Violet, Noir, Orange, Jaune sur Blanc et Rouge (Rothko)
Huile sur toile, 207 x 168 cm, 1949, Guggenheim museum, New York.
Avec des peintures telles que Sans titre (Violet, Noir, Orange, Jaune on White et Red), Mark Rothko a atteint son langage mature. Au cours des 20 années suivantes, il explorera le potentiel expressif des champs rectangulaires empilés de couleurs lumineuses. Comme d’autres artistes de l’école de New York, Rothko a utilisé des moyens abstraits pour exprimer des émotions humaines universelles, s’efforçant sincèrement de créer un art d’une intensité impressionnante pour un monde laïc.
Afin d'expliquer le pouvoir de ses toiles, certains historiens de l'art ont cité leur similitude de composition avec la peinture de paysage romantique et la décoration d'autel chrétien. Anna Chave suggère que l’intérêt précoce de Rothko pour l’iconographie religieuse est à la base de ses travaux ultérieurs. Elle voit une référence à une Vierge à l'Enfant dans Sans titre, une œuvre apparemment abstraite qui s'est développée à partir des fantasmes biologiques surréalistes qu'il peignait au début des années 1940. Pour Chave, les peintures matures telles que Sans titre (Violet, Noir, Orange, Jaune sur Blanc et Rouge) englobent métaphoriquement le cycle de la vie du berceau à la tombe, en partie en abritant une référence oblique aux adorations et aux mises au tombeau. Les rectangles empilés peuvent être lus verticalement comme une Vierge abstraite divisée en deux par des divisions horizontales qui indiquent le Christ couché. Même sans l’argument de Chave, il est clair que Rothko espérait exploiter la grandeur de la peinture religieuse. Les principes de frontalité et d'imagerie iconique dans ses œuvres de maturité sont communs aux retables traditionnels, et les deux formats ont des dimensions et des proportions similaires. Souvent plus grandes qu’un être humain, les toiles de Rothko inspirent le genre d’émerveillement et de révérence traditionnellement associé à la peinture monumentale religieuse ou paysagère.
Ce sont les voiles euphoriques de couleurs pures et diaphanes de Rothko qui ont amené les critiques à le féliciter comme un sensualiste et un coloriste, ce qui l’a peiné parce qu’il croyait que ses champions avaient perdu de vue ses intentions sérieuses. Pour lui, les toiles mettaient en scène une violente bataille d’opposés – vertical contre horizontal, couleur chaude contre froid – invoquant les conflits existentiels de la modernité. Les Peintures noires, commencées l’année précédant le suicide de l’artiste, confirment la conviction de Rothko selon laquelle son œuvre englobait la tragédie. La désolation de toiles telles que Sans titre (Noir sur Gris), vidées de leurs couleurs et étouffées par une bordure blanche, plutôt que de suggérer les formes flottantes ou les couches voilées de ses œuvres antérieures, indiquent que, comme l'affirmait Rothko, ses peintures sont la mort (cf. Jennifer Bénédiction, Guggenheim museum).
Violet, Noir, Orange, Jaune sur Blanc et Rouge (Rothko)
Huile sur toile, 207 x 168 cm, 1949, Guggenheim museum, New York.
Avec des peintures telles que Sans titre (Violet, Noir, Orange, Jaune on White et Red), Mark Rothko a atteint son langage mature. Au cours des 20 années suivantes, il explorera le potentiel expressif des champs rectangulaires empilés de couleurs lumineuses. Comme d’autres artistes de l’école de New York, Rothko a utilisé des moyens abstraits pour exprimer des émotions humaines universelles, s’efforçant sincèrement de créer un art d’une intensité impressionnante pour un monde laïc.
Afin d'expliquer le pouvoir de ses toiles, certains historiens de l'art ont cité leur similitude de composition avec la peinture de paysage romantique et la décoration d'autel chrétien. Anna Chave suggère que l’intérêt précoce de Rothko pour l’iconographie religieuse est à la base de ses travaux ultérieurs. Elle voit une référence à une Vierge à l'Enfant dans Sans titre, une œuvre apparemment abstraite qui s'est développée à partir des fantasmes biologiques surréalistes qu'il peignait au début des années 1940. Pour Chave, les peintures matures telles que Sans titre (Violet, Noir, Orange, Jaune sur Blanc et Rouge) englobent métaphoriquement le cycle de la vie du berceau à la tombe, en partie en abritant une référence oblique aux adorations et aux mises au tombeau. Les rectangles empilés peuvent être lus verticalement comme une Vierge abstraite divisée en deux par des divisions horizontales qui indiquent le Christ couché. Même sans l’argument de Chave, il est clair que Rothko espérait exploiter la grandeur de la peinture religieuse. Les principes de frontalité et d'imagerie iconique dans ses œuvres de maturité sont communs aux retables traditionnels, et les deux formats ont des dimensions et des proportions similaires. Souvent plus grandes qu’un être humain, les toiles de Rothko inspirent le genre d’émerveillement et de révérence traditionnellement associé à la peinture monumentale religieuse ou paysagère.
Ce sont les voiles euphoriques de couleurs pures et diaphanes de Rothko qui ont amené les critiques à le féliciter comme un sensualiste et un coloriste, ce qui l’a peiné parce qu’il croyait que ses champions avaient perdu de vue ses intentions sérieuses. Pour lui, les toiles mettaient en scène une violente bataille d’opposés – vertical contre horizontal, couleur chaude contre froid – invoquant les conflits existentiels de la modernité. Les Peintures noires, commencées l’année précédant le suicide de l’artiste, confirment la conviction de Rothko selon laquelle son œuvre englobait la tragédie. La désolation de toiles telles que Sans titre (Noir sur Gris), vidées de leurs couleurs et étouffées par une bordure blanche, plutôt que de suggérer les formes flottantes ou les couches voilées de ses œuvres antérieures, indiquent que, comme l'affirmait Rothko, ses peintures sont la mort (cf. Jennifer Bénédiction, Guggenheim museum).