Coffret à cinq balustres | Case with Five Balusters
Icône au style inimitable, Louise Nevelson est aujourd’hui reconnue comme l’une des sculptrices majeures du XXème siècle. Son art est généralement évoqué à l’aune du cubisme, du constructivisme, de Schwitters, du ready-made ou des pratiques du collage des mouvements dada et surréalistes. Mais ses sources d’inspiration sont bien plus vastes et son œuvre invite à évoluer dans une histoire des arts où la danse et la performance – autour desquels l’exposition s’articule – jouent un rôle de premier plan. Trente ans après sa mort, son héritage continue de résonner auprès de la jeune scène contemporaine, jusque dans le monde de la mode.
L’étude pendant vingt ans de l’eurythmie qui enseigne une expression corporelle dont l’objectif était de découvrir sa force vitale et son énergie créatrice révolutionneront la vie et l’œuvre de Nevelson.
En 1950, sa découverte du Mexique et du Guatemala donnera une dimension monumentale à son œuvre, désormais porté par un mélange de géométrie et de magie. Sous cette double influence émergent ses environnements, progressivement monumentaux, enveloppants, totémiques et sacrés.
Les œuvres sont composées d’objets en bois récupérés qu’elle rassemble dans des boîtes, avant de les empiler et de les peindre en noir, unifiant la composition par un voile monochrome. Au-delà de la synthèse qu’elle opère entre l’art pré-colombien, le cubisme ou encore le mouvement de la color field painting, Nevelson imagine un lieu à explorer plutôt qu’une sculpture à regarder frontalement.
source: www.centrepompidou-metz.fr/fr/programmation/exposition/lo...
DAWN'S WEDDING FEAST
Architecte de l’ombre, Nevelson explore également
les potentialités de la lumière.
Au crépuscule esquissé dans 'Moongarden + One' succède l'aube incarnée dans son premier environnement blanc 'Dawn's wedding Feast' présenté au Museum of Modern Art dans l'exposition "Sixteen Americans" en 1959. Dans l'art de Nevelson, les temps - tel qu'il était envisagé par les Mayas qui lui conféraient des vertus régénératives, une force sacrée - semble s'enrouler sur lui-même en une boucle infinie. La mariée reste introuvable dans cette vaste composition car c'est probablement sa propre union avec la création que Nevelson a voulu représenter. Surpenant la critique, elle enveloppe alors ses sculptures de blanc, couleur plus festive qui donne aussi davantage de tranchant aux formes. Mais si le blanc a la vertu de s'élever dans l'espace, le noir procure une absorbtion presque physique et cette couleur aura toujours sa préférence.
Panneau d'information dans l'exposition, à l'entrée de cette section.
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An icon with an inimitable style, Louise Nevelson is now recognized as one of the major sculptors of the 20th century. Her art is generally discussed in relation to Cubism, Constructivism, Schwitters, the readymade, or the collage practices of the Dada and Surrealist movements. But her sources of inspiration are far broader, and her work invites us to explore an art history where dance and performance—around which the exhibition is structured—play a leading role. Thirty years after her death, her legacy continues to resonate with the young contemporary art scene, even in the world of fashion.
Nevelson's twenty-year study of eurythmy, a method of bodily expression aimed at discovering one's vital force and creative energy, revolutionized her life and work. In 1950, her discovery of Mexico and Guatemala gave a monumental dimension to her work, now imbued with a blend of geometry and magic. Under this dual influence, her environments gradually emerge, becoming monumental, enveloping, totemic, and sacred.
The works are composed of reclaimed wooden objects that she gathers in boxes, before stacking and painting them black, unifying the composition with a monochrome veil. Beyond the synthesis she achieves between pre-Columbian art, Cubism, and the Color Field painting movement, Nevelson envisions a space to be explored rather than a sculpture to be viewed head-on.
source: www.centrepompidou-metz.fr/en/programme/exposition/louise...
DAWN'S WEDDING FEAST
An architect of the shadows, Nevelson also explores
the potentialities of light.
The twilight sketched in 'Moongarden + One' gives way to dawn embodied in her first all-white environment, 'Dawn's Wedding Feast,' presented at the Museum of Modern Art in the 1959 exhibition 'Sixteen Americans.' In Nevelson's art, time—as conceived by the Mayans, who attributed regenerative virtues and a sacred power to it —seems to coil back upon itself in an infinite loop. The bride is nowhere to be found in this vast composition, for it is likely her own union with creation that Nevelson intended to represent. To the surprise of her critics, she began to envelop her sculptures in white, a more festive color that also lends greater sharpness to the forms. But while white has the virtue of rising in space, black provides an almost physical absorption, and this color would always remain her preference.
Information panel in the exhibition, at the entrance to this section.
Coffret à cinq balustres | Case with Five Balusters
Icône au style inimitable, Louise Nevelson est aujourd’hui reconnue comme l’une des sculptrices majeures du XXème siècle. Son art est généralement évoqué à l’aune du cubisme, du constructivisme, de Schwitters, du ready-made ou des pratiques du collage des mouvements dada et surréalistes. Mais ses sources d’inspiration sont bien plus vastes et son œuvre invite à évoluer dans une histoire des arts où la danse et la performance – autour desquels l’exposition s’articule – jouent un rôle de premier plan. Trente ans après sa mort, son héritage continue de résonner auprès de la jeune scène contemporaine, jusque dans le monde de la mode.
L’étude pendant vingt ans de l’eurythmie qui enseigne une expression corporelle dont l’objectif était de découvrir sa force vitale et son énergie créatrice révolutionneront la vie et l’œuvre de Nevelson.
En 1950, sa découverte du Mexique et du Guatemala donnera une dimension monumentale à son œuvre, désormais porté par un mélange de géométrie et de magie. Sous cette double influence émergent ses environnements, progressivement monumentaux, enveloppants, totémiques et sacrés.
Les œuvres sont composées d’objets en bois récupérés qu’elle rassemble dans des boîtes, avant de les empiler et de les peindre en noir, unifiant la composition par un voile monochrome. Au-delà de la synthèse qu’elle opère entre l’art pré-colombien, le cubisme ou encore le mouvement de la color field painting, Nevelson imagine un lieu à explorer plutôt qu’une sculpture à regarder frontalement.
source: www.centrepompidou-metz.fr/fr/programmation/exposition/lo...
DAWN'S WEDDING FEAST
Architecte de l’ombre, Nevelson explore également
les potentialités de la lumière.
Au crépuscule esquissé dans 'Moongarden + One' succède l'aube incarnée dans son premier environnement blanc 'Dawn's wedding Feast' présenté au Museum of Modern Art dans l'exposition "Sixteen Americans" en 1959. Dans l'art de Nevelson, les temps - tel qu'il était envisagé par les Mayas qui lui conféraient des vertus régénératives, une force sacrée - semble s'enrouler sur lui-même en une boucle infinie. La mariée reste introuvable dans cette vaste composition car c'est probablement sa propre union avec la création que Nevelson a voulu représenter. Surpenant la critique, elle enveloppe alors ses sculptures de blanc, couleur plus festive qui donne aussi davantage de tranchant aux formes. Mais si le blanc a la vertu de s'élever dans l'espace, le noir procure une absorbtion presque physique et cette couleur aura toujours sa préférence.
Panneau d'information dans l'exposition, à l'entrée de cette section.
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An icon with an inimitable style, Louise Nevelson is now recognized as one of the major sculptors of the 20th century. Her art is generally discussed in relation to Cubism, Constructivism, Schwitters, the readymade, or the collage practices of the Dada and Surrealist movements. But her sources of inspiration are far broader, and her work invites us to explore an art history where dance and performance—around which the exhibition is structured—play a leading role. Thirty years after her death, her legacy continues to resonate with the young contemporary art scene, even in the world of fashion.
Nevelson's twenty-year study of eurythmy, a method of bodily expression aimed at discovering one's vital force and creative energy, revolutionized her life and work. In 1950, her discovery of Mexico and Guatemala gave a monumental dimension to her work, now imbued with a blend of geometry and magic. Under this dual influence, her environments gradually emerge, becoming monumental, enveloping, totemic, and sacred.
The works are composed of reclaimed wooden objects that she gathers in boxes, before stacking and painting them black, unifying the composition with a monochrome veil. Beyond the synthesis she achieves between pre-Columbian art, Cubism, and the Color Field painting movement, Nevelson envisions a space to be explored rather than a sculpture to be viewed head-on.
source: www.centrepompidou-metz.fr/en/programme/exposition/louise...
DAWN'S WEDDING FEAST
An architect of the shadows, Nevelson also explores
the potentialities of light.
The twilight sketched in 'Moongarden + One' gives way to dawn embodied in her first all-white environment, 'Dawn's Wedding Feast,' presented at the Museum of Modern Art in the 1959 exhibition 'Sixteen Americans.' In Nevelson's art, time—as conceived by the Mayans, who attributed regenerative virtues and a sacred power to it —seems to coil back upon itself in an infinite loop. The bride is nowhere to be found in this vast composition, for it is likely her own union with creation that Nevelson intended to represent. To the surprise of her critics, she began to envelop her sculptures in white, a more festive color that also lends greater sharpness to the forms. But while white has the virtue of rising in space, black provides an almost physical absorption, and this color would always remain her preference.
Information panel in the exhibition, at the entrance to this section.