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Family fishing in Nagamarai backwater
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El Jinete de Bronce (en ruso, Медный всадник, literalmente "Caballero de Cobre") es una escultura ecuestre de Pedro el Grande, hecha en bronce por Étienne-Maurice Falconet en San Petersburgo, Rusia. Recibe este nombre por la influencia del poema homónimo de Aleksandr Pushkin, uno de los más grandes poemas del idioma ruso. Ahora es un símbolo de San Petersburgo, como la Estatua de la Libertad es un símbolo de Nueva York.
El bloque sobre el que se yergue la estatua es conocido como Piedra de Trueno, y se dice que es la roca más grande que ha movido el hombre. En efecto, la roca no solo es enorme, sino que fue transportada seis kilómetros hasta la costa del Golfo de Finlandia sólo por la fuerza del hombre, sin animales ni máquinas.
Se yergue todavía en la orilla del Nevá. El efecto causado por la estatua es tan original como grandioso: la escultura no descansa sobre un pedestal arquitectónico, sino que el caballo se encabrita sobre la roca granítica; el Zar carece de espada; su figura altiva, que parece designar con la mano la nueva capital y marcar un camino a su pueblo, no evoca al guerrero, sino al legislador y al civilizador.
La estatua ecuestre de Pedro el Grande se encuentra en la Plaza del Senado de San Petersburgo, Rusia. Catalina la Grande, una princesa alemana casada dentro de la línea de los Románov, al no tener derecho legal al trono, estaba ansiosa de ser relacionada con Pedro el Grande, para obtener legitimidad a los ojos del pueblo. Por esta razón, ordenó la construcción de la estatua, y mandó que se inscribiera "Petro Primo Catharina Secunda MDCCLXXXII" en Latín y "Петру первому Екатерина вторая, лето 1782" en Ruso, ambas frases con un mismo significado "Catalina Segunda a Pedro Primero, 1782"; una expresión de la actitud de Catalina hacia su predecesor y de la opinión que tenía de sí misma dentro del linaje de los grandes gobernantes rusos.
Catalina mantenía correspondencia con Denis Diderot, que fue quien le recomendó a su amigo Étienne Maurice Falconet, un escultor francés, como candidato para la construcción de la estatua que dedicaría a Pedro el Grande. La emperatriz siguió el consejo de Diderot y Falconet llegó a Rusia en 1776.
La construcción de la estatua se inició en 1775, con la correspondiente fundición y colado del bronce necesario para realizar la escultura, tarea que fue supervisada por Yemelyán Jailov. Durante el colado de la escultura se rompió el molde sobre el que se estaba vertiendo el metal, salpicando los alrededores con bronce fundido, hecho que originó un incendio en las instalaciones. Todos los trabajadores huyeron excepto Jailov, quien arriesgó su vida para salvar el colado de bronce. Llevó 12 años desde 1770 hasta 1782 y realizar dos veces el proceso de fundido y colado el poder terminar la estatua, incluyendo el pedestal, caballo y jinete.
La cara del Zar, lo que da identidad al Caballero de Bronce como Pedro el Grande, es obra de Marie-Anne Collot, que en el momento de realizar tan detallado trabajo, tenía tan sólo 18 años de edad y era una estudiante de Falconet y Jean-Baptiste Lemoyne. Collot hizo el viaje a Rusia con Falconet en calidad de aprendiz y realizó su contribución a la escultura recopilando información sobre las facciones de Pedro el Grande, tanto de su máscara mortuoria como de los diferentes retratos que pudo encontrar en San Petersburgo. Gracias al trabajo en la faz del Caballero de Bronce se ganó por parte de Diderot el sobrenombre de "Mademoiselle Victoire" (Señorita Victoria).
El 9 de agosto de 1782, catorce años después de que se iniciara la excavación del pedestal, fue descubierta la estatua terminada en una ceremonia con miles de invitados. Brilló por su ausencia Falconet, quien se vio obligado a salir de Rusia cuatro años antes de que el proyecto estuviera terminado, debido a que un malentendido con la emperatriz se convirtió en un conflicto mayor. Catalina rápidamente se olvidó de él, y empezó a ver al Caballero de Bronce como obra propia.
La estatua muestra a Pedro el Grande sentado heroicamente sobre su caballo, con su brazo extendido apuntando hacia el río Nevá en el Oeste. El escultor deseaba capturar el momento exacto en que su caballo se encontraba erguido sobre sus patas traseras al borde de un espectacular acantilado. Se puede ver a su caballo pisoteando a una serpiente, que puede representar los numerosos males o enemigos que tuvieron que enfrentar Pedro y sus reformas. La estatua mide 6 metros de alto, más 7 metros para el pedestal, o sea un total de unos 13 metros.
Para elaborar el pedestal, se utilizó un monolito descomunal conocido como Piedra de Trueno (del ruso Камень-Гром) que fue encontrada en Lajta a seis kilómetros tierra adentro del Golfo de Finlandia en 1768. Esta roca se hizo acreedora al apelativo de "piedra de Trueno" debido a una leyenda local, según la cual un rayo le había desprendido un fragmento. Falconet quería trabajar la roca en su emplazamiento original, pero debido a un capricho de la emperatriz, tuvo que ser trasladada hasta San Petersburgo, en su forma primitiva como un gran logro para Rusia. Sin embargo, y debido a que la mitad de su volumen estaba hundida bajo terreno pantanoso, fue necesario crear mecanismos para extraerla antes de trasladarla. Un italiano, Main Carburi teniente coronel del ejército ruso, se ofreció para supervisar el proyecto.
Después de esperar a que transcurriese el invierno, durante el cual el terreno se encontraba congelado, la piedra fue arrastrada hasta la costa. Esto fue logrado mediante un trineo metálico que se apoyaba sobre esferas de bronce de 13,5 cm. de diámetro esparcidas a lo largo de una pista, usando un principio similar al del funcionamiento de un rodamiento de bolas, de invención posterior. Lo que hizo la tarea más impresionante es que fue llevada a cabo únicamente por humanos; ni animales ni tracción mecánica fueron usados en trasportar la piedra desde su emplazamiento original hasta la Plaza del Senado. Una vez que se ideó la forma de moverla, fueron necesarios cuatrocientos hombres y nueve meses para trasladar la piedra, tiempo durante el que varios escultores trabajaron de forma continua para dar forma al enorme monolito de granito. Catalina visitaba periódicamente la piedra, para verificar su progreso. De accionar las manivelas se encargaban treinta y dos hombres, que proporcionaban una mínima velocidad de avance a la roca. Otra de las complicaciones consistía en el hecho de que sólo existiesen cien metros de pista de deslizamiento para las esferas, de modo que ésta tenía que ser constantemente desmontada y reubicada. Sin embargo, los trabajadores conseguían cerca de 150 metros de avance por día en terreno plano. Después, cuando se llegó al mar, se construyó una enorme barcaza exclusivamente para la Piedra de Trueno, que tenía que ser asegurada por los dos lados por sendos buques de guerra. Después de un pequeño viaje por mar, la roca llegó a su destino en 1770, cerca de dos años después de que los esfuerzos por moverla comenzaran. Se creó una medalla para conmemorar su llegada, con la leyenda 'Demasiado Audaz'
Se ha llegado a asegurar que La Piedra de Trueno es "La piedra más grande jamás, movida por el hombre". Debido al gran tamaño de la roca, la forma más fácil de medir su masa es calcularla. Sus dimensiones antes de ser cortada, de acuerdo con la publicación de otoño de 1882 de La Nature son 7 x 14 x 9 m. Basados en la densidad del granito, la masa de la roca fue determinada alrededor de las 1500 toneladas. Falconet hizo cortarla hasta dejarla con su forma actual que es parecida a una ola, y dejó el estilizado pedestal con un peso ligeramente menor. Sin embargo, sigue ocupando el primer puesto por tamaño cuando se le compara con otras esculturas…
Existe una leyenda del siglo XIX que afirma que mientras el Caballero de Bronce permanezca en el centro de San Petersburgo, ninguna fuerza enemiga será capaz de tomar la ciudad. Durante los 900 días del Sitio de Leningrado durante la Segunda Guerra Mundial (Leningrado fue el nombre de la ciudad entre 1924 y 1991) la estatua no fue derribada, pero sí cubierta con sacos de arena y una estructura de madera. La protección funcionó tan bien que el Caballero de Bronce sobrevivió virtualmente intacto a 900 días de bombardeo y artillería. En honor a la leyenda, San Petersburgo nunca ha sido tomado.
El Caballero de Bronce es también el título de un poema escrito por Aleksandr Pushkin en 1833, ampliamente considerado como uno de los más importantes trabajos de la literatura de Rusia. La estatua llegó a ser conocida como "El caballero de bronce", gracias a la popularidad del poema. El principal tema del poema, es el conflicto entre las necesidades del estado y las necesidades de los ciudadanos ordinarios.
En el poema que da nombre al monumento, Pushkin describe la suerte del pobre joven Yevgueni y sus allegados durante una inundación en la que el río Nevá se desbordó. Yevgueni maldice la estatua, furioso contra Pedro el Grande por construir la ciudad en un lugar tan inseguro y hacer pasar a su familia aquellas penalidades. La estatua cobra vida y lo persigue a través de toda la ciudad. Posteriormente Yevgueni trata a la estatua con reverencia y respeto.
es.wikipedia.org/wiki/Caballero_de_Bronce
es.wikipedia.org/wiki/El_jinete_de_bronce
es.wikipedia.org/wiki/Pedro_I_de_Rusia
The Bronze Horseman (Russian: Медный всадник, literally "copper horseman") is an equestrian statue of Peter the Great in the Senate Square in Saint Petersburg, Russia. Commissioned by Catherine the Great, it was created by the French sculptor Étienne Maurice Falconet. The name comes from an 1833 poem of the same name by Aleksander Pushkin, which is widely considered one of the most significant works of Russian literature. The statue is now one of the symbols of Saint Petersburg.
The statue's pedestal is the enormous Thunder Stone, the largest stone ever moved by humans. The stone originally weighed about 1500 tonnes, but was carved down during transportation to its current size.
The equestrian statue of Peter the Great is situated in the Senate Square (formerly the Decembrists Square), in Saint Petersburg. Catherine the Great, a German princess who married into the Romanov line, was anxious to connect herself to Peter the Great to gain legitimacy in the eyes of the people. She ordered its construction, and had it inscribed with the phrase Petro Primo Catharina Secunda MDCCLXXXII in Latin and Петру перьвому Екатерина вторая, лѣта 1782 in Russian, both meaning 'Catherine the Second to Peter the First, 1782', an expression of her admiration for her predecessor and her view of her own place in the line of great Russian rulers. Having gained her position through a palace coup, Catherine had no legal claim to the throne and wanted to represent herself as Peter's rightful heir.
In correspondence with Catherine the Great, Denis Diderot suggested French sculptor Étienne Maurice Falconet, a friend of his, for the commission. The empress followed his advice and Falconet arrived in Russia in 1766.
In 1775 the casting of the statue began, supervised by caster Emelyan Khailov. At one point during the casting, the mould broke, releasing molten bronze that started several fires. All the workers ran except Khailov, who risked his life to salvage the casting. After being remelted and recast, the statue was later finished. It took 12 years, from 1770 to 1782, to create the Bronze Horseman, including pedestal, horse and rider.
The tsar's face is the work of the young Marie-Anne Collot, then only 18 years old. She had accompanied Falconet as an apprentice on his trip to Russia in 1766. A student of Falconet and Jean-Baptiste Lemoyne, Collot was called Mademoiselle Victoire (Miss Victory) by Diderot. She modelled Peter the Great's face on his death mask and numerous portraits she found in Saint Petersburg. The right hand of the statue was modelled from a Roman bronze hand, found in 1771 in Voorburg in the Netherlands at the site of the ancient Roman town Forum Hadriani.
On 7 August 1782, fourteen years after excavation of the pedestal began, the finished statue was unveiled in a ceremony with thousands in attendance. Conspicuously absent was Falconet, as a misunderstanding between him and the empress turned into a serious conflict. As a result, he was forced to leave Russia four years before the project was completed. Catherine largely forgot about him afterwards, and came to see the Bronze Horseman as her own oeuvre.
The statue portrays Peter the Great sitting heroically on his horse, his outstretched arm pointing towards the River Neva. The sculptor wished to capture the exact moment of his horse rearing at the edge of a dramatic cliff. His horse can be seen trampling a serpent, variously interpreted to represent treachery, evil, or the enemies of Peter and his reforms. The statue itself is about 6 m (20 feet) tall, while the pedestal is another 7 m (25 feet) tall, for a total of approximately 13 m (45 feet).
For the pedestal, an enormous rapakivi granite monolith boulder known as the Thunder Stone (Russian: Гром-камень) was found at Lakhta, 6 km (3.7 mi) inland from the Gulf of Finland in 1768. The Thunder Stone gained its name from a local legend that thunder split a piece off the stone. Falconet wanted to work on shaping the stone in its original location, but Catherine ordered it be moved before being cut. As it was embedded to half its depth in the ground and the area was marshy terrain, the Russians had to develop new methods to dig up and transport the colossal stone. Marinos Carburis (Μαρίνος Χαρμπούρης), a Greek from the Island of Kefallonia and serving as lieutenant-colonel in the Russian Army, offered to undertake the project. Carburis had studied engineering in Vienna and is considered to be the first Greek to hold a diploma in engineering.
Carburis directed workmen to wait for winter, when the ground was frozen, and then had them drag the large stone over the frozen ground to the sea for shipment and transport to the city. He developed a metallic sledge that slid over bronze spheres about 13.5 cm (6 inches) in diameter, over a track. The process worked in a way similar to the later invention of ball bearings. Making the feat even more impressive was that the labour was done entirely by humans; no animals or machines were used in bringing the stone from the original site to the Senate Square. After Carburis devised the method, it took 400 men nine months to move the stone, during which time master stonecutters continuously shaped the enormous granite monolith. Catherine periodically visited the effort to oversee their progress. The larger capstan was turned by 32 men, this just barely moving the rock. A further complication was the availability of only 100 m of track, which had to be constantly disassembled and relaid. Nevertheless, the workers made over 150 m of progress a day while on level ground. Upon arrival at the sea an enormous barge was constructed exclusively for the Thunder Stone. The vessel had to be supported on either side by two full-size warships. After a short voyage, the stone reached its destination in 1770, after nearly two years of work. A medal was issued to commemorate its arrival, with the legend "Close to Daring".
According to the fall 1882 edition of La Nature, the stone's dimensions before being cut were 7 × 14 × 9 m. Based on the density of granite, its weight was determined to be around 1500 tonnes. Falconet had some of this cut away shaping it into a base, so the finished pedestal weighs considerably less.
A 19th-century legend states that while the Bronze Horseman stands in the middle of Saint Petersburg, enemy forces will not be able to conquer the city. During the 900-day Siege of Leningrad by the invading Germans during the Second World War (Leningrad being the city's name from 1924–1991), the statue was covered with sandbags and a wooden shelter. Thus protected it survived 900 days of bombing and artillery virtually untouched. True to the legend, Leningrad was never taken.
The Bronze Horseman is the title of a poem written by Aleksandr Pushkin in 1833, widely considered to be one of the most significant works of Russian literature. Due to the popularity of his work, the statue came to be called the "Bronze Horseman". A major theme of the poem is conflict between the needs of the state and the needs of ordinary citizens.
In the poem, Pushkin describes the fates of the poor man Evgenii and his beloved Parasha during a severe flood of the Neva. Evgenii curses the statue, furious at Peter the Great for founding a city in such an unsuitable location and indirectly causing the death of his beloved. Coming to life, the horseman chases Evgenii through the city. The poem closes with the discovery of the young man's corpse in a ruined hut floating at the edge of the river.
In 1903 the artist Alexandre Benois published an edition of the poem with his illustrations, creating what was considered a masterwork of Art Nouveau.
The poem has inspired works in other genres: Reinhold Glière choreographed a ballet based on it, and Nikolai Myaskovsky's 10th Symphony (1926–7) was inspired by the poem. The statue itself has been seen as the inspiration or model for a similar statue which appears in Joseph Conrad’s 1904 political novel Nostromo, thus implicitly linking the political events in Nostromo with Conrad’s 1905 essay “Autocracy and War” on the subject of Russia and his eventual 1912 novel Under Western Eyes (and also with the Pushkin poem and with the political issue of Poland).
en.wikipedia.org/wiki/Bronze_Horseman
Reservado ao Veneno
Hoje é um dia reservado ao veneno
e às pequeninas coisas
teias de aranha filigranas de cólera
restos de pulmão onde corre o marfim
é um dia perfeitamente para cães
alguém deu à manivela para nascer o sol
circular o mau hálito esta cinza nos olhos
alguém que não percebia nada de comércio
lançou no mercado esta ferrugem
hoje não é a mesma coisa
que um búzio para ouvir o coração
não é um dia no seu eixo
não é para pessoas
é um dia ao nível do verniz e dos punhais
e esta noite
uma cratera para boémios
não é uma pátria
não é esta noite que é uma pátria
é um dia a mais ou a menos na alma
como chumbo derretido na garganta
um peixe nos ouvidos
uma zona de lava
hoje é um dia de túneis e alçapões de luxo
com sirenes ao crepúsculo
a trezentos anos do amor a trezentos da morte
a outro dia como este do asfalto e do sangue
hoje não é um dia para fazer a barba
não é um dia para homens
não é para palavras
António José Forte
Uma Faca nos Dentes
Prefácio de Herberto Helder
Parceria A.M. Pereira
Livraria Editora, Lda.
Hoy mirando en los archivos quise rescatar estas fotografías y explicar como fue cada captura aquí presentada.
Las monedas son algunas de las que aun conservo de las muchas que rodaban en aquellos años del 1975 que es la época que mejor recuerdo... un año que cambiaría la historia de los españoles y la de un país inmerso en una dictadura de un caudillo durante 40 años.... sí!! se originaria un gran cambio en todos los rincones, costumbres, cultura y avances, pero hoy aun perdidos en la lejanía podemos ver antiguos ranchos donde siguen viviendo personas de toda la vida, personas que aun conservan parte de lo que fue la vida cotidiana de un pasado pero que ya están muchas en desuso.
Fue una mañana de sol cuando decidí agarrar el volante e ir a buscar ese rancho perdido. Metida por una carretera comarcal casi en una curva me encontré con una vieja casona entre parras y tierra calma. Vivían e imagino que aun viven allío dos hermanos y uno de ellos con su anciana mujer... detuve el coche y decidí llamar para pedir permiso cuando vi tanta maravilla que habían sido parte de mi niñez y la de muchas personas...
Ellos con esa simpatía y carácter abierto típico de la forma de ser del andaluz mostraron una sonrisa casi me atrevería a decir un poco burlona por la situación...
-AAAAHHHH aquella muchacha joven se maravillaba por viejas chatarras que ya no servían para nada y que permanecían en el olvido!!!!!!!!!!!!!! el colmo!!!!!!!!!!!!!!!!!
Nada más llegar a la puerta, cubierto de oxido el molinillo de café que tantas veces las manos dieron rienda y vuelta a la manivela mientras las pepitas de ese grano aromático iba cayendo en el cajón ya molido....
-Qué rico olor a ese puchero de café que hervía en unos fogones de carbón!!!
Cuando entre por las puerta me encontré con un platero... platero que prestaba el servicio de unos platos sin importar el color y el dibujo.
El búcaro que lleno de fresca agua se conservaba en la barriga de un barro ya cocido...
El lebrillo que tantas veces sirvió para echar las patatas peladas y poner una comida que calentara los riñones de los trabajadores...
"Candí" (candil) que se encendia al llegar el atardecer de un día de Invierno donde el tiempo parecía detenerse junto a las ascuas o el cisco que abrigaban los bajos de una mesa...
La "taya " que igualmente servia para servir ese vaso de agua dulce y muy fresquita junto a un embudo que aun guardaba los restos de gotas...
Aquel cubo de chapa que tanto servia para sacar agua de un pozo como para ponerlo bajo las ubres de una vaca que cada día se ordeñaba con las manos expertas de quien sabe como extraer la leche en una caricia... y mientras el leve movimiento de la cola y un giro de cabeza hace sonar los cencerros del cuello del animal. Olor a heno y paja que rebozan de un pesebre...
Ayyyy la tinaja... donde cada año dormia en el sueño de aquellas aceitunas que se echaban para el año... o para ese pan recién hecho... o sencillamente para poner los chorizos en manteca de una matanza, la matanza del cerdo tan acostumbrada en este país y en Andalucía...
Y ya olvidada del todo la vieja cubeta de chapa donde la mujer ponía su pila de madera y con sus manos y los purpejos frotaba una ropa que se resitia a quedar blanca y que solo con el esfuerzo y la constancia de ella conseguía que deslumbraran colgadas entre el aroma de una uva que maduraba y donde el viento se encargaría de secarlas con el perfume de un jabón verde casero...
Con esta serie y en el sueño perdido de un ayer os deseo buen Viernes
Walking into Nagamarai lake.
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Paseando por un parque cualquiera, de pronto un sonido me detiene y me transporta a mi niñez. En una esquina, un organillero da vuelta a la manivela y entona una melodía.
Será que alguém adivinha qual é o concerto (ou melhor, parte de um concerto) eu estava tocando na hora da foto? :)
Dica: O compositor é italiano, barroco e tem mais de 500 concertos. Ah, e a música tem a ver com flores (de certo modo) :)
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Eu ganhei essa caixinha de música a manivela linda e mágica do meu amor :D
ps: será que alguém vai ler o que eu escrevi?
au village de Blesle !!
L’arrivée du café implique la création d’un objet spécifique permettant de broyer cette graine en conservant au maximum ses arômes. Il apparaît rapidement que les moulins à épices sont partiellement adaptés.
Pour broyer le café, la première méthode connue est l’utilisation d’un mortier avec des graines torréfiées.
Les premiers vrais moulins apparaissent en Europe et en Turquie en même temps au XVIIème siècle.
En Turquie, les moulins sont composés d’un cylindre en cuivre ou en laiton. Ciselés ou ornés de pierres précieuses, le mécanisme est composé d’un axe vertical qui actionne une noix striée. Ils sont souvent dotés d’une manivelle pliable qui se range dans le haut du moulin.
En France les premiers moulins sont appelés « modèles Louis XIV » ; Ils ont un corps taillé dans un seul morceau de bois ; C’est pour cette raison qu’on les qualifie de monoxyle. Ils sont le plus souvent en noyer. Ils étaient fabriqués à la demande par les taillandiers ou les maréchaux-ferrants. Si à l’époque ces moulins étaient des objets de luxe, il faut savoir qu’aujourd’hui, un modèle Louis XIV classique se négocie autour de 1000 Euros.
Au fur et à mesure le Café se démocratise. Des moulins strictement fonctionnels font leur apparition vers le milieu du XVIIIème siècle. Ils sont en général équipés d’une patte de fixation permettant de les fixer à la table. Vous pouvez trouver une description dans l’Encyclopédie de Diderot et d’Alembert de ce type de moulin dit « moulin entonnoir » en raison de leur forme.
Le modèle-star de l’époque est le modèle dit sablier. Il est composé de 2 cônes reliés par une fixation à baïonnette Il est équipé lui aussi d’un dispositif de fixation.
Les types de moulin sont très différents selon les régions où se développe le café, comme la Hollande, l’Espagne.
Le XIXème siècle, siècle de l’industrialisation, correspond à la vraie démocratisation du café.
La raison est aussi historique car le siècle débute en 1806 par un coup de force de Napoléon, (dont le moulin personnel est un des plus célèbres de la collection Malongo…) qui instaure le blocus contre toutes les marchandises anglaises. En représailles les anglais coulent les bateaux qui livrent des produits exotiques en Europe. Les stocks s’accumulent.
Après Waterloo, ces stocks libérés provoquent un effondrement du cours du café. Les fournisseurs développent alors les moulins de comptoir pour que chaque épicerie puisse fournir du café moulu à ses clients. Cette époque correspond aussi à la grande période du moulin à arbre horizontal
Il voit aussi une explosion des formes et des mécanismes. L’utilisation de l’acier permet l’avènement d’une vraie industrie du moulin café.
Le XIXème c’est aussi la période pendant laquelle le moulin cubique va faire son apparition en s’imposant comme la meilleure solution pour un usage individuel. Le moulin flamand en bois à colonnette avec son bol ouvert, puis le moulin Peugeot en France à partir de 1840.
Le XXème siècle correspond à l’apogée mais aussi à la mort du moulin à café. L’aventure Peugeot avec un glorieux épisode moulin mural. Puis les moulins électriques jusqu’en 1975.
une vrais collection
Cette photo a participé à
La vielle est un instrument à cordes qui sont frottées par une roue en bois au lieu d'un archet.
Cette roue est tournée à l'aide d'une manivelle par le vielleux, qui joue la mélodie avec son autre main sur un clavier.
Le sculpteur belge Peter Meyers, installé à Roussillon-en-Morvan, a créé une sculpture représentant un couple de vielleux.
Installée devant la Poste, cette sculpture en acier corten a été réalisée en 2012 à l'occasion de la 35ème édition de la fête de la vielle.
La traditionnelle Fête de la Vielle d'Anost est organisée à l'origine par Lai Pouèlée, Association pour l'expression populaire en Morvan. la fête de la vielle a débuté le 21 mai 1978 à Montsauche-les-Settons (Nièvre) par la Journée de la vielle et des vielleux.
À partir de 1982, la fête s'installe définitivement à Anost.
À partir de l'édition 1998, la fête prend son nom actuel de Fête de la Vielle.
Pour son 30e anniversaire en 2007, la Fête de la Vielle a accueilli sur cinq jours 25 000 spectateurs venus de toute la France et de toute l'Europe, ainsi qu'une vingtaine de groupes invités (Morvan, Poitou, Gascogne, Bourbonnais, Espagne, Portugal…) et des centaines de musiciens.
Depuis 2008, elle se déroule sur quatre jours (du jeudi au dimanche vers les 15-20 août) durant lesquels retentissent les cornemuses, les violons, les accordéons diatoniques et les vielles à roues.
Le 16 août 2013, lors de sa 36e édition, la fête invite pour la première fois le groupe Malicorne, groupe phare de la scène folk française à l'origine en 1973 du renouveau des musiques traditionnelles.
La programmation, dédiée aux musiques traditionnelles du Morvan et d'ailleurs, est riche en concerts variés et en bœufs improvisés. Outre les concerts sous chapiteau et le grand bal du samedi soir, elle offre au public de nombreuses animations gratuites : concerts dans les rues et les bars, scène ouverte sous la halle, apéritifs-concerts, stages de vielle et stands de luthiers, d'artisans, d'artistes, d'éditeurs, de vente de disques de musique traditionnelle.
La 41e Fête de la vielle a eu lieu, dans tout le village, du vendredi 17 au dimanche 19 août 2018 pendant trois jours et trois nuits de festivités. La musique traditionnelle d’ici et d’ailleurs y a rassemblé de nombreux artistes en concerts, en stages et pour animer les bals. L'édition a également proposé des scènes ouvertes, des initiations aux danses "trad", des stages de vielle (découverte et masterclass), des conférences, des projection de films, des stages de bourrées et danses de couple du Morvan, un marché des luthiers, un groupe folklorique, un stage pour les enfants et en off des boeufs.
Une aile de Calopteryx virgo abandonnée par un prédateur au bord de la Venoge... De nombreuses autres ailes de mâles et de femelles de la même espèce (correspondant à une vingtaine d'individus) se trouvaient un peu plus loin... Image réalisée en intercalant 3 bagues allonge macro Kenko entre le 105 mm F/2.8 et le D4. Mise au point en live view à l'aide d'un trépied Velbon, disposant d'une colonne crantée et d'une manivelle.
Écomusée de Vertheuil en Gironde.
Le carrosse de lavandière est une simple caisse en bois, d’allure rustique mais toutefois pratique car elle permettait à la lavandière de se tenir à genoux devant le ruisseau ou le lavoir, sans mouiller sa robe.
Le carrosse est aussi une protection pour les genoux car la lavandière était à genoux lors de la lessive. Pour ce faire, le fond du carrosse était tapissé de paille ou de foin, de morceaux de chiffons ou de tissus ou encore garni d’un coussin de plumes, pour rendre la posture moins douloureuse.
Algumas histórias indicam que os Jardins Suspensos se lavantavam por centenas de metros do chão, mas explorações arqueológicas indicam um número mais modesto, mas ainda impressionante, de altura.
A cidade de Babilônia, sob comando do Rei Nabucodonossor II, (604 – 562 a.C.) deveria ter sido uma maravilha aos olhos do viajante. " Além de seu tamanho, " escreveu para Herodotus, historiador em 450 a.C., a " Babilônia ultrapassa em esplendor qualquer cidade no mundo ".
Herodotus descreve : as paredes exteriores tinham 90 quilometros em comprimento, 24,30 metros de espessura e 97,536 metros de altura. Largo bastante para permitir uma carruagem de quatro-cavalo a fazer meia volta. As paredes internas não eram " tão espessas como as externas, mas não menos forte ". Dentro das paredes estavam fortalezas e templos que continham imensas estátuas de ouro maciço. Subindo sobre a cidade era a famosa Torre de Babel, um templo para o deus Marduk que parecia alcançar aos céus.
Enquanto um exame arqueológico dicorda de alguns dados de Herodotus (as paredes exteriores parecem ter só 16 quilometros de comprimento e não eram tão altas) a narrativa dele nos dá uma sensação de como as características da cidade pareciam a esses que a visitaram . De maneira bastante interessante, entretanto, um dos locais mais espetaculares da cidade não é nem mencionada por Herodotus: Os Jardins Suspensos, uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo.
Contas indicam que o jardim foi construído por Rei Nabucodonossor que regeu a cidade durante 43 anos que começam em 605 a.C. (há uma história menos fiel, diz que os jardins foram construídos pela Rainha assíria Semiramis durante o reinado de cinco anos que começa em 810 AC). Esta era a imensidão do poder da cidade e influência e Rei Nabucodonossor : construiram uma ordem surpreendente de templos, ruas, palácios e paredes.
De acordo com contas, os jardins foram construídos para animar a esposa nostálgica de Nabucodonossor, Amyitis. Amyitis, filha do rei do Medes, foi casada a Nabucodonossor para criar uma aliança entre as nações. A terra da que ela veio, entretanto, era verde, áspera e montanhosa, e ela achou o apartamento, terreno sol-assado de Mesopotamia deprimimente. O rei decidiu recrear a pátria dela construindo uma montanha artificial com jardins .
Os Jardins Suspensos provavelmente não se mantiveram " realmente " a sensação de ser suspendida de cabos ou cordas. O nome vem de uma tradução inexata da palavra grega kremastos ou latina pensilis que não significa só "suspensos" mas também " pendendo " como no caso de um terraço ou sacada.
O geógrafo grego Strabo que descreveu os jardins no primeiro século AC, escreveu, " consiste em terraços elevados um sobre outro, e apoiados em pilares cubo-amoldados. Estes são ocos e encheram de terra para permitir plantar árvores do tamanho maior. Os pilares, as abóbadas e terraços são construídos de tijolo assado e asfalto ".
" A ascensão para a história mais alta está através de degraus, e no lado deles estão máquinas de água por meio das quais são empregadas pessoas, designadas expressamente para o propósito, de continuar levando água do Eufrates ao jardim ".
Strabo toca nisso que, para os antigos, provavelmente era a parte mais surpreendente do jardim. Babilônia raramente recebeu chuva e para o jardim sobreviver a isto teria que ter sido irrigado usando água do Rio de Eufrates. O esquema era : erguia-se a água no ar para que assim pudesse fluir abaixo pelos terraços e poderia molhar as plantas a cada nível. Isto era provavelmente feito por meio de uma "bomba de cadeia."
Uma bomba de cadeia é : duas rodas grandes, uma sobre a outra, conectada por uma cadeia. Na corrente ficam os baldes amarrados. Debaixo da roda, no fundo de uma piscina está a fonte de água. Como a roda é virada, os baldes imergem na piscina e apanham água. A cadeia os ergue então para a roda superior onde os baldes são inclinados e são esvaziados em uma piscina superior. A cadeia leva então o vazio até ser novamente cheio.
A piscina ao topo dos jardins poderia ser alcancada através de portões em canais que faziam papel de fluxos artificiais para molhar os jardins. A roda da bomba debaixo foi presa a uma seta e uma manivela. Virando a manivela dava a energia para o aparelho funcionar.
A construção do jardim não era complicada só por ser difícil levar água até o topo, mas também porque tinha que evitar que a água destruísse-a. Considerando que pedra era difícil de se conseguir na planície de Mesopotamia, a maioria da arquitetura em Babel utilizou tijolo. Os tijolos eram compostos de barro misturado com palha cortada e assados ao sol. Os tijolos foram unidos então com bitumen, uma substância enlodada que agiu como um morteiro. Estes tijolos dissolveram depressa quando empapou com água. Para a maioria dos edifícios em Babel este não era um problema porque chuva era muito rara. Porém, os jardins foram expostos continuamente a irrigação e a fundação teve que ser protegida.
Diodorus Siculus, um historiador grego, declarou que as plataformas nas quais o jardim estava sobre lajes enormes de pedra, cobertas com capas de cana, asfalto e azulejos. Em cima disto uma coberta foi posta, com folhas de chumbo, evitando que a água da terra pudesse desgastar a base. Em cima de tudo isso foi posta terra de uma profundidade conveniente, suficiente para o crescimento das maiores árvores. Quando a terra foi posta e planificada, foram plantadas todos os tipos de árvores que pela grandeza e beleza encantavam os espectadores.
Qual era a grandeza dos jardins ? Diodorus nos fala que tinha aproximadamente 121 metros de largura por 121 metros de comprimento e mais de 24,3 metros de altura. Outras contas indicam que a altura era igual às paredes de cidade exteriores. Paredes que Herodotus disse que tinham 97,5 metros de altura.
Em todo caso os jardins tinham uma vista surpreendente: uma montanha verde, copada, artificial que sobe a planície. Mas, na verdade existiu? Afinal de contas, Herodotus nunca menciona isto.
"The King Hammurabi is the most famous king of the Babylonian kingdom. The whole kingdom flourished under his rule. His son Nebuchadnezzar is the one who built the Hanging gardens of Babylon, one of the Seven wonders of world.
Nebuchadnezzar ruled the country for 43 years from 605 BC. He constructed impressive array of temples, palaces and streets. It is being told that he built this garden to please his wife, Amyitis. Amyitis, daughter of the king Medes seems to have had a passion for mountainous surroundings. There are some other accounts which say that this wonder of the world was actually built by the Assyrian Queen Semiramis.
The ancient accounts of this hanging gardens (one of the seven wonders of the world) describes the structure to be a stairs like one. The Greek geographer Strabo, describes it as , "the garden consists of vaulted terraces raised one above another, and resting upon cube-shaped pillars. These are hollow and filled with earth to allow trees of the largest size to be planted. The pillars, the vaults, and terraces are constructed of baked brick and asphalt."
The irrigation system was supposedly the complex part built on this gardens. This region had very scarce rains. Slaves were used to push the water upwards using some ancient method of irrigation. Of course there must be some exploitation of slave labor to maintain one among the seven wonders of the world. The gardens did not really hang on the roof using cables or ropes. But this name from the sense that it was built on the roof top. Some accounts state that the gardens are 400 by 400 feet and 80 feet high.
Un nuevo homenaje a los oficios artesanales... La pesca de bajura.
Quién no se ha preguntado alguna vez, viendo esas preciosas barcas de pesca varadas en la arena de alguna hermosa playa... Cómo harían en los viejos tiempos los pescadores, para sacarlas del mar y colocarlas alineadas en la arena?
Está claro, me refiero a los tiempos anteriores a los 4x4, esos "maravillosos" automóviles de potencia hercúlea, cuya principal utilidad podría ser, para algunos personajes, la de masacrar caminos forestales y mirar a todos los demás conductores desde una altura proporcional a su "enorme nivel socioeconómico".
Pues bien... las sacaban del mar con este instrumento... Un torno al que, mediante un largo cable o una resistente maroma enhanchaban la barca, aún dentro del mar y, girando la manivela, lentamente, la iban sacando hacia la arena para colocarla donde hubiesen decidido.
Duro oficio, de esos a los que, antes del "women's lib", se llamaba "oficios de hombres", que aún existe hoy en día, pero en forma de pequeños gremios, con muy pocos miembros en proporción, pero que, gracias a las nuevas tecnologías, consiguen multiplicar casi hasta el infinito las toneladas de pesca capturadas.
Otro oficio que, paralelamente a su evolución, ha llevado aparejada la poca sostenibilidad, cuando no un riesgo cierto de esquilmar las reservas marinas de algunas especies.
Música recomendada: "Con toda la mar detrás". Patxi Andión.
Aquele homem junto à porta da cabine de condução, é o "manivelas"!
É aquele atencioso funcionário da REFER que entre Oliveira de Azeméis e Sernada, põe a trabalhar algumas passagens de nível automáticas...à mão !!
Vielle à roue
France, Allier
Vers 1850
Noyer, érable, nacre, velours, ivoire, métal
Objet conservé au Musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée (MuCEM), ancienne collection du Musée National des Arts et Traditions Populaires (MNATP)
Apparue au Moyen Âge, la vielle à roue est appelée chifonie ou organistrum, Elle est jouée dans les châteaux comme dans les villages. C'est un instrument à 6 cordes (2 pour la mélodie, 4 pour l'accompagnement), que l'on trouve en Europe, d'Espagne jusqu'en Ukraine. Elle appartient à la famille des instruments à cordes frottées. L'archet est remplacé par une roue actionnée à l'aide d'une manivelle. Elle est dotée d'un petit clavier.
Voir un exemple dans l'exposition "Trésors du quotidien" (MuCEM, 2007-2008) partie Distinction
www.tresorsduquotidien.culture.fr/fr/ouvrages.php
Instrument d'art populaire présenté dans l'exposition "Jacques Chirac ou le dialogue des Cultures" (partie traitant de son attachement à la Corrèze et au monde paysan)
Musée du quai Branly - Jacques Chirac
Paris
www.quaibranly.fr/fr/informations-pratiques/aller-plus-lo...
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Les habitués du musée du quai Branly ou du musée Guimet ne découvrent pas la personnalité culturelle de Jacques Chirac en visitant cette exposition organisée pour les 10 ans du musée du quai Branly. Ils savent qu'il a soutenu la rénovation du musée Guimet en 2001 car il était très attiré dès sa jeunesse par les arts asiatiques et qu'il est à l'origine de l'ouverture en 2006 du musée du quai Branly sur les conseils de son ami Jacques Kerchache et grâce à l'implication de Stéphane Martin, ce grand commis de l'État qui en est toujours le président.
Lorsque Jacques Chirac était au pouvoir, les médias ont peu évoqué ces aspects de sa personnalité, préférant souvent le présenter comme un bon vivant attaché aux terroirs, aux plats traditionnels et au monde paysan.
L'exposition rappelle le parcours familial, éducatif et politique de Jacques Chirac ainsi que son contexte historique, elle souligne un intérêt non simulé de l'ancien président pour la diversité culturelle, rempart contre les nationalismes source de guerres, et les décisions qu'il a prises en faveur du dialogue des cultures tout au long de sa carrière.
Une cinquantaine de stations jalonnent le parcours de l'exposition qui débute par les zoos humains organisés au jardin d'acclimatation, à la fin du XIXè siècle. montrant ainsi le chemin parcouru jusqu'à aujourd'hui et le changement de regard occidental sur les autres cultures. La colonisation y est longuement traitée dont l'exposition coloniale de 1931.
La création des institutions qui ont concouru à la connaissance et à la promotion de la diversité culturelle en France est évoquée : le musée de l'homme, le musée national des arts et traditions populaires, le musée Guimet, le musée des arts africains et océaniens, ancien musée des colonies, le centre Georges Pompidou, l'institut du monde arabe, le pavillon des Sessions au musée du Louvre, le musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée, le musée du quai Branly.
Parmi les expositions temporaires majeures dans ce domaine, figurent dans l'exposition "les magiciens de la terre", de Jean-Hubert Martin en 1989 ou l'exposition sur "l'art des indiens Taïnos" organisée au Petit Palais en 1994 à la demande de Jacques Chirac.
Les apports intellectuels des grands ethnologues : Jean Malaurie, Claude Levi-Strauss ou d'écrivains comme André Malraux, Aimé Césaire...sont mis en valeur pour avoir permis une plus grande compréhension des autres cultures par les occidentaux .
L'exposition est riche de faits et d'évènements, elle est agrémentée d'objets et d'oeuvres de grande valeur prêtés par les musées nationaux mais aussi par des collectionneurs privés dont François Pinault.
Le principal défaut de l'exposition est sa scénographie qui manque de clarté en raison du choix du commissaire d'adopter un parcours thématique plutôt que chronologique. Il en résulte des allers-retours dans le temps qui sont perturbants pour le visiteur mais l'exposition mérite néanmoins le déplacement car on retrouve avec plaisir de nombreux évènements culturels et politiques que les plus anciens visiteurs ont vécu et pour lesquels ils se sont parfois mobilisés.
Tirage Argentiques, les photographies sont antérieures à leur mise en vente. C :1900. ( Aucune automobiles, place de la Concorde Paris ? )
"L'origine du sorbet coco remonte probablement à l'arrivée des premiers glaçons dans les Antilles en 1820.
Le mélange de crème était placé dans le compartiment intérieur de la sorbetière, équipé d'une palette reliée à la manivelle. Plus le mélange était manœuvré, plus la crème glacée était onctueuse. De la glace et du sel gemme étaient ensuite placés entre le compartiment intérieur et le seau extérieur."
wiki
« On récolte la glace sur des étangs ou des cours d’eau gelés (ça fait une surface plus régulière et plus facile à découper en blocs et à extraire). Les blocs sont découpés à la scie et manipulés à la force du bras avec de grosses pinces. Les pays naturellement froids et avec beaucoup d’eau, comme le Canada, le nord-est des États-Unis et la Norvège, sont de loin les plus gros joueurs, aidés par le développement des bateaux à vapeur, dans les années 1830/1840, qui permet d’expédier la glace d’Amérique du Nord jusque dans les Caraïbes ou en Europe, pendant que la Norvège s’occupe de fournir l’Allemagne et le Royaume-Uni. »
« La ville de Paris était approvisionnée par quarante glacières, les plus anciennes étant celles de Gentilly, Saint-Ouen et Villeneuve l’Étang. La glace venait aussi de Norvège lorsqu’on en manquait. La Société des Glacières réunies de Saint-Ouen et de Gentilly en possédait trente, qui pouvaient emmagasiner vingt mille tonnes de glace. La consommation totale était de 7 500 tonnes sur lesquelles 500 étaient employées par les marchands et les préparateurs de denrées alimentaires, les crémiers, et le reste par les glaciers pour la fabrication de glaces et de sorbets. »
www.eurekoi.org/dou-venait-la-glace-des-marchands-de-cube...
Ou je précisais : Production à la chaîne sur des bobines de papier sensibilisé ,
(Invention des Allemands fins 19ᵉ siècle, la S.I.P (société française), c'est aussi équipé d'une machine similaire juste à la fin de la Grande Guerre pour faire face à la production des images de celle-ci, 1418 qui allait envahir le marché européen.
Voir : www.flickr.com/photos/193116254@N07/54470695824/in/datepo...
T.K. Treadwell & William C. Darrah anciens
du National
Stereo Association avouait bien volontiers leur peu de
renseignements sur cette « Collection THÉA. »
Sinon que certaines étaient collées sur carton, d’autres non.
Sur certaines que j’ai reçu depuis le dos est imprimé :
(sans le logo ! )
Société Industrielle de Photographie, Rueil ( Seine et Oise).
Donc trois versions sont possibles pour chaque carte sortie ?
Cela sent la magouille, certains tirages officiellement non jamais existé, je suppose
Silver prints, the photographs predate their sale. Circa 1900. (No automobiles at Place de la Concorde, Paris?)
"The origin of coconut sorbet probably dates back to the arrival of the first ice cubes in the West Indies in 1820.
The cream mixture was placed in the inner compartment of the ice cream maker, equipped with a paddle connected to the crank. The more the mixture was moved, the creamier the ice cream. Ice and rock salt were then placed between the inner compartment and the outer bucket."
wiki
Menu de ce dimanche, avec un rôti de porc kénitra...parce que nous sommes le 14/03, l'envers du 3,14 de mon fantôme de l'autre nuit, fan de beignets. Alors voilà...forcément un petit retour de manivelle culinaire. Et beaucoup de plaisir pour toute la famille.
*** Présentation et Caractéristiques ***
Type : SLR Argentique
Date : 1981-1999
Format : 35mm
Poids : 505g
Alimentation : 2 piles A-76
Prix (Achat et Sortie) : A = 50 € | S= ? $
Monture : MD (compatible MC et Rokkor)
Vitesse : 1/1000 – 4 sec
Avancement : Manivelle
Cellule et Position : TTL, cellule au CDS
Exposition : P A et M
Iso : 25 – 1600 ASA
*** Ergonomie et finition ***
C’est l’un des Best-seller de Minolta ! Cet appareil est parfait pour apprendre la photographie. Sortit pour concurrencer le A1 de Canon, il est le dernier boitier manuel de Minolta (en 1985 Minolta introduit son premier Autofocus). Le boitier permet la fonction Program via le MPS (Minolta Program System). Ce mode permet à l’utilisateur de ne pas s’occuper de l’exposition de la photo.
Le design du boitier est lui aussi l’une des clefs de son succès. Un design tout en angle et un boitier très rassurant lorsque l’on le prend en main.
*** Les Plus et Moins ***
+ L’appareil parfait pour débuter et apprendre en photo
+ Une belle gueule qui n’a pas pris une ride
- Le boitier ne fonctionne pas sans pile
*** La photo ***
Ici présenté avec son 50mm f1/4 qui lui va à ravir. Un objectif d’exception.
El coche más viejo de cuantos se presentaron al concurso de elegancia. Esperaba mayor dificultad de encendido ya que es por manivela pero no fue así. Recuerdo las historias de mi padre de brazos partidos por culpa de estas manivelas de arranque pero un par de vueltas y ya estaba encendido. Éso sí tuvo que ir inmediatamente a realizar ajustes en el tablero.
Para aquellos que conocen el Rambler de Nash/AMC, no tiene nada que ver con aquel.
A Hasselblad CFV-50 tem uma aparência retro, com o disparador em manivela. Mas não se deixe enganar pelo aspeto. A CFV-50 é uma câmera com um sensor de 50 megapixel que grava ficheiros em 2F RAW.
A câmera telêmetro Yashica Minister D foi fabricada no Japão a partir de 1964 [1]. A principal mudança do Ministro Yashica III foi a nova célula do medidor de CdS montada abaixo da manivela de rebobinamento. No entanto, o medidor de luz permaneceu desacoplado das configurações de exposição no barril da lente. O Ministro 700 é uma variante da mesma câmera, mas com uma lente f / 1.7 mais veloz.
O indicador do medidor de luz mede a luz de 3 a 17 LV. Para determinar o EV, a escala no medidor pode ser ajustada para corresponder ao ISO do filme.
O barril da lente possui um anel LVS para definir o nível de exposição. O anel tem números LV de 2 a 17. Ao girar apenas o anel LVS, o anel de abertura é ajustado automaticamente para manter o mesmo nível de exposição, oferecendo a essa câmera uma espécie de modo de prioridade do obturador. Atingir a abertura mínima ou máxima irá, então, girar automaticamente o anel do obturador também.
La zanfona de Galicia es un instrumento perteneciente a la familia de los cordófonos frotados, ya que tiene cuerdas que suenan por la frotación de una rueda de madera (ahora las hay incluso de cerámica) cubierta de resina. Esta última gira por acción de una manivela (o manubrio). El sonido de la zanfona se modula a través de un teclado que da una escala cromática de dos octavas de extensión.
Cada zanfona gallega consta de tres cuerdas principales, llamadas cantoras, que son las que producen la melodía y dos cuerdas más, que funcionan como acompañantes o bordones. Al tocarlas al mismo tiempo, el instrumento produce dos sonidos simultáneos, uno grave y fijo a intervalo de octava y otro agudo a intervalo de quinta.
Gracias a sus cuerdas, la zanfona se asemeja a un violín mecánico, aunque también tiene algo de un organillo, instrumento del que procede. Además, sus notas son similares a las dos octavas de un piano.
Manivel’swing / Orgue de barbarie à Dinan (22)
((Manivel’swing / Orgue de barbarie:Sylvain LIOTÉ-STASSE a grandi dans le quartier latin à Paris, du côté de la rue Mouffetard et de la Contrescarpe. Avec son "orgue barbare" en bandoulière, il redonne souffle et énergie aux chansons des rues, celles interprétées entre autres par Juliette Gréco, Mouloudji, Piaf, Montand, Jeanne Moreau, Salvador, Boris Vian, Bourvil, Nougaro, Gabin, Renaud … mots et mélodies qui font corps avec la vie.
Et non votre héros préféré n'a pas pris de billet pour le Japon malheureusement !
C'est toujours Paris ou plus précisément Boulogne, juste l'autre côté de la Seine. C'est le jardin du musée Albert Khan. C'est un jardin peu connu et que j'adore, pour sa beauté et pour l'esprit qui y règne.
Albert Kahn était un banquier qui croyait à la paix universelle grâce à la connaissance des autres cultures ! Il a donc envoyé dans le monde entier, entre 1910 et 1930, des équipes pour photographier sur plaques de verre autochromes et filmer avec des caméras (en bois avec manivelle) des frères Lumière, les cultures du monde de l'époque. (consultables dans le musée)
Il a créé aussi un jardin stupéfiant. Ca commence par une partie aménagée en jardin Japonais, vous faites quelques pas et c'est un village Japonais. Encore quelques pas et c'est un jardin Anglais, puis un jardin Français et enfin une forêt Française. Tout ça sur seulement 4 hectares !!!
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No your favorite hero didn't take a ticket for Japan ! It's always Paris (Boulogne exactly), just the other side of the Seine. It's the garden of the museum Albert Khan. It's a little-known garden and that I like, for its beauty and for the spirit which reigns there.
Albert Kahn was a banker who believed in the world peace by the knowledge of the other cultures !
He sent all over the world, between 1910 and 1930, teams to photograph on glass patches autochromium and film with cameras (wooden with crank) of the brothers Lumière, the cultures of the world of time. (Available for consultation in the museum)
He also created a stunning garden.
That begins with a part fitted out in Japanese garden, you make some steps and it is a Japanese village. Still some steps and it is a landscape garden, then a French garden and finally a French forest. All this on only 4 hectares!!!
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¡ No su héroe preferido tomó billete por Japón desgraciadamente!
Es siempre París o más precisamente Boulogne, justo la otra parte del Sena. Es el jardín del museo Albert Khan.. Es un jardín poco conocido y qué adoro, para su belleza y para el espíritu que reina allí.
¡ Albert Kahn era un banquero qué creía en la paz universal gracias al conocimiento de otras culturas !
Pues envió en el mundo entero, entre 1910 y 1930, equipos para fotografiar sobre placas de vaso autocromo y rodar con cámaras cinematográficas (de madera con manivela) a hermanos Lumière, las culturas del mundo de la época. ( Consultables en el museo)
Creó también un jardín estupefaciente.
Esto comienza con una parte habilitada en jardín japonés, usted hace algunos pasos y es un pueblo japonés. Todavía algunos pasos y es un jardín Inglés, luego un jardín francés y por fin un bosque francés. ¡ Todo esto solamente sobre 4 hectáreas !!!
EL ASESINO DE ISADORA
En la película “Isadora” la genial bailarina (interpretada por Vanesa Redgrave) muere estrangulada cuando su foulard se engancha en la rueda trasera de un Bugatti. ¡Falso!. Para bien o para mal… era un Amilcar.
Los Amilcar no eran, pese a esta confusión, rivales de los Bugatti. Realmente no eran... ni siquiera automóviles, sino “cyclecars”: “vehículos de 3 o 4 ruedas, con un peso máximo de 350 kg y una cilindrada inferior a 1100 cc” que gozaban de grandes beneficios fiscales. Su diseño se debe al joven ingeniero Edmond Moyet y su nombre al maduro financiero Emile Akar (A-mil-kar), que fundan la marca en 1921 para aprovechar la nueva legislación. Pero a diferencia de otros cyclecars, que asocian ligereza con mezquindad técnica (transmisión
por fricción, dirección por cables) los Amilcar pretenden ser coches en miniatura, sencillos si, pero sólidos y eficaces: chasis en escalera, ballestas semi-cantilever, puente trasero sin diferencial, tambores solo en ese eje, dirección de tornillo sin fin,... son características muy similares a las del 5CV Citroen, en cuyo proyecto había colaborado Moyet.
En cuanto el motor, concebido y realizado por la marca, es también de una gran sencillez:
4 cilindros, 903 cc, válvulas laterales, 2 palieres, sin bomba de aceite y con arranque por.. manivela. Va acoplado a un cambio de tres velocidades y rinde solo 17 cv, pero el primer Amilcar (CC) aprovecha su peso pluma, sobre todo, para lograr mejores prestaciones. De hecho pronto se une a los citados Andre Morel, gran piloto, que les habla de la excelente imagen de marca que proporcionan los éxitos en competición, y en 1922, con un Amilcar
“casi” de serie, gana la Bol de Or y el campeonato de Francia de la categoría, venciendo a
sus principales rivales… los Salmson
Gracias a esas victorias, los Amilcar, nacidos como “utilitarios baratos”, se incorporan poco
a poco a la elite de los “deportivos”. En los siguientes (CV, CS) la cilindrada aumenta (980, 1003 cc) y con ella la potencia (18, 23 cv) pero también el peso (350, 400 kg), hasta llegar
al CGS (1075 cc, 33 cv, 550 kg) y el CGSs, ultimo eslabón de la saga de los Amilcar Sport,
el non plus ultra para los latinos, el “Cyclecar Grand Sport surbaisse” para los aficionados. Comparte motor (y peso) con el CGS pero se distingue a primera vista de el por su estilo compacto (mas bajo y con menor distancia entre ejes) su pequeña calandra muy separada
del radiador y sus grandes frenos de tambor situados (por fin) en las 4 ruedas.
La carrocería lleva el anagrama de Dumont, pero las hay similares que solo enarbolan el
de Amilcar, porque el carrocero trabajaba tanto por cuenta propia como para la marca.
The Amilcar C4 is a light sporting car designed for road use made between 1922 and 1928 by the French Amilcar company. The chassis is a lengthened version of that of the Amilcar CC model. Coachwork for this vehicle was originally made only by external builders and sent to the factory.[1]
It is powered by a 1043 cc four-cylinder engine with a 58.0 millimetres (2.3 in) bore, a 95.0 millimetres (3.7 in) stroke, and a magneto ignition. The vehicle has three speeds and runs on rear wheel drive. The suspension uses semi-elliptic leaf springs in both the front and real as well as fitted friction type dampers
Wikipedia.
Aujourd’hui c’est dimanche, le seul jour de la semaine où l’on peut y accéder, c’est la raison pour laquelle nous nous sommes rendus au « musée des ustensiles de cuisines anciens » à Saint-Denis La Chevasse.
Bon, il faut bien l’avouer, c’est pas si tout près que cela mais la Miss tiens absolument à le visiter et le peu que j’en ai vu sur les publicités dont regorge le syndicat d’initiative m’a donné à moi aussi l’envie de retrouver un peu de mon passé auprès des fourneaux. En gros Saint Denis la Chevasse, c’est entre Cholet et la Roche sur Yon. Le musée est situé au cœur d’un ancien logement d’instituteur du 19ème siècle mis à disposition le l’association AMUCA qui le gère par la commune. C’est cette petite association de bénévoles qui en cherchant un moyen de valoriser le tourisme dans la commune a eu cette si riche idée.
En fait, nous avions lu qu’il s’agissait là du tout premier musée de France consacré non à l’art culinaire dans son ensemble ou en détail( il y a des musées de boites à camembert, de tirs bouchons, de bouteilles etc…), mais simplement à l’évolution de nos ustensiles de cuisine.
C’est un musée riche de plus de 1400 pièces collectées dans les remises de nos grand-mères comme dans les nôtres. Il est organisé en six salles présentant chacune autour d’un thème l’évolution des ustensiles et des techniques mais aussi indirectement nos modes de vie.
La première salle est entièrement consacrée à la cuisson. Les premiers ustensiles de cuisine firent en effet leur apparition autour de nos foyers. Ors de la cheminée nous sommes passés aux potagers (marmites couvertes que l’on laissait au coin du feu) puis aux premiers réchauds, enfin les cuisinières à bois, au charbon, au gaz puis à l’électricité. Du moyen âge au 18ème voir 19ème siècle, la cheminée constituait la source principale de chaleur. La plus part des ustensiles étaient alors en cuivre, fonte, terre ou fer. Dans les cheminées se trouvaient la crémaillère où étaient accrochés marmites, chaudrons et poissonnières. Le tournebroche servait à rôtir les viandes et volailles. Le boufadou, sorte de soufflet à bouche servait à attiser le feu. Les maitres-queue ainsi nommés en raison de la longueur des manches des poêles à frire maniaient les grille-pain et cuit-pommes. On était alors loin des Poêles sans manche recouvertes de Téflon qui se rangent dans un placard. Les maitresses de maison plus tard officiaient devant leur réchaud à braises, pétrole, alcool, gaz ou gaz d’essence. Enfin dans les années trente, elle recevait en cadeau de mariage, directement des manufactures de Saint-Étienne leur petite cuisinière émaillée à bois ou charbon.
La deuxième salle est réservé à la révolution culinaire que constitua l’introduction de l’aluminium dans nos cuisines. C’est la période 1925 à 1950. Ce métal léger a vite fait de reléguer dans les caves et greniers les trop lourds ustensiles de terre, fonte, cuivre ou acier. C’est l’époque du renouvellement complet de la batterie de cuisine pour l’inusable aluminium blanc mais aussi pour la ville l’arrivée des cuisinières mixtes, électricité et gaz tandis que dans les campagnes à partir de 1933 fleurissent les cuisinières avec leur bouteilles de gaz Butane. Pour ceux qui sont encore au charbon ou qui n’ont pas de four, il y a les fours cloches qui permettaient de cuire rôtis et pâtisseries.
Un petit espace est réservé à l’introduction de la tôle émaillé et l’on y retrouve là encore toute une batterie de materiels.
La troisième salle est réservée au matériel qui sert à mijoter, passer, presser et éplucher. On y retrouve des grill viande datant du début du 20ème siècle, des passoires en différents matériaux selon leur âge dont une magnifique en cuivre du dix-huitième siècle dont les trous furent perforés à la main un à un selon un magnifique motif. On retrouve l’évolution des cocottes de la terre à la fonte d’aluminium et surtout une magnifique collection d’autocuiseurs allant de 1920 à nos jours. On peut ainsi voir combien cet appareil à subit de transformation. Nos clipso modernes n’ont plus rien à voir avec ces monstrueuses machines sur lesquelles trônait un manomètre et un système de fermeture plus gros qu’elles. Un grand merci au passage à la société SEB(Société d’emboutissage de Bourgogne) qui a offert la plupart des modèles. On y retrouve aussi des presses fruits, des à cassis, à pommes ou à oranges, des pilons à grain, à poivre ou à sel, des hachoirs à main ou électriques, des moulinettes à légumes ou à fromage, des mandolines de toutes sortes et enfin des éplucheurs, de l’économe à l’épluche patate électrique.
Dans la quatrième salle on ne s’intéresse qu’à l’évolution de deux types de productions qui ont pris dans notre alimentation des places à part.
La pâtisserie tout d’abord avec une série de moules en fer blanc et des cul-de-poule(saladier à base ronde permettant de mélanger sans laisser des grumeaux dans les coins) en cuivre, des moules à pudding, savarin, baba, manqué, tourteau, madeleines ou à biscuits, des batteurs à œuf datant de la première moitié du dix-neuvième, des balances Roberval et des pesons de différentes tailles, des gaufriers à motifs en fonte dont un magnifique à caractères ésotériques. Une magnifique sorbetière du début du vingtième voisine une impressionnante collection de yaourtière avec leurs pots de faïence, des faisselles et des barattes à beurre et même une écrémeuse à lait datant des années 50.
Le café, avec bien sur, tout ce qu’il faut pour le produire.
C’est à dire la torréfaction tout d’abord avec des grills pour le grain, des tambours ou des poêles qui permettaient de le tourner en tout sens durant la cuisson.
C’est aussi la mouture avec des moulins de tous âges et de toutes formes. En effet, dès le XVIIe siècle, sous le règne de Louis XIV, on fabriquait des moulins à café en fer, et c'est à partir du XIXe siècle que les moulins à café pénètrent réellement de nombreux foyers, notamment les modèles de la société Peugeot frères dont le premier date de 1832. Aujourd'hui, l'énergie électrique a souvent remplacé la manivelle..quand il n’arrive pas directement sous forme moulu dans nos cuisines.
Enfin vient la préparation et le matériel correspondant selon la méthode employé :
- En décoction, à la turc, mouture fine directement mise dans la cafetière avec l’eau et le sucre.
- En infusion avec des cafetières à piston qui permettent de séparer le liquide de la mouture (même chose que la décoction mais on sépare le café du jus).
- En lixiviation, c’est l’usage des filtres à café en métal, tissus ou en papier. On trouve dans ce musée une magnifique collection de supports pour ces filtres.
- Et enfin par percolation, c’est l’arrivé dans nos cuisines des cafetières italiennes. Ce type de cafetière est constitué de deux compartiments séparés par un porte-filtre qui contient une dose de café. En chauffant, l'eau placée dans la cuve en vase clos s'évapore, puis remonte poussée par la vapeur sous pression; au passage, elle traverse le café et déborde en haut de la cheminée pour retomber finalement dans la verseuse. L'appareil sert à la fois à la préparation et au service. On en trouve qui fonctionnent sur des plaques électriques ou sur cuisinières à foyer bois/charbon ou au gaz. Cette collection contient même un modèle de la rolls royce des cafetière, un modèle original en verre de la marque Cona fabriqué vers 1920 avec bruleur à alcool.
La cinquième salle est réservée à la conservation des aliments selon les différentes méthodes :
- Le séchage, fûmage ou la dessiccation (on ôte l’eau de l’aliment)
- les salaisons(conservation dans le sel, le vianaigre ou la saumure)
- la confiture(conservation dans le sucre)
- la stérilisation(pasteurisation : Variation de température et appertisation : mise en conserve)
- les confits(conservation dans la graisse mais aussi dans l’alcool ou l’huile)
- la réfrigération puis la congélation
Il y a même des garde-manger pour mettre les aliments à l’abri des souris et des insectes.
La sixième salle est consacrée aux spécificités régionales avec une magnifique collection de couperets de cuisine du dix-septième siècle issue du château de Pierre de Bresse dans l’est de la France. Mais on y trouve aussi une marmite à vin chaud alsacienne, des mortiers à aïoli de Provence en marbre. On y trouve même une magnifique « Cantine militaire », vous savez, ces malles contenant tout le nécessaire à la fabrication des repas par le cantinier militaire. C’est une reproduction datant de 1952 d’un modèle de 1933. Dans ce tout petit espace, ce trouve de quoi cantiner six personnes, le couvert bien sur mais aussi la popotte.
Enfin, le palier sert à des expositions temporaires. Lors de notre visite, l’exposition s’appelait « la cuisine des poupées » et Dine pensait y voir toute une série de « Dinettes » mais non, il s’agissait bien de CUISINES de poupées, des miniatures de cuisines en fonte à bois ou à charbon avec lesquelles les jeunes demoiselles fortunées jouaient à la maitresse de maison grâce à des séries de casseroles en cuivre, des poteries et de la vaisselle miniature. Non seulement, les grands modèles sont des œuvres d’art en eux-mêmes, mais voir ces minuscules cuisinières de fonte dotés de vrai tiroirs permettant de recueillir les cendres issu de la combustion d’un petit charbon, on se demande si le jouet n’est pas plus beau que l’original.
Nous avons passé un excellent moment tout autant dans ces salles que dans les souvenirs que nous remémorent tous ces matériels que nous avons connus et reconnus comme étant une partie de notre passé. C’était génial et franchement, je vous conseille d’y allez voir et retrouver ces objets de notre quotidiens que nous avons renvoyés aux oubliettes comme étant dépassés et ce bien qu’ils remplissaient pas si mal leur office.
No podía dormir.
Bajó a lo más oscuro de su interior, donde residían sus pensamientos, la mente, la cabeza que tantos desmanes había cometido en este último año. Si la había desconectado la última vez, ¿cómo era posible que estuviese a punto de reventar?
Llegó en la penumbra con un silencio sepulcral. Nervioso, vió las luces de alarma encendidas, y empezó a accionar el mecanismo de desconexión. Nada ocurrió. El silencio tornó en miles de susurros arrolladores que se colaban como veneno por sus poros, cuestionando pasado, presente y futuro, rompiendo su precario equilibrio y desollando su alma sin piedad.
Empezó a golpear los botones y manivelas con más fuerza y las voces se alzaron con poder exigiendo volver a gobernar su vida. Cayó al suelo dolorido y marchito. "¿En qué momento se me ocurrió que podía ser un sentipensante?", se preguntó, mientras lamentaba estar tan lejos de la única persona que le podía ayudar.
Achei esta máquina aqui no lixo aqui do meu bloco. e ela ainda tem a capa original de madeira, ela nao tem nenhum nome entao nao sei que marca ela é,funciona na manivela e costura sim....
*** Présentation et Caractéristiques ***
Type : Reflex argentique
Date : 1971 -1980
Format : 24x36
Poids : 1130 g
Alimentation : SR44 2x1,5V
Prix (Achat et Sortie) : A = 120 € | S= 720 €
Monture : F
Vitesse : 1/2000 – 10 sec
Avancement : Manivelle
Cellule et Position : CDS et TTL
Exposition: spot
Iso: 6-6400 ASA
*** Ergonomie et finition ***
Le Nikon F2 est le baroudeur du 20ème siècle. Présent sur tous les fronts, au cou des plus grands photoreporter. Il succède au Nikon F (premier du nom) en 1972.
Comme pour tous les F (sauf F6) l'appareil est hyper-évolutif (prisme interchangeable - multiples objectifs - moteur - dos 250 vues ...).
C’est un boitier de confiance, il peut fonctionner sans pile, il est lourd et massif, ce qui le rend sûr.
*** Les Plus et Moins ***
+ c’est un NIKON F !
+ Finition pro
+ increvable
- Franchement je vois pas (certains trouvent le Photomic (prisme) inesthétique…)
*** La photo ***
Le mien est équipé d'un 50mm f/2 avec "fourchette". Ces ergots permettent de donner la valeur du diaphragme sélectionné à la cellule présente dans le prisme (interchangeable).
14.06.14
I Torneo Medieval de la Ciudad de Coria.
Han jugado como lo que son... niños, en algo tan infantil como un carrusel. Debía haber hecho una foto de él entero, era todo de madera y funcionaba a mano con una manivela que hacía girar el dueño. El tiempo controlado con un reloj de arena y marcado con una campanilla.... Precioso.
Y además ellos han añadido el corre que te pillo, de ahí la cara de velocidad y "mala leche" de Rocío, queriendo coger a su hermano, que por otro lado, la esperaba tranquilamente en su patito un poco más alante burlándose de que por mucho que lo intentara, no lo alcanzaría.
Para Lío de fotos y mi Diario de Primavera
Qu'ils disent...
Voilà encore un objet devenu produit de consommation. Et paraît-il, ai-je entendu sur France Inter hier, que le recyclage de millions de bicyclettes en fin de vie poserait un sérieux problème d'écologie. Il n'existerait en effet pas de filière dédiée à cette activité et les matériaux des millions, voire des milliards de vélos mis au rebus depuis que le vélo existe et demain plus encore, ne trouveraient pas repreneurs pour les recycler...
On parle souvent de 'ressourcerie' comme mode de transition éco-responsable, mais on entend aussi parfois utiliser le mot 'recyclerie' : le terme est tout trouvé.
Ne laissons pas politiques et industriels, banquiers, assureurs, financiers et autres charognards de tout poils, de mèche, à l'instar de ce qui s'est produit pour l'automobile, prendre l'initiative et mettre en œuvre à marche forcée un modèle du 'tout-jetable' / tout jeté. C'est donc un travail d'intérêt général qui nous attend, dont on devrait, tous, cycliste, futur ou ancien, sportif, urbain, cyclo-touriste, randonneur, se saisir davantage. Optons pour l'initiative citoyenne, renforçons la culture vélo, ne la laissons pas à la seule maîtrise des faiseurs de marketing. Ouvrons par exemple des recycleries de vélo. Il en existe déjà. Je connais d'ailleurs une très belle caverne d’Alibaba du vélo, qui se trouve à seulement quelques tours de manivelles de l'endroit où a été observé pour la dernière fois ce pauvre oublié, victime de notre époque consumériste, désossé, espérons-le pour la bonne cause du don d'organes.
Ici, un joli cadre vintage Peugeot qui ferait sans doute le bonheur de nombreux cycliste-bricoleurs. Restoré, pour participer à une rando ou même une course rétro, éventuellement légèrement customisé, transformé, modernisé, en mode fixie, vélotaff ou juste pour le plaisir de lui faire reprendre vie et le voir rouler à nouveau.
PS: la mention Culture Vélo utilisée ici ne fait nullement référence à une quelconque enseigne de boutiques d'un vélociste bien connu chez nous en France.
Malheureusement, comme il y a de l'Abus partout (cherchez le jeu de mot), j'ai bien peur que, dans un soucis de propreté des rues, nos chers employés de la voirie municipale lui aient fait subir un tout autre sort, direction tout droit la déchetterie en compagnie de tous les autres objets qui, en cette période de cadeaux, auront été remplacés par des tout beaux, tout neufs, certes, mais certainement aussi moins durables.
Collection #Toulouse #Culture-Vélo
Toulouse, Quartier des Minimes
Noël 2015
Canon set/7
40 mm
Meu desafio ta a manivela
hauahauahauaahau
A da vez é amarelo!
Bem chato de passar,e muito ralo,lotou de bolinhas.Não sei definir amarelo,rs
acho que ele é bem 'gema de ovo' :P No vidrinho tem uns brilhinhos bem fofos,que desaparecem completamente nas unhas.Fiz as bolinhas um dia depois de esmaltar,e adorei!To com pena de tirar :(
Usei:
4x Domingo no Parque - L'apogee(preguiça de escrever esse nome)
Bolinha - Black(Colorama)
Dans l'histoire de l'Humanité.il y a eu l'invention de la roue...et combien d'autres par la suite...et des découvertes de merveilles...dont la 8e qui est toujours à préciser...
Dans l'histoire du monde culinaire,il y a eu l'invention du rouleau à pâte dont la ménagère s'est souvent servie pour mettre son homme au pas...;-)))...et combien d'autres inventions par la suite pour sensément nous faciliter la tâche... Quant aux merveilles,je viens tout simplement d'en découvrir la 8e...Ma soeur fait des tartes et avec quelques tours de manivelle de cette petite merveille,elle prépare ses pommes...Elle utilise un éplucheur et extracteur du coeur de la pomme... Elle ne peut tout simplement plus s'en passer...
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Thésée-la-Romaine (Loir-et-Cher)
Site d'écluse des Mazelles.
Treuil à manivelle pour la manoeuvre de la porte d'écluse.
Le barrage mobile à aiguilles des Mazelles est construit en 1839 sous la direction de l'ingénieur Camille Bailloud. En 1902, le déversoir fixe est reconstruit par l'entrepreneur Alphonse Bodin.
Artisanale au départ, l'imagerie d'Épinal est peu à peu devenue une véritable industrie. L'imagerie utilise initialement une image gravée dans une planche de bois (xylographie). L'impression de la feuille s'effectue alors à l'aide d'une presse à bras, dite « Gutenberg ». Ensuite intervient le coloriste : au moyen de pochoirs, il applique à l'aide d'une brosse ronde les différentes couleurs nécessaires à la finition de l'ouvrage. Les techniques évoluent au fil du temps, notamment vers 1850 avec l'arrivée des pierres lithographiques qui révolutionnent la technique d'impression dans les imprimeries.
Tipo de cámara: Compacta
País de fabricación: España
Año de fabricación: 1966
Objetivo: Laotar 50mm f:7.5 Acromático
Obturador: Fijo 1/80.
Diafragma: Tipo lámina excéntrica con tres aberturas (7,5, 11, 16)
Tipo de película: 135 (Universal)
Enfoque: Fijo de 2.5m a infinito.
Fabricante: Certex
Werlisa es el nombre de a una extensa serie de cámaras, en constante evolución, producidas por Certex, que marcaron una época dentro de la fotografía de aficionado en España.
Son cámaras funcionales, con una buena óptica, totalmente aptas para la fotografía en color y que tuvieron un gran éxito dentro del mercado español para aquellos aficionados que buscaban una cámara que les permitiera obtener imágenes recuerdo.
Salvo en su modelo inicial, todas las Werlisas llevan en la ventana frontal izquierda una plaquita metálica con un rayado horizontal .
La Werlisa II es una versión simplificada del modelo Werlisa Color, por ello es difícil diferenciarlas a simple vista, el objetivo se trata de un menisco azulado acromático de Laotar de escasa luminosidad (7.5). Su diafragma es una sencilla lámina con tres orificios que se mueve mediante un aro del objetivo, dejando ver en una ventanilla de la parte superior el ideograma meteorológico correspondiente. El obturador es de lamina y posee una única velocidad, 1/80. El visor es sencillo y bastante grande.
En el frontal de la cabecera se conservan las tres partes de la Werlisa Color, en la primera aparece el nombre de la marca en letras negras y el modelo en rojas, la segunda es la correspondiente al visor y la tercera la plaquita con rayas horizontales típica y un circulo de color negro.
En la parte superior se encuentran la manivela de rebobinado el nombre de la cámara (algo que no pasa en otros modelos) y una ruedecilla para servir de recordatorio de la película cargada. En la parte trasera esta el visor y la palanca de arrastre. El contador de exposiciones se encuentra en un pequeño orificio de la parte superior del escudete sobre el que se monta el objetivo.
En la parte inferior, de aluminio, se encuentra el desbloqueador del arrastre, una rosca de trípode y el texto “FABRICADO EN ESPAÑA POR CERTEX S.A.”.
Esta cámara, como el resto de modelos de Certex, busca suministrar máquinas a bajo precio a una clase media que empieza a demandar bienes de consumo aunque su poder adquisitivo no sea comparable al de sus vecinos europeos.
Estas cámaras contaban en su inicio 650 ptas. Más 100 Ptas. por la funda.
Hay dos variantes de este modelo:
Werlisa II (A). Es el modelo inicial (y el de las fotos) se caracteriza por un cabezal rectangular, un cuerpo forrado de color negro y por carecer de zapata para accesorios
Werlisa II (B). De aparición posterior. Tiene el cabezal trapezoidal, el recubrimiento del cuerpo de color gris, llevar una zapata de accesorios en el centro de la parte superior de la cabecera y llevar el texto de procedencia escrito en inglés.
El afilalápices cromado de El Casco es una auténtica gozada para fotografiar. Un diseño vintage pero atemporal y unos cromados perfectos que aportan su dificultad a la hora de fotografiar el producto.
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