Pero... ¿esto es arte? 2018. CA2M

"Una escultura haciéndose" con June Crespo. Foto de María Eugenia Serrano Díez.

 

 

INSCRIPCIÓN

 

DIRIGIDO POR SELINA BLASCO

 

Destinado a cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Inscripción a partir del 15 de enero

 

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

 

Abordamos un nuevo curso desde esta pregunta, una duda que llegó con la modernidad, hace mucho, muchísimo tiempo. Sorprendentemente, en la sociedad de híper consumo en la que vivimos, sigue ahí, sin agotarse. La usamos como arma y como escudo, como refugio también. La manipulamos y la manoseamos. Algunas veces, la hemos lanzado desde la incredulidad (porque, no nos engañemos, quien pregunta piensa que la respuesta es no), pero nunca desde la suspicacia. Confiamos en el arte, y sobre todo en lo que tiene de enigma. Por eso la respuesta no tiene por qué ser un sí, ni queremos convencer a nadie de nada. La respuesta es que no hay o, más bien, que no lo sabemos, que no tenemos ni idea.

 

Así que, lo dicho, seguimos instaladas en la pregunta, y en esta edición pensamos en otra vuelta de tuerca. ¿Y si en vez de plantear que hay un determinado tipo de arte que damos por supuesto que es difícil de definir como tal, derribamos las certezas con las que nos acercamos al arte que lleva ahí toda la vida? Presuponer un arte que requiere explicación implica establecer una división entre quien duda y quien tiene las respuestas. Vamos a intentar algo menos categórico. Pensar las prácticas que se asocian a disciplinas asentadas (el dibujo, la pintura, la escultura, los sonidos musicales o el diseño), a soportes, lugares de exposición y públicos que parecen naturales pero, ojo, pensándolo todo desde el aquí y el ahora. Sentirlo como una urgencia renovada. Lo que nos intriga es lo presuntamente evidente.

 

Este curso no tiene título, pero podría ser algo relacionado con el deseo de doblar los haceres del arte. El arte de doblar: un curso de origami.

 

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar en él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la presentación de un tema por un invitado seguida por otra en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las sesiones presenciales se complementan con el trabajo personal de cada asistente en relación a textos que serán entregados antes de cada una de las sesiones del curso.

 

14 FEBRERO

La pintura es misteriosa

Selina Blasco

Siguiendo el hilo de la observación de Ángel González García de que es mejor pintar sin tener ni idea, nos preguntamos: ¿cómo habría que tratar con la pintura? En la charla vamos a intentarlo desde ese no saber, pero situándonos en otro lugar, el de la ignorancia de quien no hace, de quien no pinta nada. Vamos a preguntar a las personas que pintan para ver qué es lo que averiguamos. Ya tenemos una respuesta, y nos gusta tanto que es la que hemos elegido como título de la charla. La cosa promete. También vamos a ingeniárnoslas para construir la narración de este ejercicio de investigación sobre el terreno, de trabajo de campo. La pintura quiere ser tratada.

 

Selina Blasco es profesora de Historia del arte en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid

 

 

21 FEBRERO

Dibujo y cultura visual contemporánea. Una aproximación desde la práctica artística

Azucena Vieites

El trabajo de Azucena Vieites se ha desarrollado en torno a las técnicas y los procesos gráficos de la expresión, acercándose a la cultura visual contemporánea a través del dibujo o la serigrafía. La multiplicidad, el fragmento o la repetición como ruptura con respecto a la imagen absoluta y las formas lineales de narración o el carácter efímero de la obra se ponen de manifiesto como aspectos relevantes en su producción. A partir de algunos ejemplos de su propia práctica y de otras piezas de diversos artistas, elaboradas en esta misma línea, reflexionaremos en esta charla sobre el dibujo como una forma de representación y conocimiento del entorno que nos rodea en relación a un momento del presente.

 

Asimismo, se tratará de relacionar los ejemplos propuestos con algunas cuestiones planteadas por la realizadora alemana Ulrike Ottinger; esta artista trabaja en cada una de sus películas con la intención de encontrar una forma adecuada que tiene que ver con los colores, con el tiempo, con la estructura dramática y con la manera de unir las imágenes.

 

Azucena Vieites es artista y profesora en las facultades de Bellas Artes de Madrid y de Salamanca. Entre sus exposiciones individuales destacan Woollen Body, galería Carreras Múgica (Bilbao, 2015) y Tableau Vivant, Museo Reina Sofía (Madrid, 2013).

 

 

28 FEBRERO

Un carpintero amateur

Carlos Granados

Me gusta pensar ideas y hacer cosas. Pasar de la cabeza a la mano. Y de la mano a la cabeza. De artista conceptual a carpintero ¿Acaso tienen algo que ver el arte y la carpintería? Duchamp dijo que había que viajar sólo con un cepillo de dientes, sin carga. Cuando estudié artes, mis referentes eran este tipo de artistas, tipos que trabajaban con las ideas. Ahora trabajo con el cepillo de desbastar que usaba mi abuelo y al hacerlo pienso en su práctica. De repente me veo acumulando, trabajando la madera, haciendo. Me gustan los proyectos que me llevan mucho tiempo. Hay una frase que dice mi amigo Ángel: mide dos veces, corta una. Esto creo que resume muy bien el trabajo del carpintero. Oficio minucioso, paciente y lento. Y que quede bien.

 

Carlos Granados es uno de los responsables del Departamento de Educación del CA2M

 

 

7 MARZO

Historias silenciadas, sonidos olvidados

José Luis Espejo y Andrea Zarza

¿Cómo se posicionan las personas en el espacio público con sonido? En torno a esta pregunta es posible plantear relatos centrados en el trabajo de los herreros, las campanas y las sirenas, las cencerradas, la protesta, los carnavales y ritos que si no son distintos, al menos son paralelos a aquellos que vertebran la historia de la música y del arte. El sonido, el ruido, el rumor de una comunidad enfurecida y el repiquiqueteo del trabajo son argumentos disonantes, de calado casi arqueológico, a los de la historiografía oficial. En Charivaria, una exposición comisariada por José Luis Espejo y Andrea Zarza en CentroCentro Cibeles entre octubre de 2017 y enero de 2018, se reunieron trabajos que plantean estos conocimientos transferidos, en muchos casos, oralmente o por alegorías, que han sido minorizados por disciplinas académicas. Artistas como Grupal Crew Collective, que toman los sonidos de las fiestas de colectivos sin identidades consagradas, o Cuidadoras de Sonidos, Rafael SMP o Vivian Caccuri, que dan voz a los habitantes de barrios destruidos por el avance de la modernidad, y Xabier Erkizia, que con su estudio sobre la cultura del carro de bueyes, agudiza el oído hacia un sonido desplazado por la hegemonía de lo urbano, tienen claro que sus trabajos amplían nuestra concepción del arte. Los archivos, sonoros y escritos permiten rescatar historias silenciadas y sonidos olvidados para replantear genealogías del arte sonoro o de la música. Un despliegue de contenidos enigmáticos sorprende al visitante y rarifican el espacio de la galería.

 

Andrea Zarza es archivera y licenciada en filosofía. Trabaja como comisaria en el archivo sonoro de la British Library y su sello discográfico Mana Records, llevado junto con Matthew Kent, se dedica a publicar obras que se encuentran en la intersección del sonido contemporáneo y de archivo.

 

José Luis Espejo es parte del equipo de la Radio Reina Sofía, Mediateletipos y el Máster de Industria Musical y Estudios Sonoros en la Universidad Carlos III de Madrid. Ha desarrollado proyectos de comisariado en Madrid y en Donostia-San Sebastián 2016.

 

14 MARZO

Un reclamo de sensualidad

Elena Alonso

La puesta en valor de la artesanía y la lucha contra su desaparición no es una novedad. Ya en los inicios del s. XX, la práctica artesanal se planteaba como la estrategia revolucionaria contra la industralización y el capitalismo, posicionándose contra una imparable deshumanización de la producción y el trabajo. Asignándole atributos como resistencia, habilidad, autenticidad, benevolencia o autodeterminación, se pretendía, más de un siglo atrás, aplacar la desaparición del “hacer” con las manos por la producción en masa.

 

Hoy, frente a la revolución digital y el capitalismo tardío, asistimos a un revival retorcido de estos deseos y problemáticas. El conflicto desemboca en un reclamo de sensualidad desde el cual se vuelve a aludir a la artesanía como exploración de las relaciones “encuerpadas”, la materialidad, el afecto, la ecología, lo local o la inteligencia sensible. Pero se plantean muchas preguntas... ¿Qué tiene de contemporáneo la práctica artesanal? ¿Qué lugar encuentra en el sistema actual? ¿Qué sentido tiene como resistencia? ¿Cual es el impulso vital que nos aferra a ella?

 

En esta sesión veremos ejemplos de artistas y diseñadores contemporáneos cuyos procesos de trabajo están íntimamente ligados a lo artesanal, centrándonos en la materialidad de sus objetos y el carácter afectivo de su producción. Un acercamiento al Arte y el Diseño para pensar sobre el sentido de lo artesanal en la actualidad, lo anacrónico o ineludible de este tipo de prácticas o el mercado del Arte como terreno para mantenerlas. Cuestiones que en definitiva podrían responder también a la pregunta ¿Por qué se sigue pintando o dibujando?

 

Elena Alonso desarrolla su trabajo principalmente mediante el dibujo, relacionándolo con otras disciplinas como la arquitectura, la artesanía o el diseño, y prestando especial atención a las relaciones de afectividad con el entorno. Recientemente ha expuesto de manera individual en Matadero Madrid, Museo ABC y Espacio Valverde.

 

 

21 MARZO

Háztelo tú y házselo a otrxs

Javier Pérez Iglesias y Marta van Tartwijk

Las autoediciones han dado voz a quienes han sentido que tenían algo que decir al margen de los canales establecidos. Por eso hay una tradición en el uso de los fanzines entre comunidades queer, anarquismos, feminismos…

 

Los artistas descubrieron hace ya mucho que un libro podía ser una pieza artística y hasta aquí hemos llegado con una producción cada vez más variada de publicaciones.

 

Hay un encuentro entre lo autoeditado (o editado en los márgenes) y la intencionalidad artística que desborda la idea tradicional de libro que ha sido paradigma en bibliotecas y librerías.

 

Nosotras actuamos en las bibliotecas de dos instituciones muy institucionales, el museo y la academia, pero que tratan de potenciar su porosidad, explorar sus grietas y conectarse con lo que pasa en las calles.

 

Los libros ya no son lo que eran… Las bibliotecas tampoco.

 

Javier Pérez Iglesias es biblioactivista, charlaperformadora, curadora de lecturas, mala catalogadora y peor clasificadora

 

Marta van Tartwijk es entre otras cosas artista a tiempo parcial, bibliotecaria vocacional, autoeditora de fotocopiadora, ingeniera de laberintos bibliográficos, desordenadora de fanzines y catalizadora de meriendas literarias.

 

 

4 ABRIL

Una escultura haciéndose

June Crespo

Planteo una sesión para pensar sobre los aspectos propios de la escultura, compartiendo trabajos que desde diferentes medios abordan lo escultórico. Me interesa una escultura haciéndose, la negociación entre sujeto y objeto que se da en su proceso y como es el primer encuentro con ella. Acercarme a ella, rodearla, alejarme y mantenerme imantada. Desde su superficie a su cuerpo, contorno e imagen.

 

¿Cómo me afecta?¿Qué resonancia física genera en mi?¿Donde me mira?¿Qué movimiento y coreografía provoca? ¿Cómo activa el espacio?

 

June Crespo vive en Bilbao, donde se licenció en Bellas Artes en 2005. Trabaja y expone también en otros contextos internacionales, centrando su práctica en el terreno de la escultura.

 

11 ABRIL

Aquí no hay un sólo lugar que no nos vea

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua

Museo del Prado: coto reservado de eruditos, redil de turistas un poco decepcionados por no poder hacerse selfis con Velázquez, niños a los que hay que explicar de qué alta cultura somos súbditos ignorantes. Perdidos, abrumados y un poco desmaravillados ante las obras del arte de ayer, entre cuyos santos, reyes y vírgenes es tan difícil encontrar un pueblo al que desear pertenecer. Pensamos que todo ya estaría dicho, clarificado, catalogado y periclitado, después de haberle dedicado una lujosa y privilegiada atención que hoy no puede resultar más que anacrónica o complacientemente legitimadora del contexto en el que han ido a parar. No obstante las obras, en la medida en que siguen siendo accesibles a la experiencia, son radicalmente contemporáneas de quien se encuentra con ellas. Se nos ofrecen a los sentidos para que cada cual pueda reconocer, reflejar o refractar un sentido nuevo, no prescrito. Esperan acaso adoptar nuevas vidas, impulsadas por la memoria y la imaginación que aún pueden excitar en nosotros. Siempre abiertos a lo imprevisto de la experiencia -individual o colectiva- que todavía es posible hacer, pese a todo contexto sacralizador de la institución museo y sus vigilantes de dentro y afuera. Lo importante sería intentar intensificar, revivificar y reorganizar el espacio de la atención, la aisthesis y la percepción -tan descuidado en su propia forma material y tan asediado por la modernización que hemos hecho- con el fin de renovar la experiencia de un arte hoy tan extraño como suculento, desde la generosidad de los que se acercan a algo desconocido y se (re)descubren al ser observados por la propia obra que contemplan.

 

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua es artista, profesor e investigador.

 

Más información en actividades.ca2m@madrid.org /

912 760 227

 

 

Destined for any person interested by the current art. No previous knowledge is necessary

Inscription from January 15

 

For the assistance to some free conference the access is free up to completing capacity

 

We tackle a new course from this question, a doubt that came with the modernity, it does a lot of, a lot of time. Surprisingly, in the society of híper I consume in the one through that we live, it continues there, without becoming exhausted. We use it like weapon and as I shield, as I shelter also. We manipulate it and handle it. Sometimes, we have thrown it from the incredulity (because, we do not deceive ourselves, who asks thinks that the answer is not), but never from the suspicion. We trust in the art, and especially in what it has of puzzler. That's why the answer does not have why to be yes, we do not even want to convince anybody in anything. The answer is that there is not or, rather, that we do not know it, that we do not have it does not even design.

 

So, the above mentioned, we remain installed in the question, and in this edition we think about another nut return. And if instead of raising that there is a certain type of art that we give surely it is difficult to define as such, we knock down the certainties with which we approach the art that takes there the whole life? To presuppose an art that needs explanation implies establishing a division between the one who doubts and the one who has the answers. We are going to try something less categorical. To think the practices that collaborate to placed disciplines (the drawing, the painting, the sculpture, the musical sounds or the design), to supports, places of exhibition and public that seem natural but, eye, thinking everything from here and now. To feel it like a renewed urgency. What intrigues us is supposedly clearly.

 

This course has no title, but it might be something related to the desire to double the haceres of the art. The art of turning: an origami course.

 

The CA2M develops a line of activities of formation in contemporary art and thought framed inside the tradition of the popular universities especially directed to young and adult public. In these courses there are tackled some of the fundamental expositions to understand and to interpret the current art, to think about him. These activities consist of two parts: the first one consistent of the presentation of a topic for a guest continued by other one in the one that opens the debate to herself so that the assistants take the word. The meetings attend them they complement each other with the personal work of every assistant as regards texts that will be delivered before each of the meetings of the course.

 

ON FEBRUARY 14

The painting is mysterious

Selina Blasco

Following the thread of the observation of Ángel González García of which it is better to do without having not even idea, we wonder: how would it be necessary to treat with the painting? In the chat we are going to try it from not knowing that one, but being located in another place, that of the ignorance of the one who does not do, of whom nothing does. We are going to ask the persons who do to see what is what we find out. We already have an answer, and we like so much that it is the one that we have elected as a title of the chat. The thing promises. Also we are going to manage them to construct the story of this exercise of investigation on the area, of field work. The painting wants to be treated.

 

Selina Blasco is an Art history teacher in the faculty of Fine arts of the Complutense University of Madrid

 

 

ON FEBRUARY 21

Drawing and contemporary visual culture. An approach from the artistic practice

Lily Vieites

The work of Lily Vieites has developed concerning the skills and the graphic processes of the expression, approaching the contemporary visual culture across the drawing or the serigraphy. The multiplicity, the fragment or the repetition like rupture with regard to the absolute image and the linear forms of story or the ephemeral character of the work are revealed like excellent aspects in its production. From some examples of our own practice and of other pieces of diverse artists, prepared in the same line, we will reflect in this chat on the drawing like a form of representation and knowledge of the environment that surrounds us as regards a moment of the present.

 

Also, it will be a question of relating the examples proposed with some questions raised by the German realizadora Ulrike Ottinger; this artist is employed at each of its movies with the intention of finding a suitable form that has to do with the colors, with the time, with the dramatic structure and with the way of joining the images.

 

Lily Vieites is an artist and teacher in the faculties of Fine arts of Madrid and of Salamanca. Between its individual exhibitions Woollen Body emphasizes, gallery Careers Múgica (Bilbao, 2015) and Tableau Vivant, Museum Queen Sophia (Madrid, 2013).

 

ON FEBRUARY 28

A carpenter amateur

Carlos Granados

I like thinking ideas and doing things. To go on from the head to the hand. And of the hand to the head. Of conceptual artist to carpenter: Perhaps the art and the carpentry have something to do? Duchamp said that it was necessary to travel only with a toothbrush, without load. When I studied arts, my modality was this type of artists, types that were working with the ideas. Now I work with the brush of refining that my grandfather was using and on having done it think about its practice. Suddenly I meet accumulating, working the wood, doing. I like the projects that take a lot of time to me. There is a phrase that says my friendly Angel: it measures two times, cuts one. This I believe that he sums very well the work of the carpenter up. Meticulous, patient and slow office. And that suits.

 

Carlos Granados is one of the persons in charge of the Department of Education of the CA2M

 

ON MARCH 7

Silenced histories, forgotten sounds

José Luis Espejo and Andrea Zarza

How posicionan the persons in the public space with sound? Concerning this question it is possible to raise histories centred on the work of the blacksmiths, the bells and the sirens, the charivaris, the protest, the carnivals and rites that if they are not different, at least are parallel to those that support the history of the music and of the art. The sound, the noise, the rumor of an incensed community and the repiquiqueteo of the work are dissonant arguments, of almost archaeological openwork, to those of the official historiography. In Charivaria, an exhibition comisariada for José Luis Espejo and Andrea Zarza in CentroCentro Cibeles between October, 2017 and January, 2018, there met works that raise this transferred knowledge, in many cases, orally or for allegories, which have been minorizados for academic disciplines. Artists as Group Crew Collective, who take the sounds of the holidays of groups without consecrated, or Careful Sound identities, Rafael SMP or Vivian Caccuri, who give voice to the inhabitants of quarters destroyed by the advance of the modernity, and Xabier Erkizia, which with its study on the culture of the car of oxen, sharpens the ear towards a sound displaced by the hegemony of the urban thing, are sure that its works extend our conception of the art. The files, sonorous and written allow to rescue silenced histories and sounds forgotten to restate genealogy of the sonorous art or of the music. A deployment of enigmatic contents surprises the visitor and they rarefy the space of the gallery.

 

Andrea Zarza is archivera and Bachelor of philosophy. It is employed like police station at the sonorous file of British Library and its record stamp Flows with Records, taken together with Matthew Kent, devotes itself to publish works that are in the intersection of the contemporary sound and of file.

 

José Luis Espejo is a part of the team of the Radio Queen Sophia, Mediateletipos and the Master's degree of Musical Industry and Sonorous Studies in the University Carlos III of Madrid. It has developed commission projects in Madrid and in Donostia-San 2016.

 

 

ON MARCH 14

A sensuality claim

Helen Alonso

The putting in value of the craft and the struggle against its disappearance is not an innovation. Already in the beginnings of the XXth century, the handmade practice was appearing like the revolutionary strategy against the industralización and the capitalism, posicionándose against an unstoppable dehumanization of the production and the work. Assigning attributes to him like resistance, skill, authenticity, benevolence or self-determination, one was trying, more than one century, to appease behind the disappearance of “doing” with the hands for the production in mass.

 

Today, opposite to the digital revolution and the late capitalism, we attend to revival twisted of these desires and problematic. The conflict ends in a claim of sensuality from which it turns to allude to the craft as exploration of the relations "encuerpadas", the materiality, the affection, the ecology, the local thing or the sensitive intelligence. But many questions appear... What does the handmade practice have of contemporary? What place does it find in the current system? What sense does it take as a resistance? Which is the vital impulse that grasps us to her?

 

In this meeting we will see examples of artists and contemporary designers whose work processes are intimately tied to the handmade thing, centring on the materiality of its objects and the affective character of its production. An approach to the Art and the Design to think about the sense of the handmade thing at present, the anachronistic or unavoidable of this type of practices or the market of the Art like area to maintain them. Questions that finally they might answer also to the question: Why does it keep on doing or drawing?

 

Helen Alonso develops its work principally by means of the drawing, relating it to other disciplines like the architecture, the craft or the design, and paying special attention to the affectivity relations with the environment. Recently it has exhibited in an individual way in Slaughterhouse Madrid, Museum ABC and Space Valverde.

 

ON MARCH 21

Do it to yourself you and do it to him to otrxs

Javier Pérez Iglesias and Marta van Tartwijk

The desktop publishings have given voice to those who have felt that they had something that to say to the margin of the established channels. That's why there is a tradition in the use of the fanzines between communities queer, anarchisms, feminismos …

 

The artists discovered it already does much that a book could be an artistic piece and so far we have come with a more and more changed publications production.

 

There is a meeting between the autopublished thing (or edited in the margins) and the artistic premeditation that exceeds the traditional idea of book that has been a paradigm in libraries and bookstores.

 

We act in the libraries of two very institutional institutions, the museum and the academy, but that try to promote its porosity, explore its cracks and get connected with what it happens in the streets.

 

The books are already not what there were … The libraries either.

 

Javier Pérez Iglesias is biblioactivista, charlaperformadora, healer of readings, bad catalogadora and worse sorter

 

Marta van Tartwijk is between other things a part-time artist, vocational librarian, autopublisher of copier, engineer of bibliographical labyrinths, desordenadora of fanzines and catalytic of literary snacks.

 

ON APRIL 4

A sculpture being done

June Crespo

I raise a meeting to think about the proper aspects of the sculpture, sharing works that from different means tackle the sculptural thing. I am interested in a sculpture being done, the negotiation between subject and object that happens in its process and as it is the first meeting with her. To approach her, to surround it, to move away and to be supported imantada. From its surface to its body, outline and image.

 

How does it affect me? What physical resonance does it generate in me? Where does it look at me? What movement and choreography does it provoke? How does it activate the space?

 

June Crespo lives in Bilbao, where he graduated in Fine arts in 2005. It works and exhibits also in other international contexts, centring its practice in the field of the sculpture.

 

ON APRIL 11

There is no only one place that does not see us

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua

Prado Museum: reserved preserve of scholars, fold of tourists a little disappointed for not being able to do selfis with Velázquez, children to whom it is necessary to explain of what high culture we are ignorant subjects. Lost, overwhelmed and little desmaravillados before the yesterday works of art, between which saints, kings and virgins it is so difficult to find a village to which to want to belong. We think that everything it would be already said, clarified, catalogued and periclitado, after having dedicated a luxurious and privileged attention that today cannot prove any more than anachronistic or complaisantly legitimadora of the context in the one that they have gone to stop. Nevertheless the works, as they keep on being accessible to the experience, are radically contemporary of the one who meets them. They offer us to themselves to the senses so that everyone could recognize, reflect or refract a new, not prescribed sense. They hope to adopt perhaps new lives impelled by the memory and the imagination that they can still excite in us. Always opened to the unforeseen of the experience - individual or collective - that it is still possible to do, in spite of everything context sacralizador of the institution museum and its observers of inside and out. The important thing would be to try to intensify, revivify and to reorganize the space of the attention, the aisthesis and the perception - so neglected in their own form material and so besieged by the modernization that we have done - in order to renew the experience of an art today so strangely as succulent, from the generosity of those who approach something unknown and (re) they discover on having been observed by the proper work that they contemplate.

 

PERO… ¿ESTO ES ARTE?a>

 

Done