Animal Art
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"There is no light like the morning light-
And no sun like the morning sun-
And no world like the morning world-
Every day is a new day,
And a chance to dream again-
The Beauty of Life
will be ours."
(Shalom Freedman)
I like doing colored pencil landscapes. This is a small one based on a photo by Richard Jemison in the “photographers Donated reference Photos for Artists &art sharing group” on Facebook. ("Yorkshire Dales" UK)
all stocks from deviantart
night-fate-stock -> night-fate-stock.deviantart.com/art/premade-background-02...
Wu-KillahD -> wu-killahd.deviantart.com/art/Texture-06-17913022
SeaOfFireStock -> seaoffirestock.deviantart.com/art/Sort-of-Goth-1-3-40964676
Olga Wisinger-Florian 1844-1926 Vienne
Fleurs sauvages dans un vase
Wildflowers in a vase 1883
Wien Musée Léopold Collection privée Private collection
OLGA WISINGER FLORIAN: ART MODERNE ET ART CONTEMPORAIN
Olga Wisinger-Florian (1844-1926 Vienne) appartient à une branche de l'impressionnisme européen. Les tableaux de l'exposition sont ici présentés chronologiquement dans le désordre afin de varier les thèmes et les styles. Toutefois on observe une évolution au long de la carrière de l'artiste. Olga Wisinger-Florian part d'un pré-impressionnisme encore très attaché au dessin exact, discrètement esquissé pour terminer par un impressionnisme beaucoup plus flou, au dessin parfois très élémentaire, privilégiant les taches de couleurs. Il demeure que ce peintre est emblématique de l'Art Moderne (1815-1950) : son but reste très clairement un art beau, significatif et partagé par le plus large public possible selon la tradition des "Beaux Arts". Malgré les formes modernes, provocantes par rapport à l'art classique et académique attaché au dessin bien défini, nous ne sommes absolument pas encore arrivé à l'Art Contemporain Institutionnel, systématiquement provocateur du grand public, qui vénère le laid et l'absurde comme un culte obligatoire.
OLGA WISINGER FLORIAN: MODERN AND CONTEMPORARY ART
Olga Wisinger-Florian (1844-1926 Vienna) belongs to a branch of European Impressionism. The paintings in the exhibition (some sixty in all) are presented here no chronologically in order to vary the themes and styles. However, an evolution can be observed throughout the artist's career. Olga Wisinger-Florian starts from a pre-impressionism still very attached to exact drawing, discreetly sketched out, and ends with a much more blurred impressionism, with sometimes very elementary drawing, favouring patches of colour. The fact remains that this painter is emblematic of Modern Art (1815-1950): his goal remains very clearly a beautiful, significant art shared by the widest possible public according to the tradition of "Fine Arts". In spite of the modern forms, provocative compared to classical and academic art attached to well-defined drawing, we have absolutely not yet arrived at Institutional Contemporary Art, systematically provocative to the general public, which venerates the ugly and absurd as an obligatory cult.
I don't see this site as an art sharing site, however, I am very proud of a new watercolor painting I have just finished and wish to share it with you.
The Search For Validation. 💟
Last time I checked, there wasn’t a scale for kindness, morality or sense of humour. There wasn’t a grade system for your ability to be swept away inside a beautiful song, or a book, or a poem. There’s no number that can be assigned to the impact your art can have on others, or the way your lover holds you when you come home defeated after a bad day.
I love social media, and I think it can bring all kinds of beautiful things into people’s lives - connection, art, sharing someone else’s joys, the bond of humanity across cultures. Social media essentially brought me a career in something I love, so I owe social media quite a lot.
That said, I’ve found it quite difficult to separate my art from the number that sits next to it. I’ve struggled with not questioning myself when faced with 200+ souls clicking a button to unfollow my work each time I share a new piece. Social media is rewiring us to find our validation in our phone screens, and I can promise you - it’s not there.
I’ve decided to start up a blog - somewhere with no measurements or numbers - to put all my thoughts and behind the scenes. My first post is the making of this image, as well as my journey of social media, and how it’s affected my self esteem. It feels exciting to be taking care of my “art & soul” (see what I did there?) a bit better!
James Ensor 1860-1949
Theatre of masks 1908
Madrid Musée Thyssen Bornemisza
James Ensor (1860-1949) qui fut actif à Bruxelles et Ostende, est un peintre habituellement classé dans l'école expressionniste et considéré comme un précurseur du surréalisme. C'est un artiste dont les thèmes comme le style sont très personnels. Son regard sur le monde humain est très critique, ironique, sarcastique comme le mettent en évidence ses séries sur le thème des masques et des squelettes. Ses techniques sont très diverses, tachisme, esquisse, peinture plate, couleurs arbitraires et violentes. De l'art Moderne il a l'esprit de recherche d'une nouvelle esthétique. Certains de ses tableaux de paysage sont déjà de l'art abstrait. L'essentiel de son oeuvre est peinte avant 1900, mais il reste méconnu pendant toute sa période de créativité et il devra attendre le début du 20è siècle pour être considéré comme un des grands artistes de l'art moderne belge.
James Ensor entre en effet dans la catégorie nouvelle des artistes modernes, qui privilégient "l'art pour moi" au détriment de "l'art pour les autres". James Ensor, comme Egon Schiele et quelques autres, a cultivé le style "artiste maudit", pour lequel l'art est un moyen d'exprimer ses tensions psychologiques internes sans se soucier du public et de ses goûts. Pour cette catégorie d'artistes très représentatifs de l'hyper-individualisme moderne, c'est au public de se plier à leur art, et non pas aux artistes de peindre conformément aux gouts du public et de leurs sponsors. Les impressionnistes ont représenté eux aussi quelques années auparavant une rupture dans l'art de la peinture, mais seulement dans leur style qui s'éloignait des règles classiques du tableau bien fini et du dessin achevé. Les thèmes de la peinture impressionniste, le paysage urbain et campagnard essentiellement, étaient tout à fait acceptables par le grand public. Il était possible d'accrocher leurs tableaux dans les intérieurs bourgeois ou les lieux privés. Il n'en était pas ainsi pour beaucoup de tableaux de James Ensor. Il n'est dés lors pas étonnant que sa célébrité ait un peu tardé à être reconnue. Et deux siècles avant il n'aurait sans doute jamais été admis comme tel de son vivant.
James Ensor n'était pas conforme au modèle ancestral de l'artiste-artisan, de l'artiste professionnel soucieux de créer un art partagé avec le grand public de son époque. Il annonce la mode de l'art qui dérange les peuples et qui se fait une gloire de la provocation. Mais il reste dans les cadres de l'Art Moderne : son art est clairement significatif, et le laid n'est pas un but en soi. Le laid est occasionnel et seulement le moyen d'exprimer ses propres malaises ou les absurdités de la société qui l'entoure. Comme Grünwald, Bosch, Otto Dix, Goya.... Ensor est un peintre sincère pour lequel la provocation n'est pas un système, une obligation de produire pour être reconnu par un clan de décideurs se croyant plus intelligents que les peuples, et pouvoir entrer dans un musée. Sa provocation est une expression authentique de certaines de ses pulsions intérieures
James Ensor (1860-1949) who was active in Brussels and Ostend, is a painter usually classified in the expressionist school and considered a precursor of surrealism. He is an artist whose themes like style are very personal. His view of the human world is very critical, ironic, sarcastic as his series on the theme of masks and skeletons highlight. His techniques are very diverse, tachisme, sketch, flat painting, Arbitrary and violent colors. Of Modern Art, he has the spirit of research a new aesthetic. Some of his landscape paintings are already abstract art. The bulk of his work is painted before 1900, but it remains unknown throughout his period of creativity and he will have to wait until the beginning of the 20th century to be considered as one of the great artists of Belgian Modern Art
James Ensor enters into the new category of modern artists, who prefer "art for me" to the detriment of "art for others." James Ensor, like Egon Schiele and a few others, has cultivated the style "Cursed Artist", for which art is a way to express its internal psychological tensions without worrying about the public and its tastes. For this category of artists very representative of modern hyper-individualism, it is up to the public to bow to their art, and not to artists to paint according to the tastes of the public and their sponsors.
The Impressionists also represented a break in the art of painting a few years earlier, but only in their style which moved away from the classic rules of the well-finished painting and the perfect drawing. The themes of Impressionist painting, mainly the urban and rural landscape, were quite acceptable to the general public. It was possible to hang their paintings in bourgeois interiors or private places. This was not so for many of James Ensor's paintings It is therefore not surprising that his fame has been slow to be recognized. And two centuries before he would have probably never been admitted as such in his lifetime.
James Ensor was not in line with the ancestral model of the artist-craftsman, the professional artist anxious to create an art shared with the general public of his time. It announces the fashion of the art that disturbs the peoples and which is made a glory of the provocation. But he remains in the frameworks of modern art: His art is clearly significant, and the ugly is not a goal in itself. The ugly is occasional and only the way to express its own discomfort or the absurdities of the society that surrounds it. Like Grünwald, Bosch, Otto dix, Goya...
Ensor is a sincere painter for whom provocation is not a system, not an obligation to produce in order to be recognized by a clan of decision-makers who think they are more intelligent than the peoples, and to be able to enter in a museum. His provocation is an authentic expression of some of his inner drives.
*Working Towards a Better World
This is a collage I did on plexiglas for my theme Save the Family. It gives the message that we are made in love and should be cherished always. I did it in a childlike but abstract form in order to hopefully attract more attention for my message. I used diapers, nappies, socks, dummies, pacifiers, booties, acrylic paints and words.
James Ensor. 1860-1949. Bruxelles Ostende
Les masques scandalisés. The Scandalized Masks. 1883.
Bruxelles. Musées Royaux des Beaux Arts de Belgique.
Le premier tableau de la série des masques.
The first painting in the series of masks.
JAMES ENSOR (1860-1949)
James Ensor, qui fut actif à Bruxelles et Ostende, est un peintre habituellement classé dans l'école expressionniste et considéré comme un précurseur du surréalisme. C'est un artiste dont les thèmes comme le style sont très personnels. Son regard sur le monde humain est très critique, ironique, sarcastique comme le mettent en évidence ses séries sur le thème des masques et des squelettes. Ses techniques sont très diverses, tachisme, esquisse, peinture plate, couleurs arbitraires et violentes. De l'art Moderne il a l'esprit de recherche d'une nouvelle esthétique. Certains de ses tableaux de paysage sont déjà de l'art abstrait. L'essentiel de son oeuvre est peinte avant 1900, mais il reste méconnu pendant toute sa période de créativité et il devra attendre le début du 20è siècle pour être considéré comme un des grands artistes de l'art moderne belge.
James Ensor entre en effet dans la catégorie nouvelle des artistes modernes, qui privilégient "l'art pour moi" au détriment de "l'art pour les autres". James Ensor, comme Egon Schiele et quelques autres, a cultivé le style "artiste maudit", pour lequel l'art est un moyen d'exprimer ses tensions psychologiques internes sans se soucier du public et de ses goûts. Pour cette catégorie d'artistes très représentatifs de l'hyper-individualisme moderne, c'est au public de se plier à leur art, et non pas aux artistes de peindre conformément aux gouts du public et de leurs sponsors. Les impressionnistes ont représenté eux aussi quelques années auparavant une rupture dans l'art de la peinture, mais seulement dans leur style qui s'éloignait des règles classiques du tableau bien fini et du dessin achevé. Les thèmes de la peinture impressionniste, le paysage urbain et campagnard essentiellement, étaient tout à fait acceptables par le grand public. Il était possible d'accrocher leurs tableaux dans les intérieurs bourgeois ou les lieux privés. Il n'en était pas ainsi pour beaucoup de tableaux de James Ensor. Il n'est dés lors pas étonnant que sa célébrité ait un peu tardé à être reconnue. Et deux siècles avant il n'aurait sans doute jamais été admis comme tel de son vivant.
James Ensor n'était pas conforme au modèle ancestral de l'artiste-artisan, de l'artiste professionnel soucieux de créer un art partagé avec le grand public de son époque. Il annonce la mode de l'art qui dérange les peuples et qui se fait une gloire de la provocation. Mais il reste dans les cadres de l'Art Moderne : son art est clairement significatif, et le laid n'est pas un but en soi. Le laid est occasionnel et seulement le moyen d'exprimer ses propres malaises ou les absurdités de la société qui l'entoure. Comme Grünwald, Bosch, Otto Dix, Goya.... Ensor est un peintre sincère pour lequel la provocation n'est pas un système, une obligation de produire pour être reconnu par un clan de décideurs se croyant plus intelligents que les peuples, et pouvoir entrer dans un musée. Sa provocation est une expression authentique de certaines de ses pulsions intérieures.
James Ensor, who was active in Brussels and Ostend, is a painter usually classified in the expressionist school and considered a precursor of surrealism. He is an artist whose themes like style are very personal. His view of the human world is very critical, ironic, sarcastic as his series on the theme of masks and skeletons highlight. His techniques are very diverse, tachisme, sketch, flat painting, Arbitrary and violent colors. Of Modern Art, he has the spirit of research a new aesthetic. Some of his landscape paintings are already abstract art. The bulk of his work is painted before 1900, but it remains unknown throughout his period of creativity and he will have to wait until the beginning of the 20th century to be considered as one of the great artists of Belgian Modern Art
James Ensor enters into the new category of modern artists, who prefer "art for me" to the detriment of "art for others." James Ensor, like Egon Schiele and a few others, has cultivated the style "Cursed Artist", for which art is a way to express its internal psychological tensions without worrying about the public and its tastes. For this category of artists very representative of modern hyper-individualism, it is up to the public to bow to their art, and not to artists to paint according to the tastes of the public and their sponsors.
The Impressionists also represented a break in the art of painting a few years earlier, but only in their style which moved away from the classic rules of the well-finished painting and the perfect drawing. The themes of Impressionist painting, mainly the urban and rural landscape, were quite acceptable to the general public. It was possible to hang their paintings in bourgeois interiors or private places. This was not so for many of James Ensor's paintings It is therefore not surprising that his fame has been slow to be recognized. And two centuries before he would have probably never been admitted as such in his lifetime.
James Ensor was not in line with the ancestral model of the artist-craftsman, the professional artist anxious to create an art shared with the general public of his time. It announces the fashion of the art that disturbs the peoples and which is made a glory of the provocation. But he remains in the frameworks of modern art: His art is clearly significant, and the ugly is not a goal in itself. The ugly is occasional and only the way to express its own discomfort or the absurdities of the society that surrounds it. Like Grünwald, Bosch, Otto dix, Goya...
Ensor is a sincere painter for whom provocation is not a system, not an obligation to produce in order to be recognized by a clan of decision-makers who think they are more intelligent than the peoples, and to be able to enter in a museum. His provocation is an authentic expression of some of his inner drives.
Edgar Fernhout. 1912-1974. Bergen. Sea 1963
Dordrecht Museum
ART CONTEMPORAIN : LE HAUT ET LE BAS. SNOBISME ET ARGENT.
Dans leur grande majorité, les tableaux de peinture contemporaine peuvent être renversés et présentés la tête en bas : personne n'y verra rien. Pas même les auteurs de notices explicatives qui continueront à en louer, dans les mêmes termes, l'audace et la profondeur de pensée. Inverser le sens des tableaux de l'art contemporain officiel ne changera rien à leur absence de signification.
Placer le haut en bas ou la droite à gauche ne rendra pas les tableaux d'art contemporain plus beau ou plus laid.
C'est la démonstration expérimentale de l'absence de signification de cet art et du mépris du beau qui est la signature des techniques artistiques contemporaines dans le domaine de la peinture officielle, celle qui entre dans les collections permanentes des musées depuis les années 1950.
"Art minimal", "art conceptuel", "arte povera", en réalité Non-Art, révélateur de l'absence totale chez les élites occidentales de tout projet pour l'humanité qui puisse prétendre à être beau et significatif.
L'art s'est toujours décidé en haut des hiérarchies sociales. Pendant toute l'histoire de l'Europe ce sont les aristocraties qui ont commandé les thèmes et les styles de la peinture, de la sculpture, de la musique et de l'architecture. Les peuples exécutaient et admiraient. Mais la caractéristique fondamentale de l'art contemporain, en peinture particulièrement, tel qu'il est exposé dans les Musées d'Art Contemporain et tel qu'il se traduit dans l'Art Commercial, celui à destination des riches, pas celui pour Monsieur Tout Le Monde, est le Laid et l'Absurde. Et cette caractéristique est tout à fait nouvelle. Sans précédent dans l'histoire des civilisations.
Pendant près de deux mille ans l'aristocratie européenne a veillé à la production d'un art partagé avec les peuples car Beau et Significatif, compréhensible par tous. Depuis les années 1950 l'élite idéologique, politique et financière de l'Occident impose au monde une effrayante inversion des valeurs : le Laid à la place du Beau, et l'Absurde à la place du Sens.
C'est très significatif du vide intellectuel et spirituel, sidéral, qui habite la pensée de nos élites politiques et économiques et de l'insignifiance de leurs projets de société. Car le Laid et l'Absurde de cet art, officiel et capitaliste, sont très révélateurs des idéologies réelles qui animent les élites politiques et économiques, au-delà de leurs discours démocratiques.
Cet art contemporain n'a pas d'autres fonctions que de permettre à cette élite ploutocratique de se distinguer des peuples. Cet art est un snobisme qui claque la porte au nez des gens du commun. Le Laid et l'Absurde sont un langage codé, un péage, qui permet de ne laisser entrer dans la secte que les "gens branchés" , uniquement ceux qui acceptent de payer ce prix.
Ce Prix, le mot essentiel est dit. L'aristocratie exigeait plusieurs clés pour accéder à son club, la naissance, la richesse, mais aussi la culture. La ploutocratie n'en à qu'une: l'Argent. Car bien sûr ce non art s'achète et se vend à un prix exorbitant. Ce n'est d'ailleurs qu'à partir d'un certain prix, plusieurs millions de dollars, que l'élite occidentale et même mondiale, perçoit cet art positivement : "tiens, c'est intéressant !! ".
A contempler ces "oeuvres d'art" la question qui vient immédiatement à leur esprit n'est pas "Qui est l'auteur" ? ou "qu'est ce que cela représente ou signifie" ? Mais : "Combien l'avez vous acheté ?". Sous entendu : "Combien allez vous le revendre?".
Absurdité, Laideur et Argent, une Sainte Trinité contemporaine très révélatrice de la dégradation actuelle des valeurs: Le Kali Yuga.
CONTEMPORARY ART: UP AND DOWN. SNOBBISM AND MONEY.
The vast majority of contemporary painting tables can be reversed and presented upside down: nobody will see anything. Not even the authors of explanatory notes that will continue to praise, in the same terms, the audacity and the depth of thought. Reverse the direction of the tables in official contemporary art will not change anything to their lack of meaning.
Placing the top down or right to the left will not make the contemporary art paintings more beautiful or uglier.
This is the experimental demonstration of the lack of significance of this art and of contempt for the beautiful which is the signature of contemporary artistic techniques in the field of official painting, that which has entered the permanent collections of museums since the 1950s.
"Art minimal", "conceptual art", "arte povera", actually Non-Art, revealing the total absence among the Western elites of any project for humanity that can pretend to be beautiful and meaningful.
Art has always decided at the top of social hierarchies. Throughout the history of Europe aristocracies have ordered the themes and styles of painting, sculpture, music and architecture. The peoples were executing and admiring. But the fundamental characteristic of contemporary art, especially in painting, as it is exhibited in the Museums of Contemporary Art and as it is reflected in the Commercial Art, the one for the rich, not the one for Monsieur All the world is the Ugly and the Absurd. And this characteristic is completely new. Unprecedented in the history of great civilizations.
During nearly two thousand years, the European aristocracy has made sure of the production of an art shared with the peoples because Beau and Significatif, understandable by all. Since the 1950s, the ideological, political and financial elite of the West has imposed on the world a frightening reversal of values: the Laid instead of the Beautiful, and the Absurd instead of the Meaning.
This is very significant of the intellectual and spiritual vacuum, sidereal, which inhabits in the thinking of our political and economic elites and of the insignificance of their social projects.
Because the Laid and the Absurd of this art, both official and capitalist, are very revealing of the real ideologies that animate the political and economic elites, beyond their democratic discourses.
This contemporary art has no other function than to allow this plutocratic elite to distinguish itself from the peoples. This art is a snobbery that slams the door in the noses of ordinary people. The Ugly and the Absurd are a coded language, a toll, which allows to let into the sect only the "connected people", only those who agree to pay this price.
This Prize, the essential word is said. The aristocracy required several keys to access its club, birth, wealth, but also culture. The plutocracy has only one: Money. Because of course this non art is bought and sold at an exorbitant price. It is only after a certain price, several million dollars, that the Western and even world elite, perceives this art positively: "well, it is interesting !!".
To contemplate these "works of art" the question that immediately comes to their mind is not "Who is the author"? or "what does this represent or mean"? But: "How much did you buy?" Undaid: "How much will you sell it?"
Absurdity, Ugliness and Silver, a contemporary Holy Trinity very revealing of the current degradation of values: The Kali Yuga.
James Ensor. 1860-1949.Bruxelles Ostende
La Raie. The Shake. 1892
Bruxelles. Musées Royaux des Beaux Arts de Belgique.
ENSOR James
James Ensor (1860-1949) qui fut actif à Bruxelles et Ostende, est un peintre habituellement classé dans l'école expressionniste et considéré comme un précurseur du surréalisme. C'est un artiste dont les thèmes comme le style sont très personnels. Son regard sur le monde humain est très critique, ironique, sarcastique comme le mettent en évidence ses séries sur le thème des masques et des squelettes. Ses techniques sont très diverses, tachisme, esquisse, peinture plate, couleurs arbitraires et violentes. De l'art Moderne il a l'esprit de recherche d'une nouvelle esthétique. Certains de ses tableaux de paysage sont déjà de l'art abstrait. L'essentiel de son oeuvre est peinte avant 1900, mais il reste méconnu pendant toute sa période de créativité et il devra attendre le début du 20è siècle pour être considéré comme un des grands artistes de l'art moderne belge.
James Ensor entre en effet dans la catégorie nouvelle des artistes modernes, qui privilégient "l'art pour moi" au détriment de "l'art pour les autres". James Ensor, comme Egon Schiele et quelques autres, a cultivé le style "artiste maudit", pour lequel l'art est un moyen d'exprimer ses tensions psychologiques internes sans se soucier du public et de ses goûts. Pour cette catégorie d'artistes très représentatifs de l'hyper-individualisme moderne, c'est au public de se plier à leur art, et non pas aux artistes de peindre conformément aux gouts du public et de leurs sponsors. Les impressionnistes ont représenté eux aussi quelques années auparavant une rupture dans l'art de la peinture, mais seulement dans leur style qui s'éloignait des règles classiques du tableau bien fini et du dessin achevé. Les thèmes de la peinture impressionniste, le paysage urbain et campagnard essentiellement, étaient tout à fait acceptables par le grand public. Il était possible d'accrocher leurs tableaux dans les intérieurs bourgeois ou les lieux privés. Il n'en était pas ainsi pour beaucoup de tableaux de James Ensor. Il n'est dés lors pas étonnant que sa célébrité ait un peu tardé à être reconnue. Et deux siècles avant il n'aurait sans doute jamais été admis comme tel de son vivant.
James Ensor n'était pas conforme au modèle ancestral de l'artiste-artisan, de l'artiste professionnel soucieux de créer un art partagé avec le grand public de son époque. Il annonce la mode de l'art qui dérange les peuples et qui se fait une gloire de la provocation. Mais il reste dans les cadres de l'Art Moderne : son art est clairement significatif, et le laid n'est pas un but en soi. Le laid est occasionnel et seulement le moyen d'exprimer ses propres malaises ou les absurdités de la société qui l'entoure. Comme Grünwald, Bosch, Otto Dix, Goya.... Ensor est un peintre sincère pour lequel la provocation n'est pas un système, une obligation de produire pour être reconnu par un clan de décideurs se croyant plus intelligents que les peuples, et pouvoir entrer dans un musée. Sa provocation est une expression authentique de certaines de ses pulsions intérieures
James Ensor (1860-1949) who was active in Brussels and Ostend, is a painter usually classified in the expressionist school and considered a precursor of surrealism. He is an artist whose themes like style are very personal. His view of the human world is very critical, ironic, sarcastic as his series on the theme of masks and skeletons highlight. His techniques are very diverse, tachisme, sketch, flat painting, Arbitrary and violent colors. Of Modern Art, he has the spirit of research a new aesthetic. Some of his landscape paintings are already abstract art. The bulk of his work is painted before 1900, but it remains unknown throughout his period of creativity and he will have to wait until the beginning of the 20th century to be considered as one of the great artists of Belgian Modern Art
James Ensor enters into the new category of modern artists, who prefer "art for me" to the detriment of "art for others." James Ensor, like Egon Schiele and a few others, has cultivated the style "Cursed Artist", for which art is a way to express its internal psychological tensions without worrying about the public and its tastes. For this category of artists very representative of modern hyper-individualism, it is up to the public to bow to their art, and not to artists to paint according to the tastes of the public and their sponsors.
The Impressionists also represented a break in the art of painting a few years earlier, but only in their style which moved away from the classic rules of the well-finished painting and the perfect drawing. The themes of Impressionist painting, mainly the urban and rural landscape, were quite acceptable to the general public. It was possible to hang their paintings in bourgeois interiors or private places. This was not so for many of James Ensor's paintings It is therefore not surprising that his fame has been slow to be recognized. And two centuries before he would have probably never been admitted as such in his lifetime.
James Ensor was not in line with the ancestral model of the artist-craftsman, the professional artist anxious to create an art shared with the general public of his time. It announces the fashion of the art that disturbs the peoples and which is made a glory of the provocation. But he remains in the frameworks of modern art: His art is clearly significant, and the ugly is not a goal in itself. The ugly is occasional and only the way to express its own discomfort or the absurdities of the society that surrounds it. Like Grünwald, Bosch, Otto dix, Goya...
Ensor is a sincere painter for whom provocation is not a system, not an obligation to produce in order to be recognized by a clan of decision-makers who think they are more intelligent than the peoples, and to be able to enter in a museum. His provocation is an authentic expression of some of his inner drives.
Jean Dubuffet. 1901-1985. Paris
Paris Plaisir IV 1962
Aix en Provence. Musée Granet.
*****"L'ASSASSINAT DE LA PEINTURE"
Joan Miro avait proclamé son intention "d'assassiner la peinture". A la fin de sa vie quelques tableaux, comme "toile brûlée" ou "Sobreteixim" montrent qu'il y est presque arrivé. Mais pas réellement, car l'oeuvre de toute sa vie témoigne en sens contraire : Miro n'est pas parvenu à s'installer dans l'Absurde et le Laid, systématiques, les deux inventions de la peinture contemporaine.
Globalement l'oeuvre de Miro reste marquée par les objectifs de la période appelée de "l'Art Moderne" : Une recherche obstinée du Nouveau, de l'original, mais sans abandon de l'idée que le Beau, la création d'émotions positives à destination d'un public le plus large possible, reste la finalité de l'art.
L'oeuvre de Miro montre l'intention manifeste de créer un art beau, aimable, souriant, humoristique, partagé sinon par le plus grand nombre, tout à moins par un public encore très large.
C'est seulement avec l'Art Contemporain que le Non Sens, conséquence nécessaire de l'art abstrait, se transforme en Absurde, et que le Laid est devenu le but du peintre, à la place du Beau. A quelques exceptions près, comme Georges Mathieu.
Les artistes ne sont responsables qu'en seconde ligne de cette évolution. L'Art de tous les temps est idéologique, il est commandé par des choix politiques et doctrinaux qui sont le fait des élites d'une société. Les artistes, même les plus grands, font ce que leur demande "l'intelligentsia" de leur époque. Les artistes créent pour être reconnus comme tels, et si la réussite passe par le Laid et l'Absurde, bien sûr, ils agissent en conséquence.
Par contre il est intéressant de se demander pourquoi les élites occidentales imposent cet Art du Laid et de l'Absurde.
Les réponses sont multiples, citons seulement deux d'entre elles :
1° Parce que l'Absurde et le Laid permettent aux élites contemporaines de se distinguer de leurs prédécesseurs et de la masse des peuples. Le laid c'était une idée nouvelle et pour une élite idéologique totalement obsédée par le Progrès et la Nouveauté, c'était une bonne idée. D'autre part à une époque où la doctrine politique officielle, exotérique (mais pas la doctrine ésotérique) enseigne que la légitimité politique est dans le peuple, il est d'autant plus urgent de se distinguer de la masse. Et si le Laid et l'Absurde permettent d'afficher sa différence, ils sont bienvenus : L'élite se distinguera en se conformant au Laid et à l'Absurde: un nouvel Académisme, original, jamais vu, est né. Elle en est fière et regarde les peuples du haut de cette originalité fabriquée. Ces peuples dépassés par la modernité, qui en sont restés à l'art beau, ou pire à l'art figuratif, alors qu'eux mêmes pratiquent "la peinture conceptuelle".
Et le "Salon des Refusés" est ailleurs : dans la publicité, l'art privé commercial, les peintures murales et les tags.
2° Parce que les Élites ont réussi à obtenir que l'Absurde et le Laid les enrichissent. Car la distinction n'est rien sans la richesse. L'art de tous les temps a été un marché, et il est manifeste que l'Argent a pris une importance tout à fait considérable dans la société contemporaine. Cette évolution, très déterminante dans la culture européenne, est une conséquence de la Réforme protestante et d'une revalorisation de la morale du Premier Testament ( on ne dit plus l'Ancien Testament !) c'est à dire de la Bible Judaïque. La richesse n'est plus suspecte, comme la doctrine catholique ou orthodoxe l' a enseigné pendant plus de 1500 ans, la richesse est au contraire le signe de la Grâce de Dieu, ou de la Faveur du Ciel et de la Raison. Quel soulagement !
Et c'est ainsi qu'un collectionneur d'art contemporain, l'élite, peut proclamer fièrement : "moins je comprends une peinture, plus je l'achète".
"THE ASSASSINATION OF PAINTING"
Joan Miro had proclaimed his intention to "assassinate the painting". At the end of his life some paintings, like "burned canvas" or "Sobreteixim" show that it is almost there. But not really, because the work of all his life testifies in the contrary direction: Miro has not succeeded to settle in the systematic Absurd and the Laid, the two inventions of contemporary painting.
Overall Miro's work remains marked by the objectives of the period called the"Modern Art": An obstinate search of the New, of the original, but without abandoning the idea that the Beautiful, the creation of positive emotions for the widest possible audience, remains the purpose of Art.
Miro's work shows the obvious intention of creating a beautiful, kind, smiling, humorous art, shared by, if not by the greatest number, unless by a very wide audience.
It is only with the Contemporary Art that the Non-Sens, a necessary consequence of the abstract art, is transformed into Absurd, and that the Laid has become the painter's goal, in place of the Beautiful. With a few exceptions, like Georges Mathieu.
Artists are responsible only in the second line of this evolution. The art of all times is ideological, it is controlled by political and doctrinal choices that are made by the elites of a society. The artists, even the greatest, do what is demanded by the intelligentsia of their time.. Artists create to be recognized as such, and if the success passes through the Laid and the Absurd, of course, they act accordingly.
The answers are many, only two of them:
1. Because the Absurd and the ugly allow contemporary elites to distinguish themselves from their predecessors and the mass of peoples. The ugly was a new idea and for an ideological elite totally obsessed with Progress and Novelty, it was a good idea. On the other hand, at a time when the official, exoteric (but not esoteric) political doctrine teaches that political legitimacy is in the people, it is all the more urgent to distinguish oneself from the masses. And if the ugly and the absurd allow to display its difference, they are welcome: The elite will be distinguished by conforming to the Laid and the Absurd: a new Academism, original, never seen, was born. She is proud of it and looks at the peoples from the top of this fabricated originality. These peoples overwhelmed by modernity, who have remained in fine art, or worse at figurative art, while they themselves practice "conceptual painting".
And the "Salon des Refusés" is elsewhere: in advertising, private commercial art, murals and tags.
2. Because the Elites have succeeded in obtaining that the Absurd and the Laid enrich them. Because the distinction is nothing without the wealth. The art of all times has been a market, and it is clear that the money has assumed a considerable importance in the contemporary society. This evolution, which is very decisive in European culture, is a consequence of the Protestant Reformation and of a revaluation of the morality of the First Testament (no longer called the Old Testament!) That is to say of the Judaic Bible. The Wealth is no longer suspect, as the Catholic or Orthodox doctrine has taught it for more than 1500 years. The Wealth is, on the contrary, a sign of the grace of God, or the favor of the heaven and of the Reason. What a relief !
And this is how a collector of contemporary art, the elite, can proclaim proudly: "The less I understand a painting, the more I buy it."
Edgar Fernhout. 1912-1974. Bergen. Bark and leaves. 1958
Dordrecht Museum
ART CONTEMPORAIN : LE HAUT ET LE BAS. SNOBISME ET ARGENT.
Dans leur grande majorité, les tableaux de peinture contemporaine peuvent être renversés et présentés la tête en bas : personne n'y verra rien. Pas même les auteurs de notices explicatives qui continueront à en louer, dans les mêmes termes, l'audace et la profondeur de pensée. Inverser le sens des tableaux de l'art contemporain officiel ne changera rien à leur absence de signification.
Placer le haut en bas ou la droite à gauche ne rendra pas les tableaux d'art contemporain plus beau ou plus laid.
C'est la démonstration expérimentale de l'absence de signification de cet art et du mépris du beau qui est la signature des techniques artistiques contemporaines dans le domaine de la peinture officielle, celle qui entre dans les collections permanentes des musées depuis les années 1950.
"Art minimal", "art conceptuel", "arte povera", en réalité Non-Art, révélateur de l'absence totale chez les élites occidentales de tout projet pour l'humanité qui puisse prétendre à être beau et significatif.
L'art s'est toujours décidé en haut des hiérarchies sociales. Pendant toute l'histoire de l'Europe ce sont les aristocraties qui ont commandé les thèmes et les styles de la peinture, de la sculpture, de la musique et de l'architecture. Les peuples exécutaient et admiraient. Mais la caractéristique fondamentale de l'art contemporain, en peinture particulièrement, tel qu'il est exposé dans les Musées d'Art Contemporain et tel qu'il se traduit dans l'Art Commercial, celui à destination des riches, pas celui pour Monsieur Tout Le Monde, est le Laid et l'Absurde. Et cette caractéristique est tout à fait nouvelle. Sans précédent dans l'histoire des civilisations.
Pendant près de deux mille ans l'aristocratie européenne a veillé à la production d'un art partagé avec les peuples car Beau et Significatif, compréhensible par tous. Depuis les années 1950 l'élite idéologique, politique et financière de l'Occident impose au monde une effrayante inversion des valeurs : le Laid à la place du Beau, et l'Absurde à la place du Sens.
C'est très significatif du vide intellectuel et spirituel, sidéral, qui habite la pensée de nos élites politiques et économiques et de l'insignifiance de leurs projets de société. Car le Laid et l'Absurde de cet art, officiel et capitaliste, sont très révélateurs des idéologies réelles qui animent les élites politiques et économiques, au-delà de leurs discours démocratiques.
Cet art contemporain n'a pas d'autres fonctions que de permettre à cette élite ploutocratique de se distinguer des peuples. Cet art est un snobisme qui claque la porte au nez des gens du commun. Le Laid et l'Absurde sont un langage codé, un péage, qui permet de ne laisser entrer dans la secte que les "gens branchés" , uniquement ceux qui acceptent de payer ce prix.
Ce Prix, le mot essentiel est dit. L'aristocratie exigeait plusieurs clés pour accéder à son club, la naissance, la richesse, mais aussi la culture. La ploutocratie n'en à qu'une: l'Argent. Car bien sûr ce non art s'achète et se vend à un prix exorbitant. Ce n'est d'ailleurs qu'à partir d'un certain prix, plusieurs millions de dollars, que l'élite occidentale et même mondiale, perçoit cet art positivement : "tiens, c'est intéressant !! ".
A contempler ces "oeuvres d'art" la question qui vient immédiatement à leur esprit n'est pas "Qui est l'auteur" ? ou "qu'est ce que cela représente ou signifie" ? Mais : "Combien l'avez vous acheté ?". Sous entendu : "Combien allez vous le revendre?".
Absurdité, Laideur et Argent, une Sainte Trinité contemporaine très révélatrice de la dégradation actuelle des valeurs: Le Kali Yuga.
CONTEMPORARY ART: UP AND DOWN. SNOBBISM AND MONEY.
The vast majority of contemporary painting tables can be reversed and presented upside down: nobody will see anything. Not even the authors of explanatory notes that will continue to praise, in the same terms, the audacity and the depth of thought. Reverse the direction of the tables in official contemporary art will not change anything to their lack of meaning.
Placing the top down or right to the left will not make the contemporary art paintings more beautiful or uglier.
This is the experimental demonstration of the lack of significance of this art and of contempt for the beautiful which is the signature of contemporary artistic techniques in the field of official painting, that which has entered the permanent collections of museums since the 1950s.
"Art minimal", "conceptual art", "arte povera", actually Non-Art, revealing the total absence among the Western elites of any project for humanity that can pretend to be beautiful and meaningful.
Art has always decided at the top of social hierarchies. Throughout the history of Europe aristocracies have ordered the themes and styles of painting, sculpture, music and architecture. The peoples were executing and admiring. But the fundamental characteristic of contemporary art, especially in painting, as it is exhibited in the Museums of Contemporary Art and as it is reflected in the Commercial Art, the one for the rich, not the one for Monsieur All the world is the Ugly and the Absurd. And this characteristic is completely new. Unprecedented in the history of great civilizations.
During nearly two thousand years, the European aristocracy has made sure of the production of an art shared with the peoples because Beau and Significatif, understandable by all. Since the 1950s, the ideological, political and financial elite of the West has imposed on the world a frightening reversal of values: the Laid instead of the Beautiful, and the Absurd instead of the Meaning.
This is very significant of the intellectual and spiritual vacuum, sidereal, which inhabits in the thinking of our political and economic elites and of the insignificance of their social projects.
Because the Laid and the Absurd of this art, both official and capitalist, are very revealing of the real ideologies that animate the political and economic elites, beyond their democratic discourses.
This contemporary art has no other function than to allow this plutocratic elite to distinguish itself from the peoples. This art is a snobbery that slams the door in the noses of ordinary people. The Ugly and the Absurd are a coded language, a toll, which allows to let into the sect only the "connected people", only those who agree to pay this price.
This Prize, the essential word is said. The aristocracy required several keys to access its club, birth, wealth, but also culture. The plutocracy has only one: Money. Because of course this non art is bought and sold at an exorbitant price. It is only after a certain price, several million dollars, that the Western and even world elite, perceives this art positively: "well, it is interesting !!".
To contemplate these "works of art" the question that immediately comes to their mind is not "Who is the author"? or "what does this represent or mean"? But: "How much did you buy?" Undaid: "How much will you sell it?"
Absurdity, Ugliness and Silver, a contemporary Holy Trinity very revealing of the current degradation of values: The Kali Yuga.
thought this for the "stick my car" paper toy, i liked it so i did it in a bigger size with more details :).
Olga Wisinger-Florian 1844-1926 Vienne
Fish markt in Venice 1892
OLGA WISINGER FLORIAN:
ART MODERNE ET ART CONTEMPORAIN
Olga Wisinger-Florian (1844-1926 Vienne) appartient à une branche de l'impressionnisme européen. Les tableaux de l'exposition sont ici présentés chronologiquement dans le désordre afin de varier les thèmes et les styles. Toutefois on observe une évolution au long de la carrière de l'artiste. Olga Wisinger-Florian part d'un pré-impressionnisme encore très attaché au dessin exact, discrètement esquissé pour terminer par un impressionnisme beaucoup plus flou, au dessin parfois très élémentaire, privilégiant les taches de couleurs. Il demeure que ce peintre est emblématique de l'Art Moderne (1815-1950) : son but reste très clairement un art beau, significatif et partagé par le plus large public possible selon la tradition des "Beaux Arts". Malgré les formes modernes, provocantes par rapport à l'art classique et académique attaché au dessin bien défini, nous ne sommes absolument pas encore arrivé à l'Art Contemporain Institutionnel, systématiquement provocateur du grand public, qui vénère le laid et l'absurde comme un culte obligatoire.
OLGA WISINGER FLORIAN: MODERN AND CONTEMPORARY ART
Olga Wisinger-Florian (1844-1926 Vienna) belongs to a branch of European Impressionism. The paintings in the exhibition (some sixty in all) are presented here no chronologically in order to vary the themes and styles. However, an evolution can be observed throughout the artist's career. Olga Wisinger-Florian starts from a pre-impressionism still very attached to exact drawing, discreetly sketched out, and ends with a much more blurred impressionism, with sometimes very elementary drawing, favouring patches of colour. The fact remains that this painter is emblematic of Modern Art (1815-1950): his goal remains very clearly a beautiful, significant art shared by the widest possible public according to the tradition of "Fine Arts". In spite of the modern forms, provocative compared to classical and academic art attached to well-defined drawing, we have absolutely not yet arrived at Institutional Contemporary Art, systematically provocative to the general public, which venerates the ugly and absurd as an obligatory cult.
James Ensor. 1860-1949. Bruxelles Ostende
Les masques scandalisés. The Scandalized Masks. 1883.
Bruxelles. Musées Royaux des Beaux Arts de Belgique.
Le premier tableau de la série des masques.
The first painting in the series of masks.
JAMES ENSOR (1860-1949)
James Ensor, qui fut actif à Bruxelles et Ostende, est un peintre habituellement classé dans l'école expressionniste et considéré comme un précurseur du surréalisme. C'est un artiste dont les thèmes comme le style sont très personnels. Son regard sur le monde humain est très critique, ironique, sarcastique comme le mettent en évidence ses séries sur le thème des masques et des squelettes. Ses techniques sont très diverses, tachisme, esquisse, peinture plate, couleurs arbitraires et violentes. De l'art Moderne il a l'esprit de recherche d'une nouvelle esthétique. Certains de ses tableaux de paysage sont déjà de l'art abstrait. L'essentiel de son oeuvre est peinte avant 1900, mais il reste méconnu pendant toute sa période de créativité et il devra attendre le début du 20è siècle pour être considéré comme un des grands artistes de l'art moderne belge.
James Ensor entre en effet dans la catégorie nouvelle des artistes modernes, qui privilégient "l'art pour moi" au détriment de "l'art pour les autres". James Ensor, comme Egon Schiele et quelques autres, a cultivé le style "artiste maudit", pour lequel l'art est un moyen d'exprimer ses tensions psychologiques internes sans se soucier du public et de ses goûts. Pour cette catégorie d'artistes très représentatifs de l'hyper-individualisme moderne, c'est au public de se plier à leur art, et non pas aux artistes de peindre conformément aux gouts du public et de leurs sponsors. Les impressionnistes ont représenté eux aussi quelques années auparavant une rupture dans l'art de la peinture, mais seulement dans leur style qui s'éloignait des règles classiques du tableau bien fini et du dessin achevé. Les thèmes de la peinture impressionniste, le paysage urbain et campagnard essentiellement, étaient tout à fait acceptables par le grand public. Il était possible d'accrocher leurs tableaux dans les intérieurs bourgeois ou les lieux privés. Il n'en était pas ainsi pour beaucoup de tableaux de James Ensor. Il n'est dés lors pas étonnant que sa célébrité ait un peu tardé à être reconnue. Et deux siècles avant il n'aurait sans doute jamais été admis comme tel de son vivant.
James Ensor n'était pas conforme au modèle ancestral de l'artiste-artisan, de l'artiste professionnel soucieux de créer un art partagé avec le grand public de son époque. Il annonce la mode de l'art qui dérange les peuples et qui se fait une gloire de la provocation. Mais il reste dans les cadres de l'Art Moderne : son art est clairement significatif, et le laid n'est pas un but en soi. Le laid est occasionnel et seulement le moyen d'exprimer ses propres malaises ou les absurdités de la société qui l'entoure. Comme Grünwald, Bosch, Otto Dix, Goya.... Ensor est un peintre sincère pour lequel la provocation n'est pas un système, une obligation de produire pour être reconnu par un clan de décideurs se croyant plus intelligents que les peuples, et pouvoir entrer dans un musée. Sa provocation est une expression authentique de certaines de ses pulsions intérieures.
James Ensor, who was active in Brussels and Ostend, is a painter usually classified in the expressionist school and considered a precursor of surrealism. He is an artist whose themes like style are very personal. His view of the human world is very critical, ironic, sarcastic as his series on the theme of masks and skeletons highlight. His techniques are very diverse, tachisme, sketch, flat painting, Arbitrary and violent colors. Of Modern Art, he has the spirit of research a new aesthetic. Some of his landscape paintings are already abstract art. The bulk of his work is painted before 1900, but it remains unknown throughout his period of creativity and he will have to wait until the beginning of the 20th century to be considered as one of the great artists of Belgian Modern Art
James Ensor enters into the new category of modern artists, who prefer "art for me" to the detriment of "art for others." James Ensor, like Egon Schiele and a few others, has cultivated the style "Cursed Artist", for which art is a way to express its internal psychological tensions without worrying about the public and its tastes. For this category of artists very representative of modern hyper-individualism, it is up to the public to bow to their art, and not to artists to paint according to the tastes of the public and their sponsors.
The Impressionists also represented a break in the art of painting a few years earlier, but only in their style which moved away from the classic rules of the well-finished painting and the perfect drawing. The themes of Impressionist painting, mainly the urban and rural landscape, were quite acceptable to the general public. It was possible to hang their paintings in bourgeois interiors or private places. This was not so for many of James Ensor's paintings It is therefore not surprising that his fame has been slow to be recognized. And two centuries before he would have probably never been admitted as such in his lifetime.
James Ensor was not in line with the ancestral model of the artist-craftsman, the professional artist anxious to create an art shared with the general public of his time. It announces the fashion of the art that disturbs the peoples and which is made a glory of the provocation. But he remains in the frameworks of modern art: His art is clearly significant, and the ugly is not a goal in itself. The ugly is occasional and only the way to express its own discomfort or the absurdities of the society that surrounds it. Like Grünwald, Bosch, Otto dix, Goya...
Ensor is a sincere painter for whom provocation is not a system, not an obligation to produce in order to be recognized by a clan of decision-makers who think they are more intelligent than the peoples, and to be able to enter in a museum. His provocation is an authentic expression of some of his inner drives.
JCJ Vanderheyden. 1928-2012. Den Bosch Five x Five
Dordrecht Museum
ART CONTEMPORAIN : LE HAUT ET LE BAS. SNOBISME ET ARGENT.
Dans leur grande majorité, les tableaux de peinture contemporaine peuvent être renversés et présentés la tête en bas : personne n'y verra rien. Pas même les auteurs de notices explicatives qui continueront à en louer, dans les mêmes termes, l'audace et la profondeur de pensée. Inverser le sens des tableaux de l'art contemporain officiel ne changera rien à leur absence de signification.
Placer le haut en bas ou la droite à gauche ne rendra pas les tableaux d'art contemporain plus beau ou plus laid.
C'est la démonstration expérimentale de l'absence de signification de cet art et du mépris du beau qui est la signature des techniques artistiques contemporaines dans le domaine de la peinture officielle, celle qui entre dans les collections permanentes des musées depuis les années 1950.
"Art minimal", "art conceptuel", "arte povera", en réalité Non-Art, révélateur de l'absence totale chez les élites occidentales de tout projet pour l'humanité qui puisse prétendre à être beau et significatif.
L'art s'est toujours décidé en haut des hiérarchies sociales. Pendant toute l'histoire de l'Europe ce sont les aristocraties qui ont commandé les thèmes et les styles de la peinture, de la sculpture, de la musique et de l'architecture. Les peuples exécutaient et admiraient. Mais la caractéristique fondamentale de l'art contemporain, en peinture particulièrement, tel qu'il est exposé dans les Musées d'Art Contemporain et tel qu'il se traduit dans l'Art Commercial, celui à destination des riches, pas celui pour Monsieur Tout Le Monde, est le Laid et l'Absurde. Et cette caractéristique est tout à fait nouvelle. Sans précédent dans l'histoire des civilisations.
Pendant près de deux mille ans l'aristocratie européenne a veillé à la production d'un art partagé avec les peuples car Beau et Significatif, compréhensible par tous. Depuis les années 1950 l'élite idéologique, politique et financière de l'Occident impose au monde une effrayante inversion des valeurs : le Laid à la place du Beau, et l'Absurde à la place du Sens.
C'est très significatif du vide intellectuel et spirituel, sidéral, qui habite la pensée de nos élites politiques et économiques et de l'insignifiance de leurs projets de société. Car le Laid et l'Absurde de cet art, officiel et capitaliste, sont très révélateurs des idéologies réelles qui animent les élites politiques et économiques, au-delà de leurs discours démocratiques.
Cet art contemporain n'a pas d'autres fonctions que de permettre à cette élite ploutocratique de se distinguer des peuples. Cet art est un snobisme qui claque la porte au nez des gens du commun. Le Laid et l'Absurde sont un langage codé, un péage, qui permet de ne laisser entrer dans la secte que les "gens branchés" , uniquement ceux qui acceptent de payer ce prix.
Ce Prix, le mot essentiel est dit. L'aristocratie exigeait plusieurs clés pour accéder à son club, la naissance, la richesse, mais aussi la culture. La ploutocratie n'en à qu'une: l'Argent. Car bien sûr ce non art s'achète et se vend à un prix exorbitant. Ce n'est d'ailleurs qu'à partir d'un certain prix, plusieurs millions de dollars, que l'élite occidentale et même mondiale, perçoit cet art positivement : "tiens, c'est intéressant !! ".
A contempler ces "oeuvres d'art" la question qui vient immédiatement à leur esprit n'est pas "Qui est l'auteur" ? ou "qu'est ce que cela représente ou signifie" ? Mais : "Combien l'avez vous acheté ?". Sous entendu : "Combien allez vous le revendre?".
Absurdité, Laideur et Argent, une Sainte Trinité contemporaine très révélatrice de la dégradation actuelle des valeurs: Le Kali Yuga.
CONTEMPORARY ART: UP AND DOWN. SNOBBISM AND MONEY.
The vast majority of contemporary painting tables can be reversed and presented upside down: nobody will see anything. Not even the authors of explanatory notes that will continue to praise, in the same terms, the audacity and the depth of thought. Reverse the direction of the tables in official contemporary art will not change anything to their lack of meaning.
Placing the top down or right to the left will not make the contemporary art paintings more beautiful or uglier.
This is the experimental demonstration of the lack of significance of this art and of contempt for the beautiful which is the signature of contemporary artistic techniques in the field of official painting, that which has entered the permanent collections of museums since the 1950s.
"Art minimal", "conceptual art", "arte povera", actually Non-Art, revealing the total absence among the Western elites of any project for humanity that can pretend to be beautiful and meaningful.
Art has always decided at the top of social hierarchies. Throughout the history of Europe aristocracies have ordered the themes and styles of painting, sculpture, music and architecture. The peoples were executing and admiring. But the fundamental characteristic of contemporary art, especially in painting, as it is exhibited in the Museums of Contemporary Art and as it is reflected in the Commercial Art, the one for the rich, not the one for Monsieur All the world is the Ugly and the Absurd. And this characteristic is completely new. Unprecedented in the history of great civilizations.
During nearly two thousand years, the European aristocracy has made sure of the production of an art shared with the peoples because Beau and Significatif, understandable by all. Since the 1950s, the ideological, political and financial elite of the West has imposed on the world a frightening reversal of values: the Laid instead of the Beautiful, and the Absurd instead of the Meaning.
This is very significant of the intellectual and spiritual vacuum, sidereal, which inhabits in the thinking of our political and economic elites and of the insignificance of their social projects.
Because the Laid and the Absurd of this art, both official and capitalist, are very revealing of the real ideologies that animate the political and economic elites, beyond their democratic discourses.
This contemporary art has no other function than to allow this plutocratic elite to distinguish itself from the peoples. This art is a snobbery that slams the door in the noses of ordinary people. The Ugly and the Absurd are a coded language, a toll, which allows to let into the sect only the "connected people", only those who agree to pay this price.
This Prize, the essential word is said. The aristocracy required several keys to access its club, birth, wealth, but also culture. The plutocracy has only one: Money. Because of course this non art is bought and sold at an exorbitant price. It is only after a certain price, several million dollars, that the Western and even world elite, perceives this art positively: "well, it is interesting !!".
To contemplate these "works of art" the question that immediately comes to their mind is not "Who is the author"? or "what does this represent or mean"? But: "How much did you buy?" Undaid: "How much will you sell it?"
Absurdity, Ugliness and Silver, a contemporary Holy Trinity very revealing of the current degradation of values: The Kali Yuga.
James Ensor. 1860-1949. Ostende.
Enfant et masques. Child and masks. 1921
Francfort Städelmuseum
ENSOR James
James Ensor (1860-1949) qui fut actif à Bruxelles et Ostende, est un peintre habituellement classé dans l'école expressionniste et considéré comme un précurseur du surréalisme. C'est un artiste dont les thèmes comme le style sont très personnels. Son regard sur le monde humain est très critique, ironique, sarcastique comme le mettent en évidence ses séries sur le thème des masques et des squelettes. Ses techniques sont très diverses, tachisme, esquisse, peinture plate, couleurs arbitraires et violentes. De l'art Moderne il a l'esprit de recherche d'une nouvelle esthétique. Certains de ses tableaux de paysage sont déjà de l'art abstrait. L'essentiel de son oeuvre est peinte avant 1900, mais il reste méconnu pendant toute sa période de créativité et il devra attendre le début du 20è siècle pour être considéré comme un des grands artistes de l'art moderne belge.
James Ensor entre en effet dans la catégorie nouvelle des artistes modernes, qui privilégient "l'art pour moi" au détriment de "l'art pour les autres". James Ensor, comme Egon Schiele et quelques autres, a cultivé le style "artiste maudit", pour lequel l'art est un moyen d'exprimer ses tensions psychologiques internes sans se soucier du public et de ses goûts. Pour cette catégorie d'artistes très représentatifs de l'hyper-individualisme moderne, c'est au public de se plier à leur art, et non pas aux artistes de peindre conformément aux gouts du public et de leurs sponsors. Les impressionnistes ont représenté eux aussi quelques années auparavant une rupture dans l'art de la peinture, mais seulement dans leur style qui s'éloignait des règles classiques du tableau bien fini et du dessin achevé. Les thèmes de la peinture impressionniste, le paysage urbain et campagnard essentiellement, étaient tout à fait acceptables par le grand public. Il était possible d'accrocher leurs tableaux dans les intérieurs bourgeois ou les lieux privés. Il n'en était pas ainsi pour beaucoup de tableaux de James Ensor. Il n'est dés lors pas étonnant que sa célébrité ait un peu tardé à être reconnue. Et deux siècles avant il n'aurait sans doute jamais été admis comme tel de son vivant.
James Ensor n'était pas conforme au modèle ancestral de l'artiste-artisan, de l'artiste professionnel soucieux de créer un art partagé avec le grand public de son époque. Il annonce la mode de l'art qui dérange les peuples et qui se fait une gloire de la provocation. Mais il reste dans les cadres de l'Art Moderne : son art est clairement significatif, et le laid n'est pas un but en soi. Le laid est occasionnel et seulement le moyen d'exprimer ses propres malaises ou les absurdités de la société qui l'entoure. Comme Grünwald, Bosch, Otto Dix, Goya.... Ensor est un peintre sincère pour lequel la provocation n'est pas un système, une obligation de produire pour être reconnu par un clan de décideurs se croyant plus intelligents que les peuples, et pouvoir entrer dans un musée. Sa provocation est une expression authentique de certaines de ses pulsions intérieures
James Ensor (1860-1949) who was active in Brussels and Ostend, is a painter usually classified in the expressionist school and considered a precursor of surrealism. He is an artist whose themes like style are very personal. His view of the human world is very critical, ironic, sarcastic as his series on the theme of masks and skeletons highlight. His techniques are very diverse, tachisme, sketch, flat painting, Arbitrary and violent colors. Of Modern Art, he has the spirit of research a new aesthetic. Some of his landscape paintings are already abstract art. The bulk of his work is painted before 1900, but it remains unknown throughout his period of creativity and he will have to wait until the beginning of the 20th century to be considered as one of the great artists of Belgian Modern Art
James Ensor enters into the new category of modern artists, who prefer "art for me" to the detriment of "art for others." James Ensor, like Egon Schiele and a few others, has cultivated the style "Cursed Artist", for which art is a way to express its internal psychological tensions without worrying about the public and its tastes. For this category of artists very representative of modern hyper-individualism, it is up to the public to bow to their art, and not to artists to paint according to the tastes of the public and their sponsors.
The Impressionists also represented a break in the art of painting a few years earlier, but only in their style which moved away from the classic rules of the well-finished painting and the perfect drawing. The themes of Impressionist painting, mainly the urban and rural landscape, were quite acceptable to the general public. It was possible to hang their paintings in bourgeois interiors or private places. This was not so for many of James Ensor's paintings It is therefore not surprising that his fame has been slow to be recognized. And two centuries before he would have probably never been admitted as such in his lifetime.
James Ensor was not in line with the ancestral model of the artist-craftsman, the professional artist anxious to create an art shared with the general public of his time. It announces the fashion of the art that disturbs the peoples and which is made a glory of the provocation. But he remains in the frameworks of modern art: His art is clearly significant, and the ugly is not a goal in itself. The ugly is occasional and only the way to express its own discomfort or the absurdities of the society that surrounds it. Like Grünwald, Bosch, Otto dix, Goya...
Ensor is a sincere painter for whom provocation is not a system, not an obligation to produce in order to be recognized by a clan of decision-makers who think they are more intelligent than the peoples, and to be able to enter in a museum. His provocation is an authentic expression of some of his inner drives.
This traffic signal box is a part of the Craigieburn Road Legacy Art trail.
As part of the Craigieburn Road Upgrade, Major Road Projects Victoria worked with local artists and the community to reimagine and reinvent public spaces through a signal box art trail.
Local artists were invited to contribute to a vibrant art trail featuring 30 traffic signal cabinets along Craigieburn Road. Each piece of public art tells the story of "What makes Craigieburn unique," serving as the main theme of the art installation. The artwork also celebrates sub-themes such as community, connection, travel, history, culture, diversity, environment, nature, and sustainability.
Raghad Rihan is an artist and teacher whose work is profoundly shaped by her Palestinian-Australian heritage. Raghad’s artwork skilfully weaves elements of culture - celebrating and communicating her roots while also connecting with a local and global audience.
In addition to her artistic practice, Raghad teaches digital art, sharing her passion for creativity and guiding students in using modern tools for self-expression. Her commitment to education allows her to foster a new generation of artists, empowering them to explore their unique voices.
Beyond the canvas, Raghad is a dedicated martial artist, holding a 2nd Dan Black Belt in Taekwondo, which has instilled qualities such as focus, resilience, and balance—traits that enhance both her artistic and teaching practices. The principles of martial arts inform her creative process and educational methods, providing a holistic approach that enriches her life and work.
Raghads diverse interests in art, digital media, and martial arts converge to create a dynamic professional journey, deeply rooted in her cultural identity and driven by a passion for sharing and teaching.
This piece is titled "The diverse female backgrounds of Craigieburn - Islam community"
James Ensor. 1860-1949. Bruxelles Ostende
Les deux Nuages. The two clouds. 1935
Ixelles Musée des Beaux Arts.
JAMES ENSOR (1860-1949)
James Ensor, qui fut actif à Bruxelles et Ostende, est un peintre habituellement classé dans l'école expressionniste et considéré comme un précurseur du surréalisme. C'est un artiste dont les thèmes comme le style sont très personnels. Son regard sur le monde humain est très critique, ironique, sarcastique comme le mettent en évidence ses séries sur le thème des masques et des squelettes. Ses techniques sont très diverses, tachisme, esquisse, peinture plate, couleurs arbitraires et violentes. De l'art Moderne il a l'esprit de recherche d'une nouvelle esthétique. Certains de ses tableaux de paysage sont déjà de l'art abstrait. L'essentiel de son oeuvre est peinte avant 1900, mais il reste méconnu pendant toute sa période de créativité et il devra attendre le début du 20è siècle pour être considéré comme un des grands artistes de l'art moderne belge.
James Ensor entre en effet dans la catégorie nouvelle des artistes modernes, qui privilégient "l'art pour moi" au détriment de "l'art pour les autres". James Ensor, comme Egon Schiele et quelques autres, a cultivé le style "artiste maudit", pour lequel l'art est un moyen d'exprimer ses tensions psychologiques internes sans se soucier du public et de ses goûts. Pour cette catégorie d'artistes très représentatifs de l'hyper-individualisme moderne, c'est au public de se plier à leur art, et non pas aux artistes de peindre conformément aux gouts du public et de leurs sponsors. Les impressionnistes ont représenté eux aussi quelques années auparavant une rupture dans l'art de la peinture, mais seulement dans leur style qui s'éloignait des règles classiques du tableau bien fini et du dessin achevé. Les thèmes de la peinture impressionniste, le paysage urbain et campagnard essentiellement, étaient tout à fait acceptables par le grand public. Il était possible d'accrocher leurs tableaux dans les intérieurs bourgeois ou les lieux privés. Il n'en était pas ainsi pour beaucoup de tableaux de James Ensor. Il n'est dés lors pas étonnant que sa célébrité ait un peu tardé à être reconnue. Et deux siècles avant il n'aurait sans doute jamais été admis comme tel de son vivant.
James Ensor n'était pas conforme au modèle ancestral de l'artiste-artisan, de l'artiste professionnel soucieux de créer un art partagé avec le grand public de son époque. Il annonce la mode de l'art qui dérange les peuples et qui se fait une gloire de la provocation. Mais il reste dans les cadres de l'Art Moderne : son art est clairement significatif, et le laid n'est pas un but en soi. Le laid est occasionnel et seulement le moyen d'exprimer ses propres malaises ou les absurdités de la société qui l'entoure. Comme Grünwald, Bosch, Otto Dix, Goya.... Ensor est un peintre sincère pour lequel la provocation n'est pas un système, une obligation de produire pour être reconnu par un clan de décideurs se croyant plus intelligents que les peuples, et pouvoir entrer dans un musée. Sa provocation est une expression authentique de certaines de ses pulsions intérieures.
James Ensor, who was active in Brussels and Ostend, is a painter usually classified in the expressionist school and considered a precursor of surrealism. He is an artist whose themes like style are very personal. His view of the human world is very critical, ironic, sarcastic as his series on the theme of masks and skeletons highlight. His techniques are very diverse, tachisme, sketch, flat painting, Arbitrary and violent colors. Of Modern Art, he has the spirit of research a new aesthetic. Some of his landscape paintings are already abstract art. The bulk of his work is painted before 1900, but it remains unknown throughout his period of creativity and he will have to wait until the beginning of the 20th century to be considered as one of the great artists of Belgian Modern Art
James Ensor enters into the new category of modern artists, who prefer "art for me" to the detriment of "art for others." James Ensor, like Egon Schiele and a few others, has cultivated the style "Cursed Artist", for which art is a way to express its internal psychological tensions without worrying about the public and its tastes. For this category of artists very representative of modern hyper-individualism, it is up to the public to bow to their art, and not to artists to paint according to the tastes of the public and their sponsors.
The Impressionists also represented a break in the art of painting a few years earlier, but only in their style which moved away from the classic rules of the well-finished painting and the perfect drawing. The themes of Impressionist painting, mainly the urban and rural landscape, were quite acceptable to the general public. It was possible to hang their paintings in bourgeois interiors or private places. This was not so for many of James Ensor's paintings It is therefore not surprising that his fame has been slow to be recognized. And two centuries before he would have probably never been admitted as such in his lifetime.
James Ensor was not in line with the ancestral model of the artist-craftsman, the professional artist anxious to create an art shared with the general public of his time. It announces the fashion of the art that disturbs the peoples and which is made a glory of the provocation. But he remains in the frameworks of modern art: His art is clearly significant, and the ugly is not a goal in itself. The ugly is occasional and only the way to express its own discomfort or the absurdities of the society that surrounds it. Like Grünwald, Bosch, Otto dix, Goya...
Ensor is a sincere painter for whom provocation is not a system, not an obligation to produce in order to be recognized by a clan of decision-makers who think they are more intelligent than the peoples, and to be able to enter in a museum. His provocation is an authentic expression of some of his inner drives.
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PS: Please join me on Soundcloud, I plan to add several new musical works there shortly.
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Maître X 20è siècle. Construction III Layering of colours (brown)
Dresde. Gemälde Galerie Neue Meister. Albertinum.
ART CONTEMPORAIN : LE HAUT ET LE BAS. SNOBISME ET ARGENT.
Dans leur grande majorité, les tableaux de peinture contemporaine peuvent être renversés et présentés la tête en bas : personne n'y verra rien. Pas même les auteurs de notices explicatives qui continueront à en louer, dans les mêmes termes, l'audace et la profondeur de pensée. Inverser le sens des tableaux de l'art contemporain officiel ne changera rien à leur absence de signification.
Placer le haut en bas ou la droite à gauche ne rendra pas les tableaux d'art contemporain plus beau ou plus laid.
C'est la démonstration expérimentale de l'absence de signification de cet art et du mépris du beau qui est la signature des techniques artistiques contemporaines dans le domaine de la peinture officielle, celle qui entre dans les collections permanentes des musées depuis les années 1950.
"Art minimal", "art conceptuel", "arte povera", en réalité Non-Art, révélateur de l'absence totale chez les élites occidentales de tout projet pour l'humanité qui puisse prétendre à être beau et significatif.
L'art s'est toujours décidé en haut des hiérarchies sociales. Pendant toute l'histoire de l'Europe ce sont les aristocraties qui ont commandé les thèmes et les styles de la peinture, de la sculpture, de la musique et de l'architecture. Les peuples exécutaient et admiraient. Mais la caractéristique fondamentale de l'art contemporain, en peinture particulièrement, tel qu'il est exposé dans les Musées d'Art Contemporain et tel qu'il se traduit dans l'Art Commercial, celui à destination des riches, pas celui pour Monsieur Tout Le Monde, est le Laid et l'Absurde. Et cette caractéristique est tout à fait nouvelle. Sans précédent dans l'histoire des civilisations.
Pendant près de deux mille ans l'aristocratie européenne a veillé à la production d'un art partagé avec les peuples car Beau et Significatif, compréhensible par tous. Depuis les années 1950 l'élite idéologique, politique et financière de l'Occident impose au monde une effrayante inversion des valeurs : le Laid à la place du Beau, et l'Absurde à la place du Sens.
C'est très significatif du vide intellectuel et spirituel, sidéral, qui habite la pensée de nos élites politiques et économiques et de l'insignifiance de leurs projets de société. Car le Laid et l'Absurde de cet art, officiel et capitaliste, sont très révélateurs des idéologies réelles qui animent les élites politiques et économiques, au-delà de leurs discours démocratiques.
Cet art contemporain n'a pas d'autres fonctions que de permettre à cette élite ploutocratique de se distinguer des peuples. Cet art est un snobisme qui claque la porte au nez des gens du commun. Le Laid et l'Absurde sont un langage codé, un péage, qui permet de ne laisser entrer dans la secte que les "gens branchés" , uniquement ceux qui acceptent de payer ce prix.
Ce Prix, le mot essentiel est dit. L'aristocratie exigeait plusieurs clés pour accéder à son club, la naissance, la richesse, mais aussi la culture. La ploutocratie n'en à qu'une: l'Argent. Car bien sûr ce non art s'achète et se vend à un prix exorbitant. Ce n'est d'ailleurs qu'à partir d'un certain prix, plusieurs millions de dollars, que l'élite occidentale et même mondiale, perçoit cet art positivement : "tiens, c'est intéressant !! ".
A contempler ces "oeuvres d'art" la question qui vient immédiatement à leur esprit n'est pas "Qui est l'auteur" ? ou "qu'est ce que cela représente ou signifie" ? Mais : "Combien l'avez vous acheté ?". Sous entendu : "Combien allez vous le revendre?".
Absurdité, Laideur et Argent, une Sainte Trinité contemporaine très révélatrice de la dégradation actuelle des valeurs: Le Kali Yuga.
CONTEMPORARY ART: UP AND DOWN. SNOBBISM AND MONEY.
The vast majority of contemporary painting tables can be reversed and presented upside down: nobody will see anything. Not even the authors of explanatory notes that will continue to praise, in the same terms, the audacity and the depth of thought. Reverse the direction of the tables in official contemporary art will not change anything to their lack of meaning.
Placing the top down or right to the left will not make the contemporary art paintings more beautiful or uglier.
This is the experimental demonstration of the lack of significance of this art and of contempt for the beautiful which is the signature of contemporary artistic techniques in the field of official painting, that which has entered the permanent collections of museums since the 1950s.
"Art minimal", "conceptual art", "arte povera", actually Non-Art, revealing the total absence among the Western elites of any project for humanity that can pretend to be beautiful and meaningful.
Art has always decided at the top of social hierarchies. Throughout the history of Europe aristocracies have ordered the themes and styles of painting, sculpture, music and architecture. The peoples were executing and admiring. But the fundamental characteristic of contemporary art, especially in painting, as it is exhibited in the Museums of Contemporary Art and as it is reflected in the Commercial Art, the one for the rich, not the one for Monsieur All the world is the Ugly and the Absurd. And this characteristic is completely new. Unprecedented in the history of great civilizations.
During nearly two thousand years, the European aristocracy has made sure of the production of an art shared with the peoples because Beau and Significatif, understandable by all. Since the 1950s, the ideological, political and financial elite of the West has imposed on the world a frightening reversal of values: the Laid instead of the Beautiful, and the Absurd instead of the Meaning.
This is very significant of the intellectual and spiritual vacuum, sidereal, which inhabits in the thinking of our political and economic elites and of the insignificance of their social projects.
Because the Laid and the Absurd of this art, both official and capitalist, are very revealing of the real ideologies that animate the political and economic elites, beyond their democratic discourses.
This contemporary art has no other function than to allow this plutocratic elite to distinguish itself from the peoples. This art is a snobbery that slams the door in the noses of ordinary people. The Ugly and the Absurd are a coded language, a toll, which allows to let into the sect only the "connected people", only those who agree to pay this price.
This Prize, the essential word is said. The aristocracy required several keys to access its club, birth, wealth, but also culture. The plutocracy has only one: Money. Because of course this non art is bought and sold at an exorbitant price. It is only after a certain price, several million dollars, that the Western and even world elite, perceives this art positively: "well, it is interesting !!".
To contemplate these "works of art" the question that immediately comes to their mind is not "Who is the author"? or "what does this represent or mean"? But: "How much did you buy?" Undaid: "How much will you sell it?"
Absurdity, Ugliness and Silver, a contemporary Holy Trinity very revealing of the current degradation of values: The Kali Yuga.
Attributed to Bartolomé Esteban Murillo (Spain, 1618-1682)
Oil paint on canvas
79,1 x 63,5 cm (2'6" x 2'1")
Inv. No. 608
Provenance: 1799 from the Mannheim Gallery
Alte Pinokathek, Munich.
======================Bartolomé Esteban Murillo born late December 1617, baptized January 1, 1618 – April 3, 1682) was a Spanish Baroque painter. Although he is best known for his religious works, Murillo also produced a considerable number of paintings of contemporary women and children. These lively, realist portraits of flower girls, street urchins, and beggars constitute an extensive and appealing record of the everyday life of his times.
Murillo was born to Gaspar Esteban and María Pérez.[1] He may have been born in Seville or in Pilas, a smaller Andalusian town.[2]
It is clear that he was baptized in Seville in 1618, the youngest son in a family of fourteen. His father was a barber and surgeon. After his parents died in 1627 and 1628, he became a ward of his sister's husband, Juan Agustín Lagares.[1]
Murillo seldom used his father's surname, and instead took his surname from his maternal grandmother, Elvira Murillo.[1]
Murillo began his art studies in Seville under Juan del Castillo, who was a relative of his mother (Murillo's uncle, Antonio Pérez, was also a painter).[1]
His first works were influenced by Zurbarán, Jusepe de Ribera and Alonzo Cano, and he shared their strongly realist approach.
The great commercial importance of Seville at the time ensured that he was subject to artistic influences from other regions. He became familiar with Flemish painting and the "Treatise on Sacred Images" of Molanus (Ian van der Meulen or Molano).
As his painting developed, his more important works evolved towards the polished style that suited the bourgeois and aristocratic tastes of the time, demonstrated especially in his Roman Catholic religious works.
In 1642, at the age of 26, he moved to Madrid, where he most likely became familiar with the work of Velázquez, and would have seen the work of Venetian and Flemish masters in the royal collections; the rich colors and softly modeled forms of his subsequent work suggest these influences.[3]
In 1645 he returned to Seville and married Beatriz Cabrera y Villalobos, with whom he eventually had eleven children.[1]
In that year, he painted eleven canvases for the convent of St. Francisco el Grande in Seville.
These works depicting the miracles of Franciscan saints vary between the Zurbaránesque tenebrism of the Ecstasy of St Francis and a softly luminous style (as in Death of St Clare) that became typical of Murillo's mature work.[1]
According to the art historian Manuela B. Mena Marqués, "in ... the Levitation of St Giles (usually known as the "Angel’s Kitchen", Paris, Louvre) and the Death of St Clare (Dresden, Gemäldegal. Alte Meister), the characteristic elements of Murillo’s work are already evident: the elegance and beauty of the female figures and the angels, the realism of the still-life details and the fusion of reality with the spiritual world, which is extraordinarily well developed in some of the compositions."[1]
Also completed c. 1645 was the first of Murillo's many paintings of children, The Young Beggar (Musée du Louvre), in which the influence of Velázquez is apparent.[1]
Following the completion of a pair of pictures for the Seville Cathedral, he began to specialize in the themes that brought him his greatest successes: the Virgin and Child and the Immaculate Conception.[4]
After another period in Madrid, from 1658 to 1660, he returned to Seville. Here he was one of the founders of the Academia de Bellas Artes (Academy of Art), sharing its direction, in 1660, with the architect Francisco Herrera the Younger.
This was his period of greatest activity, and he received numerous important commissions, among them the altarpieces for the Augustinian monastery, the paintings for Santa María la Blanca[5] (completed in 1665), and others.[1]
He died in Seville in 1682, a few months after he fell from a scaffold while working on a fresco at the church of the Capuchines in Cádiz.[1]
Murillo had many pupils and followers. The prolific imitation of his paintings ensured his reputation in Spain and fame throughout Europe, and prior to the 19th century his work was more widely known than that of any other Spanish artist.[3] Artists influenced by his style included Gainsborough and Greuze.[1] Google marked the 400 years since Murillo's birth with a doodle on 29 November 2018.[6]
James Ensor. 1860-1949. Bruxelles Ostende
Le Christ apaisant la tempête.
Christ soothing the storm. vers 1900.
Ixelles. Musée des Beaux Arts. Antidaté 1891.
JAMES ENSOR (1860-1949)
James Ensor, qui fut actif à Bruxelles et Ostende, est un peintre habituellement classé dans l'école expressionniste et considéré comme un précurseur du surréalisme. C'est un artiste dont les thèmes comme le style sont très personnels. Son regard sur le monde humain est très critique, ironique, sarcastique comme le mettent en évidence ses séries sur le thème des masques et des squelettes. Ses techniques sont très diverses, tachisme, esquisse, peinture plate, couleurs arbitraires et violentes. De l'art Moderne il a l'esprit de recherche d'une nouvelle esthétique. Certains de ses tableaux de paysage sont déjà de l'art abstrait. L'essentiel de son oeuvre est peinte avant 1900, mais il reste méconnu pendant toute sa période de créativité et il devra attendre le début du 20è siècle pour être considéré comme un des grands artistes de l'art moderne belge.
James Ensor entre en effet dans la catégorie nouvelle des artistes modernes, qui privilégient "l'art pour moi" au détriment de "l'art pour les autres". James Ensor, comme Egon Schiele et quelques autres, a cultivé le style "artiste maudit", pour lequel l'art est un moyen d'exprimer ses tensions psychologiques internes sans se soucier du public et de ses goûts. Pour cette catégorie d'artistes très représentatifs de l'hyper-individualisme moderne, c'est au public de se plier à leur art, et non pas aux artistes de peindre conformément aux gouts du public et de leurs sponsors. Les impressionnistes ont représenté eux aussi quelques années auparavant une rupture dans l'art de la peinture, mais seulement dans leur style qui s'éloignait des règles classiques du tableau bien fini et du dessin achevé. Les thèmes de la peinture impressionniste, le paysage urbain et campagnard essentiellement, étaient tout à fait acceptables par le grand public. Il était possible d'accrocher leurs tableaux dans les intérieurs bourgeois ou les lieux privés. Il n'en était pas ainsi pour beaucoup de tableaux de James Ensor. Il n'est dés lors pas étonnant que sa célébrité ait un peu tardé à être reconnue. Et deux siècles avant il n'aurait sans doute jamais été admis comme tel de son vivant.
James Ensor n'était pas conforme au modèle ancestral de l'artiste-artisan, de l'artiste professionnel soucieux de créer un art partagé avec le grand public de son époque. Il annonce la mode de l'art qui dérange les peuples et qui se fait une gloire de la provocation. Mais il reste dans les cadres de l'Art Moderne : son art est clairement significatif, et le laid n'est pas un but en soi. Le laid est occasionnel et seulement le moyen d'exprimer ses propres malaises ou les absurdités de la société qui l'entoure. Comme Grünwald, Bosch, Otto Dix, Goya.... Ensor est un peintre sincère pour lequel la provocation n'est pas un système, une obligation de produire pour être reconnu par un clan de décideurs se croyant plus intelligents que les peuples, et pouvoir entrer dans un musée. Sa provocation est une expression authentique de certaines de ses pulsions intérieures.
James Ensor, who was active in Brussels and Ostend, is a painter usually classified in the expressionist school and considered a precursor of surrealism. He is an artist whose themes like style are very personal. His view of the human world is very critical, ironic, sarcastic as his series on the theme of masks and skeletons highlight. His techniques are very diverse, tachisme, sketch, flat painting, Arbitrary and violent colors. Of Modern Art, he has the spirit of research a new aesthetic. Some of his landscape paintings are already abstract art. The bulk of his work is painted before 1900, but it remains unknown throughout his period of creativity and he will have to wait until the beginning of the 20th century to be considered as one of the great artists of Belgian Modern Art
James Ensor enters into the new category of modern artists, who prefer "art for me" to the detriment of "art for others." James Ensor, like Egon Schiele and a few others, has cultivated the style "Cursed Artist", for which art is a way to express its internal psychological tensions without worrying about the public and its tastes. For this category of artists very representative of modern hyper-individualism, it is up to the public to bow to their art, and not to artists to paint according to the tastes of the public and their sponsors.
The Impressionists also represented a break in the art of painting a few years earlier, but only in their style which moved away from the classic rules of the well-finished painting and the perfect drawing. The themes of Impressionist painting, mainly the urban and rural landscape, were quite acceptable to the general public. It was possible to hang their paintings in bourgeois interiors or private places. This was not so for many of James Ensor's paintings It is therefore not surprising that his fame has been slow to be recognized. And two centuries before he would have probably never been admitted as such in his lifetime.
James Ensor was not in line with the ancestral model of the artist-craftsman, the professional artist anxious to create an art shared with the general public of his time. It announces the fashion of the art that disturbs the peoples and which is made a glory of the provocation. But he remains in the frameworks of modern art: His art is clearly significant, and the ugly is not a goal in itself. The ugly is occasional and only the way to express its own discomfort or the absurdities of the society that surrounds it. Like Grünwald, Bosch, Otto dix, Goya...
Ensor is a sincere painter for whom provocation is not a system, not an obligation to produce in order to be recognized by a clan of decision-makers who think they are more intelligent than the peoples, and to be able to enter in a museum. His provocation is an authentic expression of some of his inner drives.
James Ensor. 1869-1949. Bruxelles. Ostende.
Squelette regardant des chinoiseries. Skeleton loocking Chinoisereies.
vers 1888.
Gent. Musée des Beaux Arts.
JAMES ENSOR (1860-1949)
James Ensor, qui fut actif à Bruxelles et Ostende, est un peintre habituellement classé dans l'école expressionniste et considéré comme un précurseur du surréalisme. C'est un artiste dont les thèmes comme le style sont très personnels. Son regard sur le monde humain est très critique, ironique, sarcastique comme le mettent en évidence ses séries sur le thème des masques et des squelettes. Ses techniques sont très diverses, tachisme, esquisse, peinture plate, couleurs arbitraires et violentes. De l'art Moderne il a l'esprit de recherche d'une nouvelle esthétique. Certains de ses tableaux de paysage sont déjà de l'art abstrait. L'essentiel de son oeuvre est peinte avant 1900, mais il reste méconnu pendant toute sa période de créativité et il devra attendre le début du 20è siècle pour être considéré comme un des grands artistes de l'art moderne belge.
James Ensor entre en effet dans la catégorie nouvelle des artistes modernes, qui privilégient "l'art pour moi" au détriment de "l'art pour les autres". James Ensor, comme Egon Schiele et quelques autres, a cultivé le style "artiste maudit", pour lequel l'art est un moyen d'exprimer ses tensions psychologiques internes sans se soucier du public et de ses goûts. Pour cette catégorie d'artistes très représentatifs de l'hyper-individualisme moderne, c'est au public de se plier à leur art, et non pas aux artistes de peindre conformément aux gouts du public et de leurs sponsors. Les impressionnistes ont représenté eux aussi quelques années auparavant une rupture dans l'art de la peinture, mais seulement dans leur style qui s'éloignait des règles classiques du tableau bien fini et du dessin achevé. Les thèmes de la peinture impressionniste, le paysage urbain et campagnard essentiellement, étaient tout à fait acceptables par le grand public. Il était possible d'accrocher leurs tableaux dans les intérieurs bourgeois ou les lieux privés. Il n'en était pas ainsi pour beaucoup de tableaux de James Ensor. Il n'est dés lors pas étonnant que sa célébrité ait un peu tardé à être reconnue. Et deux siècles avant il n'aurait sans doute jamais été admis comme tel de son vivant.
James Ensor n'était pas conforme au modèle ancestral de l'artiste-artisan, de l'artiste professionnel soucieux de créer un art partagé avec le grand public de son époque. Il annonce la mode de l'art qui dérange les peuples et qui se fait une gloire de la provocation. Mais il reste dans les cadres de l'Art Moderne : son art est clairement significatif, et le laid n'est pas un but en soi. Le laid est occasionnel et seulement le moyen d'exprimer ses propres malaises ou les absurdités de la société qui l'entoure. Comme Grünwald, Bosch, Otto Dix, Goya.... Ensor est un peintre sincère pour lequel la provocation n'est pas un système, une obligation de produire pour être reconnu par un clan de décideurs se croyant plus intelligents que les peuples, et pouvoir entrer dans un musée. Sa provocation est une expression authentique de certaines de ses pulsions intérieures.
James Ensor, who was active in Brussels and Ostend, is a painter usually classified in the expressionist school and considered a precursor of surrealism. He is an artist whose themes like style are very personal. His view of the human world is very critical, ironic, sarcastic as his series on the theme of masks and skeletons highlight. His techniques are very diverse, tachisme, sketch, flat painting, Arbitrary and violent colors. Of Modern Art, he has the spirit of research a new aesthetic. Some of his landscape paintings are already abstract art. The bulk of his work is painted before 1900, but it remains unknown throughout his period of creativity and he will have to wait until the beginning of the 20th century to be considered as one of the great artists of Belgian Modern Art
James Ensor enters into the new category of modern artists, who prefer "art for me" to the detriment of "art for others." James Ensor, like Egon Schiele and a few others, has cultivated the style "Cursed Artist", for which art is a way to express its internal psychological tensions without worrying about the public and its tastes. For this category of artists very representative of modern hyper-individualism, it is up to the public to bow to their art, and not to artists to paint according to the tastes of the public and their sponsors.
The Impressionists also represented a break in the art of painting a few years earlier, but only in their style which moved away from the classic rules of the well-finished painting and the perfect drawing. The themes of Impressionist painting, mainly the urban and rural landscape, were quite acceptable to the general public. It was possible to hang their paintings in bourgeois interiors or private places. This was not so for many of James Ensor's paintings It is therefore not surprising that his fame has been slow to be recognized. And two centuries before he would have probably never been admitted as such in his lifetime.
James Ensor was not in line with the ancestral model of the artist-craftsman, the professional artist anxious to create an art shared with the general public of his time. It announces the fashion of the art that disturbs the peoples and which is made a glory of the provocation. But he remains in the frameworks of modern art: His art is clearly significant, and the ugly is not a goal in itself. The ugly is occasional and only the way to express its own discomfort or the absurdities of the society that surrounds it. Like Grünwald, Bosch, Otto dix, Goya...
Ensor is a sincere painter for whom provocation is not a system, not an obligation to produce in order to be recognized by a clan of decision-makers who think they are more intelligent than the peoples, and to be able to enter in a museum. His provocation is an authentic expression of some of his inner drives.
Realistic Pencil Portrait of Ben Heine and Marta Heine by Olamide Ogunade (OliscoArt): www.instagram.com/oliscoart
Martial Raysse 1936 France
Tricolor modern. 1962
Madrid Musée de la Reine Sofia
UN NON-ART UNIVERSEL OBLIGATOIRE
"La République a inventé un absolutisme artistique. Notre art officiel n'a pas de contrepoids. Au 17è siècle le mécénat royal n'était pas celui des grands aristocrates, qui n'était pas celui du haut clergé, qui n'était pas celui des ordres religieux, qui n'était pas celui de la bourgeoisie."
Christine Sourgins. Les Mirages de l'Art Contemporain. L'Art Financier. 2018 La table ronde.
L'Art est un révélateur des valeurs qui gouvernent une société à une époque donnée.
L'obstination de l'élite contemporaine à favoriser, imposer, le non sens et le laid dans l'art officiel est à la fois significative et inquiétante. L'Art Officiel c'est à dire, l'art exemplaire, l'art témoin, l'art représentatif des tendances principales, publiques, d'une société. Les élites du passé, de l'Egypte antique à l'Art Moderne, ont laissé des témoignages d'un art public qui était Beau et Significatif. Nos élites occidentales vont laisser aux générations futures, avec la peinture et la sculpture notamment, le témoignage contraire.
Cet art dit "Contemporain" démontre que, contrairement à ce qu'elles proclament, nos Élites, idéologiques et politiques, ne sont pas "Éclairées", mais obscurantistes.
L'art de la seconde moitié du 20è siècle et du début du 21è, tel qu'il est consacré, célébré, par tous les musées "d'Art Contemporain" d'Occident, partout semblablement et uniformément Laid et Absurde, est l'illustration de constructions idéologiques à prétentions universalistes qui ont de profondes racines dans la pensée humaine.
L'oeuvre de Platon intitulée "la République", dont nos idéologues et politiques contemporains s'inspirent, sans le dire, est la preuve de l'ancienneté de cette folie idéologique. Une folie qui n'avait pas pu se réaliser concrètement, qui était restée cantonnée aux cerveaux des intellectuels- idéologues, car la diversité de la vie réelle s'y était toujours opposée. Mais il semble que le moment est venu pour que les politiques et les affairistes s'en emparent, pour la plus grande joie d'idéologues qui jouent aux sorciers ou chamans modernes auprès des puissants.
Le Non-Art s'affiche clairement, fièrement, comme un refus de l'art du passé des hommes. Un rejet qu'il exprime par l'inversion complète des valeurs qu'il met en place. Le laid à la place du beau, le non sens et l'absurde à la place du message signifiant, compris par le plus grand nombre, l'art esotérique, réservé à une élite, à la place de l'art partagé avec le peuple.
Le Non-Art se présente comme l'annonce d'une société nouvelle, progressiste, autre, imaginative.....une ère radieuse et universelle bien sûr.... des "Lendemains qui chantent" pour tous les peuples de la Terre.
Mais de quelles valeurs cet art est-il porteur ? De quel projet est-il le témoin ?
Quel avenir nous promet cet étalage matérialiste, cette brocante minable d'objets quotidiens, prosaïques, disparates, vulgaires ? Ces chaises sur lesquelles il ne faut surtout pas s'asseoir, ces tables autour desquelles il ne faut pas se réunir, ces lits sur lequels il ne faut pas se coucher, ces échelles sur lesquelles il ne faut pas monter ? ces jouets avec lequels il ne faut pas jouer ? Les salles de nos musées font penser à des ruines d'après la bombe à neutrons.
Que signifie cette sacralisation des objets les plus ordinaires ? Lunettes, gants, chaussures, légumes....?
présentés sans même l'ombre du talent dont les peintres néerlandais de "natures mortes" faisaient preuve.
Quels rêves nous proposent ces multitudes de carrés, rectangles, triangles ou cercles de couleurs uniformes, dont "l'économie de moyens", tant vantée par les notices explicatives, est seulement le reflet de l'indigence de la pensée et de la pauvreté de la technique ?
Quelles ambitions spirituelles et morales nous inspirent ces points absurdes, ces taches informelles et ces lignes sans ordre ? Ces brouillons d'art ?
Ni avenir, ni rêves, ni ambitions avouables. Un Non-Art qui ne dit rien à personne car il est sans projet avouable pour l'humanité. C'était bien l'avis d'André Malraux : "On ne peut pas faire un art qui parle aux masses quand on n'a rien à leur dire"
Pire sans doute : On ne fait pas un art qui parle aux masses quand on ne veut rien leur dire.
Les expositions, qui se multiplient, sur Rembrandt, Lotto, Monet, ou l'art égyptien, sont heureuses, mais ces résistances, ces persistances ponctuelles des arts du passé, ces "réserves d'art" ne changent rien à cette évidence que notre peinture et notre sculpture officielles de la seconde moitié du 20è siècle et du 21è siècle débutant, expriment des non- valeurs imposées par notre élite idéologique et politique au mépris des peuples et de leurs différences. Une élite servie par des artistes, non pas "engagés" ou "contestants" ou "révolutionnaires", comme il est constamment prétendu, mais choisis parce que totalement et universellement conformes à l'idéologie dominante.
AN UNIVERSAL NON-ART, COMPULSORY
The Republic invented an artistic absolutism. Our official art has no counterweight. In the 17th century royal patronage was not that of the great aristocrats, which was not that of the high clergy, which was not that of the religious orders, which was not that of the bourgeoisie. "Christine Sourgins. The Mirages of contemporary Art. Financial Art. 2018
Art is a revealer of the values that govern a society at a given time.
The obstinacy of the contemporary elite to promote and impose, the nonsense and the ugly in official art is both significant and disturbing. The Official Art, that is to say, exemplary art, representative of the global, public tendencies of a society. The elites of the past, from ancient Egypt to modern art, have left testimonies of a public art that was Beautiful and Significant. Our Western elites will leave to future generations, with painting and sculpture in particular, the opposite testimony.
This "Contemporary" art shows that, contrary to what they proclaim, our Elites, ideological and political, are not enlightened but obscurantist.
The art of the second half of the 20th century and the beginning of the 21st, as it is consecrated, celebrated by all the museums of "Contemporary Art" of the West, everywhere similarly and uniformly ugly and absurd, is an illustration of ideological constructions with universalist pretensions that have deep roots in human thought.
Plato's work entitled "The Republic", of which our contemporary ideologues and politicians are inspired, without saying so, is proof of the antiquity of this ideological madness. A madness which had not been realized concretely, which had remained confined to the brains of intellectual-ideologists, because the diversity of real life had always been opposed to it. But it seems that the time has come for politicians and businessmen to seize it, for the greater joy of ideologists who play modern sorcerers or shamans alongside the powerful.
Non-Art is clearly displayed, proudly, as a rejection of the art of the past of men. A rejection that it expresses by the complete inversion of the values that it puts in place. The ugly in the place of the beautiful, the nonsense and the absurd in the place of the signifying message, understood by the greatest number, the esoteric art, reserved for an elite, instead of the art shared with the people .
The Non-Art presents itself as the announcement of a new society, progressive, alternative, imaginative .....a radiant and universal era of course .... "Tomorrows that sing" for all peoples of the Earth .
But what values this art is it carrying? What project is it the witness?
What future promises us this materialistic display, this shabby brocante, of everyday objects, prosaic, disparate, vulgar? These chairs on which we must not sit, these tables around which we must not unite, those beds on which we must not lie down, those ladders on which we must not go up? these toys with which one should not play? The halls of our museums are like ruins after the neutron bomb.
What does mean this sacralization of the most common objects ? Glasses, gloves, shoes, vegetables ....?
presented without even the shadow of the talent that the Dutch painters of "still life" showed.
What dreams offer us these multitudes of uniform squares, rectangles, triangles, or circles of colors, whose "economy of means", so much vaunted by the explanatory notes, is only a reflection of the poverty of thought and poverty of the technique ?
What spiritual and moral ambitions inspire us with these absurd points, these informal spots and these lines without order? These rough drafts of art?
No future, no dreams, nor ambitions mentionnable. A Non-Art that says nothing to anyone because it is without project avouable for humanity. This was Andre Malraux's opinion: "You can not make an art that speaks to the masses when you have nothing to say to them"
Worse, no doubt: We do not make art that speaks to the masses when we do not want to tell them anything.
The numerous exhibitions on Rembrandt, Lotto, Monet, and Egyptian art are happy. But these resistances, these punctual persistences of the arts of the past, these "art reserves" do not alter the fact that our official painting and sculpture of the second half of the 20th century and the beginning of the 21st century express non- values imposed by our ideological and political elite in defiance of peoples and their differences. An elite served by artists, not "engaged" or "contestants" or "revolutionaries", as it is constantly claimed, but chosen because totally and universally conform to the dominant ideology.
James Ensor. 1860-1949. Bruxelles Ostende
Personnages devant l'affiche de "la gamme d'amour".
Figures in Front of the Playhill of "La gamme d'Amour". 1914
Bruxelles. Musées Royaux des Beaux Arts de Belgique.
JAMES ENSOR (1860-1949)
James Ensor, qui fut actif à Bruxelles et Ostende, est un peintre habituellement classé dans l'école expressionniste et considéré comme un précurseur du surréalisme. C'est un artiste dont les thèmes comme le style sont très personnels. Son regard sur le monde humain est très critique, ironique, sarcastique comme le mettent en évidence ses séries sur le thème des masques et des squelettes. Ses techniques sont très diverses, tachisme, esquisse, peinture plate, couleurs arbitraires et violentes. De l'art Moderne il a l'esprit de recherche d'une nouvelle esthétique. Certains de ses tableaux de paysage sont déjà de l'art abstrait. L'essentiel de son oeuvre est peinte avant 1900, mais il reste méconnu pendant toute sa période de créativité et il devra attendre le début du 20è siècle pour être considéré comme un des grands artistes de l'art moderne belge.
James Ensor entre en effet dans la catégorie nouvelle des artistes modernes, qui privilégient "l'art pour moi" au détriment de "l'art pour les autres". James Ensor, comme Egon Schiele et quelques autres, a cultivé le style "artiste maudit", pour lequel l'art est un moyen d'exprimer ses tensions psychologiques internes sans se soucier du public et de ses goûts. Pour cette catégorie d'artistes très représentatifs de l'hyper-individualisme moderne, c'est au public de se plier à leur art, et non pas aux artistes de peindre conformément aux gouts du public et de leurs sponsors. Les impressionnistes ont représenté eux aussi quelques années auparavant une rupture dans l'art de la peinture, mais seulement dans leur style qui s'éloignait des règles classiques du tableau bien fini et du dessin achevé. Les thèmes de la peinture impressionniste, le paysage urbain et campagnard essentiellement, étaient tout à fait acceptables par le grand public. Il était possible d'accrocher leurs tableaux dans les intérieurs bourgeois ou les lieux privés. Il n'en était pas ainsi pour beaucoup de tableaux de James Ensor. Il n'est dés lors pas étonnant que sa célébrité ait un peu tardé à être reconnue. Et deux siècles avant il n'aurait sans doute jamais été admis comme tel de son vivant.
James Ensor n'était pas conforme au modèle ancestral de l'artiste-artisan, de l'artiste professionnel soucieux de créer un art partagé avec le grand public de son époque. Il annonce la mode de l'art qui dérange les peuples et qui se fait une gloire de la provocation. Mais il reste dans les cadres de l'Art Moderne : son art est clairement significatif, et le laid n'est pas un but en soi. Le laid est occasionnel et seulement le moyen d'exprimer ses propres malaises ou les absurdités de la société qui l'entoure. Comme Grünwald, Bosch, Otto Dix, Goya.... Ensor est un peintre sincère pour lequel la provocation n'est pas un système, une obligation de produire pour être reconnu par un clan de décideurs se croyant plus intelligents que les peuples, et pouvoir entrer dans un musée. Sa provocation est une expression authentique de certaines de ses pulsions intérieures
James Ensor, who was active in Brussels and Ostend, is a painter usually classified in the expressionist school and considered a precursor of surrealism. He is an artist whose themes like style are very personal. His view of the human world is very critical, ironic, sarcastic as his series on the theme of masks and skeletons highlight. His techniques are very diverse, tachisme, sketch, flat painting, Arbitrary and violent colors. Of Modern Art, he has the spirit of research a new aesthetic. Some of his landscape paintings are already abstract art. The bulk of his work is painted before 1900, but it remains unknown throughout his period of creativity and he will have to wait until the beginning of the 20th century to be considered as one of the great artists of Belgian Modern Art
James Ensor enters into the new category of modern artists, who prefer "art for me" to the detriment of "art for others." James Ensor, like Egon Schiele and a few others, has cultivated the style "Cursed Artist", for which art is a way to express its internal psychological tensions without worrying about the public and its tastes. For this category of artists very representative of modern hyper-individualism, it is up to the public to bow to their art, and not to artists to paint according to the tastes of the public and their sponsors.
The Impressionists also represented a break in the art of painting a few years earlier, but only in their style which moved away from the classic rules of the well-finished painting and the perfect drawing. The themes of Impressionist painting, mainly the urban and rural landscape, were quite acceptable to the general public. It was possible to hang their paintings in bourgeois interiors or private places. This was not so for many of James Ensor's paintings It is therefore not surprising that his fame has been slow to be recognized. And two centuries before he would have probably never been admitted as such in his lifetime.
James Ensor was not in line with the ancestral model of the artist-craftsman, the professional artist anxious to create an art shared with the general public of his time. It announces the fashion of the art that disturbs the peoples and which is made a glory of the provocation. But he remains in the frameworks of modern art: His art is clearly significant, and the ugly is not a goal in itself. The ugly is occasional and only the way to express its own discomfort or the absurdities of the society that surrounds it. Like Grünwald, Bosch, Otto dix, Goya...
Ensor is a sincere painter for whom provocation is not a system, not an obligation to produce in order to be recognized by a clan of decision-makers who think they are more intelligent than the peoples, and to be able to enter in a museum. His provocation is an authentic expression of some of his inner drives.
I can not believe I have made it this far in this journey! 20 days of sharing art, sharing a part of me.
Next week is a big week for me, and I'm not sleeping great. Today I made a to do list and powered through it, things to clear my mind. I then managed to de weeded the front garden (or at least some of it). I went out to take some photographs. And I even went to a local discount store for a little wander. A rather strange man followed me round the store, he told me he had lost his wife, but kept finding me. I think he might have had dementia, either way I got a little uncomfortable but tried to stay understanding.
I feel ready for the challenge coming my way. But god I'm scared.
Y x
Karl Fred Dahmen 1917-1981 Deutschland
Terrestrisch 1961
Ulm Ulmer Museum
L'ASSASSINAT DE LA PEINTURE"
Joan Miro avait proclamé son intention "d'assassiner la peinture". A la fin de sa vie quelques tableaux, comme "toile brûlée" ou "Sobreteixim" montrent qu'il y est presque arrivé. Mais pas réellement, car l'oeuvre de toute sa vie témoigne en sens contraire : Miro n'est pas parvenu à s'installer dans l'Absurde et le Laid, systématiques, les deux inventions de la peinture contemporaine.
Globalement l’œuvre de Miro reste marquée par les objectifs de la période appelée de "l'Art Moderne" : Une recherche obstinée du Nouveau, de l'original, mais sans abandon de l'idée que le Beau, la création d'émotions positives à destination d'un public le plus large possible, reste la finalité de l'art.
L’œuvre de Miro montre l'intention manifeste de créer un art beau, aimable, souriant, humoristique, partagé sinon par le plus grand nombre, tout à moins par un public encore très large.
C'est seulement avec l'Art Contemporain que le Non Sens, conséquence nécessaire de l'art abstrait, se transforme en Absurde, et que le Laid est devenu le but du peintre, à la place du Beau. A quelques exceptions près, comme Georges Mathieu.
Les artistes ne sont responsables qu'en seconde ligne de cette évolution. L'Art de tous les temps est idéologique, il est commandé par des choix politiques et doctrinaux qui sont le fait des élites d'une société. Les artistes, même les plus grands, font ce que leur demande "l'intelligentsia" de leur époque. Les artistes créent pour être reconnus comme tels, et si la réussite passe par le Laid et l'Absurde, bien sûr, ils agissent en conséquence.
Par contre il est intéressant de se demander pourquoi les élites occidentales imposent cet Art du Laid et de l'Absurde.
Les réponses sont multiples, citons seulement deux d'entre elles :
1° Parce que l'Absurde et le Laid permettent aux élites contemporaines de se distinguer de leurs prédécesseurs et de la masse des peuples. Le laid c'était une idée nouvelle et pour une élite idéologique totalement obsédée par le Progrès et la Nouveauté, c'était une bonne idée. D'autre part à une époque où la doctrine politique officielle, exotérique (mais pas la doctrine ésotérique) enseigne que la légitimité politique est dans le peuple, il est d'autant plus urgent de se distinguer de la masse. Et si le Laid et l'Absurde permettent d'afficher sa différence, ils sont bienvenus : L'élite se distinguera en se conformant au Laid et à l'Absurde: un nouvel Académisme, original, jamais vu, est né. Elle en est fière et regarde les peuples du haut de cette originalité fabriquée. Ces peuples qui en sont restés à l'art beau, ou pire à l'art figuratif, alors qu'eux mêmes pratiquent la peinture conceptuelle.
Et le "Salon des Refusés" est ailleurs : dans la publicité, l'art privé commercial, les peintures murales et les tags.
2° Parce que les Elites ont réussi à obtenir que l'Absurde et le Laid les enrichissent. Car la distinction n'est rien sans la richesse. L'art de tous les temps a été un marché, et il est manifeste que l'Argent a pris une importance tout à fait considérable dans la société contemporaine. Cette évolution, très déterminante dans la culture européenne, est une conséquence de la Réforme protestante et d'une revalorisation de la morale du Premier Testament ( on ne dit plus l'Ancien Testament !) c'est à dire de la Bible Judaïque. La richesse n'est plus suspecte, comme la doctrine catholique ou orthodoxe l' a enseigné pendant plus de 1500 ans, la richesse est au contraire le signe de la Grâce de Dieu, ou de la Faveur du Ciel et de la Raison. Quel soulagement ! Et c'est ainsi qu'un collectionneur d'art contemporain, l'élite, peut proclamer fièrement : "moins je comprends une peinture, plus je l'achète".
"THE ASSASSINATION OF PAINTING"
Joan Miro had proclaimed his intention to "assassinate the painting". At the end of his life some paintings, like "burned canvas" or "Sobreteixim" show that it is almost there. But not really, because the work of all his life testifies in the contrary direction: Miro has not succeeded to settle in the systematic Absurd and the Laid, the two inventions of contemporary painting.
Overall Miro's work remains marked by the objectives of the period called the"Modern Art": An obstinate search of the New, of the original, but without abandoning the idea that the Beautiful, the creation of positive emotions for the widest possible audience, remains the purpose of Art.
Miro's work shows the obvious intention of creating a beautiful, kind, smiling, humorous art, shared by, if not by the greatest number, unless by a very wide audience.
It is only with the Contemporary Art that the Non-Sens, a necessary consequence of the abstract art, is transformed into Absurd, and that the Laid has become the painter's goal, in place of the Beautiful. With a few exceptions, like Georges Mathieu.
Artists are responsible only in the second line of this evolution. The art of all times is ideological, it is controlled by political and doctrinal choices that are made by the elites of a society. The artists, even the greatest, do what is demanded by the intelligentsia of their time.. Artists create to be recognized as such, and if the success passes through the Laid and the Absurd, of course, they act accordingly.
The answers are many, only two of them:
1. Because the Absurd and the ugly allow contemporary elites to distinguish themselves from their predecessors and the mass of peoples. The ugly was a new idea and for an ideological elite totally obsessed with Progress and Novelty, it was a good idea. On the other hand, at a time when the official, exoteric (but not esoteric) political doctrine teaches that political legitimacy is in the people, it is all the more urgent to distinguish oneself from the masses. And if the ugly and the absurd allow to display its difference, they are welcome: The elite will be distinguished by conforming to the Laid and the Absurd: a new Academism, original, never seen, was born. She is proud of it and looks at the peoples from the top of this fabricated originality.
And the "Salon des Refusés" is elsewhere: in advertising, private commercial art, murals and tags.
2. Because the Elites have succeeded in obtaining that the Absurd and the Laid enrich them. Because the distinction is nothing without the wealth. The art of all times has been a market, and it is clear that the money has assumed a considerable importance in the contemporary society. This evolution, which is very decisive in European culture, is a consequence of the Protestant Reformation and of a revaluation of the morality of the First Testament (no longer called the Old Testament!) That is to say of the Judaic Bible. The Wealth is no longer suspect, as the Catholic or Orthodox doctrine has taught it for more than 1500 years. The Wealth is, on the contrary, a sign of the grace of God, or the favor of the heaven and of the Reason. What a relief ! And this is how a collector of contemporary art, the elite, can proclaim proudly: "The less I understand a painting, the more I buy it."
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