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Celestial body — Tribute to Pierre Aleschinsky
2019 ©MichelleCourteau
Astres et desastres,1969. source:lacroix.com
Aleschinsky source: artnet.com
LES GRANDS FONDS, Pierre ALECHINSKY
Encre de Chine sur grand vélin marouflé sur toile, bordure peinte à l’acrylique
Pierre Alechinsky est né en 1927 à Bruxelles. En 1974, il réalise une très grande encre de Chine sur papier marouflé sur toile, destinée à orner le plafond d’un collectionneur, dans un format qu’il n’a jamais encore pratiqué : 277 x 650 cm. La commande n’aboutit pas. Recevant le Prix Andrew W. Mellon en 1976, il décide de présenter ce grand tableau nocturne dans l’exposition qui lui est consacrée au Carnegie Institute de Pittsburgh. C’est l’un des chefs-d’oeuvres de l’exposition. En 1996, tout autour de l’immense encre de Chine, il ajoute une bordure peinte à l’acrylique. Le tableau acquiert alors une luminosité nouvelle et atteint la taille de 337 x 710 cm. Alechinsky le titre Les Grands fonds. C’est le plus grand tableau jamais réalisé par l’artiste. Il est montré ici pour la première fois en France.
LE PROVERBE TURC, Erik DIETMAN
Bronze, bougies électriques
Né en 1937 en Suède, Erik Dietman est mort en 2002 à Paris. A propos du Proverbe Turc, il racontait qu’il était parti d’un rêve qu’il aurait fait autour d’une légende turque. Selon celle-ci, le fait de retrouver ses chaussures avec des bougies allumées et fichées dedans, signifiait que l’on serait indésirable ; rien de tout cela n’a pu être vérifié. Ce sont essentiellement ses chaussures qu’Erik Dietman a utilisées. Il se sentait partout chez lui et se sentait chez lui nulle part. S’il avait choisi de vivre en France plutôt qu’en Suède, il rêvait toujours d’ailleurs. Cette pièce « monomentale » a été présentée pour la première fois en Suède en 1998 avec les véritables chaussures de l’artiste.
FIAC PROJECTS au Petit Palais
2016 ©MichelleCourteau
" Passer-by,
looks at this great tree
and through it
that can be enough.
Because even torn, soiled,
the tree of streets,
it is all of the nature,
all of the heaven,
the bird settles there,
the wind moves it, the sun
tells it the same hope in spite of
the death.
Philosopher,
have-you luck
to have the tree
in your street,
your thoughts will be less arduous,
your more free eyes,
your more avid hands
of less than night. "
[My own translation....]
Noir de fumée, d'ombre et d'os, 1964, by Belgian artist Pierre Alechinsky at a retrospective exhibition in Cobra Museum Amstelveen NL.
Art work by Belgian artist Pierre Alechinsky at a retrospective exhibition in Cobra Museum Amstelveen NL.
As a tribute to one of Belgium's greatest living artists, an exhibition featuring a selection of Alechinsky's works on paper was mounted in 2022, featuring some 270 works donated to the Royal Museums in the past, as well as a number of works from more recent exceptional donations.
The exhibition reveals how Alechinsky, with a keen sense of technical experimentation, explores his own imagination. In this way, he elevates the act of drawing - and thus the drawing itself - to the core of his rich and multifaceted oeuvre.
Comme chaque année il y a le festival international des jardins à Chaumont-sur-Loire, du printemps jusqu'à l'automne et en parallèle sont exposés temporairement des artistes peintres, plasticiens, sculpteurs, photographes etc.. Cette année, en particulier, une rétrospective est consacrée à Alechinsky, intitulée "Alechinsky à l'imprimerie", dessins, gravures, lithographies, estampes retraçant une partie de son œuvre de 1942 à 2020.
Je suis de ceux qui photographient ces œuvres, pour me faire ma petite pinacothèque personnelle et aussi pour partager mes coups de coeur. Je sais que cela en irrite un certain nombre, alors j'essaie de ne pas importuner les autres visiteurs en étant le plus rapide possible et en ne me collant pas à l’œuvre.
Si l'on accepte le challenge, ce n'est pas gagné d'avance, il faut lutter avec les brillances des vernis et les reflets des œuvres protégées par un verre. Alors, on recherche le meilleur angle pour éviter au maximum ces désagréments quitte à déformer géométriquement l’œuvre, mais on trouve maintenant de très bons logiciels qui permettent de retrouver la géométrie d'origine si on a su prendre assez large. Mais parfois c'est impossible comme certaines des œuvres d'Alechinsky sous verre, alors pourquoi pas exploiter ces reflets, c'est ce que j'ai fait sur les 2 photographies présentes.
As every year there is the international garden festival in Chaumont-sur-Loire, from spring until autumn and in parallel are temporarily exhibited painters, visual artists, sculptors, photographers etc. This year, in particular, a retrospective is dedicated to Alechinsky, entitled "Alechinsky at the printing press", drawings, engravings, lithographs, prints retracing part of his work from 1942 to 2020.
I am one of those who photograph these works, to create my personal little gallery and also to share my favorites. I know this irritates a number of them, so I try not to annoy other visitors by being as quick as possible and not sticking to the work.
If you accept the challenge, it is not won in advance, you have to fight with the shine of the varnishes and the reflections of the works protected by glass. So, we look for the best angle to avoid these inconveniences as much as possible, even if it means geometrically deforming the work, but we now find very good software which makes it possible to find the original geometry if we have been able to take wide enough. But sometimes it's impossible like some of Alechinsky's works under glass, so why not exploit these reflections, that's what I did on the 2 photographs present.
So I prepared my book and it is ready to leave for BelleVue!
The book has the Pierre Alechinsky theme. I painted some memories, choices of life and some favorite moments of every day and of always, trying to figure out who I am. What are your choices of life and are you happy with them?
The central painting is on a collage with watercolor paper and the promenade marginale is with ink and watercolor on japanese paper collage.
Have fun !
Follow our adventures on our blog moleskinex82.blogspot.com/
Watercolor, ink, watercolor paper ans japanese paper collage in Japanese Moleskine
Pierre Alechinsky (born 19 October 1927) is a Belgian artist. He has lived and worked in France since 1951. His work is related to tachisme, abstract expressionism, and lyrical abstraction.
© February 2021 | DAVID DA COSTA PHOTOGRAPHY
Adaptation de l’arbre bleu de Pierre ALECHINSKY, version petite section :
- remplir une surface à la peinture+éponge sur un format A1,
- algorithme de couleurs ❄️,
- pliage, collage et 'froissage' de papier,
- dénombrement de la quantité 5 (pour cinq flocons blancs).
Amstelveen - Cobra Museum.
Freedom without Borders - From Appel to Basquiat.
Work of Pierre Alechinsky & Walasse Ting.
© February 2021 | DAVID DA COSTA PHOTOGRAPHY
Adaptation de l’arbre bleu de Pierre Alechinsky, version moyenne section :
- remplir une surface à la peinture+éponge sur un format A1,
- graphisme 'lignes' pour former des flocons,
- algorithme de couleurs ❄️,
- découpage et collage (notions petites, moyennes et grandes branches),
- dénombrement des quantités 5 (cinq petites, moyennes et grandes branches) et 7 (sept flocons).
Dotremont - Painter and poet.
Exposition KMSKB (Brussels).
Artists: Pierre Alechinsky - Christian Dotremont.
Une exposition qui a eu lieu au musée de la Boverie du 28 avril au 13 août 2023.
En soutenant les artistes de leur temps, ce sont les collectionneuses et collectionneurs privés qui écrivent l’histoire de l’art vivant. Bien avant que les musées s’éveillent aux expressions nouvelles, ces curieux qui écument les ateliers, les expositions et les foires, nourrissent le terreau de l’art d’aujourd’hui. À Liège, la génération des Graindorge et autres grands mécènes autour de l’APIAW (Association pour le progrès intellectuel et artistique de la Wallonie) a passé, mais le fil ne s’est jamais rompu. Il reste dans cette ville et tout autour, un puissant réseau de collectionneurs engagés qui stimulent la création contemporaine.
Pour la première fois en Wallonie, ceux-ci ont consenti des prêts majeurs pour une exposition exclusivement fondée sur leur apport. Repoussant les murs du musée, ces prêts permettent aux visiteurs de découvrir des pièces presque toutes inédites, illustrant des territoires de l’art contemporain dans lesquels la plupart de nos institutions muséales ne s’aventurent guère.
« Private views », c’est comme un musée contemporain alternatif, la part vive de notre histoire culturelle en prise directe avec le monde d’aujourd’hui. La découverte tout à la fois déconcertante et éblouissante, impertinente et drôle, dérangeante et stimulante, d’œuvres patiemment amassées par des gens de tous les milieux, mus par leur seul intérêt pour l’art.
La sélection, effectuée dans un trésor de plusieurs milliers de pièces, fait voyager le visiteur dans cinq décennies de création artistique, confrontant, comme les collectionneurs le font eux-mêmes, les artistes de stature internationale aux créatrices et créateurs de notre région, dans un dialogue exceptionnel avec des œuvres choisies dans les collections permanentes des musées.
Avec, entre autres, des œuvres de :
Pierre Alechinsky, Francis Alys, Charlotte Beaudry, Christian Boltanski, Daniel Buren, Jacques Charlier, Patrick Corillon, Michael Dans, Marlene Dumas, Jan Fabre, Michel François, Simon Hantaï, Shirley Jaffe, Bertrand Lavier, Barbara et Michael Leisgen, Sol LeWitt, Jacques Lizène, Bernd Lohaus, Messieurs Delmotte, Giorgio Morandi, Herman Nitsch, Giulio Paolini, Philippe Ramette, Niki de St Phalle, Charles-Henry Sommelette, Walter Swennen, Philippe Vandenberg, Léon Wuidar et beaucoup d’autres.
An exhibition that took place at the Boverie Museum from April 28 to August 13, 2023.
By supporting the artists of their time, it is private collectors who are writing the history of living art. Long before museums woke up to new expressions, these curious people who scoured workshops, exhibitions and fairs, nourished the breeding ground for today's art. In Liège, the generation of Graindorge and other major patrons around the APIAW (Association for the Intellectual and Artistic Progress of Wallonia) has passed, but the thread has never been broken. There remains in this city and all around, a powerful network of committed collectors who stimulate contemporary creation.
For the first time in Wallonia, they have granted major loans for an exhibition based exclusively on their contribution. Pushing back the walls of the museum, these loans allow visitors to discover almost all new pieces, illustrating territories of contemporary art in which most of our museum institutions rarely venture.
"Private views" is like an alternative contemporary museum, the living part of our cultural history in direct contact with today's world. The discovery, at once disconcerting and dazzling, impertinent and funny, disturbing and stimulating, of works patiently amassed by people from all walks of life, driven only by their interest in art.
The selection, made from a treasure trove of several thousand pieces, takes the visitor on a journey through five decades of artistic creation, confronting, as the collectors themselves do, artists of international stature with creators from our region, in an exceptional dialogue with works chosen from the museums' permanent collections.
With, among others, works by:
Pierre Alechinsky, Francis Alys, Charlotte Beaudry, Christian Boltanski, Daniel Buren, Jacques Charlier, Patrick Corillon, Michael Dans, Marlene Dumas, Jan Fabre, Michel François, Simon Hantaï, Shirley Jaffe, Bertrand Lavier, Barbara and Michael Leisgen, Sol LeWitt, Jacques Lizène, Bernd Lohaus, Messieurs Delmotte, Giorgio Morandi, Herman Nitsch, Giulio Paolini, Philippe Ramette, Niki de St Phalle, Charles-Henry Sommelette, Walter Swennen, Philippe Vandenberg, Léon Wuidar and many others.
As a tribute to one of Belgium's greatest living artists, an exhibition featuring a selection of Alechinsky's works on paper was mounted in 2022, featuring some 270 works donated to the Royal Museums in the past, as well as a number of works from more recent exceptional donations.
The exhibition reveals how Alechinsky, with a keen sense of technical experimentation, explores his own imagination. In this way, he elevates the act of drawing - and thus the drawing itself - to the core of his rich and multifaceted oeuvre.
Das Kunstmuseum Ravensburg ist ein städtisches Museum für moderne und zeitgenössische Kunst im oberschwäbischen Ravensburg.
Das Kunstmuseum tritt die Nachfolge der Städtischen Galerie Ravensburg an, die im Alten Theater am Gespinstmarkt in Wechselausstellungen bis 2011 insbesondere Kunst der klassischen Moderne, zeitgenössische Kunst und zeitgenössische Photographie zeigte.
Die vom Gemeinderat beschlossene Schaffung des neuen Kunstmuseums im Mai 2009 wurde in der Bevölkerung kontrovers diskutiert, u. a. aufgrund der Art der Finanzierung (die Stadt mietet das Gebäude für 30 Jahre von einem Bauträger).
Im Februar 2010 wurde ein Förderverein Freunde des Kunstmuseums Ravensburg e. V. gegründet.
Das Museum wurde am 8. März 2013 von Kulturstaatsminister Bernd Neumann eröffnet. Am Eröffnungswochenende konnte das Museum bei kostenlosem Eintritt etwa 6.000 Besucher verzeichnen, bis Anfang Juni 2013 hatte das Museum insgesamt 27.000 Besucher., von März 2013 bis März 2014 hatte das Museum insgesamt 60.000 Besucher.
Gebäude
Um den Bauplatz für das Gebäude zu schaffen, wurden zunächst nicht denkmalgeschützte Lagergebäude und ein Geschäftshaus (mit Tanzschule) aus dem 19. und 20. Jahrhundert abgerissen. Der Spatenstich für das neue Museum war am 21. September 2010, das Richtfest konnte am 10. Mai 2012 gefeiert werden. Direkt neben dem Museum entstand gleichzeitig ein Wohn- und Geschäftshaus desselben Bauträgers.
Das Gebäude wurde vom Stuttgarter Architekturbüro Lederer+Ragnarsdóttir+Oei entworfen und ist das weltweit erste als Passivhaus errichtete Museum. Der geplante Energiebedarf wird mit 15 kWh pro Jahr und m² angegeben. Die weitgehend fensterlose zweischalige Außenwand besteht aus einer tragenden Betonmauer, einer 24 cm starken Wärmedämmung und einer äußeren Schale aus gebrauchtem Klinker, der von einem abgebrochenen belgischen Kloster stammt. Das oberste Geschoss schließt nach oben mit an der Fassade ablesbaren Gewölben ab. Die Dachgrundfläche ist in jeweils entgegengesetzte trapezförmige Abschnitte unterteilt, über denen kegelstumpfförmige Ziegelgewölbe errichtet sind. Somit wechseln sich am oberen Abschluss der Fassade kleinere und größere Bögen ab.
Für das Museumsgebäude erhielt das Architekturbüro unter anderen Preisen 2013 den Deutschen Architekturpreis, den DAM Preis für Architektur in Deutschland und den Hugo-Häring-Preis 2014 des Bund Deutscher Architekten Baden-Württemberg.
Der Museumsneubau liegt in der Ravensburger Altstadt in der Burgstraße neben dem Museum Ravensburger (eröffnet 2010). Damit liegt es auch in der Nähe des Museums Humpis-Quartier (eröffnet 2009) in der Marktstraße und bildet mit den genannten Museen und dem Wirtschaftsmuseum Ravensburg (eröffnet 2012) ein „Museumsviertel“.
Gründungsdirektorin des Kunstmuseums ist die Kunst- und Kulturwissenschaftlerin und Kuratorin Nicole Fritz. Seit März 2018 übernahm Ute Stuffer die Leitung des Kunstmuseum Ravensburg.
Grundstock der Sammlung ist eine zunächst auf 30 Jahre befristete Dauerleihgabe der Peter-und-Gudrun-Selinka-Stiftung mit Werken des Expressionismus und der Künstlergruppen CoBrA und SPUR.
Gezeigt werden Präsentationen aus dem Bestand der Sammlung Selinka sowie Wechselausstellungen moderner und zeitgenössischer Kunst.
Die Eröffnungsausstellung 2013 mit Werken aus der Sammlung Selinka und weiteren Leihgaben trug den Titel „Appassionata – Die Sammlung Selinka im Dialog“. Gezeigt wurden u. a. Werke von Pierre Alechinsky, Karel Appel, André Butzer, Constant, Otto Dix, Hadassah Emmerich, Lothar Fischer, Sebastian Hammwöhner, Erich Heckel, Alexej von Jawlensky, Asger Jorn, Lucebert, Jonathan Meese, Max Pechstein, Heimrad Prem, Max Kaus, Anton Kerschbaumer, Ernst Ludwig Kirchner, Gabriele Münter, Otto Mueller, Saskia Niehaus, Michael Nitsche, Franz Nölken, Tal R, Anton Rooskens, Karl Schmidt-Rottluff, Renée Sintenis, Helmut Sturm, Mary Wigman und HP Zimmer.
Silkeborg Museum of Art, Viborg, Denmark.
Two large ceramic walls by Jean Dubuffet and Pierre Alechinsky and Erik Nyholm's ceramic sculpture "14 blue stones" greet the visitor in the courtyard.
Un monde étrange, tout en animaux bizarres et en méandres. On y reconnaît des canards, des serpents, des hiboux, des poissons. Dans Le dernier jour, le peintre et artiste graphique belge Pierre Alechinsky y fait rimer les éléments abstraits avec des figures reconnaissables. Cette démarche s'inscrit dans l'esprit de CoBrA, un mouvement artistique qui a vu le jour à Copenhague, Bruxelles et Amsterdam en 1948. Les artistes CoBrA se sont distanciés des débats sur l'opposition entre l'art abstrait et l'art figuratif, se targuant de pouvoir aisément faire fusionner les deux. Alechinsky a développé cette vision tout au long de sa carrière. Avec le temps, ses formes sont devenues plus impétueuses, ses couleurs plus riches, son imagination plus débridée.
Une ode à Ensor
En 1968, Le dernier jour pend aux cimaises de Contrastes 47/67, la première exposition d'art contemporain organisée par le KMSKA. Plus tard, elle recevra une place dans la collection permanente du musée. Le bruit court qu'avec cette œuvre monumentale de 3 mètres sur 5, Alechinsky voulait rivaliser avec L'entrée du Christ à Bruxelles de James Ensor, qui faisait partie de la même collection et ne mesurait 'que' 2,5 mètres sur 4,5. Les deux œuvres rivalisent aussi sur le plan de la densité du sujet, qui occupe toute la toile. Il est vrai qu'Alechinsky était un grand admirateur d'Ensor. Le dernier jour est en quelque sorte une ode monumentale au maître ostendais.
A strange world, all in bizarre and meandering animals. We can recognize ducks, snakes, owls, fish. In The Last Day, the Belgian painter and graphic artist Pierre Alechinsky rhymes the abstract elements with recognizable figures. This approach is in keeping with the spirit of CoBrA, an artistic movement that was born in Copenhagen, Brussels and Amsterdam in 1948. The artists CoBrA have distanced themselves from the debates on the opposition between abstract art and art figurative, boasting of being able to easily merge the two. Alechinsky has developed this vision throughout his career. Over time, his forms became more impetuous, his colors richer, his imagination more unrestrained.
An ode to Ensor
In 1968, The Last Day Hangs on the Chair rails of Contrasts 47/67, the first contemporary art exhibition organized by the KMSKA. Later, it will receive a place in the permanent collection of the museum. It is rumored that with this monumental work of 3 by 5 meters, Alechinsky wanted to compete with James Entror's entry to Christ in Brussels, which was part of the same collection and measured 'only' 2.5 by 4 meters, 5. The two works also compete in terms of the density of the subject, which occupies the entire canvas. It is true that Alechinsky was a great admirer of Ensor. The last day is in a way a monumental ode to the Ostend master.
Amstelveen - Cobra Museum.
Freedom without Borders - From Appel to Basquiat.
Work of Pierre Alechinsky.
As a tribute to one of Belgium's greatest living artists, an exhibition featuring a selection of Alechinsky's works on paper was mounted in 2022, featuring some 270 works donated to the Royal Museums in the past, as well as a number of works from more recent exceptional donations.
The exhibition reveals how Alechinsky, with a keen sense of technical experimentation, explores his own imagination. In this way, he elevates the act of drawing - and thus the drawing itself - to the core of his rich and multifaceted oeuvre.
Walasse Ting (Chinese: 丁雄泉, October 13, 1929 – May 17, 2010) was a Chinese-American visual artist and poet. His colorful paintings have attracted critical admiration and a popular following. Common subjects include nude women and cats, birds and other animals.
He was born in Shanghai in 1929. He left China in 1946 and lived for a while in Hong Kong, then settled in Paris in 1952. There, he associated with artists such as Karel Appel, Asger Jorn, and Pierre Alechinsky, members of the avant-garde group, CoBrA.
In 1957, he moved to the United States, and settled in New York where his work was influenced by pop art and abstract expressionism. He began primarily as an abstract artist, but the bulk of his work since the mid- 1970s has been described as popular figuratism, with broad areas of color painted with a Chinese brush and acrylic paint.
He lived in Amsterdam in the 1990s, but regularly moved between there and New York.
He is the author of 13 books, including "One Cent Life" (E.W Kornfeld, 1964) a portfolio of 62 original lithographs by 28 artists, including Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Asger Jorn, Pierre Alechinsky, Karel Appel, Kiki Kogelnik, Joan Mitchell and Sam Francis.
He won the Guggenheim Fellowship Award (for Drawing) in 1970
His works are found in the permanent collections of many museums worldwide, including the Guggenheim Museum, New York; Museum of Modern Art, New York; Art Institute of Chicago; Tate Modern, London; Centre Pompidou, Paris and the Hong Kong Museum of Art, among others.
He was sometimes referred to by his Chinese name "丁雄泉" or its various romanizations : Ding Xiongquan or Ting Hsiung-ch'uan.
Acrylic on rice paper; 174 X 93 cm.
Walasse Ting (Chinese: 丁雄泉, October 13, 1929 – May 17, 2010) was a Chinese-American visual artist and poet. His colorful paintings have attracted critical admiration and a popular following. Common subjects include nude women and cats, birds and other animals.
He was born in Shanghai in 1929. He left China in 1946 and lived for a while in Hong Kong, then settled in Paris in 1952. There, he associated with artists such as Karel Appel, Asger Jorn, and Pierre Alechinsky, members of the avant-garde group, CoBrA.
In 1957, he moved to the United States, and settled in New York where his work was influenced by pop art and abstract expressionism. He began primarily as an abstract artist, but the bulk of his work since the mid- 1970s has been described as popular figuratism, with broad areas of color painted with a Chinese brush and acrylic paint.
He lived in Amsterdam in the 1990s, but regularly moved between there and New York.
He is the author of 13 books, including "One Cent Life" (E.W Kornfeld, 1964) a portfolio of 62 original lithographs by 28 artists, including Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Asger Jorn, Pierre Alechinsky, Karel Appel, Kiki Kogelnik, Joan Mitchell and Sam Francis.
He won the Guggenheim Fellowship Award (for Drawing) in 1970
His works are found in the permanent collections of many museums worldwide, including the Guggenheim Museum, New York; Museum of Modern Art, New York; Art Institute of Chicago; Tate Modern, London; Centre Pompidou, Paris and the Hong Kong Museum of Art, among others.
He was sometimes referred to by his Chinese name "丁雄泉" or its various romanizations : Ding Xiongquan or Ting Hsiung-ch'uan.
New York-based artist Petah Coyne has taken the term “mixed media” to new heights. Seen at the Galeries Lelong at Art Basel Hong Kong 2013, the “Untitled #1378 (ZELDA, Alabama Slammer Series)” has a media listing which reads like a laundry list of ingredients on a piece of candy. It is eye candy in this case, which includes silk flowers, a personal wax formula, candles, stands of ribbons, knitting needles, steel rods and more.
I do not know if it is specific to the very “friendly” Chinese audience, a lot of these sculptures seen at the art fair comes with a gigantic glass display case. There is a fantasy world housed inside her cage, waiting to come alive.
Enchanting. Crazyisgood. SML Love.
# Art Info
Petah Coyne
Untitled #1378 (ZELDA, Alabama Slammer Series), 1997-2013
Silk flowers, specially-formulated wax, candles, acrylic paint, white pigment, pearl-head pins, artificial pearl strands, cast wax, statuary figure, cast wax hand sculptures, ribbon, knitting needles, steel rods, chicken-wire, washers, fabric, thread, wire, horse hair, Masonite, plywood, drywall, plaster, glue, filament, rubber, steel, wood and metal screw, maple, laminated Luxar.
81.2 x 35.75 x 35.75 inches (206.2 x 90.8 x 90.x cm)
# Petah Coyne
Born in New York, USA, 1953
Lives and works in New York
Petah Coyne is well known for her beautifully hand-crafted sculptures made from innovative materials such as silk flowers, velvet, ribbons, and pearls. In many of her works, Coyne adds layers of floral elements to adorn central figures, carefully covering the composition in her own unique blend of wax. Her sculptures often convey a complex narrative about innocence and seduction, life and death, and vulnerability and redemption as a mirror to real life. In 2010, Coyne presented a major solo exhibition at one of the United States’ largest contemporary art museums, MASS MoCA in North Adams, Massachusetts.
en.wikipedia.org/wiki/Petah_Coyne
# Galerie Lelong
Galerie Lelong is located in Paris, New York and Zurich.
The Paris gallery has been exhibiting recent works from artists of international standing since 1981. The 1980s were notable for artists who went on to become household names, including Joan Miró, Antoni Tàpies, Francis Bacon, Eduardo Chillida, Paul Rebeyrolle and Pierre Alechinsky, but also for the next generation of artists: Konrad Klapheck, Jan Dibbets, Jannis Kounellis, Arnulf Rainer, Nicola De Maria and Jan Voss.
In the 1990s, the gallery hosted artists who represented major movements in contemporary art: Sean Scully, Günther Förg, Andy Goldsworthy, Karel Appel, Ernest Pignon-Ernest and Antonio Saura.
Since the turn of the century, Galerie Lelong has accentuated the geographical and expressive diversity of its artists: from sculpture and objects by Jaume Plensa, David Nash, Wolfgang Laib, Rebecca Horn, Barry Flanagan and Urs Lüthi to installations by Barthélémy Toguo, without forgetting painting, namely Robert Motherwell, Ryan Mendoza and Kate Shepherd.
Following the first personal exhibition of Louise Bourgeois in France in 1985, Galerie Lelong has also exhibited Nancy Spero, Ana Mendieta, Kiki Smith, Nalini Malani and Jane Hammond.
Galerie Lelong has a large publishing department which produces and distributes engravings, lithographs, digital prints and multiple objects, and collates these works in catalogues raisonnés.
It produces monumental sculptures to order for public spaces and private clients.
The gallery is present at the leading international contemporary art fairs (Art Basel, Art Basel Miami Beach, Fiac Paris, Art HK, Arco Madrid, Art Brussels, Art Cologne).
The directors of the Gallery are Daniel Lelong, Jacques Dupin and Jean Frémon (Paris); Patrice Cotensin (editions); Mary Sabbatino (New York) and Anne Blümel (Zürich).
13, rue de Téhéran
75008 Paris
France
528 West 26th Street
New York, NY 10001
USA
# SML Data
+ Date: 2013-05-23T16:21:37+0800
+ Dimensions: 2874 x 4672
+ Exposure: 1/40 sec at f/8.0
+ Focal Length: 35 mm
+ ISO: 800
+ Flash: Did not fire
+ Camera: Canon EOS 6D
+ Lens: Canon EF 17-40mm f/4L USM
+ GPS: 22°16'58" N 114°10'22" E
+ Location: 香港會議展覽中心 Hong Kong Convention and Exhibition Centre (HKCEC)
+ Workflow: Lightroom 4
+ Serial: SML.20130523.6D.13930
+ Series: 新聞攝影 Photojournalism, SML Fine Art, Art Basel Hong Kong 2013
# Media Licensing
Creative Commons (CCBY) See-ming Lee 李思明 / SML Photography / SML Universe Limited
“Mixed Media Sculpture by Petah Coyne: Untitled #1378 (ZELDA, Alabama Slammer Series), 1997-2013” / Galerie Lelong / Art Basel Hong Kong 2013 / SML.20130523.6D.13930
/ #Photojournalism #CreativeCommons #CCBY #SMLPhotography #SMLUniverse #SMLFineArt #Crazyisgood #SMLProjects
/ #中國 #中国 #China #香港 #HongKong #攝影 #摄影 #photography #Art #FineArt #ArtBasel #ABHK #MixedMedia #PetahCoyne #GalerieLelong #untitled #sculpture #AlabamaSlammer
Acrylic on canvas; 63.5 x 76 cm.
Walasse Ting (Chinese: 丁雄泉, October 13, 1929 – May 17, 2010) was a Chinese-American visual artist and poet. His colorful paintings have attracted critical admiration and a popular following. Common subjects include nude women and cats, birds and other animals.
He was born in Shanghai in 1929. He left China in 1946 and lived for a while in Hong Kong, then settled in Paris in 1952. There, he associated with artists such as Karel Appel, Asger Jorn, and Pierre Alechinsky, members of the avant-garde group, CoBrA.
In 1957, he moved to the United States, and settled in New York where his work was influenced by pop art and abstract expressionism. He began primarily as an abstract artist, but the bulk of his work since the mid- 1970s has been described as popular figuratism, with broad areas of color painted with a Chinese brush and acrylic paint.
He lived in Amsterdam in the 1990s, but regularly moved between there and New York.
He is the author of 13 books, including "One Cent Life" (E.W Kornfeld, 1964) a portfolio of 62 original lithographs by 28 artists, including Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Asger Jorn, Pierre Alechinsky, Karel Appel, Kiki Kogelnik, Joan Mitchell and Sam Francis.
He won the Guggenheim Fellowship Award (for Drawing) in 1970
His works are found in the permanent collections of many museums worldwide, including the Guggenheim Museum, New York; Museum of Modern Art, New York; Art Institute of Chicago; Tate Modern, London; Centre Pompidou, Paris and the Hong Kong Museum of Art, among others.
He was sometimes referred to by his Chinese name "丁雄泉" or its various romanizations : Ding Xiongquan or Ting Hsiung-ch'uan.
Un monde étrange, tout en animaux bizarres et en méandres. On y reconnaît des canards, des serpents, des hiboux, des poissons. Dans Le dernier jour, le peintre et artiste graphique belge Pierre Alechinsky y fait rimer les éléments abstraits avec des figures reconnaissables. Cette démarche s'inscrit dans l'esprit de CoBrA, un mouvement artistique qui a vu le jour à Copenhague, Bruxelles et Amsterdam en 1948. Les artistes CoBrA se sont distanciés des débats sur l'opposition entre l'art abstrait et l'art figuratif, se targuant de pouvoir aisément faire fusionner les deux. Alechinsky a développé cette vision tout au long de sa carrière. Avec le temps, ses formes sont devenues plus impétueuses, ses couleurs plus riches, son imagination plus débridée.
En 1968, Le dernier jour pend aux cimaises de Contrastes 47/67, la première exposition d'art contemporain organisée par le KMSKA. Plus tard, elle recevra une place dans la collection permanente du musée. Le bruit court qu'avec cette œuvre monumentale de 3 mètres sur 5, Alechinsky voulait rivaliser avec L'entrée du Christ à Bruxelles de James Ensor, qui faisait partie de la même collection et ne mesurait 'que' 2,5 mètres sur 4,5. Les deux œuvres rivalisent aussi sur le plan de la densité du sujet, qui occupe toute la toile. Il est vrai qu'Alechinsky était un grand admirateur d'Ensor. Le dernier jour est en quelque sorte une ode monumentale au maître ostendais.
A strange world, full of strange animals and twists and turns. We recognize ducks, snakes, owls, fish. In The Last Day, the Belgian painter and graphic artist Pierre Alechinsky rhymes abstract elements with recognizable figures. This approach is in keeping with the spirit of CoBrA, an artistic movement which emerged in Copenhagen, Brussels and Amsterdam in 1948. CoBrA artists distanced themselves from debates on the opposition between abstract art and art figurative, boasting of being able to easily merge the two. Alechinsky developed this vision throughout his career. Over time, his shapes became more impetuous, his colors richer, his imagination more unbridled.
In 1968, The Last Day hung on the walls of Contrastes 47/67, the first contemporary art exhibition organized by the KMSKA. Later, it will receive a place in the museum's permanent collection. It is rumored that with this monumental work measuring 3 by 5 meters, Alechinsky wanted to compete with Christ's Entry into Brussels by James Ensor, which was part of the same collection and measured 'only' 2.5 by 4 meters, 5. The two works also compete in terms of the density of the subject, which occupies the entire canvas. It is true that Alechinsky was a great admirer of Ensor. The last day is in some ways a monumental ode to the Ostend master.
Une exposition qui a eu lieu au musée de la Boverie du 28 avril au 13 août 2023.
En soutenant les artistes de leur temps, ce sont les collectionneuses et collectionneurs privés qui écrivent l’histoire de l’art vivant. Bien avant que les musées s’éveillent aux expressions nouvelles, ces curieux qui écument les ateliers, les expositions et les foires, nourrissent le terreau de l’art d’aujourd’hui. À Liège, la génération des Graindorge et autres grands mécènes autour de l’APIAW (Association pour le progrès intellectuel et artistique de la Wallonie) a passé, mais le fil ne s’est jamais rompu. Il reste dans cette ville et tout autour, un puissant réseau de collectionneurs engagés qui stimulent la création contemporaine.
Pour la première fois en Wallonie, ceux-ci ont consenti des prêts majeurs pour une exposition exclusivement fondée sur leur apport. Repoussant les murs du musée, ces prêts permettent aux visiteurs de découvrir des pièces presque toutes inédites, illustrant des territoires de l’art contemporain dans lesquels la plupart de nos institutions muséales ne s’aventurent guère.
« Private views », c’est comme un musée contemporain alternatif, la part vive de notre histoire culturelle en prise directe avec le monde d’aujourd’hui. La découverte tout à la fois déconcertante et éblouissante, impertinente et drôle, dérangeante et stimulante, d’œuvres patiemment amassées par des gens de tous les milieux, mus par leur seul intérêt pour l’art.
La sélection, effectuée dans un trésor de plusieurs milliers de pièces, fait voyager le visiteur dans cinq décennies de création artistique, confrontant, comme les collectionneurs le font eux-mêmes, les artistes de stature internationale aux créatrices et créateurs de notre région, dans un dialogue exceptionnel avec des œuvres choisies dans les collections permanentes des musées.
Avec, entre autres, des œuvres de :
Pierre Alechinsky, Francis Alys, Charlotte Beaudry, Christian Boltanski, Daniel Buren, Jacques Charlier, Patrick Corillon, Michael Dans, Marlene Dumas, Jan Fabre, Michel François, Simon Hantaï, Shirley Jaffe, Bertrand Lavier, Barbara et Michael Leisgen, Sol LeWitt, Jacques Lizène, Bernd Lohaus, Messieurs Delmotte, Giorgio Morandi, Herman Nitsch, Giulio Paolini, Philippe Ramette, Niki de St Phalle, Charles-Henry Sommelette, Walter Swennen, Philippe Vandenberg, Léon Wuidar et beaucoup d’autres.
An exhibition that took place at the Boverie Museum from April 28 to August 13, 2023.
By supporting the artists of their time, it is private collectors who are writing the history of living art. Long before museums woke up to new expressions, these curious people who scoured workshops, exhibitions and fairs, nourished the breeding ground for today's art. In Liège, the generation of Graindorge and other major patrons around the APIAW (Association for the Intellectual and Artistic Progress of Wallonia) has passed, but the thread has never been broken. There remains in this city and all around, a powerful network of committed collectors who stimulate contemporary creation.
For the first time in Wallonia, they have granted major loans for an exhibition based exclusively on their contribution. Pushing back the walls of the museum, these loans allow visitors to discover almost all new pieces, illustrating territories of contemporary art in which most of our museum institutions rarely venture.
"Private views" is like an alternative contemporary museum, the living part of our cultural history in direct contact with today's world. The discovery, at once disconcerting and dazzling, impertinent and funny, disturbing and stimulating, of works patiently amassed by people from all walks of life, driven only by their interest in art.
The selection, made from a treasure trove of several thousand pieces, takes the visitor on a journey through five decades of artistic creation, confronting, as the collectors themselves do, artists of international stature with creators from our region, in an exceptional dialogue with works chosen from the museums' permanent collections.
With, among others, works by:
Pierre Alechinsky, Francis Alys, Charlotte Beaudry, Christian Boltanski, Daniel Buren, Jacques Charlier, Patrick Corillon, Michael Dans, Marlene Dumas, Jan Fabre, Michel François, Simon Hantaï, Shirley Jaffe, Bertrand Lavier, Barbara and Michael Leisgen, Sol LeWitt, Jacques Lizène, Bernd Lohaus, Messieurs Delmotte, Giorgio Morandi, Herman Nitsch, Giulio Paolini, Philippe Ramette, Niki de St Phalle, Charles-Henry Sommelette, Walter Swennen, Philippe Vandenberg, Léon Wuidar and many others.