IMG_5199 Egon Schiele 1890-1918 PROVOCATION AND CONFORMITY. THE RESPONSIBILITY OF THE ARTISTS.

Egon Schiele 1890-1918 Wien

Voyant de soi (Mort et homme

Self-Seer (Death and Man) 1911

Wien Leopold Museum

 

Les troubles psychologiques très profonds, et l'obsession sexuelle, sont inséparables de la personnalité et de l'œuvre de l'artiste. L'œuvre d’Egon Schiele est avant tout une psychanalyse à laquelle le public est convoquée. L'artiste ici n'est plus au service du public ni de ses commanditaires mais au service de lui-même. On revient une fois de plus au constat de Jean-Louis Harrouel : l'artiste a remplacé l'art. L'art d’Egon Schiele a remplacé le divan du psychanalyste. Il est très clair que les difficultés psychologiques et les déséquilibres d’Egon Schiele s'expriment essentiellement dans ses thèmes sur l'humain, la femme, la sexualité et ses auto-portraits. C'est par sa fascination pour la laideur, dans ces cadres thématiques, que les rapports de l'artiste avec l'humanité apparaissent problématiques. Ses œuvres inspirées par la nature ou l'environnement urbain ne trahissent pas les mêmes malaises.

 

Very deep psychological disorders, and sexual obsession, are inseparable from the personality and work of the artist. Egon Schiele's work is above all a psychoanalysis to which the public is summoned. The artist here is no longer at the service of the public nor of his clients but at the service of himself. Once again we return to Jean-Louis Harrouel's observation: the artist has replaced art. The art of Egon Schiele has replaced the psychoanalyst's couch. It is very clear that Egon Schiele's psychological difficulties and imbalances are mainly expressed in his themes on the human, the woman, sexuality and his self-portraits. It is through his fascination with ugliness in these thematic frameworks that the artist's relationship with humanity appears problematic. His works inspired by nature or the urban environment do not betray the same uneasiness.

 

 

PROVOCATION ET CONFORMITÉ. LA RESPONSABILITÉ DES ARTISTES.

 

"Dans l'univers kafkaïen de l'AC, les artistes qui veulent survivre doivent baisser la tête avec talent. Le talent de se soumettre n'est pas donné à tous."

Christine Sourgins. Les Mirages de l'Art Contemporain. L'Art Financier. 2018 La table ronde.

 

"Au cours de la seconde moitié du 20è siècle l'art dominant s'est fonctionnarisé. Les experts de l'AC pratiquent le fonctionnariat total : serviteurs de l’État, ils sont au gré des carrières : conservateurs de musée, directeur de centre d'art, commissaires d'expositions, historiens ou critiques d'art...Ce petit milieu est constamment juge et partie, sans état d'âme."

Christine Sourgins Les Mirages de l'Art Contemporain. 2018 La Table Ronde.

 

L'art continue dans les ateliers. Ses artistes sont absents des institutions, ignorés des médias, n'ont pas accès à la commande publique et sont exclus des filières de consécration, ils vivent difficilement. Ils sont confronté quotidiennement aux méthodes stupéfiantes, aliénantes et culpabilisantes de "l'art contemporain", seul art légitime.

Aude KERROS L'Art Caché. Les dissidents de l'art contemporain. Eyrolles 2013

 

"L'art contemporain est un art art institutionnel parce que sa seule légitimité réside dans la reconnaissance consentie par l’État, comme ce fut le cas en URSS et comme c'est le cas actuellement en France."Aude de Kerros dans "L'Imposture de l'Art Contemporain"

 

«Le monde se divise en trois catégories de gens: un très petit nombre qui fait se produire les événements, un groupe un peu plus important qui veille à leur exécution et les regarde s’accomplir, et enfin une vaste majorité qui ne sait jamais ce qui s’est produit en réalité.» ....mais qui se conforme.

Nicholas Murray Butler.

 

On aboutit ainsi dans la peinture contemporaine au remplacement de l’art par l’artiste. Comme le constate Jules Romain au travers de Picasso/Ortegal : « La peinture n’existe pas, ce qui existe ce sont les peintres » La modernité artistique est en réalité un culte de la personnalité. Tant que les artistes ont réalisé des œuvres recherchant à reproduire le réel de manière identifiable par tous, c’était par l’œuvre qu’était jugé l’artiste. Avec la modernité artistique, le mécanisme s’inverse. L’artiste d’avant-garde divinise ses œuvres, aucune critique contre elle n’est permise, seule l’adoration est admise.

JEAN LOUIS HARROUEL L’Art contemporain, la Grande Falsification Jean Cyrille Godefroy 2009

 

Aujourd'hui nous ne concevons d'autre art que de contestation, c'est un des signes de notre décomposition. Après tout il y a eu du grand art sur commande, il n'y eut même que cela : Égypte, Mésopotamie, Grèce, Byzance, les Maya, l'Art Chinois, l'Inde, notre Occident chrétien, Renaissant, Baroque et même Classique. C'était beau, c'était commandé, mais les artistes y croyaient.

Jean DUCHÉ. Le Bouclier d’Athéna.

 

 

A première vue on pourrait croire que la peinture contemporaine exposée dans les musées est le produit d'artistes novateurs, provocateurs, cultivant l'invention en même temps que la marginalité. C'est seulement une apparence. En fait il n'en est absolument rien. Les artistes qui sont reçus dans les musées d'art Contemporain sont bien au contraire totalement conformes. Parfaitement Corrects. Ils font partie des artistes qui ont compris le système, et en ont tiré les leçons, pour réussir. Ils sont hyper- intégrés, et d'ailleurs le plus souvent décorés. C'est en réalité une peinture Académique. On entre au musée au 21è siècle comme on était choisi pour exposer au Salon de Paris au 19è siècle. L'Art Contemporain officiel, celui exposé dans les collections permanentes des musées, se veut révolutionnaire, mais il ne l'est aucunement. C'est un faux nez, mais un vrai culte, parfaitement installé, consacré, avec sa phraséologie, son catéchisme et ses intolérances.

Quand les artistes contemporains prétendent "refuser le système" c'est en réalité alors qu'ils entrent dans un système et surtout en instaurent un immensément contraignant et intolérant.

Les notices prétendûment explicatives des musées ne cessent pas de louer "l'iconoclasme et l'activisme" de tel artiste, "la perspective critique" de tel autre, "les audacieuses errances" de A, "l'exemplaire économie de moyens" de B, " les évidentes remises en question" de C, "le refus des compromis" de D, "l'audace conceptuelle" de E, "la vision révolutionnaire" de F.... et ce à l'infini des mots. Le discours plein de louanges mais vide de sens faisant écho à la peinture laide et absurde.

En réalité ces peintres contemporains peignent tout à fait conformément à l'idéologie dominante imposée par un tout petit cercle d'Influents, discrets jusqu'à l'anonymat, qui déterminent la politique et l'art officiel de la société occidentale. Ces artistes ne sont pas plus iconoclastes et activistes que Raphaël ou Rubens l'étaient par rapport à la société de leur temps.

Les artistes contemporains qui entrent dans les musées, ou qui produisent pour le marché de l'art à destination des gens fortunés, sont des personnes dont la réussite sociale est éminente. Des artistes, ce n'est pas certain, mais des gens arrivés, ayant parfaitement compris et maîtrisé les mécanismes de la réussite sociale, en leur temps, c'est évident.

Dans les musées d'art contemporain n'entrent pas les artistes maudits, mais ceux totalement conformes à l'idéologie dominante. Ceux qui ont compris que le nouvel académisme n'est plus le Beau et le Sens, mais le Laid et l'Absurde, que les valeurs ont été inversées, et ont décidé de se conformer au Non Art obligatoire pour réussir socialement.

 

Un des poncifs conformistes les plus répandus est la prétendue "participation" du visiteur à l’œuvre d' art. Plus l'art est absurde, incompréhensible, éloigné des interrogations des citoyens, élitiste, plus il s'affiche "participatif" et "démocratique". Si l’œuvre est une chaise le visiteur est invité à s'y asseoir, si c'est un tapis ou des gravats il doit marcher dessus, si c'est un lit il est impératif qu'il s'y couche pour mieux "communier" avec l'esprit de l'ouvrage d'art et pénétrer plus avant dans le génie de l'artiste créateur. Ressentir l’œuvre d'art de l'intérieur en plongeant dans son intimité, c'est le sommet de l'artistiquement correct.

L'Art Contemporain se veut en rupture avec l'art du passé européen et même mondial. Effectivement il l'est. Il obéit en effet à l'obsession de la philosophie des "Lumières": la Table rase. C'est le seul point sur lequel sa propagande ne ment pas. Le laid et l'absurde n'avaient effectivement encore jamais été un but des artistes européens et même mondiaux

L'Art Contemporain se dit libre et même libertaire, spontanéité, indépendance, imagination, sincérité, anomique... et c'est là qu'il ment. Il est en réalité totalement dirigé, parfaitement conforme, à genoux devant les Éclairés Influents. Il bénéficie de Musées dispendieux, financés sans aucun problème par les élites politiques et économiques de tout l'Occident. C'est une preuve évidente de conformisme, d'académisme. Le seul avantage pour les peuples de ces architectures, c'est qu'elles sont belles, et qu'à ce titre on peut même visiter avec profit leur intérieur. En outre le visiteur ne sera pas dérangé par le public, contrairement au Louvre ou au Rijksmuseum. Sauf quelques scolaires et leurs enseignants, public obligé, personne ou presque. De toute façon l'espace est là, immense. Une salle, 200m2 : 5 ou 6 "œuvres d'art" ! Pas plus. Ce sont des lieux conviviaux ( sauf les œuvres exposées) bien éclairés, confortables l'hiver et frais l'été.

Les vrais peintres réellement novateurs, ayant conservé l'esprit de l'Art Moderne, sont certainement ailleurs que dans les musées d'art contemporain, dans les rues et dans l'art privé. Comme ce fut le cas, un temps d'ailleurs très bref, pour les impressionnistes et les post-impressionnistes, qui créèrent leur art en dehors de l'Académie de peinture de Paris.

 

Une précision d'importance : Les artistes conformes ne sont pas coupables du Non-Art, de l'Art Institutionnel, l'Art Mort qu'on leur impose. Ils sont certes responsables de leur art, et de leurs choix personnels. Des choix de carrière que ne font pas d'autres artistes sincères de l'Art non Institutionnel, de l'Art Dispersé, de "l'Art Caché" pour reprendre une appellation de Aude de Kerros. Mais dans toutes les sociétés, tout au long de l'histoire humaine, il faut constater que l'Art est une décision le plus souvent totalement dépendante des élites idéologiques et politiques. Dans toute l'histoire de la peinture européenne, depuis ses origines, dans tous les pays, l'artiste est conforme politiquement et idéologiquement, ou n'est pas reconnu. L'artiste non conforme, maudit, n'existe pas.

Les premières exceptions notables dans l'histoire européenne apparaissent sans aucun doute durant la période de l'Art Moderne (1850-1950). Une époque pendant laquelle, sauf dans les régimes totalitaires communistes (1917) et nazis (1930), il n'existe pas d'art unique, univoque et pas encore d'art d'état. Une époque pendant laquelle règne une incontestable liberté artistique, un art qui échappe aux dirigeants politiques et idéologiques, trop divisés pour tenir d'une main ferme la création artistique. Les artistes en profitent, l'art aussi, le public de même. D'un point de vue individualiste, non communautariste, la période de l'Art Moderne est en Europe une des grandes périodes de liberté de l'histoire de l'art de la peinture européenne.

A partir des années 1950s en Europe la situation se modifie :

L'Art d’État, l'Art Officiel, Institutionnel, Académique, originaire des USA, s'impose. Il a une caractéristique nouvelle, il n'est plus seulement européen, il est occidental. Et bien plus encore, ses ambitions sont mondialistes. Le mondialisme nait de la conjonction d'une orthodoxie idéologique avec des appétits économiques, qui se renforcent mutuellement. En bref l'impérialisme Mondialiste nait de l'alliance de la mondialisation, phénomène économique, et des "Lumières", phénomène politico-idéologique. L'ensemble est une création occidentale et une forme nouvelle de l'appétit de conquête mondiale. Un appétit qui pourrait rencontrer des résistances hors d'Occident.

Toutefois il faut constater que la société Occidentale, qui est incontestablement la source du phénomène mondialiste, laisse, chez elle, dans le domaine des arts subsister des "réserves" qui se situent en dehors de l'art institutionnel (Cf Art partagé et Arts réservés). L'Art Institutionnel comporte d'ailleurs de nombreux artistes de talent, qui malheureusement se conforment aux diktats officiels, se soumettent comme le dit Christine Sourgins, pour acquérir les honneurs et la célébrité. Ou tout simplement pour être reconnus, parce que c'est plus facile à vivre.

Certains artistes du sérail, eux-mêmes, laissent apercevoir une critique féroce de la société contemporaine et des orientations de l’art contemporain officiel. Comme Joseph Beuys parmi beaucoup d’autres. Par exemple dans une installation exposée au musée de Munich (Art Moderne), et qui est intitulée « la fin du 20è siècle ». Il n’est pas possible d’ exprimer plus clairement une image négative de la société occidentale actuelle. Beaucoup d’artistes contemporains ont utilisé ou utilisent les doctrines de l’art contemporain officiel (provocation, laideur, absurdité) pour faire d’une pierre deux coups : réussir dans le domaine de l’art officiel, entrer dans un musée, ce qui n’est pas rien, et exprimer leur critique à son propos ou à propos de la société qui l’impose. Bref ils retournent l’outil contre lui-même. Mais l’outil ne veut pas le voir, ou fait semblant de ne pas le voir. Ce qui permet aussi de récupérer les critiques.

 

 

PROVOCATION AND CONFORMITY. THE RESPONSIBILITY OF THE ARTISTS.

 

"In the Kafkaesque world of the AC, artists who want to survive have to lower their headswith talent.The talent to submit himself is not given to all."

Christine Sourgins. The Mirages of Contemporary Art. Financial Art. 2018

 

"During the second half of the 20th century the dominant art was fonctionnarisé. The Contemporary Art experts practice the total officialdom: servants of the state, they are according to the careers: curators of museum, Director of Art Centre, curators of exhibitions, historians or critics of art... This little milieu is constantly judge and part, without a state of mind.

"Christine Sourgins the Mirages of contemporary Art. 2018 the round Table.

 

Art continues in the workshops. His artists are absent from institutions, ignored by the media, do not have access to public commissions and are excluded from the channels of consecration, they live with difficulty. They are confronted on a daily basis with the astonishing, alienating and guilt-laden methods of "contemporary art", the only legitimate art.

Aude DE KERROS The Hidden Art. Dissidents of contemporary art. Eyrolles 2013

 

"Contemporary art is an institutional art because its only legitimacy lies in the institutional recognition granted by the state, as was the case in the USSR and as is currently the case in France."

Aude DE KERROS in " The Imposture of Contemporary Art.

 

"The world is divided into three categories of people: a very small number who make events happen, a slightly larger group who oversee their execution and watch them happen, and finally a vast majority who never know what actually happened." ....but who complies.

Nicholas MURRAY BUTLER.

 

In contemporary painting, this leads to the replacement of art by the artist. As Jules Romain notes through Picasso/Ortegal: "Painting does not exist, what exists is the painters" Artistic modernity is in reality a cult of personality. As long as artists have created works that seek to reproduce reality in a way that is identifiable by all, it was through the work that the artist was judged. With artistic modernity, the mechanism is reversed. The avant-garde artist divinizes his works, no criticism against it is allowed, only adoration is allowed.

JEAN LOUIS HARROUEL Contemporary Art, Great Falsification Jean Cyrille Godefroy 2009

 

Today we conceive of no other art than of contestation, it is one of the signs of our decomposition. After all there was great art on command, there was even only art on command : Egypt, Mesopotamia, Greece, Byzantium, Maya, Chinese Art, India, our Christian West, Renaissance, Baroque and even classic. It was beautiful, it was ordered, but the artists believed in him.

Jean DUCHE. The Shield of Athena.

 

 

At first glance, one might think that contemporary painting exhibited in museums is the product of innovative, provocative artists who cultivate invention at the same time as marginality. It's only an appearance. In fact, this is absolutely not the case. The artists who are received in the museums of Contemporary Art are on the contrary totally compliant. Perfectly correct. They are among the artists who have understood the system, and learned from it, to succeed. They are hyper-integrated, and most often decorated. It is actually an academic painting. Artists enter a 21st century contemporary art museum as they did at the Paris Salon in the 1850s. . The official Contemporary Art, the one exhibited in the permanent collections of museums, proclaims itself to be revolutionnary, but it is not at all. It is a false nose, but a true cult, perfectly established, consecrated, with its phraseology, its catechism and its intolerances.

The contemporary artists claim to "refuse the system", but in reality they enter a system and above all establish an immensely restrictive and intolerant one.

The canonization of the "rejection of the system" becomes an institution, an academy and an inquisition.

 

The supposedly explanatory notices (leaflets) of the museums do not cease to praise "the iconoclasm and the activism" of one artist, the "critical perspective" of another, "the audacious wanderings" of A, "the exemplary economy of means"of B, the "challenged evidences" of C, "the refusal of compromises" by D, "the conceptual audacity" of E, "the revolutionary vision" of F .... and this to the infinity of words. The speech full of praise but empty of meaning echoing to the ugly and absurd painting

In reality, these contemporary painters paint perfectly in accordance with the dominant ideology imposed by a small circle of Influential, discretes up to anonymity, which determine the politics and the official art of the Western society. These artists are not more iconoclastic and activists as Raphael and Rubens were in the society of their time.

Contemporary artists who enter museums, or who produce for the art market for wealthy people, are people whose social success is eminent. Artists, it is not certain, but successfull people , having fully understood and mastered the mechanisms of social success, in their time, is obvious.

In contemporary art museums, independent artists do not enter, but artists who fully conform to the dominant ideology. . Those who have understood that the new academicism is no longer the beautiful and the sense, but the ugly and the absurd, that values have been reversed, and have decided to conform to the obligatory Non-Art to succeed socially.

 

One of the most common conformist stereotypes is the so-called "participation" of the visitor in the work of art. The more absurd, incomprehensible, far removed from the questions of citizens, the art is, the more art displayed himself "participatory" and "democratic". If the work is a chair, the visitor is invited to sit on it, if it is a carpet or rubble he must walk on it, if it is a bed it is imperative that he lies down on it to better "communicate" with the spirit of the structure and to penetrate further into the genius of the creative artist. Feeling the work of art from within by immersing yourself in its intimacy is the pinnacle of artistic correctness.

Contemporary Art aims to break with the art of the European and even world past. Indeed it is. It obeys the obsession with the philosophy of the "Enlightenment": "the clean slate". That is the only point on which his propaganda does not lie. The ugly and the absurd had never before been a goal of European and even world artists.

Contemporary Art is said to be free and even libertarian, spontaneity, independence, imagination, sincerity, anomical... And that's when he's lying . He is in fact totally directed, perfectly compliant, on his knees in front of the Influentials Enlightened. He benefits from expensive museums, financed without any problem by the political and economic elites throughout the West. This is clear proof of conformity, of academicism. The only advantage for the peoples of these architectures is that they are beautiful, and as such we can even visit their interior with pleasure. Moreover, the visitor will not be disturbed by the public, unlike the Louvre or the Rijksmuseum. Except for a few schoolchildren and their teachers, the obliged public, nobody or almost nobody. Anyway, the space is there, huge. A room, 200m2: 5 or 6 "works of art"! No more than that. They are friendly places (except for the works on display) well lit, comfortable in winter and cool in summer.

The true and truly innovative painters, having retained the spirit of Modern Art, are certainly elsewhere than in museums of contemporary art, in the streets and in private art. As was the case, for a very short time, for impressionists and post-impressionists, who created their art outside the Paris Academy of Painting.

 

An important point: Compliant artists are not guilty of the Non-Art, the Institutional Art, the Dead Art that is imposed on them. They are certainly responsible for their art, and for their personal choices. Career choices not made by other sincere artists of the non-institutional art, the scattered art, the "hidden art" to use a appellation of Aude de Kerros. But in all societies, throughout human history, do not make it must be noted that Art is a decision that is most often totally dependent on ideological and political elites. In the entire history of European painting, since its origins, in all countries, the artist is politically and ideologically in conformity, or is not recognised. The non-compliant artist, cursed, does not exist.

The first notable exceptions in European history undoubtedly appeared during the period of Modern Art (1850-1950). A period during which, except in the totalitarian communist (1917) and Nazi (1930) regimes, there is no unique, univocal art and no state art.. An era during which there is undeniable artistic freedom, an art that escapes political and ideological leaders, too divided to hold artistic creation with one firm hand. Artists benefit, so does art, so does the public. From an individualistic, non- communautarian point of view, the Modern Art period is in Europe one of the great periods of freedom in the history of the art of European painting.

From the 1950s onwards in Europe the situation changed:

State Art, Official, Institutional, Academic Art, originating from the USA, is imperative. It has a new characteristic, it is no longer only European, it is Western. And even more so, its ambitions are globalist. Globalism is born of the conjunction of an ideological orthodoxy with economic appetites, which reinforce each other. In short, globalist imperialism is born from the alliance of globalization, an economic phenomenon, and the "Lights", a political-ideological phenomenon. The whole is a Western creation and a new form of the appetite of world conquest. An appetite that could meet with an resistance outside the West.

However, it must be noted that Western society, which is undoubtedly the source of the globalist phenomenon, allows, in the field of the arts, to maintain "reserves" that are located outside institutional art (see Shared Art and Reserved Arts). The Institutional Art also includes many talented artists, who unfortunately comply with the official dictates, submit themselves as Christine Sourgins said, to acquire the honors and the celebrity. Or just to be recognized, because it's easier to live with.

Some artists from the seraglio themselves reveal a fierce criticism of contemporary society and the orientations of official contemporary art. Like Joseph Beuys, among many others. For example, in an installation in the Munich Museum of Modern Art, entitled "The End of the 20th Century". It is not possible to express more clearly a negative image of today's Western society. Many contemporary artists have used or are using the doctrines of official contemporary art (provocation, ugliness, absurdity) to kill two birds with one stone: to succeed in the field of official art, to enter a museum, which is no mean feat, and to express their criticism of it or of the society that imposes it. In short, they turn the tool against itself. But the tool doesn't want to see it, or pretends not to see it. This also allows the critics to be recuperated

 

 

 

Done