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Photo by Ming Lo.
The Sepulveda Dam at Night, 2018.
We were out here for a lightpainting session with @ill.lumen.nation. As everyone wrapped up and left, I thought that the dam by itself, without any lights or steel wool, was interesting by itself. So I took this long exposure. It actually took a few tries, because everyone turned on lights as they were leaving, and I had to keep asking people to point their lights away from the dam. Hate those push photographers. 😎
120s
F5.6
100 ISO
#architecture #architecture_greatshots #espacioenforma #designporn #buildingstyles #archi_focus #citylimitless #visualarchitects #arch_unlimited #thecreatorclass #buildingswow #arcblu #symmetrykillers #concrete #brutalism #simplicity #minimalism #losangelesgrammers #losangelesarchitecture #weshootla #discoverla #conquer_la #exploretocreate #minglo
Some random captures taken during last Saturday's Conquer LA photo meet.
Been almost two years since the last Conquer LA meet, but it was a joy to come back to see old friends and meet some new people too.
✰ This photo was featured on The Epic Global Showcase here: bit.ly/1NrchUK
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Kick, Push Coast and the way he roll just a rebel to the world with no place to go. #venicebeach #skateboarding #skatepark #arist_world #expofilm #exploremore #visualsoflife #visualambassadors #visualauthority #conquer_la #conquer_ca #createcommune #uglagrammers #illgrammers #losangeles #insta_losangeles
by @annamcnaughty on Instagram.
Pont des Cieutats.
Le nom du pont vient du maire, Nicolas de Cieutat, baron de Pujols et Tombebouc, et de son fils, Arnaud, qui défendirent Villeneuve-sur-Lot en 1585 contre la reine Margot qui avait pris le parti de la Ligue et était venue conquérir la ville.
Le canard mandarin est un symbole de la fidélité en Asie (il est parfois offert en cadeau à un couple de jeunes mariés en Chine), car il vit en couple toute sa vie durant. Mais la canette semble hésiter entre deux mâles...peut-être une jeunette d'un an seulement ? Reconnaissable entre tous, le mâle se distingue par la forme et la couleur si particulière de ses ailes. Il perd ce plumage resplendissant après la période de reproduction (vers la fin du printemps), pour prendre une apparence plus proche de la femelle, à tel point qu'il peut être difficile de les différencier.
Some random captures taken during last Saturday's Conquer LA photo meet.
Been almost two years since the last Conquer LA meet, but it was a joy to come back to see old friends and meet some new people too.
C'est principalement sur le territoire de Givenchy-en-Gohelle et pour partie sur celui des communes voisines de Neuville-Saint-Vaast et Vimy, au sommet de la cote 145, que se trouve le plus important monument canadien aux victimes de la Première Guerre mondiale. Il rend hommage au rôle des Canadiens lors de ce conflit, au moyen de figures de pierre symbolisant les valeurs défendues et les sacrifices faits. Érigée entre 1925 et 1936 sur le site de la bataille de la crête de Vimy, cette œuvre d'art est le fruit du travail d'artistes canadiens, notamment Walter Allward3. Le mémorial est inauguré le 26 juillet 1936 par le roi Édouard VIII et le président français Albert Lebrun en présence de ministres canadiens et de 30 000 personnes dont six mille anciens combattants canadiens coiffés du béret réséda à feuille d'érable, symbolique de leur nation.
L'éclatante victoire canadienne à la bataille de la crête de Vimy est un événement fondateur de la Nation canadienne. Le terrain d'assise du mémorial ainsi que la centaine d'hectares qui l'entoure ont été donnés au Canada par la France en 1922, en signe de gratitude pour les sacrifices faits par plus de 66 000 Canadiens au cours de la Grande Guerre et notamment pour la victoire remportée par les troupes canadiennes en conquérant la crête de Vimy au cours du mois d'avril 1917 : le gouvernement français a accordé « au Gouvernement du Canada, gracieusement et pour toujours, le libre usage de la terre, exempte de toute forme de taxe »6. C'est le ministère canadien des Anciens Combattants qui est chargé de la gestion du monument. Le mémorial de Vimy a été rénové entre 2005 et 20077. Sa réouverture, par la reine Élisabeth II du Canada, a eu lieu deux jours avant le 90e anniversaire de la bataille, le 7 avril 2007.
En 2002, la Monnaie royale canadienne émit une pièce de 5 cents en argent pour célébrer le 85e anniversaire de la bataille. Le roman The Stone Carvers (2001), traduit en français sous le titre Les Amants de pierre (2005), de l'auteure canadienne Jane Urquhart, a pour thème la construction du mémorial de Vimy. En 2012, la Banque du Canada met en circulation un nouveau billet de polymère de 20 dollars à l'effigie du monument.
De nos jours, le mémorial est un des sites les plus fréquentés du Pas-de-Calais dans le cadre du tourisme de mémoire
www.veterans.gc.ca/fra/remembrance/memorials/overseas/fir...
Some random captures taken during last Saturday's Conquer LA photo meet.
Been almost two years since the last Conquer LA meet, but it was a joy to come back to see old friends and meet some new people too.
Some random captures taken during last Saturday's Conquer LA photo meet.
Been almost two years since the last Conquer LA meet, but it was a joy to come back to see old friends and meet some new people too.
Dodger Stadium and Downtown Los Angeles at Night. City Hall can be seen on the far left. Photographed Saturday, July 15, 2017 by Ming Lo.
Montauban is the second oldest bastide in southern France. Its foundation dates from 1144 when Count Alphonse Jourdain of Toulouse, granted it a liberal charter. The inhabitants were drawn chiefly from Montauriol, a village that had grown up around the neighboring monastery of St Théodard.
In the 13th century, the town suffered much from the ravages of the Albingensian War. In 1317 it became the head of a diocese. In 1360, it was ceded to the English, but they were expelled by the inhabitants in 1414. In 1560 the bishops and magistrates embraced Calvinistic Protestantism. They expelled the monks, and in 1561, crowds broke down the cathedral doors, looted the church and set it on fire. In the Edict of Nantes in 1598, Montauban, like La Rochelle, became a "safe place" (place de sûreté). The city became a small Huguenot republic with 15,000 inhabitants. It was the headquarters of the Huguenot Rebellion of 1621 and successfully withstood an 86-day siege by Louis XIII. The city was still destroyed and impoverished. Richelieu conquered La Rochelle and also conquered Montauban in 1629.
Because Montauban was a Protestant town, it resisted and held its position against the royal power, refusing to give allegiance to the Catholic King. Montauban did not submit to royal authority until after the fall of La Rochelle in 1629. The same year Richelieu conquered Montauban and the fortifications were destroyed. The Protestants again suffered persecution later in the century, as Louis XIV began to persecute Protestants by sending troops to their homes (dragonnades) and then in 1685 revoked the Edict of Nantes, which had granted the community tolerance.
The layout of the Place Nationale still shows the marketplace of the planned city of the Middle Ages. Deep arched arcades surround the square.
STRASBOURG STREET
« Nous n’avons qu’une liberté : la liberté de nous battre pour conquérir la liberté... »
Henri Jeanson
La Iruela is a Spanish municipality to the east of the province of Jaén, Andalusia. It is located on the slopes of the Sierra de Cazorla, crowning the Guadalquivir valley.
The districts of Burunchel, El Burrueco, El Palomar, Arroyo Frío, Tramaya and San Martín belong to the municipality of La Iruela.
La Iruela has several historical monuments of great tourist interest such as Castillo de la Iruela, hanging on a rock above the town itself, of Templar origin, of which its homage tower stands out. It was declared a Historical Monument in 1985. Currently, between the castle and the rock, a forum or amphitheater has been created where artistic activities are carried out, and the fireworks displays performed in it on the occasion of the August festivities, in honor of the Virgin of the helpless.
The Church of Santo Domingo is also very visited by tourists who come to this region. Built by order of Don Francisco de los Cobos within the walled enclosure of the castle. It is dedicated to the patron saint of La Iruela, Santo Domingo de Silos.
La Iruela, two kilometers from Cazorla, is located in the Sierras Prebéticas of Cazorla and El Pozo.
The castle
The castle, small but astonishing, is located on the top of a steep crag in Sierra de Cazorla, Segura y Las Villas Natural Park. From the castle, impressive views of the surrounding area and of the town can be enjoyed.
The keep dates from the Christian era. It has a square base and small dimensions and is located at the highest part of the crag.
There are some other enclosures within the tower that create a small alcázar which is difficult to access.
In a lower area of the castle, protected with defensive remains of rammed earth and irregular masonry, is an old Muslim farmstead.
After a recent restoration, an open-air theater has been built on La Iruela castle enclosure. This theater is a tribute to the Greek and Classic Eras and holds various artistic and cultural shows throughout the year.
History
The first traces of human activity in La Iruela area are dated from the Copper Age. An intense occupation continued until the Bronze Age.
Originally, La Iruela (like Cazorla) was a modest farmstead. From the 11th century, a wall and a small fortress were built on the hill to protect the farmers.
Around 1231, don Rodrigo Ximénez de Rada, Archbishop of Toledo, conquered La Iruela and made it part of the Adelantamiento de Cazorla. Over the Muslim fortress, the current fortress was built.
Once the military use of the fortress ended, it was used as cemetery.
This building is next to Chinatown Gold Line Stop in Los Angeles, CA. I'm so glad that someone thinks about lighting up these buildings.
via Instagram ift.tt/2lbeNKg
C'est principalement sur le territoire de Givenchy-en-Gohelle et pour partie sur celui des communes voisines de Neuville-Saint-Vaast et Vimy, au sommet de la cote 145, que se trouve le plus important monument canadien aux victimes de la Première Guerre mondiale. Il rend hommage au rôle des Canadiens lors de ce conflit, au moyen de figures de pierre symbolisant les valeurs défendues et les sacrifices faits. Érigée entre 1925 et 1936 sur le site de la bataille de la crête de Vimy, cette œuvre d'art est le fruit du travail d'artistes canadiens, notamment Walter Allward3. Le mémorial est inauguré le 26 juillet 1936 par le roi Édouard VIII et le président français Albert Lebrun en présence de ministres canadiens et de 30 000 personnes dont six mille anciens combattants canadiens coiffés du béret réséda à feuille d'érable, symbolique de leur nation.
L'éclatante victoire canadienne à la bataille de la crête de Vimy est un événement fondateur de la Nation canadienne. Le terrain d'assise du mémorial ainsi que la centaine d'hectares qui l'entoure ont été donnés au Canada par la France en 1922, en signe de gratitude pour les sacrifices faits par plus de 66 000 Canadiens au cours de la Grande Guerre et notamment pour la victoire remportée par les troupes canadiennes en conquérant la crête de Vimy au cours du mois d'avril 1917 : le gouvernement français a accordé « au Gouvernement du Canada, gracieusement et pour toujours, le libre usage de la terre, exempte de toute forme de taxe »6. C'est le ministère canadien des Anciens Combattants qui est chargé de la gestion du monument. Le mémorial de Vimy a été rénové entre 2005 et 20077. Sa réouverture, par la reine Élisabeth II du Canada, a eu lieu deux jours avant le 90e anniversaire de la bataille, le 7 avril 2007.
En 2002, la Monnaie royale canadienne émit une pièce de 5 cents en argent pour célébrer le 85e anniversaire de la bataille. Le roman The Stone Carvers (2001), traduit en français sous le titre Les Amants de pierre (2005), de l'auteure canadienne Jane Urquhart, a pour thème la construction du mémorial de Vimy. En 2012, la Banque du Canada met en circulation un nouveau billet de polymère de 20 dollars à l'effigie du monument.
De nos jours, le mémorial est un des sites les plus fréquentés du Pas-de-Calais dans le cadre du tourisme de mémoire
www.veterans.gc.ca/fra/remembrance/memorials/overseas/fir...
Some random captures taken during last Saturday's Conquer LA photo meet.
Been almost two years since the last Conquer LA meet, but it was a joy to come back to see old friends and meet some new people too.
Allghiero Boeti 1940-1994
Non parto, non resto 1984
Bologna MAMBO (Museo d'arte Moderna di Bologna)
LE CORONART. THE CORONART. THE COVIDART
La dénomination italienne d'arte povera, "l'art pauvre" présente cet intérêt, en comparaison d'autres comme "l'art conceptuel", qu'elle appelle un chat un chat et ne dissimule pas la vérité : Effectivement l'art contemporain officiel est un art pauvre. Pauvre en beauté et pauvre en signification partagée. Sa seule richesse est sa parfaite conformité avec l'idéologie mondialiste : c'est un art sans racines ethniques et culturelles. Cet art contemporain officiel s'est imposé dans tout l'Occident et cherche à conquérir la planète, on pourrait aussi l'appeler l'art viral, le Coronart, le Covidart, car il est une pandémie mortelle pour les Beaux-Arts.
The Italian denomination of arte povera, "poor art" has this interest, in comparison with others such as "conceptual art", which it calls a cat a cat and does not hide the truth: indeed, official contemporary art is poor art. Poor in beauty and poor in shared meaning. Its only richness is its perfect conformity with the globalist ideology : : it is an art without ethnic and cultural roots. This official contemporary art has imposed itself throughout the West and is trying to conquer the planet. We could also call it viral art, the "Coronart", the "Covidart" because it is a deadly pandemic for the Fine Arts.
COMPRENDRE L'ART CONTEMPORAIN (2)
" Il ne faut pas s'intéresser aux oeuvres d'art, elles ne sont qu'un symptôme, un prétexte à discours"
Aude de Kerros. L'art caché. Eyrolles 2013
« On peut faire avaler n’importe quoi aux gens », c’est un expert qui le dit : MARCEL DUCHAMP ( interview dans l’express 23 juillet 1964) Sous le nom d’art, voici plus de cent ans qu’on fait avaler aux gens n’importe quoi. On est en pleine irréalité, ce qui est officiellement considéré comme étant l’art du XXè siècle et du début du siècle actuel n’a pas de rapport avec l’art, c’est de l’anti-art, du non art, du canular.
JEAN LOUIS HARROUEL L’Art contemporain, la Grande Falsification Jean Cyrille Godefroy 2009
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
L'Art est ce que vous croyez. Et l'art vous fait croire en ce que vous croyez. L'art vous fait aussi croire en ce que vous ne croiriez pas, si vous étiez libre de croire.
L'art contemporain, en peinture et en sculpture, même les nuls peuvent en saisir la signification à condition de bien voir :
A/ Qu'il est nécessaire de le situer précisément dans l'histoire de l'art et d'isoler clairement ses caractéristiques principales par rapport à l'Art Ancien et notamment à l'Art Moderne.
B/ Qu'il n'y a absolument rien à comprendre dans chaque œuvre prise séparément.
C/ Qu'il y a beaucoup à comprendre si on analyse l'art contemporain dans sa globalité, en tant que phénomène de société, en tant que fait politique et idéologique.
D/ Il faut ensuite prendre en compte, l'instrument essentiel du succès mondial de l'art contemporain en tant que fait économique: Art Sacré de l'Argent Mondialiste.
Cette approche, ci après, est analytique.
L'approche synthétique, simple et préalable, a été esquissée dans d'autres textes : l'art de tous les temps dans toute les sociétés est idéologique et politique ("l'Art miroir des valeurs d'une société" et "une petite histoire de la peinture européenne" "L'art, le Beau, le laid, les Lumières" "Art Ancien, Art Moderne, Art Abstrait, Art Contemporain" "L'art du laid et du non sens, le mépris des hommes"...) .
Pour comprendre l'art contemporain officiel il ne faut pas chercher la femme. Ce n'est pas une bonne piste, vous ne trouverez pas le coupable : il faut chercher l'idéologie.
L'art de tous les temps et dans toutes les sociétés est un moyen pour les élites d'imposer une religion (sacrée) ou une idéologie (profane, laïque). Dans toutes les civilisations l'art de chaque époque se comprend donc au travers du filtre idéologique qui inspire les élites de cette civilisation à cette époque. L'art est donc un intéressant révélateur de la pensée philosophique et morale qui inspire les élites d'une société donnée en un temps donné. Ces religions ou idéologies peuvent différer beaucoup quant au bénéfice que les peuples vont, ou non, en retirer. Certaines sont propices à l'établissement de civilisations au long cours (Egypte ancienne, Antiquité greco-romaine, Christianisme, Hindouisme, Bouddhisme, Islam....) d'autres sont plus ou moins rapidement mortelles ( Sociétés Aztèque et Inca, Communisme, National-Socialisme).
A/ Pour éviter toute confusion il est nécessaire de rappeler au préalable que l'Art Contemporain apparu après la seconde guerre mondiale, en provenance des États Unis et de New York, n'a rien en commun avec l'Art Moderne, apparu à la fin du 19è siècle, à Paris, avec les impressionnistes et les post-impressionnistes.
L'Art Moderne ( en dates grosses 1850-1950) se caractérise par la grande diversité de ses thèmes, aussi bien religieux que profanes (ces derniers en majorité), et par sa recherche d'un renouvellement constant des formes esthétiques. Mais sans abandonner ni rejeter les pratiques de figuration plus classiques héritées de l'histoire européenne de la peinture ou de la sculpture. L'Art Moderne n'est pas en rupture avec l'art européen du passé, mais en évolution douce. Il propose une autre forme de beauté, une esthétique différente, il donne naissance avec l'art abstrait à la peinture de non-sens, c'est à dire dépourvue de signification, il n'instaure pas le Laid et l'Absurde en dogme
Ce renouvellement des techniques pour exprimer le Beau ( peinture plate, flou, esquisse, tachisme, arbitraire des couleurs, décomposition des lignes et des volumes, art non figuratif) c'est ce qui lui a valu son appellation d'Art Moderne. Une approche nouvelle, par rapport à la peinture des siècles passés, dans les modes d'expressions esthétiques. Mais, sauf l'Art Abstrait, l'essentiel de ses techniques ont en réalité leur origine dans la peinture européenne des siècles passés : l'art paléo-chrétien, byzantin, roman et le premier gothique.
D'autre part l'esprit de l'Art Moderne reste identique à celui de l'Art Ancien. Certes il est en recherche constante d'un certain renouvellement, mais il reste fidèle à deux principes immémoriaux de l'histoire de l'art européen, et même mondial :
a) L'Esthétique, c'est à dire "ce qui est beau et ce qui est harmonique". Le Beau est toujours le but du peintre et du sculpteur de la période moderne.
b) Le Sens, c'est à dire ce qui est aisément compris par les membres d'une société. Le discours partagé, car il s'exprime dans une langue comprise par tous. La langue de l'image en l'occurrence. Avec une exception cependant, une nouveauté qui est une des racines de l'Art Contemporain, une introduction à celui-ci : l'Art Abstrait, non figuratif.
La grande différence entre l'Art Moderne et l'Art Contemporain est celle ci :
A partir des années 1950s l'Art Contemporain introduit deux nouveautés absolues en Occident:
- Le Laid, assigné comme but légitime de la peinture et de la sculpture. La peinture occidentale cesse d'être esthétique et proclame que la recherche du Beau est une préoccupation passéiste et obscurantiste. Ce n'est pas seulement une circonstance de fait, un accident, c'est une doctrine et une volonté. Plus d'harmonie, vive la discordance ! Il est possible de constater le même phénomène en musique et en danse.
- Le Non-Sens, l'absence de discours compréhensible, et même plus, le discours totalement absurde. L'artiste ne cherche plus à être compris par le plus grand nombre. Au contraire, l'artiste doit parler un langage totalement hermétique, incompréhensible, mieux aberrant. L'art n'est plus une vitrine, une porte ouverte à l'intelligence, il doit être un mur opaque, une porte fermée à tout entendement. Et si par hasard l'art a un sens, ce sens devra être ésotérique, réservé à quelques initiés.
Ces deux nouveautés, le Laid et le Non-Sens-Absurde, sont revendiquées comme un mode d'expression artistique non seulement normal, mais obligatoire pour appartenir au petit cercle de l'art officiel.
B/ Du fait que l'art doit être dépourvu de tout discours clair, accessible à tout un chacun, il résulte à l'évidence qu'il est absolument inutile de chercher à comprendre les œuvres d'art exposées dans les galeries spécialisées et les musées d'art contemporain.
La plupart de ces œuvres d'art ont un point commun : Elles ne signifient rien. L'art contemporain, officiel, celui des musées, celui des galeries spécialisées, ne parle plus aucun langage compréhensible par quiconque, l'homme de la rue bien sûr, mais aussi l'éclairé, ce dernier ne faisant que semblant de comprendre.
Pendant des siècles les peintres européens se sont appliqués à peindre des tableaux que "Tout le Monde" comprenne. Avec l'Art contemporain, c'est l'inverse : les peintres s'appliquent à peindre des tableaux que personne ne puisse comprendre.
Dans un article savant de "l'Encyclopédie Universalis", un éminent spécialiste de l'art contemporain a ainsi défini l'art contemporain: "un Art désinvestit de tout discours".
C'est dire de manière compliquée, mais avec la prudence caractéristique des universitaires, qui savent employer les mots qui évitent d'appeler un chat un chat, que l'art contemporain ne parle aucun langage connu, qu'il est sans signification partagée avec la population.
Dans le langage de tous les jours, compréhensible par chacun, on peut écrire " Un art qui ne signifie rien", "un art qui parle de rien".
En termes plus réaliste, c'est : l'Art du Non Sens. Auquel l'art contemporain a ajouté l'absurdité la plus provocante possible.
Mais il y a un piège, dans lequel le visiteur des musées ne doit pas tomber : il faut bien voir que les Faiseurs d'Art ( les artistes et leurs commanditaires), pour différentes raisons idéologiques, politiques et économiques, veulent absolument faire croire que leur art est Intelligent. Le Beau ils revendiquent très fort de s'en passer. L' Art n'est plus une esthétique! C'est décidé, la Modernité le veut. Mais l'Intelligence les faiseurs d'art contemporain officiel y aspirent ardemment ! Le refus du discours intelligible, compréhensible par tous, est une caractéristique tellement indéniable de l'art contemporain qu'il est devenu impératif de masquer ce vide en faisant croire à l'existence d'un message caché profond et pénétrant. C'est pourquoi le discours sur l'art a pris une telle importance : Le discours sur l'art ne fait pas comprendre, il fait croire qu'il existe quelque chose à comprendre. Et il doit même justifier l'absurde, le rendre apparemment Intelligent. D'où ces notices explicatives effarantes qui accompagnent souvent les oeuvres exposées, et qui sont même quelque fois reproduites sur les murs, à côté des oeuvres.
Le Grand Art, dans la peinture ou la sculpture contemporaine officielle, ce ne sont pas les peintures ou les sculptures. Le Grand Art Contemporain ce sont les notices explicatives. Le Discours sur l'Art est devenu l'essentiel de l'art. L'art d'écrire sur "l'art du non sens et de l'absurde" est donc devenu un élément incontournable, des musées d'art contemporain et des galeries spécialisées. Des mots amassés qui tentent désespérément de se dresser contre le néant du discours tenu par le peintre ou le sculpteur.
Moins une oeuvre a de sens, plus "la Notice explicative" est longue.
Et plus il est impératif de ne pas la lire. Surtout ne pas chercher à comprendre les oeuvres, prises une à une. C'est ce qu'ils veulent que le public fasse, pour mieux l'égarer, l' impressionner, et aussi mieux vendre.
C/ C'est par contre à l'échelle globale que l'Art Contemporain prend toute sa signification, si on l'analyse dans une perspective historique, politique et idéologique.
Pour être bref :
Les finalités de l'Art Contemporain Officiel sont totalement à l'opposé des objectifs des Arts Anciens.
Les Beaux Arts étaient voulus par les élites du passé comme un moyen de communiquer avec les masses populaires et de faire passer auprès du grand public le message idéologique qu'ils considéraient comme constituant les fondations nécessaires de la société. Il fallait plaire et donc offrir aux peuples la beauté. Il fallait faire comprendre, et donc être porteur d'un message clair pour tous. Y compris pour les illettrés comme c'était le cas pendant toute la période médiévale de l'an 500 à l'an 1500. Mille ans d'art, religieux certes, à destination des peuples ! Il est possible de ne pas aimer cette religion, mais il faut admettre qu'en ce qui concerne l'art ce fut une grande période.
Depuis la seconde guerre mondiale l'art contemporain officiel ne poursuit absolument plus ces objectifs.
L'art n'est plus pour les élites un moyen de communication avec les peuples. Au contraire, l'art contemporain est devenu un moyen pour l'élite de se distinguer, en s'opposant aux masses.
Il ne faut plus plaire, et il ne faut plus faire comprendre : Le laid et l'absurde sont donc les deux clefs qui ferment au grand public la porte de l'art réservé aux élites.
Il est possible d'apercevoir deux causes à cette évolution de la peinture et de la sculpture occidentale du beau vers le laid, et du sens vers l'absurde.
L'une est idéologique. L'autre est technique.
1° La cause idéologique.
Les principes démocratiques affichés par l'idéologie officielle ont des conséquences sur les comportements publics. Dans les régimes démocratiques les élites ne peuvent plus se particulariser de manière quotidienne et ostensible comme les élites des temps passés, par leurs costumes, leur habitat ou leur véhicules. Paraître, s'afficher, être ostensiblement riche, était légitime pour l'aristocratie ancienne, c'était même un devoir. En démocratie dissimuler sa richesse et son pouvoir derrière des apparences discrètes est devenu obligatoire. Une très ancienne et très bonne idée, très opérante et très profitable, née dans les milieux rabbiniques, qui a été adoptée par la Réforme protestante.
D'autre part, depuis "les Lumières", l’Élite influente idéologiquement et politiquement s'est proclamée "Éclairée". C'est par la "Raison" qu'elle se considère comme essentiellement différente des masses qui seraient gouvernées par les passions. C'est toujours l'argent, mais ce n'est plus l'épée, ce n'est plus la naissance qui distinguent et légitiment l'élite politique, c'est l'Initiation aux Lumières de la Raison. L'Initiation, une très vieille idée kabbalistique, gnostique etc... adaptée au rationalisme et au matérialisme des temps actuels. Et aussi un excellent moyen d'action politique.
Les peuples sont bêtes, c'est le fondement ésotérique de la religion contemporaine des élites idéologiques et politiques. Chez les communistes cette élite avait été appelée "l'avant garde éclairée du prolétariat", les seuls membres du Parti Unique. Les capitalistes, plus habiles, plus dissimulés, n'ont pas de terme public, avéré, pour désigner cette élite et proclament la nécessité du multi-partisme ouvert à tous les citoyens. Cette élite idéologique et politique, ce parti unique, existe cependant, mais elle se dissimule dans l'ombre des sociétés secrètes, discrètes, reliées entre elles tout au sommet de la pyramide.
Toutefois pour se distinguer des masses, les élites ont mis en place des moyens plus discrets que par le passé. Parmi ces moyens : L'art, particulièrement la peinture, la sculpture.
2° La cause technique.
Pour communiquer avec les masses populaires, l'art a été pendant des siècles et même des millénaires un moyen indispensable de propagande idéologique entre les mains des élites. Une église dans chaque village, des églises innombrables et des cathédrales dans les villes. A partir de la Renaissance les nouveaux thèmes mythologiques et historiques inspirés de l'antiquité ont été aussi un moyen de communiquer certaines valeurs à une bourgeoisie de plus en plus large.
Les dirigeants contemporains, à la différence de leurs prédécesseurs, disposent, depuis la seconde moitié du 20è siècle, de moyens de communication bien plus efficaces que l'art pour imposer leurs idées et catéchiser le grand public.
Certes les élites ont fait ériger des statues de la Liberté, de Lénine, de Staline et de Mao, des Pyramides et des Arches en grand nombre. Mais dans l'ensemble, compte tenu de l'apparition de nouveaux moyens et de nouveaux modes de communication, de mieux en mieux contrôlés, radio, télévision, médias écrits, cinéma, publicité, l'art (architecture, peinture sculpture) est devenu, sinon inutile, tout à fait secondaire, pour "évangéliser" les peuples.
L'architecture, la peinture, la sculpture ne sont plus nécessaire pour enseigner, convaincre ou vendre quelque chose. L'élite politique contemporaine peut donc réserver ces arts pour une autre destination : marquer sa différence. Connaissant les goûts des masses, elle en prend le contre-pied, pour se distinguer, avoir l'air d'être autre, se reconnaitre et se justifier en tant qu' élite.
L'Art Contemporain n'a pas pour but de convaincre les masses populaires, mais d'affirmer, d'afficher une différence. Et il y réussit très bien. L'art contemporain officiel est un domaine réservé. Il suffit de visiter nos musées d'art contemporain pour en être certain: On y respire l'air raréfié du laid, des sommets de la fausse intellectualité et de la spiritualité artificielle.
Une spiritualité et une intellectualité d'un conformisme affligeant, dicté par l'obsession de la réussite sociale et financière.
D/ Le Fait Économique : L'Art Mondialiste de l'Argent.
Le troisième élément qui explique non pas l'esthétique de l'art contemporain, mais son succès dans tout l'Occident, et depuis peu dans le monde entier, est économique: c'est l'Argent qui a fait de cet art, un art Sacré et un des véhicules de l'idéologie mondialiste. Dans une économie de marché, nous avons un art de marché. C'est logique. Mais un art de marché pour les élites riches. Pour les peuples, il y a la télévision et la publicité ou l'art des rues.
L'Argent a commencé à prendre le pouvoir en Europe occidentale et aux États Unis après les guerres de la Révolution Française et de l'Empire, quand l'Europe et les États Unis ont entrepris les révolutions techniques et industrielles successives qui ont généré leur décollage économique. La finance internationale, les banques sont parvenues au sommet de ces sociétés dans l'entre deux guerres, et ont totalement investi le pouvoir politique après la seconde guerre mondiale. En France cette prise totale de pouvoir est illustrée par la révolution de mai 1968, le départ consécutif du Général de Gaulle, et l'arrivée à la Présidence de Georges Pompidou, un homme des banques, une anticipation de M Macron.
Cette prise de pouvoir peut s'analyser simplement: La finance bancaire, l'argent, n'est plus comme tout au long des siècles de l'histoire européenne, un accessoire utile, indispensable du pouvoir politique, un moyen nécessaire de l'action politique. Pendant des siècles en Europe l'argent de l'usurier et du banquier a été un moyen pour les dirigeants européens d'exercer le pouvoir politique et idéologique. mais quand ce moyen tendait à prendre trop de pouvoir les aristocraties européennes abaissaient sa puissance par divers procédés. La banque était puissante, à Florence, à Anvers, à Amsterdam, à Nuremberg, à Vienne, à Londres à Paris, mais dans l'Europe catholique et aristocratique, elle demeurait contrôlée par les élites politiques et idéologiques.
C'est terminé, le banquier n'est plus contrôlé, ce sont les gouvernants politiques, et toute l'élite idéologique qui sont totalement contrôlés par l'Argent.
Le développement industriel et commercial, la disparition des aristocraties, ou leur conversion à l'argent, le protestantisme, la démocratisation, ont eu ce résultat que les banquiers ont pris totalement le contrôle de l'économie occidentale, puis du pouvoir politique et idéologique. Le chef et le sorcier (ou le prêtre ou le pasteur...) ont été soumis par le commerçant de l'argent. D'abord en Europe occidentale, aux Pays Bas, en Angleterre tout particulièrement, et bien sûr aux Etats Unis, où aucune aristocratie ni aucune tradition culturelle, aucune idéologie religieuse ou profane ne pouvait s'opposer à la puissance de l'Argent. Au contraire, tout était réuni aux Etats Unis pour que les banques prennent le pouvoir. Cela a été fait dès la fin du 19è siècle et le tout début du 20è.
Cette prise de pouvoir politique et idéologique par un agent économique, qui aurait dû le rester, a été un peu dissimulée, au 20è siècle et au début du 21è siècle, par l'épisode communiste en Europe de l'Est et en Chine. Le communisme a été une des dernières tentatives de contrôle de l'économie par des forces politiques. Elle a échoué parce qu'elle a trop méprisé les nécessités économiques.
L'Argent a totalement pris le pouvoir, dans le monde entier, après l'effondrement communiste, qui s'amorce dans les années 1980 en Chine, et se continue dans les années 1990 dans l'empire soviétique.
Comme les élites économiques occidentales les nouveaux riches de Russie et de Chine veulent se différencier des gens du commun. Les grands hôtels, le yacht et l'avion privé ne suffisent pas. L'Art apporte une touche de distinction bienvenue. Le discours sur l'art est là pour faire croire aux riches du monde entier qu'en acquérant telle ou telle "oeuvre d'art", la plus laide et la plus absurde possible, les deux clés qui font la différence, ils accèdent à l'Intelligence métaphysique, qui couronne ainsi leur évidente très grande intelligence pratique.
Evidemment d'autres élites économiques sont là, avec tout leur savoir-faire, pour organiser le phénomène et en tirer profit : les marchands d'art sont aussi ingénieux que les banquiers, ou ils sont banquiers eux mêmes. Et voilà comment après avoir pris le contrôle total du pouvoir politique les banquiers prennent le contrôle total de l'art occidental, et maintenant mondial grâce à l'entrée en scène de la Chine et de la Russie. L'art contemporain est devenu le vecteur et le symbole de l'idéologie et de la politique mondialiste conduite par l'Argent, éventuellement même contre certains hommes politiques. C'est l'art des Guidestones.
UNDERSTAND CONTEMPORARY ART (2)
"We must not be interested in works of art, they are only a symptom, a pretext for speech"
Aude de Kerros. The Hidden art. Eyrolles 2013
"You can make to people swallow anything," says one expert: MARCEL DUCHAMP (interview on the express 23 July 1964) Under the name of art, for more than a hundred years now, people have been made to swallow anything. We are in the midst of unreality, what is officially considered to be the art of the 20th century and the beginning of the current century has no connection with art, it is anti-art, non-art, hoax.
JEAN LOUIS HARROUEL Contemporary Art, Great Falsification Jean Cyrille Godefroy 2009
"A work is recognized as a work of art because it has won the test of criticism, public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. Artwork)
"Art is what you believe. And art makes you believe in what you believe. Art also makes you believe in what you would not believe, if you were free to believe." Contemporary art, in painting and sculpture, even the dummies can grasp the meaning on condition of seeing well:
A / That it is necessary to situate it precisely in the history of art and to clearly isolate its main characteristics in relation to ancient art and in particular to Modern Art.
B / There is absolutely nothing to understand in each artwork taken separately.
C / There is much to understand if we analyze contemporary art as a whole, as a phenomenon of society, as a political, ideological and economic fact.
D / It is then necessary to take into account, the essential instrument of the global success of contemporary art as an economic fact: Sacred Art of Money globalist.
This approach, hereafter, is analytical.
The synthetic approach, simple and preliminary, has been sketched in other texts: the art of all times in all societies is ideological and political ("mirror art of the values of a society" and "a small history of European painting " "Art, the Beautiful, the ugly, the Enlightenment", "Ancient Art, Modern Art, Abstract Art, Contemporary Art" ) ).
To understand the official contemporary art it is not necessary to look for the woman. This is not a good track, you will not find the culprit: we must look for ideology.
The art of all times and in all societies is a means for the elites to impose a (sacred) religion or an ideology (secular, secular). In all civilizations the art of each era is understood through the ideological filter that inspires the elites of this civilization at that time. Art is therefore an interesting revealer of the philosophical and moral thought that inspires the elites of a given society in a given time. These religions or ideologies can differ a lot as to the benefit that peoples will or will not withdraw. Some are conducive to the establishment of long-term civilizations (ancient Egypt, Greek-Roman antiquity, Christianity, Hinduism, Buddhism, Islam ...) others are more or less rapidly mortal (Aztec and Inca religions, Communism, national Socialism).
A/ To avoid any confusion it is necessary to remind beforehand that Contemporary Art that appeared after the Second World War, from the United States and New York, has nothing in common with Modern Art, which appeared at the end of the 19th century in Paris, with impressionists and post-impressionists.
Modern Art (in large dates 1850-1950) is characterised by the great diversity of its themes, both religious and secular (the latter in the majority), and by its search for a constant renewal of aesthetic forms. But without abandoning or rejecting the more classical figuration practices inherited from the European history of painting or sculpture. Modern Art is not at odds with the European art of the past, but is in gentle evolution. He proposes another form of beauty, a different aesthetic, he gives birth with abstract art to the painting of nonsense, that is to say meaningless, he does not introduce the ugly and the absurd into dogma
This renewal of techniques to express beauty (flat painting, blurred, sketching, tachism, arbitrary colours, decomposition of lines and volumes, non-figurative art) is what earned him the title of Modern Art. A new approach, compared to the painting of past centuries, in the modes of aesthetic expression. But, except for Abstract Art, most of his techniques actually originated in European painting of past centuries: early Christian, Byzantine, Romanesque and early Gothic art.
On the other hand, the spirit of Modern Art remains identical to that of Ancient Art. Admittedly, he is constantly seeking a certain renewal, but he remains faithful to two immemorial principles of the history of European, and even world art:
a) Aesthetics, i.e. "what is beautiful and what is harmonic". Beau is still the goal of the painter and sculptor of the modern period.
b) Meaning, i.e. what is easily understood by the members of a society. Shared discourse, because it is expressed in a language understood by all. The language of the image in this case. With one exception, however, a novelty that is one of the roots of Contemporary Art, an introduction to it: Abstract Art, non-figurative.
The big difference between Modern Art and Contemporary Art is this one:
From the 1950s onwards, Contemporary Art introduced two absolute innovations in the West:
- The Ugly, assigned as the legitimate purpose of painting and sculpture. Western painting ceases to be aesthetic and proclaims that the search for beauty is a pastoral and obscurantist concern. It is not only a factual circumstance, an accident, it is a doctrine and a will. More harmony, long live the discordance! The same phenomenon can be observed in music and dance.
- The non sense, the absence of comprehensible discourse, and even more, the totally absurd discourse. The artist no longer seeks to be understood by the greatest number of people. On the contrary, the artist must speak a totally hermetic, incomprehensible, better absurd language. Art is no longer a showcase, a door open to intelligence, it must be an opaque wall, a door closed to any understanding. And if by chance art has a meaning, this meaning should be esoteric, reserved for a few insiders.
These two innovations, the ugly and the Non-Sense-Absurd, are claimed as a mode of artistic expression not only normal, but mandatory to belong to the small circle of official art.
B/ Since art must be devoid of any clear discourse, accessible to everyone, it is obvious that it is absolutely useless to seek to understand the works of art exhibited in specialized galleries and contemporary art museums.
Most of these works of art have one thing in common: they mean nothing. Contemporary art, official art, museum art, specialized art galleries, no longer speaks any language that can be understood by anyone, the common man of course, but also the enlightened, the latter only pretending to understand.
For centuries European painters have worked hard to paint paintings that "Everyone" understands. With contemporary art, it is the opposite: painters strive to paint paintings that no one can understand.
In a scholarly article in the "Encyclopedia Universalis", a leading specialist in contemporary art defined contemporary art as "an art that disinvests from any discourse".
This is to say in a complicated way, but with the characteristic caution of academics, who know how to use words that avoid calling a spade a spade, that contemporary art does not speak any known language, that it is meaningless shared with the population.
In everyday language, understandable by everyone, we can write "An art that means nothing", "an art that speaks of nothing".
In more realistic terms, it is: the Art of Nonsense. To which contemporary art has added the most provocative absurdity possible
But there is a trap, in which the museum visitor must not fall: it must be clear that Art Makers ( artists and their sponsors), for different ideological, political and economic reasons, absolutely want to make believe that their art is Intelligent. Beauty, they claim very strongly to do without it. Art is no longer an aesthetic! It's decided, Modernity wants it. But the Intelligence, the official contemporary art makers, ardently aspire to it! The refusal of intelligible discourse, understandable by all, is such an undeniable characteristic of contemporary art that it has become imperative to mask this void by making people believe in the existence of a deep and penetrating hidden message. That is why the discourse on art has taken on such importance: the discourse on art does not make people understand, it makes them believe that there is something to understand. And it must even justify the absurd, make it seemingly intelligent. Hence these appalling explanatory notices, which often accompany the works on display, and which are even sometimes reproduced on the walls, next to the works.
The Great Art, in painting or official contemporary sculpture, is not paintings or sculptures. The Great Contemporary Art are the explanatory notices. The Discourse on Art has become the essence of art. The art of writing about "the art of the non sens and the absurd" has therefore become an essential element of contemporary art museums and specialized galleries. These are piled up words that desperately try to stand up against the void of the discourse held by the painter or sculptor.
The less meaningful a work is, the longer the "Information Folder" is.
And the more imperative it is not to read it. Above all, do not try to understand the works, taken one by one. That's what they want the public to do, to better mislead him , to impress him, and also to sell better.
C/ It is on the other hand on a global scale that Contemporary Art takes on its full meaning, if we analyse it from a historical, political and ideological perspective.
To be brief:
The aims of Official Contemporary Art are totally contrary to the objectives of the Ancient Arts.
The Fine Arts were wanted by the elites of the past as a means of communicating with the masses of the people and conveying to the general public the ideological message they considered to be the necessary foundations of society. It was necessary to please and therefore to offer peoples beauty. It was necessary to make peoples understand, and therefore to carry a clear message for all. Including for the illiterate as was the case throughout the medieval period from 500 to 1500. A thousand years of art, religious certainly, for the peoples! It is possible not to like this religion, but it must be admitted that as far as art is concerned, it was a great period.
Since the Second World War, official contemporary art no longer pursues these objectives at all.
Fort the elites art is no longer a means of communication with the peoples. On the contrary, contemporary art has become a means for the elite to distinguish itself by opposing the masses.
It is no longer necessary to please, it is no longer necessary to make peoples understand: the ugly and the absurd are therefore the two keys that close the door of art reserved for the elites to the general public.
It is possible to see two causes for this evolution of Western painting and sculpture from beautiful to ugly, and from meaning to the absurd.
One is ideological. The other is technical.
1° The ideological cause.
The democratic principles displayed by official ideology have consequences for public behaviours. In democratic regimes, elites can no longer distinguish themselves in a daily and ostensible way like the elites of past times, through their costumes, their habitat or their vehicles. To appear, to be displayed, to be ostensibly rich, was legitimate for the former aristocracy, it was even a duty. In a democracy, concealing one's wealth and power behind discreet appearances has become mandatory. A very old and very good idea, very effective and very profitable, born in rabbinic circles, which was adopted by the Protestant Reformation.
On the other hand, since the "Enlightenment", the ideologically and politically influential Elite has proclaimed itself "enlighted". It is through "Reason" that it considers itself essentially different from the masses that would be governed by passions. It is always money, but it is no longer the sword, it is no longer birth that distinguishes and legitimizes the political elite, it is the Initiation to the Enlightenment of Reason. Initiation, a very old Kabbalistic, Gnostic etc. idea adapted to the rationalism and materialism of the present times. And also an excellent means of political action.
Peoples are stupid, it is the esoteric foundation of the contemporary religion of the ideological and political elites. Among the communists this elite had been called the "enlightened vanguard of the proletariat", the only members of the One Party. The capitalists, more skilful, more hidden, have no proven public term for this elite and proclaim the need for a multi-party system open to all citizens. This ideological and political elite, this single party, does exist, however, but it is hidden in the shadow of the secret, discreet societies, linked together at the very top of the pyramid.
However, to distinguish themselves from the masses, the elites have put in place more discreet means than in the past. Among these means: Art, especially painting, sculpture.
2° The technical cause.
To communicate with the popular masses, art has been for centuries and even millennia an indispensable means of ideological propaganda in the hands of the elites. A church in each village, countless churches and cathedrals in the cities. From the Renaissance onwards, the new mythological and historical themes inspired by antiquity were also a means of communicating certain values to an increasingly large bourgeoisie.
Contemporary leaders, unlike their predecessors, have had much more effective means of communication than art since the second half of the 20th century to impose their ideas and catechise the general public.
Certainly the elites have built up statues of Liberty, Lenin, Stalin and Mao, Pyramids and Arches, in large numbers. But on the whole, however, given the emergence of new means and modes of communication, increasingly controlled, radio, television, written media, cinema, advertising, art (architecture, painting and sculpture) has become, if not useless, quite secondary, to "evangelize" peoples.
Architecture, painting, sculpture are no longer necessary to teach, convince or sell something. The contemporary political elite can therefore reserve these arts for another destination: to make a difference. Knowing the tastes of the masses, she takes the opposite approach, to distinguish herself, to look different, to recognize herself and justify herself as an elite.
Contemporary Art does not aim to convince the masses of the people, but to affirm, to show a difference. And he does it very well. Official contemporary art is a reserved field. All you have to do is visit our contemporary art museums to be sure: you can breathe in the rarefied air of the ugliness, the heights of false intellectuality and artificial spirituality.
A spirituality and intellectuality of conformity, dictated by an obsession with social and financial success.
D/ The Economic Fact: The Globalist Art of Money.
The third element that explains not the aesthetics of contemporary art, but its success throughout the West, and more recently throughout the world, is economic: it is money that has made this art a sacred art and one of the vehicles of globalist ideology. In a market economy, we have a market art. That makes sense. But a market art for the rich elites. For the people, there is television and advertising or street art.
Money began to take power in Western Europe and the United States after the wars of the French Revolution and the Empire, when Europe and the United States undertook the successive technical and industrial revolutions that generated their economic takeoff. International finance, banks reached the top of these societys in the inter-war period, and fully invested political power after the Second World War. In France, this total seizure of power is illustrated by the revolution of May 1968, the subsequent departure of General de Gaulle, and the arrival at the Presidency of Georges Pompidou, a man of the banks, an anticipation of Mr Macron.
This takeover can be analysed simply: banking finance, money, is no longer as it has been throughout the centuries of European history, a useful and indispensable accessory to political power, a necessary means of political action. During centuries in Europe the money of the usurer and the banker has been a means for European leaders to exercise political and ideological power. But when this means tended to take too much power, the European aristocracies lowered its power by various means. The bank was powerful in Florence, Antwerp, Amsterdam, Nuremberg, Vienna, London and Paris, but in Catholic and aristocratic Europe it remained controlled by the political and ideological elites.
It is over, the banker is no longer controlled, it is the political rulers, and all the ideological elite who are totally controlled by Money.
Industrial and commercial development, the disappearance of aristocracies, or their conversion to the money, Protestantism, democratization, have resulted in bankers taking complete control of the Western economy, and then of political and ideological power. The chief and the sorcerer (or the priest or the pastor...) have been submitted by the money trader. First in Western Europe, the Netherlands, England in particular, and of course in the United States, where no aristocracy or cultural tradition, no religious or profane ideology could oppose the power of money. On the contrary, everything was in place in the United States for the banks to take power. This was done from the end of the 19th century and the very beginning of the 20th.
This political and ideological takeover by an economic agent, which should have remained so, was somewhat concealed in the 20th and early 21st centuries by the communist episode in Eastern Europe and China. Communism was one of the last attempts to control the economy by political forces. It has failed because it has despised economic necessities too much.
Money has totally taken power worldwide after the communist collapse, which began in the 1980s in China and continued in the 1990s in the Soviet empire.
Like the Western economic elites, the newly rich in Russia and China want to differentiate themselves from the common people. Large hotels, yachts and private planes are not enough. Art brings a welcome touch of distinction. The discourse on art is there to make the rich of the whole world believe that by acquiring this or that "work of art", the ugliest and most absurd possible, the two keys that make the difference, they access metaphysical Intelligence, which thus crowns their obvious very great practical intelligence.
Obviously, other economic elites are there, with all their know-how, to organize the phenomenon and take advantage of it: art dealers are as ingenious as bankers, or they are bankers themselves. And that's how after taking full control of political power, the bankers took full control of Western art, and now global thanks to the entry of China and Russia. Contemporary art has become the vector and symbol of ideology and globalist politics driven by money, possibly even against certain politicians. It is the art of the Guidestones.
Some random captures taken during last Saturday's Conquer LA photo meet.
Been almost two years since the last Conquer LA meet, but it was a joy to come back to see old friends and meet some new people too.
Nanda Vigo 1936 Milano
Cronotopo 1965
Bologna MAMBO (Museo d'arte Moderna di Bologna)
LE CORONART. THE CORONART. THE COVIDART
La dénomination italienne d'arte povera, "l'art pauvre" présente cet intérêt, en comparaison d'autres comme "l'art conceptuel", qu'elle appelle un chat un chat et ne dissimule pas la vérité : Effectivement l'art contemporain officiel est un art pauvre. Pauvre en beauté et pauvre en signification partagée. Sa seule richesse est sa parfaite conformité avec l'idéologie mondialiste : c'est un art sans racines ethniques et culturelles. Cet art contemporain officiel s'est imposé dans tout l'Occident et cherche à conquérir la planète, on pourrait aussi l'appeler l'art viral, le Coronart, le Covidart, car il est une pandémie mortelle pour les Beaux-Arts.
The Italian denomination of arte povera, "poor art" has this interest, in comparison with others such as "conceptual art", which it calls a cat a cat and does not hide the truth: indeed, official contemporary art is poor art. Poor in beauty and poor in shared meaning. Its only richness is its perfect conformity with the globalist ideology : : it is an art without ethnic and cultural roots. This official contemporary art has imposed itself throughout the West and is trying to conquer the planet. We could also call it viral art, the "Coronart", the "Covidart" because it is a deadly pandemic for the Fine Arts.
COMPRENDRE L'ART CONTEMPORAIN (3)
Aujourd'hui nous ne concevons d'autre art que de contestation, c'est un des signes de notre décomposition. Après tout il y a eu du grand art sur commande, il n'y eut même que cela : Égypte, Mésopotamie, Grèce, Byzance, les Maya, l'Art Chinois, l'Inde, notre Occident chrétien, Renaissant, Baroque et même Classique. C'était beau, c'était commandé, mais les artistes y croyaient.
Jean DUCHÉ. Le Bouclier d’Athéna.
« On peut faire avaler n’importe quoi aux gens », c’est un expert qui le dit : MARCEL DUCHAMP ( interview dans l’express 23 juillet 1964) Sous le nom d’art, voici plus de cent ans qu’on fait avaler aux gens n’importe quoi. On est en pleine irréalité, ce qui est officiellement considéré comme étant l’art du XXè siècle et du début du siècle actuel n’a pas de rapport avec l’art, c’est de l’anti-art, du non art, du canular.
JEAN LOUIS HARROUEL L’Art contemporain, la Grande Falsification Jean Cyrille Godefroy 2009
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
L'Art est ce que vous croyez. Et l'art vous fait croire en ce que vous croyez. L'art vous fait aussi croire en ce que vous ne croiriez pas, si vous étiez libre de croire."
L'art contemporain officiel est un anti-art, sur commande, mondialiste, étatique et supra-étatique, public et privé, qui combine sept constantes que l'on retrouve dans presque tous les musées européens:
Il est laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel, et comme conséquence de tout cela, totalement artificiel.
1° L'Art Laid
C'est ce que constate l'historien d'art Ernst Gombrich: " l'art occidental est devenu une aventure aux confins de l’impossible, et l’art du laid".
L'Art Laid est une invention majeure de l'Occident dans la seconde moitié du 20è siècle. Les Beaux Arts anciens (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Arts) et encore l'Art Moderne, qui va de 1830 à 1950, pouvaient à l'occasion peindre les laideurs de la vie et de la mort. La laideur de la Passion du Christ, du Diable, des Enfers, de la Guerre, de la maladie et des épidémies, de la folie, de la mort etc.... Mais le laid n'était jamais un but en soi, c'était seulement un moyen d'exprimer les laideurs de certaines réalités.
Dans l'art contemporain officiel cet impératif du Laid concerne aussi bien l'art abstrait que l'art figuratif.
Quand le Laid devient un critère de l'art officiel, un but de l'artiste peintre, et une condition nécessaire pour entrer dans un musée de peinture, ou de sculpture, alors débute incontestablement l'ère de l'Art Contemporain.
L'adhésion idéologique, doctrinale, systématique, de l'Art Contemporain à la laideur est un constat très banal, qui a été fait de multiples fois, et qui a été pleinement revendiquée par ses théoriciens et ses praticiens.
Le critique d'art Michel Tapié (1909-1987) constate dans les années 1950-60 que "l'Art Moderne -entendez Art Contemporain- est né le jour où l'idée d'Art et celle de Beauté se sont trouvées disjointes." Michel Tapié ne critique pas cette disjonction, bien au contraire il la constate et la justifie. "nous avons changé de valeurs". Effectivement, la laideur est devenu une valeur positive, en esthétique !
Il est très significatif que l'Europe et l'Occident des Musées distingue, les Musées des "Beaux Arts" (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Art), des "Musées d'Art Contemporain". C'est l'officialisation du divorce de l'Art et du Beau. Cette institutionnalisation, cette systématisation de l'anti-esthétique est une première dans l'histoire des civilisations.
Il est impératif de ne pas confondre l'Art Moderne (1830--1950) avec l'Art Contemporain qui s'impose en Occident dans les cercles officiels à compter des années 1950 et suivantes. La différence essentielle, mais très simple à comprendre, est celle ci : l'Art Moderne est une esthétique, l'Art Contemporain est, et revendique d'être, une anti-esthétique.
Quelques questions s'imposent :
L'homme doit-il se féliciter d'avoir renié la beauté dans sont art officiel ?
Est- il obligatoire de considérer que c'est une évolution nécessaire et inévitable? Un progrès même ?
Et si l'art laid était, au contraire, un art dégradant, une régression? Une Involution?
2° L'Art Absurde.
Pendant toute la période des Beaux Arts anciens (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Arts) l'art n'a jamais été absurde. Il avait toujours une signification, il était porteur d'un enseignement très clairement perceptible par le plus grand nombre, même par les analphabètes, notamment dans l'art religieux. A partir de la Renaissance apparaît un art inspiré par l'antiquité gréco-romaine dont la signification est seulement accessible à une élite cultivée de la société européenne. Mais l'art continue jusqu'à l'époque contemporaine a être porteur de sens, à tenir un discours clair destiné à convaincre et rassembler.
A l'époque moderne, vers 1900, avec l'art non figuratif, abstrait, apparaît une nouveauté : l'art du non-sens. Le non-sens, compris comme le manque de signification, l'absence d'un discours intelligible, porteur d'un message précis, aisément identifiable par les populations ou par les élites. C'est alors qu'apparaissent les œuvres "sans titre" ou porteuses de titres dépourvus de sens : "Composition N°.."
Mais ce n'est qu'avec l'art contemporain officiel, après la seconde guerre mondiale, que le non-sens, l' absence de discours significatif, évolue, s'exacerbe, et devient synonyme d'absurdité.
L'art moderne abstrait, c'est un triangle bleu et un point rouge sur fond blanc.
L'art contemporain officiel, c'est une paire de chaussures portant des lunettes, un tas de cailloux, un lit suspendu au plafond du musée ou un balai serpillière....
Cette caractéristique de l'absurdité, contrairement à celle de la laideur, n'est pas revendiquée de manière explicite par les dogmatiques de l'Anti-Art. Au contraire les théoriciens de l'Art Contemporain Officiel veulent absolument faire croire que l'Anti-Esthétique est supérieurement intelligente, porteuse d'un contre-discours hautement subtile, superlativement "conceptuel", que seul un visiteur initié aux mystères de la pensée contemporaine pourrait comprendre. D'où l'importance dans les musées d'art contemporain du Discours sur l'Art, qui s'affiche parfois en plus grand que les "œuvres d'art". En réalité le public vraiment informé, pas celui faussement éclairé, doit comprendre qu'il n'y a rien à comprendre à propos de chacune de ces "œuvres d'art". Le discours sur l'art est là pour tromper le public, le stupéfier, l'intimider, lui interdire toute contestation. Par contre il est nécessaire de comprendre pourquoi cet "art", dans le même temps, affiche son absurdité et la dissimule derrière tout un discours justificatif. Il faut aussi comprendre la signification globale, politique, idéologique, sociale de cette déconstruction esthétique et éthique, totalement sophistique.
3° L'Art Provocateur.
Pendant toute la période des Beaux Arts anciens (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Arts) l'art n'a jamais été provocateur. L'Art avait pour fonction et pour but de transmettre un message éducatif clair, compréhensible par la majorité, et ses moyens étaient la séduction des populations dans leur globalité, ou de clientèles plus particulières, en étant porteur d'un discours consensuel, qui rassemble les destinataires autour d'une culture collective et d'un idéal commun. L'Art était un partage entre les membres de toute la société conçue comme une communauté centripète. L'art était inter-social, c'est à dire qu'il devait convenir, à l'ensemble des classes de la société, être admis par elles comme un bien commun et favoriser la communication à l'intérieur de la collectivité.
Avec le Non-Art Contemporain officiel apparaît une doctrine systématique inverse, d'une totale intolérance : Le dogme de l'art qui doit déranger les peuples. L'art n'est plus fait pour susciter l' adhésion des populations, mais pour les perturber, provoquer des réactions négatives d'opposition, de rejet. Le discours officiel sur l'art proclame sans cesse la prétendue nécessité d'une "remise en question" de toutes les traditions. Ainsi "l'initié" se distinguera en se répandant en louanges sur cette prétendue catharsis, et le non éclairé, le zombi, sera stigmatisé quand il osera critiquer l'absurdité de la violence dogmatique faite au beau et au sens.
Ce dogme de "l'art qui doit déranger" a toutes les caractéristique du langage intolérant de certaines doctrines religieuses dont les fanatiques sont incapables d'admettre et de comprendre qu'une foi en un Dieu véritable peut passer par d'autres chemins que le leur, et exposer d'autres vérités que celles en lesquelles ils croient. Il n'est plus question de foi en un Dieu révélé pour les tenants des "Lumières", mais cette doctrine de l'art qui a le devoir de déranger les peuples est en réalité l'expression d'une foi en une Raison humaine supérieure et révélée, nécessitant une initiation secrète. Cette doctrine est la traduction dans le domaine de l'esthétique d'une idéologie élitiste, sectaire et dogmatique. Le fanatisme s'est désacralisé, en Occident, mais il demeure identique à lui-même, et il est toujours aussi dangereux pour les libertés.
La Provocation est un des principes fondateurs caractéristiques de l'art contemporain officiel. Si on veut comprendre l'art contemporain officiel et même un certain art des rues (celui des tags vandales) il faut penser sur le même terrain que lui. Opposer la provocation et le mépris explicite à la provocation et au mépris implicite des peuples qui est caractéristique de l'art contemporain officiel. C'est d'ailleurs pourquoi l'art contemporain officiel, art d'état et même supra-étatique, mondialiste, art caractéristique de notre actuelle civilisation occidentale révèle un état d'esprit inquiétant des élites, une sur estimation d'elles mêmes évidente, et pose un très réel problème de société.
4° L'Art Bâclé.
L'Art Bâclé part de l'esquisse, il nait de sa systématisation abusive.
L'Esquisse a été essentiellement dans l'histoire de la peinture une étude préparatoire, qui permettait à l'artiste de s'assurer de la cohérence et de l'équilibre de son tableau fini. Dans ce cas, le plus souvent, l'approximation du dessin, le flou de la représentation n'est qu'un brouillon, un projet, un art incomplet qui demande à être achevé.
De nombreux artistes, au cours des siècles passés, ont parfaitement compris que l'esquisse pouvait, parfois, exceptionnellement, être une oeuvre achevée. C'est à dire une oeuvre dont une grande majorité de spectateurs, experts ou non, ressentaient impérieusement que RIEN ne devait lui être ajoutée. Ce n'est pas une définition mathématique, pas même philosophique, mais c'est la meilleure, comme pour la beauté : le sentiment commun, majoritaire, éclairé par l'opinion des élites, mais largement partagé au sein d'une société.
L'esquisse n'est une oeuvre achevée que lorsqu'elle est créatrice d'une atmosphère singulière, particulièrement suggestive, porteuse d'une poésie qui lui est propre, unique. Quand il apparaît de manière évidente que plus de précision dans le dessin fermerait les portes à l'imaginaire, au mystère, et détruirait un équilibre subtile entre le rêve et la réalité.
Mais c'est une alchimie dont seuls les grands artistes, peuvent, exceptionnellement, pénétrer le secret.
Il est vrai que l'esquisse peut dégager une certaine puissance expressive, avoir une puissance évocatrice, une poésie de l'inachevé. Une force expressive que le tableau, bien fini, bien dessiné et bien peint, achevé, peut effectivement perdre. Mais la magie poétique de l'art du flou ne peut pas être systématique et perd toute sa séduction quand elle devient une habitude du faire et un conformisme du regard.
Depuis les impressionnistes combien d'artistes on fait de l'esquisse et du tachisme sans art et par facilité ?
L'esthétique de notre époque s'est beaucoup trop focalisée sur l'esquisse. Le flou, l'esquisse, la tache sont devenus une mode, une culture obligatoire. Toujours le même constat : les bonnes idées, les pratiques innovantes et créatrices, deviennent mauvaises et stériles quand elles se systématisent.
En réalité les artistes ne sont pas les seuls responsables de cette situation. Au 19è siècle la société occidentale est entrée dans une culture qui fait de la réussite, matérielle, économique, et de l'Argent ses valeurs principales. Dès lors des esquisses, qui ne seraient pas sorties des brouillons personnels de l'artiste, pendant les siècles précédents, sont devenues de marchandises sources de profits. Ces marchandises, se trouvent même dans les musées. Picasso, peintre de transition entre l'art moderne et l'art contemporain, avait très bien compris ce mécanisme économique.
Bien sûr cette évolution est habillée de Grands Principes : Il n'est pas question d'Argent, mais de l'Artiste, de la Liberté de Création, du Progrès des Arts, d'une "sensibilité nouvelle", de "vivre avec son temps" etc...
Cette omniprésence de l'esquisse, du flou et du tachisme reflète non seulement des habitudes du regard mais des valeurs éthiques et culturelles. L'Art de l'esquisse, du flou et de la suggestion symbolique et poétique est devenu, par esprit à la fois de système et de provocation, et aussi beaucoup par commodité et conformité à la mode, l'Art Facile, l'Art Bâclé. L'art de faire, vite, au plus vite, une réputation et de l'argent. Nous sommes aux antipodes de la peinture des siècles antérieurs, à l'époque ou l'art était un métier. Un métier qui s'apprenait longuement, difficilement, et qui demandait infiniment de méticulosité.
5° L'Art Triste
Pendant des siècles, la peinture européenne, l'art européen en général, a été conçu pour faire rêver les peuples, ou une partie importante d'une population : aristocratie, bourgeoisie ou classes populaires. Quand la peinture européenne peignait des monstres, les maladies ou la guerre, c'était seulement ce qui était nécessaire pour formuler un rappel aux réalités du monde.
Apollon écorchait Marsyas vivant, Prométhée se faisait manger le foie sur ordre de Zeus, Adonis mourait, Orphée ne réussissait pas à ramener Eurydice des Enfers. Mais Europe n'était pas malheureuse d'être enlevée, Aphrodite (Vénus) naissait et aimait, et le printemps revenait régulièrement, comme Perséphone des Enfers.
Les Crucifixions, les Mises au Tombeau et les Pietas étaient toujours accompagnés d'une Annonciation, d'une Nativité et d'une Résurrection. Et après la Mort de la Vierge venait son Assomption et son Couronnement.
L'art néerlandais du XVIIe siècle, profane, laïc, proclame sans se lasser les joies simples de la vie de famille, les paysages maritimes, les cieux changeants, les fêtes de village, les danses de mariage et les abondances matérielles : viande, légumes, fromage et fleurs en abondance. Une profusion que les têtes de mort ne parvenaient pas à cacher. Même sans leurs dents, les agriculteurs chantaient, certainement en buvant un peu trop.
Tout l'art néo-classique, romantique et impressionniste du XIXe siècle a fait rêver avec des paysages d'Italie ou d'Europe : prairies parsemées de coquelicots, rivières fraîches et amicales, forêts pleines d'ombres favorables, châteaux mystérieux, troupeaux de moutons et bovins, bergers musiciens..... Et sauf quelques naufrages dans une mer agitée, dans l'ensemble, la peinture européenne était joyeuse et faisait rêver les peuples.
Rêve de Dieu, rêve d'Amour spirituel ou sensuel, rêve de vie éternelle, rêve de bonté, de pureté et de beauté, rêve de maternité, rêve de paradis, sur terre ou dans les airs, rêve de paysage idyllique, rêve de chasse réussie, rêve d'abondance. Le Rêve ne manque pas dans la peinture européenne, pendant des siècles, qui font bien plus qu'un millénaire. Et ce rêve est encore perçu de nos jours, même quand il ne correspond plus à des croyances actuellement vivantes et partagées.
C'est quand les idéologues et les politiques, qui imposent aux artistes ce que l'art doit être, ont décidé de peindre un monde qui ne fait pas rêver les peuples, que l'art contemporain a débuté : L'Urinoir de Marcel Duchamp est un des archétypes de cette "révolution".
Les "Éclairés" ont en effet inventé l'art triste. Ils ont tout faux, une fois de plus malgré leur conviction d'être l'Oeil qui éclaire de haut toute la pyramide sociale : L'art c'est ce qui fait rêver les peuples. Pas ce qui leur donne des cauchemars.
Il n'y a pas de doute qu'au cours du 20è siècle en Europe, puis en Occident, s'est généralisé, dans le domaine de la peinture et de la sculpture, un regard pessimiste, tragique, absurde, sur la vie
Les artistes contemporains sont-ils heureux de devoir produire ce Nouvel Art Obligatoire ?
On ne voit pas dans les salles d'Art Contemporain un art qui respire la Joie de Vivre et l'Epanouissement de Soi.
Les oeuvres de Fra Angélico témoignent que ce peintre était heureux de peindre comme il le faisait. En somme il était libre ! De même les oeuvres de Pierre Paul Rubens ou des Impressionnistes.
A regarder les oeuvres de Van Gogh il apparaît une certitude : ce peintre tourmenté avait la joie de se libérer par son art de ses difficultés à vivre.
A quoi sert l'Art, si ce n'est pas pour rendre les gens heureux, ou au moins les aider à vivre ?
Qu'est ce qu'un Art qui n'est pas un enchantement ?
Pourquoi un Art désenchanté ? Systématiquement et ostensiblement, revendicativement désenchanté ?
L'Enfer d'Enguerrand Quarton ou de Hiéronymus Bosch était plein de flammes et d'horribles démons.
L'Enfer de notre monde contemporain a rationnellement évacué toutes les horreurs obscurantistes de la religion: il est aussi lisse, triste et absurde que des carrés blancs, jaune ou noir, des boites de contreplaqué, des tas de charbon, des poutrelles de ciment, du papier mâché, des vêtements entassés ou suspendus et des cartons sales.
C'est l'art d'une élite mondialiste qui refuse de communiquer avec ses semblables, et qui est aussi incapable de sentir et faire ressentir des émotions positives. Pas de beau, pas de joie, pas de bon. L'art de faire rêver est devenu l'art de faire cauchemarder les peuples. C'est plus que triste, c'est alarmant. Démocrite lui même serait-il encore capable d'en rire ?
6° L'Art sans Racines
La fréquentation des Musées d'Art Contemporain fait apercevoir un phénomène qui devient vite flagrant, obsédant, à partir du moment où le visiteur en a pris conscience : le passé des hommes, l'histoire des civilisations y est totalement absent. C'est une fois encore le même constat : c'est l'inverse des Beaux Arts (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Arts) . Un Anti-Art atemporel, où toute mémoire du passé est absente, s'étale dans les Musées d'Art Contemporain.
l'Art Contemporain Officiel est un amas de "trucs" divers qui constituent un étalage de présent, un présent omniprésent, totalement coupé de tout environnement spatial ou temporel :
Des toiles unies, colorées ou pas, des lignes, des points, des traits et des cercles, des carrés ou rectangles diversement colorés, et bien sûr des taches, surtout des taches. Des gravats, des tuyaux, des balais, des serpillières, des échelles, des lits, des chaises et tables bancales, des entassements de choses diverses : charbon, pierre, cartons, papiers, plastiques. Des poutrelles rouillées, tordues, cassées, des cartons assemblés, des vêtements et chiffons entassés, des boites ouvertes ou fermées, des machineries cassées ou concassées, des tubulures, poutres de ciment, moellons, parpaings, tuiles, briques entières ou pulvérisées, des tubes de néon, des sacs vides ou des sacs pleins (il paraît que conceptuellement c'est très différent), toutes les sortes de tuyaux (fer, ciment, plastiques), du caoutchouc, des seaux, brocs, pots; des palissades, des téléphones, des machines à écrire emballées ou pas, des éviers, des urinoirs, des vélos, des fruits et légumes, toute une brocante diverse, mais absurde là où elle est exposée : les musées d'art.
Une multitude d'écoles artistiques prétendent s'inspirer de la société contemporaine, notamment de ses sciences et de ses techniques : L'art conceptuel, l'art vidéo, l'art informatique, l'art numérique, le bio art, les appellations ne manquent pas, mais les installations qui en résultent, outre leur laideur systématique, très éloignée de la réalité des laboratoires ou des usines actuelles, sont totalement vides de significations effectivement en lien avec les sciences et les techniques humaines telles qu'elles sont pratiquées. Comme ces installations sont sans lien aucun avec la vie citadine effective d'une grande partie de la population occidentale. Heureusement que nos villes ne ressemblent pas à nos musées d'art contemporain.
Les musées d'art contemporain sont un entassement d'objets sans identité réelle, sans "personnalité", sans capacité empathique, car ils ne s'inscrivent dans aucun contexte crédible.
ni le contexte de l'utilité, car les objets présentés sont totalement hors de leur usage réel.
ni le cadre géographique, car ils ne sont représentatifs d'aucune culture caractéristique d'une région de la planète.
ni l'approche historique, car ces objets n'ont aucun rapport avec l'histoire et le passé des sociétés humaines.
Rien dans ces musées qui puisse enraciner le visiteur dans l'histoire de sa communauté ou d'une quelconque communauté.
A observer l'Art Contemporain Institutionnel, à étudier son discours, il est clair que l'homme occidental n'est pas non plus sur la voie du rapprochement avec la Nature. La nature, les animaux, et l'humanité - sauf quand elle est laide et absurde - ont presque totalement disparu de l'art occidental institutionnel. Le rapprochement avec la Nature est pourtant un thème que tous les médias occidentaux à destination du grand public développent régulièrement. Le thème de l'animal n'a pas non plus disparu de l'art des rues ni de l'art commercial privé local, régional ou national. Il est omniprésent dans la photographie.
Pourquoi ce divorce entre l'Art Officiel Mondialiste, l'art réservé aux élites éclairées, totalement artificiel et contre nature, et les arts ou les médias à destination du grand public ?
Pourquoi cet Art Institutionnel est-il déraciné non seulement des différentes cultures humaines, mais aussi de la Nature ?
Le spectateur est enfermé dans un présent constant, obsédant, terrifiant par son anonymat et son absence de tout repère identitaire. L'art contemporain c'est la maladie d'Alzheimer à l'échelle de la société toute entière : chaque instant se succède sans être relié à l'instant d'avant, et encore moins à un passé lointain. Un art de fourmilière dans laquelle les générations se succèdent sans aucun lien mémoriel, seule demeure active la chaîne de l'instinct.
L'art contemporain officiel est à l'évidence conçu pour effacer la mémoire des hommes et pouvoir mieux ainsi orienter les restes d'intelligence qui survivront à ce traitement. Il est facile de comprendre pourquoi le public principal de ces musées d'art contemporain sont les élèves des écoles, collèges et lycée.
Cette situation n'est en effet pas le résultat d'un hasard mais d'une volonté politique fondée sur une idéologie parfaitement identifiable : L'idéologie des "Lumières" comportait quelques vérités importantes, opportunes, créatrices et vivantes. Mais ces vérités ont été interprétées au paroxysme de leur extrémisme, et se sont installées en Vérité absolue, systématique, unique et universelle, négatrice de toutes les valeurs et expériences des civilisations passées. Ce nouveau totalitarisme est porteur, comme tous les totalitarismes, d'Ombres tragiques, et finalement de Mort. Quand l'homme a la prétention de se réclamer des "Lumières", les siennes, les lumières de sa seule raison, il est tout à fait conséquent qu'il finisse dans l'Ombre profonde de l'erreur, de l'ignorance, du laid et de l'absurde. Ce que démontre l'art contemporain officiel.
L'art contemporain officiel, celui des musées qui portent ce nom, met en pratique, dans le domaine de l'esthétique, un principe fondamental de l'idéologie des Lumières : "La Table Rase". Le passé européen et celui de toutes les civilisations est rétrograde et obscurantiste, c'est le temps des Ombres. Il doit disparaître totalement pour que l'Humanité nouvelle puisse s'épanouir dans la Modernité, que les "Lumières" seules représentent. En URSS, en Chine Maoïste, cette idéologie de la "Table Rase" a été imposée par un totalitarisme démocratique explicitement violent, un parti unique revendiquant comme légitime "la dictature du prolétariat". Dans les pays capitalistes les méthodes sont autres : le totalitarisme se dissimule derrière les apparences de la démocratie libérale prétendument plurielle. Ses méthodes sont celles d'une violence déguisée, sous-jacente, inspirée et organisée par des organisations dissimulées aux regards du grand public : celles de la manipulation des opinions et des esprits.
Les racines des peuples, les liens des nations avec leur passé doivent être totalement coupés pour ne laisser subsister que la vraie et l'unique doctrine, celle à la gloire de l'universalité. Selon les Grands Prêtres du Mondialisme ce serait le prix à payer pour garantir, grâce à la disparition des nations, ethniques et culturelles et un gouvernement unique à l'échelle de la terre, un avenir radieux, la paix et un paradis sur terre. La disparition des racines des hommes c'est en effet le même projet que la disparition des Nations. De l'oubli des racines à la destruction des racines la distance est infime : c'est ce que démontre l'incendie officiellement involontaire de Notre Dame de Paris. La charpente de chênes, multiséculaire, de Notre Dame de Paris peut bien brûler, comme accidentellement, ce n'est pas du tout une catastrophe, c'est même une intéressante opportunité. Elle sera reconstruite en quelques années. Elle sera même mieux : elle sera en béton, et toute neuve. On pourra toujours la maintenir inscrite au Patrimoine de l'Humanité. De quoi se plaignent les esprits rétrogrades obscurément attachés au passé ?
L'art contemporain officiel est un art spécialement conçu pour les peuples déracinés, émigrés, immigrés, mélangés : Rien n'y rappelle leurs origines, leurs cultures spécifiques, leurs anciens territoires. Leurs symboles, même les plus chers, seront détruits, incendiés intentionnellement. C'est le projet mondialiste dont l' idéologie et la politique se reflètent dans l'anti-esthétique contemporaine officielle.
7° L'Art Obsessionnel.
L'obsession dont il est question ici est celle de la Modernité, du Nouveau, du Changement, de la Révolution, du Progrès. Il est obligatoire de peindre, de sculpter, d'installer, tout et n'importe quoi, à la seule condition que cela n'ai jamais été fait avant! Des rouleaux de papier hygiéniques au sol ? Excellente idée ! A une condition : il faut être certain que cela n'a pas été déjà fait ! Et si cela a été fait, il est possible de faire la même chose, mais avec des salissures réelles ou artificielles, en plus. Ce sera encore plus nouveau et un vrai progrès !
Cette obsession de la nouveauté rejoint ici aussi le dogme de "la Table Rase" et s'inspire de la doctrine du reniement du Passé qui est un point fondamental du catéchisme des Lumières extrémistes. La conséquence directe de cette monomanie est évidemment la survalorisation du présent et de l'avenir : une agitation permanente, un énervement fébrile, sans but réel, sans prudence, ni bon-sens, une effervescence stérile et même destructrice des grands équilibres nécessaires. C'est "le Bougisme" de Pierre André Taguieff (Résister au Bougisme. Fayard 2001). En inventant ce néologisme, Pierre André Taguieff a avec raison dénoncé le culte maladif du changement pour le changement. Cette idéologie absurde de la nouveauté obligatoire, à n'importe quel prix, provoque bien évidemment ses ravages dans l'art, comme ailleurs dans la société occidentale.
Même si le 21è siècle débutant commence à lancer des cris d'alarmes à propos de la nuisance de l'homme, l'obsession du Changement et du Progrès par l'action de l'homme demeure une constante de tous les discours officiels et un des tous premiers commandements du catéchisme idéologique et "artistique".
Conclusion : L'Art Artificiel. L'Art Mort
Le cahier des charges en sept points qui est ainsi imposé aux artistes contemporains décidés à se faire une réputation dans l'art officiel a une conséquence évidente : L'Art Contemporain Officiel est un art totalement insincère, un sommet de l'artifice et du conformisme. L'art européen comme celui universel a toujours été un art sur commande, pendant des millénaires. Dans toute l'histoire des civilisations à vrai dire il n'a existé d'art que sur commande. Ce sont toujours les élites idéologiques et politiques qui ont inspiré, orienté et financé l'art des différentes civilisations. Sauf une exception notable, en Europe, pendant la période de l'Art Moderne. Nous avons dit pourquoi dans d'autres textes : en un mot la diversité idéologique. Mais l'art sur commande, dans les temps anciens, même quand dominait une idéologie unique, n'excluait pas que les artistes puissent créer avec sincérité, et donc librement, un art certes sur commande, mais authentique et partagé. Toute l'histoire de la peinture européenne depuis l'époque médiévale en est la preuve.
C'est ce qui a manifestement changé avec l'art contemporain officiel à partir de la seconde moitié du 20è siècle. Devoir absolument créer le laid, l'absurde, le triste, être contraint de provoquer et déranger les peuples de la base de la pyramide, est à l'évidence très accablant pour les artistes officiels eux mêmes. Même quand les honneurs et les profits sont au bout du chemin. Leur art est artificiel, il n'est porteur d'aucune véracité vivante. Un art de commande, mais un art Mort.
La sincérité, la bonne foi, de l'artiste est une condition, certes pas suffisante, mais absolument nécessaire de l'art. On voit bien dans les arts anciens, quand le peintre, même talentueux, ne croit plus à ce qu'il peint. Ce ressenti se rencontre très clairement dans l'art religieux, à certaines époques, chez certains artistes même de grand talent. Dans l'art ancien, c'est un phénomène individuel ou conjoncturel.
Par contre dans les musées d'art contemporain officiel, l'absence de sincérité, l'inauthenticité, la fausseté, la duplicité est générale et structurelle : le spectateur baigne dans une atmosphère de mensonge constant, d'artifice contraint, d'affectation hypocrite, de complaisance mortellement ennuyeuse. C'est exactement le sens du titre de l'ouvrage de Aude de Kerros "L'Imposture de l'art contemporain" Eyrolles 2017.
L'Art Contemporain Officiel est une Imposture parce qu'il est une posture imposée, un comportement obligé, une astreinte mortelle pour la liberté de création.
Un art beau et compréhensible par les peuples, le partage d'une émotion vivante et positive avec le public, ce n'est pas le problème des "artistes" de l'art contemporain officiel. Leur seul centre d'intérêt, évident aux yeux du visiteur, c'est leur réussite sociale. Ces artistes peignent, sculptent ou "installent" pour entrer au musée. Toute sincérité est évacuée comme dangereuse pour la réussite de cette entreprise. Il faut remplir le cahier des charges des conditions pour être admis par les sélectionneurs, faire à tout prix, du nouveau et du laid, et parvenir à la provocation la plus absolue.
Il est manifeste que l'authenticité, la sincérité, restent sur le bord de cette route imposée à la création artistique. Certains opportunistes s'en accommodent parfaitement, car c'est un cahier des charges certes astraignant, mais qui n'exige aucun talent proprement artistique. D'autres, certainement nombreux, se contraignent pour obtenir la reconnaissance publique. D'autres encore refusent de jouer ce jeu et n'entrent pas dans les grands musées. Ces contraintes et ces refus ont certainement un coût esthétique au niveau de la société globale.
La sincérité était un critère de l'esthétique européenne du passé. Peu importait que la croyance soit fausse ou vraie, ou plus ou moins vraie, peu conforme à la rationalité telle que notre époque la conçoit. C'est un fait historique que toutes les grandes religions ont été, pendant des millénaires, à l'origine d'arts authentiques, sincères, beaux, significatifs, partagés avec les peuples et reconnus par le temps. L'évidence est qu' avec l'Art Contemporain Officiel, l'authenticité est morte, et le partage avec elle bien sûr. La fréquentation des musées d'art contemporain, démontre qu'aucun courant ne passe entre les artistes, leurs mécènes officiels et la majorité du public en situation de pouvoir décider librement de ses activités.
"La majorité des opposants à l'art contemporain est totalement invisible et sans voix. Artistes et amateurs qui la composent font comme si l'Art Contemporain n'existait pas. Ils considèrent qu'il est si nul qu'il n'est pas nécessaire d'y accorder la moindre attention, ni de faire le moindre effort critique."
Aude de Kerros L'Art Caché. Eyrolles 2013.
Ces opposants ont raison quant à la nullité esthétique de l'art contemporain officiel. Mais ils ont tort de rester sans voix, car cet art est un révélateur de l'état d'esprit des élites gouvernantes. Les gouvernés doivent se préoccuper très attentivement des visions de l'art, et donc du monde, de leurs gouvernants, car elles les concernent directement. Le "Massacre des Innocents" est une situation d'actualité, pas seulement une anecdote du Nouveau Testament. Une élite idéologique et politique qui a fait profession de foi de massacrer le beau, le sens, la sincérité, l'art en général, et proclame son droit à déranger les peuples, est suspecte. Le massacre de la peinture, le massacre de l'art c'est l'annonce, la préfiguration du massacre des peuples (les "Gilets Jaunes") par leurs élites idéologiques et politiques. L'histoire récente a démontré que les sociétés explicitement totalitaires, nazies et communistes, génocidaires, ont été incapables de créer un art authentique et sincère. La très grande majorité des artistes les ont fuit.
La société capitaliste libérale, triomphante de notre temps, a agi de manière politiquement bien plus subtile en créant un Anti-Art Officiel Obligatoire. Est ce une antidote efficace et suffisante contre le totalitarisme, que cette société ait laissé subsister des réserves pour la beauté, le sens, la sincérité dans d'autres domaines comme la photographie ou l'art des rues, ou dans un art privé non accrédité, adventice? Il serait avisé d'en douter sérieusement.
UNDERSTAND CONTEMPORARY ART (3)
Today we conceive of no other art than of contestation, it is one of the signs of our decomposition. After all there was great art on command, there was even only art on command : Egypt, Mesopotamia, Greece, Byzantium, Maya, Chinese Art, India, our Christian West, Renaissance, Baroque and even classic. It was beautiful, it was ordered, but the artists believed in him.
Jean DUCHE. The Shield of Athena.
"You can make to people swallow anything," says one expert: MARCEL DUCHAMP (interview on the express 23 July 1964) Under the name of art, for more than a hundred years now, people have been made to swallow anything. We are in the midst of unreality, what is officially considered to be the art of the 20th century and the beginning of the current century has no connection with art, it is anti-art, non-art, hoax.
JEAN LOUIS HARROUEL Contemporary Art, Great Falsification Jean Cyrille Godefroy 2009
Art is what you believe. And art makes you believe in what you believe. Art also makes you believe in what you would not believe, if you were free to believe.
Official contemporary art is an anti-art, commissioned, globalist, state and supra-state, public and private, which combines seven constants found in almost all European museums:
He is ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessional, and as a result of all this, totally artificial.
1° The Ugly Art
This is what art historian Ernst Gombrich notes: "Western art has become an adventure on the edge of the impossible, and the art of the ugly".
The ugly Art is a major invention of the West in the second half of the 20th century. Ancient Fine Arts (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Arts) and Modern Art, which goes from 1830 to 1950, have occasionally paint the ugliness of life and death. The ugliness of the Passion of Christ, the Devil, the Underworld, War, disease and epidemics, madness, death etc..... But the ugly was never a goal in itself, it was only a way to express the ugliness of certain realities.
In official contemporary art, this imperative of the ugly concerns both abstract and figurative art.
When the Ugly becomes a criterion of official art, a goal of the painter, and a necessary condition for entering a museum of painting, or sculpture, then the era of Contemporary Art undoubtedly begins.
The ideological, doctrinal, systematic adherence of Contemporary Art to ugliness is a very banal observation, which has been made many times, and which has been fully claimed by its theorists and practitioners.
The art critic Michel Tapié (1909-1987) noted in the 1950s and 1960s that "Modern Art - understand Contemporary Art - was born the day the idea of Art and Beauty were separated". Michel Tapié does not criticize this disjunction, on the contrary he notes it and justifies it. "we have changed our values". Indeed, ugliness has become a positive value in aesthetics!
It is very significant that Europe and the West of Museums distinguish, the Museums of "Fine Arts" (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Art), from the "Museums of Contemporary Art". It is the officialization of the divorce of Art and Beauty. This institutionalization, this systematization of the anti-esthetic is a first in the history of civilizations.
It is imperative not to confuse Modern Art (1830--1950) with the Contemporary Art, that prevails in the West in official circles from the 1950s onwards. The essential difference, but very simple to understand, is this: Modern Art is an aesthetic, Contemporary Art is, and proclaims to be, an anti-aesthetic.
A few questions are in order:
Should man be proud of having renounced beauty in his official art?
Is it mandatory to consider that this is a necessary and inevitable evolution? A Progress even?
What if ugly art was, on the contrary, a degrading art, a regression? An Involution?
2° The Absurd Art.
During the whole period of the Ancient Fine Arts (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Arts) art was never absurd. He always had a meaning, he was the bearer of a teaching very clearly perceptible by the greatest number, even by the illiterate, especially in religious art. From the Renaissance onwards, an art inspired by Greco-Roman antiquity appeared, the meaning of which was only accessible to a cultivated elite of European society. But art continues until the contemporary era to be meaningful, to hold a clear discourse designed to convince and bring peoples together.
In modern times, around 1900, with non-figurative, abstract art, a novelty appeared: the art of non-sense. The non-sense, understood as the lack of meaning, the absence of an intelligible discourse, carrying a precise message, easily identifiable by the populations or by the elites. This is when works "without title" or with meaningless titles appear: "Composition N°..."
But it is only with official contemporary art, after the Second World War, that nonsense, the absence of significant discourse, evolves, is exacerbated, and becomes synonymous with absurdity.
Abstract modern art is a blue triangle and a red dot on a white background.
Official contemporary art is a pair of shoes wearing glasses, a pile of stones, a bed suspended from the museum ceiling, or a mop...
This characteristic of absurdity, unlike that of ugliness, is not explicitly claimed by the dogmatics of the Anti-Art. On the contrary, the theorists of Official Contemporary Art absolutely want to make believe that Anti-Aesthetics is superiorly intelligent, carrying a highly subtle counter-discourse, superlatively "conceptual", that only a visitor initiated to the mysteries of contemporary thought could understand. Hence the importance in contemporary art museums of the Discourse on Art, which is sometimes displayed in a larger format than "works of art". In reality, the truly informed public, not the falsely enlightened public, must understand that there is nothing to understand about each of these "works of art". The discourse on art is there to deceive the public, to amaze them, to intimidate them, to prohibit them from contesting. On the other hand, it is necessary to understand the why this "art", which one, at the same time, displays its absurdity and hides it behind a whole justification discourse. It is also necessary to understand the global, political, ideological and social significance of this totally sophistic aesthetic and ethical deconstruction.
3° The Provocative Art.
Throughout the period of the Ancient Fine Arts (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Arts) art was never provocative. Art's function and aim was to transmit a clear educational message, understandable by the majority, and its means were to seduce populations as a whole, or more specific clienteles, by carrying a consensual discourse, which brings the recipients together around a collective culture, and a common ideal. Art was a sharing between the members of the whole society conceived as a centripetal community. Art was inter-social, that is, it had to be suitable for all classes of society, to be accepted by them as a common good and to foster communication within the community.
With the official Contemporary Non-Art appears a systematic reverse doctrine, of a total intolerance: the dogma of art that must disturb the peoples. Art is no longer made to induce the adherence of the populations, but to disturb them, to provoke negative reactions of opposition, of rejection. The official discourse on art constantly proclaims the alleged need to "question" all traditions. Thus the "initiate" will distinguish himself by spreading praise on this so-called catharsis, and the uninformed, the zombie, will be stigmatized when he dares to criticize the absurdity of dogmatic violence made to beauty and meaning.
This dogma of "the art that must disturb" has all the characteristics of the intolerant language of certain religious doctrines of which fanatics are unable to admit and understand that a faith in a true God can pass through paths other than their own, and expose truths other than those in which they believe.
There is no longer any question of faith in a revealed God for the supporters of the "Enlightenment", but this doctrine of art, which has the duty to disturb peoples, is in reality the expression of a faith in a higher and revealed Human Reason, requiring a secret initiation. This doctrine is the translation in the field of aesthetics of an elitist, sectarian and dogmatic ideology. Fanaticism has desacralized itself in the West, but it remains identical to itself, and it is still as dangerous to freedom
Provocation is one of the founding principles characteristic of official contemporary art. If we want to understand official contemporary art and even a certain street art (that of vandal tags) we must think on the same ground as him. Oppose provocation and explicit contempt to the provocation and implicit contempt for peoples that is characteristic of official contemporary art. This is why official contemporary art, state art and even supra-state art, globalist, an art characteristic of our current Western civilization, reveals a worrying state of mind of the elites, an obvious overestimation of themselves, and poses a very real social and politic problem.
4° The Botched Art.
The botched Art starts from the sketch, it is born from its abusive systematization.
The Sketch was essentially a preparatory study in the history of painting, which allowed the artist to ensure the coherence and balance of his finished painting. In this case, most often, the approximation of the drawing, the blur of the representation is only a draft, a project, an incomplete art that needs to be completed.
Many artists, over the past centuries, have fully understood that the sketch could, sometimes, exceptionally, be a finished work. In other words, a work about which a large majority of spectators, experts or not, felt compellingly that NOTHING should be added to it. It is not a mathematical definition, not even philosophical, but it is the best, as in the case of beauty: the common feeling, the majority, enlightened by the opinion of the elites, but widely shared within a society.
The sketch is a finished work only when it creates a singular atmosphere, particularly suggestive, carrying a poetry of its own, unique. When it becomes clear that more precision in drawing would close the doors to the imagination, to mystery, and would destroy a subtle balance between dream and reality.
But it is an alchemy whose secret can only be penetrated by great artists.
It is true that the sketch can release a certain expressive power, have an evocative power, a poetry of the unfinished. An expressive force that the painting, well finished, well drawn and well painted, well finished, can indeed lose. But the poetic magic of the art of the blur cannot be systematic and loses all its seduction when it becomes a habit of doing and a conformity of the gaze.
Since the Impressionists, how many artists have blurred sketchs and paint stains, without art and for ease?
The aesthetics of our time has focused far too much on the sketch. The blur, the sketch, the stain have become a fashion, an obligatory culture. Always the same observation: good ideas, innovative and creative practices, become bad and sterile when they become systematized
In reality, artists are not the only ones responsible for this situation. In the 19th century Western society entered a culture that made of the material and economic success , and of the money, its main values. Since then, sketches, which would not have come out of the artist's personal files in previous centuries, have become commodities for profit. These goods are even found in museums.
Picasso, a painter in transition between modern and contemporary art, had a very good understanding of this economic mechanism.
Of course this evolution is dressed in Great Principles: It is not about Money, but about the Artist, the Freedom of Creation, the Progress of the Arts, a "new sensitivity", "living with the times" etc....
This omnipresence of the sketch, the blur and the tachism reflects not only habits of the gaze but also ethical and cultural values. The Art of sketching, blurring and symbolic and poetic suggestion has become, by spirit of both system and provocation, and also much by convenience and conformity to fashion, the easy Art, and the botched Art. The art of making a reputation and money as quickly as possible. We are at the opposite of the painting of previous centuries, at a time when art was a profession. A profession that could be learned at length, with difficulty, and that required infinite meticulousness.
5° The Sad Art
For centuries, European painting, European art in general, was designed to make peoples dream, or of an important part of a population: aristocracy, bourgeoisie or popular classes. When European painting painted monsters, diseases or war, it was only what was necessary to formulate a reminder to the realities of the world.
Apollo skinned Marsyas alive, Prometheus had his liver eaten on Zeus' orders, Adonis died, Orpheus failed to bring Eurydice back from the underworld. But Europe was not unhappy to be kidnapped, Aphrodite (Venus) was born and have loved, and spring regularly came back, like Persephone from the Underworld.
The Crucifixions, Burials, and Pietas were always accompanied by an Annunciation, a Nativity and a Resurrection. And after the Death of the Virgin come her Assumption and Coronation.
17th century Dutch art, secular and secular, untiringly proclaims the simple joys of family life, the seascape, the changing skies, village festivals, wedding dances and material abundances: meat, vegetables, cheese and flowers in abundance. A profusion that the skulls could not hide. Even without their teeth, farmers sang, certainly by drinking a little too much.
All the neoclassical, romantic and impressionist art of the 19th century has made you dream with landscapes from Italy or Europe: meadows dotted with poppies, fresh and friendly rivers, forests full of favourable shadows, mysterious castles, herds of sheep and cattle, shepherds musicians...... And apart from a few shipwrecks in a rough sea, on the whole, European painting was joyful and inspiring the peoples.
Dream of God, dream of spiritual or sensual Love, dream of eternal life, dream of goodness, purity and beauty, dream of motherhood, dream of paradise, on earth or in the air, dream of idyllic landscape, dream of successful hunting, dream of abundance. The Dream is not lacking in European painting during centuries, which are much more than a thousand years old. And this dream is still perceived today, even when it no longer corresponds to beliefs that are currently alive and shared. It is when ideologues and politicians, who impose on artists what art must be, have decided to paint a world that does not make peoples dream, that contemporary art has started: The Urinal of Marcel Duchamp is one of the archetypes of this "revolution".
The "Enlightened" have indeed invented the sad art. They are entirely wrong, once again despite their conviction that they are the Eye that illuminates the entire social pyramid from above: Art is what makes peoples dream. Not what gives them nightmares.
There is no doubt that during the 20th century in Europe, then in the West, a pessimistic, tragic and absurd view of life became widespread in the field of painting and sculpture
Are contemporary artists happy to have to produce this New Mandatory Art?
We do not see in the Contemporary Art rooms an art that breathes the Joy of Living and the Blossoming of Self.
Fra Angélico's works testify that this painter was happy to paint as he did. All in all, he was free! The same goes for the works of Pierre Paul Rubens or the Impressionists.
Looking at Van Gogh's works, one thing is certain: this tormented painter had the joy of freeing himself through his art from his difficulties in living.
What is the purpose of Art, if not to make people happy, or at least help them to live?
What is an Art that is not an enchantment?
Why a disenchanted Art? Systematically and ostensibly disenchanted?
The Hell of Enguerrand Quarton or Hieronymus Bosch was full of flames and horrible demons.
The Hell of our contemporary world has rationally evacuated all the obscurantist horrors of religion: it is as smooth, sad and absurd as white, yellow or black squares, plywood boxes, coal piles, cement beams, papier-mâché, piled up or suspended clothes and dirty cardboard.
It is the art of a globalist elite who refuse to communicate with their fellow human beings, and who are also unable to feel and make positive emotions feel. No beauty, no joy, no good. The art of making people dream has become the art of making them nightmares. It's more than sad, it's alarming. Would Democritus himself still be able to laugh about it?
6° The Rootless Art
The attendance at the Museums of Contemporary Art reveals a phenomenon that quickly becomes obvious and haunting, from the moment the visitor becomes aware of it: the past of mankind and the history of civilizations are totally absent. It is once again the same observation: it is the opposite of Fine Arts (Belle Arti, Schönen Künste, Fine Arts). An atemporal Anti-Art, where all memory of the past is absent, is displayed in the Museums of Contemporary Art.
Official Contemporary Art is a cluster of diverse "things" that constitute a display case of present, an omnipresent present, totally cut off from any spatial or temporal environment:
Plain canvases, coloured or not, lines, dots, strokes and circles, squares or rectangles of various colours, and of course stains, especially stains. Rubble, pipes, broomsticks, mops, ladders, beds, chairs and wobbly tables, piles of various things: coal, stone, cardboard, paper, plastics. Rusty, twisted, broken, bent, broken beams, assembled cardboard boxes, stacked clothes and rags, open or closed boxes, broken or crushed machinery, pipes, cement beams, rubble, cinder blocks, tiles, whole or pulverized bricks, neon tubes, empty bags or full bags (it seems that conceptually it is very different), all kinds of pipes (iron, cement, plastic), rubber, buckets, jugs, pots; fences, telephones, typewriters, packaged or not, sinks, urinals, bicycles, fruit and vegetables, a whole variety of flea markets, but absurd where they are exposed: in the art museums.
A multitude of art schools claim to be inspired by contemporary society, especially its sciences and techniques: Conceptual art, video art, computer art, digital art, bio art, there is no shortage of names, but the resulting installations, apart from their systematic ugliness, far removed from the reality of today's laboratories or factories, are totally devoid of any meaning actually related to the human sciences and techniques as they are practiced. In the same way that these installations are in no way related to the actual urban life of a large part of the Western population. Fortunately, our cities do not resemble our museums of contemporary art.
Objects without a real identity, without "personality", without empathetic capacity, because they do not fit into any credible context.
Contemporary art museums are a accumulation of objects without a real identity, without "personality", without empathetic capacity, because they do not fit into any credible context.
nor the context of utility, because the objects presented are totally out of their real use.
nor the geographical context, as they are not representative of any culture characteristic of a region of the planet.
nor the historical approach, because these objects have no connection with the history and past of human societies.
There is nothing in these museums that can root the visitor in the history of his or her community or a particular community.
By observing Institutional Contemporary Art, by studying its discourse, it is clear that Western man is not either on the path of rapprochement with Nature. Nature, animals, and humanity - except when it is ugly and absurd - have almost totally disappeared from Western institutional art. The rapprochement with Nature is however a theme that all Western media aimed at the general public regularly develop. The theme of the animal has not disappeared from street art or from local, regional or national private commercial art either. It is omnipresent in photography.
Why this divorce between the Official Globalist Art, art reserved for the enlightened elite, totally artificial and counter nature, and the arts or media aimed at the general public?
Why is this Institutional Art uprooted not only from the different human cultures, but also from Nature?
The spectator is locked in a constant, haunting, terrifying present by his anonymity and his absence of any identity reference point. Contemporary art is Alzheimer's disease on the scale of the whole society: each moment follows one another without being connected to the moment before, and even less to a distant past. An anthill art in which generations succeed one another without any memorable link, only the chain of instinct remains active.
The official contemporary art is obviously designed to erase the memory of men and be better able to guide the remains of intelligence that will survive this treatment. It is easy to understand why the main audience of these contemporary art museums are students from schools, colleges and high schools.
This situation is indeed not the result of chance but of a political will based on a perfectly identifiable ideology: The "Enlightenment" ideology contained some important, timely, creative and living truths. But these truths have been interpreted in paroxysm of their extremism, and settled in absolute, systematic, unique and universal Truth, denying all the values and experiences of past civilizations. This new totalitarianism carries, like all totalitarianisms, tragic Shadows, and finally Death. When man claims himself to be the "Lights"", the lights of his only reason, it is quite consistent that he ends up in the deep shadow of error, of ignorance, ugly and absurd. What official contemporary art demonstrate.
Official contemporary art, that of the museums that bear this name, puts into practice, in the field of aesthetics, a fundamental principle of the Enlightenment ideology: "La Table Rase" (the clean slate). The European past and that of all civilizations is retrograde and obscurantist, it is the time of the Shadows. He must disappear completely so that the new Humanity can flourish in the Modernity, that the "Lights" alone represent. In the USSR, in Maoist China, this ideology of the "Table Rase" was imposed by an explicitly violent democratic totalitarianism, a single party claimant as legitimate "the dictatorship of the proletariat". In the capitalist countries the methods are different: totalitarianism is hidden behind the appearances of the supposedly plural liberal democracy. His methods are those of a disguised violence, underlying, inspired and organized by organizations hidden from the eyes of the general public: those of the manipulation of the opinions and the spirits.
The roots of peoples, the links of nations with their past must be totally severed in order to allow only the true and only doctrine to remain, that to the glory of universality. According to the High Priests of Globalism, this would be the price to pay to guarantee, through the disappearance of nations, ethnic and cultural groups and the creation of a single government on a global scale, a bright future, peace and paradise on earth. The disappearance of human roots is indeed the same project as the disappearance of nations. From the forgetting of the roots to the destruction of the roots, the distance is minute: this is what the officially involuntary fire of Notre Dame de Paris shows. The centuries-old oaks frame of Notre Dame de Paris can burn, as accidentally, it is not at all a disaster, it is even an interesting opportunity. She will be rebuilt in a few years. She will even be better: it will be made of concrete, and brand new. She can always be kept on the World Heritage List. What are the retrograde spirits complaining about who are obscurely attached to the past?
Official contemporary art is an art specially designed for uprooted, emigrated, immigrant, mixed peoples: Nothing reminds of their origins, their specific cultures, their former territories. Their symbols, even the most expensive ones, will be destroyed, intentionnaly burned down. It is the globalist project whose ideology and politics are reflected in the official contemporary anti-aesthetics.
7° The Obsessional Art.
The obsession we are talking about here is that of Modernity, the New, Change, Revolution, Progress. It is mandatory to paint, sculpt, install, everything and anything, on the sole condition that it has never been done before! Toilet paper rolls on the floor? That's a great idea! On one condition: you have to be sure that this has not already been done! And if this has been done, it is possible to do the same thing, but with real or artificial soiling, in addition. It will be even more novel and a real improvement!
This obsession with novelty here too is in line with the dogma of the "Table Rase" and is inspired by the doctrine of the denial of the Past, which is a fundamental point of the catechism of the extremist Enlightenment. The direct consequence of this monomania is obviously the over-valuing of the present and the future: a permanent agitation, a feverish irritation, without any real purpose, without prudence, without good sense, a sterile effervescence and even destructive of the major balances needed. It is "le Bougisme" (The Febrile Agitation), by Pierre André Taguieff (Résister au Bougisme. Fayard 2001). In inventing this neologism, Pierre André Taguieff rightly denounced the morbid cult of change for change. This absurd ideology of mandatory novelty, at any price, obviously causes its devastation in art, as elsewhere in Western society.
Even if the beginning of the 21st century is beginning to raise alarm bells about human nuisance, the obsession with Change and Progress through human action remains a constant in all official speeches and one of the first commandments of ideological and "artistic" catechism.
Conclusion: The Artificial Art. The Dead Art.
The seven-point specifications that are imposed on contemporary artists determined to build a reputation in official art have an obvious consequence: Official Contemporary Art is a totally no sincere art, a summit of artifice and conformity. European art as well as universal art has always been commissioned art for thousands of years. In the entire history of civilizations, indeed, art has only existed on commission. It is always the ideological and political elites who have inspired, guided and financed the art of different civilizations. With one notable exception, in Europe, during the Modern Art period. We have said why in other texts: in a word, ideological diversity. But art on commission, in ancient times, even when a single ideology dominated, did not exclude that artists could