Annibale Carracci -

Landscape with the Flight into Egypt [~ 1604] -

Galleria Doria Pamphilj, Rome -

Original photo by courtesy of Steven Zucker, smarthistory

Iniziato nel 1122 sulle fondamenta della preesistente cattedrale di S.Giustina, fu terminato nel 1233. La facciata è divisa in due contrafforti, in marmo rosa nella parte inferiore e in arenaria nella parte superiore. I tre ingressi sono sormontati da piccoli portici a due colonne. Capolavori di arte romanica sono le figure che reggono i protiri, prodotto di una scuola cantiere piacentina che segue i modelli di Wiligelmo e Nicolò. La torre e la cupola sono del trecento; sulla guglia, opera di un anonimo artigiano del Trecento, rappresenta un punto di riferimento per i piacentini lontani dalla propria terra. L'interno presenta una significativa testimonianza dell' arte barocca con affreschi di Carracci, Procaccini per il presbiterio e Guercino, Morazzone per quanto riguarda la cupola. Di notevole importanza anche le formelle dei paratici sulle colonne e sopratutto la vasca battesimale paleocristiana, documento in pietra che collega la chiesa piacentina alle sue origini. La devozione popolare, agli inizi del Seicento, ha dedicato una particolare attenzione alla Madonna del Popolo (transetto di sinistra); nella parte opposta, la tomba del Beato Giovanni Battista Scalabrini. Molto interessante anche la cripta, con i resti di S.Giustina. Di uguale importanza l'archivio capitolare.

Started in 1122 on the foundations of the existing cathedral of St. Giustina, was completed in 1233. The facade is divided into two buttresses, pink marble in the lower part and in sandstone in the upper part. The three inputs are surmounted by small porches with two columns. Masterpieces of Romanesque art are the figures that hold the porches, the product of a school yard Piacenza following models Wiligelmo and Nicholas. The tower and the dome of the fourteenth century, the spire, the work of an anonymous craftsman of the fourteenth century, is a point of reference for Piacenza away from their land. The interior has a significant evidence of 'baroque art with frescoes by Carracci, Guercino and Procaccini for the presbytery, Moray for the dome. Of great importance also the panels of the Guild on the columns and above the baptismal font early Christian document in stone that connects the church Piacenza to its origins. The popular devotion at the beginning of the seventeenth century, has paid particular attention to the Madonna del Popolo (left transept) on the opposite side, the tomb of Blessed John Baptist Scalabrini. Very interesting is the crypt with the remains of St. Giustina. Of equal importance is the archive capitulate.

Guido Reni, Bologna 1575 – 1642

Himmelfahrt Mariens - Assumption of Mary - Assunzione di Maria (ca, 1598/99)

Städel, Frankfurt

 

Painted on copper, the ‘Assumption of the Virgin’ is one of the very few surviving early works by Guido Reni, an artist of key significance for the development of Baroque painting in Bologna and Rome, and whose works continue to shape our image of the Italian Baroque to this day. In 1595, after training with Denys Calvaert in Bologna, Reni entered the academy of the Carracci.

 

Two large altarpieces by Annibale and Agostino Carracci served him as a point of departure for this extremely well-conceived composition, supplying him with motivic inspiration for the figure of the Virgin, shown seated on the throne of clouds with outspread arms, and the two angels accompanying her. At the same time, however, Reni’s conception of the theme is not only entirely different, but so novel for its time as to be revolutionary. Whereas the Carracci depicted Mary’s dramatic ascension with typically High Renaissance pathos, Reni has translated the event into a wholly different mood – a gentle-upward floating accompanied by the music of the spheres and full of poetic harmony.

 

Source: Städel

c. 1603. Oli sobre coure. 41,3 x 60,7 cm. Kunsthistorisches Museum Wien, Gemäldegalerie, Viena. GG_230. Obra exposada: Kabinett 11.

s273 8819 Weltgeschichte VII. Band Agostino Carracci (1558 - 1601) - Portrait of Tiziano Vecellio. 1587 "ILL .mo and R. mo D. Dno Henrico Caetano S. R. E. Card. Ampl. mo Bon. ae Legato / Exiguum hoc munus imaginis Titiani pict. cuius nomen orbis continere non valet submisse dicat sacratque / humill. s dedit. s. q. servuus August. Carratius. 1587 " Grotesche Allgemeine Weltgeschichte, Geschichte der Neueren Zeit, Theodor Flathe, Gustav Friedrich Hertzberg, Ferdinand Justi, Hans Prutz, Julius Harttung, VII. Band, Erster Teil, Die Neuere zeit von Dr. Martin Philippson Berlin anno 1886.

Tizian Tiziano Vecellio 1488 bis 1490 Pieve di Cadore - 1576 Venedig.

 

Tizian wurde ca. 1488 bis 1490 in Pieve di Cadore geboren

Tizian gilt als einer der Hauptmeister der italienischen Hochrenaissance und als der bedeutendste Vertreter der Venezianischen Maleri des 16. Jahrhunderts

Literatur über diesen großartigen Künstler ist sehr vielfältig

Tizian starb am 27.8. 1576 in Venedig.

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This print is perhaps the most famous by Agostino Carracci in the 18th century issue and shows the high degree of technical perfection achieved after the trip to Venice. Contrary to what Gori Gandellini believed, or that it derives from a drawing of the artist himself, it reproduces a self-portrait of Titian preserved in the Staatliche Museen in Berlin The engraving and the painting portray Titian at the same age, but in the two works he he is dressed differently. The date of the engraving, 1587, is temporally placed in a moment of great turning point in the engraving art of Augustine, both from the point of view of the invention and from the technical one. In these years the artist reaches full maturity in the use of the burin, characterized by a spacious and wide hatch that widens more in the center of each sign, in such a way to graphically translate the luminism and colorism of Venetian painting and reproduce any type of material: from fur to brocades to different skin tones.

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Tiziano Vecelli or Vecellio ( 1488/90– 27 August 1576), known in English as Titian, was an Italian (Venetian) painter during the Renaissance, considered the most important member of the 16th-century Venetian school. He was born in Pieve di Cadore, near Belluno. During his lifetime he was often called da Cadore, 'from Cadore', taken from his native region.

 

Recognized by his contemporaries as "The Sun Amidst Small Stars" (recalling the final line of Dante's Paradiso), Titian was one of the most versatile of Italian painters, equally adept with portraits, landscape backgrounds, and mythological and religious subjects. His painting methods, particularly in the application and use of colour, exercised a profound influence not only on painters of the late Italian Renaissance, but on future generations of Western art.

 

His career was successful from the start, and he became sought after by patrons, initially from Venice and its possessions, then joined by the north Italian princes, and finally the Habsburgs and papacy. Along with Giorgione, he is considered a founder of the Venetian School of Italian Renaissance painting.

 

During the course of his long life, Titian's artistic manner changed drastically, but he retained a lifelong interest in colour. Although his mature works may not contain the vivid, luminous tints of his early pieces, their loose brushwork and subtlety of tone were without precedent in the history of Western painting.

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Tiziano Vecelli ili Tiziano Vecellio (Pieve di Cadore, kraj Belluna (Veneto), 1490. - Venecija, 27. kolovoza, 1576.), bio je vođa škole venecijanske renesanse u 16. stoljeću. Tizian je bio jedan od najsvestranijih slikara, podjednako vješt u portretima kao i u pejzažima (dva motiva koja su ga proslavila), mitološkim i vjerskim temama. Najvažniji je i najutjecajniji umjetnik na prijelazu iz renesanse u barok.

 

hr.wikipedia.org/wiki/Tizian

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Chapel of St. Sebastian

Tomb of St John Paul II

Altarpiece painting by Domenichino, 1628-31

 

Welcome

 

The chapel contains the altar of St. Sebastian, an early Christian martyr from the Late Roman Empire. Under the altar are the remains of Pope St John Paul II, which were moved to the chapel in 2011.

 

The mosiac above the altar was made by Pietro Paolo Christofari, a Baroque artist who was Director of the Vatican Mosaic Studio from 1743-1755. This was a copy of Domenichino's original work, which was painted between 1625 and 1631, in oil on a stucco ground.

 

On June 2, 1672, the remains of Sts Innocent, Victor, Candidus and Laureatus were placed in the altar.

 

Flanking he chapel are statutes of two 20th century popes, Pius XI and XII.

 

Originally, the altarpiece was supposed to feature a painting portraying the life of St. Peter. Domenichino, the artist employed by the Congregation, was instructed to paint a picture of an episode of Peter's life. Domenichino came from the city of Bologna and was of the Bolognese School, a group of artists that also included Lanfranco and Ludovico Carracci. The topic originally chosen was taken from the book of Acts, in which Peter converts a Gentile to Christianity, one of the first such conversions. However, two groups had say over the decoration of the altar: The Congregation and the Chapter. The Congregation of the Fabricca of St. Peters, a group of cardinals and high-ranking churchmen, oversaw the construction of the new basilica. The Chapter of St. Peters were the group of priests who performed the sacraments and said mass in the basilica. The Chapter eventually proposed artwork illustrating the martyrdom of St Sebastian, believing that he was important enough to warrant a major chapel. The altar of St. Sebastian was painted by Domenichino between his commission in 1625 and 1631, when he left Rome for Naples. Domenichino's work took place under Pope Urban VIII, who reigned from 1623-44. Pope Urban VIII and his family, the Barberini, were known to have a personal connection to St. Sebastian, having patronized all three sites in Rome associated with him. In fact, the Barberini family chapel was built on the site where St. Sebastian's body was dragged from the Cloaca Maxima.

 

The painting represents St. Sebastian's martyrdom under the Roman Emperor Diocletian, usually dated in the year 288. Sebastian was a member of the Praetorian Guard, and fell victim to the emperor's persecution of Christians. Diocletian's was the largest persecution of Christians in the Roman period, and also the last before Constantine's adoption of Christianity. Sebastian fell victim to the persecution twice; the first time he was shot with arrows, but nursed back to health by St. Irene. After this, he criticized Diocletian to his face, condemning him for his treatment of Christians. For his efforts, he was beaten and thrown into the Roman sewer, the Cloaca Maxima. It should be noted that Domenichino was a painter and not a historian, as his painting combines elements of both events.

 

St. Sebastian was known as a plague saint, thought to have the power to ward off disease. According to legend, the erection of an altar in his name was enough to ward off a plague that ravaged Italy in the seventh century. As the Renaissance period was rife with plagues which often devastated whole communities, he was quite popular among Christians of that time. Specifically, in the 1620s, Rome lived in fear of a plague that was spreading throughout the Italian Peninsula. 10,000 people died in Florence alone, and veneration of St. Sebastian was sought in order to protect the Eternal City.

property of the Metropolitan Museum of Art, New York

 

for educational purpose only

 

please do not use without permission

La iglesia fue construida en nombre de los Barnabitas (sacerdotes católicos pertenecientes a la Orden de los Clérigos Regulares de San Pablo) entre 1606 y 1611 y fue diseñada por el arquitecto Ambrogio Mazenta. Entre 1634 y 1636, la iglesia fue enriquecida por Ercole Fichi, quien agregó una fachada elegante.

Dentro del edificio, las bóvedas fueron magníficamente decoradas por Antonio y Giuseppe Rolli, quienes tomaron las obras de San Pablo en el Areópago en Atenas.

Sobre el altar hay algunas valiosas pinturas de grandes maestros boloñeses, como Guercino, Giuseppe Maria Crespi (también conocido como Lo Spagnolo - The Spanish) y Lodovico Carracci, quien retrató el conocido "Paradiso".

El suntuoso altar mayor (1643-1650) es particularmente hermoso; allí, se puede admirar la escultura que representa "Decollazione di San Paolo" ("Decollación de San Pablo"), que ahora se destaca en el centro: fue encargada por los Barnabitas y construida por el boloñés Alessandro Algardi (que también construyó el medallón que cubre El frente del altar y el tabernáculo).

[www.zonzofox.com]

Uma estátua de Nossa Senhora no interior do Pantheon, em Roma.

The Pantheon's Interior, in Rome.

 

A text, in english, from Wikipedia, the free encyclopedia:

Pantheon, Rome.

The Pantheon (Latin: Pantheon, from Greek: Πάνθειον, meaning "Temple of all the gods") is a building in Rome which was originally built as a temple to all the gods of Ancient Rome, and rebuilt circa 126 AD during Hadrian's reign. The intended degree of inclusiveness of this dedication is debated. The generic term pantheon is now applied to a monument in which illustrious dead are buried. It is the best preserved of all Roman buildings, and perhaps the best preserved building of its age in the world. It has been in continuous use throughout its history. The design of the extant building is sometimes credited to Trajan's architect Apollodorus of Damascus, but it is equally likely that the building and the design should be credited to Emperor Hadrian's architects, though not to Hadrian himself as many art scholars once thought. Since the 7th century, the Pantheon has been used as a Roman Catholic church. The Pantheon is the oldest standing domed structure in Rome. The height to the oculus and the diameter of the interior circle are the same, 43.3 metres (142 ft).

n the aftermath of the Battle of Actium (31 BC), Agrippa built and dedicated the original Pantheon during his third consulship (27 BC). Agrippa's Pantheon was destroyed along with other buildings in a huge fire in 80 AD. The current building dates from about 126 AD, during the reign of the Emperor Hadrian, as date-stamps on the bricks reveal. It was totally reconstructed with the text of the original inscription ("M·AGRIPPA·L·F·COS·TERTIVM·FECIT", standing for Latin: Marcus Agrippa, Lucii filius, consul tertium fecit translated to "'Marcus Agrippa, son of Lucius, Consul for the third time, built this") which was added to the new facade, a common practice in Hadrian's rebuilding projects all over Rome. Hadrian was a cosmopolitan emperor who travelled widely in the East and was a great admirer of Greek culture. He might have intended the Pantheon, a temple to all the gods, to be a kind of ecumenical or syncretist gesture to the subjects of the Roman Empire who did not worship the old gods of Rome, or who (as was increasingly the case) worshipped them under other names. How the building was actually used is not known.

Cassius Dio, a Graeco-Roman senator, consul and author of a comprehensive History of Rome, writing approximately 75 years after the Pantheon's reconstruction, mistakenly attributed the domed building to Agrippa rather than Hadrian. Dio's book appears to be the only near-contemporary writing on the Pantheon, and it is interesting that even by the year 200 there was uncertainty about the origin of the building and its purpose:

Agrippa finished the construction of the building called the Pantheon. It has this name, perhaps because it received among the images which decorated it the statues of many gods, including Mars and Venus; but my own opinion of the name is that, because of its vaulted roof, it resembles the heavens. (Cassius Dio History of Rome 53.27.2)

The building was repaired by Septimius Severus and Caracalla in 202 AD, for which there is another, smaller inscription. This inscription reads "pantheum vetustate corruptum cum omni cultu restituerunt" ('with every refinement they restored the Pantheon worn by age').

In 609 the Byzantine emperor Phocas gave the building to Pope Boniface IV, who converted it into a Christian church and consecrated it to Santa Maria ad Martyres, now known as Santa Maria dei Martiri.

The building's consecration as a church saved it from the abandonment, destruction, and the worst of the spoliation which befell the majority of ancient Rome's buildings during the early medieval period. Paul the Deacon records the spoliation of the building by the Emperor Constans II, who visited Rome in July 663:

Remaining at Rome twelve days he pulled down everything that in ancient times had been made of metal for the ornament of the city, to such an extent that he even stripped off the roof of the church [of the blessed Mary] which at one time was called the Pantheon, and had been founded in honor of all the gods and was now by the consent of the former rulers the place of all the martyrs; and he took away from there the bronze tiles and sent them with all the other ornaments to Constantinople.

Much fine external marble has been removed over the centuries, and there are capitals from some of the pilasters in the British Museum. Two columns were swallowed up in the medieval buildings that abbutted the Pantheon on the east and were lost. In the early seventeenth century, Urban VIII Barberini tore away the bronze ceiling of the portico, and replaced the medieval campanile with the famous twin towers built by Maderno, which were not removed until the late nineteenth century. The only other loss has been the external sculptures, which adorned the pediment above Agrippa's inscription. The marble interior and the great bronze doors have survived, although both have been extensively restored.

Since the Renaissance the Pantheon has been used as a tomb. Among those buried there are the painters Raphael and Annibale Carracci, the composer Arcangelo Corelli, and the architect Baldassare Peruzzi. In the 15th century, the Pantheon was adorned with paintings: the best-known is the Annunciation by Melozzo da Forlì. Architects, like Brunelleschi, who used the Pantheon as help when designing the Cathedral of Florence's dome, looked to the Pantheon as inspiration for their works.

Pope Urban VIII (1623 to 1644) ordered the bronze ceiling of the Pantheon's portico melted down. Most of the bronze was used to make bombards for the fortification of Castel Sant'Angelo, with the remaining amount used by the Apostolic Camera for various other works. It is also said that the bronze was used by Bernini in creating his famous baldachin above the high altar of St. Peter's Basilica, but according to at least one expert, the Pope's accounts state that about 90% of the bronze was used for the cannon, and that the bronze for the baldachin came from Venice. This led the Roman satirical figure Pasquino to issue the famous proverb: Quod non fecerunt barbari, fecerunt Barberini ("What the barbarians did not do, the Barberinis [Urban VIII's family name] did")

In 1747, the broad frieze below the dome with its false windows was “restored,” but bore little resemblance to the original. In the early decades of the twentieth century, a piece of the original, as could be reconstructed from Renaissance drawings and paintings, was recreated in one of the panels.

Also buried there are two kings of Italy: Vittorio Emanuele II and Umberto I, as well as Umberto's Queen, Margherita. Although Italy has been a republic since 1946, volunteer members of Italian monarchist organizations maintain a vigil over the royal tombs in the Pantheon. This has aroused protests from time to time from republicans, but the Catholic authorities allow the practice to continue, although the Italian Ministry of Cultural Heritage is in charge of the security and maintenance.

The Pantheon is still used as a church. Masses are celebrated there, particularly on important Catholic days of obligation, and weddings.

The building is circular with a portico of three ranks of huge granite Corinthian columns (eight in the first rank and two groups of four behind) under a pediment opening into the rotunda, under a coffered, concrete dome, with a central opening (oculus), the Great Eye, open to the sky. A rectangular structure links the portico with the rotunda. Though often still drawn as a free-standing building, there was a building at its rear into which it abutted; of this building there are only archaeological remains.

In the walls at the back of the portico were niches, probably for statues of Caesar, Augustus and Agrippa, or for the Capitoline Triad, or another set of gods. The large bronze doors to the cella, once plated with gold, still remain but the gold has long since vanished. The pediment was decorated with a sculpture — holes may still be seen where the clamps which held the sculpture in place were fixed.

The 4,535 metric ton (5,000 tn) weight of the concrete dome is concentrated on a ring of voussoirs 9.1 metres (30 ft) in diameter which form the oculus while the downward thrust of the dome is carried by eight barrel vaults in the 6.4 metre (21 ft) thick drum wall into eight piers. The thickness of the dome varies from 6.4 metres (21 ft) at the base of the dome to 1.2 metres (4 ft) around the oculus. The height to the oculus and the diameter of the interior circle are the same, 43.3 metres (142 ft), so the whole interior would fit exactly within a cube (alternatively, the interior could house a sphere 43.3 metres (142 ft) in diameter). The Pantheon holds the record for the largest unreinforced concrete dome. The interior of the roof was possibly intended to symbolize the arched vault of the heavens. The Great Eye at the dome's apex is the source of all light in the interior. The oculus also serves as a cooling and ventilation method. During storms, a drainage system below the floor handles the rain that falls through the oculus.

The interior features sunken panels (coffers), which, in antiquity, may have contained bronze stars, rosettes, or other ornaments. This coffering was not only decorative, but also reduced the weight of the roof, as did the elimination of the apex by means of the Great Eye. The top of the rotunda wall features a series of brick-relieving arches, visible on the outside and built into the mass of the brickwork. The Pantheon is full of such devices — for example, there are relieving arches over the recesses inside — but all these arches were hidden by marble facing on the interior and possibly by stone revetment or stucco on the exterior. Some changes have been made in the interior decoration.

It is known from Roman sources that their concrete is made up of a pasty hydrate of lime, with pozzolanic ash (Latin pulvis puteolanum) and lightweight pumice from a nearby volcano, and fist-sized pieces of rock. In this, it is very similar to modern concrete. No tensile test results are available on the concrete used in the Pantheon; however Cowan discussed tests on ancient concrete from Roman ruins in Libya which gave a compressive strength of 2.8 ksi (20 MPa). An empirical relationship gives a tensile strength of 213 psi (1.5 MPa) for this specimen. Finite element analysis of the structure by Mark and Hutchison found a maximum tensile stress of only 18.5 psi (0.13 MPa) at the point where the dome joins the raised outer wall. The stresses in the dome were found to be substantially reduced by the use of successively less dense concrete in higher layers of the dome. Mark and Hutchison estimated that if normal weight concrete had been used throughout the stresses in the arch would have been some 80% higher.

The 16 gray granite columns Hadrian ordered for the Pantheon's pronaos were quarried at Mons Claudianus in Egypt's eastern mountains. Each was 39 feet (11.8 m) tall, five feet (1.5 m) in diameter, and 60 tons in weight. These were dragged on wooden sledges when transporting on land. They were floated by barge down the Nile and transferred to vessels to cross the Mediterranean to the Roman port of Ostia where they were transferred back onto barges and up the Tiber to Rome.

As the best-preserved example of an Ancient Roman monumental building, the Pantheon has been enormously influential in Western Architecture from at least the Renaissance on; starting with Brunelleschi's 42-meter dome of Santa Maria del Fiore in Florence, completed in 1436 – the first sizeable dome to be constructed in Western Europe since Late Antiquity. The style of the Pantheon can be detected in many buildings of the nineteenth and twentieth centuries; numerous city halls, universities and public libraries echo its portico-and-dome structure. Examples of notable buildings influenced by the Pantheon include: the Panthéon in Paris, the Temple in Dartrey, the British Museum Reading Room, Manchester Central Library, Thomas Jefferson's Rotunda at the University of Virginia, the Rotunda of Mosta, in Malta, Low Memorial Library at Columbia University, New York, the domed Marble Hall of Sanssouci palace in Potsdam, Germany, the State Library of Victoria, and the Supreme Court Library of Victoria, both in Melbourne, Australia, the 52-meter-tall Ottokár Prohászka Memorial Church in Székesfehérvár, Hungary, Holy Trinity Church in Karlskrona by Nicodemus Tessin the Younger, Sweden, The National Gallery of Art West Building by John Russell Pope, located in Washington, D.C, as well as the California State Capitol in Sacramento.

The present high altar and the apse were commissioned by Pope Clement XI (1700-1721) and designed by Alessandro Specchi. In the apse, a copy of a Byzantine icon of the Madonna is enshrined. The original, now in the Chapel of the Canons in the Vatican, has been dated to the 13th century, although tradition claims that it is much older. The choir was added in 1840, and was designed by Luigi Poletti.

The first niche to the right of the entrance holds a Madonna of the Girdle and St Nicholas of Bari (1686) painted by an unknown artist. The first chapel on the right, the Chapel of the Annunciation, has a fresco of the Annunication attributed to Melozzo da Forli. On the left side is a canvas by Clement Maioli of St Lawrence and St Agnes (1645-1650). On the right wall is the Incredulity of St Thomas (1633) by Pietro Paolo Bonzi.

The second niche has a 15th century fresco of the Tuscan school, depicting the Coronation of the Virgin. In the second chapel is the tomb of King Victor Emmanuel II (died 1878). It was originally dedicated to the Holy Spirit. A competition was held to decide which architect should be given the honor of designing it. Giuseppe Sacconi participated, but lost — he would later design the tomb of Umberto I in the opposite chapel. Manfredio Manfredi won the competition, and started work in 1885. The tomb consists of a large bronze plaque surmounted by a Roman eagle and the arms of the house of Savoy. The golden lamp above the tomb burns in honor of Victor Emmanuel III, who died in exile in 1947.

The third niche has a sculpture by Il Lorenzone of St Anne and the Blessed Virgin. In the third chapel is a 15th-century painting of the Umbrian school, The Madonna of Mercy between St Francis and St John the Baptist. It is also known as the Madonna of the Railing, because it originally hung in the niche on the left-hand side of the portico, where it was protected by a railing. It was moved to the Chapel of the Annunciation, and then to its present position some time after 1837. The bronze epigram commemorated Pope Clement XI's restoration of the sanctuary. On the right wall is the canvas Emperor Phocas presenting the Pantheon to Pope Boniface IV (1750) by an unknown. There are three memorial plaques in the floor, one conmmemorating a Gismonda written in the vernacular. The final niche on the right side has a statue of St. Anastasio (1725) by Bernardino Cametti.

On the first niche to the left of the entrance is an Assumption (1638) by Andrea Camassei. The first chapel on the left, is the Chapel of St Joseph in the Holy Land, and is the chapel of the Confraternity of the Virtuosi at the Pantheon. This refers to the confraternity of artists and musicians that was formed here by a 16th-century Canon of the church, Desiderio da Segni, to ensure that worship was maintained in the chapel. The first members were, among others, Antonio da Sangallo the younger, Jacopo Meneghino, Giovanni Mangone, Zuccari, Domenico Beccafumi and Flaminio Vacca. The confraternity continued to draw members from the elite of Rome's artists and architects, and among later members we find Bernini, Cortona, Algardi and many others. The institution still exists, and is now called the Academia Ponteficia di Belle Arti (The Pontifical Academy of Fine Arts), based in the palace of the Cancelleria. The altar in the chapel is covered with false marble. On the altar is a statue of St Joseph and the Holy Child by Vincenzo de Rossi. To the sides are paintings (1661) by Francesco Cozza, one of the Virtuosi: Adoration of the Shepherds on left side and Adoration of the Magi on right. The stucco relief on the left, Dream of St Joseph is by Paolo Benaglia, and the one on the right, Rest during the flight from Egypt is by Carlo Monaldi. On the vault are several 17th-century canvases, from left to right: Cumean Sibyl by Ludovico Gimignani; Moses by Francesco Rosa; Eternal Father by Giovanni Peruzzini; David by Luigi Garzi and finally Eritrean Sibyl by Giovanni Andrea Carlone.

The second niche has a statue of St Agnes, by Vincenco Felici. The bust on the left is a portrait of Baldassare Peruzzi, derived from a plaster portrait by Giovanni Duprè. The tomb of King Umberto I and his wife Margherita di Savoia is in the next chapel. The chapel was originally dedicated to St Michael the Archangel, and then to St. Thomas the Apostle. The present design is by Giuseppe Sacconi, completed after his death by his pupil Guido Cirilli. The tomb consists of a slab of alabaster mounted in gilded bronze. The frieze has allegorical representations of Generosity, by Eugenio Maccagnani, and Munificence, by Arnaldo Zocchi. The royal tombs are maintained by the National Institute of Honour Guards to the Royal Tombs, founded in 1878. They also organize picket guards at the tombs. The altar with the royal arms is by Cirilli.

The third niche holds the mortal remains — his Ossa et cineres, "Bones and ashes", as the inscription on the sarcophagus says — of the great artist Raphael. His fiancée, Maria Bibbiena is buried to the right of his sarcophagus; she died before they could marry. The sarcophagus was given by Pope Gregory XVI, and its insription reads ILLE HIC EST RAPHAEL TIMUIT QUO SOSPITE VINCI / RERUM MAGNA PARENS ET MORIENTE MORI, meaning "Here lies Raphael, by whom the mother of all things (Nature) feared to be overcome while he was living, and while he was dying, herself to die". The epigraph was written by Pietro Bembo. The present arrangement is from 1811, designed by Antonio Munoz. The bust of Raphael (1833) is by Giuseppe Fabris. The two plaques commemorate Maria Bibbiena and Annibale Carracci. Behind the tomb is the statue known as the Madonna del Sasso (Madonna of the Rock) so named because she rests one foot on a boulder. It was commissioned by Raphael and made by Lorenzetto in 1524.

In the Chapel of the Crucifixion, the Roman brick wall is visible in the niches. The wooden crucifix on the altar is from the 15th century. On the left wall is a Descent of the Holy Ghost (1790) by Pietro Labruzi. On the right side is the low relief Cardinal Consalvi presents to Pope Pius VII the five provinces restored to the Holy See (1824) made by the Danish sculptor Bertel Thorvaldsen. The bust is a portrait of Cardinal Agostino Rivarola. The final niche on this side has a statue of St. Rasius (S. Erasio) (1727) by Francesco Moderati.

Reggio Emilia - Basilica di San Prospero.

 

Wiki -"The Basilica of San Prospero is an ancient church in central Reggio Emilia, Italy.

 

A church at the site, known as San Prospero di Castello, located inside the city walls, is known prior to 997. The church and its adjacent bell tower underwent reconstructions. In 1514, the church which was in ruins, was demolished and a new design by Luca Corti and Matteo Florentino was erected by 1527. Minor chapels were added till 1543, when the basilica was reconsecrated. Major changes to the belltower were designed by Cristoforo Ricci and Giulio Romano in 1536-1570. The facade of the church had been left incomplete till it was completed in 1748-1753 using designs of Giovanni Battista Cattani. While the statues on the facade are contemporary with Cattani's design, on the dais in front of the church are placed six lions (1501), sculpted in rose-colored marble by Gaspare Bigi, and meant to be bases for columns of a portico that had been planned for the church front.

 

The interior has works of art by Giovanni Giarola, Michelangelo Anselmi, Denis Calvaert, Ludovico Carracci, and Tommaso Laureti. It has altarpieces by Alessandro Tiarini and Francesco Stringa. Sculptors whose work is in the church include Bartolomeo Spani (Tomb of Rufino Gabloneta (1527) over the entrance) and Prospero Spani (il Clemente), who sculpted a Madonna on the right transept. The presbytery has a picture cycle by Camillo Procaccini and Bernardino Campi. The apse is frescoed with a Last Judgment by Procaccini.

 

The Chapel of the Pratonero family in this church once held the painting by Correggio of the Nativity (La Notte) (1522), which now is found in the Dresden Gallery. In 1640, the painting was absconded from the chapel by the Dukes of Modena for their private collection, a sacrilege which generated a local uproar. A copy made in replacement."

Château de Chantilly (Oise) - Musée Condé - Galerie de Peintures - "Vénus endormie avec des amours" (Annibale Carracci, vers 1602-1603).

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Annibale Carraci - The Virgin in prayer

 

The Virgin in Prayer is a previously unknown, newly discovered painting by Annibale Carracci and a major addition to the corpus of one of the supreme masters of the Italian Baroque. Its beauty, delicacy and refinement make it among the loveliest and gentlest paintings of the artist’s early maturity. Prof. Daniele Benati, Nicholas Turner and Keith Christiansen have confirmed the attribution to Annibale after examining the painting in the original, and have dated it to the1580s. Benati specifically places it at 1584-1585, when Annibale introduced a more graceful style in his work that reflected his admiration for Correggio, and Christiansen dates it slightly earlier, c. 1582-1584, the moment when the style of Annibale and Ludovico Carracci's work most frequently overlaps.

 

The painting is striking and original in the intimacy and humanity of Annibale’s rendering of the mother of Christ. More than a decade before Caravaggio’s artistic debut in Rome, Annibale, his elder brother Agostino (1557-1602) and their older cousin Ludovico (1555-1619) championed an art that extolled a new naturalism and communicated deep emotions through the rigorous and unblinking observation of the world around them. Of the three, Annibale would push this naturalism – the so-called ‘Carracci Reform’ – to its farthest limits. His first mature paintings, made when he was in his early 20s, thoroughly rejected the desiccated Mannerist conventions that prevailed in Bolognese painting at the time. The Bean-Eater (Galleria Colonna, Rome), The Butcher Shop (versions in Christ’s Church, Oxford and the Kimbell Art Museum, Fort Worth), and The Boy Drinking (versions in Christ’s Church, Oxford, the Cleveland Museum of Art, and a private collection), were inspired by the low-life genre paintings of his probable teacher, Bartolommeo Passarotti. However, Annibale introduced to these humble subjects an unprecedented directness and sympathy, an intensity of naturalistic observation (born of relentless study of live models) and a keen interest in the meticulous rendering of the optical effects of light in nature. When he transposed this same bold naturalism from genre scenes to his first major religious work, the Crucifixion with Saints (1583; S. Maria della Carita, Bologna), there ensued a public scandal. The young artist’s decision to paint the central image of Christian contemplation – Christ’s sacrifice – with the rough simplicity that he had applied to the depiction of bean-eating peasants and to do so in an altarpiece destined for a public location, deeply offended the local art establishment and subjected the artist to vehement attack.

 

Furthermore, as was noted by Annibale’s biographer Carlo Cesare Malvasia, Ludovico also came in for criticism for allowing his young cousin to stray too far from the path of decorum. It may be that Ludovico subsequently decided to rein in Annibale, or that Annibale, his brother and cousin all realized that if their newly established joint enterprise, the Accademia dei Desiderosi (popularly known as the ‘Carracci Academy’, founded c. 1582) was to succeed in attracting pupils they would have to moderate their collective challenge to the established artistic orthodoxy. In any event, Annibale pulled back somewhat from the harsh naturalism of his first paintings, as Keith Christiansen has observed, introducing a sweetness and sfumato that reflected his admiration for Correggio and a brilliant, rich palette that he had discovered in the paintings of Titian and Veronese.

 

It seems likely that the greater refinement and warmth of the present Virgin at Prayer represents Annibale’s response to the attacks he endured over the Crucifixion. Its composition does not overturn the acceptable canon for depicting the Virgin, and the painting displays a respectful sense of decorum toward its subject. The Virgin, kneeling at a prie-dieu, clasps her hands in reverent contemplation of the open prayer book from which she reads. She is appropriately beautiful, reticent and full of humility, and the dry, chalky paint, the poetry of light enveloping her figure, the delicacy and tenderness of feeling conveyed by the fleet brushwork all signal that The Virgin at Prayer comes soon after Annibale visited Venice and discovered Titian; that is, around 1582/5, when the three Carracci embarked on the collective frieze decorations for the Palazzo Fava. The painting is in a beautiful state of preservation, enabling the viewer to fully appreciate the presence of the artist’s variety of touch and dexterity of brushwork, inspired by Titian, and the wide range of paint textures, iridescent glazes and dense white impasto in the veil and pages of the open book. The composition of The Virgin at Prayer is close to that of the Madonna from the Martello Collection in Florence (see D. Benati in M. Boskovits, ed., The Martello Collection, Further Paintings, drawings and Miniatures, 13th-18th Century, Florence, 1992, p. 116, cat. 42), although that painting is slightly earlier in date and displays the rougher manner of the Crucifixion of 1583.

 

The present painting bears marked similarities, however, to the larger, ambitious Annunciation, another recent rediscovery of a major, previously unknown work by Annibale, which was sold in these rooms (fig. 1); indeed the disposition of the Virgin, kneeling in prayer with the downward cast of her head, is remarkably close to the Virgin of The Annunciation, as is the chalky paint handling and slightly otherworldly illumination. To a greater degree than is found in The Annunciation, the prominently arched eyebrows and rounded eyelids of the Virgin in the present painting reflect the idealized physiognomic types found in Correggio’s early ‘Leonardesque’ Madonnas, seen through the lens of Ludovico Carracci and Federico Barocci; Annibale employs a similar facial type for the Virgin in his Holy Family in the Egerton Collection, Taton Park (fig. 2). Indeed, the parallels in physiognomies and handling establish beyond doubt that all three paintings were executed in quick succession, almost certainly not later than 1585.

 

Nothing is known of the painting’s earliest history, but it is first recorded in the mid-19th century hanging in the Palazzo Gnudi Scagliarini, a 16th-century Renaissance palace at 77, via Riva Reno in Bologna that was much altered and enlarged over the subsequent centuries.

 

Our thanks to Prof. Daniele Benati, Nicholas Turner and Keith Christiansen for examining the painting in person and confirming its attribution to Annibale Carracci.

 

www.christies.com/lotfinder/Lot/annibale-carracci-bologna...

Lavinia Fontana - Allegory of Prudence [~1590s] (Urania, Muse of Astronomy or Allegory of Geometry or Symmetry)

Monaco, Maison d'Art

 

The authorship and subject of this painting – examined at first hand by the present writer – have been the object of intense discussion between Michele Danieli, Angela Ghirardi, Vera Fortunati and myself, and there is total agreement on its excellent quality and great interest, as well as on its generally very good condition.

 

Our unanimous opinion is that it was painted by Lavinia Fontana, one of the rare women painters active in Italy during the second half of the sixteenth century and early years of the seventeenth.

The attribution to Lavinia is based above all on stylistic components: the quality and material consistence of the veils and materials, a calculated taste for carefully-considered forms, balanced by painstaking attention to decorative elements, and the inclusion of typical elements from her repertoire, such as the little dog at lower right.

 

Meanwhile the idea behind the composition and subject – here enriched with meaning, evidently through a request from the patron – derive from examples treated earlier on by Lorenzo Sabatini (Bologna, circa 1530 - Rome, 1576), the official painter of Pope Gregory XIII, and by his Flemish pupil Denys Calvaert (Antwerp, circa 1540 - Bologna, 1619), who was already active in the Emilian capital in the 1560s.

 

In particular, there exist two steps that lead us to the beautiful picture here assigned to Lavinia: the so-called Allegory of Geometry or Symmetry in the Galleria Sabauda, Turin, a sizeable canvas of 167 x 140 cm, formerly attributed to Francesco Salviati and correctly given by Jürgen Winkelmann (“Lorenzo Sabatini detto Lorenzino da Bologna”, in V. Fortunati Pietrantonio, ed., Pittura bolognese del ’500, Bologna 1986, II, p. 601) to Sabatini, with a dating to the mid-1560s; and a drawing by Calvaert, iconographically closer to our painting, and now in the Museum of Fine Arts in Budapest (inv. no. K.66.25), finely catalogued by Andrea Czére (Disegni di artisti bolognesi nel Museo delle Belle Arti di Budapest, exh. cat., Bologna 1989, pp. 18-19, no. 5, illus.) with the title La Simmetria and a slightly later dating.

 

It should be said, however, that Winkelmann also knew a “probably autograph” replica of the Turin canvas with “nearly identical dimensions” that was on the art market in Milan in 1975; and that Czére refers to the 1797 catalogue of the Praun collection by Christoph Gottlieb von Murr (Description du Cabinet de Monsieur Paul de Praun a Nuremberg, Nürnberg 1797), who lists a picture of small dimensions by Calvaert entitled Simmetria and describes the sheet in Budapest as a preparatory study for this work.

 

Furthermore, Czére adds that both the painting and drawing by the Flemish painter presumably passed “together and directly from the artist to Praun, who lived in Bologna between 1600 and 1616 and formed a friendship with Calvaert” (on the drawing and painting by Calvaert in the Praun collection, see also K. Achilles-Syndram, Kunst des Sammelns. Das Praunsche Kabinett. Meisterwerke von Dürer bis Carracci, Nürnberg 1994, p. 238). Finally, we should be aware – as Angela Ghirardi kindly informs me – that Paulus Praun was also a patron of Lavinia Fontana.

 

While all trace has been lost of Calvaert’s painting, it appears very likely – as we can infer from the drawing in Budapest – that Lavinia’s initial source for the canvas presented here was that very work. Indeed, under the surface of her style, at once more firmly defined and containing delightful artifice, the mark made by the Flemish artist remains practically intact.

 

If this is the case then our painting should be dated to about 1590. It was at this point – with Bologna now widely embracing the naturalism of the Carracci – that Calvaert had become an entirely established painter. He firmly believed in the tenets of those who, like Lavinia, still cultivated a late Mannerist style that quite frankly addressed itself to a taste that was aristocratic, sophisticated, and international. This is how we should read not only the subtly artificial play of the images reflected in the mirrors, but also the wealth of symbolic elements – the globe, the compass (and a pentiment that also involves the hand) the dog, the jewels and the mirrors themselves, especially the one with a snake coiling itself around it, held by the almost entirely nude female figure.

 

It is this superabundance of symbolism that makes it challenging to assign a precise title to the painting, although it could perhaps be read as an “Allegory of Prudence” (mirror and snake) determining the measure of amorous pursuit. The personification of Venus – goddess of love who governs the world (hence the globe) and female beauty incarnate – is shown measuring the distance, or seeking a middle point and balanced proportion, between the sensual vanity of earthly pleasures (the rectangular mirror and jewellery, to which she turns her back) and fidelity to the conjugal bed, represented by the little dog who watches her.

 

Alessandro Zacchi

 

Source:

www.oldmasters.com/document300.html?lang=fr

  

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Portuguese

A Piazza del Popolo (em italino), que em português se traduz para Praça do Povo é uma das célebres praças de Roma.

A praça e a sua porta constituem um óptimo exemplo de "estratificação" arquitectónica, um fenómeno consumado na Cidade Eterna, fruto das várias intervenções por parte dos pontifícios que comportavam modificações e reelaborações dos trabalhos edificadores e viários.

A igreja de Santa Maria del Popolo, ao lado da porta, foi erigida no século XI no local onde Nero morreu e foi sepultado, sendo mais tarde reconstruída por sob o papado de Sisto IV, por Baccio Pontelli e Andrea Bregno, entre 1472 e 1477, que lhe imprimiram um aspecto maioritariamente renascentista. Entre 1655 e 1660, o Papa Alexandre VII devidiu restaurar a igreja, dando-lhe um aspecto brioso; para isso encarregou Giano Lorenzo Bernini, que restauraria novamente a igreja, desta vez imprimindo-lhe uma expressão barroca que permaneceu até hoje. A igreja acolhe obras artísticas de grande relevo: de Caravaggio, a Conversão de São Paulo e a Crucificação de São Pedro, bem como vários afrescos de Pinturicchio, A Assunção de Annibale Carracci; no campo da arquitectura, está patente a marca de Rafael Sanzio e de Bramante, e algumas esculturas de Andrea Bregno e de Gian Lorenzo Bernini, como o magnífico órgão sobre dois anjos em bronze.

Entre 1562 e 1565, Nanni di Baccio Bigio, encarregado pelo Papa Pio IV (Médici), opera sobre a fachada externa da Porta del Popolo. Sucessivamente, em 1655, o Papa Alexandre VII encarrega Gian Lorenzo Bernini dos trabalhos de remodelação da fachada interna.

Em 1573, o Papa Gregório XIII coloca no centro da praça uma fonte de Giacomo della Porta, uma das dezoito novas fontes projectadas após o restauro do aqueduto Vergine. Em 1589 o Sisto V adorna a praça com um grande obelisco, o obelisco Flaminio de 24 metros, construído no templo dos faraós Ramsés II e Mineptah (1232-1220 a.C.), levado para Roma por Augusto e anteriormente colocado no Circo Máximo. Domenico Fontana colocou a fonte de della Porta no início da Via del Corso.

As duas igrejas gémeas, como são chamadas Santa Maria in Montesanto (1675) e Santa Maria dei Miracoli ou dos Milagres (1678) por serem simétricas, foram construídas segundo o desejo do Papa Alexandre VII, embora os trabalhos terminassem apenas após o final do Papado (1667), renovando profundamente o aspecto da praça e constituindo os dois pólos do Tridente, formado pela Via del Corso, Via dela Babuino e Via Ripetta. Os dois edifícios foram iniciados por Carlo Rainaldi e comlpetados por Bernini, com a colaboração de Carlo Fontana.

A forma da praça assumiria a configuração actual apenas nos finais do século XVIII. Anteriormente era uma modesta praça de forma trapezoidal, alargando-se em direcção ao Tridente. Com efeito, à época das ocupação napoleónica o aspecto arquitectónico e urbanístico da praça seria revisto por Giuseppe Valadier, autor da última transformação da praça. Graças à sua intervenção, a praça assumiu uma forma elíptica, na parte central, conjugada com uma dupla exedra, e decorada com numerosas fontes e estátuas, que se estendem em direcção ao rio Tibre. Em 1818, Valadier remove a velha fonte de Giacomo della Porta que, sob o pontificado do Papa Leão XII (1822-1829) seria substituída por uma nova expressão arquitectónica com quatro leões em mármore que deitavam água em quatro vasos. Valadier continuaria a sua obre de restauração, também na zona dos pendentes de Pincio, relacionando a Piazza del Popolo e as sete colinas, terminando em 1834.

Entre 1878 e o ano seguinte são adicionadas as duas torres laterais que serivam para fortificar a porta.

Depois da brecha na Porta Pia, foi construída uma nova estrada de acesso à praça. A última intervenção estrutural relevante ocorreu na época fascista, em 1936, com a inauguração do novo aqueduto Vergine.

Actualmente, a Piazza del Popolo é uma ampla zona pedonal e local de eventos públicos, nomeadamente grandes manifestações, importantes para a cidade.

 

English

Piazza del Popolo is a large urban square in Rome. The name in modern Italian literally means "People's Square", but historically it derives from the poplars (populus in Latin, pioppo in Italian) after which the church of Santa Maria del Popolo, in the northeast corner of the piazza, takes its name.

The piazza lies inside the northern gate in the Aurelian Walls, once the Porta Flaminia of ancient Rome, and now called the Porta del Popolo. This was the starting point of the Via Flaminia, the road to Ariminum (modern day Rimini) and the most important route to the north. At the same time, before the age of railroads, it was the traveller's first view of Rome upon arrival. For centuries, the Piazza del Popolo was a place for public executions, the last of which took place in 1826.

An Egyptian obelisk of Ramesses II from Heliopolis stands in the centre of the Piazza.

The entrance of the Tridente from Piazza del Popolo, defined by the "twin" churches of Santa Maria in Montesanto (left, built 1662-75) and Santa Maria dei Miracoli (right, built 1675-79). The Via del Corso exits between the two churches.

One side of the Fontana dell'Obelisco.

The layout of the piazza today was designed in neoclassical style between 1811 and 1822 by the architect Giuseppe Valadier, He removed a modest fountain by Giacomo Della Porta, erected in 1572, and demolished some insignificant buildings and haphazard high screening walls to form two semicircles, reminiscent of Bernini's plan for St. Peter's Square, replacing the original cramped trapezoidal square centred on the Via Flaminia.

Valadier's Piazza del Popolo, however, incorporated the verdure of trees as an essential element; he conceived his space in a third dimension, expressed in the building of the viale that leads up to the balustraded overlook from the Pincio (above, right).

An Egyptian obelisk of Sety I (later erected by Rameses II) from Heliopolis stands in the centre of the Piazza. Three sides of the obelisk were carved during the reign of Sety I and the fourth side, under Rameses II. The obelisk, known as the obelisco Flaminio or the Popolo Obelisk, is the second oldest and one of the tallest obelisks in Rome (some 24 m high, or 36 m including its plinth). The obelisk was brought to Rome in 10 BC by order of Augustus and originally set up in the Circus Maximus. It was re-erected here in the piazza by the architect-engineer Domenico Fontana in 1589 as part of the urban plan of Sixtus V. The piazza also formerly contained a central fountain, which was moved to the Piazza Nicosia in 1818, when fountains, in the form of Egyptian-style lions, were added around the base of the obelisk.

Looking from the north (illustration, right), three streets branch out from the piazza into the city, forming the so-called "trident" (il Tridente): the Via del Corso in the centre; the Via del Babuino to the left (opened in 1525 as the Via Paolina) and the Via di Ripetta (opened by Leo X in 1518 as the Via Leonina) to the right. The twin churches (the chiese gemelle) of Santa Maria dei Miracoli (1681) and Santa Maria in Montesanto (1679), begun by Carlo Rainaldi and completed by Bernini and Carlo Fontana, define the junctions of the roads. Close scrutiny of the twin churches reveals that they are not mere copies of one another, as they would have been in a Neoclassical project, but vary in their details, offering variety within their symmetrical balance in Baroque fashion.

The central street, now known as the Via del Corso, was the ancient Via Lata and to the north it links with the ancient Roman road, the Via Flaminia,beyond the city gate and southwards, to the Piazza Venezia (formerly the Piazza San Marco), the Capitol and the forum. The Via di Ripetta leads past the Mausoleum of Augustus to the River Tiber, where the Baroque riverside landing called the Porto di Ripetta was located until it was destroyed in the late nineteenth century. The Via del Babuino ("Baboon"), linking to Piazza di Spagna, takes its name from a grotesque sculpture of Silenus that gained the popular name of "the Baboon".

To the north of the piazza stands the Porta del Popolo, beyond which lies the Piazzale Flaminio and the start of the Via Flaminia. The gateway was reworked to give its current appearance by Bernini for Pope Alexander VII in 1655, to welcome Queen Christina of Sweden to Rome following her conversion to Roman Catholicism and her abdication.[4] Opposite Santa Maria del Popolo stands a Carabinieri station, with a dome reflecting that of the church.

Fontana del Nettuno.

In his urbanistic project, Valadier constructed the matching palazzi that provide a frame for the scenography of the twin churches and hold down two corners of his composition. He positioned a third palazzo to face these and matched a low structure screening the flank of Santa Maria del Popolo, with its fine Early Renaissance façade, together holding down the two northern corners. Valadier outlined this newly-defined oval forecourt to the city of Rome with identical sweeps of wall, forming curving exedra-like spaces. Behind the western one, a screen of trees masks the unassorted fronts of buildings beyond.

Fountains

The aqueduct carrying the Acqua Vergine Nuovo was completed in the 1820s, and its water provided the opportunity for fountains and their basins that offered the usual public water supply for the rioneor urban district. Ever since the Renaissance such terminal fountains also provided an occasion for the grand terminal water show called in Rome a mostra or a show. "What makes a fountain a mostra is not essentially its size or splendor, but its specific designation as the fountain that is a public memorial to the whole achievement of the aqueduct." Valadier had planned fountains in the upper tier of the Pincio slope, but these were not carried out, in part for lack of water.

Fountains by Giovanni Ceccarini (1822–23), with matching compositions of a central figure flanked by two attendant figures, stand on each side of the piazza to the east and west, flanked by neoclassical statues of The Seasons (1828). The Fontana del Nettuno (Fountain of Neptune) stands on the west side, Neptune with his trident is accompanied by two dolphins. Rome between the Tiber and the Aniene on the east side, against the steep slope of the Pincio, represents the terminal mostra of the aqueduct. Dea Roma armed with lance and helmet, and in front is the she-wolf feeding Romulus and Remus.

At the center of the piazza is the Fontana dell' Obelisco: a group of four mini fountains, each comprising a lion on a stepped plinth, surround the obelisk.

 

Wikipedia

[Una versión más legible se encontrará en la entrada correspondiente del blog, cuyo enlace se señala a continuación]

 

enriqueviolanevado.blogspot.com/2022/02/estadisticas-de-l...

 

El actual modelo de examen de Historia del Arte en Andalucía se remonta al curso 2016-2017. En aquel entonces se realizaron los siguientes cambios:

 

- La clasificación y comentario de las obras de arte fueron sustituidas por un breve cuestionario [«pregunta semiabierta»] sobre la misma.

 

- El sistema de calificación se alteró. De valorar hasta 2,5 cada ejercicio, las preguntas de teoría ascendieron a tres puntos y las prácticas (las obras de artes) perdieron la equivalencia y se quedaron en dos puntos.

 

- El temario también sufrió alteraciones. Fueron eliminados los temas de arte prehistórico, arte egipcio y arte mudéjar. Se agregó en cambio, el arte de la segunda mitad del siglo XX. Señalar que el arte mudéjar nunca había sido escogido para figurar en los exámenes, ya fuera como pregunta o como obra de arte para clasificar y comentar.

 

- Las dos opciones del examen cambiaron también sus ámbitos. La opción «A» se extiende ahora desde el arte griego hasta Goya y la opción «B» abarca desde el arte románico hasta el arte de la segunda mitad del siglo XX.

 

Para el curso 2019-2020 la estructura de cuatro preguntas teóricas y cuatro imágenes con cuestionario se mantuvo, pero el examen solo tenía una opción y el estudiante podía escoger las preguntas de desarrollo y las preguntas de cuestiones que considerase más oportuno, siempre que redacte dos de las primeras y dos de la segunda. Esta disposición, que no altera en lo sustancial el examen, persistió durante el curso 2020-2021 y se mantendrá también para el presente curso 2021-2022. Como puede suponerse esta reforma, que facilita enormemente la resolución del examen, es una concesión debida a la pandemia y a sus nefastos efectos en la formación de los alumnos.

 

Desde el curso 2001 se han producido varias transformaciones en la estructura de la prueba y sus exigencias, pero ninguna tan radical como la que analizamos. De hecho, debe contemplarse no como una reforma, sino como un modelo nuevo. Las estadísticas de sus contenidos, deben comenzar, obviamente, desde cero.

 

En el curso 2016-2017, en el que el nuevo modelo inicio su andadura, se aseguró en las reuniones de la Ponencia que en las pruebas de ese año no aparecerían preguntas u obras de arte que no hubieran sido escogidas anteriormente. Y así fue. Pero se recalcó que aquella norma no se iba a observar en años posteriores y, efectivamente, en el curso 2017-2018 se detectaron algunas novedades. En los dos años académicos siguientes esas novedades han ido a más. De hecho, es ya una evidencia que pueden ser escogidas obras inéditas en el repertorio 2001-2016 y que han dejado de existir restricciones para escoger el arte de la segunda mitad del siglo XX tanto en la parte teórica como en la práctica.

 

Redactada ya la introducción, vamos a exponer el método con el que hemos realizado nuestros cálculos:

 

- Consideramos como séptima propuesta el ejemplo o modelo de prueba con el que se ha enseñado la adaptación que iba a realizarse. Ciertamente no es un examen, pero bien puede servir como tal. Por lo demás, no existe mucha diferencia entre una propuesta de reserva que se queda en el limbo y un modelo de prueba. Señalemos que en el caso de Historia de Arte en ambos ejemplos (el de 2017 y el de 2020) aparecen preguntas e imágenes que no se recogen en las pruebas definitivas.

 

- Denominamos «imágenes» a la obra de arte con cuestionario, pregunta semiabierta o ejercicio práctico. De esta forma evitamos repeticiones innecesarias.

 

- Consideramos como obras de arte u imágenes distintas los siguientes casos:

 

a) El interior y el exterior de un mismo edificio.

 

b) Una vista del exterior de un edificio y un detalle de su fachada.

 

c) La fachada o portada de un edificio y un detalle de su frontón o tímpano.

 

d) Distintos fragmentos de un friso.

 

e) Un tríptico o políptico y la reproducción de una de sus tablas.

 

f) Diferentes versiones elaboradas por el pintor de un mismo cuadro.

 

Vaya por delante que esta casuística que se ha ido documentando en el repertorio antiguo (2001-2016) todavía no ha necesitado aplicarse en el repertorio nuevo.

 

- Respecto a las preguntas, debe tenerse en cuenta que las cuestiones aparecen con notables variantes entre unas pruebas y otras. Cuando estas variaciones implican cambios en el contenido las hemos recogido como preguntas distintas. Estos cambios oscilan entre que la cuestión aparezca bien con todos sus contenidos o bien con una reducción de los mismos.

 

En principio, y por la misma regla de tres, se podrían fusionar dos preguntas distintas para comprobar la capacidad de síntesis de los alumnos. En el examen junio de 2013 se optó por esta mixtura y fue tal el desastre que la Ponencia se ha comprometido (verbalmente) a no volverla a emplear.

 

El número de preguntas del temario asciende a cuarenta y seis. Algunas de ellas han aparecido en los exámenes siempre fragmentadas (en especial las de renacimiento italiano que abarcan las tres nobles artes). Otras llevan desde 2001 sin conseguir ni siquiera una elección para las propuestas (en especial las introductorias de cada examen).

 

- Nuestras estadísticas procuran ser exhaustivas sobre los contenidos de las propuestas y modelos de pruebas del período 2017-2021. Deben valorarse, pues, como repertorios de pruebas pasadas, no como prospectivas de exámenes del futuro. Efectivamente, de su lectura pueden extraerse tendencias y líneas generales, pero siempre van a existir sorpresas en cada propuesta. Esta entrada debe servir más para la planificación del curso que para preparar la selectividad.

 

Pasando ya a las cifras, cinco juegos de exámenes con seis propuestas distintas (2017, 2018, 2019, 2020 y 2021), más dos modelos de pruebas (2017 y 2020) cada uno de ellos con cuatro preguntas y cuatro imágenes, suponen 128 cuestiones teóricas y otras tantas reproducciones de obras de arte. Una vez identificadas se reducen a 42 preguntas (contando como distintas las fraccionadas) y 61 imágenes.

 

Obviamente, muchas preguntas e imágenes se repiten. De hecho las reiteraciones se producen incluso dentro de un mismo juego de exámenes. Esta práctica es un despropósito, pues los mismos contenidos pueden ser elegidos para la prueba ordinaria y la extraordinaria. Creemos que la Ponencia debería valorar todo el temario y todo el repertorio de obras de arte por igual, pero, desde luego, no va por ese camino.

 

En las propuestas y modelo de prueba de 2017, obviamente todos los contenidos deben considerarse como nuevos. En las demás se van sumando novedades. De esta forma en 2017 las imágenes ascendieron a 25 (28 si se añaden las repeticiones), en 2018 se contabilizaron 11 novedades y otras once inéditas en 2019. En 2020 la cifra resultó sorprendentemente escuálida: únicamente 4. Respecto a las preguntas, en 2017 fueron 21 (debieran ser 28 contando las reiteradas), en 2018 se añadieron 5, al año siguiente se contaron 6 nuevas y en 2020 las incorporaciones ascendieron a 4. El ritmo descendente de las novedades parecía revelar que se iba creando un repertorio de contenidos que tiende a mantenerse en las sucesivas pruebas. No obstante 2021 sorprendió con 6 aportaciones en las preguntas y 9 en las obras de arte.

 

El repertorio de imágenes de las propuestas de examen (y modelos de pruebas) de Historia del Arte desde 2017 a 2021 ordenados por estilo es el siguiente:

 

1. Exterior del Partenón, obra de Ictino, Calícrates y Fidias.

 

2. Teatro de Epidauro de Policleto el Joven.

 

3. El Kuros de Anávisos.

 

4. El Doríforo de Policleto.

 

5. El Hermes con Dionisos niño de Praxíteles.

 

6. El Apoxiómenos de Lisipo.

 

7. La Victoria de Samotracia.

 

8. La Maisón Carrée de Nimes.

 

9. El Augusto de Prima Porta.

 

10. Mosaico de Justiniano de San Vital de Rávena.

 

11. Interior de la mezquita-catedral de Córdoba.

 

12. El Patio de Comares o de los Arrayanes de la Alhambra.

 

13. El Patio de los Leones de la Alhambra.

 

14. El Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela del Maestro Mateo.

 

15. El Pantocrátor de San Clemente de Tahull.

 

16. Fachada de la Catedral de Reims.

 

17. La Sainte Chapelle de París.

 

18. El Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck.

 

19. La Catedral de Florencia.

 

20. Cúpula de la catedral de Florencia de Brunelleschi.

 

21. El Condottiero Gattamelata de Donatello.

 

22. El Templete de San Pietro in Montorio de Brunelleschi.

 

23. La Villa Rotonda o Villa Capra de Palladio.

 

24. La Piedad del Vaticano de Miguel Ángel.

 

25. El David de Miguel Ángel.

 

26. El Moisés de Miguel Ángel.

 

27. La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci.

 

28. La Escuela de Atenas de Rafael.

 

29. Carlos V en la Batalla de Mühlberg de Tiziano.

 

30. El Palacio de Carlos V en Granada.

 

31. El Martirio de la Legión Tebana del Greco.

 

32. Apolo y Dafne de Bernini.

 

33. Interior de San Carlo alle Quattro Fontane de Borromini.

 

34. El David de Gian Lorenzo Bernini.

 

35. El éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini.

 

36. Las tres Gracias de Rubens.

 

37. La Lección de Anatomía del Doctor Nicolaes Pulp de Rembrandt.

 

38. La Inmaculada del Facistol de Alonso Cano.

 

39. El Aguador de Sevilla de Velázquez.

 

40. Las Meninas de Velázquez.

 

41. Las Hilanderas de Velázquez.

 

42. La Sagrada Familia del Pajarito de Murillo.

 

43. La Inmaculada de los Venerables de Murillo.

 

44. El Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David.

 

45. La muerte de Marat de Jacques-Louis David.

 

46. El Quitasol de Goya.

 

47. La familia de Carlos IV de Goya.

 

48. El dos de mayo de 1808 en Madrid de Francisco de Goya

 

49. Los Fusilamientos del tres de mayo de Goya.

 

50. La Basílica de la Sagrada Familia de Gaudí.

 

51. Baile en el Moulin de la Galette de Renoir.

 

52. La visión tras el sermón de Gauguin.

 

53. La Noche Estrellada de Vincent van Gogh.

 

54. El Profeta de Pablo Gargallo.

 

55. La Villa Saboya de Le Corbusier.

 

56. La Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright.

 

57. Las señoritas de Avignon de Picasso.

 

58. El Guernica de Picasso.

 

59. El Museo Gunggenheim de Bilbao de Frank O. Gehry.

 

60. Marilyn Monroe de Andy Warhol.

 

61. Gran Vía de Madrid de Antonio López.

 

Este listado puede emplearse como un repertorio básico para el alumno. Puede empezar a estudiar por él y puede repasarlo en la víspera del examen de selectividad. El profesor, en cambio, debe recurrir a un corpus mucho más amplio para instruir al alumno a lo largo del curso.

 

Este corpus o canon debiera incluir todas las imágenes de las propuestas de examen desde el curso 2000-2001. No figuran las obras de arte correspondientes a la Prehistoria y al Antiguo Egipto por haberse eliminado esos temas del programa de la asignatura a partir del curso 2016-2017. El arte mudéjar también fue excluido en aquella misma reforma, pero ningún monumento de este estilo llega a ser escogido para las pruebas de la selectividad andaluza, como ya hemos indicado. Se documentan así unas 154 obras, número sostenible con un desarrollo correcto del programa de la asignatura:

 

1. Exterior del Partenón, obra de Ictino, Calícrates y Fidias.

 

2. Fachada del Partenón, obra de Ictino, Calícrates y Fidias.

 

3. Teatro de Epidauro de Policleto el Joven.

 

4. El Kuros de Anávisos.

 

5. El Doríforo de Policleto.

 

6. El Diadúmeno de Policleto.

 

7. Fragmento del frontón oriental del Partenón con Hestia, Dione y Afrodita, obra de Fidias.

 

8. Fragmento del Friso de las Panateas con las figuras de las Ergastinas, obra de Fidias.

 

9. El Hermes con Dionisos niño de Praxíteles.

 

10. El Apoxiómenos de Lisipo.

 

11. La Victoria de Samotracia.

 

12. Laocoonte y sus hijos, obra de Agesandro, Polidoro y Atenodoro.

 

13. La Maisón Carrée de Nimes.

 

14. Interior del Panteón de Agripa.

 

15. Teatro romano de Mérida.

 

16. El Coliseo.

 

17. El anfiteatro de Itálica.

 

18. El acueducto de los Milagros de Mérida.

 

19. El Arco de Constantino.

 

20. El Augusto de Prima Porta.

 

21. La escultura ecuestre de Marco Aurelio.

 

22. Detalle del friso del Ara Pacis: Los senadores.

 

23. Detalle del friso del Ara Pacis: La familia imperial.

 

24. Interior de la iglesia de Santa Sabina de Roma.

 

25. Interior de Santa Sofía de Constantinopla de Isidoro de Mileto y Antemio de Tralles.

 

26. Mosaico del emperador Justiniano y su séquito de San Vital de Rávena.

 

27. Mosaico de la emperatriz Teodora y su cortejo de San Vital de Rávena.

 

28. Interior de la mezquita-catedral de Córdoba.

 

29. Macsura y mihrab de la mezquita-catedral de Córdoba.

 

30. Lucernario del mihrab de la Mezquita de Córdoba.

 

31. La Giralda.

 

32. La Torre del Oro.

 

33. El Patio de Comares o de los Arrayanes de la Alhambra.

 

34. El Patio de los Leones de la Alhambra.

 

35. Planta de la catedral de Santiago de Compostela.

 

36. Claustro de Santo Domingo de Silos.

 

37. Portada de la iglesia abacial de Moissac.

 

38. Tímpano de la portada de iglesia abacial de Moissac.

 

39. El Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela del Maestro Mateo.

 

40. El Pantocrátor de San Clemente de Tahull.

 

41. Maiestas Mariae de Santa María de Tahull.

 

42. Estructura de una catedral gótica clásica.

 

43. Exterior de la Catedral de Notre Dame, París.

 

44. Interior de la Catedral de Reims.

 

45. Fachada de la Catedral de Reims.

 

46. Interior de la Sainte Chapelle de París.

 

47. Exterior de la Catedral de León.

 

48. El Palazzo Pubblico o Palacio Comunal de Siena.

 

49. El tríptico de la Anunciación de Simone Martini y Lippo Memmi.

 

50. Tabla de la Anunciación de Simone Martini (detalle del tríptico).

 

51. El Políptico del Cordero Místico de Hubert y Jan van Eyck.

 

52. Tabla de la Adoración del Cordero Místico de Hubert y Jan van Eyck (detalle del políptico).

 

53. El Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck.

 

54. La Catedral de Florencia de Arnolfo di Cambio y Filippo Brunelleschi.

 

55. Exterior de la cúpula de la catedral de Florencia de Filippo Brunelleschi.

 

56. Fachada de San Andrés de Mantua de Alberti.

 

57. El Condottiero Gattamelata de Donatello.

 

58. La Anunciación (Museo del Prado) de Fra Angélico.

 

59. La Trinidad de Massaccio.

 

60. La Primavera de Botticelli.

 

61. El Nacimiento de Venus de Botticelli.

 

62. El Templete de San Pietro in Montorio de Brunelleschi.

 

63. Las escaleras de la Biblioteca Laurenziana de Miguel Ángel (Florencia).

 

64. La Villa Capra o Rotonda de Andrea Palladio.

 

65. La Piedad del Vaticano de Miguel Ángel.

 

66. El David de Miguel Ángel.

 

67. El Moisés de Miguel Ángel.

 

68. La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci.

 

69. La Gioconda o Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

 

70. La Escuela de Atenas de Rafael.

 

71. La Bacanal de los Andrios de Tiziano.

 

72. Carlos V en la Batalla de Mühlberg de Tiziano.

 

73. Patio del Palacio de Carlos V en Granada de Pedro Machuca.

 

74. Monasterio de San Lorenzo de El Escorial de Juan de Herrera.

 

75. El sacrificio de Isaac de Alonso de Berruguete.

 

76. El Expolio de Cristo del Greco.

 

77. El Martirio de la Legión Tebana del Greco.

 

78. El Entierro del Señor de Orgaz del Greco.

 

79. El Baldaquino de la basílica de San Pedro del Vaticano de Gian Lorenzo Bernini.

 

80. Plaza de San Pedro del Vaticano de Gian Lorenzo Bernini.

 

81. Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane de Borromini.

 

82. Interior de San Carlo alle Quattro Fontane de Borromini.

 

83. Exterior del palacio de Versalles de Louis le Vau, François d'Orbay y Jules Hardouin-Mansart

 

84. El David de Gian Lorenzo Bernini.

 

85. Apolo y Dafne de Gian Lorenzo Bernini.

 

86. El éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini.

 

87. La Vocación de San Mateo de Caravaggio.

 

88. La Cena de Emaús (Versión de la National Gallery) de Caravaggio.

 

89. Las tres Gracias de Rubens.

 

90. La Lección de Anatomía del Doctor Nicolaes Pulp de Rembrandt.

 

91. La Ronda de Noche de Rembrandt,

 

92. Fachada principal de la catedral de Murcia de Jaime Bort.

 

93. Cristo yacente (Museo del Prado) de Gregorio Fernández.

 

94. El Cristo de la Clemencia de Juan Martínez Montañés.

 

95. La Inmaculada ‘La Cieguecita’ de Juan Martínez Montañés.

 

96. Jesús del Gran Poder de Juan de Mesa.

 

97. La Inmaculada del Facistol de Alonso Cano.

 

98. El Paso de la Oración en el Huerto de Francisco Salzillo.

 

99. El martirio de San Felipe de Ribera.

 

100. San Hugo en el refectorio de los Cartujos de Zurbarán.

 

101. Vieja friendo huevos de Velázquez.

 

102. El Aguador de Sevilla de Velázquez.

 

103. La fragua de Vulcano de Velázquez.

 

104. Las lanzas o la Rendición de Breda de Velázquez.

 

105. El Papa Inocencio X de Velázquez.

 

106. Las Meninas o la Familia de Felipe IV de Velázquez.

 

107. La Fábula de Aracné o las Hilanderas de Velázquez.

 

108. Niño espulgándose de Murillo.

 

109. La Sagrada Familia del Pajarito de Murillo.

 

110. Niños comiendo pastel de Murillo.

 

111. La Inmaculada de los Venerables de Murillo.

 

112. Fachada del Museo del Prado de Juan de Villanueva.

 

113. El Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David.

 

114. La muerte de Marat de Jacques-Louis David.

 

115. El Quitasol de Goya.

 

116. La maja desnuda de Goya.

 

117. La familia de Carlos IV de Goya.

 

118. El dos de mayo de 1808 en Madrid de Francisco de Goya.

 

119. Los Fusilamientos del tres de mayo de Goya.

 

120. El 28 de Julio - La libertad guiando al pueblo de Delacroix.

 

121. La Torre Eiffel.

 

122. La fachada de la Casa Mila o la Pedrera de Gaudí.

 

123. La Basílica de la Sagrada Familia de Gaudí.

 

124. Impresión, sol naciente de Monet.

 

125. La Catedral de Ruán, el portal a pleno sol de Monet.

 

126. Baile en el Moulin de la Galette de Renoir.

 

127. La Clase de Danza (1871, Metropolitan Museum) de Degas.

 

128. El pensador de Rodin.

 

129. El beso de Rodin.

 

130. Los burgueses de Calais de Rodin.

 

131. Monumento a Balzac de Rodin.

 

132. Los jugadores de cartas (Museo de Orsay) de Cezanne.

 

133. La Montaña Santa Victoria desde la carretera de Tholonet (Hermitage) de Cezanne.

 

134. La visión tras el sermón o la Lucha de Jacob con el Ángel de Paul Gauguin.

 

135. Los Girasoles (Versión de la Neue Pinakothek de Múnich) de Vincent van Gogh.

 

136. El café de noche de Vincent van Gogh.

 

137. El dormitorio del pintor en Arlés (Versión del Museo de Orsay) de Vincent van Gogh.

 

138. La Noche Estrellada de Vincent van Gogh.

 

139. La iglesia de Auvers-sur-Oise de Vicent van Gogh.

 

140. El Profeta de Pablo Gargallo.

 

141. La Villa Saboya de Le Corbusier.

 

142. Capilla de Notre-Dame du Haut de Le Corbusier.

 

143. La Casa Kaufmann o Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright.

 

144. Exterior del Museo Guggenheim de Nueva York de Frank Lloyd Wright.

 

145. Interior del Museo Guggenheim de Nueva York de Frank Lloyd Wright.

 

146. Madame Mattise - La raya verde de Henri Matisse.

 

147. La Danza (versión del Hermitage) de Henri Matisse.

 

148. Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso.

 

149. Naturaleza muerta con asiento de rejilla de Pablo Picasso.

 

150. El Guernica de Pablo Picasso.

 

151. La persistencia de la memoria – Los relojes blandos de Salvador Dalí.

 

152. El Museo Gunggenheim de Bilbao de Frank O. Gehry.

 

153. Marilyn Monroe de Andy Warhol.

 

154. Gran Vía de Madrid de Antonio López.

 

Como la publicación de las pruebas de 2001 y de las 2002 no incluyó todas las propuestas, pueden existir imágenes que no queden reflejadas en este catálogo. Por el contrario, las siguientes obras parecen pertenecer a estas pruebas inéditas, pero no podemos afirmarlo con completa seguridad:

 

1. Mosaico de la emperatriz Teodora y su cortejo de San Vital de Rávena.

 

2. Las escaleras de la Biblioteca Laurenziana de Miguel Ángel (Florencia).

 

3. Monumento a Balzac de Rodin.

 

Si ordenamos las imágenes aparecidas en las propuestas y ejemplos de pruebas del actual modelo de examen por número de apariciones (que va entre paréntesis) el escalafón sería el siguiente:

 

1. La Villa Saboya de Le Corbusier (8).

 

2. La Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright (7).

 

3. El Hermes con Dionisos niño de Praxíteles (6).

 

4. El Doríforo de Policleto (5).

 

5. La Escuela de Atenas de Rafael (5).

 

6. Los Fusilamientos del tres de mayo de Francisco de Goya (5).

 

7. Maiestas Domini del ábside de San Clemente de Tahull (4).

 

8. El Aguador de Sevilla de Velázquez (4).

 

9. La familia de Carlos IV de Goya (4).

 

10. Exterior del Partenón, obra de Ictino, Calícrates y Fidias (3).

 

11. El Augusto de Prima Porta (3).

 

12. El Patio de los Leones de la Alhambra (3).

 

13. La Piedad del Vaticano de Miguel Ángel (3).

 

14. El David de Gian Lorenzo Bernini (3).

 

15. Las tres Gracias de Rubens (3).

 

16. Baile en el Moulin de la Galette de Renoir (3).

 

17. El Museo Gunggenheim de Bilbao de Frank O. Gehry (3).

 

18. La Maisón Carrée de Nimes (2).

 

19. Interior de la mezquita-catedral de Córdoba (2).

 

20. El Patio de Comares o de los Arrayanes de la Alhambra (2).

 

21. El Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela del Maestro Mateo (2).

 

22. El Condottiero Gattamelata de Donatello (2).

 

23. El Templete de San Pietro in Montorio de Brunelleschi (2).

 

24. El Moisés de Miguel Ángel (2).

 

25. El éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini (2).

 

26. La Basílica de la Sagrada Familia de Gaudí (2).

 

27. La Noche Estrellada de van Gogh (2).

 

28. El Profeta de Pablo Gargallo (2).

 

29. El Guernica de Picasso (2).

 

30. Teatro de Epidauro de Policleto el Joven (1).

 

31. El Kuros de Anávisos (1).

 

32. El Apoxiómenos de Lisipo (1).

 

33. La Victoria de Samotracia (1).

 

34. Mosaico de Justiniano de San Vital de Rávena (1).

 

35. Fachada de la Catedral de Reims (1).

 

36. La Sainte Chapelle de París (1).

 

37. El Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck (1).

 

38. La Catedral de Florencia (1).

 

39. Cúpula de la catedral de Florencia de Brunelleschi (1).

 

40. La Villa Rotonda o Villa Capra de Palladio (1).

 

41. El David de Miguel Ángel (1).

 

42. La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci (1).

 

43. Carlos V en la Batalla de Mühlberg de Tiziano (1).

 

44. El Palacio de Carlos V en Granada (1).

 

45. El Martirio de la Legión Tebana del Greco (1).

 

46. Interior de San Carlo alle Quattro Fontane de Borromini (1).

 

47. Apolo y Dafne de Bernini (1).

 

48. La Lección de Anatomía del Doctor Nicolaes Pulp de Rembrandt (1).

 

49. La Inmaculada del Facistol de Alonso Cano (1).

 

50. Las Meninas de Velázquez (1).

 

51. Las Hilanderas de Velázquez (1).

 

52. La Sagrada Familia del Pajarito de Murillo (1).

 

53. La Inmaculada de los Venerables de Murillo (1).

 

54. El Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David (1).

 

55. La muerte de Marat de Jacques-Louis David (1).

 

56. El Quitasol de Goya (1).

 

57. El dos de mayo de 1808 en Madrid de Francisco de Goya (1)

 

58. La visión tras el sermón de Gauguin (1).

 

59. Las señoritas de Avignon de Picasso (1).

 

60. Marilyn Monroe de Andy Warhol (1)

 

61. Gran Vía de Madrid de Antonio López (1).

 

Este listado no debe contemplarse como un cálculo de las probabilidades de la aparición en los exámenes de cada imagen. Para empezar porque cuenta todas las propuestas, y una propuesta es, realmente, un examen no realizado o un proyecto de examen. Si realizamos un listado de las obras que han aparecido en los exámenes titulares de las convocatorias ordinaria y extraordinaria, la panoplia de obras varía bastante:

 

1. Exterior del Partenón, obra de Ictino, Calícrates y Fidias.

 

2. Teatro de Epidauro de Policleto el Joven.

 

3. El Kuros de Anávisos.

 

4. El Hermes con Dionisos niño de Praxíteles.

 

5. La Maisón Carrée de Nimes.

 

6. El Patio de Comares o de los Arrayanes de la Alhambra.

 

7. El Patio de los Leones de la Alhambra.

 

8. El Pantocrátor de San Clemente de Tahull.

 

9. Fachada de la Catedral de Reims.

 

10. La Sainte Chapelle de París.

 

11. El Templete de San Pietro in Montorio de Brunelleschi.

 

12. La Piedad del Vaticano de Miguel Ángel.

 

13. El David de Miguel Ángel.

 

14. La Escuela de Atenas de Rafael Sanzio.

 

15. El Palacio de Carlos V en Granada.

 

16. El David de Gian Lorenzo Bernini.

 

17. Las tres Gracias de Rubens.

 

18. La Inmaculada del Facistol de Alonso Cano.

 

19. El Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David.

 

20. La familia de Carlos IV de Goya.

 

21. Los Fusilamientos del tres de mayo de Goya.

 

22. La Basílica de la Sagrada Familia de Gaudí.

 

23. Baile en el Moulin de la Galette de Renoir.

 

24. La Noche Estrellada de Vincent van Gogh.

 

25. La Villa Saboya de Le Corbusier.

 

26. La Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright.

 

27. El Guernica de Picasso.

 

Y si ordenamos esta selección de imágenes por el número de apariciones (que va entre paréntesis) en los exámenes titulares el ranking difiere bastante del anterior escalafón:

 

1. La Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright (4).

 

2. Los Fusilamientos del tres de mayo de Goya (4).

 

3. El Hermes con Dionisos niño de Praxíteles (3).

 

4. El Pantocrátor de San Clemente de Tahull (2).

 

5. El David de Gian Lorenzo Bernini (2).

 

6. La familia de Carlos IV de Goya (2).

 

7. La Basílica de la Sagrada Familia de Gaudí (2).

 

8. La Noche Estrellada de van Gogh (2).

 

9. Exterior del Partenón, obra de Ictino, Calícrates y Fidias (1).

 

10. Teatro de Epidauro de Policleto el Joven (1).

 

11. El Kuros de Anávisos (1).

 

12. La Maisón Carrée de Nimes (1).

 

13. El Patio de Comares o de los Arrayanes de la Alhambra (1).

 

14. El Patio de los Leones de la Alhambra (1).

 

15. Fachada de la Catedral de Reims (1).

 

16. La Sainte Chapelle de París (1).

 

17. El Templete de San Pietro in Montorio de Brunelleschi (1).

 

18. La Piedad del Vaticano de Miguel Ángel (1).

 

19. El David de Miguel Ángel (1).

 

20. La Escuela de Atenas de Rafael Sanzio (1).

 

21. El Palacio de Carlos V en Granada (1).

 

22. Las tres Gracias de Rubens (1).

 

23. La Inmaculada del Facistol de Alonso Cano (1).

 

24. El Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David (1).

 

25. Baile en el Moulin de la Galette de Renoir (1).

 

26. La Villa Saboya de Le Corbusier (1).

 

27. El Guernica de Picasso (1).

 

Pasando a las preguntas, comenzaremos por la reproducción del temario, indicando las cuestiones que han aparecido, sus variantes y con el número de apariciones entre paréntesis. Añadimos las obras de arte escogidas de cada estilo acompañadas del número de apariciones entre paréntesis.

 

1. ARTE GRIEGO

 

1.1. Introducción. Los órdenes.

 

1.2. El templo griego: el Partenón.

 

Esta pregunta ha aparecido en tres propuestas.

 

1.3. La escultura. El «kuros». Los grandes maestros de los siglos V y IV a. C. Policleto y Fidias. Praxíteles y Scopas. Lisipo y su canon.

 

Esta pregunta ha aparecido en una propuesta con el siguiente enunciado:

 

- Escultura griega. Los grandes maestros del siglo V: Policleto y Fidias.

 

1.4. El periodo helenístico.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. Exterior del Partenón, obra de Ictino, Calícrates y Fidias (3).

 

2. Teatro de Epidauro de Policleto el Joven (1).

 

3. El Kuros de Anávisos (1).

 

4. El Doríforo de Policleto (5).

 

5. El Hermes con Dionisos niño de Praxíteles (6).

 

6. El Apoxiómenos de Lisipo (1).

 

7. La Victoria de Samotracia (1).

 

2. ARTE ROMANO

 

2.1. Arquitectura y ciudad.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

2.2. Escultura. El retrato y el relieve histórico.

 

Esta pregunta ha aparecido en cuatro propuestas.

 

2.3. Explicar la ciudad romana: sus partes y construcciones más relevantes que la integran, explicando las distintas tipologías arquitectónicas.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. La Maisón Carrée de Nimes (2).

 

2. El Augusto de Prima Porta (3).

 

3. ARTE PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO

 

3.1. La nueva iconografía: la pintura de las catacumbas. La cristianización de la basílica.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

3.2. Los edificios bizantinos y la cúpula: Santa Sofía.

 

Esta pregunta ha aparecido en seis propuestas.

 

3.3. La decoración musivaria.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

Obra de Arte escogida

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. Mosaico de Justiniano de San Vital de Rávena (1).

 

4. ARTE HISPANO - MUSULMÁN

 

4.1. Arte e Islam.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

4.2. Arquitectura. Arte califal: la mezquita de Córdoba, arquitectura y decoración. La ciudad palatina de Medina Azahara.

 

Esta pregunta ha aparecido en dos propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- Arte califal: la mezquita de Córdoba. Medina Azahara.

 

- Arte califal: la mezquita de Córdoba, arquitectura y decoración.

 

4.3. Arte almohade. El arte nazarí: la Alhambra y el Generalife.

 

Esta pregunta ha aparecido en cinco propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- Arte nazarí: la Alhambra y el Generalife.

 

- El arte nazarí: la Alhambra y el Generalife.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. Interior de la mezquita-catedral de Córdoba (2).

 

2. El Patio de Comares o de los Arrayanes de la Alhambra (2).

 

3. El Patio de los Leones de la Alhambra (3).

 

5. ARTE ROMÁNICO

 

5.1. Introducción al románico.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

5.2. Arquitectura. Elementos formales y soluciones constructivas. La iglesia de peregrinación y el monasterio.

 

Esta pregunta ha aparecido en dos propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- La iglesia de peregrinación y el monasterio románico.

 

- Arquitectura románica: la iglesia de peregrinación.

 

5.3. Escultura y pintura.

 

Esta pregunta ha aparecido en seis propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- El arte románico. La escultura y la pintura.

 

- Escultura y pintura románicas

 

- Escultura y pintura románica

 

- La escultura románica

 

- La escultura y la pintura románicas

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. El Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela del Maestro Mateo (2).

 

2. Maiestas Domini del ábside de San Clemente de Tahull (4).

 

6. ARTE GÓTICO

 

6.1. Características generales de la arquitectura gótica.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

6.2. La ciudad: la catedral y los edificios civiles.

 

Esta pregunta ha aparecido en cuatro propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- Arte gótico. La ciudad: la catedral y los edificios civiles.

 

- La ciudad: la catedral y los edificios civiles del gótico.

 

- La ciudad gótica: la catedral y los edificios civiles.

 

- El arte gótico: la catedral y los edificios civiles.

 

6.3. La escultura: portadas y retablos.

 

Esta pregunta ha aparecido en cuatro propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- El arte gótico. La escultura: portadas y retablos.

 

- Escultura gótica: portadas y retablos.

 

- La escultura gótica: portadas y retablos.

 

6.4. La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena.

 

Esta pregunta ha aparecido en dos propuestas.

 

6.5. Los primitivos flamencos del siglo XV: los hermanos Van Eyck.

 

Esta pregunta ha aparecido en cuatro propuestas.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. Fachada de la Catedral de Reims (1).

 

2. La Sainte Chapelle de París (1).

 

3. El Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck (1).

 

7. ARTE RENACENTISTA Y MANIERISTA

 

7.1. Introducción al Renacimiento.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

7.2. El «Quattrocento» italiano. Arquitectura: Brunelleschi y Alberti. Escultura: Donatello y Ghiberti. Pintura: Fra Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli.

 

Esta pregunta ha aparecido en siete propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- Escultura del Quattrocento italiano: Donatello y Ghiberti.

 

- La arquitectura del renacimiento: Brunelleschi y Alberti.

 

- La escultura del Quattrocento: Donatello y Ghiberti.

 

- La escultura del Quattrocento: Ghiberti y Donatello.

 

- La escultura del Quattrocento italiano: Donatello y Ghiberti.

 

7.3. El «Cinquecento» y la crisis del Manierismo en Italia. Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio. Escultura: Miguel Ángel. Pintura: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. La escuela veneciana: Tiziano.

 

Esta pregunta ha aparecido en nueve propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- El “Cinquecento”. Escultura: Miguel Ángel.

 

- Escultura del Cinquecento: Miguel Ángel.

 

- Escultura del Cinquecento italiano: Miguel Ángel.

 

- Escultura renacentista italiana: Miguel Ángel.

 

- La escultura del Cinquecento en Italia: Miguel Ángel.

 

- La escultura del renacimiento: Miguel Ángel.

 

- La pintura del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.

 

- La pintura del Cinquecento italiano: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.

 

7.4. España. Arquitectura: del Plateresco al Escorial. Escultura: los primeros imagineros: Berruguete y Juni. Pintura: El Greco.

 

Esta pregunta ha aparecido en cinco propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- España. Arquitectura: del Plateresco al Escorial.

 

- España: arquitectura del Plateresco al Escorial.

 

- La arquitectura renacentista española: del Plateresco al Escorial.

 

- La pintura del Renacimiento en España: el Greco.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. La Catedral de Florencia (1).

 

2. Cúpula de la catedral de Florencia de Brunelleschi (1).

 

3. El Condottiero Gattamelata de Donatello (2).

 

4. El Templete de San Pietro in Montorio de Brunelleschi (2).

 

5. La Villa Rotonda o Villa Capra de Palladio (1).

 

6. La Piedad del Vaticano de Miguel Ángel (3).

 

7. El David de Miguel Ángel (1).

 

8. El Moisés de Miguel Ángel (2).

 

9. La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci (1).

 

10. La Escuela de Atenas de Rafael (5).

 

11. Carlos V en la Batalla de Mühlberg de Tiziano (1).

 

12. El Palacio de Carlos V en Granada (1).

 

13. El Martirio de la Legión Tebana del Greco (1).

 

8. ARTE BARROCO

 

8.1. La arquitectura en Italia y Francia. Las plantas alabeadas de Bernini y Borromini. El palacio clasicista francés: Versalles.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

8.2. Escultura en Italia: Bernini.

 

Esta pregunta ha aparecido en siete propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- Escultura del barroco en Italia: Bernini

 

- Escultura en Italia: Bernini.

 

- La escultura barroca en Italia: Bernini.

 

- La escultura en Italia: Bernini.

 

8.3. Pintura en Italia. El naturalismo y los problemas de la luz: Caravaggio. El clasicismo en los frescos de los Carracci.

 

Esta pregunta ha aparecido en dos propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- El naturalismo y los problemas de la luz: Caravaggio.

 

- La pintura barroca en Italia. El naturalismo y los problemas de la luz. Caravaggio. El clasicismo en los frescos de los Carracci.

 

8.4. La pintura en Flandes y en Holanda: Rubens y Rembrandt.

 

Esta pregunta ha aparecido en seis propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- La pintura en Flandes y en Holanda: Rubens y Rembrandt.

 

- La pintura barroca en Holanda: Rembrandt.

 

8.5. La arquitectura barroca española. El urbanismo: la Plaza mayor.

 

Esta pregunta ha aparecido en una propuesta con el siguiente enunciado:

 

- La arquitectura barroca española.

 

8.6. La gran imaginería: Andalucía, Castilla y Murcia.

 

Esta pregunta ha aparecido en una propuesta con el siguiente enunciado:

 

- La gran imaginería barroca: Andalucía.

 

8.7. La pintura barroca. El naturalismo tenebrista: Ribera y Zurbarán. Realismo Barroco: Velázquez y Murillo.

 

Esta pregunta ha aparecido en cuatro propuestas, empleándose los siguientes enunciados:

 

- La pintura barroca: Velázquez y Murillo.

 

- La pintura barroca española. Realismo: Velázquez y Murillo.

 

- El realismo barroco español: Velázquez y Murillo.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. Interior de San Carlo alle Quattro Fontane de Borromini (1).

 

2. Apolo y Dafne de Gian Lorenzo Bernini (1).

 

3. El David de Gian Lorenzo Bernini (3).

 

4. El éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini (2).

 

5. Las tres Gracias de Rubens (3).

 

6. La Lección de Anatomía del Doctor Nicolaes Pulp de Rembrandt (1).

 

7. La Inmaculada del Facistol de Alonso Cano (1).

 

8. El Aguador de Sevilla de Velázquez (4).

 

9. Las Meninas de Velázquez (1).

 

10. Las Hilanderas de Velázquez (1).

 

11. La Sagrada Familia del Pajarito de Murillo (1).

 

12. La Inmaculada de los Venerables de Murillo (1).

 

9. ARTE NEOCLÁSICO

 

9.1. Características generales del Neoclasicismo. Las Academias.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

9.2. Arquitectura: Juan de Villanueva. Escultura: Canova. Pintura: David.

 

Esta pregunta ha aparecido en una propuesta con el siguiente enunciado:

 

- El Neoclasicismo. Arquitectura: Juan de Villanueva. Pintura: David.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. El Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David (1).

 

2. La Muerte de Marat de Jacques-Louis David (1).

 

10. EL SIGLO XIX: EL ARTE DE UN MUNDO EN TRANSFORMACIÓN

 

10.1. Francisco de Goya.

 

Esta pregunta ha aparecido en doce propuestas.

 

10.2. Introducción. Romanticismo: Delacroix. Realismo: Courbet.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

10.3. Arquitectura. Historicismos. Edificios de hierro y cristal. El Modernismo.

 

Esta pregunta ha aparecido en una propuesta con el siguiente enunciado:

 

- Arquitectura del XIX: El Modernismo.

 

10.4. Impresionismo: Monet, Renoir y Degas. Las esculturas de Rodin.

 

Esta pregunta ha aparecido en catorce propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- Impresionismo: Monet, Renoir, Degas.

 

- El impresionismo: Monet, Degas, Renoir.

 

- El impresionismo: Monet, Renoir, Degas.

 

- El impresionismo: Monet, Renoir y Degas.

 

- Las esculturas de Rodin.

 

10.5. Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

 

Esta pregunta ha aparecido en tres propuestas.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. El Quitasol de Goya (1).

 

2. La familia de Carlos IV de Goya (4).

 

3. El dos de mayo de 1808 en Madrid de Francisco de Goya (1).

 

4. Los Fusilamientos del tres de mayo de Francisco de Goya (5).

 

5. La Basílica de la Sagrada Familia de Gaudí (2).

 

6. Baile en el Moulin de la Galette de Renoir (3).

 

7. La visión tras el sermón de Gauguin (1).

 

8. La Noche Estrellada de van Gogh (2).

 

11. LA RUPTURA DE LA TRADICIÓN: EL ARTE EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

 

11.1. Escultura: innovaciones en materiales y técnicas.

 

Esta pregunta ha aparecido en dos propuestas, empleándose estos enunciados:

 

1. Escultura de la 1ª mitad del s. XX: innovaciones en materiales y técnicas.

 

2. Escultura de la primera mitad del siglo XX: innovaciones en materiales y técnicas.

 

11.2. La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

Esta pregunta ha aparecido en ocho propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- La arquitectura del movimiento moderno. Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

- La arquitectura del movimiento moderno. El Racionalismo: Le Corbusier.

 

- La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier; Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

- La arquitectura del movimiento moderno: El Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

11.3. La pintura. Las vanguardias históricas: Fauvismo, Cubismo, Expresionismo alemán, Dadaísmo y Surrealismo.

 

Esta pregunta ha aparecido en dos propuestas, empleándose estos enunciados:

 

- Las vanguardias históricas: Fauvismo y Cubismo.

 

- Las vanguardias históricas: Cubismo y Surrealismo.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. El Profeta de Pablo Gargallo (2).

 

2. La Villa Saboya de Le Corbusier (8).

 

3. La Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright (7).

 

4. Las señoritas de Avignon de Picasso (1).

 

5. El Guernica de Picasso (2).

 

12. LA UNIVERSALIZACIÓN DEL ARTE DESDE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX.

 

12.1. La arquitectura al margen del «Estilo Internacional»: Posmodernidad, High-tech y Deconstructivismo.

 

Esta pregunta ha aparecido en una propuesta.

 

12.2. El minimalismo en la escultura.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

12.3. El movimiento abstracto y sus tendencias pictóricas: el Expresionismo abstracto norteamericano, el Informalismo europeo y la Abstracción geométrica.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

12.4. Las principales corrientes figurativas: Pop Art, «Nueva Figuración» e Hiperrealismo.

 

Esta pregunta no ha aparecido todavía en ninguna propuesta.

 

Obras de Arte escogidas

 

Entre paréntesis figura el número de ocasiones en las que aparece en las propuestas.

 

1. El Museo Gunggenheim de Bilbao de Frank O. Gehry (3).

 

2. Marilyn Monroe de Andy Warhol (1)

 

3. Gran Vía de Madrid de Antonio López (1).

 

Como esta ordenación puede resultar confusa, adjuntamos una versión simplificada. Recordamos que algunas preguntas aparecen en las pruebas con enunciados reducidos pero distintos, refiriéndose uno a una disciplina artística y otro a otra, o bien a artistas diferentes. En estos casos se recopilarán como cuestiones distintas en esta recopilación.

 

1. ARTE GRIEGO

 

- El templo griego: El Partenón.

 

- Escultura griega. Los grandes maestros del siglo V: Policleto y Fidias.

 

2. ARTE ROMANO

 

- La escultura romana. El retrato y el relieve histórico.

 

3. ARTE PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO

 

- Los edificios bizantinos y la cúpula: Santa Sofía.

 

4. ARTE HISPANO – MUSULMÁN

 

- Arte califal: la mezquita de Córdoba. Medina Azahara.

 

- Arte califal: la mezquita de Córdoba, arquitectura y decoración.

 

- El arte nazarí: La Alhambra y el Generalife.

 

5. ARTE ROMÁNICO

 

- La iglesia de peregrinación y el monasterio románico.

 

- Arquitectura románica: la iglesia de peregrinación.

 

- La escultura y la pintura románicas.

 

- La escultura románica.

 

6. ARTE GÓTICO

 

- El arte gótico: la catedral y los edificios civiles.

 

- La escultura gótica: portadas y retablos.

 

- La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena.

 

- Los primitivos flamencos del siglo XV: los Van Eyck.

 

7. ARTE RENACENTISTA Y MANIERISTA

 

- La arquitectura del renacimiento: Brunelleschi y Alberti.

 

- La escultura del Quattrocento italiano: Donatello y Ghiberti.

 

- Escultura del Cinquecento italiano: Miguel Ángel.

 

- La pintura del Cinquecento italiano: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.

 

- La arquitectura renacentista española: del Plateresco al Escorial.

 

- La pintura del Renacimiento en España: el Greco.

 

8. ARTE BARROCO

 

- La escultura barroca en Italia: Bernini.

 

- La pintura barroca en Italia. El naturalismo y los problemas de la luz. Caravaggio. El clasicismo en los frescos de los Carracci.

 

- El naturalismo y los problemas de la luz: Caravaggio.

 

- La pintura en Flandes y en Holanda: Rubens y Rembrandt.

 

- La pintura barroca en Holanda: Rembrandt.

 

- La pintura barroca española. Realismo: Velázquez y Murillo.

 

- La arquitectura barroca española.

 

- La gran imaginería barroca: Andalucía

 

9. ARTE NEOCLÁSICO

 

- El Neoclasicismo. Arquitectura: Juan de Villanueva. Pintura: David.

 

10. EL SIGLO XIX: EL ARTE DE UN MUNDO EN TRANSFORMACIÓN

 

- Francisco de Goya.

 

- Arquitectura del XIX: El Modernismo.

 

- Las esculturas de Rodin.

 

- El impresionismo: Monet, Renoir, Degas.

 

- Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

 

11. LA RUPTURA DE LA TRADICIÓN: EL ARTE EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

 

- Escultura de la primera mitad del siglo XX: innovaciones en materiales y técnicas.

 

- La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

- La arquitectura del movimiento moderno. El Racionalismo: Le Corbusier.

 

- La arquitectura del movimiento moderno. Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

- Las vanguardias históricas: Fauvismo y Cubismo.

 

- Las vanguardias históricas: Cubismo y Surrealismo.

 

12. LA UNIVERSALIZACIÓN DEL ARTE DESDE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX.

 

- La arquitectura al margen del estilo internacional: posmodernidad, high-tech y deconstructivismo.

 

La misma enumeración, pero desprovista de los epígrafes del temario, quedaría así:

 

1. El templo griego: El Partenón.

 

2. Escultura griega. Los grandes maestros del siglo V: Policleto y Fidias.

 

3. La escultura romana. El retrato y el relieve histórico.

 

4. Los edificios bizantinos y la cúpula: Santa Sofía.

 

5. Arte califal: la mezquita de Córdoba. Medina Azahara.

 

6. Arte califal: la mezquita de Córdoba, arquitectura y decoración.

 

7. El arte nazarí: La Alhambra y el Generalife.

 

8. La iglesia de peregrinación y el monasterio románico.

 

9. Arquitectura románica: la iglesia de peregrinación.

 

10. La escultura y la pintura románicas.

 

11. La escultura románica.

 

12. El arte gótico: la catedral y los edificios civiles.

 

13. La escultura gótica: portadas y retablos.

 

14. La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena.

 

15. Los primitivos flamencos del siglo XV: los Van Eyck.

 

16. La arquitectura del renacimiento: Brunelleschi y Alberti.

 

17. La escultura del Quattrocento italiano: Donatello y Ghiberti.

 

18. Escultura del Cinquecento italiano: Miguel Ángel.

 

19. La pintura del Cinquecento italiano: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.

 

20. La arquitectura renacentista española: del Plateresco al Escorial.

 

21. La pintura del Renacimiento en España: el Greco.

 

22. La escultura barroca en Italia: Bernini.

 

23. La pintura barroca en Italia. El naturalismo y los problemas de la luz. Caravaggio. El clasicismo en los frescos de los Carracci.

 

24. El naturalismo y los problemas de la luz: Caravaggio.

 

25. La pintura en Flandes y en Holanda: Rubens y Rembrandt.

 

26. La pintura barroca en Holanda: Rembrandt.

 

27. La arquitectura barroca española.

 

28. La gran imaginería barroca: Andalucía.

 

29. La pintura barroca española. Realismo: Velázquez y Murillo.

 

30. El Neoclasicismo. Arquitectura: Juan de Villanueva. Pintura: David.

 

31. Francisco de Goya.

 

32. Arquitectura del XIX: El Modernismo.

 

33. Las esculturas de Rodin.

 

34. El impresionismo: Monet, Renoir, Degas.

 

35. Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

 

36. Escultura de la primera mitad del siglo XX: innovaciones en materiales y técnicas.

 

37. La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

38. La arquitectura del movimiento moderno. Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

39. La arquitectura del movimiento moderno. El Racionalismo: Le Corbusier.

 

40. Las vanguardias históricas: Fauvismo y Cubismo.

 

41. Las vanguardias históricas: Cubismo y Surrealismo.

 

42. La arquitectura al margen del estilo internacional: posmodernidad, high-tech y deconstructivismo.

 

Si ordenamos las preguntas aparecidas en las propuestas y ejemplos de pruebas del actual modelo de examen por número de apariciones (que va entre paréntesis) el escalafón sería el siguiente:

 

1. Francisco de Goya (12).

 

2. El impresionismo: Monet, Renoir, Degas (11).

 

3. Escultura del Cinquecento italiano: Miguel Ángel (7).

 

4. La escultura barroca en Italia: Bernini (7).

 

5. Los edificios bizantinos y la cúpula: Santa Sofía (6).

 

6. El arte nazarí: La Alhambra y el Generalife (6).

 

7. La escultura del Quattrocento italiano: Donatello y Ghiberti (6).

 

8. La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright (6).

 

9. La escultura y la pintura románicas (5).

 

10. La pintura en Flandes y en Holanda: Rubens y Rembrandt (5).

 

11. La escultura romana. El retrato y el relieve histórico (4).

 

12. El arte gótico: la catedral y los edificios civiles (4).

 

13. La escultura gótica: portadas y retablos (4).

 

14. Los primitivos flamencos del siglo XV: los Van Eyck (4).

 

15. La arquitectura renacentista española: del Plateresco al Escorial (4).

 

16. La pintura barroca española. Realismo: Velázquez y Murillo (4).

 

17. El templo griego: El Partenón (3).

 

18. Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin y Van Gogh (3).

 

19. La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena (2).

 

20. La pintura del Cinquecento italiano: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel (2).

 

21. Escultura de la primera mitad del siglo XX: innovaciones en materiales y técnicas (2).

 

22. Escultura griega. Los grandes maestros del siglo V: Policleto y Fidias (1).

 

23. Arte califal: la mezquita de Córdoba. Medina Azahara (1).

 

24. Arte califal: la mezquita de Córdoba, arquitectura y decoración (1).

 

25. La iglesia de peregrinación y el monasterio románico (1).

 

26. Arquitectura románica: la iglesia de peregrinación (1).

 

27. La escultura románica (1).

 

28. La arquitectura del renacimiento: Brunelleschi y Alberti (1).

 

29. La pintura del Renacimiento en España: el Greco (1).

 

30. La pintura barroca en Italia. El naturalismo y los problemas de la luz. Caravaggio. El clasicismo en los frescos de los Carracci (1).

 

31. El naturalismo y los problemas de la luz: Caravaggio (1).

 

32. La pintura barroca en Holanda: Rembrandt (1).

 

33. La arquitectura barroca española (1).

 

34. La gran imaginería barroca: Andalucía (1).

 

35. El Neoclasicismo. Arquitectura: Juan de Villanueva. Pintura: David (1).

 

36. Arquitectura del XIX: El Modernismo (1).

 

37. Las esculturas de Rodin (1).

 

38. La arquitectura del movimiento moderno. El Racionalismo: Le Corbusier (1).

 

39. La arquitectura del movimiento moderno. Organicismo: Frank Lloyd Wright (1).

 

40. Las vanguardias históricas: Fauvismo y Cubismo (1).

 

41. Las vanguardias históricas: Cubismo y Surrealismo (1).

 

42. La arquitectura al margen del estilo internacional: posmodernidad, high-tech y deconstructivismo (1).

 

Recordamos que los contenidos de las preguntas que lideran esta recopilación (Goya, los impresionistas, la escultura berninesca) también ocupan un lugar destacado en el ranking de obras de arte, por lo que el alumno que se presente a las pruebas deberá otorgarle una atención preferente. Pero seguidamente nos encontramos con la cuestión de la arquitectura bizantina que no ha figurado en ninguna de las pruebas de 2020 y una única vez en 2021. Y es que, repetimos, este listado no debe contemplarse como un cálculo de las probabilidades de la aparición en los exámenes de cada imagen. Recordamos que cuenta todas las propuestas, y una propuesta es, realmente, un examen no realizado o un proyecto de examen. Si realizamos un listado de las preguntas que han aparecido en los exámenes titulares de las convocatorias ordinaria y extraordinaria, el panorama se revela bastante distinto:

 

1. La escultura romana. El retrato y el relieve histórico.

 

2. Los edificios bizantinos y la cúpula: Santa Sofía.

 

3. El arte nazarí: La Alhambra y el Generalife.

 

4. La iglesia de peregrinación y el monasterio románico.

 

5. La escultura y la pintura románicas.

 

6. El arte gótico: la catedral y los edificios civiles.

 

7. Los primitivos flamencos del siglo XV: los Van Eyck.

 

8. La arquitectura del renacimiento: Brunelleschi y Alberti.

 

9. La escultura del Quattrocento italiano: Donatello y Ghiberti.

 

10. Escultura del Cinquecento italiano: Miguel Ángel.

 

11. La pintura del Cinquecento italiano: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.

 

12. España: arquitectura del Plateresco al Escorial.

 

13. La escultura barroca en Italia: Bernini.

 

14. La pintura barroca en Italia. El naturalismo y los problemas de la luz. Caravaggio. El clasicismo en los frescos de los Carracci.

 

15. La pintura en Flandes y en Holanda: Rubens y Rembrandt.

 

16. La pintura barroca española. Realismo: Velázquez y Murillo.

 

17. Francisco de Goya.

 

18. El impresionismo: Monet, Renoir, Degas.

 

19. Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

 

20. Escultura de la primera mitad del siglo XX: innovaciones en materiales y técnicas.

 

21. La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.

 

22. Las vanguardias históricas: Cubismo y Surrealismo.

 

Estas veintidós preguntas pueden servir como una selección del temario apta como preparatorio para selectividad. Y si ordenamos esta selección de cuestiones por el número de apariciones (que va entre paréntesis) en los exámenes titulares el ranking muestra enormes diferencias con el escalafón anterior (el que incluía todas las propuestas):

 

1. Francisco de Goya (12).

 

2. El impresionismo: Monet, Renoir, Degas (11).

 

3. Escultura del Cinquecento italiano: Miguel Ángel (7).

 

4. La escultura barroca en Italia: Bernini (7).

 

5. Los edificios bizantinos y la cúpula: Santa Sofía (6).

 

6. El arte nazarí: La Alhambra y el Generalife (6).

 

7. La escultura del Quattrocento italiano: Donatello y Ghiberti (6).

 

8. La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright (6).

 

9. La escultura y la pintura románicas (5).

 

10. La pintura en Flandes y en Holanda: Rubens y Rembrandt (5).

 

11. La escultura romana. El retrato y el relieve histórico (4).

 

12. El arte gótico: la catedral y los edificios civiles (4).

 

13. La escultura gótica: portadas y retablos (4).

 

14. Los primitivos flamencos del siglo XV: los Van Eyck (4).

 

15. La arquitectura renacentista española: del Plateresco al Escorial (4).

 

16. La pintura barroca española. Realismo: Velázquez y Murillo (4).

 

17. El templo griego: El Partenón (3).

 

18. Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin y Van Gogh (3).

 

19. La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena (2).

 

20. La pintura del Cinquecento italiano: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel (2).

 

21. Escultura de la primera mitad del siglo XX: innovaciones en materiales y técnicas (2).

 

22. Escultura griega. Los grandes maestros del siglo V: Policleto y Fidias (1).

 

23. Arte califal: la mezquita de Córdoba. Medina Azahara (1).

 

24. Arte califal: la mezquita de Córdoba, arquitectura y decoración (1).

 

25. La iglesia de peregrinación y el monasterio románico (1).

 

26. Arquitectura románica: la iglesia de peregrinación (1).

 

27. La escultura románica (1).

 

28. La arquitectura del renacimiento: Brunelleschi y Alberti (1).

 

29. La pintura del Renacimiento en España: el Greco (1).

 

30. La pintura barroca en Italia. El naturalismo y los problemas de la luz. Caravaggio. El clasicismo en los frescos de los Carracci (1).

 

31. El naturalismo y los problemas de la luz: Caravaggio (1).

 

32. La pintura barroca en Holanda: Rembrandt (1).

 

33. La arquitectura barroca española (1).

 

34. La gran imaginería barroca: Andalucía (1).

 

35. El Neoclasicismo. Arquitectura: Juan de Villanueva. Pintura: David (1).

 

36. Arquitectura del XIX: El Modernismo (1).

 

37. Las esculturas de Rodin (1).

 

38. La arquitectura del movimiento moderno. El Racionalismo: Le Corbusier (1).

 

39. La arquitectura del movimiento moderno. Organicismo: Frank Lloyd Wright (1).

 

40. Las vanguardias históricas: Fauvismo y Cubismo (1).

 

41. Las vanguardias históricas: Cubismo y Surrealismo (1).

 

42. La arquitectura al margen del estilo internacional: posmodernidad, high-tech y deconstructivismo (1).

 

Para las pruebas de 2022 no esperamos cambios sustanciales a todo lo expuesto. Calculamos que las preguntas y las imágenes nuevas que se incorporen no superarán la decena (en cada caso) y probablemente se queden en cinco o seis incorporaciones (en cada uno de los dos ámbitos) si tenemos en cuenta el ritmo del acrecentamiento en los cursos anteriores.

 

Estas son nuestras previsiones, pero son eso, previsiones, no certezas. En palabras de Michael Crichton «No podemos evaluar el futuro, ni podemos predecirlo. Estos son eufemismos. Solo podemos hacer suposiciones. Una suposición bien fundada sigue siendo solo una suposición.»

 

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La obra que hemos escogido como encabezamiento es La Visita, Estudio sobre el Canon de Veronés. Su autor es Darío Ortiz Robledo, artista colombiano que reside en México. El pintor concluyó la obra en el 2016. Se trata de un monumental óleo pintado sobre lienzo que mide 200 x 300 centímetros.

 

La imagen y los datos sobre ella proceden de la página de facebook del artista

 

www.facebook.com/dario.ortiz.art/posts/10153915507194103:0

Basilica of San Petronio

 

Bologna (/bəˈloʊnjə/, UK also /bəˈlɒnjə/, Italian: [boˈloɲɲa]; Emilian: Bulåggna [buˈlʌɲːa]; Latin: Bononia) is a city in and the capital of the Emilia-Romagna region in Northern Italy, of which it is also its largest. It is the seventh most populous city in Italy with about 400,000 inhabitants and 150 different nationalities. Its metropolitan area is home to more than 1,000,000 people. It is known as the Fat City for its rich cuisine, and the Red City for its Spanish-style red tiled rooftops and, more recently, its leftist politics. It is also called the Learned City because it is home to the oldest university in the world.

 

Originally Etruscan, the city has been an important urban center for centuries, first under the Etruscans (who called it Felsina), then under the Celts as Bona, later under the Romans (Bonōnia), then again in the Middle Ages, as a free municipality and later signoria, when it was among the largest European cities by population. Famous for its towers, churches and lengthy porticoes, Bologna has a well-preserved historical centre, thanks to a careful restoration and conservation policy which began at the end of the 1970s. Home to the oldest university in continuous operation, the University of Bologna, established in AD 1088, the city has a large student population that gives it a cosmopolitan character. In 2000 it was declared European capital of culture and in 2006, a UNESCO "City of Music" and became part of the Creative Cities Network. In 2021 UNESCO recognized the lengthy porticoes of the city as a World Heritage Site.

 

Bologna is an important agricultural, industrial, financial and transport hub, where many large mechanical, electronic and food companies have their headquarters as well as one of the largest permanent trade fairs in Europe. According to recent data gathered by the European Regional Economic Growth Index (E-REGI) of 2009, Bologna is the first Italian city and the 47th European city in terms of its economic growth rate; in 2022 Il Sole 24 Ore named Bologna the best city in Italy for overall quality of life.

 

History

 

Antiquity and Middle Ages

 

Traces of human habitation in the area of Bologna go back to the 3rd millennium BCE, with significant settlements from about the 9th century BCE (Villanovan culture). The influence of Etruscan civilization reached the area in the 7th to 6th centuries, and the Etruscan city of Felsina was established at the site of Bologna by the end of the 6th century. By the 4th century BCE, the site was occupied by the Gaulish Boii, and it became a Roman colony and municipium with the name of Bonōnia in 196 BCE. During the waning years of the Western Roman Empire Bologna was repeatedly sacked by the Goths. It is in this period that legendary Bishop Petronius, according to ancient chronicles, rebuilt the ruined town and founded the basilica of Saint Stephen. Petronius is still revered as the patron saint of Bologna.

 

In 727–28, the city was sacked and captured by the Lombards under King Liutprand, becoming part of that kingdom. These Germanic conquerors built an important new quarter, called "addizione longobarda" (Italian meaning "Longobard addition") near the complex of St. Stephen.[20] In the last quarter of the 8th century, Charlemagne, at the request of Pope Adrian I, invaded the Lombard Kingdom, causing its eventual demise. Occupied by Frankish troops in 774 on behalf of the papacy, Bologna remained under imperial authority and prospered as a frontier mark of the Carolingian empire.

 

Bologna was the center of a revived study of law, including the scholar Irnerius (c 1050 – after 1125) and his famous students, the Four Doctors of Bologna.

 

After the death of Matilda of Tuscany in 1115, Bologna obtained substantial concessions from Emperor Henry V. However, when Frederick Barbarossa subsequently attempted to strike down the deal, Bologna joined the Lombard League, which then defeated the imperial armies at the Battle of Legnano and established an effective autonomy at the Peace of Constance in 1183. Subsequently, the town began to expand rapidly and became one of the main commercial trade centres of northern Italy thanks to a system of canals that allowed barges and ships to come and go. Believed to have been established in 1088, the University of Bologna is widely considered the world's oldest university in continuous operation. The university originated as a centre for the study of medieval Roman law under major glossators, including Irnerius. It numbered Dante, Boccaccio and Petrarch among its students. The medical school was especially renowned. By 1200, Bologna was a thriving commercial and artisanal centre of about 10,000 people.

 

During a campaign to support the imperial cities of Modena and Cremona against Bologna, Frederick II's son, King Enzo of Sardinia, was defeated and captured on 26 May 1249 at the Battle of Fossalta. Though the emperor demanded his release, Enzo was thenceforth kept a knightly prisoner in Bologna, in a palace that came to be named Palazzo Re Enzo after him. Every attempt to escape or to rescue him failed, and he died after more than 22 years in captivity. After the death of his half-brothers Conrad IV in 1254, Frederick of Antioch in 1256 and Manfred in 1266, as well as the execution of his nephew Conradin in 1268, he was the last of the Hohenstaufen heirs.

 

During the late 1200s, Bologna was affected by political instability when the most prominent families incessantly fought for the control of the town. The free commune was severely weakened by decades of infighting, allowing the Pope to impose the rule of his envoy Cardinal Bertrand du Pouget in 1327. Du Pouget was eventually ousted by a popular rebellion and Bologna became a signoria under Taddeo Pepoli in 1334. By the arrival of the Black Death in 1348, Bologna had 40,000 to 50,000 inhabitants, reduced to just 20,000 to 25,000 after the plague.

 

In 1350, Bologna was conquered by archbishop Giovanni Visconti, the new lord of Milan. But following a rebellion by the town's governor, a renegade member of the Visconti family, Bologna was recuperated to the papacy in 1363 by Cardinal Gil Álvarez Carrillo de Albornoz after a long negotiation involving a huge indemnity paid to Bernabò Visconti, Giovanni's heir, who died in 1354. In 1376, Bologna again revolted against Papal rule and joined Florence in the unsuccessful War of the Eight Saints. However, extreme infighting inside the Holy See after the Western Schism prevented the papacy from restoring its domination over Bologna, so it remained relatively independent for some decades as an oligarchic republic. In 1401, Giovanni I Bentivoglio took power in a coup with the support of Milan, but the Milanese, having turned his back on them and allied with Florence, marched on Bologna and had Giovanni killed the following year. In 1442, Hannibal I Bentivoglio, Giovanni's nephew, recovered Bologna from the Milanese, only to be assassinated in a conspiracy plotted by Pope Eugene IV three years later. But the signoria of the Bentivoglio family was then firmly established, and the power passed to his cousin Sante Bentivoglio, who ruled until 1462, followed by Giovanni II. Giovanni II managed to resist the expansionist designs of Cesare Borgia for some time, but on 7 October 1506, Pope Julius II issued a bull deposing and excommunicating Bentivoglio and placing the city under interdict. When the papal troops, along with a contingent sent by Louis XII of France, marched against Bologna, Bentivoglio and his family fled. Julius II entered the city triumphantly on 10 November.

 

Early modern

 

The period of Papal rule over Bologna (1506–1796) has been generally evaluated by historians as one of severe decline. However, this was not evident in the 1500s, which were marked by some major developments in Bologna. In 1530, Emperor Charles V was crowned in Bologna, the last of the Holy Roman Emperors to be crowned by the pope. In 1564, the Piazza del Nettuno and the Palazzo dei Banchi were built, along with the Archiginnasio, the main building of the university. The period of Papal rule saw also the construction of many churches and other religious establishments, and the restoration of older ones. At this time, Bologna had ninety-six convents, more than any other Italian city. Painters working in Bologna during this period established the Bolognese School which includes Annibale Carracci, Domenichino, Guercino, and others of European fame.

 

It was only towards the end of the 16th century that severe signs of decline began to manifest. A series of plagues in the late 16th to early 17th century reduced the population of the city from some 72,000 in the mid-16th century to about 47,000 by 1630. During the 1629–1631 Italian plague alone, Bologna lost up to a third of its population] In the mid-17th century, the population stabilized at roughly 60,000, slowly increasing to some 70,000 by the mid-18th century. The economy of Bologna started to show signs of severe decline as the global centres of trade shifted towards the Atlantic. The traditional silk industry was in a critical state. The university was losing students, who once came from all over Europe, because of the illiberal attitudes of the Church towards culture (especially after the trial of Galileo). Bologna continued to suffer a progressive deindustrialisation also in the 18th century.

 

In the mid-1700s, Pope Benedict XIV, a Bolognese, tried to reverse the decline of the city with a series of reforms intended to stimulate the economy and promote the arts. However, these reforms achieved only mixed results. The pope's efforts to stimulate the decaying textile industry had little success, while he was more successful in reforming the tax system, liberalising trade and relaxing the oppressive system of censorship.

 

The economic and demographic decline of Bologna became even more noticeable starting in the second half of the 18th century. In 1790, the city had 72,000 inhabitants, ranking as the second largest in the Papal States; however, this figure had remained unchanged for decades.

 

During this period, Papal economic policies included heavy customs duties and concessions of monopolies to single manufacturers.

 

Modern history

 

Napoleon entered Bologna on 19 June 1796. Napoleon briefly reinstated the ancient mode of government, giving power to the Senate, which however had to swear fealty to the short-lived Cispadane Republic, created as a client state of the French First Republic at the congress of Reggio (27 December 1796 – 9 January 1797) but succeeded by the Cisalpine Republic on 9 July 1797, later by the Italian Republic and finally the Kingdom of Italy. After the fall of Napoleon, the Congress of Vienna of 1815 restored Bologna to the Papal States. Papal rule was contested in the uprisings of 1831. The insurrected provinces planned to unite as the Province Italiane Unite with Bologna as the capital. Pope Gregory XVI asked for Austrian help against the rebels. Metternich warned French king Louis Philippe I against intervention in Italian affairs, and in the spring of 1831, Austrian forces marched across the Italian peninsula, defeating the rebellion by 26 April.

 

By the mid-1840s, unemployment levels were very high and traditional industries continued to languish or disappear; Bologna became a city of economic disparity with the top 10 percent of the population living off rent, another 20 percent exercising professions or commerce and 70 percent working in low-paid, often insecure manual jobs. The Papal census of 1841 reported 10,000 permanent beggars and another 30,000 (out of a total population of 70,000) who lived in poverty. In the revolutions of 1848 the Austrian garrisons which controlled the city on behalf of the Pope were temporarily expelled, but eventually came back and crushed the revolutionaries.

 

Papal rule finally ended in the aftermath of Second War of Italian Independence, when the French and Piedmontese troops expelled the Austrians from Italian lands, on 11 and 12 March 1860, Bologna voted to join the new Kingdom of Italy. In the last decades of the 19th century, Bologna once again thrived economically and socially. In 1863 Naples was linked to Rome by railway, and the following year Bologna to Florence. Bolognese moderate agrarian elites, that supported liberal insurgencies against the papacy and were admirers of the British political system and of free trade, envisioned a unified national state that would open a bigger market for the massive agricultural production of the Emilian plains. Indeed, Bologna gave Italy one of its first prime ministers, Marco Minghetti.

 

After World War I, Bologna was heavily involved in the Biennio Rosso socialist uprisings. As a consequence, the traditionally moderate elites of the city turned their back on the progressive faction and gave their support to the rising Fascist movement of Benito Mussolini. Dino Grandi, a high-ranking Fascist party official and Ministry of Foreign Affairs, remembered for being an Anglophile, was from Bologna. During the interwar years, Bologna developed into an important manufacturing centre for food processing, agricultural machinery and metalworking. The Fascist regime poured in massive investments, for example with the setting up of a giant tobacco manufacturing plant in 1937.

 

World War II

 

Bologna suffered extensive damage during World War II. The strategic importance of the city as an industrial and railway hub connecting northern and central Italy made it a target for the Allied forces. On 24 July 1943, a massive aerial bombardment destroyed a significant part of the historic city centre and killed about 200 people. The main railway station and adjoining areas were severely hit, and 44% of the buildings in the centre were listed as having been destroyed or severely damaged. The city was heavily bombed again on 25 September. The raids, which this time were not confined to the city centre, left 2,481 people dead and 2,000 injured. By the end of the war, 43% of all buildings in Bologna had been destroyed or damaged.

 

After the armistice of 1943, the city became a key centre of the Italian resistance movement. On 7 November 1944, a pitched battle around Porta Lame, waged by partisans of the 7th Brigade of the Gruppi d'Azione Patriottica against Fascist and Nazi occupation forces, did not succeed in triggering a general uprising, despite being one of the largest resistance-led urban conflicts in the European theatre. Resistance forces entered Bologna on the morning of 21 April 1945. By this time, the Germans had already largely left the city in the face of the Allied advance, spearheaded by Polish forces advancing from the east during the Battle of Bologna which had been fought since 9 April. First to arrive in the centre was the 87th Infantry Regiment of the Friuli Combat Group under general Arturo Scattini, who entered the centre from Porta Maggiore to the south. Since the soldiers were dressed in British outfits, they were initially thought to be part of the allied forces; when the local inhabitants heard the soldiers were speaking Italian, they poured out onto the streets to celebrate.

 

Cold War period

 

In the post-war years, Bologna became a thriving industrial centre as well as a political stronghold of the Italian Communist Party. Between 1945 and 1999, the city was helmed by an uninterrupted succession of mayors from the PCI and its successors, the Democratic Party of the Left and Democrats of the Left, the first of whom was Giuseppe Dozza. At the end of the 1960s the city authorities, worried by massive gentrification and suburbanisation, asked Japanese starchitect Kenzo Tange to sketch a master plan for a new town north of Bologna; however, the project that came out in 1970 was evaluated as too ambitious and expensive. Eventually the city council, in spite of vetoing Tange's master plan, decided to keep his project for a new exhibition centre and business district. At the end of 1978 the construction of a tower block and several diverse buildings and structures started. In 1985 the headquarters of the regional government of Emilia-Romagna moved in the new district.

 

In 1977, Bologna was the scene of rioting linked to the Movement of 1977, a spontaneous political movement of the time. The police shooting of a far-left activist, Francesco Lorusso, sparked two days of street clashes. On 2 August 1980, at the height of the "years of lead", a terrorist bomb was set off in the central railway station of Bologna killing 85 people and wounding 200, an event which is known in Italy as the Bologna massacre. In 1995, members of the neo-fascist group Nuclei Armati Rivoluzionari were convicted for carrying out the attack, while Licio Gelli—Grand Master of the underground Freemason lodge Propaganda Due (P2)—was convicted for hampering the investigation, together with three agents of the secret military intelligence service SISMI (including Francesco Pazienza and Pietro Musumeci). Commemorations take place in Bologna on 2 August each year, culminating in a concert in the main square.

 

21st century

 

In 1999, the long tradition of left-wing mayors was interrupted by the victory of independent centre-right candidate Giorgio Guazzaloca. However, Bologna reverted to form in 2004 when Sergio Cofferati, a former trade union leader, unseated Guazzaloca. The next centre-left mayor, Flavio Delbono, elected in June 2009, resigned in January 2010 after being involved in a corruption scandal. After a 15-month period in which the city was administered under Anna Maria Cancellieri (as a state-appointed prefect), Virginio Merola was elected as mayor, leading a left-wing coalition comprising the Democratic Party, Left Ecology Freedom and Italy of Values. In 2016, Merola was confirmed mayor, defeating the conservative candidate, Lucia Borgonzoni. In 2021, after ten years of Merola's mayorship, one of his closest allies, Matteo Lepore, was elected mayor with 61.9% of votes, becoming the most voted mayor of Bologna since the introduction of the direct elections in 1995.

 

Geography

 

Territory

 

Bologna is situated on the edge of the Po Plain at the foot of the Apennine Mountains, at the meeting of the Reno and Savena river valleys. As Bologna's two main watercourses flow directly to the sea, the town lies outside of the drainage basin of the River Po. The Province of Bologna stretches from the western edge of the Po Plain on the border with Ferrara to the Tuscan-Emilian Apennines. The centre of the town is 54 metres (177 ft) above sea level (while elevation within the municipality ranges from 29 metres (95 ft) in the suburb of Corticella to 300 metres (980 ft) in Sabbiuno and the Colle della Guardia). The Province of Bologna stretches from the Po Plain into the Apennines; the highest point in the province is the peak of Corno alle Scale (in Lizzano in Belvedere) at 1,945 metres (6,381 ft) above sea level.

 

Cityscape

 

Until the late 19th century, when a large-scale urban renewal project was undertaken, Bologna was one of the few remaining large walled cities in Europe; to this day and despite having suffered considerable bombing damage in 1944, Bologna's 142 hectares (350 acres) historic centre is Europe's second largest, containing an immense wealth of important medieval, renaissance, and baroque artistic monuments.

 

Bologna developed along the Via Emilia as an Etruscan and later Roman colony; the Via Emilia still runs straight through the city under the changing names of Strada Maggiore, Rizzoli, Ugo Bassi, and San Felice. Due to its Roman heritage, the central streets of Bologna, today largely pedestrianized, follow the grid pattern of the Roman settlement. The original Roman ramparts were supplanted by a high medieval system of fortifications, remains of which are still visible, and finally by a third and final set of ramparts built in the 13th century, of which numerous sections survive. No more than twenty medieval defensive towers remain out of up to 180 that were built in the 12th and 13th centuries before the arrival of unified civic government. The most famous of the towers of Bologna are the central "Due Torri" (Asinelli and Garisenda), whose iconic leaning forms provide a popular symbol of the town.

 

The cityscape is further enriched by its elegant and extensive porticoes, for which the city is famous. In total, there are some 38 kilometres (24 miles) of porticoes in the city's historical centre (over 45 km (28 mi) in the city proper), which make it possible to walk for long distances sheltered from the elements.

 

The Portico di San Luca is possibly the world's longest. It connects Porta Saragozza (one of the twelve gates of the ancient walls built in the Middle Ages, which circled a 7.5 km (4.7 mi) part of the city) with the Sanctuary of the Madonna di San Luca, a church begun in 1723 on the site of an 11th-century edifice which had already been enlarged in the 14th century, prominently located on a hill (289 metres (948 feet)) overlooking the town, which is one of Bologna's main landmarks. The windy 666 vault arcades, almost four kilometres (3,796 m or 12,454 ft) long, effectively links San Luca, as the church is commonly called, to the city centre. Its porticos provide shelter for the traditional procession which every year since 1433 has carried a Byzantine icon of the Madonna with Child attributed to Luke the Evangelist down to the Bologna Cathedral during the Feast of the Ascension.

 

In 2021, the porticoes were named as a UNESCO World Heritage Site.

 

San Petronio Basilica, built between 1388 and 1479 (but still unfinished), is the tenth-largest church in the world by volume, 132 metres long and 66 metres wide, while the vault reaches 45 metres inside and 51 metres in the facade. With its volume of 258,000 m3, it is the largest (Gothic or otherwise) church built of bricks of the world. The Basilica of Saint Stephen and its sanctuary are among the oldest structures in Bologna, having been built starting from the 8th century, according to the tradition on the site of an ancient temple dedicated to Egyptian goddess Isis. The Basilica of Saint Dominic is an example of Romanic architecture from the 13th century, enriched by the monumental tombs of great Bolognese glossators Rolandino de'Passeggeri and Egidio Foscherari. Basilicas of St Francis, Santa Maria dei Servi and San Giacomo Maggiore are other magnificent examples of 14th-century architecture, the latter also featuring Renaissance artworks such as the Bentivoglio Altarpiece by Lorenzo Costa. Finally, the Church of San Michele in Bosco is a 15th-century religious complex located on a hill not far from the city's historical center.

 

(Wikipedia)

 

Bologna [boˈlɔnja, italienisch boˈloɲːa] ist eine italienische Universitätsstadt und die Hauptstadt der Metropolitanstadt Bologna sowie der Region Emilia-Romagna. Die Großstadt ist mit 390.625 Einwohnern (Stand: 31. Dezember 2019) die siebtgrößte italienische Stadt und ein bedeutender nationaler Verkehrsknotenpunkt.

 

Geografie

 

Allgemein

 

Bologna liegt am südlichen Rand der Po-Ebene am Fuße des Apennin, zwischen den Flüssen Reno und Savena in Norditalien. Die Flussläufe und Kanäle in der Stadt wurden im Verlaufe der Stadtentwicklung aus sanitären Gründen fast vollständig überbaut. Die durch Bologna fließenden Gewässer sind der Canale di Reno, der Canale di Savena und der Aposa; sie werden nördlich des Stadtzentrums zum Navile zusammengefasst. Damit wird dem Canale di Savena ein Teil des Wassers entzogen; der nachfolgende Flussarm heißt entsprechend Savena abbandonato („aufgegebener Savena“). In den westlichen Stadtteilen verläuft zudem der Ravone, der sich weiter östlich mit dem Reno vereint. Das Adriatische Meer befindet sich ca. 60 Kilometer östlich der Stadt.

 

Geschichte

 

Antike

 

Die Geschichte der Stadt beginnt als etruskische Gründung mit dem Namen Felsina vermutlich im 6. Jahrhundert v. Chr., Spuren älterer dörflicher Siedlungen der Villanovakultur in der Gegend reichen bis ins 11./10. Jahrhundert v. Chr. zurück. Die etruskische Stadt wuchs um ein Heiligtum auf einem Hügel und war von einer Nekropole umgeben.

 

Im 5. Jahrhundert v. Chr. eroberten die keltischen Boier Felsina. 191 v. Chr. wurde die Stadt von den Römern erobert, 189 v. Chr. wurde sie als Bononia römische Colonia. 3000 latinische Familien siedelten sich dort an, wobei den ehemaligen Konsuln Lucius Valerius Flaccus, Marcus Atilius Seranus und Lucius Valerius Tappo die Organisation der Stadt(neu)gründung übertragen wurde.[3] Der Bau der Via Aemilia 187 v. Chr. machte Bononia zum Verkehrsknotenpunkt: Hier kreuzte sich die Hauptverkehrsstraße der Poebene mit der Via Flaminia minor nach Arretium (Arezzo). 88 v. Chr. erhielt Bononia über die Lex municipalis wie alle Landstädte Italiens volles römisches Bürgerrecht. Nach einem Brand wurde sie im 1. Jahrhundert unter Kaiser Nero wieder aufgebaut.

 

Wie für eine römische Stadt typisch, war Bononia schachbrettartig um die zentrale Kreuzung zweier Hauptstraßen angelegt, des Cardo mit dem Decumanus. Sechs Nord-Süd- und acht Ost-West-Straßen teilten die Stadt in einzelne Quartiere und sind bis heute erhalten. Während der römischen Kaiserzeit hatte Bononia mindestens 12.000, möglicherweise jedoch bis 30.000 Einwohner. Bei Ausgrabungen rund um das Forum der antiken Stadt in den Jahren 1989–1994 wurden zwei Tempel, Verwaltungsgebäude, Markthallen und das Tagungsgebäude des Stadtrates gefunden; im südlichen Teil des ursprünglichen Stadtgebietes ist ein Theater freigelegt worden. Die Stadt scheint jedoch deutlich über ihre ursprüngliche Befestigung hinausgewachsen zu sein, beispielsweise sind außerhalb der Stadtmauer ein Amphitheater, ein Aquädukt und ein Thermenareal entdeckt worden. Der Geograph Pomponius Mela zählte die Stadt im 1. Jahrhundert n. Chr. zu den fünf üppigsten (opulentissimae) Städten Italiens.

 

Mittelalter

 

Nach einem langen Niedergang wurde Bologna im 5. Jahrhundert unter dem Bischof Petronius wiedergeboren, der nach dem Vorbild der Jerusalemer Grabeskirche den Kirchenkomplex von Santo Stefano errichtet haben soll. Nach dem Ende des Römischen Reiches war Bologna ein vorgeschobenes Bollwerk des Exarchats von Ravenna, geschützt von mehreren Wallringen, die jedoch den größten Teil der verfallenen römischen Stadt nicht einschlossen. 728 wurde die Stadt von dem Langobardenkönig Liutprand erobert und damit Teil des Langobardenreichs. Die Langobarden schufen in Bologna einen neuen Stadtteil nahe Santo Stefano, bis heute Addizione Longobarda genannt, in dem Karl der Große bei seinem Besuch 786 unterkam.

 

Im 11. Jahrhundert wuchs der Ort als freie Kommune erneut. 1088 wurde der Studio gegründet – heute die älteste Universität Europas –, an der zahlreiche bedeutende Gelehrte des Mittelalters lehrten, unter anderem Irnerius, woraus dann im 12. Jahrhundert die Universität Bologna[4] entstand. Da sich die Stadt weiter ausdehnte, erhielt sie im 12. Jahrhundert einen neuen Wallring, ein weiterer wurde im 14. Jahrhundert fertiggestellt.

 

1164 trat Bologna in den Lombardenbund gegen Friedrich I. Barbarossa ein, 1256 verkündete die Stadt die Legge del Paradiso (Paradiesgesetz), das Leibeigenschaft und Sklaverei abschaffte und die verbleibenden Sklaven mit öffentlichem Geld freikaufte. 50.000 bis 70.000 Menschen lebten zu dieser Zeit in Bologna und machten die Stadt zur sechst- oder siebtgrößten Europas nach Konstantinopel, Córdoba, Paris, Venedig, Florenz und möglicherweise Mailand. Das Stadtzentrum war ein Wald von Türmen: Schätzungsweise um die 100 Geschlechtertürme der führenden Familien, Kirchtürme und Türme öffentlicher Gebäude bestimmten das Stadtbild.

 

Bologna entschied sich 1248, die Weizenausfuhr zu verbieten, um die Lebensmittelversorgung seiner schnell wachsenden Bevölkerung zu sichern. Das kam einer Enteignung der venezianischen Grundbesitzer, vor allem der Klöster gleich. 1234 ging die Stadt noch einen Schritt weiter und besetzte Cervia, womit es in direkte Konkurrenz zu Venedig trat, das das Salzmonopol in der Adria beanspruchte. 1248 dehnte Bologna seine Herrschaft auf die Grafschaft Imola, 1252–1254 sogar auf Ravenna aus. Dazu kamen 1256 Bagnacavallo, Faenza und Forlì.

 

Doch der schwelende Konflikt zwischen Venedig und Bologna wurde 1240 durch die Besetzung der Stadt durch Kaiser Friedrich II. unterbrochen. Nachdem sich Cervia 1252 jedoch wieder Venedig unterstellt hatte, wurde es von einer gemeinsamen ravennatisch-bolognesischen Armee im Oktober 1254 zurückerobert. Venedig errichtete im Gegenzug 1258 am Po di Primaro eine Sperrfestung. Etsch, Po und der für die Versorgung Bolognas lebenswichtige Reno wurden damit blockiert – wobei letzterer von der See aus wiederum nur über den Po erreichbar war, und die Etsch bereits seit langer Zeit durch Cavarzere von Venedig kontrolliert wurde. Mit Hilfe dieser Blockade, vor allem an der Sperrfestung Marcamò – Bologna riegelte Marcamò vergebens durch ein eigenes Kastell ab – zwang Venedig das ausgehungerte Bologna zu einem Abkommen, das die Venezianer diktierten. Das bolognesische Kastell wurde geschleift. Ravenna stand Venedigs Händlern wieder offen, Venedigs Monopol war durchgesetzt.

 

Im Jahre 1272 starb in Bologna nach mehr als 22-jähriger Haft im Palazzo Nuovo (dem heutigen Palazzo di re Enzo) der König Enzio von Sardinien, ein unehelicher Sohn des Staufer-Kaisers Friedrich II.

 

Wie die meisten Kommunen Italiens war Bologna damals zusätzlich zu den äußeren Konflikten von inneren Streitigkeiten zwischen Ghibellinen und Guelfen (Staufer- bzw. Welfen-Partei, Kaiser gegen Papst) zerrissen. So wurde 1274 die einflussreiche ghibellinische Familie Lambertazzi aus der Stadt vertrieben.

 

Als Bologna 1297 verstärkt gegen die Ghibellinen der mittleren Romagna vorging, fürchtete Venedig das erneute Aufkommen einer konkurrierenden Festlandsmacht. Das betraf vor allem Ravenna. Venedig drohte der Stadt wegen Nichteinhaltung seiner Verträge und Bevorzugung Bolognas. Doch der Streit konnte beigelegt werden. Zu einer erneuten Handelssperre seitens Venedigs (wohl wegen der Ernennung Baiamonte Tiepolos zum Capitano von Bologna) kam es Ende 1326. Bologna hatte sich dem Schutz des Papstes unterstellt, nachdem es 1325 von Modena in der Schlacht von Zappolino vernichtend geschlagen worden war. Im Mai 1327 wurden alle Bologneser aufgefordert, Venedig innerhalb eines Monats zu verlassen. 1328–1332 kam es zu Handelssperren und Repressalien. Ravenna blieb dabei der wichtigste Importhafen der Region, den z. B. Bologna für größere Importe aus Apulien weiterhin nutzte. Zwischen 1325 und 1337 kam es zum Eimerkrieg von Bologna. Während der Pest-Epidemie von 1348 starben etwa 30.000 der Einwohner.

 

Nach der Regierungszeit Taddeo Pepolis (1337–1347) fiel Bologna an die Visconti Mailands, kehrte aber 1360 auf Betreiben von Kardinal Gil Álvarez Carillo de Albornoz durch Kauf wieder in den Machtbereich des Papstes zurück. Die folgenden Jahre waren bestimmt von einer Reihe republikanischer Regierungen (so z. B. die von 1377, die die Basilica di San Petronio und die Loggia dei Mercanti errichten ließ), wechselnder Zugehörigkeit zum päpstlichen oder Viscontischen Machtbereich und andauernder, verlustreicher Familienfehden.

 

1402 fiel die Stadt an Gian Galeazzo Visconti, der zum Signore von Bologna avancierte. Nachdem 1433 Bologna und Imola gefallen waren (bis 1435), verhalf Venedig dem Papst 1440/41 endgültig zur Stadtherrschaft. Bei der Gelegenheit nahm Venedig 1441–1509 Ravenna in Besitz.

 

Um diese Zeit erlangte die Familie der Bentivoglio mit Sante (1445–1462) und Giovanni II. (1462–1506) die Herrschaft in Bologna. Während ihrer Regierungszeit blühte die Stadt auf, angesehene Architekten und Maler gaben Bologna das Gesicht einer klassischen italienischen Renaissance-Stadt, die allerdings ihre Ambitionen auf Eroberung endgültig aufgeben musste.

 

Neuzeit

 

Giovannis Herrschaft endete 1506, als die Truppen Papst Julius' II. Bologna belagerten und die Kunstschätze seines Palastes plünderten. Im Anschluss gehörte Bologna bis zum 18. Jahrhundert zum Kirchenstaat und wurde von einem päpstlichen Legaten und einem Senat regiert, der alle zwei Monate einen gonfaloniere (Richter) wählte, der von acht Konsuln unterstützt wurde. Am 24. Februar 1530 wurde Karl V. von Papst Clemens VII. in Bologna zum Kaiser gekrönt. Es war die letzte vom Papst durchgeführte Kaiserkrönung. Der Wohlstand der Stadt dauerte an, doch eine Seuche am Ende des 16. Jahrhunderts verringerte die Zahl der Einwohner von 72.000 auf 59.000, eine weitere 1630 ließ sie auf 47.000 schrumpfen, bevor sie sich wieder auf 60.000 bis 65.000 einpendelte.

 

1564 wurden die Piazza del Nettuno, der Palazzo dei Banchi und der Archiginnasio erbaut, der Sitz der Universität. Zahlreiche Kirchen und andere religiöse Einrichtungen wurden während der päpstlichen Herrschaft neu errichtet, ältere renoviert – Bolognas 96 Klöster waren italienischer Rekord. Bedeutende Maler wie Annibale Carracci, Domenichino und Guercino, die in dieser Periode in Bologna tätig waren, formten die Bologneser Schule der Malerei.

 

Im napoleonischen Europa wurde Bologna 1796 – seit dem Ersten Koalitionskrieg vom Kirchenstaat unabhängig – zunächst Hauptstadt der kurzlebigen Cispadanischen Republik und später die nach Mailand bedeutendste Stadt in der Cisalpinischen Republik und des napoleonischen Königreichs Italien. Am 28. Januar 1814 eroberten die Österreicher die Stadt kurzzeitig zurück, mussten am 2. April 1815 dem Einmarsch französischer Truppen weichen, um am 16. April 1815 Bologna endgültig einzunehmen. Nach dem Fall Napoleons schlug der Wiener Kongress 1815 Bologna wieder dem Kirchenstaat zu, worauf dies am 18. Juli 1816 zur Ausführung kam.

 

Die Bevölkerung rebellierte im Frühjahr 1831 gegen die päpstliche Restauration. Durch eine neuerliche österreichische Besatzung ab dem 21. März 1831 wurde dem ein Ende gemacht. Die Besatzung dauerte mit einer kurzen Unterbrechung (Juli 1831 bis Januar 1832) bis zum 30. November 1838. Die Macht war damit erneut in der Hand des Papstes. Dagegen erhob sich im August 1843 der Aufstand der Moti di Savigno. Erneut kam es 1848/1849 zu Volksaufständen, als es vom 8. August 1848 bis 16. Mai 1849 gelang, die Truppen der österreichischen Garnison zu vertreiben, die danach erneut bis 1860 die Befehlsgewalt über die Stadt innehatten. Nach einem Besuch von Papst Pius IX. 1857 stimmte Bologna am 12. Juni 1859 für seine Annexion durch das Königreich Sardinien, wodurch die Stadt Teil des vereinten Italien wurde.

 

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden die Mauern der Stadt bis auf wenige Reste abgerissen, um der schnell wachsenden Bevölkerung Platz zu schaffen. In den Wahlen am 28. Juni 1914 errang der Sozialist Francesco Zanardi zum ersten Mal das Stadtpräsidium (sindaco) für die Linke. Mit der Unterbrechung des Faschismus wird Bologna seitdem überwiegend von linken Stadtregierungen verwaltet.

 

1940 zählte Bologna 320.000 Einwohner. Im Zweiten Weltkrieg wurde Bologna in den Kämpfen der untergehenden NS-Diktatur mit amerikanischen, britischen und polnischen Invasionstruppen der Alliierten bombardiert und beschädigt, wobei in der Stadt 2.481 Zivilisten ums Leben kamen. Am 21. April 1945 wurde die Stadt von Einheiten des II. polnischen Korps befreit. Nach dem Krieg erholte sich Bologna schnell und ist heute eine der wohlhabendsten und stadtplanerisch gelungensten Städte Italiens.

 

Anschlag von Bologna 1980

 

Am 2. August 1980 verübte eine Gruppe von Rechtsextremisten einen Bombenanschlag auf den Hauptbahnhof der Stadt. 85 Menschen starben, mindestens 200 wurden verletzt. 1995 wurden für diesen Anschlag zwei Mitglieder der faschistischen Nuclei Armati Rivoluzionari und Mitarbeiter des italienischen Geheimdienstes zu langjährigen Haftstrafen verurteilt.

 

Kulinarisches

 

Bologna ist die Heimat der Tortellini – mit Hackfleisch gefüllte, kleine ringförmige Teigwaren, die in einer Hühnerbrühe (brodo) oder mit Sahnesoße serviert werden. Einer Legende nach sollen die Tortellini den Nabel der römischen Liebesgöttin Venus nachbilden.

Eine weitere klassische Pasta aus Bologna sind Tagliatelle, mit Ei hergestellte Bandnudeln, die traditionell mit Ragù alla bolognese, einer Soße mit Hackfleisch und Tomaten, serviert werden. Von den bolognesischen Tagliatelle al ragù wurden die Spaghetti bolognese inspiriert, die aber nicht zur Küche Bolognas gehören, sondern vermutlich aus Nordamerika stammen.

 

Eine weitere aus Bologna stammende Spezialität ist die Mortadella, eine Aufschnittwurst vom Schwein, die in hauchdünne Scheiben geschnitten verzehrt wird.

Bologna ist außerdem für seine grüne Lasagne bekannt.

 

Bildung

 

Die 1088 gegründete Universität Bologna ist die älteste Institution dieser Art in Europa. Die etwa 80.000 Studenten stellen bei einer Gesamtbevölkerung von um die 400.000 einen bedeutenden Teil der Stadtbevölkerung und prägen die Stadt, vor allem innerhalb der historischen Stadtmauern. Die Stadt ist nicht nur bei Studenten aus allen Teilen Italiens beliebt, sondern auch bei ausländischen Studenten. Neben Erasmus-Studenten sind das vor allem Studenten aus den USA.

 

Außerdem gibt es in der Stadt die Akademie der Bildenden Künste, an der unter anderem Giorgio Morandi lehrte und Enrico Marconi eine Ausbildung absolvierte. Das SAIS Bologna Center ist eine Außenstelle der School of Advanced International Studies (SAIS) der Johns Hopkins University. Bologna war Ort der Bolognaerklärung im Jahr 1999 und Namensgeber des Bologna-Prozesses zur Reformierung und Vereinheitlichung des Europäischen Hochschulraums.

 

(Wikipedia)

1590-1591. Oli sobre ela. 68 x 58,3 cm. Galeria dels Uffizi, Florència. Inv. 1890, no. 9403. Obra exposada.

The Glory of the Virgin, painted between 1656 and 1658 by Raffaele Vanni. The pendentives are Ruth, Esther, Judith & Deborah

Dedicated to the Virgin, the church was commissioned by Pope Sixtus IV in 1472 and replaced an earlier chapel. The façade was updated by Bernini in 1660. According to legend, the church stands above the tomb of Emperor Nero.

Santa Maria del Popolo houses work by Raphael, Bernini, Caravaggio, Pinturicchio, Bramante and Carracci.

Colonna Art Gallery.

 

The main gallery (completed 1703) and the masterful Colonna art collection was acquired after 1650 by both the cardinal Girolamo I Colonna and his nephew the Connestabile Lorenzo Onofrio Colonna and includes works by Lorenzo Monaco, Domenico Ghirlandaio, Palma the Elder, Salviati, Bronzino, Tintoretto, Pietro da Cortona, Annibale Carracci (painting of The Beaneater), Guercino, Francesco Albani, Muziano and Guido Reni. Ceiling frescoes by Filippo Gherardi, Giovanni Coli, Sebastiano Ricci, and Giuseppe Bartolomeo Chiari celebrate the role of Marcantonio II Colonna in the battle of Lepanto (1571). An Apotheosis of Martin V was painted by Benedetto Luti. There are frescoed apartments completed after 1664 by Crescenzio Onofri, Gaspard Dughet and Pieter Mulier II (nicknamed Cavalier Tempesta). Other rooms were frescoed in the 18th century by Pompeo Batoni and Pietro Bianchi.

 

The older wing of the complex known as the Princess Isabelle's apartments, but once housing Martin V's library and palace, contains frescoes by Pinturicchio, Antonio Tempesta, Crescenzio Onofri, Giacinto Gimignani, and Carlo Cesi. It contains a collection of landscapes and genre scenes by painters like Gaspard Dughet, Caspar Van Wittel (Vanvitelli), and Jan Brueghel the Elder.

 

Along with the possessions of the Doria-Pamphilij and Pallavacini-Rospigliosi families, this is one of the largest private art collection in Rome.

En 1514 ó a principios de 1515, Rafael Sanzio recibió del papa León X el encargo de diseñar un grupo de tapices monumentales para las paredes de la Capilla Sixtina. Los tramos altos de las paredes estaban ya decorados con frescos, pintados a finales del siglo anterior por Botticelli, Domenico Ghirlandaio y otros, pero los tramos bajos seguían disponibles para un nuevo despliegue decorativo. Miguel Ángel había terminado dos años antes el techo con sus famosos frescos, encargo de Julio II, y no pintaría la pared principal con el Juicio Final hasta treinta años después.

 

Rafael sabía que con sus tapices entraba en competencia con los frescos de Miguel Ángel, quien le subestimaba y a la vez le consideraba un rival. Se esmeró en perfeccionar sus diseños para que resistiesen tal comparación. Contaba con experiencia en grandes formatos por los murales que estaba pintando en las ahora llamadas Estancias de Rafael.

 

Inicialmente León X pensó en una serie de 16 tapices, que luego se redujo a diez. Pagó a Rafael en dos partes, en junio de 1515 y en diciembre de 1516. Se supone que el segundo pago coincidió con la conclusión de los diseños. El coste total de los tapices debió de alcanzar los 16.000 ducados, más de cinco veces lo que costó el techo de Miguel Ángel, si bien el grueso del dinero se lo llevaron los tejedores del taller Van Aelst de Bruselas y Rafael sólo cobró mil ducados. La mano de obra, el transporte desde Bruselas y los materiales necesarios (que incluían hilos de oro y plata) absorbieron buena parte del presupuesto.

 

Según lo habitual en el diseño de cartones, Rafael los pintó no sobre lienzo o tabla, sino sobre papel, un soporte más económico y fácil de transportar. Se suponía que estos modelos se desecharían una vez tejidos los tapices. Se unieron múltiples trozos de papel hasta formar pliegos de 3 metros de alto y de anchuras variables, de 3 a 5 metros. En el siglo siguiente se encolarían sobre lienzo para que ganasen consistencia. El tipo de pigmento empleado es similar a témpera mezclada con cola. Aunque algunos tonos se han apagado, la conservación en general es muy buena. Los colores son muy sutiles y variados, excesivamente complejos para ser plasmados en un tapiz, como ocurriría con los diseños de Goya.

 

El debate principal que rodea a los Cartones de Rafael es si él los pintó. El diseño es suyo, pero se cree que al menos en parte fueron ejecutados por ayudantes, ya que él estaba desbordado de trabajo y no hay que olvidar que eran plantillas para artesanos, cuya conservación a largo plazo no era prioritaria. Ahora son valorados como de altísimo valor artístico, en parte porque ejercieron una influencia determinante en Europa. Subsisten algunos bocetos parciales, en la Royal Collection y en el Museo J. Paul Getty, y se supone que existieron dibujos de las composiciones completas, que serían los empleados para los primeros grabados publicados.

 

Los cartones se terminaron posiblemente en 1516, y fueron enviados al taller de Pieter van Aelst III en Bruselas, una de las ciudades punteras en la fabricación de tapices. Después de tejerse la serie para el Vaticano se harían otras; Enrique VIII de Inglaterra compró una, que resultó destruida en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial (si bien reseñas recientes dicen que se conserva en Berlín), y Francisco I de Francia poseyó otra producida en la misma época, igualmente perdida en el siglo XVIII. Una serie incompleta (ocho tapices) se conserva en la Iglesia de San Pablo (Zaragoza), y otra serie de nueve (tejida hacia 1560) pertenece a las colecciones de Patrimonio Nacional. Al contrario de lo que era habitual, los cartones no se devolvieron al Papa, lo que permitió tejer más ejemplares. La serie conservada en Roma se remata con amplias cenefas decorativas de las que carecen los cartones de Londres. Rafael debió de diseñarlas y enviarlas a Bruselas en pliegos aparte.

 

Los primeros tapices para el Papa se enviaron desde Bruselas en 1517, y en la Navidad de 1519 se colgaron nueve en la Capilla Sixtina. Entonces, como ahora, se reservaban para ocasiones especiales; sus huecos en la Sixtina están pintados con trampantojos que simulan telas colgadas. La presencia de hilos de oro y plata en los tapices explica que algunos fuesen quemados vandálicamente para extraerles dichos metales.

 

En 2010, coincidiendo con una visita del papa Benedicto XVI a Londres, los Museos Vaticanos prestaron cuatro de los tapices originales al Victoria & Albert Museum, de modo que pudieron verse junto a sus cartones por primera vez en la historia. Ni tan siquiera Rafael pudo verlos juntos, ya que cuando los tapices se tejieron en Bruselas, fueron enviados a Roma sin los cartones, que quedaron en Flandes y siguieron otros vericuetos hasta su compra por Carlos I.

Rafael sabía que los cartones debían ser aptos para su «traducción» a una superficie textil, por lo que prestó menos atención a la pincelada o a los pequeños detalles para volcarse en las composiciones, que son monumentales, de figuras grandes y espacios amplios para evitar una aglomeración de elementos que resultaría confusa en los tapices. Esto puede explicar que las copias grabadas, a pesar de su pequeño formato, fuesen nítidas y que ejerciesen gran influencia en Europa, donde las estampas y demás reproducciones sobre papel circulaban rápidamente.

 

Los Cartones de Rafael influyeron en la implantación de la estética renacentista en los Países Bajos, tanto por los artistas que los vieron en Bruselas como por los grabados que circularon desde fecha temprana.

 

A finales del siglo XVI, los Carracci tuvieron en cuenta estos diseños en su afán por absorber el estilo más clásico de Rafael, el de sus años romanos. Ya en el siglo XVII, Poussin acusó una influencia de ellos casi de dependencia, y en general fueron seguidos como referencia para la pintura de temas históricos hasta principios del XIX. Los prerrafaelitas ingleses, al preferir a Botticelli y rechazar a Rafael, intentaban erradicar la influencia del clasicismo plasmado en estos cartones.

Los Cartones de Rafael ilustran escenas de las vidas de san Pedro y san Pablo. Ponen el énfasis en varios puntos que eran relevantes en las polémicas religiosas de los años previos a la Reforma luterana, y recalcan especialmente el papel de san Pedro como fundador del papado de Roma. Las escenas que eligió Rafael eran relativamente inusuales en el Arte, menos trilladas que las relativas a Jesucristo y la Virgen María, por lo que tuvo menos limitaciones para idearlas.

   

Italie

Lavinia Fontana -

Portrait of a Lady with a Dog [1590s] -

NZ Auckland AG - GAP

 

This portrait has recently been reattributed to Lavinia Fontana, who was much in demand as a portrait painter at the end of the sixteenth century. She trained alongside Agostino Carracci in her father Prospero's studio in Bologna, although she was forbidden to enrol in the Academy because of its focus on drawing from the nude. Portrait of a Lady demonstrates Fontana's painterliness, her mastery of the depiction of lace and jewellery, and her intuitive understanding of structure and form, which she derived from observing antique statuary. In her treatment of the hands, there is little sense of the bone structure beneath the skin. The lap dog was a popular symbol of marital fidelity in portraits of the period; an essential quality in a good wife. The main focus of such portraits was not so much to produce a 'living likeness', but to represent the most noble aspects of a person's character. According to the Bolognese noblewoman Lucrezia Marinella, men could win success and honour in many fields, but only ornamentation and dress were available to women as signs of accomplishment. Ironically these items always remained the property of one's father or husband. By rendering them with such care, Fontana served her sitter well.

www.aucklandartgallery.com/explore-art-and-ideas/artwork/...

 

Roma Palazzo Farnese Rione Regola

[Una versión más legible se encontrará en la entrada del blog, cuyo enlace se señala a continuación.]

 

enriqueviolanevado.blogspot.com.es/2014/08/catalogo-orien...

 

UNIVERSIDADES ANDALUZAS

 

PONENCIA DE HISTORIA DEL ARTE

  

CATÁLOGO ORIENTATIVO DE OBRAS DE ARTE

PARA LAS PRUEBAS DE ACCESO

A LA UNIVERSIDAD

 

(VERSIÓN ENMENDADA)

  

ARTE EGIPCIO

 

ARQUITECTURA

 

1. Templo de Amón; Karnak.

2. Templo de Amón; Luxor.

3. Templo de la Reina Hatshepsut; Deir el-Bahari.

4. Templo de Ramsés II (gran speo); Abu-Simbel.

5. Pirámide escalonada de Zoser; Sakkara.

6. Pirámides de Keops, Kefrén y Mykerinos; Guiza.

 

ESCULTURA

 

7. Príncipe Rahotep y su esposa Nofret.

8. Relieve de Hesiré (3ª dinastía).

9. Triada de Mykerinos.

10. Esfinge de Giza.

11. Sacerdote Kaaper o “el alcalde del pueblo”.

12. Escribas sentados, del Cairo y del Louvre.

13. Busto de Nefertiti.

14. Relieve de Amenofis IV y Nefertiti, bajo el dios Atón.

 

PINTURA

 

15. Deir-el-Medineh: Pinturas de la tumba de Sennedjem (escenas agrícolas).

16. Juicio del alma: papiro de la dinastía XIX.

17. Bailarinas y músicas de la tumba de Nebamón; imperio nuevo.

  

ARTE GRIEGO

 

ARQUITECTURA

 

18. Alzado de columnas y entablamentos dóricos, jónicos y corintios.

19. El Partenón de Atenas.

20. El Erecteion de Atenas: tribuna de las cariátides.

21. Templo de Atenea Niké de Atenas.

22. Altar de Zeus de Pérgamo.

23. Teatro de Epidauro.

 

ESCULTURA

 

24. Doríforo, de POLICLETO.

25. Diadúmeno, de POLICLETO.

26. Friso de las Panateneas, de FIDIAS: procesión y grupo de jinetes.

27. Detalle del frontón oriental del Partenón: el nacimiento de Atenea (Hestia, Dione y Afrodita), de FIDIAS.

28. Afrodita saliendo del baño (Venus de Cnido), de PRAXÍTELES.

29. Hermes con el niño Dionisos, de PRAXÍTELES.

30. Ménade Furiosa, de ESCOPAS.

31. Apoxiomeno, de LISIPO.

32. Hércules Farnesio, de LISIPO.

…

33. Venus de Milo.

34. Alegoría del Nilo.

35. Galo Ludovisi.

36. Galo Moribundo.

37. Vieja ebria (Múnich, colección de antigüedades).

38. El Niño de la espina (Roma, museo Capitolino).

39. Victoria de Samotracia.

40. Laocoonte y sus hijos.

 

ARTE ROMANO

 

ARQUITECTURA

 

41. Templo de la Fortuna Viril, Roma.

42. La Maisón Carrée, Nimes.

43. Panteón, Roma.

44. Basílica de Majencio, Roma.

45. Anfiteatro Flavio (el “Coliseo”), Roma.

46. Circo Máximo (reconstrucción), Roma.

47. Arco de triunfo de Constantino, Roma.

48. Acueducto de los Milagros, Mérida.

49. Acueducto de Segovia.

50. Anfiteatro de Itálica, Santiponce (Sevilla).

51. Teatro de Mérida.

52. Puente de Alcántara (Cáceres).

 

ESCULTURA

 

RETRATO

 

53. Lucius Brutus (“Romano Desconocido”). museo Capitolino, Roma.

54. Brutus Barberini con dos “imágenes maiorum”. Museo del Capitolio, Roma.

55. Augusto de “Prima Porta”.

56. Adriano, museo arqueológico de Sevilla.

57. Dama de la Permanente (Vibia Matibia). Museo Capitolino, Roma.

58. Retrato ecuestre de Marco Aurelio, Roma

 

RELIEVE HISTÓRICO

 

59. Interior del Arco de Tito, Roma.

60. Procesión de los Senadores, Ara Pacis, Roma.

61. Columna Trajana, Roma.

  

ARTE PALEOCRISTIANO

 

PINTURA

 

62. El Buen Pastor. Catacumba de Calixto, Roma.

…

 

ARQUITECTURA

 

63. Basílica de Santa Sabina, Roma.

…

  

ARTE BIZANTINO

 

ARQUITECTURA

 

64. Santa Sofía de Constantinopla, exterior e interior.

65. San Vital de Rávena, Italia. Interior.

66. San Apolinar el Nuevo, Rávena, Italia. Interior.

67. San Marcos de Venecia, Italia. Exterior.

 

MOSAICOS

 

68. Justiniano y su Corte. San Vital de Rávena. Italia.

69. Teodora y su séquito. San Vital de Rávena, Italia.

70. Procesión de los Santos y de las Santas, San Apolinar el Nuevo, Rávena, Italia.

71. Cristo Crosmocrátor, ábside de San Vital de Rávena, Italia.

  

ARTE HISPANO-MUSULMÁN

 

ARTE CALIFAL

 

72. MEZQUITA DE CÓRDOBA: arquerías interiores; cúpula del Mihrab; portada

del Mihrab; maqsura; portadas exteriores.

73. MADINAT AL-ZAHRA: Salón Rico.

 

ARTE ALMOHADE

 

74. Giralda de Sevilla.

75. Torre del Oro.

 

ARTE NAZARÍ

 

76. ALHAMBRA: Torre de Comares (interior y exterior); Cuarto de los Leones;

cúpulas de las Salas de Dos Hermanas y de los Abencerrajes; mirador de

Daraxa.

77. GENERALIFE: Patio de la Acequia.

  

ARTE ROMÁNICO

 

A)ARQUITECTURA

 

78. Iglesia de la Magdalena, de Vezelay, Francia. Interior.

79. Catedral, Torre y Baptisterio de Pisa, Italia. Exterior.

80. San Miniato al Monte, Florencia, Italia. Exterior.

81. San Isidoro de León. Exterior e interior.

82. Santiago de Compostela. Interior y puerta de las Platerías.

83. Cimborrio de la catedral de Zamora.

84. San Martín de Frómista. Exterior.

85. Iglesia de Eunate, Navarra, Exterior.

86. Claustro de Santo Domingo de Silos.

87. Claustro de San Juan de Duero.

88. San Esteban de Segovia.

 

B)ESCULTURA

 

89. Tímpano de la portada occidental de Santa Fe de Conques: Juicio Final.

90. Portada occidental de San Pedro de Moissac: Pantocrátor y Tetramorfos.

91. Cristo crucificado: maiestas domini (escultura exenta).

92. Portada de las Platerías. Santiago de Compostela.

93. Pórtico de la Gloria. Santiago de Compostela.

 

C)PINTURA

 

94. Ábside de San Clemente de Tahull: Pantocrátor.

95. Ábside de Santa María de Tahull: Maiestas Mariae.

96. Bóveda del Panteón de los Reyes de San Isidoro de León: La anunciación a los pastores.

  

ARTE GÓTICO

 

A)ARQUITECTURA

 

97. Catedral de Notre Dame de París; exterior.

98. Catedral de Reims; exterior e interior.

99. Catedral de Chartres; exterior.

100. Catedral de Amiens; exterior.

101. Santa Capilla de París, interior.

102. Ayuntamiento de Brujas; exterior.

103. Catedral de Nuestra Señora de las Flores de Florencia; exterior.

104. Palacio Ducal de Venecia.

105. Catedral de Burgos; exterior.

106. Catedral de Toledo; exterior e interior.

107. Catedral de León; exterior e interior.

108. Catedral de Sevilla; exterior.

109. Catedral de Palma de Mallorca; exterior.

110. San Juan de los Reyes de Toledo; claustro.

111. Colegio de San Gregorio de Toledo; fachada y patio.

 

B)ESCULTURA

 

112. Pórtico del crucero de la Catedral de Amiens: Virgen Dorada.

113. Portada principal de la Catedral de León: Virgen Blanca.

114. Jambas de la portada principal de la Catedral de Reims: Anunciación y Visitación.

115. Jambas de la portada central del Pórtico Real de la Catedral de Chartres: Reyes y reinas del Antiguo Testamento.

116. Retablo de Santa María de la Sede, del Altar Mayor de la Catedral de Sevilla.

117. Retablo de la Catedral de Toledo.

 

C)PINTURA

 

GIOTTO

118. San Francisco da su capa a un mendigo; Basílica alta de San Francisco, Asís.

119. Huida de Egipto; Capilla Scrovegni, Padua.

120. «Noli me tangere»; Capilla Scrovegni, Padua.

121. Llanto sobre Cristo muerto; Capilla Scrovegni, Padua.

122. Muerte de San Francisco; Iglesia de Santa Croce, Florencia.

 

SIMONE MARTINI

123. Retrato ecuestre del condotiero Guidoriccio da Flogiano; Fresco de la sala del Mapamondo. Palacio Publico, Siena.

124. La Anunciación, Ufizzi, Florencia.

 

HUBERTO Y JUAN VAN EYCK

125. Políptico del Cordero Místico (abierto). Catedral de San Bavón, Gante.

 

JUAN VAN EYCK

126. El Matrimonio Arnolfini, National Gallery, Londres.

127. La Virgen del canciller Rolin, Louvre, París.

128. La Virgen del canónigo van der Paele. Museo Comunal. Brujas.

  

ARTE MUDÉJAR

 

129. Iglesia de San Tirso; Sahagún (León). Exterior.

130. Sinagoga de Santa María la Blanca; Toledo. Interior.

131. Sinagoga del tránsito; Toledo. Interior.

132. Claustro del Monasterio de Guadalupe; Cáceres.

133. Patio de las Doncellas, de los Reales Alcázares, Sevilla.

134. Portada del palacio del Rey don Pedro, patio de la Montería; Reales Alcázares, Sevilla.

135. Torre de San Martín; Teruel.

  

ARTE RENACENTISTA Y MANIERISTA

 

I.EL QUATTROCENTO ITALIANO

 

A)ARQUITECTURA

 

BRUNELLESCHI

136. Cúpula de la Catedral de Florencia.

137. Basílica de San Lorenzo; Florencia. Interior.

138. Palacio Pitti; Florencia. Fachada.

139. Capilla Pazzi, exterior. Iglesia de Santa Croce; Florencia.

 

ALBERTI

140. Palacio Rucellai; Florencia. Exterior.

141. Santa María Novella; Florencia. Exterior.

142. San Andrés Mantua.

 

B)ESCULTURA

 

GHIBERTI

143. Puertas del Baptisterio de Florencia (segunda y tercera).

 

DONATELLO

144. San Jorge. Museo Barghello; Florencia.

145. David. Museo Barghello; Florencia.

146. Estatua ecuestre del Condotiero Gattamelata, Padua.

147. Magdalena penitente. Museo de la Catedral, Florencia.

 

C)PINTURA

 

FRA ANGÉLICO

 

148. La Anunciación. Museo del Prado; Madrid.

149. Coronación de la Virgen. Museo del Louvre; París.

 

MASACCIO

 

150. El tributo de la moneda. Capilla Brancacci, iglesia del Carmine; Florencia.

151. La Trinidad. Santa María Novella; Florencia.

 

PIERO DE LA FRANCESCA

 

152. Retrato de Federico de Montefeltro. Galería de los Uffizi; Florencia.

153. La batalla de Constantino (Historia de la Vera Cruz). Iglesia de San Francisco, Arezzo.

154. Comprobación de la Verdadera Cruz. Iglesia de San Francisco, Arezzo.

155. La Flagelación de Cristo. Galería de las Marcas; Urbino.

 

SANDRO BOTTICELLI

 

156. El Nacimiento de Venus. Uffizi, Florencia.

157. La Primavera. Uffizi; Florencia.

 

II.EL CINQUECENTO ITALIANO

 

A)ARQUITECTURA

 

BRAMANTE

 

158. Templete de San Pietro in Montorio. Roma.

159. Planta de la Basílica de San Pedro del Vaticano. Roma.

 

MIGUEL ÁNGEL

 

160. Escalera de la Biblioteca Laurenziana. Florencia.

161. Cúpula de la Basílica de San Pedro del Vaticano. Roma

162. Sacristía Nueva de la Basílica de San Lorenzo. Florencia.

163. Planta de la Basílica de San Pedro del Vaticano. Roma

 

ANDREA PALLADIO

 

164. Basílica. Vicenza.

165. Iglesia de San Giorgio Maggiore. Venecia.

166. Villa Capra (la Rotonda). Vicenza.

 

B)ESCULTURA

 

MIGUEL ÁNGEL

 

167. La Virgen de la Escalera; Casa Buonarroti, Florencia.

168. Piedad. Basílica del Vaticano. Roma.

169. David. Galería de la Academia. Florencia.

170. Moisés; San Pietro in Vincoli. Roma.

171. El esclavo despertándose; Galería de la Academia. Florencia.

172. El esclavo joven; Galería de la Academia. Florencia.

173. Sepulcro de Giuliano de Medici (La Noche y el Día); Sacristía Nueva de la Basílica de San Lorenzo, Florencia.

174. Sepulcro de Lorenzo de Medici (Aurora y Crepúsculo); Sacristía Nueva de la Basílica de San Lorenzo, Florencia.

175. Piedad Rondanini; Palacio Sforza. Milán.

 

C)PINTURA

 

LEONARDO DA VINCI

 

176. La Virgen de las Rocas; Museo del Louvre. París.

177. La Última Cena; Convento de Santa María de la Gracia, Milán.

178. Retrato de Monna Lisa, “La Gioconda”; Museo del Louvre. París.

179. Santa Ana, la Virgen y el Niño: Museo del Louvre, París.

 

RAFAEL

 

180. La Madonna del Gran Ducca; Galería Pitti. Florencia.

181. La Virgen del jilguero; Galería Uffizi, Florencia.

182. La Escuela de Atenas; Estancia de la Signatura, Palacio del Vaticano, Roma.

183. La Disputa del Santísimo Sacramento. Palacio del Vaticano. Roma

184. El Cardenal; Museo del Prado. Madrid.

 

MIGUEL ÁNGEL

 

185. Bóveda de la Capilla Sixtina; Palacio del Vaticano. Roma.

186. Juicio Final; Capilla Sixtina. Roma.

187. Tondo Doni. Ufizzi. Florencia

 

TIZIANO

 

188. Carlos V en la batalla de Mühlberg; Museo del Prado. Madrid.

189. La Bacanal; Museo del Prado. Madrid.

190. Danae. Museo del Prado. Madrid.

 

III.EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

 

A)ARQUITECTURA

 

191. Fachada de la Universidad de Salamanca.

 

JUAN DE ÁLAVA

192. Fachada del convento de San Esteban Salamanca.

 

DIEGO DE RIAÑO

193. Fachada del Ayuntamiento de Sevilla.

 

RODRIGO GIL DE HONTAÑÓN

194. Palacio de Monterrey de Salamanca.

195. Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares.

 

ALONSO DE COVARRUBIAS

196. Fachada del Alcázar de Toledo.

197. Patio del Hospital Tavera de Toledo.

 

PEDRO MACHUCA

198. Fachada del Palacio de Carlos V de Granada.

199. Patio de Palacio de Carlos V de Granada.

 

DIEGO DE SILOÉ

200. Catedral de Granada (Interior).

 

DIEGO DE SILOÉ Y ANDRÉS DE VANDELVIRA

201. Fachada de la Sacra Capilla del Salvador, Úbeda, Jaén.

 

ANDRÉS DE VANDELVIRA

202. Fachada del Palacio de las Cadenas, Úbeda, Jaén.

 

JUAN DE HERRERA

203. Planta del Monasterio de San Lorenzo del Escorial (Madrid).

204. Fachada del Monasterio de San Lorenzo del Escorial (Madrid).

 

B)ESCULTURA

 

ALONSO DE BERRUGUETE

205. San Sebastián; retablo de San Benito el Real. Museo Nacional de Escultura. Valladolid.

206. El Sacrificio de Isaac. Museo Nacional de Escultura. Valladolid.

207. Transfiguración de Cristo; Coro de la Catedral, Toledo.

 

JUAN DE JUNI

208. El Santo Entierro; Museo Nacional de la Escultura. Valladolid.

209. Virgen de las Angustias; Iglesia de Nuestra Señora de las Angustias. Valladolid.

 

C)PINTURA

 

EL GRECO

 

210. El Expolio de Cristo; Catedral. Toledo.

211. El Martirio de San Mauricio; San Lorenzo del Escorial.

212. El Entierro del Conde de Orgaz; Iglesia de Santo Tomé. Toledo.

213. Visión del Apocalipsis; Metropolitan Museum. Nueva York.

214. El Caballero de la mano en el pecho; Museo del Prado. Madrid.

215. Natividad; Museo del Prado. Madrid.

 

ARTE BARROCO

 

I.EL BARROCO EN ITALIA, FLANDES Y HOLANDA

 

A)ARQUITECTURA

 

1.ITALIA

 

BERNINI

216. Columnata de la Plaza de San Pedro del Vaticano, Roma.

217. Baldaquino de San Pedro del Vaticano, Roma.

218. Cátedra de San Pedro del Vaticano, Roma.

219. Sant’Andrea al Quirinale, Roma.

 

BORROMINI

220. San Carlo alle Quattro Fontane: exterior, Roma.

221. San Carlo alle Quattro Fontane: cúpula, Roma.

222. Sant’Ivo alla Sapienza; fachada, Roma.

 

2.FRANCIA

 

JULES HARDOUIN-MANSART, LE BRUN Y LE NÔTRE

223. Palacio de Versalles: exterior. Versalles (Francia).

224. Palacio de Versalles: Galería de los espejos.

 

B)ESCULTURA

 

BERNINI

225. David; Galería Borghese. Roma.

226. Apolo y Dafne; Galería Borghese, Roma.

227. San Longinos; Basílica de San Pedro del Vaticano. Roma.

228. Tumba del Papa Urbano VIII. Basílica de San Pedro del Vaticano. Roma.

229. Éxtasis de Santa Teresa; Capilla Cornaro, Iglesia de Santa María della Victoria, Roma.

230. La Beata Albertoni; Iglesia de San Francesco a Ripa, Roma.

 

C)PINTURA

 

1.ITALIA

 

CARAVAGGIO

231. Baco; Uffizi, Florencia.

232. Cena en Emaús; National Gallery, Londres.

233. La crucifixión de San Pedro; Iglesia de Santa María del Popolo, Roma.

234. La conversión de San Pablo; Iglesia de Santa María del Popolo, Roma.

235. La vocación de San Mateo; Capilla Contarelli, Iglesia de San Luis de los Franceses, Roma.

236. Muerte de la Virgen; museo del Louvre, París.

  

ANNIBALE CARRACCI

 

237. Bóveda de la Galería Farnese: Triunfo de Baco y Ariadna. Palacio Farnese, Roma.

 

2.FLANDES: ESCUELA FLAMENCA

 

PEDRO PABLO RUBENS

238. El Duque de Lerma. Museo del Prado; Madrid.

239. El Descendimiento; Catedral de Amberes.

240. Enrique IV recibiendo el retrato de María de Medici; Museo del Louvre; París.

241. El Jardín del Amor; Museo del Prado; Madrid.

242. Las Tres Gracias. Museo del Prado; Madrid.

 

3.ESCUELA HOLANDESA

 

REMBRANDT

243. Autorretrato (1634); Museo Nacional, Berlín.

244. Lección de anatomía del Profesor Tulp; Mauritshuis. La Haya.

245. Ronda de noche; Rijkmuseum, Amsterdam.

246. Mujer bañándose; Natioanl Gallery, Londres.

247. Los síndicos de los pañeros; Rijkmuseum, Amsterdam.

248. El hombre del yelmo de oro; Staatliche Museen. Berlín.

 

II.EL BARROCO EN ESPAÑA

 

A)ARQUITECTURA

 

GÓMEZ DE MORA

249. Plaza Mayor de Madrid.

 

PEDRO DE RIBERA

250. Portada del Real Hospicio de Madrid.

 

CASAS NOVOA

251. Fachada del Obradoiro de la Catedral. Santiago de Compostela.

 

ALBERTO DE CHURRIGUERA

252. Plaza Mayor de Salamanca.

 

JAIME BORT

253. Fachada de la Catedral, Murcia.

 

ALONSO CANO

254. Fachada de la catedral, Granada.

 

HURTADO IZQUIERDO

255. Sacristía de la Cartuja, Granada.

 

LEONARDO IZQUIERDO

256. Portada del Palacio de San Telmo, Sevilla.

 

VICENTE ACERO

257. Fachada de la Catedral, Cádiz.

 

NARCISO TOMÉ

258. Transparente de la Catedral, Toledo.

 

B) LA IMAGINERÍA ESPAÑOLA

 

GREGORIO FERNÁNDEZ

259. Cristo Yacente; Museo Nacional de Escultura. Valladolid.

260. Cristo atado a la columna; Iglesia de la V era Cruz. Valladolid.

261. Piedad; Museo Nacional de Escultura. Valladolid.

262. El Descendimiento de Cristo; Iglesia de la Vera Cruz. Valladolid.

 

MARTÍNEZ MONTAÑES

263. Cristo de la Clemencia; Catedral. Sevilla.

264. San Jerónimo. Retablo de San Isidoro del Campo. Santiponce (Sevilla).

265. La Natividad. Retablo de San Isidoro del Campo. Santiponce (Sevilla).

266. Inmaculada, Capilla de San Juan Bautista de la Catedral. (Sevilla).

 

JUAN DE MESA

267. Cristo de la Agonía; Iglesia de San Pedro. Vergara (Guipúzcoa).

268. Jesús del Gran Poder; Basílica de Jesús del Gran Poder de Sevilla.

 

ALONSO CANO

269. Inmaculada; Sacristía de la Catedral. Granada.

270. Cabeza de San Pablo; Catedral. Granada.

 

FRANCISCO SALZILLO

271. La Oración en el Huerto; Museo Salzillo. Murcia.

272. Figuras del Belén. Museo Salzillo. Murcia.

 

C)PINTURA

 

RIBERA

 

273. Calvario; Colegiata. Osuna (Sevilla).

274. La mujer barbuda; Hospital de San Juan Bautista. Toledo.

275. Inmaculada Concepción; convento de las agustinas recoletas. Salamanca.

276. Sueño de Jacob; Museo del Prado. Madrid.

277. Martirio de San Felipe; Museo del Prado, Madrid.

278. El patizambo; Museo del Louvre, París.

 

ZURBARÁN

 

279. Bodegón de los cacharros; Museo del Prado. Madrid.

280. Apoteosis de Santo Tomás de Aquino; Museo de Bellas Artes. Sevilla.

281. San Hugo en el refectorio de los Cartujos; Museo de Bellas Artes. Sevilla.

282. Bodegón de limones, naranjas y cacharros. The Norton Simon Museum. Pasadena (Estados Unidos).

283. Virgen de los Cartujos; Museo de Bellas Artes. Sevilla.

284. Fray Gonzalo de Illescas; Monasterio de Guadelupe. Cáceres.

285. Santa Casilda; Museo del Prado. Madrid.

 

VELÁZQUEZ

286. Vieja friendo huevos; Galería Nacional de Escocia. Edimburgo.

287. El aguador de Sevilla; Wellington Museum. Londres.

288. Retrato de Felipe IV (1628); Museo del Prado, Madrid.

289. Los borrachos o el triunfo de Baco, Museo del Prado, Madrid.

290. La fragua de Vulcano; Museo del Prado, Madrid.

291. Pablillos de Valladolid; Museo del Prado, Madrid.

292. Las lanzas o la rendición de Breda; Museo del Prado. Madrid.

293. El conde-duque de Olivares, a caballo; Museo del Prado. Madrid.

294. El príncipe Baltasar Carlos, a caballo; Museo del Prado. Madrid.

295. El niño de Vallecas; Museo del Prado. Madrid.

296. Villa Medici; Museo del Prado. Madrid.

297. La Venus del espejo; National Gallery, Londres.

298. El Papa Inocencio X; Galería Doria Pamphili, Roma.

299. Las meninas o la familia de Felipe IV; Museo del Prado. Madrid.

300. Las Hilanderas o la fábula de Aracné; Museo del Prado. Madrid.

 

MURILLO

301. La Sagrada Familia del pajarito. Museo del Prado, Madrid.

302. Visión de San Antonio; Catedral. Sevilla.

303. San Francisco abrazando al Crucificado; Museo de Bellas Artes. Sevilla.

304. Santa Isabel con los tiñosos; Museo del Prado, Madrid.

305. Inmaculada Concepción “del Escorial”, Museo del Prado, Madrid.

306. El Buen Pastor; Museo del Prado, Madrid.

307. Niño Pordiosero; Museo del Louvre. París.

308. Niños comiendo fruta; Pinacoteca. Múnich (Alemania).

  

ARTE NEOCLÁSICO

 

A)ARQUITECTURA

 

JUAN DE VILLANUEVA

309. La Casita el Príncipe. El Pardo (Madrid).

310. Palacio de las Ciencias (Museo del Prado). Madrid.

311. Observatorio astronómico. Madrid.

 

B)ESCULTURA

 

ANTONIO CANOVA

312. Amor y Psique abrazados; Museo del Louvre, París.

313. Paulina Bonaparte Borghese; Galería Borghese. Roma

314. Las tres Gracias; Museo Victoria y Alberto. Londres.

 

C)PINTURA

 

JACQUES-LOUIS DAVID

315. El Juramento de los Horacios; Museo del Louvre. París.

316. La muerte de Marat.

317. Madame Récamier; Museo del Louvre. París.

318. Napoleón cruzando los Alpes; Museo de Malmaison, París.

 

FRANCISCO DE GOYA

319. El quitasol; Museo del Prado. Madrid.

320. El cacharrero o puesto de loza; Museo del Prado. Madrid.

321. El entierro de la sardina; Academia de San Fernando. Madrid.

322. La Maja desnuda; Museo del Prado. Madrid.

323. Retrato de Jovellanos; Museo del Prado. Madrid.

324. El sueño de la razón produce monstruos (grabado).

325. La familia de Carlos IV; Museo del Prado. Madrid.

326. La condesa de Chinchón; colección particular. Madrid.

327. El coloso; Museo del Prado. Madrid.

328. El dos de mayo de 1808 o la carga de los mamelucos; Museo del Prado. Madrid.

329. Los fusilamientos de la Moncloa o el tres de mayo de 1808; Museo del Prado. Madrid.

330. El aquelarre; Museo del Prado. Madrid.

331. Ligereza y atrevimiento de Juanito Apiñani en la plaza de toros de Madrid (grabado, estampa nº 20 de tauromaquia); Círculo de Bellas Artes. Madrid.

332. La lechera de Burdeos; Museo del Prado. Madrid.

  

ARTE DEL SIGLO XIX

 

1.ROMANTICIMO Y REALISMO

 

PINTURA ROMÁNICA

 

FRIEDRICH

333. La cruz en las montañas; Museo de Düsseldorf.

334. El mar de hielo; Kuntshalle. Hamburgo.

335. Viajero frente al mar de niebla.

 

TURNER

336. Lluvia, vapor y velocidad; National Gallery. Londres.

337. La Tempestad; National Gallery. Londres.

 

DELACROIX

338. La matanza de Quíos; Museo del Louvre, París.

339. Muerte de Sardanápalo; Museo del Louvre. París.

340. La Libertad guiando al pueblo: 28 de julio de 1830; Museo del Louvre. París.

 

GERICAULT

341. La balsa de la Medusa; Museo del Louvre. París.

 

PINTURA REALISTA

 

COURBET

342. Entierro en Ornans; Museo del Louvre, París.

343. El estudio del Pintor; Museo del Louvre, París.

 

MILLET

344. Las espigadoras; Museo del Louvre, París.

345. El Ángelus; Museo d’Orsay, París.

 

2.ARQUITECTURA: HISTORICISMOS, EDIFICIOS DE HIERRO Y CRISTAL, MODERNISMO

 

A)HISTORICISMOS

 

CH. BARRY Y A. PUGIN

346. Casas del Parlamento, Londres.

 

CH. GARNIER

347. Fachada de la Ópera, París.

 

JOHN NASH

348. Pabellón Real. Brighton (Inglaterra).

 

RODRÍGUEZ AYUSO

349. Escuelas Aguirre, Madrid.

 

FEDERICO APARICI

350. Colegiata de Santa María de Covadonga. Covadonga (Asturias).

 

ELÍAS ROGENT

351. Universidad Vieja o Literaria. Barcelona.

 

PASCUAL Y COLOMER

352. Fachada del Congreso de los Diputados

 

B)EDIFICIOS DE HIERRO Y CRISTAL

 

GUSTAVE EIFFEL

353. Torre Eiffel. París.

 

LOUIS SULLIVAN

354. Almacenes Carson, Pirie and Sacott. Chicago (Estados Unidos).

 

SULLIVAN Y ADLER

355. Auditorium. Chicago (Estados Unidos).

 

C)EL MODERNISMO

 

VÍCTOR HORTA

356. Escalera interior de la Casa Tassel. Bruselas.

 

ANTONIO GAUDÍ

357. El Capricho. Comillas (Cantabria).

358. Fachada de la Casa Batlló. Barcelona.

359. Fachada de la Casa Milá o la Pedrera. Barcelona.

360. Parque Güel; Muntanya Pelada. Barcelona.

361. Interior de la Cripta de la Colonia Güel. Santa Coloma de Cervelló (Barcelona).

362. Fachada del templo expiatorio de la Sagrada Familia. Barcelona.

 

3.IMPRESIONISMO

 

A)PINTURA

 

MONET

363. Impression, soleil levant; Museo Marmottan-Monet. París.

364. La estación de Saint Lazare, Museo d’Orsay. París.

365. Serie de la Catedral de Ruen; Museo d’Orsay. París.

366. Serie de Ninfeas; Museo de L’Orangerie. París.

367. El puente de Argenteuil; Museo d’Orsay. París.

 

RENOIR

368. Baile en el Moulin de la Galette; Museo d’Orsay. París.

369. El almuerzo de los remeros; Collección Phillips.Washington.

370. Los paraguas; National Gallery, Londres.

371. Las bañistas (1918); Museo d’Orsay. París.

 

DEGAS

372. En las carreras (1869-72); Museo d’Orsay. París.

373. La clase de danza (1873); Museo d’Orsay. París.

374. Final de un arabesco (1877); Museo d’Orsay. París.

375. La tina; Hill-Stead Museum: Farmington (Estados Unidos).

376. Bailarinas azules (1890); Museo d’Orsay. París.

 

B)ESCULTURA

 

RODIN

377. El pensador; Museo Rodin. París.

378. Las puertas del infierno; Museo Rodin. París.

379. Monumento a Balzac; Museo Rodin. París.

380. El beso; Museo Rodin. París.

381. La catedral; Museo Rodin. París.

 

4.POSTIMPRESIONISMO

 

CÉZANNE

382. El florero azul (1889-90); Museo d’Orsay. París.

383. Los jugadores de cartas; Galería del Instituto Courtauld. Londres.

384. La montaña de Santa Victoria (1904-06); Museo de Bellas Artes de Filadelfia (Estados Unidos).

385. Las grandes bañistas(1894-1895). National Gallery, Londres.

386. Madame Cézanne en el invernadero (1891-92); Museo Metropolitano. Nueva York.

387. Manzanas y naranjas (1895-1900); Museo d’Orsay. París.

 

GAUGUIN

388. La visión después del sermón; Galería Nacional de Escocia. Edimburgo.

389. El Cristo amarillo; Galería de Arte Albright-Knox. Búfalo (Estados Unidos).

390. ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?; Museo de Bellas Artes. Boston (Estados Unidos).

391. Dos mujeres tahitianas en la playa (1891); Museo d’Orsay. París.

 

VINCENT VAN GOGH

392. Los comedores de patatas; Museo Van Gogh. Amsterdam

393. Autorretrato con la oreja vendada (1889); Colección Stavros Niarchos. Atenas.

394. Naturaleza muerta: girasoles (1888); National Gallery. Londres.

395. Café nocturno (1888); Yale Unniversity Art Gallery, New Haven, Estados Unidos.

396. Mi habitación en Arles; Museo d’Orsay. París.

397. La noche estrellada (1889); Museo de Arte Moderno. Nueva York.

  

ARTE DEL SIGLO XX

 

A)ARQUITECTURA

 

(G. THOMAS RIETVELD)

398. Casa Schröder. Utrecht (Holanda).

 

(WALTER GROPIUS)

399. Edificio de la Bauhaus. Dessau (Alemania).

 

LE CORBUSIER

400. Casa Stein (1927). Garches (Francia).

401. Unité d’Habitation (1947-52), Marsella (Francia).

402. Villa Saboye (1928-30). Poissy (Francia).

403. Capilla de Notre-Dame du Haut. Ronchamp (Francia).

 

FRANK LLOYD WRIGHT

404. Casa Robie (1927). Chicago (Estados Unidos).

405. Casa de la cascada o casa Kaufmann. Pensilvania (Estados Unidos).

406. Museo Guggenheim (interior y exterior): Nueva York (Estados Unidos).

 

B)ESCULTURA

 

ARCHIPENKO

407. Mujer andando (1912). Museo de Arte Danver (Estados Unidos).

 

BRÂNCUSI

408. Pájaro en el espacio (1932-40); Colección Peggy Guggenheim. Venecia.

 

JULIO GONZÁLEZ

409. Mujer ante el espejo (1936-37); Instituto Valenciano de Arte Moderno. Valencia.

410. Mujer peinándose (1932); Museo de Arte Moderno. París.

 

PABLO GARGALLO

411. El Profeta (1933); Museo Nacional de Arte Reina Sofía. Madrid.

 

ALEXANDER CALDER

412. Móvil sobre dos planos (1962); Museo Nacional de Arte Moderno. París.

413. Pez; Museo Hirshhorn. Washington (Estados Unidos).

414. Constelación; Museo Hirshhorn. Washington (Estados Unidos).

 

HENRY MOORE

415. Figura recostada; Museo de Arte Moderno. Nueva York.

416. Grupo familiar; Museo de Arte Moderno. Nueva York.

 

C)PINTURA

 

FAUVISMO: MATISSE

417. Armonía en rojo o la habitación roja. (1908).

418. Madame Mattise o la raya verde; Museo de Arte del Estado. Copenhague (Dinamarca).

419. La mujer con sombrero (1905)

420. La danza; Museo del Hermitage. San Petersburgo.

 

EXPRESIONISMO ALEMÁN: KANDINSKY

421. El jinete azul (1903); Colección particular. Zurich.

422. Primera acuarela abstracta (1910); Museo Nacional de Arte Moderno. París.

423. Murnau. Casas en el Obermarkt (1908). Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid.

424. Impresión nº 5 (parque); Museo Nacional de Arte Moderno. París.

 

CUBISMO: PICASSSO

425. El viejo guitarrista ciego; Instituto de Arte de Chicago.

426. La familia del acróbata con un mono (1905); Museo de Arte Goteborg. Suecia.

427. Los saltimbanquis (1905); National Gallery. Washington.

428. La fábrica de Horta d’Ebre. Museo del Ermitage. San Petersburgo.

429. Naturaleza muerta con asiento de rejilla; Museo Picasso, París.

430. Violín, vaso y pipa sobre una mesa. Galería Nacional de Praga.

431. Los tres músicos (1921); Museo de Arte de Filadelfia.

432. Guernica; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid.

 

SURREALISMO: DALÍ

433. La persistencia de la memoria; Museo de Arte de Nueva York.

434. Sueño provocado por el vuelo de una abeja… Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid.

435. Premonición de la guerra civil. Museo de Arte de Filadelfia.

436. Retrato de Mae West; Instituto de Arte. Chicago.

437. El enigma sin fin; Museo Nacional Centro Reina Sofía. Madrid.

 

ABSTRACCIÓN: POLLOCK

438. Ojos en el calor (1946); Colección Peggy Guggenheim. Venecia.

439. Bosque encantado (1947); Colección Peggy Guggenheim. Venecia.

440. Uno ˗ Número 31 (1950), Museo de Arte Moderno, Nueva York.

441. Eco (1951).

 

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La versión original de este catálogo la hemos encontrado en la página web de la siempre eficiente Universidad de Cádiz:

 

www.uca.es/acceso/portal.do?TR=A&IDR=1&identifica...

 

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La obra reproducida es «El Museo de una Noche» («Le Musée d’une Nuit»). Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 19 x 25 cm. Pertenece a una de las importantes galerías privadas belgas. Se trata de la colección de Marcel Mabille, emplazada en Sint-Genesius-Rode / Rhode-Saint-Genèse, población del Brabante flamenco próxima a Bruselas.

 

El pintor ejecutó un gouache en 1959 con el mismo título y que se puede considerar una réplica (bien que los compartimentos albergan en esta ocasión la cabeza de una paloma, un cascabel, una copa de cristal y el papel recortado). Esta obra fue subastada por Sotheby’s en Nueva York en 2013.

 

La imagen procede de la Wiki Art – Visual Art Encyclopedia:

 

www.wikiart.org/en/rene-magritte/one-night-museum-1927

 

Museo Archeologico Nazional, Napoli

 

Inv. N° 6030, exhibited in Hall VIII.

Called the "Antinous Farnese," after the name of its first owner.

"Un corps plus que nu, désarmé, d'une fraîcheur fragile de narcisse" (Marguerite Yourcenar, 1951)

 

This statue originally stood in Rome in the Palazzo Farnese, Carracci Gallery before being relocated to Napoli in the 18th century

On one side of the entrance door stands a copy created in the 1970s from casts made from the original

  

My Antinoos lens here:

www.squidoo.com/antinoos/

Another city high-rise, Torre Carracci at Av. Insurgentes Sur 1271.

 

The Carracci Corporate LEED Silver tower was designed by Colonnier Architects.

 

The design gives the impression its two buildings - not, just one.

 

The 390 foot tower was completed in 2018.

c. 1584-1585. Oli sobre tela. 130 x 169,6 cm. The Royal Collection, Londres. RCIN 404770. Obra no exposada.

On our final morning in Rome, Mike and I paid a visit to the Pantheon (Piazza della Rotonda) before heading to Civitavecchia to board our cruise.

 

The Pantheon was originally built as a Roman temple but was later converted to a Catholic basilica in 608 A.D. and consecrated as Sancta Maria ad Martyres (Saint Mary and the Martyrs). Its interior is richly decorated in polychrome marble and adorned with religious art. Eight aedicules alternate with seven larger chapels around the perimeter of the rotunda; most feature an altar, though some are devoted to a tomb/memorial.

 

The third aedicule on the left, shown here, features the Altar of Our Lady of the Rock and the Tomb of Raphael. The altarpiece is a statue depicting the Virgin Mary and Baby Jesus; it is known as Madonna del Sasso (''Madonna of the Rock''), and was sculpted by Raphael's pupil Lorenzo Lotti (or ''Lorenzetto'') in 1523-1524. Located at the base of the altar is the tomb of Raffaello Sanzio, the legendary Renaissance painter known as Raphael. A bronze bust of Raphael, created by Giuseppe Fabris in 1833, appears to the left of the altar; to the right are two inscribed marble funerary epigraphs -- the upper one marks the tomb of Raphael's fiancée, Maria Bibbiena (Cardinal Medici Bibbiena's niece, who died in 1520), while the lower one is for the painter Annibale Carracci (1560-1609). Raphael's glass-fronted memorial contains a marble sarcophagus and two metal sculptures -- a pair of suspended doves and a funerary wreath.

 

A few details on Raphael's tomb according to a nearby placard:

 

Raphael's Grave

After Raphael's death in 1520, the artist's body was immediately transferred here. In 1833, during the papacy of Gregory XVI, the grave was opened to verify the body's existence. The body was found, and the pope gave as a gift the ancient marble sarcophagus with Pietro Bembo's inscription: Ille hic est Raphael timuit quo sospite vinci rerum magna parens et moriente mori (''Here lies Raphael, by whom Nature feared to be outdone while he lived, and when he died, feared that she herself would die''). The event was commemorated with a painting titled The Opening of Raphael's Grave in Pantheon, which was created in 1836 by Franceso Diofebi.

 

Annibale Carracci, Bologna 1560 - Rom 1609

Venere, Satiro e due amorini / Venus mit Satyr und Amoretten / Venus with a Satyr and Cupids (ca. 1588)

 

Annibale Carracci war Maler und Kupferstecher und gilt neben Caravaggio als Begründer der italienischen Barockmalerei. Sein Hauptwerk sind die mythologischen Fresken im Palazzo Farnese in Rom, an denen er zusammen mit seinem Bruder Agostino im Auftrag von Vom Kardinal Odoardo Farnese acht Jahre lang arbeitete. Als die Brüder Carracci vom Kardinal mit der lächerlichen Summe von 500 Scudi abgespeist wurden, stürzte dies Annibale Carracci in Schwermut und Krankheit, wovon er sich nie wieder erholte.

 

In dem hier zu sehenden Gemälde blickt die fast nackte, im Freien lagernde Venus zum Satyr, der die Göttin, unterstützt von zwei Amoretten, mit einer Schale Weintrauben bezirzen will. Die elegante Erscheinung der Venus mit ihrem kunstvoll geflochtenem Haar steht im krassen Gegensatz zum ungehobelten und etwas aufdringlichen Satyr. Dennoch scheint Venus, obwohl sie leicht zurückweicht, von dem lüsteren Kumpan des Weingottes Bachus ein wenig fasziniert zu sein.

  

El palacio de Monterrey es un edificio de la ciudad española de Salamanca, uno de los máximos exponentes del estilo artístico plateresco. Edificado por el III conde de Monterrey, actualmente es propiedad de la Casa de Alba, que es titular de dicho condado. Fue un edificio muy admirado e imitado en el siglo XIX, dando lugar al llamado estilo Monterrey o neoplateresco, un historicismo que retomaba la estética del plateresco.

Fue declarado Monumento Histórico Nacional, equivalente al actual término BIC con categoría de Monumento, el 6 de mayo de 1929.​Desde mayo de 2018 el edificio está abierto a las visitas turísticas

El palacio de Monterrey, situado en el centro de la ciudad de Salamanca, lo hizo edificar —en estilo del renacimiento italiano— don Alonso de Zúñiga y Acevedo Fonseca, III conde de Monterrey. Rodrigo Gil de Hontañón y fray Martín de Santiago esbozaron los planos del palacio, y Pedro de Ibarra y Pedro de Miguel y Aguirre empezaron la construcción el 18 de enero de 1539. Desde entonces se convertiría en una de las obras más representativas del renacimiento español, si bien es un edificio inacabado pues su proyecto completo era mucho mayor. Su imagen (con torres y decoración suntuosa) simboliza la gran nobleza del Siglo de Oro español.

El proyecto preveía un edificio de planta cuadrangular de tres pisos y un patio central, con torres en cada esquina y en el centro de cada ala. Al cabo no se construyó más que una de las alas, la del sur. En las esquinas, leones y animales oníricos, diseñados por Fray Martín de Santiago, sostienen escudos con las armas de los Zúñiga, Acevedo, Ulloa, Sotomayor y Fonseca. La galería del último cuerpo tiene arcos renacentistas. Los balcones y ventanas están adornados con decoración plateresca.

 

El palacio de Monterrey ha influido notablemente en múltiples edificios españoles de los siglos XIX y XX, como el palacio de la Diputación de Palencia, obra de Jerónimo Arroyo de 1916, el Museo Arqueológico de Sevilla de Aníbal González de 1919 o la Academia de Caballería de Valladolid de Adolfo Pierrad de 1924.

Tras un año de restauración, en mayo de 2018 el palacio se ha abierto a las visitas turísticas como espacio musealizado, gracias al convenio suscrito por el Ayuntamiento de Salamanca y la Fundación Casa de Alba

Siendo una de las propiedades principales de la Casa de Alba, este edificio alberga valiosas obras de arte, así como un variado muestrario de muebles, tapices, porcelanas...

En él se identificaron dos cuadros de paisaje como originales del pintor valenciano José de Ribera; están fechados en 1639 y son los únicos ejemplos de paisaje independiente de toda su producción.

También se hallan aquí el cuadro Jasón con el dragón, de Salvatore Rosa, un retrato del Gran Duque de Alba pintado por Alonso Sánchez Coello, otro de Santa Teresa de Ávila por Juan Carreño de Miranda, y una obra atribuida a Annibale Carracci. Hay además ejemplos de los siglos XIX y XX, como una escultura de Mariano Benlliure y óleos de Manuel Benedito.

De todas formas, el grueso de las colecciones ducales se custodia en el palacio de Liria de Madrid, la principal residencia de los Alba.

Oil on canvas; 57 x 68 cm.

 

"Neither clean nor well-dressed, with his collar askew, his hat jammed on any old way and his unkempt beard, Annibale Carracci seemed to be like an ancient philosopher, absent-minded and alone," wrote an early biographer. A tailor's son, Carracci considered himself a craftsman, not a courtier, but the Romans buried him in the Pantheon beside Raphael.

 

Along with his older brother Agostino and his cousin Lodovico, Annibale founded the Accademia degli Incamminati (Academy of the Progressives) in Bologna, which focused on naturalism and rejected Mannerism. There they revived the practice of working from life, focusing on the craft of art rather than the elegant life of court painters. The Carracci were tireless observers. Scholars credit Annibale with teaching caricature and helping to revive the process of creating extensive preparatory drawings for paintings.

 

Between 1597 and 1601, Carracci worked on the gallery ceiling of the Palazzo Farnese in Rome, his most important legacy. Conceiving the ceiling as open to the sky, he painted its mythological love scenes as framed easel pictures within an illusionistic framework. After receiving a paltry five hundred lire for this extensive decoration, he suffered a breakdown. A prolific draftsman, Carracci derived his heroic figure style from antique sculpture and Michelangelo and Raphael's art, but he added a richness and buoyancy from his copious studies from life. He originated the "ideal landscape," with figures, buildings, and nature in perfect balance, a nature tamed and ennobled by man's presence.

 

Chiaroscuro with Jerneja

 

This is inspired by the great painters of Dutch baroque period; Rubens, Frans Hals and especially Rembrandt, who all did so much for the development of amazing portrait light (not that Carracci and Caravaggio didn't contribute their part). But Rembrandt is the king, period! :) I believe photographers should study their legacy and build on it. There is so much to learn from the old masters and there is so much more to explore in the world of shadows and darkness. I feel like I'm only scratching the surface here.

 

Anyways, Jerneja and I have been planing this since summer, but never got a good chance for doing it. It was freezing cold in this castle, but the location was perfect. This is just the first shot, I might have some better framings on Hasselblad (films yet to develop) and some extra shots on digital which have to be processed. I shot both, with flash (at f/8) and modeling lamps (at f/2.8)...

 

Many credits for this photograph go to my coworkers. Sure, I was the boss, commanding everyone around (OK, not really), but they all contributed their amazing creativity which went beyond my expectations. It is such a pleasure to work with people with whom you have such a deep mutual respect.

 

Model: Jerneja B.

Hair: Frizerski salon Mojca (Mojca Vrh)

Make-up: Saša Štefančič

Light assistant: Klemen Klančič

 

Big thanks go to mrs. Hermina who gave us the keys of the castle to work in.

 

See behind the scenes photos at my Facebook profile.

La Iglesia, cuyos orígenes se remontan a muchos siglos atrás, inicialmente pertenecía a la Orden de San Benito. Después de albergar a un grupo de monjas en el siglo XIII, en 1516 la iglesia fue demolida para ser reemplazada por un edificio más grande diseñado por Andrea da Formigine, quien construyó el pórtico y lo enriqueció con finas decoraciones (ahora dañadas).

A finales del siglo XVI, se entregó a los teatinos, cuya iglesia fue reconstruida por G. Battista Natali y Agostino Barelli: se agregó al edificio original un nuevo campanario y una nueva cúpula. Después de eso, los monjes decidieron renombrarlo después del fundador de su orden, dando así a la iglesia un nuevo título: San Bartolomeo (el nombre original) y San Gaetano Thiene (su fundador). Dentro de la iglesia, se pueden encontrar muchas pinturas de Lodovico Carracci, Guido Reni y otros. Además, junto al altar mayor hay una pequeña capilla donde fue enterrada la mística boloñesa Prudenziana Zagnoni.

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John Cecil, 5th earl of Exeter (1648-1700), and his wife Anne, remodelled part of their sixteenth-century house, Burghley, in Lincolnshire in the last decades of the seventeenth century. Antonio Verrio (c.1636-1707) was employed between 1686 and 1697 to decorate a series of State Rooms along the south front, known as the George Rooms. The Second George Room has a ceiling by Verrio with an allegory of the rewards of virtue. The frieze has fictive bronze medallions with episodes from the story of Romulus at the corners of the room, supported by fictive bronze figures of nude youths (ignudi). In this case the medallion shows Romulus and Remus as children, having escaped drowning in the Tiber, being nurtured by a she-Wolf, Lupa, and a woodpecker. The decorative scheme broadly follows the famous example of Annibale Carracci's ceiling in the Galleria Farnese, Rome (1597-1602), although Annibale - following Michelangelo's Sistine Ceiling - showed the youths as flesh and blood. The frieze contains openings to a blue sky in the space beyond the vault, echoing the illusion at the corners of Annibale's Roman ceiling.

The Conversion on the Way to Damascus

1600

Oil on canvas, 230 x 175 cm

Cerasi Chapel, Santa Maria del Popolo, Rome

 

In 1600, soon after he had completed the first two canvases for the Contarelli Chapel, Caravaggio signed a contract to paint two pictures for the Cerasi Chapel in Santa Maria del Popolo. The church has a special interest because of the works it contains by four of the finest artists ever to work in Rome: Raphael, Carracci, Caravaggio and Bernini. It is probable that by the time Caravaggio began to paint for one of its chapels, The Assumption by Annibale Carracci was in place above the altar. Caravaggio's depictions of key events in the lives of the founders of the Roman See have little in common with the brilliant colours and stylized attitudes of Annibale, and Caravaggio seems by far the more modern artist.

 

Of the two pictures in the chapel the more remarkable is the representation of the moment of St Paul's conversion. According to the Acts of the Apostles, on the way to Damascus Saul the Pharisee (soon to be Paul the Apostle) fell to the ground when he heard the voice of Christ saying to him, 'Saul, Saul, why do you persecute me?' and temporarily lost his sight. It was reasonable to assume that Saul had fallen from a horse.

 

Caravaggio is close to the Bible. The horse is there and, to hold him, a groom, but the drama is internalized within the mind of Saul. He lies on the ground stunned, his eyes closed as if dazzled by the brightness of God's light that streams down the white part of the skewbald horse, but that the light is heavenly is clear only to the believer, for Saul has no halo. In the spirit of Luke, who was at the time considered the author of Acts, Caravaggio makes religious experience look natural.

 

Technically the picture has defects. The horse, based on D??rer, looks hemmed in, there is too much happening at the composition's base, too many feet cramped together, let alone Saul's splayed hands and discarded sword. Bellori's view that the scene is 'entirely without action' misses the point. Like a composer who values silence, Caravaggio respects stillness.

 

Both this and the following painting appear to be second versions, for Baglione states that Caravaggio first executed the two pictures 'in another manner, but as they did not please the patron, Cardinal Sannesio took them for himself'. Of these earlier versions, only The Conversion of St Paul survives.

      

--- Keywords: --------------

 

Author: CARAVAGGIO

Title: The Conversion on the Way to Damascus

Time-line: 1551-1600

School: Italian

Form: painting

Type: religious

John Cecil, 5th earl of Exeter (1648-1700), and his wife Anne, remodelled part of their sixteenth-century house, Burghley, in Lincolnshire in the last decades of the seventeenth century. Antonio Verrio (c.1636-1707) was employed between 1686 and 1697 to decorate a series of State Rooms along the south front, known as the George Rooms. The Second George Room has a ceiling by Verrio with an allegory of the rewards of virtue. The frieze has fictive bronze medallions with episodes from the story of Romulus at the corners of the room, supported by fictive bronze figures of nude youths (ignudi), the head of one of which is seen here. The spandrels contain gilded ciphers.

Es la catedral de la ciudad, elevada al título de "Metropolitana" en 1582 por el Papa Gregorio XIII, que confirió la dignidad arzobispal a la diócesis de Bolonia.

Los primeros indicios del edificio se remontan al siglo X. La catedral ha sufrido varios cambios a lo largo de los siglos hasta alcanzar su aspecto actual, que se remonta a la renovación de 1605 que, sin embargo, hizo perder todo rastro de la primitiva estructura románico-gótica. El interior alberga pinturas de artistas como Prospero Fontana, Ludovico Carracci y Donato Creti.

El tesoro de la catedral alberga objetos y ornamentos litúrgicos del siglo XIV de gran valor artístico y espiritual.

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Drawing

From Wikipedia,

  

Male nude by Annibale Carracci, 16th centuryDrawing is a visual art that makes use of any number of drawing instruments to mark a two-dimensional medium. Common instruments include graphite pencils, pen and ink, inked brushes, wax color pencils, crayons, charcoals, chalk, pastels, markers, stylus, or various metals like silverpoint. An artist who practices or works in drawing may be referred to as a draftsman or draughtsman.

 

A small amount of material is released onto the two dimensional medium which leaves a visible mark—the process is similar to that of painting. The most common support for drawing is paper, although other materials such as cardboard, plastic, leather, canvas and board, may be used. Temporary drawings may be made on a blackboard or whiteboard, or indeed almost anything. The medium has also become popular as a means of public expression via graffiti art, because of the easy availability of permanent markers.

  

### ........must view as slide show.......##

 

La iglesia fue construida en nombre de los Barnabitas (sacerdotes católicos pertenecientes a la Orden de los Clérigos Regulares de San Pablo) entre 1606 y 1611 y fue diseñada por el arquitecto Ambrogio Mazenta. Entre 1634 y 1636, la iglesia fue enriquecida por Ercole Fichi, quien agregó una fachada elegante.

Dentro del edificio, las bóvedas fueron magníficamente decoradas por Antonio y Giuseppe Rolli, quienes tomaron las obras de San Pablo en el Areópago en Atenas.

Sobre el altar hay algunas valiosas pinturas de grandes maestros boloñeses, como Guercino, Giuseppe Maria Crespi (también conocido como Lo Spagnolo - The Spanish) y Lodovico Carracci, quien retrató el conocido "Paradiso".

El suntuoso altar mayor (1643-1650) es particularmente hermoso; allí, se puede admirar la escultura que representa "Decollazione di San Paolo" ("Decollación de San Pablo"), que ahora se destaca en el centro: fue encargada por los Barnabitas y construida por el boloñés Alessandro Algardi (que también construyó el medallón que cubre El frente del altar y el tabernáculo).

[www.zonzofox.com]

La iglesia fue construida en nombre de los Barnabitas (sacerdotes católicos pertenecientes a la Orden de los Clérigos Regulares de San Pablo) entre 1606 y 1611 y fue diseñada por el arquitecto Ambrogio Mazenta. Entre 1634 y 1636, la iglesia fue enriquecida por Ercole Fichi, quien agregó una fachada elegante.

Dentro del edificio, las bóvedas fueron magníficamente decoradas por Antonio y Giuseppe Rolli, quienes tomaron las obras de San Pablo en el Areópago en Atenas.

Sobre el altar hay algunas valiosas pinturas de grandes maestros boloñeses, como Guercino, Giuseppe Maria Crespi (también conocido como Lo Spagnolo - The Spanish) y Lodovico Carracci, quien retrató el conocido "Paradiso".

El suntuoso altar mayor (1643-1650) es particularmente hermoso; allí, se puede admirar la escultura que representa "Decollazione di San Paolo" ("Decollación de San Pablo"), que ahora se destaca en el centro: fue encargada por los Barnabitas y construida por el boloñés Alessandro Algardi (que también construyó el medallón que cubre El frente del altar y el tabernáculo).

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Peter Paul Rubens, Siegen 1577 - Antwerpen 1640

Venus und Adonis / Venus and Adonis (ca. 1630)

Metropolitan Museum of Art, New York

 

Rubens had a special talent for depicting mythological lovers, based partly on his profound knowledge of classical literature and sculpture, and on the importance of figure studies, based on live models, to his work in general. He was also exceptionally familiar with paintings by Italian artists who might be described as masters of sensuality, such as Titian, Correggio, Caravaggio, Annibale Carracci, and others.

 

This large canvas was probably painted about 1635 – 37, presumably as decoration for a large country house, considering that Adonis was a hunter. The picture’s earliest trace, in the collection of the Elector of Bavaria (until 1706), does not discourage the supposition. The composition is broadly inspired by Titian’s painting of the same subject (Museo del Prado, Madrid), which Rubens copied when he stayed in Madrid in 1628–29. The copy, now lost, is listed in the 1640 inventory of Rubens’s estate.

 

Titian has been credited with inventing the so-called leave-taking of Adonis, which in any case was a Renaissance embellishment of the story told in Ovid's Metamorphoses, X, lines 519 onward. Venus, grazed by one of Cupid’s arrows, falls in love with the handsome Adonis. She takes up his occupation as a hobby, wins his love, and then frets about his confrontations with big game. In Ovid’s account she departs first, in her swan-drawn chariot, but Titian and Rubens have Adonis striding off with manly indifference, toward a fatal encounter with a wild boar.

 

Radiography reveals that the expression of Rubens’s Adonis, in contrast to Titian’s, was originally somber and thus consistent with the Northern European tradition of moralizing Ovid’s tales. In this and in aspects of the composition (especially Venus’s pose) Rubens may have followed an engraving after Crispiin de Passe I, of 1600. But the classical pose of Adonis (recalling the famous Horse Tamers in Rome), Venus’s pillowy charms, Cupid’s precocious wrestling hold, and the muscular ballet that the trio performs are all distinctive of Rubens, whose learning always served his love of humanity.

 

Source: Metropolitan Museum of Art, New York

 

it.wikipedia.org/wiki/Ludovico_Carracci

La iglesia fue construida en nombre de los Barnabitas (sacerdotes católicos pertenecientes a la Orden de los Clérigos Regulares de San Pablo) entre 1606 y 1611 y fue diseñada por el arquitecto Ambrogio Mazenta. Entre 1634 y 1636, la iglesia fue enriquecida por Ercole Fichi, quien agregó una fachada elegante.

Dentro del edificio, las bóvedas fueron magníficamente decoradas por Antonio y Giuseppe Rolli, quienes tomaron las obras de San Pablo en el Areópago en Atenas.

Sobre el altar hay algunas valiosas pinturas de grandes maestros boloñeses, como Guercino, Giuseppe Maria Crespi (también conocido como Lo Spagnolo - The Spanish) y Lodovico Carracci, quien retrató el conocido "Paradiso".

El suntuoso altar mayor (1643-1650) es particularmente hermoso; allí, se puede admirar la escultura que representa "Decollazione di San Paolo" ("Decollación de San Pablo"), que ahora se destaca en el centro: fue encargada por los Barnabitas y construida por el boloñés Alessandro Algardi (que también construyó el medallón que cubre El frente del altar y el tabernáculo).

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Palazzo Mattei di Giove also known as Palazzo Antici Mattei or Palazzo Mattei ai Funari, is located in via Michelangelo Caetani, in the Sant'Angelo district. Built by Carlo Maderno between 1598 and 1611 for Asdrubale Mattei, Duke of Jupiter, on the occasion of his second marriage to Costanza Gonzaga (1595), the palace is the last in order of time of the five Mattei palaces, which form a single architectural complex, the so-called "Isola dei Mattei", between via Caetani, via delle Botteghe Oscure, Piazza and via Paganica, Piazza Mattei and via dei Funari.

 

The brick and travertine building is spread over three floors around two courtyards with a double entrance through two portals. The interior, in stark contrast to the sobriety of the exterior, presents a research for perspective effects and a notable richness of decorations: statues, busts, sarcophagi and architectural fragments from archaeological excavations, which are collected there and which merge with the Baroque stuccoes that frame them in a perfect unity of pictorial conception. The first of the two courtyards, in Carlo Maderno's project, had to fulfill the purpose of containing this collection. The staircase leading to the second floor is also adorned with ancient sculptures: the staircase has four flights, and is decorated with stuccos by Donato Mazzi (1606-1611) and Roman sarcophagi, among the most beautiful in the Mattei collections. On the first floor of the building there are rooms frescoed by different artists: Francesco Albani (Jacob's Dream), Domenichino (Jacob and Rachel at the fountain), Pomarancio (Stories of Joseph the Jew), Giovanni Lanfranco (Joseph and Putifarre's wife, 1615 ), Pietro Paolo Bonzi, Pietro da Cortona and Paul Bril (in the gallery, Stories of Solomon and the Queen of Saba), Antonio Carracci, Gaspare Celio, Cristoforo Greppi, Francesco Nappi, Giacomo Triga and others.

 

The palazzo now houses the Center for American Studies.

Lodovico Carracci, 1590, Fitzwilliam Museum, University Of Cambridge, Market, Cambridge, England, GBR, painting

Corpus Domini es una de las iglesias más importantes de Bolonia. Fue construido entre 1477 y 1480 por Nicolò Marchionne de Florencia y Francesco Fucci de Doccia. El edificio también se conoce como Chiesa della Santa (la Iglesia de la Santa) porque aún conserva el cuerpo de Santa Caterina de 'Vigri. En 1456 Santa Caterina fundó el primer convento para las Clarisas donde vivió hasta su muerte. Desde entonces, eso es por más de 500 años, su cuerpo se ha mantenido incorrupto en su capilla.

La iglesia tiene una hermosa fachada renacentista, el único elemento del edificio original, cuya parte sin refinar está enriquecida con elegantes relieves de terracota atribuidos a Sperandio de Mantova.

La parte interior del edificio fue totalmente restaurada por el arquitecto G. Giacomo Monti en 1687, quien decidió enriquecerla con maravillosas pinturas de M. Antonio Franceschini, adornos de Enrico Haffner y relieves de estuco de Giuseppe Mazza: desafortunadamente, la mayoría de estas valiosas obras de arte fueron bombardeadas y, en consecuencia, destruidas durante la Segunda Guerra Mundial.

La iglesia también conserva: el famoso cuadro Transito di S. Giuseppe de Franceschini, algunos cuadros de Lodovico Carracci, las tumbas del médico Luigi Galvani y la conocida científica del siglo XVIII Laura Bassi.

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