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La conversión de san Pablo es una obra muy representativa de la producción de Maíno. Recuerda al Retablo Mayor de las Cuatro Pascuas (Natividad, Reyes, Resurrección y Pentecostés), pintado para la iglesia de San Pedro Mártir de Toledo (1612-1614), que se conserva en el Museo del Prado y que está considerada una de las producciones más relevantes de la pintura española del siglo XVII.
En esta obra se aprecian los principales y más representativos aspectos que definen el repertorio gráfico del pintor y su lenguaje, caracterizado por un dibujo vigoroso, de trazo minucioso en los contornos, la monumentalidad escultórica de las figuras, creadas mediante una iluminación contrastada, y un colorido intenso. La conversión de san Pablo muestra la deuda contraída por Maíno con la pintura italiana, particularmente, con el estimulante ambiente romano, en cuya ciudad aparece documentada la presencia del artista entre 1605 y 1610.
El lenguaje de Maíno acusa también la influencia de Caravaggio, especialmente visible en el modelado del cabello de los ángeles y en el aspecto severo del rostro de Jesús.
La singularidad del arte de Maíno (1581-1649), tan directamente vinculado a las experiencias romanas de los primeros años del siglo, por su conocimiento del caravaggismo «claro» y su sentido de la naturaleza y el paisaje, tan ligado al mundo romano de Eshheimer y Annibale Carracci, le confieren un puesto de primerísimo orden entre los artistas de su tiempo. Su condición de monje y hombre de letras, unido al prestigio de su posición de profesor del rey Felipe IV cuando príncipe, le convirtieron, sin duda, en figura influyente en el ambiente cortesano.
Ludovico Carracci was one of the earliest painters to explore the emotional side of religious revelation. Here he illustrated, for the first time in art, an episode in which one of Saint Francis’s followers witnessed an apparition of the Virgin giving the Christ Child to the saint to hold. Carracci distinguished the heavenly light around the Virgin from the nocturnal moonlit landscape (on the left at the painting), at the same time he emphasized the intensely spiritual nature of Francis’s experience.
h 103cm × w 102cm
A print from the Phillip Medhurst Collection published by Revd. Philip De Vere at St. George's Court, Kidderminster.
Christ in the Garden
1603
Oil on canvas, 154 x 222 cm
Formerly Kaiser-Friedrich-Museum, Berlin
The painting was destroyed in the Second World War, it is known to us today through extant black and white photographs. This was a wonderful composition that caught the instant in which Christ awakes the sleeping apostles. The construction of the scene descends toward the lower right corner. St Peter in particular is shown in a classical position (which has been called Carracci-like), with the containment that characterizes this moment in the artist's career.
--- Keywords: --------------
Author: CARAVAGGIO
Title: Christ in the Garden
Time-line: 1551-1600
School: Italian
Form: painting
Type: religious
En esta iglesia de Santa María del Popolo se conservan obras artísticas extraordinarias: así, la Natividad (hacia 1490) de Tiberio d'Assisi o la tumba de los cardenales Della Rovere del escultor Andrea Bregno en la primera capilla de la nave derecha; el sepulcro del obispo Pietro Foscari (con escultura de bronce de Vecchietta) en la capila Costa (cuarta de la nave derecha).
En la capilla Cerasi se conservan dos obras maestras de Caravaggio: la Conversión de San Pablo y la Crucifixión de San Pedro; y también otro excelente óleo de Annibale Carracci, la Asunción de la Virgen. En la cuarta capilla de la nave izquierda está la obra maestra del escultor Alessandro Algardi: el busto del cardenal Garcia Mellini (hacia 1630).
La conversión de san Pablo es una obra muy representativa de la producción de Maíno. Recuerda al Retablo Mayor de las Cuatro Pascuas (Natividad, Reyes, Resurrección y Pentecostés), pintado para la iglesia de San Pedro Mártir de Toledo (1612-1614), que se conserva en el Museo del Prado y que está considerada una de las producciones más relevantes de la pintura española del siglo XVII.
En esta obra se aprecian los principales y más representativos aspectos que definen el repertorio gráfico del pintor y su lenguaje, caracterizado por un dibujo vigoroso, de trazo minucioso en los contornos, la monumentalidad escultórica de las figuras, creadas mediante una iluminación contrastada, y un colorido intenso. La conversión de san Pablo muestra la deuda contraída por Maíno con la pintura italiana, particularmente, con el estimulante ambiente romano, en cuya ciudad aparece documentada la presencia del artista entre 1605 y 1610.
El lenguaje de Maíno acusa también la influencia de Caravaggio, especialmente visible en el modelado del cabello de los ángeles y en el aspecto severo del rostro de Jesús.
La singularidad del arte de Maíno (1581-1649), tan directamente vinculado a las experiencias romanas de los primeros años del siglo, por su conocimiento del caravaggismo «claro» y su sentido de la naturaleza y el paisaje, tan ligado al mundo romano de Eshheimer y Annibale Carracci, le confieren un puesto de primerísimo orden entre los artistas de su tiempo. Su condición de monje y hombre de letras, unido al prestigio de su posición de profesor del rey Felipe IV cuando príncipe, le convirtieron, sin duda, en figura influyente en el ambiente cortesano.
Carracci, Annibale (Italian)_Venus, Adonis and Cupid
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www.artmuseum.com.cn/reproduction_oil_painting.htm
EBAY STORE:
Annibale Carracci for the Camerino of the Palazzo Farnese, Rome, c. 1595
(c. 1675-1680)
Artist/s name
Pietro AQUILA
Annibale CARRACCI (after)
An engraved copy dated 1582 by Agostino Carracci is the first documentary evidence of this picture, which was intended for the church of SS. Giovanni e Paolo in Venice. Apart from Christ, it shows only Mary and an angel, against a dark background. The figural composition is notable for its severe closeness of forms, with the drama lying in the interplay of the expressive heads. The innovative quality of the devotional picture is underlined by the existence of several weaker replicas and variants carried out at a later date by Benedetto Caliari and colleagues from the workshop.
The painting is the best version of the surviving three- and four-figure paintings depicting the Lamentation of Christ. Recent X-ray investigations revealed a second angel at the left side of Mary.
via
El arte barroco se realizo dentro de la epoca barroca, durante el período 1590-1720, y que abarcaba la pintura, y escultura, así como la arquitectura. Después del idealismo del Renacimiento (1400-1530), y la naturaleza ligeramente “forzada” del Manierismo (c.1530-1600), el arte barroco refleja sobre todo las tensiones religiosas de la época , especialmente el deseo de la Iglesia Católica en Roma (como se anunció en el Concilio de Trento, 1545-1563) para reafirmarse a raíz de la Reforma Protestante.
Muchos emperadores y monarcas católicos de toda Europa tenían un interés importante en el éxito de la Iglesia católica, por lo que los tribunales reales de España y Francia encargaron un gran número de diseños arquitectónicos, pinturas y esculturas en paralelo a la campaña católica general. El arte cristiano, perseguido por el Vaticano, para glorificar su propia grandeza divina y, en el proceso, fortalecer su posición política. En comparación, el arte barroco en áreas protestantes como Holanda tenía un contenido mucho menos religioso y, en cambio, estaba diseñado esencialmente para atraer las crecientes aspiraciones de los comerciantes y las clases medias.
Arte del barroco
Caracteristicas del arte barroco
El perido del arte barroco comprende 4 caracteristicas principales que son el tenebrismo, realismo, lineas y hora.
Tenebrismo
Usualmente hay una fuente de luz, conocida como tenebrismo, en el arte barroco. La luz y la oscuridad contrastantes, como en las sombras, dan dramatismo a las obras. Ambos tienen un efecto en las emociones y la intensidad de la pieza.
Realismo y Naturalismo
El realismo es un aspecto importante del arte barroco. Rubens abrazó la realidad en su arte. En “San Jorge y el dragón”, San Jorge es musculoso con una armadura que aparece como lo hacía en la vida cotidiana. Su caballo es representado como luchador y fuerte. El naturalismo también se vio en el arte barroco a través del uso de detalles normales únicos en la vida cotidiana. Caravaggio empleó esta técnica en su trabajo al mostrar lugares locales como tabernas y campesinos. Coloca al espectador en la pintura aplicando cosas como parte del primer plano y del espacio central. Las expresiones faciales resaltan los estados de ánimo o las emociones de los sujetos. Los artistas a veces se ponen en la pintura como parte de las sombras.
Lineas
Las líneas ayudan a transmitir el movimiento y a menudo se presentaron en piezas barrocas. El acortamiento de las alas, al reducir la longitud de las líneas en el dibujo para dar una ilusión de extensión en el espacio – contribuye a la sensación de movimiento. Ya sea asimétrica, vertical u horizontal, esta técnica puede engañar al ojo y darle espacio a la pieza. Los trabajos siguen una forma de “S” en la composición. Por ejemplo, en “La conversión de San Pablo” de Caravaggio, las líneas diagonales muestran el drama. Las líneas también pasan por la difusión en el arte barroco con figuras curvas y capas horizontales.
Hora
Muchos artistas que usaban el estilo barroco conocían el tiempo y lo usaban para transmitir la fuerza de la naturaleza y también cómo el tiempo era parte del proceso de la vida. Se incluyó a un hombre mayor que simbolizaba el tiempo en una gran cantidad de piezas para ilustrar que el tiempo llega para todos. El posicionamiento de las personas en cada trabajo da la sensación de que el tiempo avanza y retrocede.
Tipos de arte barroco
Para cumplir su papel de propagandista, el arte barroco de inspiración católica tendía a ser una obra de arte público a gran escala, como pinturas murales monumentales y enormes frescos para techos y bóvedas de palacios e iglesias. La pintura barroca ilustra elementos clave del dogma católico, ya sea directamente en obras bíblicas o indirectamente en composiciones mitológicas o alegóricas. Junto con este acercamiento monumental y elevado, los pintores típicamente retrataban una fuerte sensación de movimiento, utilizando espirales giratorias y diagonales ascendentes, y esquemas de colores suntuosos y fuertes, para deslumbrar y sorprender. Nuevas técnicas de tenebrismo y claroscurofueron desarrollados para mejorar la atmósfera. El pincel es cremoso y amplio, a menudo dando como resultado un empaste grueso . Sin embargo, la teatralidad y el melodrama de la pintura barroca no fueron bien recibidos por críticos posteriores, como el influyente John Ruskin (1819-1900), que lo consideró insincero. La escultura barroca , típicamente de tamaño mayor que el real, está marcada por un sentido similar de movimiento dinámico, junto con un uso activo del espacio.
La arquitectura barroca fue diseñada para crear espectáculo e ilusión. Así, las líneas rectas del Renacimiento fueron reemplazadas por curvas fluidas, mientras que las cúpulas y techos se ampliaron, y los interiores se construyeron cuidadosamente para producir efectos espectaculares de luz y sombra. Fue un estilo emocional, que, siempre que fue posible, explotó el potencial teatral del paisaje urbano, como lo ilustra la Plaza de San Pedro (1656-67) en Roma, que conduce a la Basílica de San Pedro . Su diseñador, Bernini , uno de los mejores arquitectos barrocos, rodearon la plaza con columnatas, para transmitir la impresión a los visitantes de que están siendo abrazados por los brazos de la Iglesia Católica.
Como es evidente, aunque la mayor parte del arte barroco de la arquitectura, pintura y escultura producida durante el siglo XVII es conocida como barroca, de ninguna manera es un estilo monolítico. Hay al menos tres líneas diferentes de Barroco, de la siguiente manera:
1 Grandeza religiosa
Un estilo melodramático triunfal, extravagante, casi teatral melodramático de arte religioso, encargado por la Contrarreforma Católica y las cortes de las monarquías absolutas de Europa. Este tipo de arte barroco está ejemplificado por la audaz escultura y arquitectura visionaria de Bernini (1598-1680), por los frescos trompe l’oeil ilusionistas del techo de Pietro da Cortona (1596-1669) – ver su obra maestra Alegoría de la Divina Providencia (1633 -39) – y por las grandiosas pinturas del maestro flamenco Rubens (1577-1640).
2 Gran Realismo
Arte del barroco en la pintura
Un nuevo estilo naturalista o de composición figurativa. Este nuevo enfoque fue defendido por Michelangelo Caravaggio y sus obras (1571-1610), Francisco Ribalta (1565-1628), Velázquez (1599-1660) y Annibale Carracci (1560-1609). La audacia y la presencia física de las figuras de Caravaggio, el enfoque realista de la pintura religiosa adoptado por Velázquez, una nueva forma de movimiento y exuberancia iniciada por Annibale Carracci, y una forma realista de pintura rústica del género bíblico, completa con animales, desarrollada por Castiglione (1609-64) – todos estos elementos fueron parte del nuevo y dinámico estilo conocido como Barroco. Ver también: clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII.
Arte de caballete
A diferencia de las obras públicas, religiosas a gran escala de los principales artistas del barroco y sus obras en países católicos, el arte barroco en la Holanda protestante (a menudo referido como el Siglo de oro holandés) fue ejemplificado por un nuevo tipo de arte de caballete: un brillante forma de pintura de género – dirigida al próspero jefe de familia burgués. Esta nueva escuela holandesa de pintura de género realista también condujo a un realismo realzado en el retrato y la pintura de paisajes, cuadros de flores, composiciones de animales y, en particular, a nuevas formas de pintura de bodegones , incluido el género de inspiración protestante conocido como pinturias vanitas (1620-1650). Diferentes ciudades y áreas tenían sus propias “escuelas” o estilos, como Amsterdam, Utrecht, Delft, Leiden, Haarlem, Dordrecht y Delft, Ver: Artistas realistas holandeses.
Además, para complicar aún más las cosas, Roma, el centro mismo del movimiento, también albergaba un estilo “clásico”, como se ejemplifica en las pinturas del pintor de historia Nicolas Poussin (1594-1665) y el paisajista arcadiano Claude Lorrain. (1600-82)
Historia del arte barroco
Siguiendo los pronunciamientos del Concilio de Trento sobre cómo el arte baroco puede servir a la religión, junto con el aumento de la confianza en la Iglesia Católica Romana, se hizo evidente que era necesario un nuevo estilo de arte bíblico para apoyar la Contrarreforma católica y totalmente transmitir los milagros y sufrimientos de los Santos a la congregación de Europa. Este estilo tenía que ser más enérgico, más emocional e imbuido de un mayor realismo. Fuertemente influenciado por los puntos de vista de los jesuitas (el Barroco a veces se conoce como “el Estilo Jesuita”), la arquitectura, la pintura y la escultura debían trabajar juntas para crear un efecto unificado. El ímpetu inicial vino de la llegada a Roma durante la década de 1590 de Annibale Carracci y Carravaggio (1571-1610). Su presencia despertó un nuevo interés en el realismo, así como en las formas antiguas , ambas asumidas y desarrolladas (en escultura) por Alessandro Algardi (en escultura) y Bernini (en escultura y arquitectura). Peter Paul Rubens, que permaneció en Roma hasta 1608, fue el único gran pintor católico en el idioma barroco, aunque Rembrandt y otros artistas holandeses fueron influenciados por ambos Caravaggismy Bernini. Francia tenía su propia relación (más secular) con el Barroco, que era el más cercano en arquitectura, en particular el Palacio de Versalles. La figura clave en el arte barroco francés del siglo XVII fue Charles Le Brun (1619-1690), quien ejerció una influencia mucho más allá de su propio métier . Véase, por ejemplo, la fábrica de tapices Gobelins , de la que fue director. España y Portugal lo adoptaron con más entusiasmo, al igual que las áreas católicas de Alemania, Austria, Hungría y los Países Bajos españoles. La culminación del movimiento fue el Alto Barroco (c.1625-75), mientras que el apogeo de la grandiosidad del movimiento estuvo marcado por la cuadratura fenomenal conocida como Apoteosis de San Ignacio (1688-94, S. Ignazio, Roma), por el pintor de techos ilusionista Andrea Pozzo (1642-1709 ) Seguramente una de las mejores pinturas barrocas del siglo XVII.
Arte barroca en la arquitectura
Nápoles, en 1600, la segunda ciudad más grande de Europa después de París, fue un importante centro de arte barroco de la Contrarreforma. La escuela napolitana fue desarrollada por Caravaggio, Ribera, Artemesia Gentileschi, Mattia Preti (1613-99) Luca Giordano (1634-1705), Francesco Solimena (1657-1747) y otros.
Nota: Llevó más tiempo para que el estilo barroco llegara a Rusia. De hecho, no fue hasta el período del arte petrino en San Petersburgo bajo Pedro el Grande (1686-1725), que arquitectos como Rastrelli, Gottfried Schadel, Domenico Trezzini, Andreas Schluter, Michetti, Matarnovi y Leblond comenzaron a diseñar en el estilo del barroco ruso .
A finales del siglo XVII, el gran estilo barroco estaba en declive, al igual que su principal patrocinador, Italia. La próxima potencia europea era Francia, donde estaba comenzando a surgir un nuevo y contrastante estilo de arte decorativo. Este estilo desenfadado pronto envolvió la arquitectura, todas las formas de decoración de interiores, mobiliario, pintura, escultura y diseño de porcelana. Era conocido como Rococo .
Conclusion
Sin duda el arte barroco es sin duda un estilo singular que marco un antes y un despues dentro del arte, ya que a dia de hoy es muy admirado y obras de grandes personajes todavia se preservan y admiran.
La entrada El Arte Barroco Caracteristicas, Historia Tipos y Estilos aparece primero en Musica Barroca.
Modena.
Palazzo Musei.
Venus and Cupid
Annibale Carracci
Author information: Bologna, 1560 – Rome, 1609
Oil on canvas, 110 x 130cm
The canvas featuring Venus and Cupid was part of a group of five oval paintings of mythological figures. Annibale, Agostino and Ludovico Carracci were commissioned by Cesare d’Este, who in 1591 took it upon himself to refurbish parts of Palazzo dei Diamanti, including his wife’s chamber (Virginia de’ Medici) and the room opposite: The Camera del Poggiolo. Although not yet a duke at the time of the refurbishment, Cesare was the expectant father of his future heir, Alfonso III d’Este.
The oval paintings, presumably intended for the Camera del Poggiolo, featured Flora, Galatea (or Salacia), Venus, Pluto and Aeolus (missing today). In 1592 the paintings arrived at the Palazzo, staying there until 1630 when Francesco I d’Este ordered the surviving works in Ferrara to be taken to the Palazzo Ducale in Modena. In 1796 they were transported to France following the Napoleonic requisitions, only to be officially restored to the Este family in 1815.
Although the unique stylistic characteristics of each artist can be identified, the paintings share key underlying elements: the di sotto in su spatial composition; the supine position of the bodies; their dynamic, well-rounded forms (reminiscent of Michelangelo’s drawing); and an atmosphere worthy of Correggio.
Antonio Carracci Portrait of a Young Black Man Italy (c. 1595) Black Chalk on Paper, 204mm × 104 mm. Rijksmuseum. [x]
Caravaggio was contracted to paint two large lateral paintings for the Cerasi chapel, to the left of the main altar of Santa Maria del Popolo. The large central painting of the Assumption of the Virgin Mary by Annibale Carracci was acquired at the same time. Both Carracci and Caravaggio were successful and highly rated artists at the time but it is without doubt that visitors mainly visit Santa Maria del Popolo to see the Caravaggios.
Both paintings are typical Caravaggios — light and dark but the former only shows when visitors feed coins into the box to switch on the lights:
The church of Santa Maria del Popolo in Rome is filled with art but most visitors come to see the two Caravaggio paintings: Crucifixion of St Peter and Conversion of St Paul). The church also has a fine chapel designed by Raphael while Bernini gave the church a Baroque makeover that was stripped back somewhat in the early 20th century to restore the Renaissance appearance.
Giuseppe Maria Crespi was the most outstanding, late Baroque artist in Bologna. He worked in oil and fresco and also produced book illustrations. Crespi executed religious paintings, particularly towards the end of his career, as well as mythological scenes, portraits and genre paintings, and his most important works fall within the the latter category. Crespi trained in Bologna with artists including Domenico Maria Canuti and Carlo Cignani, in addition to Gian Antonio Burrini with whom he worked as an assistant and through whom Crespi met his first patron, Giovanni Ricci. Crespi also made a careful study of the work of artists such as the Carracci and Guercino, as well as Titian and Veronese. He travelled to Venice, Emilia and the Marches. Crespi was involved in the founding of the Accademia Clementina in Bologna in 1710, becoming its director. Among his projects as an illustrator are the prints for the celebrated volume by Giulio Cesar Croce, Bertoldo e Bertoldino, which Crespi designed in the second decade of the century.
Through the choice of objects included in the composition, Crespi indicates the sitter’s interest in music, an art form that is also present in a number of other paintings by the artist. The impressive, large-scale figure of Fulvio Grati with its theatrical illumination provides the focus point for the painting. The sitter holds a lute that rests on his lap while his other hand rests on a table and delicately grasps a small mandolin. The Count is accompanied by two servants, of which the one behind him holds up a very large curtain that acts as the backdrop to the principal figure, while the richly dressed black page in the foreground on the right holds a number of musical scores. The position of that figure was corrected by Crespi to judge from the pentimenti to be found on the level of his right leg and left arm. Crespi’s skills at still-life painting are evident in a large number of his paintings and are to be seen here in the lower left corner of this large canvas.We see a still life consisting of the case of the lute, some loose sheets of music and a book, behind which is a small, seated dog looking curiously out at the viewer.
The painting is constructed with a pronounced chiaroscuro in which the principal figure stands out strongly. He is also emphasized by the colours of the clothes and textiles including the gold cloth over his knees that is more eye-catching than the page’s salmon pink costume.
Source: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
www.museothyssen.org/en/collection/artists/crespi-giusepp...
The Story of Abraham 118. From the Bowyer Bible in Bolton Museum, England, volume 3 print 470 Abraham sacrificing Isaac. Genesis cap 22 vv 10, 13. Caracci. Photo by Harry Kossuth. File created by Phillip Vere. Research by Phillip Medhurst.
En la Capilla Cerasi se conservan dos obras maestras de Caravaggio: la Conversión de San Pablo y la Crucifixión de San Pedro; y también otro excelente óleo de Annibale Carracci, la Asunción de la Virgen.
También en la cuarta capilla de la nave izquierda está la obra maestra del escultor Alessandro Algardi: el busto del cardenal Garcia Mellini (hacia 1630).
La Basilica Concattedrale di San Cassiano Martire és un majestuós edifici dedicat al patró de la ciutat de Comacchio.
S'aixeca al lloc on hi havia l'antiga catedral romànica, construïda l'any 708 i enderrocada l'any 1694. La primera pedra de la nova catedral va ser col·locada el 25 de març de 1659 pel bisbe de Comacchio Sigismondo Isei. Va ser consagrada solemnement l'any 1740. El 1961 va ser elevada a Basílica Menor pel papa Joan XXII. La façana és de maó, amb alguns detalls en pedra d'Ístria. L'interior, d'una sola nau, inclou dotze capelles disposades lateralment, a l'interior de les quals s'hi poden admirar unes estupendes pintures de Biagio Bovi (segle XVIII) de l'escola Carracci de Bolonya, el crucifix de fusta del segle XVII de l'escultor ferrarens Germano Cignani i l'escultura. que representa Santa Llúcia, de l'escola veneciana (segle XV).
És particular l'escenografia que ofereix l'absis, que acull l'imponent altar de marbre del segle XVIII i l'estàtua de fusta del segle XVI del màrtir Cassian, protector de la ciutat i de l'antiga diòcesi. A sobre de la porta d'entrada central hi ha el corral i l'orgue, construïts a Mòdena el 1728 per Gian Domenico Traeri.
Al costat de la catedral s'alça el campanar, construït per primera vegada l'any 1751 pel venecià Giorgio Fossati i enderrocat el 1757. Va ser reconstruït durant el segle següent i acabat el 1868, sense el frontó a la part superior i, per tant, a la part superior. una alçada reduïda respecte a l'original, de la qual es conserva la potent base de pedra d'Ístria. A l'interior, al costat de la brúixola, es pot admirar el plafó pictòric que presenta la maqueta original de la torre.
The painter portrays himself in the mirror with three men who have been variously identified:
the eldest may be Antonio, Annibale’s father, while the younger one is thought to be his brother Agostino’s illegitimate son Antonio. This family of artists,with their cousin Ludovico, played a keyrole in the renewal of painting at the turn of the 16th century. While there is likely to a reference here to the “three ages of man”, it is also the depiction of a glimpse of reality reflected in a mirror.
Church of San Michele in Bosco – Bologna, Italy
The octagonal cloister or “de’ Carracci” was erected at the beginning of 1600 based on Pietro Fiorini’s design. Here in this shot a detail with the well in the foreground
Açougue, déc. 1580, óleo s/ tela, 185 x 266 cm, Christ Church Picture Gallery, Oxford, Inglaterra
(FONTE: 2.bp.blogspot.com/_XGrwEv2JZIo/S9O7LNekbQI/AAAAAAAAARU/w0...)
La conversión de san Pablo es una obra muy representativa de la producción de Maíno. Recuerda al Retablo Mayor de las Cuatro Pascuas (Natividad, Reyes, Resurrección y Pentecostés), pintado para la iglesia de San Pedro Mártir de Toledo (1612-1614), que se conserva en el Museo del Prado y que está considerada una de las producciones más relevantes de la pintura española del siglo XVII.
En esta obra se aprecian los principales y más representativos aspectos que definen el repertorio gráfico del pintor y su lenguaje, caracterizado por un dibujo vigoroso, de trazo minucioso en los contornos, la monumentalidad escultórica de las figuras, creadas mediante una iluminación contrastada, y un colorido intenso. La conversión de san Pablo muestra la deuda contraída por Maíno con la pintura italiana, particularmente, con el estimulante ambiente romano, en cuya ciudad aparece documentada la presencia del artista entre 1605 y 1610.
El lenguaje de Maíno acusa también la influencia de Caravaggio, especialmente visible en el modelado del cabello de los ángeles y en el aspecto severo del rostro de Jesús.
La singularidad del arte de Maíno (1581-1649), tan directamente vinculado a las experiencias romanas de los primeros años del siglo, por su conocimiento del caravaggismo «claro» y su sentido de la naturaleza y el paisaje, tan ligado al mundo romano de Eshheimer y Annibale Carracci, le confieren un puesto de primerísimo orden entre los artistas de su tiempo. Su condición de monje y hombre de letras, unido al prestigio de su posición de profesor del rey Felipe IV cuando príncipe, le convirtieron, sin duda, en figura influyente en el ambiente cortesano.
Domenichino: The Hunt of Diana
Small: Jupiter and Juno, attributed to Carracci Antonio
The Borghese Gallery is one of the top art museums to visit in Rome. The art on display is of the best quality and the small, almost intimate villa, is much easier to enjoy than the vast packed exhibition halls of the Vatican Museums. Highlights include the largest single collection of Caravaggio paintings in the world, several Bernini sculptures, Canova's Pauline Borghese as Venus, and paintings by top artists such as Raphael, Titian, Correggio, Domenichino, Rubens, and Cranach. Admissions are limited with time-slot reservation tickets essential to secure the two hours visitors are allowed to spend in the villa.
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