View allAll Photos Tagged Wesselmann
Installations at artist's studio.
"Interior" 1988 Collection Musée d'Art Moderne de Saint-Etienne Métropole, France.
Appropriated paintings by Jacob van Ruisdael, etc.
“Interior,” 1988 Collection of the Ludwig Forum Aachen, Germany.
Oil on canvas, wood, 200 x 300 x 200 cm. Appropriated paintings by François Boucher, Amadeo Modigliani, etc.
Exhibited: “Aperto,” XLII Biennale di Venezia. Aperto. 01 June - 01 November 1988. Curator Dan Cameron). Venice, Italy. (cat.)
Artists: Carla Accardi, Siegfried Anzinger, Gabor Bachmann, Jacobo Borges, Imre Bukta, Eric Bulatov, Alberto Burri, Anthony Caro, Lynn Chadwick, Sandro Chia, Eduardo Chillida, Francesco Clemente, Tony Cragg, Enzo Cucchi, Grenville Davey, Jan Dibbets, Piero Dorazio, Felix Droese, Willem De Kooning, Piero Dorazio, Robert Gober, Andy Goldsworthy, Clemens Gröszer, Renato Guttuso, Jasper Johns, Martin Kippenberger, Svetlana & Igor Kopystiansky, Jannis Kounellis, Sol Le Witt, Markus Lüpertz, Roberto Matta, Allan McCollum, Marisa Merz, Tatsuo Miyajima, Ulrike Nattermüller, Louise Nevelson, Jorge Oteiza, Mimmo Paladino, Sandor Pinczehely, Hermann Pitz, Arno Rink, Tim Rollins & KOS, Thomas Ruff, Niki de Saint Phalle, Horst Sakulowski, Niki de Saint Phalle, Geza Samu, George Segal, Andreas Slominski, Mark di Suvero, Tibor Szalai, Cy Twombly, Hans Vent, Claude Viallat, Norbert Wagenbrett, Trak Wendisch, Tom Wesselmann, Franz West, Walter Womacka, Doris Ziegler
Tom Wesselmann, 1931 - 2004 (Rosemary reclining by Liz, 1989 - 91), Albertina, Sammlung Batliner (Batliner Collection)
The Albertina
The architectural history of the Palais
(Pictures you can see by clicking on the link at the end of page!)
Image: The oldest photographic view of the newly designed Palais Archduke Albrecht, 1869
"It is my will that the expansion of the inner city of Vienna with regard to a suitable connection of the same with the suburbs as soon as possible is tackled and at this on Regulirung (regulation) and beautifying of my Residence and Imperial Capital is taken into account. To this end I grant the withdrawal of the ramparts and fortifications of the inner city and the trenches around the same".
This decree of Emperor Franz Joseph I, published on 25 December 1857 in the Wiener Zeitung, formed the basis for the largest the surface concerning and architecturally most significant transformation of the Viennese cityscape. Involving several renowned domestic and foreign architects a "master plan" took form, which included the construction of a boulevard instead of the ramparts between the inner city and its radially upstream suburbs. In the 50-years during implementation phase, an impressive architectural ensemble developed, consisting of imperial and private representational buildings, public administration and cultural buildings, churches and barracks, marking the era under the term "ring-street style". Already in the first year tithe decided a senior member of the Austrian imperial family to decorate the facades of his palace according to the new design principles, and thus certified the aristocratic claim that this also "historicism" said style on the part of the imperial house was attributed.
Image: The Old Albertina after 1920
It was the palace of Archduke Albrecht (1817-1895), the Senior of the Habsburg Family Council, who as Field Marshal held the overall command over the Austro-Hungarian army. The building was incorporated into the imperial residence of the Hofburg complex, forming the south-west corner and extending eleven meters above street level on the so-called Augustinerbastei.
The close proximity of the palace to the imperial residence corresponded not only with Emperor Franz Joseph I and Archduke Albert with a close familial relationship between the owner of the palace and the monarch. Even the former inhabitants were always in close relationship to the imperial family, whether by birth or marriage. An exception here again proves the rule: Don Emanuel Teles da Silva Conde Tarouca (1696-1771), for which Maria Theresa in 1744 the palace had built, was just a close friend and advisor of the monarch. Silva Tarouca underpins the rule with a second exception, because he belonged to the administrative services as Generalhofbaudirektor (general court architect) and President of the Austrian-Dutch administration, while all other him subsequent owners were highest ranking military.
In the annals of Austrian history, especially those of military history, they either went into as commander of the Imperial Army, or the Austrian, later kk Army. In chronological order, this applies to Duke Carl Alexander of Lorraine, the brother-of-law of Maria Theresa, as Imperial Marshal, her son-in-law Duke Albert of Saxe-Teschen, also field marshal, whos adopted son, Archduke Charles of Austria, the last imperial field marshal and only Generalissimo of Austria, his son Archduke Albrecht of Austria as Feldmarschalil and army Supreme commander, and most recently his nephew Archduke Friedrich of Austria, who held as field marshal from 1914 to 1916 the command of the Austro-Hungarian troops. Despite their military profession, all five generals conceived themselves as patrons of the arts and promoted large sums of money to build large collections, the construction of magnificent buildings and cultural life. Charles Alexander of Lorraine promoted as governor of the Austrian Netherlands from 1741 to 1780 the Academy of Fine Arts, the Théâtre de Ja Monnaie and the companies Bourgeois Concert and Concert Noble, he founded the Academie royale et imperial des Sciences et des Lettres, opened the Bibliotheque Royal for the population and supported artistic talents with high scholarships. World fame got his porcelain collection, which however had to be sold by Emperor Joseph II to pay off his debts. Duke Albert began in 1776 according to the concept of conte Durazzo to set up an encyclopedic collection of prints, which forms the core of the world-famous "Albertina" today.
Image : Duke Albert and Archduchess Marie Christine show in family cercle the from Italy brought along art, 1776. Frederick Henry Füger.
1816 declared to Fideikommiss and thus in future indivisible, inalienable and inseparable, the collection 1822 passed into the possession of Archduke Carl, who, like his descendants, it broadened. Under him, the collection was introduced together with the sumptuously equipped palace on the Augustinerbastei in the so-called "Carl Ludwig'schen fideicommissum in 1826, by which the building and the in it kept collection fused into an indissoluble unity. At this time had from the Palais Tarouca by structural expansion or acquisition a veritable Residenz palace evolved. Duke Albert of Saxe-Teschen was first in 1800 the third floor of the adjacent Augustinian convent wing adapted to house his collection and he had after 1802 by his Belgian architect Louis de Montoyer at the suburban side built a magnificent extension, called the wing of staterooms, it was equipped in the style of Louis XVI. Only two decades later, Archduke Carl the entire palace newly set up. According to scetches of the architect Joseph Kornhäusel the 1822-1825 retreaded premises presented themselves in the Empire style. The interior of the palace testified from now in an impressive way the high rank and the prominent position of its owner. Under Archduke Albrecht the outer appearance also should meet the requirements. He had the facade of the palace in the style of historicism orchestrated and added to the Palais front against the suburbs an offshore covered access. Inside, he limited himself, apart from the redesign of the Rococo room in the manner of the second Blondel style, to the retention of the paternal stock. Archduke Friedrich's plans for an expansion of the palace were omitted, however, because of the outbreak of the First World War so that his contribution to the state rooms, especially, consists in the layout of the Spanish apartment, which he in 1895 for his sister, the Queen of Spain Maria Christina, had set up as a permanent residence.
Picture: The "audience room" after the restoration: Picture: The "balcony room" around 1990
The era of stately representation with handing down their cultural values found its most obvious visualization inside the palace through the design and features of the staterooms. On one hand, by the use of the finest materials and the purchase of masterfully manufactured pieces of equipment, such as on the other hand by the permanent reuse of older equipment parts. This period lasted until 1919, when Archduke Friedrich was expropriated by the newly founded Republic of Austria. With the republicanization of the collection and the building first of all finished the tradition that the owner's name was synonymous with the building name:
After Palais Tarouca or tarokkisches house it was called Lorraine House, afterwards Duke Albert Palais and Palais Archduke Carl. Due to the new construction of an adjacently located administration building it received in 1865 the prefix "Upper" and was referred to as Upper Palais Archduke Albrecht and Upper Palais Archduke Frederick. For the state a special reference to the Habsburg past was certainly politically no longer opportune, which is why was decided to name the building according to the in it kept collection "Albertina".
Picture: The "Wedgwood Cabinet" after the restoration: Picture: the "Wedgwood Cabinet" in the Palais Archduke Friedrich, 1905
This name derives from the term "La Collection Albertina" which had been used by the gallery Inspector Maurice von Thausing in 1870 in the Gazette des Beaux-Arts for the former graphics collection of Duke Albert. For this reason, it was the first time since the foundation of the palace that the name of the collection had become synonymous with the room shell. Room shell, hence, because the Republic of Austria Archduke Friedrich had allowed to take along all the movable goods from the palace in his Hungarian exile: crystal chandeliers, curtains and carpets as well as sculptures, vases and clocks. Particularly stressed should be the exquisite furniture, which stems of three facilities phases: the Louis XVI furnitures of Duke Albert, which had been manufactured on the basis of fraternal relations between his wife Archduchess Marie Christine and the French Queen Marie Antoinette after 1780 in the French Hofmanufakturen, also the on behalf of Archduke Charles 1822-1825 in the Vienna Porcelain Manufactory by Joseph Danhauser produced Empire furnitures and thirdly additions of the same style of Archduke Friedrich, which this about 1900 at Portois & Ffix as well as at Friedrich Otto Schmidt had commissioned.
The "swept clean" building got due to the strained financial situation after the First World War initially only a makeshift facility. However, since until 1999 no revision of the emergency equipment took place, but differently designed, primarily the utilitarianism committed office furnitures complementarily had been added, the equipment of the former state rooms presented itself at the end of the 20th century as an inhomogeneous administrative mingle-mangle of insignificant parts, where, however, dwelt a certain quaint charm. From the magnificent state rooms had evolved depots, storage rooms, a library, a study hall and several officed.
Image: The Albertina Graphic Arts Collection and the Philipphof after the American bombing of 12 März 1945.
Image: The palace after the demolition of the entrance facade, 1948-52
Worse it hit the outer appearance of the palace, because in times of continued anti-Habsburg sentiment after the Second World War and inspired by an intolerant destruction will, it came by pickaxe to a ministerial erasure of history. In contrast to the graphic collection possessed the richly decorated facades with the conspicuous insignia of the former owner an object-immanent reference to the Habsburg past and thus exhibited the monarchial traditions and values of the era of Francis Joseph significantly. As part of the remedial measures after a bomb damage, in 1948 the aristocratic, by Archduke Albert initiated, historicist facade structuring along with all decorations was cut off, many facade figures demolished and the Hapsburg crest emblems plunged to the ground. Since in addition the old ramp also had been cancelled and the main entrance of the bastion level had been moved down to the second basement storey at street level, ended the presence of the old Archduke's palace after more than 200 years. At the reopening of the "Albertina Graphic Collection" in 1952, the former Hapsburg Palais of splendour presented itself as one of his identity robbed, formally trivial, soulless room shell, whose successful republicanization an oversized and also unproportional eagle above the new main entrance to the Augustinian road symbolized. The emocratic throw of monuments had wiped out the Hapsburg palace from the urban appeareance, whereby in the perception only existed a nondescript, nameless and ahistorical building that henceforth served the lodging and presentation of world-famous graphic collection of the Albertina. The condition was not changed by the decision to the refurbishment because there were only planned collection specific extensions, but no restoration of the palace.
Image: The palace after the Second World War with simplified facades, the rudiment of the Danubiusbrunnens (well) and the new staircase up to the Augustinerbastei
This paradigm shift corresponded to a blatant reversal of the historical circumstances, as the travel guides and travel books for kk Residence and imperial capital of Vienna dedicated itself primarily with the magnificent, aristocratic palace on the Augustinerbastei with the sumptuously fitted out reception rooms and mentioned the collection kept there - if at all - only in passing. Only with the repositioning of the Albertina in 2000 under the direction of Klaus Albrecht Schröder, the palace was within the meaning and in fulfillment of the Fideikommiss of Archduke Charles in 1826 again met with the high regard, from which could result a further inseparable bond between the magnificent mansions and the world-famous collection. In view of the knowing about politically motivated errors and omissions of the past, the facades should get back their noble, historicist designing, the staterooms regain their glamorous, prestigious appearance and culturally unique equippment be repurchased. From this presumption, eventually grew the full commitment to revise the history of redemption and the return of the stately palace in the public consciousness.
Image: The restored suburb facade of the Palais Albertina suburb
The smoothed palace facades were returned to their original condition and present themselves today - with the exception of the not anymore reconstructed Attica figures - again with the historicist decoration and layout elements that Archduke Albrecht had given after the razing of the Augustinerbastei in 1865 in order. The neoclassical interiors, today called after the former inhabitants "Habsburg Staterooms", receiving a meticulous and detailed restoration taking place at the premises of originality and authenticity, got back their venerable and sumptuous appearance. From the world wide scattered historical pieces of equipment have been bought back 70 properties or could be returned through permanent loan to its original location, by which to the visitors is made experiencable again that atmosphere in 1919 the state rooms of the last Habsburg owner Archduke Frederick had owned. The for the first time in 80 years public accessible "Habsburg State Rooms" at the Palais Albertina enable now again as eloquent testimony to our Habsburg past and as a unique cultural heritage fundamental and essential insights into the Austrian cultural history. With the relocation of the main entrance to the level of the Augustinerbastei the recollection to this so valuable Austrian Cultural Heritage formally and functionally came to completion. The vision of the restoration and recovery of the grand palace was a pillar on which the new Albertina should arise again, the other embody the four large newly built exhibition halls, which allow for the first time in the history of the Albertina, to exhibit the collection throughout its encyclopedic breadh under optimal conservation conditions.
Image: The new entrance area of the Albertina
64 meter long shed roof. Hans Hollein.
The palace presents itself now in its appearance in the historicist style of the Ringstrassenära, almost as if nothing had happened in the meantime. But will the wheel of time should not, cannot and must not be turned back, so that the double standards of the "Albertina Palace" said museum - on the one hand Habsburg grandeur palaces and other modern museum for the arts of graphics - should be symbolized by a modern character: The in 2003 by Hans Hollein designed far into the Albertina square cantilevering, elegant floating flying roof. 64 meters long, it symbolizes in the form of a dynamic wedge the accelerated urban spatial connectivity and public access to the palace. It advertises the major changes in the interior as well as the huge underground extensions of the repositioned "Albertina".
Christian Benedictine
Art historian with research interests History of Architecture, building industry of the Hapsburgs, Hofburg and Zeremonialwissenschaft (ceremonial sciences). Since 1990 he works in the architecture collection of the Albertina. Since 2000 he supervises as director of the newly founded department "Staterooms" the restoration and furnishing of the state rooms and the restoration of the facades and explores the history of the palace and its inhabitants.
Exposition
Du 14/06/2017 au 10/09/2017
À l’été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques.
Balzac qualifiait le diorama de « merveille du siècle »(1) : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l’histoire du spectaculaire dans l’héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.
Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d’éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d’Histoire naturelle, formé d’une vitre, d’une toile de fond et d’éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l’illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l’impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l’invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d’une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l’authenticité de l’artifice.
S’il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l’étymologie signifie « voir à travers » - sert ainsi également de support de projection à l’imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.
Dans le sillage de l’exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l’art avec une constante ouverture à l’égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l’histoire du dior
Exposition
Du 14/06/2017 au 10/09/2017
À l’été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques.
Balzac qualifiait le diorama de « merveille du siècle »(1) : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l’histoire du spectaculaire dans l’héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.
Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d’éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d’Histoire naturelle, formé d’une vitre, d’une toile de fond et d’éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l’illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l’impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l’invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d’une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l’authenticité de l’artifice.
S’il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l’étymologie signifie « voir à travers » - sert ainsi également de support de projection à l’imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.
Dans le sillage de l’exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l’art avec une constante ouverture à l’égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l’histoire du dior
Paintings from the MOMA collection put through object detection with Darknet Yolo with a threshold of 0.001
Autor original: Tom Wesselmann.
Título: Still life # 58
Autor reproducción: Andrea Breinbauer.
Dimensiones: 100 x 80 cm.
Técnica: Óleo sobre tela.
Precio: $65.000.
Exposition
Du 14/06/2017 au 10/09/2017
À l’été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques.
Balzac qualifiait le diorama de « merveille du siècle »(1) : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l’histoire du spectaculaire dans l’héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.
Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d’éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d’Histoire naturelle, formé d’une vitre, d’une toile de fond et d’éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l’illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l’impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l’invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d’une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l’authenticité de l’artifice.
S’il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l’étymologie signifie « voir à travers » - sert ainsi également de support de projection à l’imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.
Dans le sillage de l’exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l’art avec une constante ouverture à l’égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l’histoire du dior
Exposition
Du 14/06/2017 au 10/09/2017
À l’été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques.
Balzac qualifiait le diorama de « merveille du siècle »(1) : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l’histoire du spectaculaire dans l’héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.
Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d’éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d’Histoire naturelle, formé d’une vitre, d’une toile de fond et d’éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l’illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l’impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l’invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d’une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l’authenticité de l’artifice.
S’il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l’étymologie signifie « voir à travers » - sert ainsi également de support de projection à l’imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.
Dans le sillage de l’exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l’art avec une constante ouverture à l’égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l’histoire du dior
Exposition
Du 14/06/2017 au 10/09/2017
À l’été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques.
Balzac qualifiait le diorama de « merveille du siècle »(1) : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l’histoire du spectaculaire dans l’héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.
Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d’éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d’Histoire naturelle, formé d’une vitre, d’une toile de fond et d’éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l’illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l’impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l’invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d’une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l’authenticité de l’artifice.
S’il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l’étymologie signifie « voir à travers » - sert ainsi également de support de projection à l’imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.
Dans le sillage de l’exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l’art avec une constante ouverture à l’égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l’histoire du dior
Organized by Goethe Institute
Photo Thomas Gaede
www.flickr.com/photos/artexh/14102082413/in/album-7215763...
www.flickr.com/photos/artexh/14082026315/in/album-7215763...
www.amazon.com/Pictures-Sky-Kites-Paul-Eubel/dp/3791311387
"Pictures for the Sky," Travelied to: Deichtorhallen, Hamburg. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Haus der Kunst, München, Grande Halle de la Villette, Paris, National Gallery Berlin, Museu Calouste Gulbenkian, Lisbon, Portugal, Musee de Beaux-Arts, Brussels, Belgium, Charlottenburg, Copenhagen, Denmark, Promotrice delle Belle Arti, Torino, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma (cat.)
including Appel, Stella, Vasarely, and Wesselmann, Antoni Tapies, David Nash, Robert Rauschenberg, Frank Stella, Niki de Saint Phalle, Friedensreich Hundertwasser,
Publisher
Goethe-Institute, Osaka (1989)
Venues of the exhibition:
L'Art prend l'air. Cerfs-volants d'artistes, The Montreal Museum of Fine Arts, Montreal, Canada, 1993
Art Kites: Pictures for the Sky, Expo Sevilla, Pabellón de Bellas Artes, Sevilla, Spain, 1992
Art Kites: Pictures for the Sky, Galleria nazionale d'arte moderna e contemporanea, Rome, Italy, 1992
Art Kites: Pictures for the Sky, Promotrice delle Belle Arti, Turin, Italy, 1991
Art Kites: Pictures for the Sky, Charlottenborg, Copenhagen, Denmark, 1991
Kunstdrachen. Bilder für den Himmel, Neue Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin, Berlin, Germany, 1991
L'art prend l'air. Cerfs-volants d'artistes, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brussels, Belgium, 1991
Papagaios. Pinturas para o Céu, Centro de Arte Moderna (CAM), Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon, Portugal, 1991
Art Kites: Pictures for the Sky, Deichtorhallen Hamburg, Hamburg, Germany, 1990
Art Kites: Pictures for the Sky, Central House of Artists, Moscow, Russia, 1990
Art Kites: Pictures for the Sky, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany, 1990
L'Art prend l'air. Cerfs-volants d'artistes, Grande Halle de la Villette, Paris, France, 1990
Kunstdrachen. Bilder für den Himmel, Haus der Kunst, Munich, Germany, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Nagoya City Art Museum, Nagoya, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Shizuoka Prefectural Museum of Art, Shizuoka City, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Hara Museum ARC, Shibukawa, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Himeji City Museum of Art, Himeji, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, The Museum of Modern Art, Shiga, Japan, 1988
Art Kites: Pictures for the Sky, Mie Prefectural Museum, Tsu, Japan, 1988
Art Kites: Pictures for the Sky, The Miyagi Museum of Art, Sendai, Japan, 1988
OK Harris was founded by Ivan C. Karp in 1969 in the SoHo district of Manhattan. After having been co-director of Leo Castelli Gallery from 1959-1969 during which time he was instrumental in launching the careers of pop artists such as Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann and John Chamberlain, Ivan broke away and decided to launch his own gallery. Its establishment in SoHo as the first gallery on West Broadway helped inspire the development of the area’s fine arts character. In addition to being at the forefront of the Photo Realist movement in 1969, OK Harris was among the first galleries to exhibit the work of Duane Hanson, Deborah Butterfield, Manny Farber, Richard Pettibone, Robert Cottingham, Robert Bechtle, Marilyn Levine, Nancy Rubins, Malcolm Morley, Luis Jiminez, Jake Berthot, Jack Goldstein, Porfirio DiDonna, Al Souza and Arman. OK Harris exhibits contemporary art and photography, and on occasion mounts shows of antiques and collectibles. In it’s capacious facility, it is able to mount five, one - person shows simultaneously and has seven such exhibitions in the course of a year. The gallery maintains a complete photographic archive on its exhibitions from the time of its inception, available to students and scholars for research, without reservation.
Muriel Brunner Castanis was an American sculptor best known for her public art installments involving fluidly draped figures. Though she attended New York’s High School of Music and Art, she did not begin her art career until she'd spent 10 years as a wife and mother. Her 1980 exhibit at OK Harris Works of Art in Manhattan led to her breakthrough. Castanis died of lung failure in Greenwich Village.
OK Harris was founded by Ivan C. Karp in 1969 in the SoHo district of Manhattan. After having been co-director of Leo Castelli Gallery from 1959-1969 during which time he was instrumental in launching the careers of pop artists such as Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann and John Chamberlain, Ivan broke away and decided to launch his own gallery. Its establishment in SoHo as the first gallery on West Broadway helped inspire the development of the area’s fine arts character. In addition to being at the forefront of the Photo Realist movement in 1969, OK Harris was among the first galleries to exhibit the work of Duane Hanson, Deborah Butterfield, Manny Farber, Richard Pettibone, Robert Cottingham, Robert Bechtle, Marilyn Levine, Nancy Rubins, Malcolm Morley, Luis Jiminez, Jake Berthot, Jack Goldstein, Porfirio DiDonna, Al Souza and Arman. OK Harris exhibits contemporary art and photography, and on occasion mounts shows of antiques and collectibles. In it’s capacious facility, it is able to mount five, one - person shows simultaneously and has seven such exhibitions in the course of a year. The gallery maintains a complete photographic archive on its exhibitions from the time of its inception, available to students and scholars for research, without reservation.
Muriel Brunner Castanis was an American sculptor best known for her public art installments involving fluidly draped figures. Though she attended New York’s High School of Music and Art, she did not begin her art career until she'd spent 10 years as a wife and mother. Her 1980 exhibit at OK Harris Works of Art in Manhattan led to her breakthrough. Castanis died of lung failure in Greenwich Village.
Week 2 Stanley Kubrick (1256 – 1260) 2/13 -2/18/2022ID 1260
Tom Wesselmann American 1931 - 2004
Bedroom Painting No. 7 , 1967-69
Oil on canvas
Purchsed with the Adele Haas Turner and Beatrice Pastorius Turner Memorial Fund
1972-156-1
From the Placard: The Philadelphia Museum of Art, PA
en.wikipedia.org/wiki/Tom_Wesselmann
www.artsy.net/artist/tom-wesselmann
Film: Lolita 1962
Best Cinematic Shots from Stanley Kubrick Movies
Du 17 octobre 2024 au 24 février 2025, la Fondation présente « Pop Forever, Tom Wesselmann &… » une exposition consacrée au Pop Art, l’un des mouvements artistiques majeurs des années 1960 dont la présence n’a cessé, jusqu’à aujourd’hui, de s’affirmer sur tous les continents et pour toutes les générations.
L’exposition est centrée autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, au travers d’une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux. Elle regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.
OK Harris was founded by Ivan C. Karp in 1969 in the SoHo district of Manhattan. After having been co-director of Leo Castelli Gallery from 1959-1969 during which time he was instrumental in launching the careers of pop artists such as Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann and John Chamberlain, Ivan broke away and decided to launch his own gallery. Its establishment in SoHo as the first gallery on West Broadway helped inspire the development of the area’s fine arts character. In addition to being at the forefront of the Photo Realist movement in 1969, OK Harris was among the first galleries to exhibit the work of Duane Hanson, Deborah Butterfield, Manny Farber, Richard Pettibone, Robert Cottingham, Robert Bechtle, Marilyn Levine, Nancy Rubins, Malcolm Morley, Luis Jiminez, Jake Berthot, Jack Goldstein, Porfirio DiDonna, Al Souza and Arman. OK Harris exhibits contemporary art and photography, and on occasion mounts shows of antiques and collectibles. In it’s capacious facility, it is able to mount five, one - person shows simultaneously and has seven such exhibitions in the course of a year. The gallery maintains a complete photographic archive on its exhibitions from the time of its inception, available to students and scholars for research, without reservation.
Muriel Brunner Castanis was an American sculptor best known for her public art installments involving fluidly draped figures. Though she attended New York’s High School of Music and Art, she did not begin her art career until she'd spent 10 years as a wife and mother. Her 1980 exhibit at OK Harris Works of Art in Manhattan led to her breakthrough. Castanis died of lung failure in Greenwich Village.
Autumn Winter 1966 Homage to Tom Wesselmann Purple wool jersey dress with pink wool jersey incrustations.
If you are in Montreal, don't miss this Exhibition
Tom Wesselmann (February 23, 1931, Cincinnati – December 17, 2004) was an American artist associated with the Pop art movement who worked in painting, collage and sculpture
blog.miazine.com/2009/12/tom-wesselmann-study-for-great-a...
Tom Wesselmann (left)
Study For Great American Nude #75
Pencil and liquitex on paper
12 x 11 3/4 inches
30.5 x 29.8 cm
ART BASEL 2009
Tom Wesselmann (February 23, 1931, Cincinnati - December 17, 2004) was an American pop artist who specialized in found art collages. From 1949 to 1951 he attended college in Ohio; first at Hiram College, and then transferred to major in Psychology at the University of Cincinnati. He was drafted into the US Army in 1952, but spent his service years stateside. During that time he made his first cartoons, and became interested in pursuing a career in cartooning. After his discharge he completed his psychology degree in 1954, whereupon he began to study drawing at the Art Academy of Cincinnati. He achieved some initial success when he sold his first cartoon strips to the magazines 1000 Jokes and True.
130 x 180 x 50 cm, oil on canvas, handwritten text.
This work was produced in New York City. The work was sold by Phyllis Kind gallery to James and Mireille Levy from Lausanne. Later Mr. and Mrs Levy re-sold this work to Mr. Bernd Bierfreund from Germany who in his turn re-sold this work and the present location of this work is unknown.
Exhibited: "A la découverte…de collections romandes I” (cur. Chantal Michetti-Prod’Hom), including: Josef Albers, Geog Baselitz, Guillaume Bijl, Christian Boltanski, Luciano Fabro, Dan Flavin, Lucio Fontana, Franz Gertsch, Keith Haring, Anselm Kiefer, Igor Kopystiansky, Svetlana Kopystiansky, Jannis Kounellis, Ange Leccia, Robert Mangold, Allan McCollum, Mario Merz, Mimmo Paladino, Giulio Paolini, Guiseppe Penone, Jaume Plensa, Mel Ramos, Lorna Simpson, Keith Sonier, Cy Twombly, Andy Warhol, Tom Wesselmann. Pierre et Gilles. FAE Museum of Contemporary Art, Pully, Lausanne (cat.)
“The basis of my works from the series “text-objects” is a literary text put onto canvas. For me the text has two aspects: firstly it is a reality (written words are part of the real world around us), and secondly the text delivers information about the reality outside it. In my works I use many different texts. I turn to literature: novels, stories, classical dramas. In one work, several works from various authors may be combined: the works are not always given completely and may be broken off at the edge of the canvas or be used fragmentarily.
I work directly with the material and exploit its specific physical characteristics: the elasticity of the weave makes it possible to shape it at will, and its thinness and flexibility let it bee torn into pieces of various sizes. I produce objects on which simple geometrical forms or landscapes are delineated or objects whose material is freely arranged in various large folds. In this way the original form of the text is changed, and the new form gives rise to a new sequence of letters and signs. The visual form takes precedence over the text, and the attention of the viewer springs from the drawing to the text, which, however, can no longer be read simply, since the words disintegrate and then come together in unbelievable constructions. A game arises with the text-reality and the words, or rather with the visual form of the words (as distinct from their semantic and phonetic aspects).
I have arranged happenings, where the text-objects have been read out and tape-recordings made. Finally the text was printed, to document the happening.
In the series of works, where the texts and the depictions of landscapes interact, this series follows the intention of having two realities and two illusions appear together: the one of the picture with its physical reality and the illusion of the depiction, and the one of the text with the visual reality of its form and with the worlds which are described in it.”
Svetlana Kopystiansky, 1988.
Du 17 octobre 2024 au 24 février 2025, la Fondation présente « Pop Forever, Tom Wesselmann &… » une exposition consacrée au Pop Art, l’un des mouvements artistiques majeurs des années 1960 dont la présence n’a cessé, jusqu’à aujourd’hui, de s’affirmer sur tous les continents et pour toutes les générations.
L’exposition est centrée autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, au travers d’une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux. Elle regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.
Exposition
Du 14/06/2017 au 10/09/2017
À l’été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques.
Balzac qualifiait le diorama de « merveille du siècle »(1) : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l’histoire du spectaculaire dans l’héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.
Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d’éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d’Histoire naturelle, formé d’une vitre, d’une toile de fond et d’éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l’illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l’impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l’invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d’une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l’authenticité de l’artifice.
S’il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l’étymologie signifie « voir à travers » - sert ainsi également de support de projection à l’imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.
Dans le sillage de l’exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l’art avec une constante ouverture à l’égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l’histoire du dior
Du 17 octobre 2024 au 24 février 2025, la Fondation présente « Pop Forever, Tom Wesselmann &… » une exposition consacrée au Pop Art, l’un des mouvements artistiques majeurs des années 1960 dont la présence n’a cessé, jusqu’à aujourd’hui, de s’affirmer sur tous les continents et pour toutes les générations.
L’exposition est centrée autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, au travers d’une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux. Elle regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.
Du 17 octobre 2024 au 24 février 2025, la Fondation présente « Pop Forever, Tom Wesselmann &… » une exposition consacrée au Pop Art, l’un des mouvements artistiques majeurs des années 1960 dont la présence n’a cessé, jusqu’à aujourd’hui, de s’affirmer sur tous les continents et pour toutes les générations.
L’exposition est centrée autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, au travers d’une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux. Elle regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.
Art Kites. Organized by the Goethe Institute
www.flickr.com/photos/artexh/14102082413/in/album-7215763...
www.flickr.com/photos/artexh/14082026315/in/album-7215763...
www.amazon.com/Pictures-Sky-Kites-Paul-Eubel/dp/3791311387
"Pictures for the Sky," Travelied to: Deichtorhallen, Hamburg. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Haus der Kunst, München, Grande Halle de la Villette, Paris, National Gallery Berlin, Museu Calouste Gulbenkian, Lisbon, Portugal, Musee de Beaux-Arts, Brussels, Belgium, Charlottenburg, Copenhagen, Denmark, Promotrice delle Belle Arti, Torino, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma (cat.)
including Appel, Stella, Vasarely, and Wesselmann, Antoni Tapies, David Nash, Robert Rauschenberg, Frank Stella, Niki de Saint Phalle...
Publisher
Goethe-Institute, Osaka (1989)
Details
Softcover, 384 pages
Languages
German, Japanese
Category
Group Exhibitions
Exhibitions
L'Art prend l'air. Cerfs-volants d'artistes, The Montreal Museum of Fine Arts, Montreal, Canada, 1993
Art Kites: Pictures for the Sky, Expo Sevilla, Pabellón de Bellas Artes, Sevilla, Spain, 1992
Art Kites: Pictures for the Sky, Galleria nazionale d'arte moderna e contemporanea, Rome, Italy, 1992
Art Kites: Pictures for the Sky, Promotrice delle Belle Arti, Turin, Italy, 1991
Art Kites: Pictures for the Sky, Charlottenborg, Copenhagen, Denmark, 1991
Kunstdrachen. Bilder für den Himmel, Neue Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin, Berlin, Germany, 1991
L'art prend l'air. Cerfs-volants d'artistes, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brussels, Belgium, 1991
Papagaios. Pinturas para o Céu, Centro de Arte Moderna (CAM), Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon, Portugal, 1991
Art Kites: Pictures for the Sky, Deichtorhallen Hamburg, Hamburg, Germany, 1990
Art Kites: Pictures for the Sky, Central House of Artists, Moscow, Russia, 1990
Art Kites: Pictures for the Sky, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany, 1990
L'Art prend l'air. Cerfs-volants d'artistes, Grande Halle de la Villette, Paris, France, 1990
Kunstdrachen. Bilder für den Himmel, Haus der Kunst, Munich, Germany, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Nagoya City Art Museum, Nagoya, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Shizuoka Prefectural Museum of Art, Shizuoka City, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Hara Museum ARC, Shibukawa, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, Himeji City Museum of Art, Himeji, Japan, 1989
Art Kites: Pictures for the Sky, The Museum of Modern Art, Shiga, Japan, 1988
Art Kites: Pictures for the Sky, Mie Prefectural Museum, Tsu, Japan, 1988
Art Kites: Pictures for the Sky, The Miyagi Museum of Art, Sendai, Japan, 1988
Du 17 octobre 2024 au 24 février 2025, la Fondation présente « Pop Forever, Tom Wesselmann &… » une exposition consacrée au Pop Art, l’un des mouvements artistiques majeurs des années 1960 dont la présence n’a cessé, jusqu’à aujourd’hui, de s’affirmer sur tous les continents et pour toutes les générations.
L’exposition est centrée autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, au travers d’une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux. Elle regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.
Exposition
Du 14/06/2017 au 10/09/2017
À l’été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques.
Balzac qualifiait le diorama de « merveille du siècle »(1) : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l’histoire du spectaculaire dans l’héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.
Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d’éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d’Histoire naturelle, formé d’une vitre, d’une toile de fond et d’éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l’illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l’impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l’invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d’une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l’authenticité de l’artifice.
S’il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l’étymologie signifie « voir à travers » - sert ainsi également de support de projection à l’imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.
Dans le sillage de l’exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l’art avec une constante ouverture à l’égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l’histoire du diorama et de son influence sur des artistes majeurs du XXème et du XXIème siècle, l’exposition Dioramas invite à plonger dans les mécanismes cachés de ce dispositif. En démantelant ses stratégies d’illusionnisme, elle offre la possibilité d’élaborer une approche critique du pouvoir de représentation, et ouvre à des problématiques actuelles telles que la conscience écologique et l’héritage visuel du colonialisme.
Avec : Marcelle Ackein, Carl Akeley, Sammy Baloji, Richard Baquié, Richard Barnes, Erich Böttcher, Jacques Bouisset, Cao Fei, Philippe Chancel, Joseph Cornell, Louis Daguerre, Giovanni D’Enrico, Caterina De Julianis, Mark Dion, Jean Paul Favand, Claude-André Férigoule, Joan Fontcuberta, Diane Fox, Emmanuel Frémiet, Ryan Gander, Isa Genzken, Arno Gisinger, Ignazio Lo Giudice, Robert Gober, Duane Hanson, Edward Hart, Patrick Jacobs, Arthur August Jansson, Anselm Kiefer, Fritz Laube, Pierre Leguillon, William Robinson Leigh, Charles Matton, Mathieu Mercier, Kent Monkman, Armand Morin, Lorenzo Mosca, Dulce Pinzón, Walter Potter, Georges Henri Rivière, G-M Salgé, Gerrit Schouten, Ronan-Jim Sévellec, Pierrick Sorin, Peter Spicer, Hiroshi Sugimoto, Fiona Tan, Jules Terrier, Tatiana Trouvé, Jeff Wall, Rowland Ward, Tom Wesselmann
Du 17 octobre 2024 au 24 février 2025, la Fondation présente « Pop Forever, Tom Wesselmann &… » une exposition consacrée au Pop Art, l’un des mouvements artistiques majeurs des années 1960 dont la présence n’a cessé, jusqu’à aujourd’hui, de s’affirmer sur tous les continents et pour toutes les générations.
L’exposition est centrée autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, au travers d’une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux. Elle regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.
The Municipal Museum of Contemporary Art of Ghent, or S.M.A.K. for short (in Dutch), was founded in 1999. The collection is considered to be the most important collection of contemporary art in Flanders, with world-famous works of art from Belgium and abroad.
3-d painting by Tom Wesselmann, Still Life #30. I like the fake Picasso. It's not credited in the media.
Week 2 Stanley Kubrick (1256 – 1260) 2/13 -2/18/2022ID 1260
Tom Wesselmann American 1931 - 2004
Bedroom Painting No. 7 , 1967-69
Oil on canvas
Purchsed with the Adele Haas Turner and Beatrice Pastorius Turner Memorial Fund
1972-156-1
From the Placard: The Philadelphia Museum of Art, PA
en.wikipedia.org/wiki/Tom_Wesselmann
www.artsy.net/artist/tom-wesselmann
Film: Lolita 1962
Best Cinematic Shots from Stanley Kubrick Movies
Du 17 octobre 2024 au 24 février 2025, la Fondation présente « Pop Forever, Tom Wesselmann &… » une exposition consacrée au Pop Art, l’un des mouvements artistiques majeurs des années 1960 dont la présence n’a cessé, jusqu’à aujourd’hui, de s’affirmer sur tous les continents et pour toutes les générations.
L’exposition est centrée autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, au travers d’une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux. Elle regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.
Kiki Kogelnik
22. Jänner 1935, Bleiburg (Österreich) – 1. Februar 1997, Wien (Österreich)
Kiki Kogelnik ist bekannt für ihre Arbeit mit ungewöhnlichen Materialien und wird als die österreichische Pop Art Künstlerin bezeichnet.
Sie studierte in Wien an der Hochschule für Angewandte Kunst und an der Akademie der Bildenden Künste. Gemeinsam mit Maria Lassnig, Arnulf Rainer, Wolfgang Hollegha, Markus Prachensky und Josef Mikl gehörte sie zur Gruppe der jungen Avantgarde der Galerie nächst St. Stephan um Otto Mauer.
1961 übersiedelte Kogelnik nach New York und stieß dort auf den abstrakten Expressionismus. Sie beendete ihre Phase der abstrakten Bilder und wandte sich fortan der Pop Art zu. In New York wurde sie Teil der Künstlergruppe um Roy Lichtenstein, Andy Warhol und Tom Wesselmann. Beeinflusst und inspiriert durch die rasanten technologischen Entwicklungen in der Raketentechnik und Weltraumfahrt produzierte sie in ihrer Space-Art-Phase zahlreiche bunte, futuristische Werke. Sie begann lebensgroße Schablonen von Menschen zur Übertragung auf die Bildfläche anzufertigen, die später aus Vinyl bzw. Plastik zu eigenständigen Kunstwerken wurden. Diese „Hangings“ blieben jahrzehntelanges Thema ihrer Arbeit.
Als Reaktion auf die Frauenbewegung der 70er Jahre setzte auch sie sich kritisch mit dem Frauenbild auseinander. Sie stellte Frauen maskenhaft in überzogenen Posen, die jenen aus Frauenzeitschriften ähneln, dar.
Ab Mitte der 70er Jahre erhielten ihre Werke plastische Züge und sie begann mit Keramik, Glas und Bronze zu arbeiten.
Mitte der 90er Jahre entstanden ihre heute sehr bekannten „Venetian Heads“, maskenartige Köpfe aus Glas.
www.dorotheum.com/sparten/k/bilder/kuenstler/kiki-kogelni...
Exposition
Du 14/06/2017 au 10/09/2017
À l’été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques.
Balzac qualifiait le diorama de « merveille du siècle »(1) : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l’histoire du spectaculaire dans l’héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.
Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d’éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d’Histoire naturelle, formé d’une vitre, d’une toile de fond et d’éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l’illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l’impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l’invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d’une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l’authenticité de l’artifice.
S’il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l’étymologie signifie « voir à travers » - sert ainsi également de support de projection à l’imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.
Dans le sillage de l’exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l’art avec une constante ouverture à l’égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l’histoire du dior
Organized by Goethe Institute
www.flickr.com/photos/artexh/14102082413/in/album-7215763...
www.flickr.com/photos/artexh/14082026315/in/album-7215763...
www.amazon.com/Pictures-Sky-Kites-Paul-Eubel/dp/3791311387
"Pictures for the Sky," Travelied to: Deichtorhallen, Hamburg. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Haus der Kunst, München, Grande Halle de la Villette, Paris, National Gallery Berlin, Museu Calouste Gulbenkian, Lisbon, Portugal, Musee de Beaux-Arts, Brussels, Belgium, Charlottenburg, Copenhagen, Denmark, Promotrice delle Belle Arti, Torino, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma (cat.)
including Appel, Stella, Vasarely, and Wesselmann, Antoni Tapies, David Nash, Robert Rauschenberg, Frank Stella, Niki de Saint Phalle, Friedensreich Hundertwasser,
Exposition
Du 14/06/2017 au 10/09/2017
À l’été 2017, le Palais de Tokyo invite, avec Dioramas, à découvrir une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques.
Balzac qualifiait le diorama de « merveille du siècle »(1) : son invention au XIXème siècle a constitué une révolution optique, un moment clé de l’histoire du spectaculaire dans l’héritage des lanternes magiques du XVIIème siècle.
Du diorama de Daguerre consistant en une peinture de grande dimension soumise à de savants jeux d’éclairage, au célèbre diorama historique ou naturaliste connu des musées d’Histoire naturelle, formé d’une vitre, d’une toile de fond et d’éléments tridimensionnels, le diorama incarne le règne de la mise en scène et de l’illusion. En donnant, selon la forme inventée par Daguerre, l’impression du mouvement par des effets de lumière, il figure pour la première fois le passage du temps, et anticipe l’invention du cinéma. En offrant, dans sa seconde acception, la reconstitution d’une situation qui ne peut être vue pour des raisons spatiales ou temporelles, il donne naissance à une réalité virtuelle, et invite à croire, un instant, à l’authenticité de l’artifice.
S’il met en scène notre connaissance du monde, le diorama - dont l’étymologie signifie « voir à travers » - sert ainsi également de support de projection à l’imaginaire, et trouve notamment son origine dans le monde du théâtre.
Dans le sillage de l’exposition Le Bord des mondes (2015), le Palais de Tokyo poursuit ici son exploration des multiples territoires de l’art avec une constante ouverture à l’égard des différents champs de savoir. Ainsi, au-delà de l’histoire du diorama et de son influence sur des artistes majeurs du XXème et du XXIème siècle, l’exposition Dioramas invite à plonger dans les mécanismes cachés de ce dispositif. En démantelant ses stratégies d’illusionnisme, elle offre la possibilité d’élaborer une approche critique du pouvoir de représentation, et ouvre à des problématiques actuelles telles que la conscience écologique et l’héritage visuel du colonialisme.
Avec : Marcelle Ackein, Carl Akeley, Sammy Baloji, Richard Baquié, Richard Barnes, Erich Böttcher, Jacques Bouisset, Cao Fei, Philippe Chancel, Joseph Cornell, Louis Daguerre, Giovanni D’Enrico, Caterina De Julianis, Mark Dion, Jean Paul Favand, Claude-André Férigoule, Joan Fontcuberta, Diane Fox, Emmanuel Frémiet, Ryan Gander, Isa Genzken, Arno Gisinger, Ignazio Lo Giudice, Robert Gober, Duane Hanson, Edward Hart, Patrick Jacobs, Arthur August Jansson, Anselm Kiefer, Fritz Laube, Pierre Leguillon, William Robinson Leigh, Charles Matton, Mathieu Mercier, Kent Monkman, Armand Morin, Lorenzo Mosca, Dulce Pinzón, Walter Potter, Georges Henri Rivière, G-M Salgé, Gerrit Schouten, Ronan-Jim Sévellec, Pierrick Sorin, Peter Spicer, Hiroshi Sugimoto, Fiona Tan, Jules Terrier, Tatiana Trouvé, Jeff Wall, Rowland Ward, Tom Wesselmann
Du 17 octobre 2024 au 24 février 2025, la Fondation présente « Pop Forever, Tom Wesselmann &… » une exposition consacrée au Pop Art, l’un des mouvements artistiques majeurs des années 1960 dont la présence n’a cessé, jusqu’à aujourd’hui, de s’affirmer sur tous les continents et pour toutes les générations.
L’exposition est centrée autour de Tom Wesselmann (1931-2004), une des figures de proue du mouvement, au travers d’une sélection de 150 peintures et œuvres de divers matériaux. Elle regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.
2008 Acrylic on canvas 24 x 36 inches “She’s Got Legs” is an original, signed acrylic painting on a gallery-wrapped canvas by artist Michael Arnold. My wife appears as the subject in another one of my paintings. This is another pop artwork inspired by artists such as Roy Lichtenstein, Andy Warhol, and Tom Wesselmann. I spread modeling paste combined with acrylic paint onto the canvas using a makeshift trowel I carved out of plastic. It gives the painting added texture and lines which compliments the simplistic pop art design. The colors by themselves are loud and in your face, but together they blend harmoniously into a pleasing composition. Purchase Price $500