de los edificios de Bramante, Miguel Ángel y Palladio.

 

Exponer el valor de la escultura de Miguel Ángel y la evolución de su estilo mediante la consideración de sus principales obras.

 

Respecto a la pintura poner especial énfasis en la obra de los grandes maestros, advirtiendo las diferencias entre el diseño romano y la pintura colorista de la escuela veneciana, ejemplarizada en Tiziano.

 

Por lo que respecta al siglo XVI español, profundizar en sus tendencias arquitectónicas: el plateresco, el purismo y el clasicismo herreriano. Estudiar la imaginería cristiana del período a través de Berruguete y Juni, y resumir la actividad pictórica en la figura del Greco.

 

ARTE BARROCO

 

1.- Introducción.

 

2.- La arquitectura en Italia y Francia. Las plantas alabeadas de Bernini y Borromini. El palacio clasicista francés: Versalles.

 

3.- Escultura en Italia: Bernini.

 

4.- Pintura en Italia. El naturalismo y los problemas de la luz: Caravaggio. El clasicismo en los frescos de los Carracci.

 

5.- La pintura en Flandes y en Holanda: Rubens y Rembrandt.

 

6.-La arquitectura barroca española.

 

7.- La gran imaginería: Castilla y Andalucía. Murcia.

 

8.- La pintura barroca. El naturalismo tenebrista: Ribera y Zurbarán. Realismo Barroco: Velázquez y Murillo.

 

Estudiar el arte barroco como expresión del poder de los grandes monarcas europeos, de la fluyente riqueza de los Estados y de la próspera situación del catolicismo triunfante en el Concilio de Trento. Reflexionar brevemente sobre el desprecio que sintieron hacia la cascada de propuestas estéticas de este movimiento los neoclásicos academicistas del siglo XIX y la revalorización crítica que experimenta en el siglo XX. Indicar como características esenciales el dinamismo, los efectos escenográficos y lumínicos, y el carácter unitario de todas las artes. Y todo ello, tendente a mostrar el sentido exacerbado de la vida y del destino humano a través de toda una gama sensorial: desde el estallido de la espontaneidad hasta el control del clasicismo, desde la parada teatral hasta la interioridad espiritual.

 

En el capítulo de la arquitectura italiana analizar las grandes creaciones de planta alabeada realizadas por Bernini y Borromini, en la Roma de los Papas, y compararla con la arquitectura palatina de la monarquía francesa financiada por el rey Sol (Versalles), de formas clasicistas.

 

En cuanto a los logros escultóricos, exponerlos a través de la polifacética figura de Bernini, el monarca indiscutible del barroco romano y uno de los artistas más influyentes del barroco europeo.

 

La pintura barroca italiana debe concentrarse en la doble corriente del naturalismo caravaggiesco y el clasicismo de los Carracci. El Caravaggio transmite a sus lienzos un análisis visual fehaciente del mundo natural, basando la composición, el dibujo y el color sobre la observación directa y produciendo fuertes contrastes de luces y sombras. Por contra los Carracci rinden homenaje en sus frescos y bóvedas a la antigüedad clásica y exaltan las cualidades del control intelectual, equilibrio compositivo, integridad de forma, claridad de dibujo y distinción del color.

 

Fuera de Italia, la pintura barroca alcanza un amplísimo desarrollo en Flandes y Holanda. La influencia de factores religiosos, político-sociales y económicos determinan la separación de los ideales artísticos de Flandes (católico, monárquico, aristocrático y sometido al dominio español) y Holanda (protestante, republicana, burguesa e independiente). Analizar las características de estas dos grandes escuelas pictóricas europeas a través de la producción de Rubens y Rembrandt.

 

De la arquitectura barroca española significar su vertiente «casticista», caracterizada por la simplicidad estructural de las iglesias de «planta de cajón», ajenas a la ondulación de muros romana, pero brillante y teatralmente revestidas en sus interiores con yesos, maderas, espejos y, en algunos casos, provistas de cúpulas fingidas. Un exultante repertorio ornamental que se traduce en las aparatosas portadas, concebidas como retablos en piedra.

 

Como complemento significar la importancia urbanística de las grandes plazas mayores que se construyen en esta etapa.

 

Entre los géneros que cultiva la imaginería barroca española destacan el retablo y el paso procesional.

 

Como centros protagonistas de esta etapa conviene analizar a Valladolid, con la figura estelar de Gregorio Fernández, y a Sevilla con Juan Martínez Montañés y su discípulo Juan de Mesa. Asimismo examinar los logros del granadino Alonso Cano y de Salzillo en Murcia; advirtiendo las diferencias existentes entre las escuelas.

 

La gran escuela pictórica española del Siglo de Oro cuenta también con dos tendencias claramente diferenciadas: el naturalismo tenebrista y el realismo barroquista Analizar la primera dirección a través de la obra de José Ribera y Francisco Zurbarán, y ejemplificar la segunda corriente mediante la producción de Velázquez y Murillo.

 

ARTE NEOCLÁSICO

 

1.- Características generales del Neoclasicismo. Las Academias.

 

2.- Arquitectura: Juan de Villanueva. Escultura: Canova. Pintura: David.

 

3.- Francisco de Goya.

 

Explicar este tema como una vuelta a los ideales clásicos tras el cansancio y agotamiento de las fórmulas barrocas, haciendo notar al alumno el flujo y reflujo que han tenido los grandes ciclos y ritmos de la Historia del Arte entre lo clásico y lo barroco.

 

Dentro de las consideraciones generales del Neoclasicismo y utilizando a Francia como epicentro, señalar la función social del nuevo movimiento estético, puesto al servicio de las clases medias y populares que, tras la Revolución y la caída del Antiguo Régimen, ven en él la derrota de la aristocracia y del gusto barroco.

 

Exponer la influencia de la cultura de la Ilustración en las artes y el control de la enseñanza de las mismas por las Academias.

 

Plantear los caracteres de la arquitectura neoclásica en torno a la obra de Juan de Villanueva.

 

Caracteres de la escultura neoclásica y reseña artística de Antonio Canova.

 

Jacques-Louis David, por su vida de compromiso político y por las propuestas formales y morales que desarrolla en su pintura, viene a ser el mejor representante de los pintores del Neoclasicismo.

La vida y la obra de Goya condensan con categoría genial los sentimientos artísticos y los aportes plásticos de la generación que vivió los difíciles decenios del paso de siglo.

 

ARTE DEL SIGLO XIX

 

1.- Introducción. Romanticismo: Delacroix; Realismo: Courbet.

 

2.- Arquitectura. Historicismos. Edificios de hierro y cristal. El Modernismo.

 

3.- Impresionismo: Monet, Renoir, Degas. Las esculturas de Rodin.

 

4.- Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

 

Como preludio al arte contemporáneo explicar al alumno el sentido de cambio perpetuo que impera en el terreno artístico a lo largo de los siglos XIX y XX, como reflejo de una sociedad deseosa de encontrar nuevas soluciones a los problemas que acuciantemente se le presentan.

 

De entrada, Romanticismo y Realismo se convierten en una actitud ante la vida. Enfocar el Romanticismo como una pose adoptada por los artistas que quieren escapar de la sociedad burguesa decimonónica. El Realismo, tendencia doctrinaria y fanática, sobrepasó las fronteras del arte para extender su lucha a la vida política y militar.

 

Sus protagonistas van a ser mayoritariamente fieles republicanos entregados a la clase trabajadora.

 

Consecuentemente los artistas otorgan prioridad a la vista sobre otros principios abstractos de forma y composición, contenido emocional o narrativo. Este énfasis será asimismo esencial en la formación del Impresionismo.

 

Estúdiense ambos movimientos a través de la obra de Delacroix y de Courbet.

 

Los cambios del mapa europeo tras la caída de Napoleón y el advenimiento de la burguesía al poder provocan un fuerte interés por conocer las raíces históricas medievales, que tienen su reflejo en la revitalización de los estilos históricos: neorrománico, neogótico, neobizantino, etc. Hacia mediados de siglo se llega progresivamente a la delimitación de función y estilo que es característica de la arquitectura del Eclecticismo. Pueden estudiarse como ejemplos el Congreso de los Diputados y la Basílica de Covadonga, entre otros. Los problemas estilísticos que preocupaban a los arquitectos del siglo XIX encontraron una primera respuesta en la estética del Modernismo, en la cual se enlazan el culto al naturalismo y la aplicación de la tecnología del hierro. Pueden estudiarse estos planteamientos en las obras principales de Victor Horta y Antonio Gaudí.

 

Finalmente advertir las grandes aportaciones, basadas en la experiencia óptica directa de la luz y del color, que al terreno pictórico ofrecen los impresionistas: Monet, Degas y Renoir; incluyendo como colofón del movimiento la figura escultórica de Rodin.

 

Del postimpresionismo estudiar a sus tres grandes protagonistas, haciendo notar que de estos maestros surgirán otras tantas direcciones que tomará la pintura del siglo XX: Cézanne y el cubismo, Van Gogh y el expresionismo, y Gauguin, que abrirá los cauces del fauvismo, ingenuismo y primitivismo.

 

ARTE DEL SIGLO XX

 

1.- La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

2.- Escultura: innovaciones en materiales y técnicas.

 

3.- La pintura. Las vanguardias históricas: Fauvismo, Cubismo, Expresionismo alemán, Dadaísmo, Surrealismo y la abstracción.

 

La arquitectura, definida como el «arte indispensable», se sustancia durante este siglo en dos grandes corrientes: una europea, denominada «racionalismo», que tendrá en los arquitectos de la Bauhaus y en Le Corbusier a sus principales intérpretes; y otra norteamericana, llamada «organicismo», cuyo protagonista indiscutible es Frank Lloyd Wright. Señalar la filosofía y las características de ambas corrientes.

 

Por lo que respecta a la escultura de este siglo, explicar al alumno la importancia del «hueco» y el «cinetismo» como grandes innovaciones plásticas. Estúdiense estas innovaciones a través de la obra de Julio González, Pablo Gargallo y Alexander Calder.

 

Sobre los «ismos» matizar los orígenes del nombre con que se designa a cada uno de los movimientos conocidos como la vanguardia histórica: Fauvismo (Matisse), Expresionismo alemán (Kandinsky), Cubismo (Picasso), Dadaísmo (Duchamp) Surrealismo (Dalí) y la abstracción (Pollock).

_______________________________________________________________________________

 

La obra que hemos escogido como encabezamiento es la «Palas Atenea imponiendo la Paz entre el Oficio y la Industria» de Federico Amutio y Amil. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 110 x 170 cm. Se pintó para la sala denominada «La Cacharrería» del Ateneo de Madrid, donde se conserva. Esta obra debió realizarse por 1885.

 

Esta descripción incorpora datos procedentes de la página web del Ateneo de Madrid:

 

www.ateneodemadrid.com/index.php/esl/Agenda/Pieza-del-mes...

 

La ilustración procede de la siguiente página web:

 

www.google.es/search?num=30&hl=es&q=minerva+diosa...

Historical Context:

 

This painting probably depicts a French Hussar or Chasseur à Cheval from the Franco-Prussian War (1870–71)—a favorite subject of Detaille, who painted many heroic and somber scenes of this conflict. The somber tone and barren landscape reflect the hardships French troops faced during this war.

 

(Context generated with help from ChatGPT (OpenAI), based on analysis of my photo of Édouard Detaille’s painting and historical reference to the Franco-Prussian War.)

 

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Sculpture in Context is Ireland's largest outdoor sculpture exhibition. It offers an unparalleled opportunity to view well-established and promising future artists from both Ireland and abroad. Each year an independent panel of selectors is invited to adjudicate this open exhibition, resulting in an exciting mix of mediums and styles.

 

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To set the photos of the London Bridge "Shard of Glass" and Tower Bridge in context (see next 2 photos in this photostream), here is the view from the Tate Modern gallery (former Bankside Power Station) balcony, looking north across the river. This image, a photo-stitch of 3 photos, shows the scene to the left of the next river photo, including construction of the new trans-Thames Blackfriars railway station on the two C19 Blackfriars rail bridges - to be used by Thameslink trains. Also on the left are Blackfriars (road) Bridge, Somerset House and the BT, Euston & BT (formerly Post Office) towers; on the right side of the photo are to be seen the towers of the City, notably the former NatWest tower (imaginatively now called Tower 42), the Heron and Broadgate Towers (at 230 metres, the Heron, completed in 2011, is the tallest in the old City - until the Pinnacle or Bishopsgate Tower, 288 m, is finished in 2013 when, in height, it will be 2nd only to the Shard) and the "Gherkin" (30 St Mary Axe) .... and the Southwark and Canon Street railway bridges (view large or original size for detail).

A Imprensa Portuguesa em Goa - Índia

 

Resumo

 

O artigo analisa a história da imprensa portuguesa em Goa, na Índia, no contexto da

expansão da língua portuguesa. Identificado o início da imprensa periódica em Goa em 22 de dezembro de 1821, com a publicação do primeiro jornal oficial, a Gazeta de Goa,

o autor realiza a divisão da história da cultura literária de Goa Lusófona em quatro

períodos, relacionando ainda as publicações em língua portuguesa - jornais e periódicos

- que foram publicadas naquele País no período.

 

Imprensa Portuguesa em Goa, lusofonia, comunidades lusófonas.

 

Eduardo Judas Barros

 

Diretor do Núcleo de Estudos Afro-Asiáticos da Universidade Estadual de Londrina (UEL),

 

Introdução

 

O mundo lusófono hoje não é uma utopia mas sim uma realidade onde estão

integradas as comunidades que tem um elo forte de ligação baseado na língua

portuguesa e numa cultura proveniente da mesma fala.

Com efeito a lusofonia tem uma dupla dinâmica cultural: projeta cada uma das

culturas nacionais e comunitárias no espaço alargado da lusofonia e fortalece a cultura

portuguesa no mundo através das múltiplas pertenças dos países e comunidades

lusofónas nas áreas geoculturais em que se situam.

A fundação e a expansão de Portugal foram a precondição da existência das

comunidades lusófonas.

Neste contexto as viagens dos descobrimentos portugueses permitiram contatos

e relacionamentos duradouros com o Extremo Oriente de que ainda hoje se encontram

frutuosos vestígios.

A política de miscegenação, de casamentos e cruzamentos com os povos

encontrados foi uma constante da presença portuguesa que hoje constitui o Mundo da

Lusofonia que em estrito senso não é aplicável às presenças portuguesas na região da

Ásia-Pacífico, parecendo difícil, com exceção de Timor, a sua articulação com os

objetivos da Comunidade dos Países da Língua Portuguesa (CPLP).

Mas convêm alargar o entendimento da lusofonia e considerar que o legado

histórico-cultural de Portugal na região com marcas bem visíveis de Goa a Nagasaqui,

de Malaca a Macau, de Ceilão à Tailândia, partilham e incluem-se nessa comunidade de

entendimentos que tem sobrevivido às vicissitudes do tempo e encontra a sua forma de

linguagem em modos tão expressivos como a música, a literatura, a culinária, a

arquitetura e, sobretudo, formas de ser e estar em português, conseqüências do processo

de aculturação que marcou a colonização portuguesa.

Por toda a Ásia, o português tornou-se até ao século XVIII, a língua franca do

comércio à distância. Não apenas as povoações locais, mas, mais tarde, holandeses e

ingleses igualmente, tinham de aprender os rudimentos de português para serem

compreendidos dos intérpretes.

É neste contexto da expansão da língua portuguesa que se deve analisar a

história da imprensa portuguesa em Goa, na Índia.

Situada no sul, no litoral do Concão, na costa Ocidental da Índia, Goa, o atual

Estado indiano, foi a principal colônia portuguesa desde 1510 até 1961, ano em que foi

integrada na União Indiana.

 

Descoberto o caminho marítimo das Índias Orientais em 1498, por Vasco da

Gama, toda a base da expansão comercial portuguesa, que motivara os descobrimentos

mudou. Na primeira metade do século XV as expedições à África Ocidental buscavam,

primordialmente, adquirir o ouro da costa da Mina e da Guiné. As caravelas deixavam

as metrópoles carregadas de utensílios de latão e cobre, pano de linho e bugigangas,

mais tarde na Costa Oriental da África, rosários e miçangas, negociando esses artigos

contra ouro e escravos.

Uma vez descoberto o caminho marítimo para a Índia, o objetivo comercial

mudou e passou a ser o comércio das especiarias, pimenta, cravo, canela, noz moscada e não o ouro.

O acesso direto à Índia permitiu aos portugueses eliminar radicalmente os

intermediários árabes que haviam controlado o mercado de exportação europeu, até

aquela data, com base no Cairo e Alexandria. As especiarias eram compradas com ouro

de Guiné e com a prata alemã recebida em pagamento das mercadorias vendidas na

Europa. Veneza, o anterior empório do comércio das especiarias, na Europa, sofreu uma

severa crise e aliou-se aos traficantes árabes do Mar Vermelho numa tentativa de

desalojar, pela força, os portugueses das posições vantajosas que haviam conquistado na

Índia. Mas, em 1509, sob o comando de D. Francisco Almeida, que foi o primeiro vicerei

português na Índia, o controle português de navegação no Oriente Médio estava

assegurado. Os portugueses tinham conseguido monopolizar o comércio na Índia e em

grande parte do Oriente.

 

Em 1510, Afonso de Albuquerque conseguiu conquistar Goa e dominar toda a costa indiana.

E foi aqui em Goa, capital desde o início do império Português no Oriente que se

desenvolveu o processo de colonização portuguesa na Índia.

 

A língua portuguesa durante o período colonial foi a língua oficial do Estado,

tendo sido o veículo de instrução nas escolas primárias e secundárias até o Liceu, pois,

até a sua integração na Índia a colônia não tinha ensino superior universitário.

O domínio e a expansão da língua portuguesa em Goa criou uma base cultural

portuguesa, formada pelos portugueses bem como pelos Goeses que tinham assimilado

bem a língua portuguesa.

É neste sentido que se deve entender a presença da imprensa portuguesa em Goa.

 

Imprensa Portuguesa em Goa

 

O início da imprensa periódica em Goa, se deu em 22 de dezembro de 1821,

com a publicação do primeiro jornal oficial, a Gazeta de Goa.

Este jornal, órgão oficial do governo, era semanal e continha as deliberações do

governo, o cadastro mensal da receita e despesas do tesouro público, do senado da

câmara, da Santa Casa de Misericórdia, inserindo também algumas informações sobre a

metrópole e do estrangeiro.

A Gazeta de Goa teve como seu primeiro redator o físico-mor Dr. Antônio José

de Lima Leitão e em seguida foi editada pelo oficial-maior da secretaria, Luís Prates de

Almeida Albuquerque, a quem sucedeu José Aniceto da Silva.

O jornal perdeu o seu valor primitivo de publicação após a morte do seu redator

Luís Prates, convertendo-se em veículo de discussões e animosidades, como observa

Antônio Maria da Cunha, na sua obra A evolução do jornalismo. Em 1826, a Junta que

sucedeu ao Vice-rei D. Manuel de Câmara, lavrou em 29 de agosto de 1826 uma

portaria mandando cessar a publicação da Gazeta de Goa afirmando que “sempre o

governo passou sem imprensa e sem Gazeta até a infeliz época da Revolução, e nestes

tempos desastrosos só produziu males, e que achando-se atualmente os tipos

imprestáveis, não havia inconveniente em se suspender a Gazeta”.

Em conseqüência das lutas públicas no Estado, o governo que estava no poder,

criou em 13 de junho de 1835, um novo jornal periódico Chronica Constitucional de

Goa, que foi, portanto, o segundo jornal, igualmente oficial e semanal como o primeiro

e redigido pelo mesmo José Aniceto da Silva, que na sua parte não-oficial se consagrava

à política em combate violento com os jornais portugueses de Bombaim como o

Investigador Português, de José Valério Capela.

 

A Chrónica suspendeu a sua publicação em 30 de novembro de 1837. Sucedeu a

este jornal, o periódico oficial, Boletim do Governo do Estado da Índia, que teve

iniciada a sua publicação em 7 de dezembro de 1837. Conforme o decreto de 7 de

dezembro de 1936 que nas províncias ultramarinas fosse publicado em Boletim, tendo

por seu Editor Chefe o Secretário Antônio Mariano de Azevedo, auxiliado pelo cônego

Caetano João Peres e por Cláudio Lagrange Monteiro Barbuda. O Boletim foi publicado

semanalmente, à exceção dos primeiros cinco meses de 1843, em que se publicaram

dois números por semana, como se veio fazendo depois desde o começo de 1856 até

agosto de 1879. Tanto a Chronica Constitucional como a Gazeta de Goa segundo

observa Antônio Maria da Cunha no seu livreto A Evolução do Jornal tinham o cunho

de jornais oficiais. O primeiro jornal político da Índia Portuguesa foi o Echo da

Lusitânia, também impresso nos prelos do Governo por uma única razão de que não

havia outra tipografia no país. Tendo por editor o desembargador Manoel Felicíssimo

Lousada de Araújo, o jornal teve a periodicidade semanal com início em 7 de Janeiro de

1836 e terminado em 5 de março de 1837.

Na mesma Tipografia do Governo, foram ainda publicados O Vigilante, do

Major do Exército de Moçambique, João de Souza Machado, que se publicou de 13 de

julho de 1838 a 22 de outubro do mesmo ano; O Observador, de José Aniceto da Silva,

publicado de 15 de fevereiro de 1839 a 31 de outubro de 1840, tendo sido quinzenal nos

seus primeiros 24 exemplares e depois mensal; o Correio de Nova-Goa, semanal, de

Bento Zeferino Gonçalves de Macedo, de 4 de janeiro de 1844 a 8 de março de mesmo

ano; A Voz dos Povos da Índia, semanal também, da redação coletiva de José Aniceto

da Silva e outros que durou de 3 de julho de 1845 a 3 de março de 1846; o Defensor da

Ordem e da Verdade, da redação de José Antônio de Oliveira e outros, com a duração

de 24 de agosto de 1852 a 31 de agosto de 1853 e o Defensor do Real Padroado, com

os mesmos redatores do anterior que iniciaram a sua publicação, em 1º de setembro de

1853 e terminando em março de 1854.

Saiu à luz também nessa mesma época, outro órgão oficial que foi publicado de

22 de maio de 1844 até o fim do ano de 1845, com o nome de Apenso aos Boletins do

Governo e que tomou o nome depois de Jornal da Santa Igreja Lusitana publicado sob

a orientação do Arcebispo D. José Maria da Silva Torres, defensor vigoroso do

Padroado do Oriente contra a Propaganda, tendo sido publicado de janeiro de 1846 até

março de 1849.

Essa é a fase do primeiro período da Imprensa Periódica de Goa Colonial que saiu do prelo oficial do governo.

 

A Segunda Fase do Desenvolvimento

 

A segunda fase da imprensa portuguesa em Goa se inicia com a introdução da

primeira gráfica particular por Bernardo Francisco da Costa, em 1859, e é considerado o

mais fecundo período da imprensa e do progresso literário de Goa.

E foi ele que fundou o primeiro jornal com tipografia própria, O Ultramar. O

primeiro número de O Ultramar foi publicado na cidade de Margão, no Conselho de

Salcete em 6 de Abril de 1859, tendo o próprio Bernardo Francisco Costa como seu

Editor principal e seu irmão Antônio Anastácio Bruto da Costa como redator

responsável. Tendo Bernardo Francisco Costa sido eleito deputado às Cortes em Lisboa,

ficou desde 15 de agosto de 1867 como editor o seu irmão Antônio Anastácio Bruto da

Costa e continuou até a sua morte, 24 de abril de 1911. Conforme atesta Antônio Maria

da Cunha foi “o único jornalista da Índia Portuguesa cujo cinqüentenário se celebrou.

Após a sua morte o jornal foi dirigido pelo seu filho, o advogado Condorcê Bruto da

Costa, assumido o mesmo desde 1º de maio de 1911.

Inicialmente semanal, passou a ser bi-semanal desde 2 de novembro de 1905. Ao

Ultramar seguiu-se outro importante jornal A Índia Portuguesa, tendo como editor

Manuel Lourenço de Miranda. Foi publicado na Tipografia estabelecida em Margão e

depois transferida para Orlim no mesmo Conselho de Salcete, onde continuou a ser

publicado desde 29 de dezembro de 1864. Após a morte de Manoel de Miranda Franco,

passou em 13 demMaio de 1866 a ser editado por Dr. José Inácio de Loyola, que esteve

já trabalhando no jornal e permaneceu como editor até 17 de maio de 1902, seguindose-

lhe o seu irmão Avertano de Loiola que o editou de 4 de julho de 1892 até 21 de

Agosto de 1911, em que, por últimos acontecimentos políticos suspendeu a sua

publicação empreendendo a do outro jornal semanal, O Popular, em Varcá no mesmo

conselho de Salcete, que se publicou de 4 de outubro de 1911 a 20 de maio de 1912.

Renasce a Índia Portuguesa em 10 de agosto de 1912 sob a direção do Dr.

Miguel Loyola Furtado que a dirige até a sua morte em 14 de setembro de 1918, ficando

suspensa mais uma vez a sua publicação.

Porém, a Índia Portuguesa volta a ser publicada mais uma vez, mas desta vez

em São Tomé, uma aldeia do mesmo conselho de Salcete, sob a direção de Vicente de

Bragança Cunha e é publicada até 26 de novembro de 1921, interrompendo mais uma vez a sua publicação.

Com esses jornais encerra-se o segundo período da imprensa portuguesa em

Goa.

 

A Terceira Fase da Imprensa

 

O terceiro período da imprensa portuguesa em Goa pode ser marcado com a publicação do jornal diário O Heraldo.

As bases para o lançamento do jornal diário em Goa já se iniciam em 1899 e, em

22 de janeiro de 1900, é publicado o seu primeiro número, tendo como diretor e

proprietário Messias Gomes. Em 1901, com a partida de Messias Gomes a Lisboa,

assume a direção do jornal o jornalista Antônio Maria da Cunha, até 8 de maio de 1908,

que em seguida finda o seu próprio jornal Heraldo.

O jornal O Heraldo amplia as suas dimensões e, no mesmo dia, A Era Nova,

semanário da capital, torna-se diário mas termina a sua publicação em 1905.

Ainda em 1905 se inicia em Margão outro periódico, Echo da Índia, cujo

primeiro número sai, portanto, em 9 de setembro de 1905. Passa a ser semanal até que é

interrompida a sua publicação em 1907.

Mas no mesmo ano de 1905 publicou-se na capital do Estado de Goa, o Diário de Goa, que termina em 1906.

Também desde 14 de setembro de 1911 até 31 de novembro de 1912 é publicado

como diário o Correio da Índia, que passa depois a ser semanal.

Em 1 de dezembro de 1919 é publicado o Diário da Noite, de formato pequeno,

pelos irmãos Luís Menezes e Antônio Meneses. Temos ainda o diário publicado em

Margão no Conselho de Salcete, A Vida, fundado pelo médico Sales da Veiga Coutinho,

que continuou a ser publicado até depois da integração de Goa na Índia em 1964, tendo

como editor o seu filho, Pe. Lúcio da Veiga Coutinho, tendo sido transformado mais

tarde em diário de língua Concani, pelo nome de Divtti, do qual tive a oportunidade de

ser o seu primeiro editor.

Os quatro diários em língua Portuguesa – O Heraldo, Heraldo, Diário da Noite e

A vida –, continuaram a ser publicados em Goa até depois de 1964, ano em que Goa

começou a fazer parte da União Indiana. Hoje não existe nenhum jornal nem periódico

em língua portuguesa em Goa.

  

O Jornal diário O Heraldo se transformou em diário em inglês com o nome de

Herald.

 

Embora a colonização portuguesa se deva à exploração comercial, como se

qualificou todo o processo de colonização européia na Índia, esse processo se diferiu

tanto do processo de colonização francesa bem como inglesa, na própria Índia.

Esta diferenciação se baseia especificamente na política colonial portuguesa em

Goa, começada por Afonso de Albuquerque imediatamente após a sua tomada.

Esta política se firmava em construir uma comunidade luso-tropical cristã, sendo

que a colonização portuguesa e a cristianização se tornaram inseparáveis, o que não

aconteceu nem com a francesa nem com a inglesa nas outras regiões da Índia.

Por isso mesmo, como nota K. M. Pannikar (1956: 55). “de todos os povos que

colonizaram a Índia, os portugueses deixaram um rastro indelével da sua passagem

colonial”. Isso enquanto criaram em Goa uma comunidade cristã, adaptando-se o

conceito de luso-tropicalismo, qual foi proposto por Gilberto Freyre, às considerações

de situação histórico-social de Goa.

O processo colonial português chegou a criar uma comunidade cristã que se

ocidentalizou nos seus modos, hábitos de vida e valores culturais. Esse processo se

desenvolveu precisamente numa situação de transmissão cultural direto, considerada a

própria missiologia da época, segundo a qual cristianizar era ao mesmo tempo ocidentalizar.

Conforme o escritor goês Mariano Saldanha (1948;8), em Goa, a cultura

portuguesa teve rápida assimilação, tornando-se imediatamente reprodutiva, dado que o

secular sistema educativo dos hindus havia preparado o terreno intelectual propício.

Dentro de meio século, ou menos ainda, da dominação portuguesa, estava esta pequena

capital do império luso-oriental por tal forma lusitanizada no seu elemento intelectual

cristão, que se achava em condições de auxiliar o próprio governo português, tanto na

administração como na propagação do cristianismo no Oriente, fornecendo burocratas e

missionários nativos habilitados nos seus seminários e colégios”.

 

Conclusão

 

É neste contexto de colonização Portuguesa na Índia que a língua portuguesa,

remotamente aparentada com a língua local de Goa, o Concani, e com outras línguas de

procedência sanscrítica, espalha-se em todos os territórios de Goa, Damão e Diu que

constituem a Índia Portuguesa. Mais particularmente em Goa, devido às escolas

governamentais que se multiplicam e sobe a tal altura a assimilação do novo idioma por

parte duma elite sempre crescente de Goeses que não tarda a desabrochar em

apreciáveis produções de pensamento e de arte.

Com efeito, a história da cultura literária de Goa Lusófona poderá ser dividida

em quatro períodos. O primeiro abrange o tempo que vai desde a criação de escolas

paroquiais em 1545 até o início da imprensa periódica com a publicação de Gazeta de

Goa, em 22 de Dezembro de 1821. A segunda fase seria o tempo que vai até a criação

do Instituto Vasco da Gama em 1871, hoje chamado Instituto Menezes de Bragança,

nome de um dos lideres nacionalistas de Goa. O terceiro período poder-se-ia situar

desde 1871 até 19 de dezembro de 1961, data em que Goa foi integrada na União

Indiana. O período inicial da produção literária em língua portuguesa em Goa, tem

início em 1545, quando o Vice-Rei D. João de Castro, manda abrir escolas com o

objetivo de doutrinar nelas os meninos nos rudimentos da fé cristã e de ensiná-los, ao

mesmo tempo, a ler, escrever e cantar em português. Foram estas escolas os primeiros

estabelecimentos públicos da Instituição Primária em Goa em língua portuguesa.

É neste contexto que a imprensa portuguesa em Goa Colonial marca o

desenvolvimento da língua portuguesa em Goa e terá de ser estudada mais

profundamente para analisar a formação das elites intelectuais goesas, considerando que

todos os quatro diários se sustentaram e sobreviveram até pouco tempo depois da

integração de Goa na Índia, quando começa a desmoronar-se o mundo lusófono de Goa

na Índia

 

Numa análise das publicações em língua portuguesa encontramos uns cento e

oitenta e nove jornais e periódicos que foram publicados em Goa, a saber:

 

Jornais publicados em Goa

 

Número Títulos

 

1 Gazeta de Goa - semanal, 22/12/1821 a agosto de 1826

2 Chronica Constitucional de Goa - semanal, 13/06/1835 a 30/11/1837

3 Echo de Lusotânia - semanal, 07/01/1836 a 05/03/1837

4 Boletim do Governo do Estado da Índia - 07/12/1837

5 O Vigilante - semanal, 13/07/1838 a 22/10/1838

6 A Biblioteca de Goa - janeiro de 1839 (único número publicado)

7 O Observador - quinzenal, 15/02/1839 a 31/10/1840

8 O Encyclopedico - julho de 1841 a junho de 1842

9 O Compilador - mensal, 07/10/1843 a 31/12/1847

10 O Correio de Nova Goa - semanal, 04/01/1844 a 24/09/1844

11 Appenso ao Boletim do Governo - semanal, 22/05/1844 a dezembro de 1844

12 A Voz dos Povos da Índia - semanal, 03/07/1845 a 03/03/1846

13 Jornal da Santa Igreja Lusitana do Oriente - semanal, janeiro de 1846 a março de 1849

14 Gabinete Literário das fontainhas - mensal, 15/01/1846 a dezembro de 1848

15 O Mosaico - mensal, janeiro de 1848 a junho de 1848

16 O Defensor da Ordem e da Verdade - quinzenal, 24/08/1852 a 31/08/1853

17 O Defensor do Real Padroado - mensal, setembro de 1953 a março de 1854

18 Revista Ilustrativa - mensal, 06/11/1854 a 16/07/1855

19 O Ultramar - bissemanal, 06/04/1859 a novembro de 1941

20 A Índia Portuguesa - semanal, 04/01/1861 a 26/11/1921

21 A Phoenix de Goa - semanal, 06/04/1861 a 30/12/1862

22 A Harmonia - semanal, 12/04/1862 a 27/10/1864

23 A Aurora de Goa - semanal, 06/01/1863 a 01/071865

24 A Sentinella da Liberdade - semanal, 07/10/1864 a 31/12/1869

25 Jornal de Notícias - semanal, 01/10/1868 a 30/04/1869

26 A Imprensa - semanal, 18/10/1870 a abril de 1876

27 A Gazeta de Goa - semanal, 16/07/1872 a 30/12/1873

28 O Mensageiro - semanal, 16/08/1872 a 12/11/1873

29 O Paiz - semanal, 04/02/1873 a 27/10/1874

30 O Progresso - semanal, 07/04/1873 a 21/06/1873

31 Opinião Pública - semanal, 02/07/1873 a 22/12/1875

32 O Oriente - semanal, 07/03/1874 a 27/11/1874

33 Gazeta de Bardêz - semanal, 17/10/1874 a 22/01/1884

34 Nova Goa - semanal, 04/05/1876 a 12/03/1878

35 A Cruz - semanal, 15/07/1876 a 26/07/1882

36 A Patria - semanal, 10/01/1877 a 14/12/1894

37 A Civilização – semanal – 6.2.1877 a 28.11.1878

38 O Imparcial – 1.7.1878 a Agosto de 1899

39 A União – semanal – 5.9.1878 a 18.10.1880

40 A Semana – semanal – 4.3.1880 a 10.9.1880

41 A Verdade – semanal – 16.7.1882 a 31.12.1885

42 O Echo Popular – semanal – 7.1.1883 a 7.8.1884

43 O Correio da Índia – semanal – 7.8.1883 a 28.12.1892

44 O Correio de Goa – semanal – 7.8.1883 a 14.4.1888

45 O Crente – semanal – 9.8.1883 a 1928

46 Periódico do Povo – semanal – 25.10.1883 a 11.12.1886

47 O Progresso de Goa – semanal – 1883

48 The Times of Goa – semanal – 21.9.1885 a 1889

49 A Discussão – semanal – 12.08.1886 a 1889

50 A Convicção – semanal – 15.1.1887 a 1895

51 Farpas – semanal – Setembro 1887 a

52 O Repórter da Índia – semanal – 3.10.1888 a 22.3.1889

53 Archivo Portuguez Oriental – 1857 – 1866

54 O Patriota – 1858-1874

55 O Recreio – 1859-860 – 1865-1866

56 Tirocínio Literário – 1862-1863

57 Jornal de pharmacia e sciencias médicas da Índia Portugueza – 1862-1863

58 Revista médico-militar da Índia portuguesa – 1862-1864

59 Recreio das damas – 1863

60 O Periódico militar do ultramar portuguez – 1863

61 Ilustração goana – 1864-1866

62 Archivo de pharmacia e sciencias accessorias da Índia portugueza – 1864-1871

63 Harpa do Mandovy – 1865

64 O Chronista de Tissuary – 1866-1869

65 Goa sociavel – 1866

66 O Ramalhetinho – 1866-1870

67 O Oriente Catholico – 1867-1870

68 Instituto Vasco da Gama – 1872-1875

69 Jornal de pharmacia, chimica e historia natural medida – 1872-1873

70 Album litterario – 1875-1880

71 Dexâssudhârânetxo – (em port. E marata)- 1876-1880

72 Estreia Litteraria – 1877

73 Goamitra – 1882-1883

74 Jornal das Novas Conquistas – 1882-1886

75 O Arya-Bondir – 1885-1886

76 O Goa Pancha – 1885-1889 e 1890-1892

77 Cavaco Instructivo – 1887

78 Sudarxana – 1888

79 A Democracia – semanal – 11.10.1888 a 3.10.1889

80 Ortigas – semanal – 1.1.1889 (Único exemplar)

81 O Niaya Chacxu – 1889-1890

82 Mandovy – semanal – 7.1890 a 27.10.1890

83 Gomantac – 1890-1892

84 O Vinte e um de Setembro – semanal – 28.10.1890 a 29.12.1892

85 A Voz do Povo – semanal – 7.11.1890 a 1907

86 Correspondência de Goa – semanal – 1891

87 Gazeta de Perném – 1893-1894

88 Gazeta da Índia – semanal – 1.2.1893 a 18.8.1894

89 O Investigador – quinzenal – 29.1.1894 a 21.7.1894

90 O Indispensável – 1.4.1894 a 12.1895 – 28.12.1909 a 7.1915. Ed. Ingl. 1.1913 a 1.1914

91 Divan Litterario – 1894

92 Archivo Medico da Índia – 8.1894 a 4.1896

93 Notícias – 1.9.1894 a 1937

94 O Brado Indiano – semanal – 15.12.1894 a 12.1895

95 O Liberal – mansal – 1.1895 a 10.1895

96 O Paiz – quinzenal – 1.1.1895 a 10.1895

97 A Evolução – semanal – 2.1.1895 a 13.11.1895

98 Bibliotheca de Notícias – mensal – 3.8.1895 a 11.1895

99 A Era Nova – semanal – 3.11.1897 a 30.4.1903

100 O Portuguez – semanal – 16.12.1897 a 16.11.1901

101 O Atheta – semanal – 1899 a 22.12.1906

102 O Heraldo – diário – 22.1.1900 até hoje

103 O Bardezano – semanal – 4.2.1904 a 22.12.1906

104 O Índio – semanal – 9.2.1904 a 6.4.1908

105 O Nacionalista – semanal – 11.10.1904 a 12.12.1910

106 O Oriente – semanal – 9.3.1905 a 22.12.1905

107 Echo da Índia –9.9.1905 a 28.6.1907

108 A Reforma – semanal – 16.10.1905 a 1.1.1906

109 Diário de Goa – 16.10.1905 a 22.2.1906

110 O Imparcial – semanal – 5.3.1906 a 18.8.1906

111 O Pygmeu – diário – 4.2.1908 a 31.12.1909

112 Heraldo- diário – 21.5.1908 até hoje

113 O Ariano – semanal – 16.7.1908 a 27.12.1911

114 O Futuro – semanal – 11.4.1909 a 12.1.1917

115 O Commercio – diário – 1.10.1909 a 30.12.1912

116 O Debate – semanal – 3.4.1911 a 16.2.1921

117 O Popular – semanal - 4.10.1911 a 20.5.1912

118 O Povo – bisemanal – 26.7.1912 a 12.2.1913

119 Students’ Progress – 12.9.1912 a 8.1914

120 Jornal da Índia – semanal –14.3.1913 a 26.8.1913

121 Boletim do Commercio – semanal – 29.3.1913 a 29.3.1915.

122 A Pátria – semanal – 6.8.1913 a 29.10.1914.

123 Rebate – semanal – 1.10.1913 a 12.6.1914.

124 Vida Nova - semanal, 17/11/1913 a 22/09/1917

125 Jornal do Povo - semanal, 14/07/1914 a 10/10/1918

126 A Lanterna - semanal, 01/10/1914 a 02/12/1916

127 A Terra - bissemanal, 01/01/1916 a 1932

128 O Liberal - semanal, 05/10/1916 a 12/03/1919

129 O Progresso - semanal, 10/03/1917 a 15/11/1919

130 Opinião - semanal, 12/11/1917 a 29/03/1919

131 O Português - semanal, 08/06/1919 a 26/09/1919

132 Nacional - semanal, 03/11/1919 a 09/03/1920

133 Diário da Noite - diário, 01/12/1919 até hoje

134 A Tribuna - semanal, 02/01/1920 a 1925

135 Provincia - semanal, 07/06/1920 a 27/03/1922

136 O Bharat - 1920 a 1949

137 Boletim Geral de Medicina e Farmácia - 03/1921

138 Gazeta da Relação de Nova-Goa - semanal, 1921-1932

139 A Época - 1924-1930

140 Boletim do Instituto Vasco da Gama - 1926

141 Sandalcalo

142 Lubadhe - semanal

143 Arquivos da Escolas Médico-cirurgica de Nova-Goa - 06/1927 até hoje

144 Pracasha - 1928-1937

145 Correio de Bardez - semanal, 1928-1948

146 Filha, Mãe e Esposa - 1928-1938

147 Esplendores da Religião - 1928-1930

148 Vem. Padre José Vaz - mensal, Ed. Port. 05/1928; Ed. conc. 07/10/1929; Ed. ing. 01/1931.

149 Ariavidnyana - semanal, 1929

150 Estado da Índia

151 Pradipa - 1929-1930

152 Amchó Gão - semanal, 1929-1933

153 Niz Bhavarti - semanal, 01/1930

154 Voluntário - semanal, 1930

155 Porjecho Adar - 1930 até hoje

156 Diário da Tarde - 1931-1933

157 A Voz de S. Francisco Xavier - semanal, 1931-1942

158 Índia - mensal (ing.), 10/1931

159 Correio de Bicholim - semanal, 1931-1932

160 Vaisha - 1931

161 Patita pavana - trimensal, 1931

162 O Tempo - semanal, 1931-1951

163 Índia - Suplemneto (ing.), 08/1932

164 Mascote - semanal, 1933-1936

165 A Luta - 1933-1937

166 Bharat-Mitra - mensal, 1933 até hoje

167 Jornal da Índia - 1933-1945

168 O Médico - mensal, 01/1934 até hoje

169 O Independente - semanal, 25/12/1933 a 09/09/1946

170 Vauraddeanchó Ixtt (Amigo do Operário) - 12/1933 até hoje

171 Jornal das Comunidades - semanal, 1934-1937

172 Boletim da Comissão de Arqueologia - 10/1935

173 O Clínico - mensal, 11/12/1938 até hoje

174 A Vida - diário, 15/09/1938 até 1963

175 O Esculápio - 11/1940 a 05/1941

176 Boletim Eclesiástico da Arquidiocese de Goa - mensal, 07/1942 até hoje

177 Ala - anual, Revista do Liceu Nacional de Albuquerque, 1944

178 Oratório Salesiano de D. Bosco – 03/1946 até hoje

179 A Voz da Índia – 1946-1950

180 Avante - 10/1946

181 Aitarachem Vachop - quinzenal, 1947 até hoje

182 India - mensal, 01/1950 a 1964

183 Notícias do Estado da Índia - 08/1950 a 1961

184 Luz da Infância - mensal, 13/10/1951 a 1959

185 Portuguese India - quinzenal, 01/1952

186 Diário de Goa – 01/02/1953 a 1961

187 Revista Farmacêutica - trimestral, 01/1954 a 1959

188 Vanguarda - 10/1954 a 1961

189 Heraldo - ed. ingl., semanal, 31/04/1956 a 1962

190 O Heraldo - ed. conc. 02/02/1956 até hoje

 

Bibliografia

 

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D’AYALLA, Federico Diniz - Goa: antiga e moderna, Livraria Coelho, Nova Goa, 1927.

DE SOUZA, Teotonio - Goa to me, Concept Publishing Company, New Delhi, 1994.

DE SOUZA, Teotonio (Editor) - Goa Through the ages, vol. II, Concept Publishing

Co., New Delhi, 1989.

DIAS, Pe. Filinto Cristo - Esboço da história da literatura indo-portuguesa, Bastorá - Goa, 1963.

FURTADO, Álvaro de Loyola - Os primórdios da imprensa e do jornalismo em Goa e

no resto da Índia, Separata do Boletim do Instituto Menezes Bragança, Tipografia

Rangel, Bastorá – Goa, 1983.

ISSAR, T.P. - Goa Dourada - The Indo-Portuguese Bouquet, T.P. Issar, Bangalore, 1997.

MENEZES BRAGANÇA, Luis - A Educação e o Ensino na Índia Portuguesa, A Índia

Portuguesa, Nova Goa, 1923.

MENON, K.N. - Portuguese Pockets in India, Caxton Press, New Delhi, 1953.

PANNIKAR, K.M. - A survey of Indian History, Asia Publishing Honoe, Bombay, 1954.

RANGEL, Jaime - A imprensa em Goa, Tipografia Rangel, Bastará - Goa, 1956.

SEABRA, Manuel de e DEVI Vivala - Literatura Indo-Portuguesa, Junta de

Investigação do Ultramar, Lisboa, 1971.

SHIRODKAR, P.P. (org) - Goa Cultural Trends (Seminar Papers), directorate of

Archives, Archeology and Museum, panaji - Goa - 1988.

SILVA REGO, Antonio de - O Padroado Portugues do Oriente, Esboço Histórico,

Agencia Geral das colônias, Lisboa, 1940.

WHITEWAY, R.S. - Rise of Portuguese Power in India 1947-1950, Archibald

Constable & Co., London, 1899.

 

In: revcom2.portcom.intercom.org.br/index.php/anuariolusofono...

A couple of weeks ago I posted a shot from inside the summit of Obsidian Dome. This photo from 2001 gives an idea of how big it is; look for the man and his daughter on the slope. This is a pretty big volcanic dome to think about emerging near Mammoth Lakes just a few centuries ago! Tree rings show it erupted in 1350 AD.

Michele Hannan studied ceramics at the National College of Art and Design. Since graduating Michele has set up her own studio in Dublin and is now based in Palmerstown ,where she creates an exclusive range of contemporary ceramics, which include One-off, Sculptural Vessels, Decorative Bowls, Wall Pieces, Awards and Presentation Pieces.

 

Each piece is individually handmade using slabs of white stoneware or porcelain clay, which are then manipulated and modelled. Afterwards the work is decorated combining glass and volcanic glazes.

Tableaux de la France Envahie 1559-1569.

 

Museum of the Book - The history of letters, the book, letter print and book culture of the Czech lands in the European context.

 

"The development of the book culture of the Czech lands is demonstrated by the book exhibits – from medieval manuscripts through to old prints to contemporary graphic and book illustration, including samples of underground and exile literature borrowed from the library resources of Libri prohibiti. The exhibition includes the Baroque library of the Capuchin Monastery in Roudnice nad Labem, the library of Mladá Vožice Chateau and the classicist interior and personal library of the Czech historian, Gelasius Dobner, in the original bookcases. The exhibition concludes with the collection of Cubist furniture designed according to Josef Gočár’s plans and the carved furniture of the remarkable artist, Josef Váchal, together with a small exhibition of his graphic works. The reconstructions of the medieval Scriptorium, a printing room of the 16th century and samples of printing machines complete the overall picture."

My friend Bill Westerman, along with his super kind wife Ilana, run this cool company in California called Create with context.

They work in helping other companies to improve, innovate and evolve in terms of technology according to people's specific needs.

They have worked with important clients such as Adobe, Yahoo, Amway, Panasonic, Ebay, IBM among others.

They ask me to illustrate their 2010 bussiness calendar. The topic, of course, people.

Different people=different aproach to technology.

So, ¡¡here are the images!!!!

 

Mi amigo Bill Westerman, junto con su muy amable esposa Ilana, tienen esta empresa en California llamada Create with context. Ellos ayudan a otras empresas a innovar, mejorar y evolucionar en términos tecnológicos de acuerdo a las especificidades del contexto humano.

Ellos han trabajado con clientes importantes como Adobe, Panasonic, Ebay, Yahoo entre otros.

Ellos me pidieron ilustrar su calendario 2010; el tema por supuesto, la gente.

Diferentes personas=Diferentes acercamientos a la tecnología.

Así que: ¡¡Aquí están las imágenes!!!

A montage with cups in a yellow. a larger focal top cup in white, and canals in blue. The dark triangle to the left is simply an area in a deep shade cast from an adjacent stone. The image is a composite of around 9 photos, and there may be one or two small errors of detail arising from the merge. Some of the edge has been 'rebuilt' to remove overhanging vegetation. I know of two other representations of this stone, and some differences can be seen between all three. There is nothing definitive with this image - simply a contribution to the debate.

 

The whole piece measures around 1m 30cm wide and is also known as the 'Rock de les Creus'. Situated at around 900m high above the River Tet to the north behind Prades (Pablo Casals...) around the Vallée de la Castellane and overlooking the Massif du Canigou with a clear view of the vivid and almost Venus-like 'mini-mountain' on the mountain.

 

The stone appears around 50km up river from the Mediterranean sea in the foothills of the Pyrenees mountains. Regarding petroglyphs, the area is devoid of credible concentric rings, but is high on 'neolithic crosses' and sprawling map-like schema of loci and link.

 

Despite this rich and varied context, the 'Pierre gravée de Catllaurens' remains exceptional; unique to the area and yet a continuation and even formalization of the local themes of cup 'loci' and canal 'links'. Despite it's "web-like, net-like, fan-like, sundial-like" form being unique, I saw nothing in the carving to question its authenticity, with the hard mica-loaded schist worn evenly with the cycles of time.

 

The cups and rings of the region can be found integrated with megaliths (tables and orthostates). Here, pre existing surfaces with petroglyphs may have been removed to be integrated into dolmens, as much as cups and canal added to finished megaliths thus increasing 'meaning' without breaking taboos, and clearly done without cover of tumulus. This asserts a mid to late neolithic early date for this region's neolithic cups, links and canals - let's say 7,000 ybp. The cultural lifestyle of engaging with and creating cups and canals has a very wide geography from Portugal to Ireland, The British isles and the Mediterranean Islands. Whilst regional differences are plenty, a late potential date for this stone of mid bronze age would be safe, providing a safe date range from 7,000-3,000 ybp

 

Whilst the canals have visibly straightened since the lucid and expressive petroglyph stations of, for example the 'Creu de la Llosa' (see below), they are still far from being reliable enough for a sundial, with compartments efficient without being systematic.

 

Whilst liquids can flow through canals, there are too many horizontal canals for this to be considered as the objective : for example a liquide (water, herb infusion, blood) that is poured into the large cup, may flow down some canals and overflow from others, with little of the prediction and control that might be expected from objects refined for rites.

 

The canals do form the lines of a potential fishing net, and the sea, and an often wide river are not far away. Here, the cups may represent prehistoric net sinker stones (there were both perforated and grooved variations), with the larger cup being the 'collected haul' and/or a main weight to help send the throw with the pulls and tethers outreaching from below and the side. The 'weights' might double as loci of individual fishermen asking for the 'venus' of the Canigou mountain for support with their plenty. Two potentially very early cup and canal formations of bows can be seen near Pals (see Photostream) found over the Pyrenees in Spain, so the idea of assigning the rules of sharing to a focal object might here be expanded to a new 'tool'.

 

The Canigou mountain dominates from the local coast, and Catllaurens provides a fine viewpoint to a relatively convincing venus hill located on its summit (head tilted to left - few other features - but still a vivid, human scale, summer snow-free protected figure). That fishermen and crofters had lives bound with mutual exchange would give fishermen access to surpluses of leather and inland farmers access to, for example, the finer wood-working skills required for boat frames. With this scenario, I see no reason to favor a date from the continuum of potentials.

 

An alternative is to see the image as a representation of the principles of early field systems. Portuguese petroglyphs certainly added line and cell structures. Were this to be the case, then we would expect the petroglyph to be posterior to earlier cups and canals from the region. Here a neolithic cup and canal cross is a conglomorate of clans, and a larger cup and canal station, a schematic representation of a clan within a peopled ritual geography. Just such stones could function on many levels from hunters 'registry' stones (see past posts), to pedagogic visual aids, and post Mesolithic visual histories containing abstractions of rites that had, during earlier mobile ages, been assigned to far between geographies : rites by schematic proxy for the new sedentary. Here the 'fields' may be from the people of the foothills of the Canigou itself, with the stone positioned in a place from where the population could see themselves from afar.

 

Early fields were not perfect squares or rectangles, with huts integrated into boarders. Soil changes over a vast mountain slope, so that some small fields might have been more productive than other large fields - with the whole 'fan-shape' being varied enough for individuals to find a space on the 'diagram' that represented their 'identity' and 'place'. Once a mark has been placed on the petroglyphic 'net', a recognition to the larger top cup (pictured here in white) might be made. A rite of recognition and thanks to the 'Venus' of a most sacred mountain.

 

Before leaving the subject, an illustration of how porosity between category can provide drive :

"After the visiting fishermen drew an image of their net in the sand - to explain to the gathered crofters and local hunters - pointing to how their nets worked with a studied mix of weights and floaters : a hunter smiled and said, 'But your net is like our fields draped over our shared mountains, and we all ask for provision'. A handshake of solidarity came naturally, and a unifying cup and canal form was decided upon. All peoples living in the shadow of the mountain were free to visit the stone and make their thanks, mark their amulet presence for a hunt or a negotiation, or any other rite or explanation of people, activity and place. A small moment linking ways of being. A petroglyph surrounded by 'blue'; not a real 'visible blue' - but the imagined blue of a summer sky, there to reveal the Venus summit, over the deep blue of the fishermen's sea. Links of mountain water, river highway and salty sea.

 

AJM 12.10.18

 

As always, the colour is added in post production and the site itself is left untouched.

'Corridor with Mirror and White Lights', Bruce Nauman, Tate Modern's Switch House opening

 

COPY

Repository: Penn Libraries

Call number: Folio PR2751 .A1

Copy title: Mr. VVilliam Shakespeares comedies, histories, & tragedies : published according to the true originall copies.

Author(s): Shakespeare, William, 1564-1616.

Published: England London., 1623

Printer/Publisher: Printed by Isaac Jaggard, and Ed. Blount, 1623.

All images from this book

 

FIND IN POP

Folio PR2751 .A1

Penn Libraries

Shakespeare, William, 1564-1616.

England London.

1623

Context Image (non-evidence)

 

BALANCED SCALE:

  

My image has three essential parts: the reader, the text, and the context. I used a balance scale (drawn in red, and admittedly, not exactly balanced), to show the relationship between these parts. On one end of the scale, there is the reader/student. Prior to any content class, it is EXTREMELY likely that a student has already been assessed (multiple times throughout his/her academic career) to determine his/her mastery of specific reading skills and strategies. Assessments typically include a wide range of 1 on 1 assessments, as well as scores from standardized tests. While the data gathered in assessment is certainly helpful to get a sense of a student’s reading ability, it is NOT the only factor that comes into play. A student’s ability to handle content literacy is greatly affected by the student’s interests, motivations, prior experiences, background knowledge, and self-perception. On the other end of the scale, there is a “content area” book. Note that the scale is balanced, which reflects the importance of the text being at the student’s level. Readability scales and formulas can help to get a general sense of how a student might handle a text, but again, it is only one factor of a much larger picture. The relationship between a student and the text is dependent on the context, which is why CONTEXT appears as the fulcrum (the triangle). The context is typically shaped by the teacher. In my image, I highlight some of the decisions a teacher might make that would affect the scale.

 

I like these.

 

GOD AND ADAM BY MICK DAVIS - A SET OF TWO I WILL LEAVE IT UP TO DECIDE WHICH ONE IS GOD AND WHICH ONE IS ADAM.

 

These were created using recycled bicycle tyres [tires if you live in the USA]

 

The Mobile Emergency Room is a project by Thierry Geoffroy/Colonel, a participating artist of the Maldives Pavilion working with art formats developed around the notion of emergency.

 

www.emergencyrooms.org

 

Emergency Room is a format providing space for artists to engage in urgent debates, address societal dysfunctions and express emergencies in the now, today, before it is too late. Geoffroy’s approach allows immediate artistic intervention and displaces the contemporary to the status of delayed comment on yesterday’s world.

Taking as point of departure climate change and the Maldives, Geoffroy developed a scenario of disappearance and translated actual emergencies and hospitality needs into artistic interventions. In this context he activated his penetration format in order to transform “rigid exhibition spaces” into “elastic and generous exhibition spaces”.

An intervention facilitated by curator Christine Eyene, the Mobile Emergency Room was set up at the Zimbabwe Pavilion during the opening week of the biennale with the hospitality of commissioner Doreen Sibanda and curator Raphael Chikukwa. The first pieces presented in this room consisted in Geoffroy’s tent and an installation by Polish artist Christian Costa. Since then it has been animated online and has extended from being a space for artists expressing emergencies about climate change, to encompassing various emergency topics.

From 24 to 28 August, Geoffroy was in Venice collaborating with Danish artists Nadia Plesner, Mads Vind Ludvigsen, who created new work everyday, raising various emergencies and concerns, with a daily change of exhibition (“passage”) at 3.00 pm. For his last day in Venice, Geoffroy addressed the Syrian situation.

 

The work produced during this intervention is displayed until 30 September. The presentation is based on Geoffroy's concept of "Delay Museum" where art created for past emergencies is exhibited, while new work enters the Mobile Emergency Room.

 

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the Emergency Room Mobile at the Zimbabwe pavilion / Venice Biennale has now been completed with some work from the The Delay Museum ,Please visit the pavilion when you go the Venice Biennale this is part of the PENETRATIONS formats ( the Zimbabwe pavilion gave hopsitality for a period of several monthes ) the displayed art works in the Delay Museum are still "boiling " as they are from last week . ( Nadia Plesner / Mads Vind Ludvigsen , COLONEL ) ( this project is a convergence with BIENNALIST / Emergency Room ) more on Christine Eyene blog as she facilated and work within ....This penetration was in connection with my participation in the Maldives pavilion " CAN A NATION WELCOME ANOTHER NATION ?"CAN EMERGENCIES BE RANKED " .Thank you also for the work by David Marin , @Guillaume Dimanche and Christian Costa

venice-biennale-biennalists.blogspot.dk/2013/09/recents-w...

 

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VENICE BIENNALE / VENEZIA BIENNIAL 2013 : BIENNALIST

 

www.emergencyrooms.org/biennalist.html

 

Biennalist is an Art Format by Thierry Geoffroy / Colonel debating with artistic tools on Biennales and other cultural managed events . Often those events promote them selves with thematics and press releases faking their aim . Biennalist take the thematics of the Biennales very seriously , and test their pertinance . Artists have questioned for decade the canvas , the pigment , the museum ... since 1989 we question the Biennales .Often Biennalist converge with Emergency Room providing a burning content that cannot wait ( today before it is too late )

 

please contact before using the images : Thierry Geoffroy / Colonel 1@colonel.dk

www.colonel.dk

 

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Countries( nations ) that participate at the Venice Biennale 55 th ( 2013 Biennale di Venezia ) in Italy ( at Giardini or Arsenale or ? ) , Encyclopedic Palace is curated by Massimiliano Gioni

 

Albania, Andorra, Argentina, Australia, Austria, Azerbaijan, Bangladesh, Belarus, Belgium, Brazil, Bulgaria,

Costa Rica, Croatia, Cuba, Cyprus, Czech , Slovenia, South Africa, Spain, Canada, Chile, China, Congo,

Slovak Republic, Egypt, Estonia, Finland, France, Georgia, Germany, Greece, Haiti, Hungary, Iceland, India, Iran, Iraq, Ireland, Israel, Italy, Japan, Korea, Latvia, Lithuania, Luxembourg, Macedonia,

Mexico, Moldova, Montenegro, Netherlands, New Zealand, Norway, Poland, Portugal, Romania, Russia, San Marino, Saudi Arabia, Serbia, Singapore

Sweden, Switzerland, Syrian Arab Republic, Thailand, Turkey, Ukraine, United Arab Emirates, United Kingdom, United States of America, Uruguay, Venezuela, Zimbabwe

the Bahamas, the Kingdom of Bahrain, the Republic of Kosovo, Kuwait, the Maldives, Côte d'Ivoire, Nigeria and Paraguay

 

Eight countries will also participate for the first time in next year's biennale: the Bahamas, the Kingdom of Bahrain, the Republic of Kosovo, Kuwait, the Maldives, Côte d'Ivoire, Nigeria and Paraguay. In 2011, 89 international pavilions, the most ever, were accessible in the Giardini and across the city.

 

please contact before using the images : Thierry Geoffroy / Colonel 1@colonel.dk

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lists of artists participating at the Venice Biennale

 

Hilma af Klint, Victor Alimpiev, Ellen Altfest, Paweł Althamer, Levi Fisher Ames, Yuri Ancarani, Carl Andre, Uri Aran, Yüksel Arslan, Ed Atkins, Marino Auriti, Enrico Baj, Mirosław Bałka, Phyllida Barlow, Morton Bartlett, Gianfranco Baruchello, Hans Bellmer, Neïl Beloufa, Graphic Works of Southeast Asia and Melanesia, Hugo A. Bernatzik Collection, Ștefan Bertalan, Rossella Biscotti, Arthur Bispo do Rosário, John Bock, Frédéric Bruly Bouabré, Geta Brătescu, KP Brehmer, James Lee Byars, Roger Caillois, Varda Caivano, Vlassis Caniaris, James Castle, Alice Channer, George Condo, Aleister Crowley & Frieda Harris, Robert Crumb, Roberto Cuoghi, Enrico David, Tacita Dean, John De Andrea, Thierry De Cordier, Jos De Gruyter e Harald Thys, Walter De Maria, Simon Denny, Trisha Donnelly, Jimmie Durham, Harun Farocki, Peter Fischli & David Weiss, Linda Fregni Nagler, Peter Fritz, Aurélien Froment, Phyllis Galembo, Norbert Ghisoland, Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi, Domenico Gnoli, Robert Gober, Tamar Guimarães and Kasper Akhøj, Guo Fengyi, João Maria Gusmão & Pedro Paiva, Wade Guyton, Haitian Vodou Flags, Duane Hanson, Sharon Hayes, Camille Henrot, Daniel Hesidence, Roger Hiorns, Channa Horwitz, Jessica Jackson Hutchins, René Iché, Hans Josephsoh, Kan Xuan, Bouchra Khalili, Ragnar Kjartansson, Eva Kotátková, Evgenij Kozlov, Emma Kunz, Maria Lassnig, Mark Leckey, Augustin Lesage, Lin Xue, Herbert List, José Antonio Suárez Londoño, Sarah Lucas, Helen Marten, Paul McCarthy, Steve McQueen, Prabhavathi Meppayil, Marisa Merz, Pierre Molinier, Matthew Monahan, Laurent Montaron, Melvin Moti, Matt Mullican, Ron Nagle, Bruce Nauman, Albert Oehlen, Shinro Ohtake, J.D. ‘Okhai Ojeikere, Henrik Olesen, John Outterbridg, Paño Drawings, Marco Paolini, Diego Perrone, Walter Pichler, Otto Piene, Eliot Porter, Imran Qureshi, Carol Rama, Charles Ray, James Richards, Achilles G. Rizzoli, Pamela Rosenkranz, Dieter Roth, Viviane Sassen, Shinichi Sawada, Hans Schärer, Karl Schenker, Michael Schmidt, Jean-Frédéric Schnyder, Friedrich Schröder-Sonnenstern, Tino Sehgal, Richard Serra, Shaker Gift Drawings, Jim Shaw, Cindy Sherman, Laurie Simmons e Allan McCollum, Drossos P. Skyllas, Harry Smith, Xul Solar, Christiana Soulou, Eduard Spelterini, Rudolf Steiner, Hito Steyerl, Papa Ibra Tall, Dorothea Tanning, Anonymous Tantric Paintings, Ryan Trecartin, Rosemarie Trockel, Andra Ursuta, Patrick Van Caeckenbergh, Stan VanDerBeek, Erik van Lieshout, Danh Vo, Eugene Von Bruenchenhein, Günter Weseler, Jack Whitten, Cathy Wilkes, Christopher Williams, Lynette Yiadom-Boakye, Kohei YoshiyUKi, Sergey Zarva, Anna Zemánková, Jakub Julian Ziółkowski ,Artur Żmijewski.

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other pavilions at Venice Biennale

 

Andorra

Artists: Javier Balmaseda, Samantha Bosque, Fiona Morrison

Commissioner: Henry Périer

Deputy Commissioners: Francesc Rodríguez, Ermengol Puig, Ruth Casabella

Curators: Josep M. Ubach, Paolo De Grandis

Venue: Arsenale di Venezia, Nappa 90

 

Angola

Artist: Edson Chagas

Commissioner: Ministry of Culture

Curators: Beyond Entropy (Paula Nascimento, Stefano Rabolli Pansera), Jorge Gumbe, Feliciano dos Santos

Venue: Palazzo Cini, San Vio, Dorsoduro 864

 

Argentina

Artist: Nicola Costantino

Commissioner: Magdalena Faillace

Curator: Fernando Farina

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Armenia

Artist: Ararat Sarkissian

Commissioner: Ministry of Culture

Curator: Arman Grogoryan

Venue: Isola di San Lazzaro degli Armeni, everyday from 2:30 p.m. to 5:30 p.m.

 

Australia

Artist: Simryn Gill

Commissioner: Simon Mordant

Deputy Commissioner: Penelope Seidler

Curator: Catherine de Zegher

Venue: Pavilion at Giardini

 

Austria

Artist: Mathias Poledna

Commissioner/Curator: Jasper Sharp

Venue: Pavilion at Giardini

 

Azerbaijan

Artists: Rashad Alakbarov, Sanan Aleskerov, Chingiz Babayev, Butunay Hagverdiyev, Fakhriyya Mammadova, Farid Rasulov

Commissioner: Heydar Aliyev Foundation

Curator: Hervé Mikaeloff

Venue: Palazzo Lezze, Campo S. Stefano, San Marco 2949

 

Bahamas

Artist: Tavares Strachan

Commissioner: Nalini Bethel, Ministry of Tourism

Curators: Jean Crutchfield, Robert Hobbs

Deputy Curator: Stamatina Gregory

Venue: Arsenale, Tese Cinquecentesche

 

Bangladesh

Chhakka Artists’ Group: Mokhlesur Rahman, Mahbub Zamal, A. K. M. Zahidul Mustafa, Ashok Karmaker, Lala Rukh Selim, Uttam Kumar Karmaker. Dhali Al Mamoon, Yasmin Jahan Nupur, Gavin Rain, Gianfranco Meggiato, Charupit School

Commissioner/Curator: Francesco Elisei.

Curator: Fabio Anselmi.

Venue: Officina delle Zattere, Dorsoduro 947

 

Bahrain

Artists: Mariam Haji, Waheeda Malullah, Camille Zakharia

Commissioner: Mai bint Mohammed Al Khalifa, Minister of Culture

Curator: Melissa Enders-Bhatiaa

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Belgium

Artist: Berlinde De Bruyckere

Commissioner: Joke Schauvliege, Flemish Minister for Environment, Nature and Culture

Curator: J. M. Coetzee

Deputy Curator: Philippe Van Cauteren

Venue: Pavilion at Giardini

 

Bosnia and Herzegovina

Artist: Mladen Miljanovic

Commissioners: Sarita Vujković, Irfan Hošić

Venue: Palazzo Malipiero, San Marco

 

Brazil

Artists: Hélio Fervenza, Odires Mlászho, Lygia Clark, Max Bill, Bruno Munari

Commissioner: Luis Terepins, Fundação Bienal de São Paulo

Curator: Luis Pérez-Oramas

Deputy Curator: André Severo

Venue: Pavilion at Giardini

 

Canada

Artist: Shary Boyle

Commissioner: National Gallery of Canada / Musée des beaux-arts du Canada

Curator: Josée Drouin-Brisebois

Venue: Pavilion at Giardini

 

Central Asia

Artists: Vyacheslav Akhunov, Sergey Chutkov, Saodat Ismailova, Kamilla Kurmanbekova, Ikuru Kuwajima, Anton Rodin, Aza Shade, Erlan Tuyakov

Commissioner: HIVOS (Humanist Institute for Development Cooperation)

Deputy Commissioner: Dean Vanessa Ohlraun (Oslo National Academy of the Arts/The Academy of Fine Art)

Curators: Ayatgali Tuleubek, Tiago Bom

Scientific Committee: Susanne M. Winterling

Venue: Palazzo Malipiero, San Marco 3199-3201

 

Chile

Artist: Alfredo Jaar

Commissioner: CNCA, National Council of Culture and the Arts

Curator: Madeleine Grynsztejn

Venue: Pavilion at Arsenale

 

China

Artists: He Yunchang, Hu Yaolin, Miao Xiaochun, Shu Yong, Tong Hongsheng, Wang Qingsong, Zhang Xiaotao

Commissioner: China Arts and Entertainment Group (CAEG)

Curator: Wang Chunchen

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Costa Rica

Artists: Priscilla Monge, Esteban Piedra, Rafael Ottón Solís, Cinthya Soto

Commissioner: Francesco Elisei

Curator: Francisco Córdoba, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (Fiorella Resenterra)

Venue: Ca’ Bonvicini, Santa Croce

 

Croatia

Artist: Kata Mijatovic

Commissioner/Curator: Branko Franceschi.

Venue: Sala Tiziano, Opera don Orione Artigianelli, Fondamenta delle Zattere ai Gesuati 919

 

Cuba

Artists: Liudmila and Nelson, Maria Magdalena Campos & Neil Leonard, Sandra Ramos, Glenda León, Lázaro Saavedra, Tonel, Hermann Nitsch, Gilberto Zorio, Wang Du, H.H.Lim, Pedro Costa, Rui Chafes, Francesca Leone

Commissioner: Miria Vicini

Curators: Jorge Fernández Torres, Giacomo Zaza

Venue: Museo Archeologico Nazionale di Venezia, Palazzo Reale, Piazza San Marco 17

 

Cyprus

Artists: Lia Haraki, Maria Hassabi, Phanos Kyriacou, Constantinos Taliotis, Natalie Yiaxi, Morten Norbye Halvorsen, Jason Dodge, Gabriel Lester, Dexter Sinister

Commissioner: Louli Michaelidou

Deputy Commissioners: Angela Skordi, Marika Ioannou

Curator: Raimundas Malašauskas

 

Czech Republic & Slovak Republic

Artists: Petra Feriancova, Zbynek Baladran

Commissioner: Monika Palcova

Curator: Marek Pokorny

Venue: Pavilion at Giardini

 

Denmark

Artist: Jesper Just in collaboration with Project Projects

Commissioners: The Danish Arts Council Committee for International Visual Arts: Jette Gejl Kristensen (chairman), Lise Harlev, Jesper Elg, Mads Gamdrup, Anna Krogh

Curator: Lotte S. Lederballe Pedersen

Venue: Pavilion at Giardini

 

Egypt

Artists: Mohamed Banawy, Khaled Zaki

Commissioner: Ministry of Culture

Venue: Pavilion at Giardini

 

Estonia

Artist: Dénes Farkas

Commissioner: Maria Arusoo

Curator: Adam Budak

Venue: Palazzo Malipiero, San Marco 3199, San Samuele

 

Finland

Artist: Antti Laitinen

Commissioner: Raija Koli

Curators: Marko Karo, Mika Elo, Harri Laakso

Venue: Pavilion at Giardini

 

France

Artist: Anri Sala

Commissioner: Institut français

Curator: Christine Macel

Venue: Pavilion of Germany at the Giardini

 

Georgia

Artists: Bouillon Group,Thea Djordjadze, Nikoloz Lutidze, Gela Patashuri with Ei Arakawa and Sergei Tcherepnin, Gio Sumbadze

Commissioner: Marine Mizandari, First Deputy Minister of Culture

Curator: Joanna Warsza

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Germany

Artists: Ai Weiwei, Romuald Karmakar, Santu Mofokeng, Dayanita Singh

Commissioner/Curator: Susanne Gaensheimer

Venue: Pavilion of France at Giardini

 

Great Britain

Artist: Jeremy Deller

Commissioner: Andrea Rose

Curator: Emma Gifford-Mead

Venue: Pavilion at Giardini

 

Greece

Artist: Stefanos Tsivopoulos

Commissioner: Hellenic Ministry of Education and Religious Affairs, Culture and Sports

Curator: Syrago Tsiara

Venue: Pavilion at Giardini

 

Holy See

Artists: Lawrence Carroll, Josef Koudelka, Studio Azzurro

Curator: Antonio Paolucci

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Hungary

Artist: Zsolt Asztalos

Commissioner: Kunstahalle (Art Hall)

Curator: Gabriella Uhl

Venue: Pavilion at Giardini

 

Iceland

Artist: Katrín Sigurðardóttir

Commissioner: Dorotheé Kirch

Curators: Mary Ceruti , Ilaria Bonacossa

Venue: Lavanderia, Palazzo Zenobio, Collegio Armeno Moorat-Raphael, Fondamenta del Soccorso, Dorsoduro 2596

 

Indonesia

Artists: Albert Yonathan Setyawan, Eko Nugroho, Entang Wiharso, Rahayu Supanggah, Sri Astari, Titarubi

Commissioner: Soedarmadji JH Damais

Deputy Commissioner: Achille Bonito Oliva

Assistant Commissioner: Mirah M. Sjarif

Curators: Carla Bianpoen, Rifky Effendy

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Iraq

Artists: Abdul Raheem Yassir, Akeel Khreef, Ali Samiaa, Bassim Al-Shaker, Cheeman Ismaeel, Furat al Jamil, Hareth Alhomaam, Jamal Penjweny, Kadhim Nwir, WAMI (Yaseen Wami, Hashim Taeeh)

Commissioner: Tamara Chalabi (Ruya Foundation for Contemporary Culture)

Deputy Commissioner: Vittorio Urbani

Curator: Jonathan Watkins.

Venue: Ca' Dandolo, San Tomà, Venezia

 

Ireland

Artist: Richard Mosse

Commissioner, Curator: Anna O’Sullivan

Venue: Fondaco Marcello, San Marco 3415

 

Israel

Artist: Gilad Ratman

Commissioners: Arad Turgeman, Michael Gov

Curator: Sergio Edelstein

Venue: Pavilion at Giardini

 

Italy

Artists: Francesco Arena, Massimo Bartolini, Gianfranco Baruchello, Elisabetta Benassi, Flavio Favelli, Luigi Ghirri, Piero Golia, Francesca Grilli, Marcello Maloberti, Fabio Mauri, Giulio Paolini, Marco Tirelli, Luca Vitone, Sislej Xhafa

Commissioner: Maddalena Ragni

Curator: Bartolomeo Pietromarchi

Venue: Italian Pavilion, Tese delle Vergini at Arsenale

 

Ivory Coast

Artists: Frédéric Bruly Bouabré, Tamsir Dia, Jems Koko Bi, Franck Fanny

Commissioner: Paolo De Grandis

Curator: Yacouba Konaté

Venue: Spiazzi, Arsenale, Castello 3865

 

Japan

Artist: Koki Tanaka

Commissioner: The Japan Foundation

Curator: Mika Kuraya

Venue: Pavilion at Giardini

 

Kenya

Artists: Kivuthi Mbuno, Armando Tanzini, Chrispus Wangombe Wachira, Fan Bo, Luo Ling & Liu Ke, Lu Peng, Li Wei, He Weiming, Chen Wenling, Feng Zhengjie, César Meneghetti

Commissioner: Paola Poponi

Curators: Sandro Orlandi, Paola Poponi

Venue: Caserma Cornoldi, Castello 4142 and San Servolo island

 

Korea (Republic of)

Artist: Kimsooja

Commissioner/Curator: Seungduk Kim

Deputy Commissioner: Kyungyun Ho

Venue: Pavilion at Giardini

 

Kosovo

Artist: Petrit Halilaj

Commissioner: Erzen Shkololli

Curator: Kathrin Rhomberg

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Kuwait

Artists: Sami Mohammad, Tarek Al-Ghoussein

Commissioner: Mohammed Al-Asoussi (National Council of Culture, Arts and Letters)

Curator: Ala Younis

Venue: Palazzo Michiel, Sestriere Cannaregio, Strada Nuova

 

Latin America

Istituto Italo-Latino Americano

Artists:

Marcos Agudelo, Miguel Alvear & Patricio Andrade, Susana Arwas, François Bucher, Fredi Casco, Colectivo Quintapata (Pascal Meccariello, Raquel Paiewonsky, Jorge Pineda, Belkis Ramírez), Humberto Díaz, Sonia Falcone, León & Cociña, Lucía Madriz, Jhafis Quintero, Martín Sastre, Guillermo Srodek-Hart, Juliana Stein, Simón Vega, Luca Vitone, David Zink Yi.

Harun Farocki & Antje Ehmann. In collaboration with: Cristián Silva-Avária, Anna Azevedo, Paola Barreto, Fred Benevides, Anna Bentes, Hermano Callou, Renata Catharino, Patrick Sonni Cavalier, Lucas Ferraço Nassif, Luiz Garcia, André Herique, Bruna Mastrogiovanni, Cezar Migliorin, Felipe Ribeiro, Roberto Robalinho, Bruno Vianna, Beny Wagner, Christian Jankowski

 

Commissioner: Sylvia Irrazábal

Curator: Alfons Hug

Deputy Curator: Paz Guevara

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Latvia

Artists: Kaspars Podnieks, Krišs Salmanis

Commissioners: Zane Culkstena, Zane Onckule

Curators: Anne Barlow, Courtenay Finn, Alise Tifentale

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Lebanon

Artist: Akram Zaatari

Commissioner: Association for the Promotion and Exhibition of the Arts in Lebanon (APEAL)

Curators: Sam Bardaouil, Till Fellrath

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Lithuania

Artist: Gintaras Didžiapetris, Elena Narbutaite, Liudvikas Buklys, Kazys Varnelis, Vytaute Žilinskaite, Morten Norbye Halvorsen, Jason Dodge, Gabriel Lester, Dexter Sinister

Commissioners: Jonas Žokaitis, Aurime Aleksandraviciute

Curator: Raimundas Malašauskas

Venue: Palasport Arsenale, Calle San Biagio 2132, Castello

 

Luxembourg

Artist: Catherine Lorent

Commissioner: Clément Minighetti

Curator: Anna Loporcaro

Venue: Ca’ del Duca, Corte del Duca Sforza, San Marco 3052

 

Macedonia

Artist: Elpida Hadzi-Vasileva

Commissioner: Halide Paloshi

Curator: Ana Frangovska

Venue: Scuola dei Laneri, Santa Croce 113/A

 

Maldives

Participants: Paul Miller (aka DJ Spooky), Thierry Geoffrey (aka Colonel), Gregory Niemeyer, Stefano Cagol, Hanna Husberg, Laura McLean & Kalliopi, Tsipni-Kolaza, Khaled Ramadan, Moomin Fouad, Mohamed Ali, Sama Alshaibi, Patrizio Travagli, Achilleas Kentonis & Maria Papacaharalambous, Wooloo, Khaled Hafez in collaboration with Wael Darwesh, Ursula Biemann, Heidrun Holzfeind & Christoph Draeger, Klaus Schafler

Commissioner: Ministry of Tourism, Arts & Culture

Curators: CPS – Chamber of Public Secrets (Alfredo Cramerotti, Aida Eltorie, Khaled

Ramadan)

Deputy Curators: Maren Richter, Camilla Boemio

Venue: Gervasuti Foundation, Via Garibaldi

 

Mexico

Artist: Ariel Guzik

Commissioner: Gastón Ramírez Feltrín

Curator: Itala Schmelz

Venue: Ex Chiesa di San Lorenzo, Campo San Lorenzo

 

Montenegro

Artist: Irena Lagator Pejovic

Commissioner/Curator: Nataša Nikcevic

Venue: Palazzo Malipiero, San Marco 3078-3079/A, Ramo Malipiero Venezia – Ground Floor

 

The Netherlands

Artist: Mark Manders

Commissioner: Mondriaan Fund

Curator: Lorenzo Benedetti

Venue: Pavilion at Giardini

 

New Zealand

Artist: Bill Culbert

Commissioner: Jenny Harper

Deputy Commissioner: Heather Galbraith

Curator: Justin Paton

Venue: Santa Maria della Pietà, Calle della Pietà, Castello

 

Nordic Pavilion (Finland, Norway)

 

Finland:

Artist: Terike Haapoja

Commissioner: Raija Koli

Curators: Marko Karo, Mika Elo, Harri Laakso

Venue: Pavilion at Giardini

 

Norway:

Artists: Edvard Munch, Lene Berg

Commissioner: Office for Contemporary Art Norway (OCA)

Curators: Marta Kuzma, Pablo Lafuente, Angela Vettese

Venue: Galleria di Piazza San Marco, Fondazione Bevilacqua La Masa

 

Paraguay

Artists: Pedro Barrail, Felix Toranzos, Diana Rossi, Daniel Milessi

Commissioner: Elisa Victoria Aquino Laterza

Deputy Commissioner: Nori Vaccari Starck

Curator: Osvaldo González Real

Venue: Palazzo Carminati, Santa Croce 1882

 

Poland

Artist: Konrad Smolenski

Commissioner: Hanna Wróblewska

Curators: Agnieszka Pindera, Daniel Muzyczuk

Venue: Pavilion at Giardini

 

Portugal

Artist: Joana Vasconcelos

Commissioner: Direção-Geral das Artes/Secretário de Estado da Cultura, Governo de Portugal

Curator: Miguel Amado

Venue: Riva dei Partigiani

 

Romania

Artists: Maria Alexandra Pirici, Manuel Pelmus

Commissioner: Monica Morariu

Deputy Commissioner: Alexandru Damian

Curator: Raluca Voinea

Venue: Pavilion at Giardini

 

Artists: Anca Mihulet, Apparatus 22 (Dragos Olea, Maria Farcas,Erika Olea), Irina Botea, Nicu Ilfoveanu, Karolina Bregula, Adi Matei, Olivia Mihaltianu, Sebastian Moldovan

Commissioner: Monica Morariu

Deputy Commissioner: Alexandru Damian

Curator: Anca Mihulet

Venue: Nuova Galleria dell'Istituto Romeno di Venezia, Palazzo Correr, Campo Santa Fosca, Cannaregio 2214

 

Russia

Artist: Vadim Zakharov

Commissioner: Stella Kasaeva

Curator: Udo Kittelmann

Venue: Pavilion at Giardini

 

Serbia

Artists: Vladimir Peric, Miloš Tomic

Commissioner: Maja Ciric

Venue: Pavilion at Giardini

 

Singapore

Cancelled the participation

 

Slovenia

Artist: Jasmina Cibic

Commissioner: Blaž Peršin

Curator: Tevž Logar

Venue: Galleria A+A, San Marco 3073

 

South Africa

Contemporary South African Art and the Archive

Commissioner: Saul Molobi

Curator: Brenton Maart

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Spain

Artist: Lara Almarcegui

Commissioner/Curator: Octavio Zaya

Venue: Pavilion at Giardini

 

Switzerland

Artist: Valentin Carron

Commissioners: Pro Helvetia - Sandi Paucic and Marianne Burki

Deputy Commissioner: Pro Helvetia - Rachele Giudici Legittimo

Curator: Giovanni Carmine

Venue: Pavilion at Giardini

 

Syrian Arab Republic

Artists: Giorgio De Chirico, Miro George, Makhowl Moffak, Al Samman Nabil, Echtai Shaffik, Giulio Durini, Dario Arcidiacono, Massimiliano Alioto, Felipe Cardena, Roberto Paolini, Concetto Pozzati, Sergio Lombardo, Camilla Ancilotto, Lucio Micheletti, Lidia Bachis, Cracking Art Group, Hannu Palosuo

Commissioner: Christian Maretti

Curator: Duccio Trombadori

Venue: Isola di San Servolo

 

Taiwan

Artists: Bernd Behr, Chia-Wei Hsu, Kateřina Šedá + BATEŽO MIKILU

Curator: Esther Lu

Organizer: Taipei Fine Arts Museum

Venue: Palazzo delle Prigioni, Castello 4209, San Marco

 

Thailand

Artists: Wasinburee Supanichvoraparch, Arin Rungjang

Commissioner: Office of Contemporary Art and Culture, Ministry of Culture

Curators: Penwadee Nophaket Manont, Worathep Akkabootara

Venue: Santa Croce 556

 

Turkey

Artist: Ali Kazma

Commissioner: Istanbul Foundation for Culture and Arts

Curator: Emre Baykal

Venue: Pavilion at Arsenale

 

Tuvalu

Artist: Vincent J.F.Huang

Commissioners: Apisai Ielemia, Minister of Foreign Affair, Trade, Tourism, Environment & Labour; Tapugao Falefou, Permanent Secretary of Foreign Affairs, Tourism, Environment & Labour

Curators: An-Yi Pan, Szu Hsien Li, Shu Ping Shih

Venue: Forte Marghera, via Forte Marghera, 30

 

Ukraine

Artists: Ridnyi Mykola, Zinkovskyi Hamlet, Kadyrova Zhanna

Commissioner: Victor Sydorenko

Curators: Soloviov Oleksandr, Burlaka Victoria

Venue: Palazzo Loredan, Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti, Campo Santo Stefano

 

United Arab Emirates

Artist: Mohammed Kazem

Commissioner: Dr. Lamees Hamdan

Curator: Reem Fadda

Venue: Pavilion at Arsenale, Sale d'Armi

 

Uruguay

Artist: Wifredo Díaz Valdéz

Commissioner: Ricardo Pascale

Curators: Carlos Capelán, Verónica Cordeiro

Venue: Pavilion at Giardini

 

USA

Artist: Sarah Sze

Commissioners/Curators: Carey Lovelace, Holly Block

Venue: Pavilion at Giardini

 

Venezuela

Colectivo de Artistas Urbanos Venezolanos

Commissioner: Edgar Ernesto González

Curator: Juan Calzadilla

Venue: Pavilion at Giardini

 

Zimbabwe

Artists: Portia Zvavahera, Michele Mathison, Rashid Jogee, Voti Thebe, Virginia Chihota

Commissioner: Doreen Sibanda

Curator: Raphael Chikukwa

Venue: Santa Maria della Pietà, Calle della Pietà, Castello 3701

 

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Cemeteries are great photographic subjects for me... usually I wander around and pick out some statues or etchings or something. This time, however, the sign was most appealing to me... I took the photo in black and white and then gave it a slightly warmer tone. I think it's more effective than the original black and white.

New York City - High Line

Photo Credit: Zac Cady

Street Art in Context

Broad Street at South Penn Square

Philadelphia, PA

Copyright 2014, Bob Bruhin. All rights reserved.

(prints via fork.cc/1LAYeNf)

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Luminance HDR 2.3.0 tonemapping parameters:

Operator: Fattal

Parameters:

Alpha: 1

Beta: 0.9

Color Saturation: 1

Noise Reduction: 0

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PreGamma: 1

 

The MM theme for 3/10 is socket. Am thinking about little considered ones

VISA 210 Final assignment.

Photoshop + Illustrator

 

This work compares the fundamental environments and contexts, which shape the society we live in. The relationship and interaction among these three layers; nature, our societies, cities and digital age have become essential factor in our lives. These layers are the components of the wombs; the different spaces and places in which we grow and mature throughout our lives. The digital world has become a necessary part of each systematic function which is designed by people as an important feature for our survival.