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Petite Ile du lac Titicaca, Taquile est située à 35 km à l'est de Puno et compte environ 2000 habitants répartis sur 7 km2. La population, de langue quechua, conserve ses traditions et son mode de vie peu influencé par la vie moderne du continent.
La Fiesta de San Diego (fête de Saint Jacques) se déroule du 25 juillet au début du mois d'Aout. Les habitants festoient en musique et dansent en costumes traditionnels.
"Cependant, dans l’expansion de sa joie, la Lune remplissait toute la chambre comme une atmosphère phosphorique, comme un poison lumineux ; et toute cette lumière vivante pensait et disait : « Tu subiras éternellement l’influence de mon baiser. Tu seras belle à ma manière. Tu aimeras ce que j’aime et ce qui m’aime : l’eau, les nuages, le silence et la nuit ; la mer immense et verte ; l’eau uniforme et multiforme"
Les Bienfaites de la Lune (XXXVII) Le Spleen de Paris, Charles Baudelaire (1869)
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Celui du nord s’inscrit dans un motif très saillant orné de roses de pierre. Il est surmonté d’un tympan sculpté vers 1140 où l’on décèle l’influence de Moissac. Il représente l’ascension du Christ avec dans les registres inférieurs les apôtres, la Vierge et au dessus la lapidation de St Etienne
C'est une cathédrale de style gothique primitif. Elle eut une grande influence sur de nombreux édifices gothiques comme les cathédrales de Magdebourg, et de Limbourg, mais aussi sur celles de Chartres, de Lausanne, de Reims, de Dijon et de Paris.
La cathédrale Notre-Dame de Laon se dresse majestueusement sur l'« acropole » de Laon, la ville haute, surplombant la plaine de 100 mètres. On ne pouvait rêver meilleur site.
Elle possède cinq tours sur les sept prévues : une tour-lanterne à la croisée, deux tours couronnant le bloc de façade ouest ainsi qu'une au sud de chaque extrémité du transept.
Maître d'œuvre et dessinateur du XIIIe siècle, Villard de Honnecourt a dit qu'elles étaient les « plus belles du monde ». On dit notamment que l'architecte allemand, Hermann Friedrich Waesemann, s'en inspira dans la seconde moitié XIXs siècle pour dresser les plans du beffroi du Rotes Rathaus (l'Hôtel de ville de Berlin).
Elle possède aussi trois grandes façades dotées de tours et de monumentaux portails d'entrée : à l'ouest comme de coutume, mais aussi au sud et au nord.
Les deux tours de la façade occidentale sont ornées de statues de bœufs grandeur nature. Elles font référence à une légende, selon laquelle le bœuf chargé de monter au sommet de l'« acropole » de Laon les matériaux nécessaires à la construction de la cathédrale, épuisé de cette montée, aurait été remplacé par un bœuf miraculeusement apparu.
Paul Howard Manship
(Saint Paul, MN 1885 - New York 1966)
Bronze 1916
Le sculpteur américain P.Manship étudie l'art antique, de 1909 à 1912, à l'American Academy de Rome.
Influencé par la sculpture grecque archaïque, il évoque ici Isadora Duncan, la danseuse américaine aux pieds nus.
En 1921, il travaille à Paris jusqu'en 1926 où il influence la sculpture de style "Art Déco"
Marcel Marlier, né à Herseaux (Mouscron) le 18 novembre 1930 et mort à Tournai le 18 janvier 20111, est un illustrateur belge, surtout connu pour avoir créé, avec Gilbert Delahaye, auteur des textes, et illustré, la série de livres pour enfants mettant en scène le personnage de Martine.
En 1954, alors que naissent les premières séries destinées à la littérature de jeunesse, les éditions Casterman demandent à deux de leurs collaborateurs, Gilbert Delahaye, auteur et typographe, et Marcel Marlier, illustrateur, de créer une héroïne féminine pour les cinq à huit ans. Martine est née en plein baby-boom. Les enfants adhèrent massivement au nouveau concept de série qui leur permet de s’identifier à leurs héros et de les retrouver dans leur quotidien.
Le premier tome, Martine à la ferme, est le reflet de la société des années 1950. Martine, petite citadine indépendante, se rend pour le week-end à la campagne où elle s’amuse avec tous les animaux de la ferme. Marcel Marlier et Gilbert Delahaye se font les témoins de leur temps. La révolution agraire n’en est qu’à ses prémices. Si la population abandonne massivement les campagnes, elle tient à garder un contact avec ses racines rurales, quitte à les idéaliser. Dans les tomes suivants, Martine se rend au cirque, à la foire, à l’école, à la montagne… Dix ans après la fin de la guerre, la société retrouve le goût de vivre. Elle entend gâter ses enfants qui apprennent la vie en commun à travers diverses expériences.
Si l’on ressent le souhait de Marcel Marlier de reproduire la réalité, son dessin reste encore stylisé pour les personnages secondaires et les décors. Ainsi, dans Martine à la montagne, l’influence de Walt Disney est palpable, comme en témoignent ses animaux humanisés. De même l’empreinte de son premier maître, Albert Mercier, se ressent dans le choix et l’application des couleurs.
Durant toutes ces années, Marcel Marlier utilise exclusivement la gouache qui permet les retouches. Il atteint une parfaite maîtrise des fondus et dégradés par dissolution. Dès 1959, il recourt à la technique du pinceau ouvert pour donner plus de matière, comme on peut le constater dans le rendu de la neige de Martine à la montagne. À cette époque, le texte est nettement séparé de l’image, même si le cadre des dessins est parfois plus libre que le traditionnel rectangle.
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Veneza é uma cidade excepcional, seja na Idade Média seja nos nossos dias, pelas características singulares de seu ambiente geográfico e de seu desenvolvimento histórico.
Esta magnifica igreja ao fundo (na foto) é sem dúvida uma referência em Veneza. Quando estamos no sul do Grande Canal de Veneza a Igreja de Santa Maria della Salute domina a paisagem. É um dos locais mais fotografados da cidade. Projectada por Longhena em 1630 tem um interior amplo e espaçoso. Destaca-se no interior o altar com um ícone bizantino e as obras de Ticiano e de Tintoretto. Veneza foi atacado muitas vezes e com resultados desastrosos por um inimigo terrível: a assustadora "Black Death". A praga chegou pela primeira vez a Veneza em 1347, num navio vindo de Caffa. Foi uma catástrofe de proporções assustadoras: mais do que 3 / 5 da população morreu nos 18 meses sucessivos. Mais tarde, foi atingida por a Peste Negra, incluindo a terrível epidemia de 1630, que matou um terço da população. Foi nessa ocasião que os venezianos se viraram para a Virgem, prometendo construir uma igreja em sua honra, em troca da salvação. E em 1631, derrotaram a praga, a Basílica de Santa Maria della Salute foi erigida em agradecimento à Virgem, sob a supervisão de Baldassarre Longhena. A Basílica, ao lado da Dogana (alfândega), destaca-se no horizonte de Veneza por a sua cor branca e por as formas arquitectónicas, mais próximo do estilo da Renascença clássica do que o típico estilo veneziano. Em memória da salvação dada aos venezianos, a escultura da Virgem com o Menino feita pelo famoso artista flamengo Le Corte foi colocado no lugar do altar, de um lado, Veneza é representado por uma mulher nobre, ajoelhada numa pose suplicante, enquanto do outro lado, o Plauge é retratado com uma velha mulher em fuga, perseguida por um anjo.
Veneza – Cidade Excepcional.
Os habitantes da planície veneziana, para fugir das incursões dos bárbaros que entravam na Itália pelos Alpes, refugiavam-se nas lagunas entre a foz do Pó e a do Tagliamento, que ofereciam um ambiente protegido tanto por terra, quanto por mar. Nasceram, assim, as ilhas intermediárias e alguns centros habitados. Veneza, encontra-se no meio da lagoa maior (entre a foz do Brenta e do Piave) e comunica facilmente com o mar através de um canal natural. Veneza pôde evitar as dominações dos reinos de terra firme, e permaneceu formalmente sujeita a Constantinopla; pode pois, tornar-se o centro comercial intermediário entre o Oriente e o Ocidente e organizou-se livremente desde o princípio, sem enfrentar, como as outras cidades, as lutas com os príncipes e os nobres feudais. A forma da cidade já estava definida no fim do século XI e permaneceu praticamente inalterada em todos os mapas sucessivos, desde o mais antigo de 1346, até aos mapas modernos.
Veneza é um bocado de laguna urbanizado, localizada onde vários canais convergem entre si e desembocam no mar aberto, através de uma interrupção da nesga de terra dos Lidos. Um destes canais – o Canal Grande – entra na cidade e percorre-a por inteiro com o seu S muito pronunciado. Na foz do Canal Grande fica São Marcos (o centro político da cidade) e no meio está Rialto (o centro comercial), com a única ponte sobre o Canal: os dois centros estão próximos um do outro em linha recta, e aqui encontra-se de fato o núcleo mais antigo e mais denso: o Sexteiro de São Marcos.
A rede dos canais secundários – sobre a qual se desenvolve o tráfego das pessoas e das mercadorias penetra em toda a cidade, que é uma única massa compacta, como as cidades orientais; nela se distinguem os centros secundários: as igrejas paroquiais e os espaços abertos que se chamam campos, onde se encontram as cisternas para juntar água, acessíveis pelos poços. Na zona mais próxima do mar sobressai o grande recinto do Arsenal, o estaleiro estadual onde se constroem os navios. A cidade emerge do espelho de água da laguna com o seu contorno inconfundível, em forma de golfinho, mas a sua estrutura permanece ligada antes à conformação invisível dos fundões, como se vê no mapa do século XIV. Também os edifícios mais importantes da cidade já estão traçados entre o fim do século XI e o início do século XII. O Palácio Ducal foi reconstruído em pedra depois do incêndio de 1105; a divisão administrativa foi ali fixada em 1083. No século XII, cresce a prosperidade em Veneza; e no início do século XIII, o organismo político e o ambiente físico da cidade estão definitivamente estabelecidos. O Doge Sebastiano Ziani (1172-78) desmantela o recinto fortificado em redor do Palácio Ducal e abre a praça em L entre o palácio e a basílica, em cuja direcção se abrem as lojas dos novos edifícios (aqui se desenrola o solene encontro entre o Barba-Roxa e o Papa Alexandre III, em 1177); por sua ordem, o matemático Nicoló Barattieri levanta, no limite entre a praça e a laguna, as duas colunas de São Marcos e de São Teodoro, e projecta a segunda Ponte de Rialto, de madeira, com a parte central móvel para poder deixar passar os navios. O Doge Enrico Dandolo (1192-1205) dirige a IV Cruzada para a conquista de Constantinopla e traz para Veneza um grande número de troféus, entre os quais os quatro cavalos de bronze colocados na fachada de São Marcos. As ordens constitucionais da República são fixadas em 1207 a 1220, e definitivamente estabilizadas em 1297, com as leis conhecidas como a Serrata Del Maggior Consiglio (a Barreira do Conselho Maior). Toda a cidade enriquece e reforça-se por volta de meados do século. As ordens religiosas mendicantes instalam-se nas zonas periféricas onde mais tarde, por volta de 1330, dominicanos e franciscanos irão construir as grandes Igrejas de São João e São Paulo e dos Frades. A partir de 1294 cunha-se o ducado de ouro, que mantém o seu curso legal até 1797. Neste ponto está completa a ‘magnifica máquina funcional’ de que fala Le Corbusier, baseada no rigoroso equilíbrio entre a água e a terra. Mais tarde “chegaram os ‘artistas’; mas tudo já estava regulado, inserido no ambiente, feito pela colaboração de todos”.
A Basílica de São Marcos, inaugurada em 1094, é concluída nos três séculos seguintes com uma espectacular decoração de mosaicos, de esculturas e de ourivesarias. O Palácio Ducal é refeito em formas góticas de 1340 até ao final do século XV. A Praça de São Marcos é ordenada na primeira metade do século XVI por Mauro Codussi, pelo Sansovino e por Sanmicheli. A terceira Ponte de Rialto, de pedra, é construída por Antonio da Ponte em 1592. Palladio (que de 1570 a 1580 é nomeado “proto da basílica”, isto é, director das obras públicas venezianas) realiza as duas grandes igrejas periféricas a de São Jorge e do Redentor, que olham para a cidade da outra margem da Bacia de São Marcos. Longhena constrói a Igreja da Saúde na embocadura do Canal Grande, para celebrar o fim de uma epidemia de peste em 1631. Nesse meio tempo os engenheiros da República intervêm para manter a integridade do ambiente da lagoa, do qual depende a vida da cidade: desviam a foz dos rios que desembocam na lagoa, para evitar o aterro; escavam novos canais, para facilitar a passagem dos navios e para manter em movimento as águas nas zonas insulares; reforçam as nesgas arenosas dos Lidi entre a laguna e o mar com os murazzi (diques), para resistir às marés e as vagas.
Este organismo especial, frágil e duradouro, baseado num compacto desenho de origem oriental (e semelhante mais às cidades antigas, bizantinas, árabes, que às europeias) mas modificado pelas obras-primas da arquitectura gótica e da Renascença, é representado e enriquecido pelas imagens dos pintores. Na segunda metade do século XV, é este o ponto de encontro das correntes mais vivas da pintura mundial. Em 1475, Antonello da Messina encontra-se com Giovanni Bellini, em 1495 chega da Alemanha Albrecht Dürer. Veneza torna-se o laboratório das experiências e das técnicas mais avançadas: a pintura a óleo, os teleri de grandes dimensões, a tipografia, a gravura em cobre. Os Bellini e Carpaccio pintam os ambientes da cidade, Jacopo dei Barbari grava, em 1500, a grande planta em perspectiva em seis folhas, que representa Veneza pelo sul. Depois no século XVI, a pintura de Giorgione, de Ticiano e de Veronese dão origem a uma tradição que influencia a arte europeia por mais de três séculos. A ‘máquina’ é posta em crise somente pelas transformações tecnológicas do século XIX e do século XX, quando Veneza deixa de ser uma cidade soberana (em 1797) e cai sob o domínio dos franceses, dos austríacos e dos italianos. Sob os franceses é completada a Praça de São Marcos, construindo-se os novos edifícios no lado meridional e no ocidental; em San Michele é construído o cemitério, em S. Helena o jardim público. Sob os austríacos introduz-se a iluminação a gás, o aqueduto, e o trem é trazido para Veneza; para este fim constrói-se uma ponte de três quilómetros e meio entre a terra firme e a cidade, e edifica-se a Estação de S. Lúcia, no início do Canal Grande. Depois da ocupação italiana (em 1866), constrói-se um porto moderno – com as bacias para os navios de grande tonelagem, e os trilhos ferroviários sobre os diques – na zona entre S. Lúcia e S. Niccolò, finalmente é trazido para Veneza também o automóvel, construindo-se uma segunda ponte paralela à primeira, e uma estação de chegada com duas grandes garagens de vários andares (1932). O Canal Grande – que tem duas novas pontes na Academia e na estação ferroviária – é percorrido por pequenos barcos a vapor, que fazem as vezes dos autocarros das cidades de terra firme; para encurtar os seus percursos, abre-se um novo canal – o Rio Novo – que corta a asa superior do Canal. A população da cidade antiga, que alcançara 180.000 habitantes na década de 0, diminuiu rapidamente e ficou reduzida quase à metade. Hoje tenta-se restaurar a cidade e ajudar a sua economia, para salvar um património cultural que interessa ao mundo inteiro: mas trata-se sobretudo de conservar uma cidade viva, com os monumentos, as casas e os habitantes, isto é, fazer funcionar a ‘máquina’ antiga em conformidade com as técnicas e as exigências modernas." Que enorme privilégio foi poder visitar esta bela cidade…
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La pratique des cercueils suspendus date de plusieurs centaines d’années et provient des peuples indigènes de la région. Elle tend aujourd’hui à disparaître; seuls quelques aînés du village souhaitent toujours ce rituel. Avec l’arrivée du christianisme, les cimetières classiques sont maintenant favorisés. Le plus récent cercueil suspendu l’a été il y a de cela trois ans. Les croix sur certains cercueils montrent d’ailleurs bien l’influence du christianisme sur ces traditions, qui étaient davantage animistes.
Une visite des lieux nous a permis d’en apprendre davantage sur cette curieuse pratique. Lors du décès, le corps du défunt est enveloppé dans un tissus puis attaché en position assise sur une chaise de bois. On l’enfume avec un mélange d’herbes et de plantes afin d’éviter que des odeurs ne se dégagent du corps. Ensuite, ce dernier est ainsi exposé à l’entrée de la maison familiale, afin de permettre aux membres de la communauté de venir l’honorer pendant une période de deuil de quelques jours.
Après ces quelques jours, le corps est inséré dans un cercueil ayant été construit par le défunt lui-même avant sa mort, ou un membre de sa famille s’il était trop faible pour le faire. Nous avons été surpris de constater que les plus vieux cercueils étaient très courts; pas plus d’un mètre de long. En effet, le corps est recroquevillé en position foetale avant d’être couché dans le cercueil, au risque de casser quelques os! Ainsi, le défunt quitte le monde dans la même position qu’il y était entré. Cette façon de procéder n’était plus utilisée dans les dernières années, telle qu’en témoigne la longueur régulière des derniers cercueils. Les familles préfèrent ne plus abimer le corps de leur être cher, et ce, même au nom de la tradition.
Une fois le corps inséré dans le cercueil, ce dernier est porté par des jeunes du village pour ensuite être hissé dans le cimetière suspendu. En fait, les cercueils sont déposés sur des pieux solidement enfoncés dans le calcaire de la parois. Certaines des chaises ayant servies lors de la cérémonie y sont également accrochées ( voir photo ).
España - Ciudad Real - Villanueva de los Infantes - Casa de los Estudios
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ENGLISH:
Also called the Minor College. The courtyard is one of the most beautiful in Villanueva de los Infantes with its groin vaults and balustrade made of ochre-coloured wood, and it served as a Grammar School. Initially, the teaching was provided by the convent of San Francisco, which has now disappeared. It was from the 16th century onwards that, to cover the cultural and training needs, minor colleges were opened.
Among others, Pedro Simón de Abril, translator of the classics who consolidated Castilian as a literary and scientific language, and Bartolomé Jiménez Patón, a distinguished grammarian, teacher of Humanities and Rhetoric who exerted a strong influence on philosophers and writers, as well as being a friend of Francisco de Quevedo and Lope de Vega, taught here.
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ESPAÑOL:
También llamada Colegio Menor. El patio es uno de los más bellos de Villanueva de los Infantes con las bóvedas de arista y balaustrada de madera de color almagre, y servía como Escuela de Gramática. En un principio, de la enseñanza se encargaba el convento de San Francisco, hoy desaparecido. Es a partir del siglo XVI cuando, para cubrir las necesidades culturales y de formación, se abren colegios menores.
Aquí impartieron sus enseñanzas, entre otros, Pedro Simón de Abril, traductor de los clásicos que consolidó el castellano como lengua literaria y científica, y Bartolomé Jiménez Patón, insigne gramático, maestro de Humanidades y Retórica que ejerció fuerte influencia entre filósofos y escritores, además de amigo de Francisco de Quevedo y de Lope de Vega.
La photographie.
La nature artistique.
La perception visuelle.
La sensibilité esthétique.
La fascination de la nature.
Le regard séduit par la beauté.
La créativité en quête de lumière.
L’esprit créatif guidé par sa passion.
Le photographe qui obéit à son instinct.
L'influence des couleurs sur notre humeur.
La nature dans l'Art et un art dans la nature.
L'œil derrière le viseur, et la nature dans l'œil.
L'esprit créatif cultivant des liens avec sa nature.
L'interprétation photographique de la vie sauvage.
L'émotion au moment d'appuyer sur le déclencheur.
La fragilité rend toute forme de vie infiniment précieuse.
La sensibilité esthétique est tout à fait digne des hommes.
Le regard qui appréhende la beauté avec autant de sensibilité
Le photographe tissant des rapprochements avec la faune ailée.
L'inspiration prend tout son sens à travers d’un regard émeut.
La nature est pour moi un plaisir visuel et un grand contentement. La passion est une nature dominante qui se dévoue gaîment à son art. La nature procure aux yeux attentifs les plus beaux spectacles du monde. La photographie ajoute au plaisir des yeux celui d'un divertissement sans fin.
"La beauté des choses existe dans l'esprit de celui qui les contemple." David Hume
Le Sizerin flammé ♂ au bout de mon téléobjectif.
Pour le plaisir et la joie qu'elle me procure,
la passion des images.
Michel Villeneuve53
Objectif 100% Nature
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Emus have always fascinated me, and I never miss an opportunity to photograph them. They are, without a doubt, one of the most captivating Australian birds with a prominent place in Australian Aboriginal mythology.
(Dromaius novaehollandiae)
Un couple fait la promenade sur rue McGill. À en juger la tenue relativement légère de l'homme nous sommes probablement en Mars lors d'un redoux.
Émergeant d'un énorme banc de neige on distingue la toiture ornementée de l'immeuble Wilson Chambers, récemment construit, coin Nord-Ouest des rues Notre-Dame et McGill.
En 1869, les rues ne sont sont pas encore déservies en électricité, le lampadaire, au centre de la photo, éclaire au gaz. Dans la perspective on distingue la courbe caractéristique du mont Royal.
Le remarquable édifice de style Second Empire aux influences néo-Renaissance occupe toujours le même coin de rue de nos jours (voir ci-bas), amputé de ses ornementations d'origine mais fort heureusement sauvegardé et restauré de belle façon.
Source photo: Archives du Musée McCord-Stewart / James Inglis (1835-1904): épreuve à l'albumine, détail d'un stéréotype.
La cathédrale Notre-Dame du Puy à Grasse date du XIIe siècle. D’un style austère et dépouillé, sa structure massive et ses voûtes reflètent des influences lombardes et ligures. Elle abrite des toiles de grands maîtres, dont notamment une œuvre de Jean-Honoré Fragonard accrochée dans la nef de la cathédrale.
Cette exposition retrace l'évolution du travail de l'artiste sévillane sur les vingt-cinq dernières années.
L'influence du mouvement "Me Too" est très présente dans ses oeuvres récentes.
L'œuvre de Pilar Albarracín est un acte d'affirmation, un exercice d'analyse des clichés que représente l'identité andalouse. Le folklore et les traditions populaires, les rituels alimentaires, les mythes religieux, le rôle de la femme dans la distribution des pouvoirs et les fêtes collectives comme la tauromachie constituent l'essentiel de son inspiration.
Grain harvest in Dorset.
I like this special form of Bales of straw.
In Germany, the are usually round and immediately wrapped with plastic foil -
and one can't see the nice structures of straw anymore.
By the way: nearby, on our way from Sidmouth to Salisbury we experienced long traffic queus.
They were caused by impressive steam-powered vehicles, on their way to the
famous 'Great Dorset Steam Fair', enjoyed by people from over the world.
Unfortunately, we run out of time to visit it. The Festival started a few days later...
Here's a Link, if you are interested in ( included video):
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Getreideernte in der Grafschaft Dorset.
Nebenbei - hier in der Nähe, auf unserem Weg von Sidmouth nach Salisbury steckten wir
in langen Verkehrsschlangen fest.
Diese waren verursacht durch beeindruckende dampfgetriebene Fahrzeuge
auf ihrem Weg zum großen 'Dorset Dampf-Festival', das jährlich stattfindet
und von Menschen aus der ganzen Welt aufgesucht wird.
Leider hatten wir nicht mehr genügen Zeit, es zu besuchen, das Fest begann einige
Tage später.
Hir ein Link für Interessierte ( einschließlich einem Video):
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♫ ☼ ♫ Thank you for your kind visits, comments, Faves and invites, dear friends
Merci beaucoup des vos visites et les gentils commentaires, mes ami(e)s
Danke für Euern Besuch, Eure Kommentare und Faves. ♫ ☼ ♫
C'est une cathédrale de style gothique primitif. Elle eut une grande influence sur de nombreux édifices gothiques comme les cathédrales de Magdebourg, et de Limbourg, mais aussi sur celles de Chartres, de Lausanne, de Reims, de Dijon et de Paris.
La cathédrale Notre-Dame de Laon se dresse majestueusement sur l'« acropole » de Laon, la ville haute, surplombant la plaine de 100 mètres. On ne pouvait rêver meilleur site.
Elle possède cinq tours sur les sept prévues : une tour-lanterne à la croisée, deux tours couronnant le bloc de façade ouest ainsi qu'une au sud de chaque extrémité du transept.
Maître d'œuvre et dessinateur du XIIIe siècle, Villard de Honnecourt a dit qu'elles étaient les « plus belles du monde ». On dit notamment que l'architecte allemand, Hermann Friedrich Waesemann, s'en inspira dans la seconde moitié XIXs siècle pour dresser les plans du beffroi du Rotes Rathaus (l'Hôtel de ville de Berlin).
Elle possède aussi trois grandes façades dotées de tours et de monumentaux portails d'entrée : à l'ouest comme de coutume, mais aussi au sud et au nord.
Les deux tours de la façade occidentale sont ornées de statues de bœufs grandeur nature. Elles font référence à une légende, selon laquelle le bœuf chargé de monter au sommet de l'« acropole » de Laon les matériaux nécessaires à la construction de la cathédrale, épuisé de cette montée, aurait été remplacé par un bœuf miraculeusement apparu.
Sous influence de l'art traditionnel du jardin japonais et du zen, Erik Borja, paysagiste enseignant dans la Drôme, applique ici les principaux codes adaptés à l'environnement et au climat cévenols. Les berges du vallon, bordées de rochers, sont plantées d'érables du Japon aux couleurs flamboyantes, de conifères taillés en nuages, ainsi que de bambous nains.
Matera est une ville italienne d'environ 60 500 habitants, chef-lieu de la province de même nom, située en Basilicate.
Considérée comme l'une des plus vieilles cités habitées au monde, Matera est célèbre pour ses habitats troglodytiques (les Sassi di Matera, littéralement pierres de Matera), classés sur la liste du Patrimoine mondial de l'humanité établie par l'Unesco.
La ville est désignée pour être la capitale européenne de la culture pour l'Italie en 2019.
La Gravina a creusé le calcaire du plateau des Murge, où s'étale Matera. De nombreuses grottes naturelles ont ainsi été creusées et ont servi de refuge aux hommes depuis le paléolithique ; ce serait l'un des plus anciens sites préhistoriques. Grecs et Romains ont à leur tour occupé les lieux, à la croisée des routes commerciales.
Le calcaire ne permettant pas de retenir les eaux pluviales dans une nappe phréatique, l'eau de pluie est recueillie dans des citernes. Au cours de l'histoire de nombreuses grottes ont abrité des églises rupestres. Aux viie et viiie siècles, les grottes devinrent le refuge de moines byzantins, qui transformèrent leurs murs en chapelles. On peut ainsi y admirer des fresques à forte influence byzantine.
Pendant la domination normande, la ville connaît une période de prospérité, on y construit le château et les remparts. La population s'accroit, elle est contrainte d'occuper les grottes situées en dehors de la protection des remparts. Elle occupe alors deux amphithéâtre naturels, le Sasso Caveoso et le Sasso Barisano. Jusqu'au xvie siècle, la vie s'organise avec et autour du relief.
Pendant la période d'occupation catalane, la ville ne possède plus le même rayonnement. Les priorités artistiques de l'époque dénigrent les Sassi, qui deviennent méprisés et abritent une population de plus en plus démunie et qui occupe les lieux par défaut.
La pièce principale sur le devant était occupée par la famille et les animaux domestiques étaient rentrés le soir dans la pièce du fond. La natalité était élevée dans ces quartiers : jusqu'à six enfants vivants, et tout le monde s'entassait dans une seule pièce qui servait de salle à manger, de chambre à coucher et d'atelier ; le bébé dormait souvent dans le dernier tiroir de la commode. Même au xxe siècle, ni l'eau courante, ni l'évacuation des eaux usées n'avaient été installées.
C'est seulement en 1953 que le dernier habitant est parti, à la suite d'une décision politique, en raison des conditions de salubrité précaires de ces quartiers. C'est la loi De Gasperi, qui, en 1952, imposa l'évacuation des sassi et le relogement de leur population. À cette époque, 15 000 personnes vivent là dans des conditions sanitaires inhumaines.
Sometimes you have to loose yourself to find yourself again.
BRAND: Adam Smith
PHOTO: Adrian Nucelaar
AGENCY: Men and Underwear
... influence néoclassique dans ma rivière sauvage ...!!!
... my wild river reflection…!!!
... an impressionnist photo safari concentrated mainly on a daily basis (or almost) on my small piece of planet of 55 000 square feet…!!!
... a Thoreau "waldennienne" approach…!!!
... reflet de ma rivière sauvage…!!!
... un safari photo impressioniste au quotidien concentré essentiellement (ou presque) sur un petit morceau de planète de 55 000 pieds carrés…!!!
... une démarche "waldennienne" à la Thoreau…!!!
GRANADA (Espanha): Pátio interior do Palácio de Carlos V.
O Palácio de Carlos V, de Granada, Espanha, é uma construção renascentista situada na colina de la Alhambra. Tem principios da arquitectura de Bramante. O claustro tem planta circular; o segundo piso concluído no séc XX; colunas de ordem jónica com base simples; intercolúnio mais pequeno, ou seja colunas mais juntas, tendência maneirista. O seu estilo obedeceu à estética do Renascimento mas com alguns elementos inovadores de influência Maneirista. (Wikipedia)
[ENG] The Monastery of Santa María and San Pedro de Alaón is located in Sopeira (Huesca, Spain), sheltered by an imposing rock massif from the Sierra de Sis. Founded in Visigothic times, it was one of the most important in the region of La Ribagorza. Currently, only the church and vestiges of the cloister are preserved, built in the early 12th century in Romanesque style with Lombard influences and new forms from Jaca. Other pictures in Alaon Monastery album.
[ESP] La cabecera del templo está constituida por tres ábsides semicirculares, el central de mayor diámetro y altura, cubiertos con bóveda de horno. En el exterior se adornan con un friso de arquillos ciegos de inspiración lombarda, los más exteriores apoyando en lesenas situadas en los extremos de los ábsides, y sobre estos una banda de tres filas, de taqueado que imita al ajedrezado jaqués en los ábsides laterales, y de sierra en el central. En los tres ábsides se abre un vano aspillerado de doble derrame con arco de medio punto, y en la parte inferior del central otro vano aspillerado con arco de medio punto que ilumina la cripta.
El Monasterio de Santa María y San Pedro de Alaón está situado en Sopeira (Huesca, España), al abrigo de un imponente macizo rocoso de la Sierra de Sis. Fundado en época visigótica, fue uno de los más importantes de la comarca de La Ribagorza. En la actualidad solo se conserva la iglesia y vestigios del claustro edificados a principios del siglo XII en estilo románico con influencias lombardas y las nuevas formas procedentes de Jaca. Más fotografías en el álbum Monasterio de Alaón.
197035
Gramado é um município do estado do Rio Grande do Sul, no Brasil. Localiza-se na Serra Gaúcha, mais precisamente na Região das Hortênsias, a uma latitude 29º 22' 44" sul e a uma longitude 50º 52' 26" oeste, estando a uma altitude de 830 metros. Sua população estimada em 2018 é de 35.875 habitantes.[3] Possui uma área de 237,019 quilômetros quadrados. Seu principal acesso se dá através da RS-115, embora também seja atendida pelas rodovias RS-235 e RS-373.
Sua demografia é etnicamente variada, com forte influência alemã e italiana, o que se reflete especialmente na culinária e na arquitetura urbana e rural. Com uma economia voltada ao turismo, a cidade recebe anualmente milhões de turistas nacionais e estrangeiros.
O município de Gramado foi criado pela Lei 2 522, de 15 de dezembro de 1954, após ser emancipado da cidade de Taquara. A região era habitada por índios caingangues e, posteriormente, foi colonizada por descendentes de açorianos, imigrantes alemães e italianos.
Esta é uma praia de água doce, onde afluentes do Rio Amazonas, formam uma baia, e desaguam no Oceano Atlântico. A influencia da maré é tão grande, formando imensas ondas, e na preamar produzem esse espetáculo.
Vincent van Gogh, né le 30 mars 1853 à Zundert, aux Pays-Bas, et mort le 29 juillet 1890 à Auvers-sur-Oise, en France, à l'âge de 37 ans, est un peintre et dessinateur néerlandais. Son œuvre pleine de naturalisme, inspirée par l'impressionnisme et le pointillisme, annonce le fauvisme et l'expressionnisme.
L’Italienne (1887)
Huile sur Toile
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Le tableau, intitulé L’Italienne (aussi appelé The Italian Woman ou Portrait d’Agostina Segatori), date de 1887
Dimensions : 81,5 × 60,5 cm
La figure est généralement identifiée à Agostina Segatori, tenancière d’un célèbre cabaret parisien (le Tambourin), immigrée italienne dont Van Gogh a fait plusieurs portraits pendant son séjour à Paris. Cette identification est discutée dans la bibliographie sur les modèles « italiens » de Paris à la fin du XIXᵉ siècle.
Contexte artistique (Paris, 1886–1888)
En 1886–1888 Van Gogh séjourne à Paris, fréquente les ateliers, les expositions impressionnistes et néo-impressionnistes, et découvre fortement l’esthétique japonaise (ukiyo-e). L’Italienne se situe dans cette période d’expérimentations : Van Gogh mêle les leçons des pointillistes/néo-impressionnistes (recherche de contraste chromatique) et l’influence japonaise (composition plane, bordures) tout en gardant une forte expressivité personnelle.
Composition et structure
Plan serré, frontal : la femme est assise face à nous, le buste centré, regard calme la pose est presque cérémonielle.
Arrière-plan très plat et presque monochrome (jaune doré), encadré par une bordure verticale à droite : cet arrière-plan supprime la profondeur spatiale traditionnelle et met l’accent sur la silhouette comme “objet graphique”. La bordure asymétrique renvoie directement aux compositions des estampes japonaises.
Couleur et facture picturale
Contraste chromatique violent et volontaire : Van Gogh juxtapose des complémentaires (rouges/verts, bleus/oranges) pour obtenir une intensité visuelle procédé apparent chez les néo-impressionnistes mais ici rendu par des hachures nerveuses plutôt que par le pointillisme strict.
Trait/texture : la touche est franche, en hachures croisées qui scandent la surface (sur le fond, la robe, le siège). Ce travail énergique transforme la surface en réseau rythmique une énergie plastique qui préfigure le fauvisme par son primat de la couleur expressive.
Traits du visage et psychologie
Van Gogh stylise le visage : il n’y a pas de modelé doux mais plutôt des plages de couleur et des touches contrastées qui sculptent le visage. Le regard, la bouche fermée et l’attitude des mains (cription des doigts sur les genoux) donnent une impression de retenue, de dignité et peut-être de mélancolie contenue. L’emploi des rouges et verts sur le visage répond à sa conception d’exprimer les « passions » par la couleur.
Signification possible & interprétations
Japonisme vs brutalité expressive : Van Gogh reprend des éléments d’esthétique orientale (planéité, bordure, stylisation) mais les convertit en une langue plus rugueuse et expressive « raffinements orientaux » transformés en une puissance presque primitive (formulation du musée).
Identité sociale : représenter Agostina (si c’est elle) rappelle la fascination parisienne pour les immigrations et les types populaires ; Van Gogh choisit de ne pas idéaliser la femme mais de la rendre humaine, attachante et énergique par sa peinture.
Technique & matériaux
Peinture à l’huile, application en couches rapides et hachées ; la construction par lignes et petits coups de pinceau donne simultanément motif décoratif et modelé psychologique. L’absence d’ombres localisées (ou leur effacement au profit de couleurs juxtaposées) renforce l’effet bidimensionnel décoratif.
Place dans l’œuvre de Van Gogh
Ce tableau illustre très bien la phase parisienne d’expérimentation avant son installation en Provence. On y voit l’apprentissage du langage coloré et la poussée expressive qui, un peu plus tard, aboutira aux œuvres d’Arles où la couleur deviendra un outil émotionnel majeur.
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UNIQUEMENT POUR LE PLAISIR DES YEUX.
Waone : Artiste ukrainien influencé par les illustrations des livres et des magazines soviétiques ainsi que par les muralistes latino-américain et le graffiti brésilien qui le conduiront à peindre des fresques murales. Il donne à voir une peinture que l’on qualifie de néo-surréaliste.
La ville de Versailles, via son office municipal d’HLM Versailles Habitat, a lancé un vaste plan de rénovation de 1096 logements sociaux dans le quartier Bernard de Jussieu. Un programme artistique de neuf fresques monumentales, piloté par Quai 36, s’intègrera au projet de restauration dans le cadre de la politique culturelle de la ville de Versailles.
app.eiffage.com/content/9-fresques-monumentales-d-coreron...
Château Clairdôme
Modèle : Géraldine L.
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Le 19 août 1839, François Arago, illustre savant et homme politique en vue, déclare devant les Académies des sciences et des beaux-arts que la France a acheté le daguerréotype, une invention de Louis Daguerre à l'origine de la photographie, afin d'« en doter libéralement le monde entier »
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Histoire de la Photographie :
Nicéphore Niépce, un Français né à Chalon-sur-Saône le 7 mars 1765 et passionné par la lithographie (impression sur pierre) reprend l'idée d'imprégner une plaque d'impression métallique avec du chlorure d'argent mais, pour fixer l'image durablement, ajoute une couche de vernis également photo-sensible à base de bitume de Judée (une sorte d'asphalte).
Dès 1822, il produit de premières « héliographies » qui ont la vertu de ne pas s'effacer au bout de quelques minutes mais c'est en 1826 ou 1827 qu'après avoir exposé une plaque d'étain poli pendant huit heures, il produit la première photo digne de ce nom : une vue (très floue) de la fenêtre de sa maison de Saint-Loup de Varennes.
Vu le temps d'exposition, le procédé n'est pas prêt pour la photographie instantanée mais Niépce n'en a cure : il s'intéresse avant tout à la lithographie.
Là-dessus, voilà que l'inventeur modeste de Chalon-sur-Saône entre en relation, par l'intermédiaire de son opticien, avec un fantasque décorateur de théâtre parisien, Jacques Daguerre.
De vingt-deux ans plus jeune, celui-ci utilise habilement les ressources de la chambre noire dans ses arrangements théâtraux. Il perçoit tout l'intérêt commercial du procédé de fixation des images de Niépce et le convainc de signer un contrat d'association en 1829. Voilà réunies les deux techniques à la base de la photographie !
La mort de Niépce, en 1833, ne met pas fin à l'aventure dont le rythme va même s'accélérer : Daguerre réussit avec des produits ad hoc à ramener les temps de pose à quelques minutes et conçoit en 1837 un appareil de prise de vues qu'il baptise avec modestie «daguerréotype».
Comme il manque d'argent mais pas d'entregent, il convainc l'astronome François Arago (53 ans) de soutenir son projet. Celui-ci s'empresse de jouer de son influence pour pousser l'État à se rendre acquéreur de l'invention puis à « en doter libéralement le monde entier », lors de la séance historique du 19 août 1839.
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instanissuar.wixsite.com/nissuar
L'église Saints-Pierre-et-Paul est un édifice religieux catholique polonaise de style baroque, construite comme église du collège jésuite entre 1597 et 1619 par Giovanni Maria Bernardoni dans l'ancienne capitale de la Pologne, aujourd'hui le centre historique de Cracovie. Dédiée à saint Pierre et saint Paul, sa façade est un exemple caractéristique de l'influence architecturale exercée par l'Église du Gesù (de Rome) sur les constructions jésuites partout dans le monde.
Wikipedia
Ele é muito lindo gente!!!!!!
Puto demais!
Ele é daqueles putos discretos, que mesmo sem querer ser sexy acaba sendo!*O*
Adorei ele de mais!
Obrigado pela má influencia dona Mariana e dona Giovana! xD
Ele é muito mais do que eu imaginei! Ele tem uma cara de badboy, adorei!
Não conheço ele muito bem(e por incrível que pareça ainda não vi ele 100% nu) mas to achando que ele é malandro! xD
Por enquanto ele ainda não é o Harry(todos ahh.-.)
Mais tarde posto a historinha parar vocês!^_^
Local: Mirante da Vista Chinesa - Parque Nacional da Tijuca (RJ)
Desde 1856 o Jardim Botânico estava ligado ao Alto de Boa Vista por uma estrada carroçável, aberta por influência do Barão do Bom Retiro e cuja execução e manutenção foi contratada a Thomas Cochrane.
Registra a crônica da idade que, nessa obra, foram empregados trabalhadores "cules" trazidos de China (Macau) para desenvolver a lavoura do arroz , mas que, não tendo demonstrado qualquer habilidade para a agricultura, foram aproveitados na construção da estrada.
Essa região apresenta uma assombrosa coincidência de presença chinesa, iniciada com a vinda dos plantadores do chá de D. João VI.
Depois do fracasso dessa lavoura, segundo Brasil Gerson, os chineses se teriam espalhado "pelas fraldas da Tijuca".
Em 1844 um mapa da área registra uma edificação denominada "Casa dos Chinas", provavelmente um resquício dessa primitiva experiência.
Essa "vocação" provavelmente explica por que a Prefeitura (o prefeito Pereira Passos, em 1903, com projeto do arquiteto Luis Rey, em argamassa copiando o bambu) edificou ao margem dessa estrada, anos mais tarde, um pavilhão denominado "Vista Chinesa', que ainda pode ser visitado.
Mais acima, um local preparado para servir como ponto de repouso nos freqüentes passeios da Família Real ganhou o nome de Mesa do Imperador.
O nome Vista Chinesa tem origem nos agricultores dessa nacionalidade trazidos para o Rio de Janeiro em duas levas, na primeira metade do século XIX.
Primeira Leva: o Chá no Rio de Janeiro
Inicialmente, foram cem os chineses que vieram da colônia portuguesa de Macau, importados em 1812 pelo Conde de Linhares, a mando de D. João VI, com o objetivo de testar a receptividade do solo brasileiro para o cultivo do chá.
Os imigrantes, que teoricamente foram escolhidos por terem bastante experiência no assunto, estabeleceram-se, primeiramente, nas encostas da mata onde estão os fundos do jardim Botânico. Ali chegaram a plantar seis mil pés de chá, erva que dava três safras por ano.
Após serem colhidas, as folhas eram colocadas em fornos de barro, onde eram postas a secar, sendo depois enroladas.
Era sonho do Príncipe Regente repetir no Brasil o comércio exitoso entre Macau e a Europa, do qual, com a venda do chá, Portugal auferia considerável rendimento.
No princípio, houve certa euforia com o futuro da erva no Rio de Janeiro. Loccock nos conta que, logo após a chegada da Família Real, planejava-se suprir todo o mercado europeu com a produção carioca.
Também Ebel nos dá seu relato, datado em 1824, quando afirma ter visto nas encostas do Jardim Botânico, "vastas plantações de chá chinês, agora em floração".
Nesse sentido, é interessante o registro iconográfico executado por Rugendas em 1822, onde podem-se ver os chineses em pleno trabalho de plantio do chá, com bela vista da Lagoa Rodrigo de Freitas ao fundo.
Fonte: Livro A FLORESTA DA TIJUCA editorial Nova Fronteira / www.oguialegal.com/
o Porto foi considerado o Melhor Destino de Cidade do Mundo 2022. O reconhecimento foi entregue esta sexta-feira à noite, na cerimónia dos World Travel Awards, em Mascate, Omã.
O Porto deixou para trás as cidades mexicanas de Acapulco, Cancún e Mazatlán; Bogotá, na Colômbia; Quito, no Equador; a sul-africana Cidade do Cabo; a queniana Nairobi; o Dubai, nos Emirados Árabes Unidos; as norte-americanas Las Vegas, Miami e Nova Iorque; Hanoi, (Vietname), Hong Kong (China), as australianas Melbourne e Sydney, além da neo-zelandesa Queenstown; Londres, Lyon, Marraquexe, e a cidade de Lisboa.
A cerimónia de entrega dos prémios, considerados os “óscares” do Turismo, reuniu a presença dos principais decisores, figuras de relevo e destaque do setor, assim como influenciadores e a comunicação social especializada.
Recebeu o galardão em representação do Município do Porto a vereadora com o pelouro do Turismo e Internacionalização, Catarina Santos Cunha, numa gala em que também esteve presente o presidente da Associação de Turismo do Porto, Luís Pedro Martins.
As votações para os World Travel Awards estiveram abertas ao público até 20 de outubro, numa corrida em que o Porto ainda concorria como Melhor Destino de Cidade Patrimonial do Mundo. Antes disso, a cidade Invicta já havia sido vencedora nas vertentes regionais do concurso, assumindo a distinção de Melhor Destino de Cidade da Europa.
Os World Travel Awards cobrem todo o espectro da indústria de viagens e turismo, desde hotéis, resorts e destinos a companhias aéreas e operadoras de turismo de todo o mundo, sendo reconhecidos globalmente como marca de excelência.
Pêm pe pem pererem prêm
(O mês em que, por influências musicais, minha percepção da vida mudou completamente.)
museumPASSmusees 2020 - CENTRALE for contemporary art
CENTRALE for contemporary art
L'ambition premiere de la CENTRALE for contemporary art est de faire decouvrir et sensibiliser un public le plus large possible aux creations artistiques contemporaines d'artistes bruxellois, et ce, dans une perspective internationale.
La CENTRALE propose une reflexion sur la creation contemporaine et son lien avec la societe. Sa programmation a pour vocation la presentation d'oeuvres d'art qui questionnent les limites de l'art plutot que d'imposer une lecture unique de la creation.
La CENTRALE met en valeur le foisonnement de l'art actuel dans une perspective internationale a travers des expositions thematiques, des duos d'artistes bruxellois et internationaux, des collaborations avec des ecoles d'art bruxelloises, des projets participatifs d'artistes belges en residence, des collaborations avec d'autres lieux defendant la creation contemporaine et l'ouverture aux autres formes d'art (danse, performance, musique, litterature,...).
PANORAMA
La CENTRALE presente l'exposition Xavier Noiret-Thome & Henk Visch PANORAMA, ode a la peinture et a la sculpture.
Xavier Noiret-Thome, artiste francais base a Bruxelles, offre des peintures et assemblages d'une rare diversite qui se nourrissent de savoir, d'experience et d'influences assumees. Il a choisi d'inviter le sculpteur, dessinateur et peintre hollandais Henk Visch, dont les sculptures tantot monumentales, tantot miniatures, s'apparentent selon lui a la pensee humaine.
Leurs oeuvres, intenses et directes, parfois teintees d'humour, depeignent le reel et tentent de cerner le processus de creation et son impact sur la vie.
Pour cette exposition, les deux artistes ont concu un parcours qui se decline en cinq chapitres, de la pensee a la metaphysique. Ce cheminement permet la decouverte de leurs oeuvres respectives, prenant le contre-pied de la presentation classique de la peinture et de la sculpture, tout en permettant une lecture du processus de creation artistique et de la reflexion qu'il suscite.
Des artistes, performeur.ses, musicien.ne.s de jazz, animatrice d'ateliers intergenerationnels, offriront un autre regard sur le duo.
L'exposition s'accompagne d'une collaboration exceptionnelle avec De Garage a Malines qui presentera l'exposition No more, no less du 19.09 au 22.11.2020.
Xavier Noiret-Thome - Henk Visch. Panorama
03.09.2020 > 17.01.2021
GOOD LOST CORNERS - places that appeal to me
Il s'agit d'histoires personnelles mais pour le lecteur, le contenu ne sera pas si different. Elles pourraient etre les histoires de n'importe qui. ' - SPOT SPOTS - Prologue due to circumstances, 2017 - Artist book, Self-published - Max Kesteloot
Depuis plus de 10 ans, Max Kesteloot (1990, Gand, vit et travaille a Ostende) capture ses observations sur photo. Au cours de promenades ou de voyages, il se concentre principalement sur son contexte urbain environnant, constitue d'elements architecturaux souvent banals. Ses images sont depourvues de personnes et ne se referent qu'indirectement a une presence ou une action potentielle. Le travail de Kesteloot semble porter sur la facon dont nous absorbons notre environnement, et comment cela se traduit par des impressions fragmentees et des souvenirs associes.
Dans l'exposition GOOD LOST CORNERS - places that appeal to me, les visiteurs peuvent entendre une voix constante qui se refere a des lieux qui ont ete photographies par l'artiste, puis utilises comme source pour realiser des oeuvres visuelles. Pour les spectateurs, il est impossible de savoir quel texte appartient a quelle image, mais c'est exactement ce qui rend interessant l'exploration de l'oeuvre.
( 170 musees
Des maintenant, vous pouvez visiter tous les musees participants pendant un an. Pas une fois, mais aussi souvent que vous le souhaitez !
267 expositions )
Cloudy Times
Subversão Fotográfica - A fotografia e a edição digital por influência dos Estados d'Alma.
CASTRO LABOREIRO (Portugal): Parque Nacional Peneda Gerês.
A praticamente 1000 metros de altitude, e localizado em pleno sistema montanhoso da Peneda-Gerês, numa linha interior da fronteira entre o Alto Minho e a zona de influência de Ourense, o castelo de Castro Laboreiro é um dos mais emblemáticos monumentos militares nacionais, mais pela localização geográfica aberta aos planaltos galegos, que pela sua pretensa importância no quadro da história militar portuguesa.
As suas origens são-nos completamente desconhecidas, mas a maioria dos autores que se lhe referiram coincide no facto de a fortaleza ter desempenhado importantes funções desde a primitiva (re)conquista do território. É desta forma que podemos compreender a ligação da família condal de D. Hermenegildo à fortaleza, na primeira metade do século X e em consequência do chamado repovoamento de Afonso III. As escavações aqui efectuadas, na década de 70 do século XX, revelaram materiais da Alta Idade Média, esperando-se, para breve, conclusões mais objectivas acerca desse espólio (LIMA, 1996, p.89, nota 21).
No século XII, no âmbito da afirmação de Portugal como reino independente, a vila de Castro Laboreiro foi alvo de constante atenção por parte de D. Afonso Henriques, cujo castelo conquistou em 1141. Desconhecemos quais as obras então patrocinadas e a organização estrutural adoptada. Deveria compor-se de um pátio interior com torre de menagem isolada, à maneira dos castelos românicos, mas as múltiplas transformações porque passou levaram à total reformulação dessa primitiva estrutura.
Cento e cinquenta anos depois, no reinado de D. Dinis, teve lugar a reforma que conferiu o aspecto geral que a fortaleza ainda mantém e que, por essa altura, estaria parcialmente arruinada (ALVES, 1987, p.67). Se a acção deste monarca no Alto Minho é mais conhecida pela criação de póvoas ribeirinhas ao longo do curso final deste rio, a campanha do castelo de Castro Laboreiro testemunha, por outro lado, a atenção que a raia seca mereceu à coroa, fruto de um reinado que concedeu especial importância à defesa activa do território.
O projecto então concebido compôs-se de dois recintos muralhados, de dimensão e funcionalidade diversa. No topo, muito provavelmente correspondendo ao primitivo reduto do século XII (ou anterior), edificou-se o núcleo principal, com torre de menagem e cisterna, que corresponde ao verdadeiro centro militar do conjunto. Para Sul, um segundo recinto, de maior amplitude e acessível apenas por uma porta, servia para "recolher gados e bens em épocas de invasão" (ALMEIDA, 1987, p.182) . Esta característica parece ser única no nosso país e prova como a actividade ganadeira foi primordial na vivência das comunidades serranas medievais de Castro Laboreiro.
A descrição que Duarte d'Armas fez da fortaleza, nos inícios do século XVI, mostra um castelo altaneiro perfeitamente isolado do povoado, este situado a uma cota consideravelmente inferior. O núcleo militar era reforçado por cinco torres quadrangulares (incluindo a de menagem), e possuía duas portas, a do Sol, que levava ao interior do recinto maior, e uma outra que colocava em comunicação os dois redutos.
Parcialmente reformulado ao longo da Idade Moderna, o castelo de Castro Laboreiro não mais voltou a ser alvo de um programa reformador do mesmo nível do projecto dionisino. Nas guerras de armas de fogo, Laboreiro foi importante apenas pela sua localização estratégica, numa zona interior de difícil acesso. Os próprios caminhos do restauro do Portugal novecentista relegaram a fortaleza para segundo plano. Quando, por todo o país estado-novista, os castelos eram objecto de intervenções que visavam a recuperação de uma suposta originalidade medieval, actuando, por essa via, como elemento de propaganda do próprio regime, Laboreiro permaneceu à margem desse vasto processo, decorrendo os indispensáveis trabalhos de restauro numa data já tardia (1979-1980) e tendo-se limitado a actuações de consolidação e de reforço estrutural, sem adulterações assinaláveis.
PAF
info: www.patrimoniocultural.gov.pt/pt/patrimonio/patrimonio-im...
You can see ; www.flickr.com/photos/maiclo__1001/14409882039/in/photost...
www.flickr.com/photos/maiclo__1001/14409872698/
www.flickr.com/photos/maiclo__1001/14410059277/
L’Architecture
Dès sa fondation, St-Pétersbourg fut placée sous l’influence européenne. Fasciné par l’Occident, Pierre Ier rompt avec la tradition moscovite, et invite des architectes étrangers. Le premier venu en 1703 est le Suisse italien Domenico Trezzini qui va dessiner les plans de la cité et construire les premiers édifices, comme le palais d’Été conçu sur le modèle de maisons pour notables (un des quatre types de demeures imposés par le tsar dans sa capitale), la cathédrale de la forteresse Pierre-et-Paul, l’église de l’Annonciation du monastère Alexandre-Nevski et le bâtiment des Douze Collèges, (devenu l’université). Mais c’est le palais Menchikov, construit par l’Italien Fontana et l’Allemand Schädel sur l’île Vassilievski, qui offre le meilleur exemple de ce style baroque pétrovien , avec ses fenêtres à petits carreaux, ses pilastres corinthiens et son toit mansardé à la française. Quant à Peterhof, c’est un Français, Jean-Baptiste Leblond , qui le dessine sur le modèle de Versailles.
Sous les règnes d’Anna Ioannovna et Élisabeth Petrovna, St-Pétersbourg entre dans l’ère du baroque russe . Son représentant le plus illustre est Bartolomeo Francesco Rastrelli qui, pendant trente ans, couvre la ville d’édifices féeriques. Des cariatides, des corniches, des colonnes et des pilastres surgissent de toutes parts, se reflétant dans les rivières et les canaux. Le blanc des colonnes ressort merveilleusement sur le fond bleu et vert – couleurs préférées de Rastrelli. Le palais d’Hiver avec son abondance de moulures et de pilastres, le palais Stroganov qui déploie ses cariatides à l’angle de la perspective Nevski et la cathédrale Smolny qui réussit une heureuse synthèse du baroque italien et de l’architecture russe, sont parmi les œuvres les plus connues du maître. Le palais Catherine de Tsarskoïé Selo constitue l’apogée du baroque rastrellien avec son immense façade bleu azur ornée de colonnes et d’atlantes. Savva Tchevakinski , élève de Rastrelli, construit la magnifique église St-Nicolas-des-Marins.
Possédée par la « fureur de bâtir », Catherine II renvoie Rastrelli et fait appel à des architectes nourris de culture antique. Commence alors la grande époque du classicisme . Vallin de La Mothe conçoit le sobre édifice du Petit Ermitage, destiné à abriter les collections de la tsarine. Antonio Rinaldi est chargé de la construction du palais de Marbre. Le jeune Giacomo Quarenghi , qui ne jure que par Palladio, impose le portique à colonnes corinthiennes soutenant un fronton triangulaire. L’Écossais Charles Cameron , fin connaisseur de l’Antiquité, est invité à dessiner des intérieurs de Tsarskoïé Selo. Les architectes russes sont mis à contribution avec Ivan Starov , auteur du palais Tauride inspiré du Panthéon de Rome, tandis que se développe le goût pour le style chinois .
L’engouement pour l’antique trouve son apogée sous le règne d’Alexandre Ier avec le style Empire chargé d’exprimer la puissance impériale. Les édifices deviennent pompeux : le Français Thomas de Thomon construit une Bourse aux allures de temple grec, Andrian Zakharov reconstruit l’Amirauté sous forme d’un arc de triomphe surmonté d’un temple ionique. Quant à la cathédrale Notre-Dame-de-Kazan, commandée à Andreï Voronikhine , elle prend pour modèle St-Pierre de Rome. Cette époque voit également les premières réalisations de Carlo Rossi , qui entreprend de bâtir de grands ensembles parfaitement homogènes. La couleur jaune des façades se substituant aux teintes bleues et vertes de Rastrelli devient la référence classique. Avec leurs portiques, leurs pilastres corinthiens et leur fronton, le palais Michel et le théâtre Alexandra révèlent le raffinement du style Empire. Après l’accession au trône de Nicolas Ier, Rossi aménage de vastes ensembles comme la place du Sénat qui, avec les bâtiments du Sénat et du Synode réunis par un arc de triomphe, semble conçue pour servir de décor à des défilés militaires. Mais c’est l’État-Major sur la place du Palais, avec son interminable façade semi-circulaire, qui reste son ouvrage le plus spectaculaire.
Au milieu du 19e s., le style Empire se voit supplanté par l’ éclectisme , subtil mélange des styles les plus divers. L’un des exemples en est l’intérieur de la cathédrale St-Isaac édifiée par Auguste de Montferrand sur le modèle de St-Paul de Londres et du Panthéon de Paris. Mélange de baroque et de classique, elle inclut également des éléments russes, italiens, byzantins, etc. Parallèlement, on assiste au développement de l’ historicisme qui opère un retour vers l’architecture d’autrefois. Le néogothique, le néobaroque, le néo-Renaissance sont à la mode et donnent quelques réussites comme le palais Belosselski-Belozerski, œuvre d’ Andreï Stackenschneider , l’église St-Sauveur-sur-le-Sang-Versé édifiée par Alfred Parland , la petite église de Tchesmé, néogothique, construite par Iouri Velten dans la banlieue sud de la ville.
Au tournant du 20e siècle, avec l’ Art nouveau , les façades se couvrent de détails qui font de certaines rues, comme l’avenue Kamennoostrovski, de véritables musées à ciel ouvert. Ce style est surtout présent sur l’île Petrogradskaïa qui voit la construction d’immeubles en pierre à l’époque de son essor. Le pont de la Trinité, construit pour le bicentenaire de la ville sur le modèle du pont Alexandre III à Paris, la maison bâtie par Fiodor Lidval en bas de la perspective Kamennoostrovski, l’hôtel élevé par Alexandre von Goguen pour la ballerine Kchessinskaïa, en sont autant d’exemples. D’autres édifices furent marqués par ce style, comme l’hôtel Astoria élevé par Lidval, le magasin Elisseïev construit par Gavriil Baranovski et même la mosquée qui imite le mausolée de Gour Emir à Samarkand !
Si l’époque soviétique épargna le cœur historique de St-Pétersbourg, elle imposa son style monumental à certains quartiers périphériques de la ville. C’est le cas des quartiers du sud que l’on traverse en venant de l’aéroport par l’avenue Moskovski prospekt, que bordent des immeubles massifs, d’une majesté austère. Au fond de la place Moskovskaïa d’un monumentalisme hors pair, un immense immeuble à colonnes devait abriter le Soviet de Leningrad. En son centre, l’une des dernières statues de Lénine encore debout (cette statue est surnommée le « Lénine dansant » !). L’art officiel soviétique ne fut pas sans réussites, comme les stations du métro, et le monument aux Défenseurs de Leningrad, œuvre du sculpteur Anikouchine .
L’après-guerre fut entièrement tournée vers l’effort de reconstruction. On restaure et on reconstruit à l’identique les palais impériaux des environs. Les quartiers périphériques, détruits par les bombardements, se couvrent de cités-dortoirs composées d’immeubles aux appartements exigus appelés « khrouchtchovki » du nom du successeur de Staline. Sous Brejnev, surgissent des mastodontes où logent les groupes de touristes encadrés. L’avenir de ces établissements reste incertain, car la ville développe aujourd’hui des infrastructures hôtelières à échelle plus humaine, notamment dans des bâtiments historiques, la construction étant interdite dans le centre classé par l’Unesco au patrimoine de l’humanité.
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The Palaces of Nevsky Prospekt
Belosselsky-Belozersky Palace illuminated at night
On the southern corner of Nevsky Prospekt and the Fontanka river at No.41 is the faded dark red Belosselsky-Belozersky Palace seen here. This was the last private palace constructed on this multi-palatial street and was completed in stages between 1840 and 1848. The prime riverside site having been purchased by Prince Alexander Mikhailovich B-B in 1800.
This unique eye catching elegant rococo building with muscular Atlantes supporting Corinthian columns was the concept of the architect Andrei Stakenschneider, who was born in the nearby city of Gatchina and the son of a German miller.
The pseudo-baroque exterior has two front facing façades, west to the Fontanka river, and north to the street. Like many prominent buildings in the city, this palace has recently undergone extensive restoration in preparation for the tricentennial celebrations.
The interior is as dramatic and elegant as the exterior. In the main rooms the architect used an extensive blend of composite materials for the baroque decor. Many of the walls are carved and all of the doors are decorated. Especially interesting are the front stairs in the entrance hall, the large and small Golden sitting rooms, the Purple, the Green and the White Halls and the Great Mirror Hall which is used for concerts.
Extravagant imperial courts reigned here well into the 20th century, when the palace was the residence of Grand Duke Sergei Alexandrovich (Alexander III's brutal brother - assassinated in 1905). In 1905, Grand Princess Elizaveta Fedorovna, having just become a num, willed the palace toher nephew, Grand Prince Dmitry Pavlovich, who sold it in 1917. During the Soviet period the grand palace was used as the party headquarters for the Kuibyshev district of Leningrad, but its interiors were preserved almost intact. Nowadays the palace houses the Wax Museum, an art gallery and a concert hall, which holds regular performances of the folk group Petersburg Mozaik, The Wax Museum collection contains 80+ wax figures, including models of many prominent figures in Russian history such as Tolstoy, Dostoyevsky, Kutuzov, Alexei, Speransky, Kerensky, various tsars and other members of the Romanov Dynasty. On the wall inside the entrance hall of the former Belosselsky-Belozersky Palace there is a plaque which indicates that during World War I the palace housed the Anglo-Russian Hospital.
On the other side of the Fontanka and separated by Quarenghi's Stalls, is the Anichkov Palace at No.39 Nevsky Prospekt. In the 18th century this was a suburban area and the broad Fontanka river was lined with palaces for the elite that were usually accessed by boat. Which explains why the main entrance to this great building faces the river rather than Nevsky. The palace was named for Colonel Mikhail Anichkov who set up his camp on this site at the time of the founding of the city and whose regiment built the original wooden bridge over the Fontanka, now known as the Anichkov Most.
This palace was commissioned by Tsarina Elizabeth as a gift for her lover, Alexei Razumovsky, between the years 1741 and 1750. In continuing with this tradition after Razumovsky's death, Catherine the Great gave this palace to her paramour, Prince Grigory Potemkin. As an able statesman and military officer Potemkin is famous in his own right for his attempts to deceive Catherine about the squalid conditions of the Russian south. He had fake villages built for Catherine's area tour of 1787. The term "Potemkin village" has come to mean any impressive façade that hides an ugly impoverished interior. Not so the Anichkov Palace, which was originally designed by Mikhail Zemtsov and completed by Rastrelli. Little remains of those early Baroque designs as the building has undergone a number of changes and in the early 19th century, Neoclassical details were added by Carlo Rossi.
After Rossi's alterations the palace became the winter residence of the heir to the throne. However when Alexander III became tsar in 1881, he continued to live there, rather than the customary Winter Palace. After his death, his widow Maria Fyodorovna remained there until the revolution.
Many young princes grew up in this palace and in 1935 the premises were returned to children and it was known as the Leningrad Palace of Pioneers. Today is is still occupied by a children's organization and the Anichkov Lyceum. Exhibitions of their works are regularly held in the palace or grounds, where there is a modern theater and concert hall.
The elegant colonnaded (Quarenghi's Stalls) building overlooking the Fontanka to the east had been another addition to the palace, by Giancomo Quarenghi in 1803-05. Initially this was built as a trading arcade where imperial goods destined for the palaces were stored prior to their delivery. This extension was later converted into government offices and was known as the Cabinet.