View allAll Photos Tagged demagoguery
Local torrential rains and a national deluge of Drumpfian demagoguery are leaving me with a sinking feeling.
Quote: Trump`s speech after election victory
Demagogue: "a leader who gains popularity by exploiting prejudice and ignorance among the common people, whipping up the passions of the crowd and shutting down reasoned deliberation" (wikipedia) "using arguments based on emotion rather than reason"
Part of "res noscenda note notiz sketch skizze material sammlung collection entwurf überlegung gedanke brainstorming musterbogen schnittmuster zwischenbilanz bestandsaufnahme rückschau vorschau" - Schöne Welt????
#wahl #wählen #election #trump #donald #präsident #president #wahlergebnis #sieg #demagogie #rede #zitat #quote #speech #rede #demagogy #populismus #postfaktisch #demagoguery #beauty #beautiful #schriftbild #satzzeichen #verlauf #schwarz #black #grau #grey #gray #grauton #graustufen #red #rot #letter #buchstabe #schrift #schreiben #form #inhalt #aussage #botschaft
George Washington said that our republic should come way before the unchecked machinations of any particular political party or person.
"The common and continual mischiefs of the spirit of [political] party are sufficient to make it the interest and duty of a wise people to discourage and restrain it" –President George Washington's Farewell Address
The current political madness in my country reminds me of the way the weather changes in the mountains. As Lermontov puts it,
“He in his madness prays for storms and dreams that storms will bring him peace," but, just like the mountain storms that don't last long, demagoguery will eventually dissipate, and thugs, pathological or not, will fall.
A smile like this does not make me feel sympathy for someone or makes me like to vote him - quite the contrary. I don`t understand why smiles like this work???
Why does demagoguery still work?
English wikipedia: "HC (Heinz-Christian) Strache"
Circle: I put the found pieces of the tile together, painted the circle and then mixed the pieces
Notes to the themes Notizen zum Themenkreis: "The sleep of reason produces monsters", "The Laughter of the Perpetrators", blinde Begeisterung
Part of: "an apple a day keeps the doctor away - An ENSO (Japanese: circle, Japanisch: Kreis) a day .... " Aktion Kreis Tagebuch A circle diary - Start of the 365-days Project: 1. September
panasonic DMC-GH3 - P1060963 - 2015-08-03 lumix
#zersprungen #zerbrochen #puzzle #schnittmuster #musterbogen #lachen #lächeln #smile #laugh #laughter #aufgesetzt #schreibunterlage #unterlegung #überlegung #demagogie #krieger #gedanke #rundgang #kind #child #stadt #scherben #bilderzyklus #kleisterfarbe #gouache #tinte #ink #paste #kleister #burschenschaft #männerbund #christen #mythologie #themenkreis #mythos #blind #begeisterung
Dear Reader,
I’ve been thinking about George Washington. Or, I should say, I had a discussion some time ago with The Atlantic’s editor in chief, Jeffrey Goldberg, about America’s first president, which began the process that resulted in my cover story for the November issue about how Donald Trump is the kind of demagogue that Washington warned us could one day gain the presidency, abuse its powers, and refuse to relinquish office.
Trump and his authoritarian political movement represent an existential threat to every ideal that Washington cherished and encouraged. They are the incarnation of Washington’s misgivings about populism, partisanship, and the “spirit of revenge” that Washington lamented as the animating force of party politics.
No man who has ever held the office is more unworthy of it than Trump—but he may hold it yet again.
Initially, I didn’t want to write this article. Perhaps like many other Americans, my understanding of Washington was limited to the things I’d learned in school a half century ago. This is something of an irony, because I know a lot about Washington’s military campaigns: I taught them as a professor at the Naval War College. If you wanted an explanation of, say, the battle of Yorktown as an example of a joint and allied operation, I was your man.
But Washington himself was, to me, something of a cipher. (This is partly because I grew up in Massachusetts, where local revolutionaries such as John Adams were our heroes.) And so I studied him anew, including a visit to his home at Mount Vernon.
As I stood in the rooms where he lived and died, I realized how human he was, with his own weaknesses and shortcomings, and how much he’d struggled with difficult decisions throughout his life while always trying to do right by his fellow citizens. (Even in his last hours, he thought of others, as he tried to reassure his grieving doctor that he was not afraid to die.) Unlike Trump, who grasps for power to serve his own interests, Washington regarded his offices as authority entrusted to him by the American people.
I know that Atlantic readers value history and the guidance it can offer us in our daily lives as citizens. I know, too, that these are stressful political times, when the American idea—the concepts of liberty for which Washington risked his life—are under siege. But I hope that you will find some inspiration, as I did, in remembering Washington, and that you can take heart from his example: He showed us that true patriotism is not some heroic act, but a virtue we can express every day if we are guided by an innate sense of decency and a thoughtful love of country.
The votes cast in November will be more consequential than those in any other American election in more than a century. As the United States confronts the choice between democracy and demagoguery, we should give thought to Washington’s example and the qualities that he possessed—ones we once expected, and should again demand, from our presidents.
The Moment of Truth
BY TOM NICHOLS
The reelection of Donald Trump would mark the end of George Washington’s vision for the presidency—and the United States.
Joseph Wopfner 1843-1927
Heuboot am Chiemsee Hay boat at the Chiemsee
Le bateau de foin. v 1885
München Lenbachhaus
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Johann Wolfgang Baumgartner 1702-1761 Augsburg
Paris mit der Seine. Aussicht vom Pont Rouge in Ricthung Pont Neuf
Paris with the Seine. View from Pont Rouge in Ricthung Pont Neuf
ca 1740
Augsburg Schaezlerpalais
Huile sur cuivre Oil on copper
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Okay...this isn’t Southeast Asia and I do not lead photo tours in that part of the world (for the moment, but I am looking to do so in the future).
This is the Bartholdi Fountain in Washington, DC that was designed by Frederic Auguste Bartholdi. Does that name ring a bell? No, he did not design the Liberty Bell in Philadelphia, but rather the Statue of Liberty in New York City. C’mon, who can forget that memorable ending scene from Titanic when Kate Winslet looks up at the Statue of Liberty as she starts her new life in America. American cinema at its finest (excuse me, I think I just threw up in my mouth)!
Sorry, but I have been tardy in getting back to your photostreams. The new Flickr redesign (which has slowed down the site) has made it a little troublesome to leave comments. In addition, I recently moved and my new place does not have any internet. I do use the Flickr mobile app on my iPhone, but I do not have the texting dexterity of a 15 year old and besides I have to rest my shooting index finger for photography. Finally, I have been busy...wait for it...post-processing photos! The last couple of months, due to my nomadic lifestyle, I have not had the quality time to properly process my photos with my Apple MacBook Pro and external monitor (my desktop computer is in storage somewhere in Illinois). I now have a workstation setup with my external monitor in place and the last couple of days I have been feverishly processing my photos from when I was in Southeast Asia last year (I have over 700 gigabytes of photos). So for the next couple of weeks be prepared to journey with me as I traverse through Singapore, Malaysia, Thailand, Laos, Vietnam and Cambodia.
Back to the 15 ton and 30 foot tall Bartholdi Fountain. Fatigue started to set in after photographing the memorials and monuments in Washington, DC, so I sought out lesser known sites and hidden gems around the city. The blue hour sky was not the greatest that evening as it was spoiled by overcast, rainy weather and light pollution. Perhaps it was a result of the political demagoguery pollution coming from nearby Capitol Hill!
Happy Travels!
Text and photo copyright by ©Sam Antonio Photography
Facebook | Google + | Twitter | Pinterest | Photography Blog | Travel Photography Gallery
And today is our first "Valentine's Day". The first, of all the next!
Although we're not together, what matter is that you're here, inside.
Thank you for taking part of my life now, for taking part of me. It's not exaggeration, cliché or demagoguery.
I wouldn't be able to describe how much I love you. Just for missing words, there are photographies!
I hope I've been making you as happy as you've been. I hope you feel that magic kiss' sensation the same way I feel. It's good to remember the beautiful moments we passed together, but it's better to imagine all the others that will come.
I love you so much. And I'm not afraid of saying "forever", because I live and say just what I feel.
S2 ;*****
E hoje é o nosso primeiro "Dia dos Namorados". O primeiro, de todos os próximos!
Mesmo não estando juntos, o que importa é que você está aqui dentro.
Obrigado por agora fazer parte da minha vida, por fazer parte de mim. Não é exagero, clichê, nem demagogia.
Não seria capaz de descrever o quanto gosto de você. Justamente por faltar palavras, existem fotografias!
Espero estar te fazendo tão feliz quanto você me faz. Espero que você sinta a sensação mágica desse beijo, da mesma forma que eu sinto. É bom lembrar dos momentos lindos que passamos, mas melhor ainda é imaginar todos os outros que ainda estão por vir.
Te amo muito. E não tenho medo de dizer "pra sempre", porque vivo e falo aquilo que sinto.
S2 ;*****
=]
Joseph Martin Höger 1801-1877 Wien
Chapelle forestière Forest chapel 1825
Wien Belvedere.
Les peintres allemands et autrichiens ont développé un art naturaliste, écologique, avant l'heure. Un art aussi très orienté vers la culture italienne. Ils s'expriment dans un langage plus ou moins classique ou romantique dans la forme. Cet art est unique en Europe. Inutile de chercher cet art là en France, en Espagne, en Italie, aux Pays Bas ou en Angleterre, sauf à titre exceptionnel. Ils seront rejoints, avec retard, par les peintres scandinaves.
German and Austrian painters developed a naturalistic, ecological art before its time. An art also very oriented towards Italian culture. They are expressed in a more or less classical or romantic language in form. This art is unique in Europe. No need to look for this art in France, Spain, Italy, the Netherlands or England, except in exceptional circumstances. They will be joined, late, by the Scandinavian painters.
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
For the special tribute issue of BusinessWeek that is coming out tomorrow, I tried to honor Steve Jobs in a small way with my memories of the NeXT days.
Here is the version I wrote (the print edition has several sentences edited out) with some italics added to summary sections:
-------------------------------
The book of Jobs, a parable of passion
Steve Jobs was intensely passionate about his products, effusing an infectious enthusiasm that stretched from one-on-one recruiting pitches to auditorium-scale demagoguery. It all came so naturally for him because he was in love, living a Shakespearean sonnet, with tragic turns, an unrequited era of exile, and ultimately the triumphant reunion. At the personal and corporate levels, it is the archetype of the Hero’s Journey turned hyperbole.
The NeXT years were torture for him, as he was forcibly estranged from his true love. When we went on walks, or if we had a brief time in the hallway, he would steer the conversation to a plaintive question: “What should Apple do?” As if he were an exile on Elba, Jobs always wanted to go home. “Apple should buy NeXT.” It seemed outrageous to me at the time; what CEO of Apple would ever invite Jobs back and expect to keep their job for long?
The Macintosh on his desk at NeXT had the striped Apple logo stabbed out, a memento of anguish scratched deep into plastic.
The NeXTSTEP operating system, object-oriented frameworks, and Interface Builder were beautiful products, but they were stuck in what Jobs considered the pedestrian business of enterprise IT sales. Selling was boring. Where were the masses? The NeXTSTEP step-parents sold to a crowd of muggles. The magic seemed misspent.
Jobs was still masterful, relating stories of how MCI saved so much time and money developing their systems on NeXTSTEP. He persuaded the market research firms IDC and Dataquest that a new computer segment should be added to the pantheon of mainframe, mini, workstation, and PC. The new market category would be called the “PC/Workstation,” and lo and behold, by excluding pure PCs and pure workstations, NeXT became No. 1 in market share. Leadership fabricated out of thin air.
During this time, corporate partners came to appreciate Steve’s enthusiasm as the Reality Distortion Field. Sun Microsystems went so far as to have a policy that no contract could be agreed to while Steve was in the room. They needed to physically remove themselves from the mesmerizing magic to complete the negotiation.
But Jobs was sleepwalking through backwaters of stodgy industries. And he was agitated by Apple’s plight in the press. Jobs reflected a few years later, “I can’t tell you how many times I heard the word ‘beleaguered’ next to ‘Apple.’ It was painful. Physically painful.”
When the miraculous did happen, and Apple bought NeXT, Jobs was reborn. I recently spoke with Bill Gates about passion: “Most people lose that fire in the belly as they age. Except Steve Jobs. He still had it, and he just kept going. He was not a programmer, but he had hit after hit.” Gates marvels at the magic to this day.
Parsimony
Jobs was the master architect of Apple design. Often criticized for bouts of micromanagement and aesthetic activism, Steve’s spartan sensibilities accelerated the transition from hardware to software. By dematerializing the user interface well ahead of what others thought possible, Apple was able to shift the clutter of buttons and hardware to the flexible and much more lucrative domain of software and services. The physical thing was minimized to a mere vessel for code.
Again, this came naturally to Jobs, as it is how he lived his life, from sparse furnishings at home, to sartorial simplicity, to his war on buttons, from the mouse to the keyboard to the phone. Jobs felt a visceral agitation from the visual noise of imperfection.
When Apple first demonstrated the mouse, Bill Gates could not believe it was possible to achieve such smooth tracking in software. Surely, there was a dedicated hardware solution inside.
When I invited Jobs to take some time away from NeXT to speak to a group of students, he sat in the lotus position in front of my fireplace and wowed us for three hours, as if leading a séance. But then I asked him if he would sign my Apple Extended Keyboard, where I already had Woz’s signature. He burst out: “This keyboard represents everything about Apple that I hate. It’s a battleship. Why does it have all these keys? Do you use this F1 key? No.” And with his car keys he pried it right off. “How about this F2 key?” Off they all went. “I’m changing the world, one keyboard at a time,” he concluded in a calmer voice.
And he dove deep into all elements of design, even the details of retail architecture for the Apple store (he’s a named patent holder on architectural glass used for the stairways). On my first day at NeXT, as we walked around the building, my colleagues shared in hushed voices that Jobs personally chose the wood flooring and various appointments. He even specified the outdoor sprinkler system layout.
I witnessed his attention to detail during a marketing reorganization meeting. The VP of marketing read Jobs’s e-mailed reaction to the new org chart. Jobs simply requested that the charts be reprinted with the official corporate blue and green colors, and provided the Pantone numbers to remove any ambiguity. Shifted color space was like a horribly distorted concerto to his senses. And this particular marketing VP was clearly going down.
People
Jobs’s estimation of people tended to polarize to the extremes, a black-and-white thinking trait common to charismatic leaders. Marketing execs at NeXT especially rode the “hero-shithead rollercoaster,” as it was called. The entire company knew where they stood in Jobs’s eyes, so when that VP in the reorg meeting plotted his rollercoaster path on the white board, the room nodded silently in agreement. He lasted one month.
But Jobs also attracted the best people and motivated them to do better than their best, rallying teams to work in a harmony they may never find elsewhere in their careers. He remains my archetype for the charismatic visionary leader, with his life’s song forever woven into the fabric of Apple.
Jobs now rests with the sublime satisfaction of symbolic immortality.
----
It was daunting to reflect on such a great man, from a refined set of exposures... but he was my childhood hero, and I convinced him to let me do a study of his management style while a lowly employee at NeXT. Nevertheless, I wondered if I captured his essence in those years of exile from Apple. So, I was floored when the BW editor wrote back "I think this piece is one of the best things I have ever read about Steve." :))
Olga Wisinger-Florian 1844-1926 Vienne
Krems Valley near Hartenstein c 1902
Wien Musée Léopold Collection privée
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Vintage postcard. Photo: Warner Bros.
American actress Patricia Neal (1928-2010) won both an Oscar and a Tony Award. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (1949), opposite Gary Cooper, and the Sci-Fi classic, The Day the Earth stood still (1951). In 1953, she married writer, Roald Dahl and they would have five children in 30 years of marriage. After appearing in Breakfast at Tiffany's (1961), she won the Best Actress Oscar for her role in Hud (1963) opposite Paul Newman.
Patricia Neal was born Patsy Louise Neal in Packard, Kentucky, in 1926. Her father, William Burdette Neal, managed a coal mine and her mother, Eura Mildred Petrey, was the daughter of the town doctor. Patsy grew up, with her two siblings, Pete and Margaret Ann, in Knoxville, Tennessee, where she attended high school. She was first bit by the acting bug at the age of 10, after attending an evening of monologues at a Methodist church. She subsequently wrote a letter to Santa Claus, telling him, "What I want for Christmas is to study dramatics". She won the Tennessee State Award for dramatic reading while she was in high school. She apprenticed at the Barter Theater in Abingdon, Virginia, when she was 16 years old, between her junior and senior years in high school. After studying drama for two years at Northwestern University, she headed to New York City. Her first job was as an understudy in the Broadway production of the John Van Druten play 'The Voice of the Turtle' (1947). It was the producer of the play that had her change her name from Patsy Louise to Patricia. After replacing Vivian Vance in the touring company of 'Turtle', she won a role in a play that closed in Boston and then appeared in summer stock. She won the role of the teenage Regina in Lillian Hellman's play, 'Another Part of the Forest' (1946), a prequel to 'The Little Foxes', for which she won a Tony Award in 1947. According to IMDb, she was visited backstage by Tallulah Bankhead - who had played the middle-aged Regina in the original Broadway production of Hellman's 'The Little Foxes' - and told Neal, "Dahling, you were as good as I was - and if I said you were half as good, it would [still] have been a hell of a compliment!" The role made the 20-year-old Neal a star. Subsequently, Neal signed a seven-year contract with Warner Bros. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (King Vidor, 1949), opposite the much older Gary Cooper, with whom she had a three-year-long love affair, and in director Robert Wise's Sci-Fi classic, The Day the Earth Stood Still (1951), which she made at 20th Century-Fox. Her affair with the married Cooper led to an abortion and nervous collapse. It quickened her decision to leave Hollywood. She returned to Broadway and achieved the success that eluded her in films, appearing in the revival of Lillian Hellman's play, 'The Children's Hour', in 1952. She met writer Roald Dahl in 1953 at a formal party, and they were married nine months later. The couple would have five children in 30 years of marriage.
In 1957, Patricia Neal had one of her finest roles in Elia Kazan's parable about the threat of mass-media demagoguery and home-grown fascism in A Face in the Crowd (1957). Before she appeared in the movie, Neal had taken over the role of Maggie in Tennessee Williams' 'Cat on a Hot Tin Roof', the Broadway smash that had been directed by Kazan. Returning to the stage, she appeared in the London production of Williams' 'Suddenly, Last Summer' and co-starred with Anne Bancroft in the Broadway production of 'The Miracle Worker'. After appearing opposite Audrey Hepburn and George Peppard in Breakfast at Tiffany's (Blake Edwards, 1961), she had what was arguably her finest role, as Alma the housekeeper, in Hud (Martin Ritt, 1963) opposite Paul Newman. The film was a hit and Neal won the Best Actress Oscar. She co-starred with John Wayne and Kirk Douglas in the war film In Harm's Way (Otto Preminger, 1965). In 1965, she suffered a series of strokes. Variety", the entertainment newspaper, mistakenly reported in their 22 February 1965 headline that Patricia Neal had died from her multiple strokes five days earlier. In truth, she remained in a coma for 21 days. She was filming John Ford's film, 7 Women (1965), and had to be replaced by Anne Bancroft. Neal was pregnant at the time. She underwent a seven-hour operation on her brain and survived, later delivering her fifth child. Her daughter, Lucy Dahl, was born healthy, but in its aftermath, the actress suffered from partial paralysis, and partial blindness, she lost her memory and was unable to speak. She underwent rehabilitation supervised by her husband. He designed her strenuous and intense recovery routines, including swimming, walking, memory games and crossword puzzles. Her experiences led to her becoming a champion in the rehabilitation field. She turned down The Graduate (Mike Nichols, 1967) as she had not recovered fully from her stroke. When she returned to the screen, in The Subject Was Roses (1968), she suffered from memory problems. According to her director, Ulu Grosbard, "The memory element was the uncertain one. But when we started to shoot, she hit her top level. She really rises to the challenge. She has great range, even more now than before". She received an Oscar nomination for her work. Subsequently, new acting roles equal to her talent were sparse.
Patricia Neal received three Emmy nominations, the first for originating the role of Olivia Walton in the TV movie The Homecoming: A Christmas Story (Fielder Cook, 1971), which gave birth to the TV show The Waltons (1972). One of her last films was the comedy Cookie's Fortune (Robert Altman, 1999) with Glenn Close and Julianne Moore. Patricia Neal died in 2010 in Edgarton, Massachusetts from lung cancer. She was 84 years old. She had become a Catholic four months before she died and was buried in the Abbey of Regina Laudis in Bethlehem, Connecticut, where the actress Dolores Hart, her friend since the early 1960s, had become a nun and ultimately prioress. Neal and Dahl's ordeal and ultimate victory over her illness were told in the television film The Patricia Neal Story (Anthony Harvey, Anthony Page, 1981), starring Glenda Jackson and Dirk Bogarde. After he played such a strong and devoted role in her physical and mental recovery from her paralytic illness, Neal divorced her husband, Roald Dahl, in 1983 after discovering his long-term affair with her former close friend, Felicity 'Liccy' Crosland. Dahl and Crosland married shortly after his divorce from Neal became final, and remained wed until Dahl's death. Neal and Dahl had five children: Ophelia Dahl, Lucy Dahl, Theo Dahl, Tessa Dahl, and Olivia Twenty Dahl (1955-1962), who died suddenly from complications of measles encephalitis at the age of seven. The story of Olivia's death and how Neal and Dahl coped with the tragedy was dramatised as a made-for-TV movie, To Olivia (John Hay, 2020). Neal and Dahl had numerous grandchildren. Patricia Neal always refused to reveal the name of her second husband, the man she married after her divorce from Roahl Dahl.
Sources: Jon C. Hopwood (IMDb), Wikipedia (Dutch and English) and IMDb.
And, please check out our blog European Film Star Postcards.
Egon Schiele 1890-1918 Wien
Dr Hugo Koller 1918
Wien Belvedere
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Vintage postcard. Photo: Warner Bros.
American actress Patricia Neal (1928-2010) won both an Oscar and a Tony Award. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (1949), opposite Gary Cooper, and the Sci-Fi classic, The Day the Earth stood still (1951). In 1953, she married writer, Roald Dahl and they would have five children in 30 years of marriage. After appearing in Breakfast at Tiffany's (1961), she won the Best Actress Oscar for her role in Hud (1963) opposite Paul Newman.
Patricia Neal was born Patsy Louise Neal in Packard, Kentucky, in 1926. Her father, William Burdette Neal, managed a coal mine and her mother, Eura Mildred Petrey, was the daughter of the town doctor. Patsy grew up, with her two siblings, Pete and Margaret Ann, in Knoxville, Tennessee, where she attended high school. She was first bit by the acting bug at the age of 10, after attending an evening of monologues at a Methodist church. She subsequently wrote a letter to Santa Claus, telling him, "What I want for Christmas is to study dramatics". She won the Tennessee State Award for dramatic reading while she was in high school. She apprenticed at the Barter Theater in Abingdon, Virginia, when she was 16 years old, between her junior and senior years in high school. After studying drama for two years at Northwestern University, she headed to New York City. Her first job was as an understudy in the Broadway production of the John Van Druten play 'The Voice of the Turtle' (1947). It was the producer of the play that had her change her name from Patsy Louise to Patricia. After replacing Vivian Vance in the touring company of 'Turtle', she won a role in a play that closed in Boston and then appeared in summer stock. She won the role of the teenage Regina in Lillian Hellman's play, 'Another Part of the Forest' (1946), a prequel to 'The Little Foxes', for which she won a Tony Award in 1947. According to IMDb, she was visited backstage by Tallulah Bankhead - who had played the middle-aged Regina in the original Broadway production of Hellman's 'The Little Foxes' - and told Neal, "Dahling, you were as good as I was - and if I said you were half as good, it would [still] have been a hell of a compliment!" The role made the 20-year-old Neal a star. Subsequently, Neal signed a seven-year contract with Warner Bros. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (King Vidor, 1949), opposite the much older Gary Cooper, with whom she had a three-year-long love affair, and in director Robert Wise's Sci-Fi classic, The Day the Earth Stood Still (1951), which she made at 20th Century-Fox. Her affair with the married Cooper led to an abortion and nervous collapse. It quickened her decision to leave Hollywood. She returned to Broadway and achieved the success that eluded her in films, appearing in the revival of Lillian Hellman's play, 'The Children's Hour', in 1952. She met writer Roald Dahl in 1953 at a formal party, and they were married nine months later. The couple would have five children in 30 years of marriage.
In 1957, Patricia Neal had one of her finest roles in Elia Kazan's parable about the threat of mass-media demagoguery and home-grown fascism in A Face in the Crowd (1957). Before she appeared in the movie, Neal had taken over the role of Maggie in Tennessee Williams' 'Cat on a Hot Tin Roof', the Broadway smash that had been directed by Kazan. Returning to the stage, she appeared in the London production of Williams' 'Suddenly, Last Summer' and co-starred with Anne Bancroft in the Broadway production of 'The Miracle Worker'. After appearing opposite Audrey Hepburn and George Peppard in Breakfast at Tiffany's (Blake Edwards, 1961), she had what was arguably her finest role, as Alma the housekeeper, in Hud (Martin Ritt, 1963) opposite Paul Newman. The film was a hit and Neal won the Best Actress Oscar. She co-starred with John Wayne and Kirk Douglas in the war film In Harm's Way (Otto Preminger, 1965). In 1965, she suffered a series of strokes. Variety", the entertainment newspaper, mistakenly reported in their 22 February 1965 headline that Patricia Neal had died from her multiple strokes five days earlier. In truth, she remained in a coma for 21 days. She was filming John Ford's film, 7 Women (1965), and had to be replaced by Anne Bancroft. Neal was pregnant at the time. She underwent a seven-hour operation on her brain and survived, later delivering her fifth child. Her daughter, Lucy Dahl, was born healthy, but in its aftermath, the actress suffered from partial paralysis, and partial blindness, she lost her memory and was unable to speak. She underwent rehabilitation supervised by her husband. He designed her strenuous and intense recovery routines, including swimming, walking, memory games and crossword puzzles. Her experiences led to her becoming a champion in the rehabilitation field. She turned down The Graduate (Mike Nichols, 1967) as she had not recovered fully from her stroke. When she returned to the screen, in The Subject Was Roses (1968), she suffered from memory problems. According to her director, Ulu Grosbard, "The memory element was the uncertain one. But when we started to shoot, she hit her top level. She really rises to the challenge. She has great range, even more now than before". She received an Oscar nomination for her work. Subsequently, new acting roles equal to her talent were sparse.
Patricia Neal received three Emmy nominations, the first for originating the role of Olivia Walton in the TV movie The Homecoming: A Christmas Story (Fielder Cook, 1971), which gave birth to the TV show The Waltons (1972). One of her last films was the comedy Cookie's Fortune (Robert Altman, 1999) with Glenn Close and Julianne Moore. Patricia Neal died in 2010 in Edgarton, Massachusetts from lung cancer. She was 84 years old. She had become a Catholic four months before she died and was buried in the Abbey of Regina Laudis in Bethlehem, Connecticut, where the actress Dolores Hart, her friend since the early 1960s, had become a nun and ultimately prioress. Neal and Dahl's ordeal and ultimate victory over her illness were told in the television film The Patricia Neal Story (Anthony Harvey, Anthony Page, 1981), starring Glenda Jackson and Dirk Bogarde. After he played such a strong and devoted role in her physical and mental recovery from her paralytic illness, Neal divorced her husband, Roald Dahl, in 1983 after discovering his long-term affair with her former close friend, Felicity 'Liccy' Crosland. Dahl and Crosland married shortly after his divorce from Neal became final, and remained wed until Dahl's death. Neal and Dahl had five children: Ophelia Dahl, Lucy Dahl, Theo Dahl, Tessa Dahl, and Olivia Twenty Dahl (1955-1962), who died suddenly from complications of measles encephalitis at the age of seven. The story of Olivia's death and how Neal and Dahl coped with the tragedy was dramatised as a made-for-TV movie, To Olivia (John Hay, 2020). Neal and Dahl had numerous grandchildren. Patricia Neal always refused to reveal the name of her second husband, the man she married after her divorce from Roahl Dahl.
Sources: Jon C. Hopwood (IMDb), Wikipedia (Dutch and English) and IMDb.
And, please check out our blog European Film Star Postcards.
Italian postcard by B.F.F. Edit (Casa Editr. Ballerini & Fratini, Firenze), no. 2651. Photo: Metro-Goldwyn-Mayer.
American actress Patricia Neal (1928-2010) won both an Oscar and a Tony Award. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (1949), opposite Gary Cooper, and the Sci-Fi classic, The Day the Earth stood still (1951). In 1953, she married writer, Roald Dahl and they would have five children in 30 years of marriage. After appearing in Breakfast at Tiffany's (1961), she won the Best Actress Oscar for her role in Hud (1963) opposite Paul Newman.
Patricia Neal was born Patsy Louise Neal in Packard, Kentucky, in 1926. Her father, William Burdette Neal, managed a coal mine and her mother, Eura Mildred Petrey, was the daughter of the town doctor. Patsy grew up, with her two siblings, Pete and Margaret Ann, in Knoxville, Tennessee, where she attended high school. She was first bit by the acting bug at the age of 10, after attending an evening of monologues at a Methodist church. She subsequently wrote a letter to Santa Claus, telling him, "What I want for Christmas is to study dramatics". She won the Tennessee State Award for dramatic reading while she was in high school. She apprenticed at the Barter Theater in Abingdon, Virginia, when she was 16 years old, between her junior and senior years in high school. After studying drama for two years at Northwestern University, she headed to New York City. Her first job was as an understudy in the Broadway production of the John Van Druten play 'The Voice of the Turtle' (1947). It was the producer of the play that had her change her name from Patsy Louise to Patricia. After replacing Vivian Vance in the touring company of 'Turtle', she won a role in a play that closed in Boston and then appeared in summer stock. She won the role of the teenage Regina in Lillian Hellman's play, 'Another Part of the Forest' (1946), a prequel to 'The Little Foxes', for which she won a Tony Award in 1947. According to IMDb, she was visited backstage by Tallulah Bankhead - who had played the middle-aged Regina in the original Broadway production of Hellman's 'The Little Foxes' - and told Neal, "Dahling, you were as good as I was - and if I said you were half as good, it would [still] have been a hell of a compliment!" The role made the 20-year-old Neal a star. Subsequently, Neal signed a seven-year contract with Warner Bros. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (King Vidor, 1949), opposite the much older Gary Cooper, with whom she had a three-year-long love affair, and in director Robert Wise's Sci-Fi classic, The Day the Earth Stood Still (1951), which she made at 20th Century-Fox. Her affair with the married Cooper led to an abortion and nervous collapse. It quickened her decision to leave Hollywood. She returned to Broadway and achieved the success that eluded her in films, appearing in the revival of Lillian Hellman's play, 'The Children's Hour', in 1952. She met writer Roald Dahl in 1953 at a formal party, and they were married nine months later. The couple would have five children in 30 years of marriage.
In 1957, Patricia Neal had one of her finest roles in Elia Kazan's parable about the threat of mass-media demagoguery and home-grown fascism in A Face in the Crowd (1957). Before she appeared in the movie, Neal had taken over the role of Maggie in Tennessee Williams' 'Cat on a Hot Tin Roof', the Broadway smash that had been directed by Kazan. Returning to the stage, she appeared in the London production of Williams' 'Suddenly, Last Summer' and co-starred with Anne Bancroft in the Broadway production of 'The Miracle Worker'. After appearing opposite Audrey Hepburn and George Peppard in Breakfast at Tiffany's (Blake Edwards, 1961), she had what was arguably her finest role, as Alma the housekeeper, in Hud (Martin Ritt, 1963) opposite Paul Newman. The film was a hit and Neal won the Best Actress Oscar. She co-starred with John Wayne and Kirk Douglas in the war film In Harm's Way (Otto Preminger, 1965). In 1965, she suffered a series of strokes. Variety", the entertainment newspaper, mistakenly reported in their 22 February 1965 headline that Patricia Neal had died from her multiple strokes five days earlier. In truth, she remained in a coma for 21 days. She was filming John Ford's film, 7 Women (1965), and had to be replaced by Anne Bancroft. Neal was pregnant at the time. She underwent a seven-hour operation on her brain and survived, later delivering her fifth child. Her daughter, Lucy Dahl, was born healthy, but in its aftermath, the actress suffered from partial paralysis, and partial blindness, she lost her memory and was unable to speak. She underwent rehabilitation supervised by her husband. He designed her strenuous and intense recovery routines, including swimming, walking, memory games and crossword puzzles. Her experiences led to her becoming a champion in the rehabilitation field. She turned down The Graduate (Mike Nichols, 1967) as she had not recovered fully from her stroke. When she returned to the screen, in The Subject Was Roses (1968), she suffered from memory problems. According to her director, Ulu Grosbard, "The memory element was the uncertain one. But when we started to shoot, she hit her top level. She really rises to the challenge. She has great range, even more now than before". She received an Oscar nomination for her work. Subsequently, new acting roles equal to her talent were sparse.
Patricia Neal received three Emmy nominations, the first for originating the role of Olivia Walton in the TV movie The Homecoming: A Christmas Story (Fielder Cook, 1971), which gave birth to the TV show The Waltons (1972). One of her last films was the comedy Cookie's Fortune (Robert Altman, 1999) with Glenn Close and Julianne Moore. Patricia Neal died in 2010 in Edgarton, Massachusetts from lung cancer. She was 84 years old. She had become a Catholic four months before she died and was buried in the Abbey of Regina Laudis in Bethlehem, Connecticut, where the actress Dolores Hart, her friend since the early 1960s, had become a nun and ultimately prioress. Neal and Dahl's ordeal and ultimate victory over her illness were told in the television film The Patricia Neal Story (Anthony Harvey, Anthony Page, 1981), starring Glenda Jackson and Dirk Bogarde. After he played such a strong and devoted role in her physical and mental recovery from her paralytic illness, Neal divorced her husband, Roald Dahl, in 1983 after discovering his long-term affair with her former close friend, Felicity 'Liccy' Crosland. Dahl and Crosland married shortly after his divorce from Neal became final, and remained wed until Dahl's death. Neal and Dahl had five children: Ophelia Dahl, Lucy Dahl, Theo Dahl, Tessa Dahl, and Olivia Twenty Dahl (1955-1962), who died suddenly from complications of measles encephalitis at the age of seven. The story of Olivia's death and how Neal and Dahl coped with the tragedy was dramatised as a made-for-TV movie, To Olivia (John Hay, 2020). Neal and Dahl had numerous grandchildren. Patricia Neal always refused to reveal the name of her second husband, the man she married after her divorce from Roahl Dahl.
Sources: Jon C. Hopwood (IMDb), Wikipedia (Dutch and English) and IMDb.
And, please check out our blog European Film Star Postcards.
Olga Wisinger-Florian 1844-1926 Vienne
Sur la mer du Nord On the North-Sea 1894
Wien Musée Léopold Collection privée Private collection
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Bartolomé Esteban Murillo 1618-1682 Séville
Jeunes vendeurs de fruits Young fruit sellers
Munich Alte Pinakothek
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Vintage postcard, no. 86. Photo: Warner Bros.
American actress Patricia Neal (1928-2010) won both an Oscar and a Tony Award. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (1949), opposite Gary Cooper, and the Sci-Fi classic, The Day the Earth stood still (1951). In 1953, she married writer, Roald Dahl and they would have five children in 30 years of marriage. After appearing in Breakfast at Tiffany's (1961), she won the Best Actress Oscar for her role in Hud (1963) opposite Paul Newman.
Patricia Neal was born Patsy Louise Neal in Packard, Kentucky, in 1926. Her father, William Burdette Neal, managed a coal mine and her mother, Eura Mildred Petrey, was the daughter of the town doctor. Patsy grew up, with her two siblings, Pete and Margaret Ann, in Knoxville, Tennessee, where she attended high school. She was first bit by the acting bug at the age of 10, after attending an evening of monologues at a Methodist church. She subsequently wrote a letter to Santa Claus, telling him, "What I want for Christmas is to study dramatics". She won the Tennessee State Award for dramatic reading while she was in high school. She apprenticed at the Barter Theater in Abingdon, Virginia, when she was 16 years old, between her junior and senior years in high school. After studying drama for two years at Northwestern University, she headed to New York City. Her first job was as an understudy in the Broadway production of the John Van Druten play 'The Voice of the Turtle' (1947). It was the producer of the play that had her change her name from Patsy Louise to Patricia. After replacing Vivian Vance in the touring company of 'Turtle', she won a role in a play that closed in Boston and then appeared in summer stock. She won the role of the teenage Regina in Lillian Hellman's play, 'Another Part of the Forest' (1946), a prequel to 'The Little Foxes', for which she won a Tony Award in 1947. According to IMDb, she was visited backstage by Tallulah Bankhead - who had played the middle-aged Regina in the original Broadway production of Hellman's 'The Little Foxes' - and told Neal, "Dahling, you were as good as I was - and if I said you were half as good, it would [still] have been a hell of a compliment!" The role made the 20-year-old Neal a star. Subsequently, Neal signed a seven-year contract with Warner Bros. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (King Vidor, 1949), opposite the much older Gary Cooper, with whom she had a three-year-long love affair, and in director Robert Wise's Sci-Fi classic, The Day the Earth Stood Still (1951), which she made at 20th Century-Fox. Her affair with the married Cooper led to an abortion and nervous collapse. It quickened her decision to leave Hollywood. She returned to Broadway and achieved the success that eluded her in films, appearing in the revival of Lillian Hellman's play, 'The Children's Hour', in 1952. She met writer Roald Dahl in 1953 at a formal party, and they were married nine months later. The couple would have five children in 30 years of marriage.
In 1957, Patricia Neal had one of her finest roles in Elia Kazan's parable about the threat of mass-media demagoguery and home-grown fascism in A Face in the Crowd (1957). Before she appeared in the movie, Neal had taken over the role of Maggie in Tennessee Williams' 'Cat on a Hot Tin Roof', the Broadway smash that had been directed by Kazan. Returning to the stage, she appeared in the London production of Williams' 'Suddenly, Last Summer' and co-starred with Anne Bancroft in the Broadway production of 'The Miracle Worker'. After appearing opposite Audrey Hepburn and George Peppard in Breakfast at Tiffany's (Blake Edwards, 1961), she had what was arguably her finest role, as Alma the housekeeper, in Hud (Martin Ritt, 1963) opposite Paul Newman. The film was a hit and Neal won the Best Actress Oscar. She co-starred with John Wayne and Kirk Douglas in the war film In Harm's Way (Otto Preminger, 1965). In 1965, she suffered a series of strokes. Variety", the entertainment newspaper, mistakenly reported in their 22 February 1965 headline that Patricia Neal had died from her multiple strokes five days earlier. In truth, she remained in a coma for 21 days. She was filming John Ford's film, 7 Women (1965), and had to be replaced by Anne Bancroft. Neal was pregnant at the time. She underwent a seven-hour operation on her brain and survived, later delivering her fifth child. Her daughter, Lucy Dahl, was born healthy, but in its aftermath, the actress suffered from partial paralysis, and partial blindness, she lost her memory and was unable to speak. She underwent rehabilitation supervised by her husband. He designed her strenuous and intense recovery routines, including swimming, walking, memory games and crossword puzzles. Her experiences led to her becoming a champion in the rehabilitation field. She turned down The Graduate (Mike Nichols, 1967) as she had not recovered fully from her stroke. When she returned to the screen, in The Subject Was Roses (1968), she suffered from memory problems. According to her director, Ulu Grosbard, "The memory element was the uncertain one. But when we started to shoot, she hit her top level. She really rises to the challenge. She has great range, even more now than before". She received an Oscar nomination for her work. Subsequently, new acting roles equal to her talent were sparse.
Patricia Neal received three Emmy nominations, the first for originating the role of Olivia Walton in the TV movie The Homecoming: A Christmas Story (Fielder Cook, 1971), which gave birth to the TV show The Waltons (1972). One of her last films was the comedy Cookie's Fortune (Robert Altman, 1999) with Glenn Close and Julianne Moore. Patricia Neal died in 2010 in Edgarton, Massachusetts from lung cancer. She was 84 years old. She had become a Catholic four months before she died and was buried in the Abbey of Regina Laudis in Bethlehem, Connecticut, where the actress Dolores Hart, her friend since the early 1960s, had become a nun and ultimately prioress. Neal and Dahl's ordeal and ultimate victory over her illness were told in the television film The Patricia Neal Story (Anthony Harvey, Anthony Page, 1981), starring Glenda Jackson and Dirk Bogarde. After he played such a strong and devoted role in her physical and mental recovery from her paralytic illness, Neal divorced her husband, Roald Dahl, in 1983 after discovering his long-term affair with her former close friend, Felicity 'Liccy' Crosland. Dahl and Crosland married shortly after his divorce from Neal became final, and remained wed until Dahl's death. Neal and Dahl had five children: Ophelia Dahl, Lucy Dahl, Theo Dahl, Tessa Dahl, and Olivia Twenty Dahl (1955-1962), who died suddenly from complications of measles encephalitis at the age of seven. The story of Olivia's death and how Neal and Dahl coped with the tragedy was dramatised as a made-for-TV movie, To Olivia (John Hay, 2020). Neal and Dahl had numerous grandchildren. Patricia Neal always refused to reveal the name of her second husband, the man she married after her divorce from Roahl Dahl.
Sources: Jon C. Hopwood (IMDb), Wikipedia (Dutch and English) and IMDb.
And, please check out our blog European Film Star Postcards.
Hubert Robert. 1733-1808. Paris.
L'Orage The storm
Avignon. Musée Calvet.
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Edgard Maxence. 1871-1954 Paris
La prière bretonne. Breton prayer.
Brest Musée des Beaux Arts
Élève de Gustave Moreau. École symboliste
Student of Gustave Moreau. Symbolist school
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Hans Leu II 1490-1531
St John the Baptist with the Virgin and Child 1521
Zürich Kunsthaus
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Vintage postcard.
American actress Patricia Neal (1928-2010) won both an Oscar and a Tony Award. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (1949), opposite Gary Cooper, and the Sci-Fi classic, The Day the Earth stood still (1951). In 1953, she married writer, Roald Dahl and they would have five children in 30 years of marriage. After appearing in Breakfast at Tiffany's (1961), she won the Best Actress Oscar for her role in Hud (1963) opposite Paul Newman.
Patricia Neal was born Patsy Louise Neal in Packard, Kentucky, in 1926. Her father, William Burdette Neal, managed a coal mine and her mother, Eura Mildred Petrey, was the daughter of the town doctor. Patsy grew up, with her two siblings, Pete and Margaret Ann, in Knoxville, Tennessee, where she attended high school. She was first bit by the acting bug at the age of 10, after attending an evening of monologues at a Methodist church. She subsequently wrote a letter to Santa Claus, telling him, "What I want for Christmas is to study dramatics". She won the Tennessee State Award for dramatic reading while she was in high school. She apprenticed at the Barter Theater in Abingdon, Virginia, when she was 16 years old, between her junior and senior years in high school. After studying drama for two years at Northwestern University, she headed to New York City. Her first job was as an understudy in the Broadway production of the John Van Druten play 'The Voice of the Turtle' (1947). It was the producer of the play that had her change her name from Patsy Louise to Patricia. After replacing Vivian Vance in the touring company of 'Turtle', she won a role in a play that closed in Boston and then appeared in summer stock. She won the role of the teenage Regina in Lillian Hellman's play, 'Another Part of the Forest' (1946), a prequel to 'The Little Foxes', for which she won a Tony Award in 1947. According to IMDb, she was visited backstage by Tallulah Bankhead - who had played the middle-aged Regina in the original Broadway production of Hellman's 'The Little Foxes' - and told Neal, "Dahling, you were as good as I was - and if I said you were half as good, it would [still] have been a hell of a compliment!" The role made the 20-year-old Neal a star. Subsequently, Neal signed a seven-year contract with Warner Bros. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (King Vidor, 1949), opposite the much older Gary Cooper, with whom she had a three-year-long love affair, and in director Robert Wise's Sci-Fi classic, The Day the Earth Stood Still (1951), which she made at 20th Century-Fox. Her affair with the married Cooper led to an abortion and nervous collapse. It quickened her decision to leave Hollywood. She returned to Broadway and achieved the success that eluded her in films, appearing in the revival of Lillian Hellman's play, 'The Children's Hour', in 1952. She met writer Roald Dahl in 1953 at a formal party, and they were married nine months later. The couple would have five children in 30 years of marriage.
In 1957, Patricia Neal had one of her finest roles in Elia Kazan's parable about the threat of mass-media demagoguery and home-grown fascism in A Face in the Crowd (1957). Before she appeared in the movie, Neal had taken over the role of Maggie in Tennessee Williams' 'Cat on a Hot Tin Roof', the Broadway smash that had been directed by Kazan. Returning to the stage, she appeared in the London production of Williams' 'Suddenly, Last Summer' and co-starred with Anne Bancroft in the Broadway production of 'The Miracle Worker'. After appearing opposite Audrey Hepburn and George Peppard in Breakfast at Tiffany's (Blake Edwards, 1961), she had what was arguably her finest role, as Alma the housekeeper, in Hud (Martin Ritt, 1963) opposite Paul Newman. The film was a hit and Neal won the Best Actress Oscar. She co-starred with John Wayne and Kirk Douglas in the war film In Harm's Way (Otto Preminger, 1965). In 1965, she suffered a series of strokes. Variety", the entertainment newspaper, mistakenly reported in their 22 February 1965 headline that Patricia Neal had died from her multiple strokes five days earlier. In truth, she remained in a coma for 21 days. She was filming John Ford's film, 7 Women (1965), and had to be replaced by Anne Bancroft. Neal was pregnant at the time. She underwent a seven-hour operation on her brain and survived, later delivering her fifth child. Her daughter, Lucy Dahl, was born healthy, but in its aftermath, the actress suffered from partial paralysis, and partial blindness, she lost her memory and was unable to speak. She underwent rehabilitation supervised by her husband. He designed her strenuous and intense recovery routines, including swimming, walking, memory games and crossword puzzles. Her experiences led to her becoming a champion in the rehabilitation field. She turned down The Graduate (Mike Nichols, 1967) as she had not recovered fully from her stroke. When she returned to the screen, in The Subject Was Roses (1968), she suffered from memory problems. According to her director, Ulu Grosbard, "The memory element was the uncertain one. But when we started to shoot, she hit her top level. She really rises to the challenge. She has great range, even more now than before". She received an Oscar nomination for her work. Subsequently, new acting roles equal to her talent were sparse.
Patricia Neal received three Emmy nominations, the first for originating the role of Olivia Walton in the TV movie The Homecoming: A Christmas Story (Fielder Cook, 1971), which gave birth to the TV show The Waltons (1972). One of her last films was the comedy Cookie's Fortune (Robert Altman, 1999) with Glenn Close and Julianne Moore. Patricia Neal died in 2010 in Edgarton, Massachusetts from lung cancer. She was 84 years old. She had become a Catholic four months before she died and was buried in the Abbey of Regina Laudis in Bethlehem, Connecticut, where the actress Dolores Hart, her friend since the early 1960s, had become a nun and ultimately prioress. Neal and Dahl's ordeal and ultimate victory over her illness were told in the television film The Patricia Neal Story (Anthony Harvey, Anthony Page, 1981), starring Glenda Jackson and Dirk Bogarde. After he played such a strong and devoted role in her physical and mental recovery from her paralytic illness, Neal divorced her husband, Roald Dahl, in 1983 after discovering his long-term affair with her former close friend, Felicity 'Liccy' Crosland. Dahl and Crosland married shortly after his divorce from Neal became final, and remained wed until Dahl's death. Neal and Dahl had five children: Ophelia Dahl, Lucy Dahl, Theo Dahl, Tessa Dahl, and Olivia Twenty Dahl (1955-1962), who died suddenly from complications of measles encephalitis at the age of seven. The story of Olivia's death and how Neal and Dahl coped with the tragedy was dramatised as a made-for-TV movie, To Olivia (John Hay, 2020). Neal and Dahl had numerous grandchildren. Patricia Neal always refused to reveal the name of her second husband, the man she married after her divorce from Roahl Dahl.
Sources: Jon C. Hopwood (IMDb), Wikipedia (Dutch and English) and IMDb.
And, please check out our blog European Film Star Postcards.
Olga Wisinger-Florian 1844-1926 Vienne
Kellergasse in Etsdorf 1902
Wien Musée Léopold Collection privée
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Pierre Bonnard 1867-1947 Paris
The Seine at Vernon 1920
Madrid Musée Thyssen Bornemisza
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Le pavillon Russe donc. Le père de Danaé, Acrisios, l'emprisonne dans une tour d'airain quand un oracle lui prédit qu'il sera tué par son petit-fils. Zeus parvient toutefois à entrer dans la tour sous la forme d'une pluie d'or qui tomba sur la princesse. De cette union naît un fils, Persée.
ENGLISH :
The russian pavilion. Via the myth of Danae, Vadim Zakharov manifest artistically against vulgarity, lust, narcissism, demagoguery, lies, banality, greed, cynicism, theft, speculation, waste, gluttony, envy , stupidity.
Danae's father, Acrisius imprisons her in a brazen tower when an oracle predicted that he will be killed by his grandson . However, Zeus managed to enter the tower as a golden rain that fell on the princess. From this union was born a son, Perseus.
Gustav Klimt 1862-1918 Wien
Klara Klimt c 1880
Wien Leopold Museum
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Girolamo Mazzola Bedoli 1500-1569 Parma
The Mystic Marriage of St Catherine ca 1545
Galleria Nazionale di Parma
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
British postcard in the Picturegoer Series, London, no. W 658. Photo: Warner.
American actress Patricia Neal (1928-2010) won both an Oscar and a Tony Award. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (1949), opposite Gary Cooper, and the Sci-Fi classic, The Day the Earth stood still (1951). In 1953, she married writer, Roald Dahl and they would have five children in 30 years of marriage. After appearing in Breakfast at Tiffany's (1961), she won the Best Actress Oscar for her role in Hud (1963) opposite Paul Newman.
Patricia Neal was born Patsy Louise Neal in Packard, Kentucky, in 1926. Her father, William Burdette Neal, managed a coal mine and her mother, Eura Mildred Petrey, was the daughter of the town doctor. Patsy grew up, with her two siblings, Pete and Margaret Ann, in Knoxville, Tennessee, where she attended high school. She was first bit by the acting bug at the age of 10, after attending an evening of monologues at a Methodist church. She subsequently wrote a letter to Santa Claus, telling him, "What I want for Christmas is to study dramatics". She won the Tennessee State Award for dramatic reading while she was in high school. She apprenticed at the Barter Theater in Abingdon, Virginia, when she was 16 years old, between her junior and senior years in high school. After studying drama for two years at Northwestern University, she headed to New York City. Her first job was as an understudy in the Broadway production of the John Van Druten play 'The Voice of the Turtle' (1947). It was the producer of the play that had her change her name from Patsy Louise to Patricia. After replacing Vivian Vance in the touring company of 'Turtle', she won a role in a play that closed in Boston and then appeared in summer stock. She won the role of the teenage Regina in Lillian Hellman's play, 'Another Part of the Forest' (1946), a prequel to 'The Little Foxes', for which she won a Tony Award in 1947. According to IMDb, she was visited backstage by Tallulah Bankhead - who had played the middle-aged Regina in the original Broadway production of Hellman's 'The Little Foxes' - and told Neal, "Dahling, you were as good as I was - and if I said you were half as good, it would [still] have been a hell of a compliment!" The role made the 20-year-old Neal a star. Subsequently, Neal signed a seven-year contract with Warner Bros. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (King Vidor, 1949), opposite the much older Gary Cooper, with whom she had a three-year-long love affair, and in director Robert Wise's Sci-Fi classic, The Day the Earth Stood Still (1951), which she made at 20th Century-Fox. Her affair with the married Cooper led to an abortion and nervous collapse. It quickened her decision to leave Hollywood. She returned to Broadway and achieved the success that eluded her in films, appearing in the revival of Lillian Hellman's play, 'The Children's Hour', in 1952. She met writer Roald Dahl in 1953 at a formal party, and they were married nine months later. The couple would have five children in 30 years of marriage.
In 1957, Patricia Neal had one of her finest roles in Elia Kazan's parable about the threat of mass-media demagoguery and home-grown fascism in A Face in the Crowd (1957). Before she appeared in the movie, Neal had taken over the role of Maggie in Tennessee Williams' 'Cat on a Hot Tin Roof', the Broadway smash that had been directed by Kazan. Returning to the stage, she appeared in the London production of Williams' 'Suddenly, Last Summer' and co-starred with Anne Bancroft in the Broadway production of 'The Miracle Worker'. After appearing opposite Audrey Hepburn and George Peppard in Breakfast at Tiffany's (Blake Edwards, 1961), she had what was arguably her finest role, as Alma the housekeeper, in Hud (Martin Ritt, 1963) opposite Paul Newman. The film was a hit and Neal won the Best Actress Oscar. She co-starred with John Wayne and Kirk Douglas in the war film In Harm's Way (Otto Preminger, 1965). In 1965, she suffered a series of strokes. Variety", the entertainment newspaper, mistakenly reported in their 22 February 1965 headline that Patricia Neal had died from her multiple strokes five days earlier. In truth, she remained in a coma for 21 days. She was filming John Ford's film, 7 Women (1965), and had to be replaced by Anne Bancroft. Neal was pregnant at the time. She underwent a seven-hour operation on her brain and survived, later delivering her fifth child. Her daughter, Lucy Dahl, was born healthy, but in its aftermath, the actress suffered from partial paralysis, and partial blindness, she lost her memory and was unable to speak. She underwent rehabilitation supervised by her husband. He designed her strenuous and intense recovery routines, including swimming, walking, memory games and crossword puzzles. Her experiences led to her becoming a champion in the rehabilitation field. She turned down The Graduate (Mike Nichols, 1967) as she had not recovered fully from her stroke. When she returned to the screen, in The Subject Was Roses (1968), she suffered from memory problems. According to her director, Ulu Grosbard, "The memory element was the uncertain one. But when we started to shoot, she hit her top level. She really rises to the challenge. She has great range, even more now than before". She received an Oscar nomination for her work. Subsequently, new acting roles equal to her talent were sparse.
Patricia Neal received three Emmy nominations, the first for originating the role of Olivia Walton in the TV movie The Homecoming: A Christmas Story (Fielder Cook, 1971), which gave birth to the TV show The Waltons (1972). One of her last films was the comedy Cookie's Fortune (Robert Altman, 1999) with Glenn Close and Julianne Moore. Patricia Neal died in 2010 in Edgarton, Massachusetts from lung cancer. She was 84 years old. She had become a Catholic four months before she died and was buried in the Abbey of Regina Laudis in Bethlehem, Connecticut, where the actress Dolores Hart, her friend since the early 1960s, had become a nun and ultimately prioress. Neal and Dahl's ordeal and ultimate victory over her illness were told in the television film The Patricia Neal Story (Anthony Harvey, Anthony Page, 1981), starring Glenda Jackson and Dirk Bogarde. After he played such a strong and devoted role in her physical and mental recovery from her paralytic illness, Neal divorced her husband, Roald Dahl, in 1983 after discovering his long-term affair with her former close friend, Felicity 'Liccy' Crosland. Dahl and Crosland married shortly after his divorce from Neal became final, and remained wed until Dahl's death. Neal and Dahl had five children: Ophelia Dahl, Lucy Dahl, Theo Dahl, Tessa Dahl, and Olivia Twenty Dahl (1955-1962), who died suddenly from complications of measles encephalitis at the age of seven. The story of Olivia's death and how Neal and Dahl coped with the tragedy was dramatised as a made-for-TV movie, To Olivia (John Hay, 2020). Neal and Dahl had numerous grandchildren. Patricia Neal always refused to reveal the name of her second husband, the man she married after her divorce from Roahl Dahl.
Sources: Jon C. Hopwood (IMDb), Wikipedia (Dutch and English) and IMDb.
And, please check out our blog European Film Star Postcards.
Day 53 of my 365 Project
Bethesda, Maryland
When I saw this sign while doing the grocery shopping with my wife, it occurred to me that it really sent a message for all of us to help each other. The demagoguery of the 2016 election in the United States shows the capacity to stoke anger, hate, and divisiveness from the current crop of politicians. I apologize to my Republican friends, but your party has gone off the rails. It bears no resemblance to the party of Lincoln, Theodore Roosevelt, or Dwight Eisenhower. For the common good, we all need each other and each other's help. That's what makes America great, not cursing, theocracy, or pandering to fear.
Hendrick Terbrugghen 1588-1629 Utrecht
Le Christ aux Outrages 1680
Rennes Musée des Beaux Arts
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Jean Pierre Louis Laurent Houël 1735-1813 Paris
Vue de Paradis près de Chanteloup
View of Paradise near Chanteloup 1769
Tours Musée des Beaux Arts.
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Berlin is the symbolic capital of the free world.
For 40 years the Brandenburg Gate was the front line of the Cold War.
The Wall ran along here, dividing a city, a country, a continent and the world. Today, the Gate is open, and people stroll freely through it.
Berliners celebrate freedom because they know what it is to lose it. It is a defiant riposte to the repression and censorship of the Nazi regime. And it is a legacy too from the 40 years of the Cold War, when West Berlin was a tiny island of western democracy, surrounded by communist dictatorships.
Liberal, democratic, tolerant: these are values that Berlin nurtures, as does Germany as a whole, not despite its dark recent history but because of it.
This is a city which has witnessed the consequences of demagoguery, dictatorship and division. Berliners know of the horrors of building walls to divide families.
A great American president, John F Kennedy, saw clearly what Berlin stood for. He came to the city at the height of the Cold War, and proclaimed “Ich bin ein Berliner”. I am a Berliner. “All free men, wherever they live, are citizens of Berlin.”
Kennedy’s speech - vision, leadership and immortal words from a US President
news.bbc.co.uk/1/hi/world/europe/3022166.stm
Kennedy was right. Berlin was – and remains - a potent symbol of the importance of freedom and democracy. And it is a reminder, especially important in our turbulent times, never to take these things for granted.
So, when you go to Berlin, do make sure you enjoy - as we do - the youthful energy, the bustle, the beer, the great Turkish food, the fabulous sausages, the Currywurst, the cafes, the parks, the river, the stunning views from the top of the Fernsehturm, the history, the excellent public transport and the sense of being in one of the great cities of the world.
But be sure too that you walk through the Brandenburg Gate.
Why? Simply because you can.
Build bridges, not walls.
Oskar Kokoschka 1886-1980
Flowers by the window 1925
Wien Leopold Museum
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Germain-Fabius Brest. 1823-1900
Vue de Constantinople. View of Constantinople. vers 1880
Nantes Musée d'Arts
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Bartholomeus Spranger 1546-1611 Anvers Prague
Lot et ses filles Lot and his daughters
Milan Pinacoteca Ambrosiana
Atelier
Maniérisme germanique
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Matthias Stom (Stomer) 1589-1670 Utrecht, Roma, Napoli, Palermo.
La libération de Saint Pierre de prison
Liberation of Saint Peter from prison ca 1632
Zürich Kunsthaus
Le caravagisme version école d'Utrecht, très coloré.
Caravagism school version of Utrecht, very colorful.
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Anna Petersen 1845-1910 Danish
Fille bretonne s'occupant des plantes dans la serre
Breton girl looking after plants in the hothouse 1884
Copenhagen Statens Museum for Kunst
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Pitocchetto (Giacomo Ceruti) 1698-1767
Le porteur The porter ca 1734
Brescia Pinacoteca Tosio Martinengo
Le réalisme Realism
Le réalisme désigne en principe un courant de peinture du 19ᵉ siècle en France et en Angleterre. Mais l'Italie avait déjà développé ce courant au 18ᵉ siècle parallèlement au baroque-rococo. La tendance réaliste est d'ailleurs très ancienne notamment en Flandre et aux Pays-Bas. Le réalisme ou naturalisme en peinture prend pour thème la société contemporaine de l'artiste, délaissant ainsi les "grands sujets" tirés de la religion, de l'histoire ou de la mythologie. Il annonce l'art moderne.
Realism designates in principle a current of painting of the 19th century in France and in England. But Italy had already developed this current in the 18th century alongside the Baroque-Rococo.The realistic trend is also very old, especially in Flanders and the Netherlands. Realism or naturalism in painting takes as its theme the contemporary society of the artist, thus abandoning the "great subjects" drawn from religion, history or mythology. It announces modern art.
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Here’s another image from my archive.
In June 1966, the American Baptist evangelist Billy Graham came to London for one of his extraordinary ‘crusades’. Graham was a powerful, inspirational and thrilling speaker, as any newsreel will attest.
In 1966 he took over the vast Earls Court building in London, and every night for a month the place was packed to the gunnels with the faithful and the curious, who flocked in coachloads and chartered trains from all over the UK to hear him speak.
I was one of the curious, and being a 22-year-old reporter in a London suburb, it was easy to go along to one of his crusades – which weren’t without controversy, attracting accusations of demagoguery and mass hysteria in the national headlines. Whether that was so or not, the event (which attracted 18,000 people a night) was quite a spectacle; free entertainment on a grand scale for some, but a time for renewal of faith for others. Here’s my photograph of the night I went to see Billy Graham (it's a print from a now lost 35mm transparency).
PS: 'THE WAY, THE TRUT'... not exactly my most successful attempt at framing, but never mind!
Dutch postcard, no. 3047. Photo: Warner Bros.
American actress Patricia Neal (1928-2010) won both an Oscar and a Tony Award. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (1949), opposite Gary Cooper, and the Sci-Fi classic, The Day the Earth stood still (1951). In 1953, she married writer, Roald Dahl and they would have five children in 30 years of marriage. After appearing in Breakfast at Tiffany's (1961), she won the Best Actress Oscar for her role in Hud (1963) opposite Paul Newman.
Patricia Neal was born Patsy Louise Neal in Packard, Kentucky, in 1926. Her father, William Burdette Neal, managed a coal mine and her mother, Eura Mildred Petrey, was the daughter of the town doctor. Patsy grew up, with her two siblings, Pete and Margaret Ann, in Knoxville, Tennessee, where she attended high school. She was first bit by the acting bug at the age of 10, after attending an evening of monologues at a Methodist church. She subsequently wrote a letter to Santa Claus, telling him, "What I want for Christmas is to study dramatics". She won the Tennessee State Award for dramatic reading while she was in high school. She apprenticed at the Barter Theater in Abingdon, Virginia, when she was 16 years old, between her junior and senior years in high school. After studying drama for two years at Northwestern University, she headed to New York City. Her first job was as an understudy in the Broadway production of the John Van Druten play 'The Voice of the Turtle' (1947). It was the producer of the play that had her change her name from Patsy Louise to Patricia. After replacing Vivian Vance in the touring company of 'Turtle', she won a role in a play that closed in Boston and then appeared in summer stock. She won the role of the teenage Regina in Lillian Hellman's play, 'Another Part of the Forest' (1946), a prequel to 'The Little Foxes', for which she won a Tony Award in 1947. According to IMDb, she was visited backstage by Tallulah Bankhead - who had played the middle-aged Regina in the original Broadway production of Hellman's 'The Little Foxes' - and told Neal, "Dahling, you were as good as I was - and if I said you were half as good, it would [still] have been a hell of a compliment!" The role made the 20-year-old Neal a star. Subsequently, Neal signed a seven-year contract with Warner Bros. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (King Vidor, 1949), opposite the much older Gary Cooper, with whom she had a three-year-long love affair, and in director Robert Wise's Sci-Fi classic, The Day the Earth Stood Still (1951), which she made at 20th Century-Fox. Her affair with the married Cooper led to an abortion and nervous collapse. It quickened her decision to leave Hollywood. She returned to Broadway and achieved the success that eluded her in films, appearing in the revival of Lillian Hellman's play, 'The Children's Hour', in 1952. She met writer Roald Dahl in 1953 at a formal party, and they were married nine months later. The couple would have five children in 30 years of marriage.
In 1957, Patricia Neal had one of her finest roles in Elia Kazan's parable about the threat of mass-media demagoguery and home-grown fascism in A Face in the Crowd (1957). Before she appeared in the movie, Neal had taken over the role of Maggie in Tennessee Williams' 'Cat on a Hot Tin Roof', the Broadway smash that had been directed by Kazan. Returning to the stage, she appeared in the London production of Williams' 'Suddenly, Last Summer' and co-starred with Anne Bancroft in the Broadway production of 'The Miracle Worker'. After appearing opposite Audrey Hepburn and George Peppard in Breakfast at Tiffany's (Blake Edwards, 1961), she had what was arguably her finest role, as Alma the housekeeper, in Hud (Martin Ritt, 1963) opposite Paul Newman. The film was a hit and Neal won the Best Actress Oscar. She co-starred with John Wayne and Kirk Douglas in the war film In Harm's Way (Otto Preminger, 1965). In 1965, she suffered a series of strokes. Variety", the entertainment newspaper, mistakenly reported in their 22 February 1965 headline that Patricia Neal had died from her multiple strokes five days earlier. In truth, she remained in a coma for 21 days. She was filming John Ford's film, 7 Women (1965), and had to be replaced by Anne Bancroft. Neal was pregnant at the time. She underwent a seven-hour operation on her brain and survived, later delivering her fifth child. Her daughter, Lucy Dahl, was born healthy, but in its aftermath, the actress suffered from partial paralysis, and partial blindness, she lost her memory and was unable to speak. She underwent rehabilitation supervised by her husband. He designed her strenuous and intense recovery routines, including swimming, walking, memory games and crossword puzzles. Her experiences led to her becoming a champion in the rehabilitation field. She turned down The Graduate (Mike Nichols, 1967) as she had not recovered fully from her stroke. When she returned to the screen, in The Subject Was Roses (1968), she suffered from memory problems. According to her director, Ulu Grosbard, "The memory element was the uncertain one. But when we started to shoot, she hit her top level. She really rises to the challenge. She has great range, even more now than before". She received an Oscar nomination for her work. Subsequently, new acting roles equal to her talent were sparse.
Patricia Neal received three Emmy nominations, the first for originating the role of Olivia Walton in the TV movie The Homecoming: A Christmas Story (Fielder Cook, 1971), which gave birth to the TV show The Waltons (1972). One of her last films was the comedy Cookie's Fortune (Robert Altman, 1999) with Glenn Close and Julianne Moore. Patricia Neal died in 2010 in Edgarton, Massachusetts from lung cancer. She was 84 years old. She had become a Catholic four months before she died and was buried in the Abbey of Regina Laudis in Bethlehem, Connecticut, where the actress Dolores Hart, her friend since the early 1960s, had become a nun and ultimately prioress. Neal and Dahl's ordeal and ultimate victory over her illness were told in the television film The Patricia Neal Story (Anthony Harvey, Anthony Page, 1981), starring Glenda Jackson and Dirk Bogarde. After he played such a strong and devoted role in her physical and mental recovery from her paralytic illness, Neal divorced her husband, Roald Dahl, in 1983 after discovering his long-term affair with her former close friend, Felicity 'Liccy' Crosland. Dahl and Crosland married shortly after his divorce from Neal became final, and remained wed until Dahl's death. Neal and Dahl had five children: Ophelia Dahl, Lucy Dahl, Theo Dahl, Tessa Dahl, and Olivia Twenty Dahl (1955-1962), who died suddenly from complications of measles encephalitis at the age of seven. The story of Olivia's death and how Neal and Dahl coped with the tragedy was dramatised as a made-for-TV movie, To Olivia (John Hay, 2020). Neal and Dahl had numerous grandchildren. Patricia Neal always refused to reveal the name of her second husband, the man she married after her divorce from Roahl Dahl.
Sources: Jon C. Hopwood (IMDb), Wikipedia (Dutch and English) and IMDb.
And, please check out our blog European Film Star Postcards.
Hans Memling. 1433-1494. Bruges.
Les Sept Joies de Marie. The Seven Joys of Mary.
Munich Altepinakothek.
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Adam Elsheimer. 1578-1610. Francfort sur le Main et Rome
Landscape with the flight into Egypt.
Dresde. Gemäldegalerie Alte Meister.
Adam Elsheimer (1578-1610) originaire de Francfort sur le Main où il se forme, il est actif à Venise où il collabore avec Hans Rottenhamer puis à Rome. Il a peint essentiellement de petits tableaux à l'huile sur cuivre.
Adam Elsheimer (1578-1610) from Frankfurt on the Main where he trained, he was active in Venice where he collaborated with Hans Rottenhamer and then in Rome. He mainly painted small oil paintings on copper.
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
George Dawe 1781-1829 Londres
Maria Pavlovna Romanova 1828
Parme Fondazione Magnani Rocca
Une fille du Tsar Paul Ier
A daughter of Tsar Paul I
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Domingo Ram actif en Aragon 1464-1507
Dormition de la Vierge c 1480-1500
Le Mans Musée de Tessé
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?
Vintage card. Photo: Warner Bros.
American actress Patricia Neal (1928-2010) won both an Oscar and a Tony Award. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (1949), opposite Gary Cooper, and the Sci-Fi classic, The Day the Earth stood still (1951). In 1953, she married writer, Roald Dahl and they would have five children in 30 years of marriage. After appearing in Breakfast at Tiffany's (1961), she won the Best Actress Oscar for her role in Hud (1963) opposite Paul Newman.
Patricia Neal was born Patsy Louise Neal in Packard, Kentucky, in 1926. Her father, William Burdette Neal, managed a coal mine and her mother, Eura Mildred Petrey, was the daughter of the town doctor. Patsy grew up, with her two siblings, Pete and Margaret Ann, in Knoxville, Tennessee, where she attended high school. She was first bit by the acting bug at the age of 10, after attending an evening of monologues at a Methodist church. She subsequently wrote a letter to Santa Claus, telling him, "What I want for Christmas is to study dramatics". She won the Tennessee State Award for dramatic reading while she was in high school. She apprenticed at the Barter Theater in Abingdon, Virginia, when she was 16 years old, between her junior and senior years in high school. After studying drama for two years at Northwestern University, she headed to New York City. Her first job was as an understudy in the Broadway production of the John Van Druten play 'The Voice of the Turtle' (1947). It was the producer of the play that had her change her name from Patsy Louise to Patricia. After replacing Vivian Vance in the touring company of 'Turtle', she won a role in a play that closed in Boston and then appeared in summer stock. She won the role of the teenage Regina in Lillian Hellman's play, 'Another Part of the Forest' (1946), a prequel to 'The Little Foxes', for which she won a Tony Award in 1947. According to IMDb, she was visited backstage by Tallulah Bankhead - who had played the middle-aged Regina in the original Broadway production of Hellman's 'The Little Foxes' - and told Neal, "Dahling, you were as good as I was - and if I said you were half as good, it would [still] have been a hell of a compliment!" The role made the 20-year-old Neal a star. Subsequently, Neal signed a seven-year contract with Warner Bros. In the first part of her film career, her most impressive roles were in The Fountainhead (King Vidor, 1949), opposite the much older Gary Cooper, with whom she had a three-year-long love affair, and in director Robert Wise's Sci-Fi classic, The Day the Earth Stood Still (1951), which she made at 20th Century-Fox. Her affair with the married Cooper led to an abortion and nervous collapse. It quickened her decision to leave Hollywood. She returned to Broadway and achieved the success that eluded her in films, appearing in the revival of Lillian Hellman's play, 'The Children's Hour', in 1952. She met writer Roald Dahl in 1953 at a formal party, and they were married nine months later. The couple would have five children in 30 years of marriage.
In 1957, Patricia Neal had one of her finest roles in Elia Kazan's parable about the threat of mass-media demagoguery and home-grown fascism in A Face in the Crowd (1957). Before she appeared in the movie, Neal had taken over the role of Maggie in Tennessee Williams' 'Cat on a Hot Tin Roof', the Broadway smash that had been directed by Kazan. Returning to the stage, she appeared in the London production of Williams' 'Suddenly, Last Summer' and co-starred with Anne Bancroft in the Broadway production of 'The Miracle Worker'. After appearing opposite Audrey Hepburn and George Peppard in Breakfast at Tiffany's (Blake Edwards, 1961), she had what was arguably her finest role, as Alma the housekeeper, in Hud (Martin Ritt, 1963) opposite Paul Newman. The film was a hit and Neal won the Best Actress Oscar. She co-starred with John Wayne and Kirk Douglas in the war film In Harm's Way (Otto Preminger, 1965). In 1965, she suffered a series of strokes. Variety", the entertainment newspaper, mistakenly reported in their 22 February 1965 headline that Patricia Neal had died from her multiple strokes five days earlier. In truth, she remained in a coma for 21 days. She was filming John Ford's film, 7 Women (1965), and had to be replaced by Anne Bancroft. Neal was pregnant at the time. She underwent a seven-hour operation on her brain and survived, later delivering her fifth child. Her daughter, Lucy Dahl, was born healthy, but in its aftermath, the actress suffered from partial paralysis, and partial blindness, she lost her memory and was unable to speak. She underwent rehabilitation supervised by her husband. He designed her strenuous and intense recovery routines, including swimming, walking, memory games and crossword puzzles. Her experiences led to her becoming a champion in the rehabilitation field. She turned down The Graduate (Mike Nichols, 1967) as she had not recovered fully from her stroke. When she returned to the screen, in The Subject Was Roses (1968), she suffered from memory problems. According to her director, Ulu Grosbard, "The memory element was the uncertain one. But when we started to shoot, she hit her top level. She really rises to the challenge. She has great range, even more now than before". She received an Oscar nomination for her work. Subsequently, new acting roles equal to her talent were sparse.
Patricia Neal received three Emmy nominations, the first for originating the role of Olivia Walton in the TV movie The Homecoming: A Christmas Story (Fielder Cook, 1971), which gave birth to the TV show The Waltons (1972). One of her last films was the comedy Cookie's Fortune (Robert Altman, 1999) with Glenn Close and Julianne Moore. Patricia Neal died in 2010 in Edgarton, Massachusetts from lung cancer. She was 84 years old. She had become a Catholic four months before she died and was buried in the Abbey of Regina Laudis in Bethlehem, Connecticut, where the actress Dolores Hart, her friend since the early 1960s, had become a nun and ultimately prioress. Neal and Dahl's ordeal and ultimate victory over her illness were told in the television film The Patricia Neal Story (Anthony Harvey, Anthony Page, 1981), starring Glenda Jackson and Dirk Bogarde. After he played such a strong and devoted role in her physical and mental recovery from her paralytic illness, Neal divorced her husband, Roald Dahl, in 1983 after discovering his long-term affair with her former close friend, Felicity 'Liccy' Crosland. Dahl and Crosland married shortly after his divorce from Neal became final, and remained wed until Dahl's death. Neal and Dahl had five children: Ophelia Dahl, Lucy Dahl, Theo Dahl, Tessa Dahl, and Olivia Twenty Dahl (1955-1962), who died suddenly from complications of measles encephalitis at the age of seven. The story of Olivia's death and how Neal and Dahl coped with the tragedy was dramatised as a made-for-TV movie, To Olivia (John Hay, 2020). Neal and Dahl had numerous grandchildren. Patricia Neal always refused to reveal the name of her second husband, the man she married after her divorce from Roahl Dahl.
Sources: Jon C. Hopwood (IMDb), Wikipedia (Dutch and English) and IMDb.
And, please check out our blog European Film Star Postcards.
This little elephant calf with a snare of a poacher inches foreleg is the cruelest manifestation of the problem of poaching that ravages wildlife across Africa. Its origin is poverty and complicity in many cases of African governments, sometimes for the corruption of governors, sometimes for tolerance, sometimes for tolerance and demagoguery towards the rural population. It´s an issue that we could talk about a long time a in which I am personally very interested.
I know this is not the nice picture of happy animals all of us like to see, but it shows a very real side of african wildlife.
Johann Michael Rottmayer 1654-1730 Salzburg Vienne
Saint Benno 1702
Munich Alte Pinakothek
ART PARTAGE ET ARTS RÉSERVÉS
"L’art gothique n’était pas seulement international, il était aussi intersocial"
JEAN BIALOSTOCKI L’art du XVè siècle des Parler à Dürer
"Une œuvre est reconnue comme œuvre d'art parce qu'elle a subi victorieusement l'épreuve de la critique, de l’opinion publique commune et du temps."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d’art)
"Regardez notre art, nous avons l'esthétique de notre éthique : un cri dans le désert."
Jean DUCHE. Le Bouclier d’Athéna
L'art gothique ( en dates approximatives 1200-1450) était en effet un art partagé par toute les composantes de la société européenne.
Un art partagé parce que toutes les classes sociales y participaient. Ses mécènes et ses commanditaires n'étaient pas seulement les princes ou l'aristocratie, mais aussi les villes et la bourgeoisie. Ses exécutants étaient des artisans, issus du peuple. De plus les destinataires de cet art étaient en architecture, en peinture, sculpture, les peuples, y compris la classe paysanne la plus illettrée.
Cet art était en effet partagé intentionnellement. Certes il était décidé, comme toujours, au plus niveau de la hiérarchie sociale, mais il était conçu pour concerner toute les classes de la société du haut en bas de la pyramide et il avait même l'obligation de s'adresser aux classes les moins lettrées.
Une situation et une intention qui ne sont d'ailleurs pas absolument nouvelles aux temps dits gothiques mais qui remontent à l'art roman.
Cette situation d'un art univoque, unique, partagé par l'ensemble de la société commence à changer au 16è siècle à l'époque que l'historiographie appelle la "Renaissance". Apparaît alors en Europe de l'Ouest un art à deux vitesses. L'art partagé, univoque continue d'exister pleinement : c'est l'art catholique, l'art inspiré par l’Église. Mais un art séparé s'installe aux niveaux de l'aristocratie et de la haute bourgeoisie. La différence n'est pas technique, les procédés sont identiques, la peinture est essentiellement imitative du réel sensible, mais les thèmes sont différents. Les thèmes ne sont plus seulement religieux, ils sont inspirés par l'histoire et la mythologie gréco-romaine. C'est l'art humaniste.
Ce voisinage paisible entre l'art catholique et l'art humaniste va durer plusieurs siècles jusqu'au milieu du 19è siècle dans toute l'Europe de l'ouest.
A la suite de la Réforme apparaît à la fin du 17è siècle aux Pays Bas un art différent par ses thèmes essentiellement profanes. Les Pays Bas, c'est l'apparition dans la société européenne, et l'installation précoce, sur les bouches du Rhin, de l'art sans dieu. La formule est un peu lapidaire, les crucifixions sont en effet encore très présentes, mais il est très clair que dans la peinture du siècle d'Or néerlandais Dieu se fait très discret. Il se réfugie au Ciel, et ses apparitions dans l'art quotidien se font rares. Cette situation constitue un changement profond par rapport aux représentations artistique de l'Europe catholique et dans les mentalités.
D'autre part cet art est déjà moins partagé, moins intersocial que l'art gothique ou roman, car il s'adresse essentiellement aux classes aristocratiques et surtout aux classes moyennes. Contrairement à l'art catholique, la paysannerie pauvre, qui est pourtant un des thèmes importants de cet art, n'en est pas du tout la destinataire. Les tableaux socialement les plus réalistes, peints par les peintres néerlandais, comme Brouwer ou Ostade, ne sont pas destinés au peuple des chaumières, comme l'étaient les peintures et les sculptures des églises romanes et gothiques. Ou comme le sont toujours à la même époque les peintures et les sculptures des églises baroques qui essaiment dans toute l'Europe restée catholique. L'art Baroque est un art dont le but proclamé, idéologique, politique, est le partage avec les populations sociales les plus modestes dans le cadre des églises, chaque dimanche matin. L'Eglise Catholique c'était la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. ( M.G.M.) de l'époque. L'art Baroque, en architecture, sculpture, peinture, est toujours un art spectacle destiné au plus grand nombre, comme l'étaient l'art roman et l'art gothique. Ce n'est déjà plus le cas de l'art des Pays Bas au siècle d'Or. Cette peinture marque l'apparition d'un art réservé. Un art réservé aux classes moyennes et hautes. En définitive, d'art partagé par la société toute entière, dans les Pays Bas protestants, il ne reste plus, en peinture et en sculpture, que les Christ en croix.
Au 19è siècle, à partir des années 1830, la paix revenue après les aventures révolutionnaires et impériales françaises, la situation se diversifie et se brouille. La période 1815-1940 est dans l'histoire européenne un temps de transitions entre passé et avenir, de libertés mais aussi d'affrontements idéologiques sévères.
La peinture classique dite académique représente l'art inspiré par les autorités artistiques à destination de la population aristocratique et de la haute bourgeoisie cultivée. Les évolutions romantiques ou symbolistes se font à l'intérieur de ce même cercle. Par contre la rupture impressionniste n'apparaît pas seulement comme une contestation du style académique, une remise en question du "bien dessiné", mais aussi par ses thèmes principalement paysagistes, sans aucune références culturelles historiques ou mythologiques, comme une contestation de fond du "Grand Art".
L'impressionnisme, ce n'est pas seulement la dilution du dessin, l'approximation dans les formes, l'esquisse et le tachisme. C'est aussi quant à ses thèmes "un art d'inculte", d'artistes uniquement occupés par le temps présent et les sensations du moment. Ses origines sont populaires. Et quand le peuple regarde couler une rivière il n'y voit pas nager des Nymphes, seulement des poissons. L'art impressionniste n'est pas de source élitiste. Il n'est pas né dans les hautes sphères idéologiques et politiques de la société européenne. L'Impressionnisme est à l'opposé de l'Art Conceptuel de l'Occident actuel. Il a beaucoup de point commun avec notre art des rues. Son public dispersé demeure quelque temps séparé et réservé, avant de toucher rapidement l'ensemble des classes hautes et moyennes de la société européenne.
La peinture post-impressionniste et notamment l'art abstrait apparaissent clairement comme des arts beaucoup moins populaires que l'impressionnisme, une peinture réservée à une frange intellectualisée de la société. Mais à cette époque, celle où Paris est le centre principal de création de l'art européen, il n'existe pas d'art officiel, d'art d'état. La création post-impressionniste est dans toute l'Europe, spontanée, libre de tout interventionnisme étatique direct.
L'art catholique est en régression non seulement quantitative mais surtout qualitative, car l’Église n'est plus un mécène d'importance, même alors qu'une partie importante de la population reste catholique. L’Église n'est plus porteuse de carrière. Il vaut mieux s'adresser aux marchands d'art. D'ailleurs les portraits des marchands d'art remplacent les portraits des évêques et des cardinaux. Dans le domaine particulier de l'art c'est un petit fait, tout simple, mais très révélateur d'un changement profond de société.
La situation à partir de la seconde moitié du 20è siècle, en Occident, change en ceci que les arts de la peinture et de la sculpture se divisent, se dispersent en secteurs distincts, séparés, voire opposés, correspondant à des clientèles sociales, idéologiques, culturelles et ethniques différentes. C'est alors qu'apparaissent et s'installent progressivement dans tout l'Occident des Arts Séparés, Réservés.
Cette évolution commence par le haut de la pyramide : c'est ainsi qu'apparaît un Art Officiel, hautement politique et idéologique, avant la seconde guerre mondiale aux USA, à New York. Cet Art Officiel s'impose après la seconde guerre mondiale dans tout l'Occident. Un Anti-Art, revendiqué comme tel, un Art Séparé, Réservé à l'élite idéologique politique et économique : les Eclairés, les Illuminés regroupés dans leurs multiples réseaux interconnectés, occultes ou discrets. Parce qu'il est "l'art" de l'élite politique, idéologique et financière cet anti-art, étatique et international, s'impose sans aucun problème, en se passant totalement de l'approbation des peuples. Ce Non-Art, précisément parce qu'ils se dresse contre l'Art, se proclame bien sûr révolutionnaire et démocratique. Mais il est tout le contraire. Il établit ses "installations", mixture provocante et vomitoire de peinture de sculpture et de tout ce que l'on voudra, dans des musées construits exclusivement pour lui, par les plus grands architectes de l'Occident. Aux frais des classes moyennes et basses. C'est l'Art Institutionnel du Grand Oeil.
A l'autre extrémité de l'échelle sociale apparaît, aussi aux Etats Unis, plus tardivement, dans les années 1960 et suivantes un art peint populaire, underground, l'art des rues. Une peinture qui se répand en Europe surtout à partir des années 2000 et suivantes. Au fur et à mesure de son extension l'Art des Rues est progressivement encadré par les pouvoirs politiques essentiellement régionaux et locaux, mais sans être du tout un art officiel, centralisé, national ou international. Il reste un art local, spontané, sincère, extrêmement divers, reflet des multiples composantes de la société occidentale. A la marge de ce phénomène de l'Art des Rues il faut faire la place aux graffitis vandales. Un Anti-Art lui aussi, qui est très semblable à celui de l'élite par ses motivations profondes, sa laideur, son absurdité, sa volonté de provocation prétendument révolutionnaire. Les affinités avec l'art de l'élite sont telles que des imitations de ces graffitis vandales apparaissent dans les grands musées étatiques comme à la Kunsthalle de Vienne, mais aussi dans beaucoup d'autres musées occidentaux. C'est le clin d'œil faussement complice et démocratique de l'élite maçonnique vers la base populaire, non initiée, inculte. Un clin d'œil qui rappelle aussi à l'élite dirigeante qu'il faut qu'elle cultive la démagogie de l'esprit révolutionnaire. Surtout alors qu'elle est elle même une élite non révolutionnaire. Double langage très ancien, appris dans la clandestinité anticatholique et anti-royaliste.
D'autre part existent des arts de la peinture, plus ou moins populaires, authentiques, c'est à dire non dirigés d'en haut, sans appartenances clairement identifiables, dans toute la sphère commerciale occidentale. Un art représenté par de multiples artistes et de très nombreuses galeries privées et dont l'influence est plutôt locale, régionale, quelque fois nationale, mais ne s'étend qu'exceptionnellement à l'international et n'a aucun caractère officiel, étatique. Cet Art Dispersé est difficilement définissable du fait de sa diversité extrême d'inspiration et de styles. Cet Art Dispersé n'est pas marginal, il multiplie les Réserves à destination des clientèles les plus diverses et opposées. Art traditionnel ou quelque fois aussi Anti-art proclamé, sa caractéristique la plus évidente semble être sa liberté d'invention et d'existence, en tout cas par opposition à l'Art Institutionnel.
Apparaît ainsi une société aux arts multiples, très différente non seulement de la société médiévale à l'art unique et univoque, mais même des sociétés européennes plus récentes, jusqu'à l'art moderne compris. Progrès certainement pas. Évolution, c'est à dire prise en compte de réalités nouvelles, positives et négatives tout à la fois. Les aspects négatifs sont patents, mais il est interdit de les souligner. Nous assistons en Occident à la naissance d'une société de castes et des arts de castes. Conséquence bien évidente du caractère pluri-ethnique et pluriculturel récent de la société européenne et occidentale. Les aspects positifs c'est une plus grande diversité d'inspirations et de techniques et des possibilités d'expressions de sensibilités multiples et opposées. L'existence d'Arts Réservés multiples, d'Arts Catégoriels, n'est pas en soi inquiétante, c'est une réponse adaptée, sans aucun doute intelligente, à une situation sociale caractérisée par l'explosion des grandes communautés à tendances univoques et solidaires au profit de sociétés éclatées et même affrontées en de petits groupes ethniquement et culturellement très distincts.
Par contre l'Art Officiel, Institutionnel, l'Art International d'Etat pose un problème qu'il ne faut pas sous estimer ou ignorer. C'est une Réserve particulière, signalée, car c'est la réserve de l'élite politique, idéologique et financière, dont elle exprime les valeurs affichées et cachées. Dans ces conditions il faut s'interroger sur les significations et les conséquences pour la société occidentale toute entière d'un anti-art laid, absurde, provocateur, bâclé, triste, déraciné, obsessionnel et totalement artificiel. Quelles valeurs inspirent les élites idéologiques et politiques de l'Occident, ordonnatrices de cet Art Institutionnel ?
C'est la question que pose inévitablement l'Art Conceptuel Officiel, l'Art Institutionnel du Grand Oeil. Et quelles conséquences ces non-valeurs du haut de la pyramide auront-elles pour la multitude de la base de la pyramide ?
SHARED ART AND RESERVED ARTS
"Gothic art was not only international, it was also intersocial."
JEAN BIALOSTOCKI The 15th century art of Talking to Dürer
"A work is recognized as a work of art because it has passed the test of criticism, common public opinion and time."
Mikel DUFRENNE (1910-1995 Universalis. article Œuvre d'art)
"Look at our art, we have the aesthetics of our ethics: a cry in the desert."
Jean DUCHE. The Shield of Athena
Gothic art ( in approximate dates 1200-1450) was indeed an art shared by all the components of European society.
An art shared because all social classes participated. Its patrons and sponsors were not only princes or the aristocracy, but also cities and the bourgeoisie. Its performers were craftsmen, from the people. Moreover, the recipients of this art were, in architecture, painting, sculpture, the peoples, including the most illiterate peasant class.
This art was indeed shared intentionally. Admittedly, as always, it was decided at the highest level of the social hierarchy, but it was designed to concern all classes of society from top to bottom of the pyramid and it even had the obligation to address the least literate classes.
A situation and an intention that are not absolutely new in the so-called Gothic times but go back to Romanesque art.
This situation of a unique and univocal art, shared by the whole of society, began to change in the 16th century at the time that historiography calls the "Renaissance". In Western Europe, a two-speed art form appeared. Shared, univocal art continues to exist fully: it is Catholic art, art inspired by the Church. But a separate art settles at the levels of the aristocracy and the upper bourgeoisie. The difference is not technical, the processes are identical, the painting is essentially imitative of the sensitive real, but the themes are different. The themes are no longer only religious, they are inspired by Greco-Roman history and mythology. It is the humanist art.
This peaceful vicinity between Catholic and humanist art lasted several centuries until the middle of the 19th century throughout Western Europe.
As a result of the Reformation, at the end of the 17th century in the Netherlands, an art form different in its essentially secular themes appeared. The Netherlands is the appearance in European society, and the early installation, on the mouths of the Rhine, of an art wothout a God. The formula is a little lapidary, crucifixions are indeed still very present, but it is very clear that in the painting of the Dutch Golden Age God is very discreet. He takes refuge in Heaven, and his appearances in everyday art are rare. This situation constitutes a profound change in the artistic representations of Catholic Europe and in mentalities.
On the other hand, this art is already less shared, less intersocial than Gothic or Romanesque art, because it is mainly addressed to the aristocratic classes and especially to the middle classes. Unlike Catholic art, the poor peasantry, which is one of the important themes of this art, is not the recipient at all. The most realistic paintings, painted by Dutch painters such as Brouwer or Ostade, are not intended for the people of thatched cottages, as were the paintings and sculptures of the Romanesque and Gothic churches. Or, at the sames time, the paintings and sculptures of the Baroque churches that spread throughout Europe which remained Catholic. Baroque art is an art whose declared purpose, ideological, political, is sharing with the most modest social populations in the context of the churches, every Sunday morning. The Catholic Church was the Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (M.G.M.) of the time. This is no longer the case of the art of the Netherlands in the Golden Age. This art of painting marks the appearance of a reserved art. An art reserved for the middle and upper classes. In the end, in the Protestant Netherlands, only Christ on the cross, remains, in painting and sculpture, of the shared art by the entire society.
In the 19th century, from the 1830s onwards, peace returned in Europa after the revolutionary and imperial adventures of France, but the situation into art diversified and became blurred. The period 1815-1940 is in European history a time of transitions between past and future, of freedoms but also of severe ideological clashes.
Classical painting, known as academic painting, represents art inspired by the artistic authorities for the aristocratic population and the educated upper middle class. The romantic evolutions take place within this same circle. On the contrary, the impressionist rupture appears not only as a challenge to the academic style, a questioning of the "well-drawn", but also by its mainly landscape themes, without any cultural, historical or mythological references , as a fundamental challenge to the "Great Art".
Impressionism is not only the dilution of the drawing, the approximation in forms, the sketch and the tachism. It is also as for its themes ""an art without culture"," of artists only occupied by the present time and the sensations of the moment. Its origins are popular. And when the people watch a river flow, they don't see nymphs swimming in it, only fish. Impressionist art is not from an elitist source. He was not born into the high ideological and political spheres of European society. Impressionism is the opposite of the Conceptual Art of the West today. Impressionnisme has a lot in common with our street art. Its dispersed public remains separate and reserved for some time, before reaching quickly all the upper and middle classes of European society.
Post-impressionist painting and especially abstract art clearly appear as much less popular than impressionism, a painting reserved for an intellectualized fringe of society. But at that time, when Paris was the main centre of European art creation, there was no official art, no state art. Post-impressionist creation is spontaneous throughout Europe, free of any direct state interventionism.
Catholic art is in decline not only quantitatively but also qualitatively, because the Church is no longer a major patron, even though a significant part of the population remains Catholic. The Church is no longer career carrier. It is better to contact art dealers. Moreover, the portraits of art dealers replace the portraits of bishops and cardinals. In the particular field of art, this is a small fact, quite simple, but very revealing of a profound change in society.
The situation from the second half of the twentieth century, in the West, changes in that the arts of painting and sculpture are divided, are dispersed into distinct sectors, separate or even opposite, corresponding to social, ideological, cultural and ethnic groups. It is then that separate and reserved arts appear and settle progressively throughout the West.
This evolution begins at the top of the pyramid: this is how an Official Art, highly political and ideological, appeared before the Second World War in the USA, in New York. This Official Art became established after the Second World War throughout the West. An Anti-Art, claimed as such, a Separate Art, Reserved for the political and economic ideological elite: the Enlightened, the Illuminated gathered in their multiple interconnected networks, occulting or discreet. Because it is the "art" of the political, ideological and financial elite, this anti-art, both state and international, imposes itself without any problem, completely without the approval of the peoples. This Non-Art, precisely because it stands against Art, proclaims itself of course revolutionary and democratic. But it is quite the opposite. He established his "installations", a provocative and vomitory mixture of sculpture, painting and everything that one would like, in museums built exclusively for him by the greatest architects in the West. At the expense of the middle and lower classes. It is the Institutional Art of the Great Eye.
At the other end of the social scale appears, also in the United States, later, in the 1960s and following, a popular, underground painting art, street art. A painting that spread throughout Europe, especially from the 2000s onwards. As it expands, Street Art is gradually being regulated by essentially regional and local political authorities, but without being at all an official, centralised, national or international art. It remains a local art, spontaneous, sincere, extremely diverse, reflecting the multiple components of Western society. On the fringes of this phenomenon of Street Art, it is necessary to make way for vandal graffiti. An Anti-Art too, which is very similar to that of the elite by its deep motivations, its ugliness, its absurdity, its allegedly revolutionary will of provocation. The affinity with elite art is such that imitations of these vandal graffiti appear in major state museums such as the Kunsthalle in Vienna, but also in many other Western museums. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, there exist painting arts, more or less popular, authentic, i.e. not directed from above, without clearly identifiable affiliations, in the entire western commercial sphere. An art represented by many artists and very many private galleries and whose influence is rather local, regional, sometimes national, but only exceptionally extends to the international level and has no official, state character. This Dispersed Art is difficult to define because of its extreme diversity of inspiration and styles. This Dispersed Art is not marginal, it multiplies the Reserves for the most diverse and opposed clienteles. Traditional art or sometimes also proclaimed Anti-Art, its most obvious characteristic seems to be its freedom of invention and existence, in any case as opposed to Institutional Art.
Thus a society with multiple arts appears, very different not only from the medieval society with its unique and univocal art, but even from more recent European societies, up to and including modern art. Certainly not progressing. Evolution, i.e. taking into account new realities, both positive and negative. The negative aspects are obvious, but it is forbidden to underline them. We are witnessing the birth of a caste society and caste arts in the West. This is a clear consequence of the recent multi-ethnic and multicultural nature of European and Western society. The positive aspects are a greater diversity of inspirations and techniques and the possibility of expressions of multiple and opposite sensibilities. The existence of multiple Reserved Arts, Categorial Arts, is not in itself worrying, it is an adapted response, undoubtedly intelligent, to a social situation characterized by the explosion of large communities with univocal and solidary tendencies to the benefit of societies fragmented and even confronted in small groups ethnically and culturally very distinct. It is the false complicit and democratic nod of the Masonic elite towards the popular, uninitiated, uncultured base. A nod that also reminds the ruling elite that they must cultivate the demagoguery of the revolutionary spirit. Especially since it is itself a non-revolutionary elite. Very old double language, learned in anti-Catholic and anti-royalist clandestinity.
On the other hand, Official, Institutional and International State Art is a problem that should not be underestimated or ignored. It is a particular Reserve, signalled, because it is the reserve of the political, ideological and financial elite, whose stated and hidden values it expresses. In these conditions, it is necessary to question the meanings and consequences for Western society as a whole of an ugly, absurd, provocative, botched, sad, uprooted, obsessive and totally artificial anti-art. What values inspire the ideological and political elites of the West, the orderers forces of this Institutional Art?
This is the question inevitably posed by the Official Conceptual Art, the Institutional Art of the Great Eye. And what consequences will these non-values from the top of the pyramid have for the multitude at the base of the pyramid?