L'ouverture d'esprit, c'est bien plus important que l'ouverture de sa lentille...

  

Qui-suis-je ?

 

Je fais de la photographie depuis plus de 20 ans. En 2001, j'ai commencé à faire des contrats : mariages, studio, commercial, publications, événements, mais ce que j'aime avant tout, c'est faire de la photo artistique. J'apprécie beaucoup le fait que je suis payé pour faire quelque chose que j'aime, mais le plus grand plaisir de la photo, c'est de le faire pour soi et non pour les autres.

 

Je ne possède pas de diplôme en photographie. Au lieu, j'en ai un en ingénierie. Par contre, je donne des cours de photo avec succès depuis quelques années. J'expose maintenant dans des galerie d'arts. C'est un immense plaisir.

 

 

J'ai un site web plus sérieux, où j'offre mes services de photographe (www.ericconstantineau.com), mais c'est ici, sur flickr, que vous trouverez toutes mes expériences loufoques, comme le développement de photos avec du café, des montages, faire exploser du grain, diverses inspirations, des modification de caméras, etc...

 

Les gens me posent beaucoup de questions à propos de la photographie, je vais essayer d'y répondre ici. En même temps, mes réponses vous montreront qui je suis.

  

==> Qu'est-ce qui fait une bonne photo ?

 

 

Une photo peut être bonne pour quelqu'un et mauvaise pour quelqu'un d'autre. L'appréciation d'une photo est donc lié à l'interprétation et au goût de chaque individu, sans compter le mouvement artistique "en vogue" qui influence ce qui "devraît" être de bon goût...

  

==> Pourquoi tu fais du film ?

 

Depuis quelques années, il y a un réel engouement pour le film, beaucoup de photographes reviennent au film après avoir goûté au numérique. Ce n'est pas pour rien...

 

 

Certaines personnes ne comprendront jamais, car elles n'essayerons jamais le film... Peut-être que ces gens n'ont pas une curiosité artistique assez développée pour apprécier tout le potentiel du film ?

 

Les résultats obtenus avec de la pélicule sont de loin supérieurs au résultats du numérique sur bien des points de vue, parlez-en à Robert Polidori.

 

Par exemple, cette photo de format 4x5, numérisée à 4800 dpi montre énormément de détails. Si vous calculez, ça fait 460 mégapixels. C'est un argument de poids pour ceux qui comparent leurs appareils photo en terme de mégapixels... Vous devriez voir cette diapo en vrai, c'est tout simplement hallucinant !

 

 

Le seul avantage réel du numérique est la rapidité et la facilité avec laquelle on peut prendre et transmettre une photo.

 

Un photojournaliste a toutes les raisons d'utiliser le numérique.

Un artiste a toutes les raisons d'utiliser le film.

 

 

Et l'acte même de photographier avec du film est quelque chose qui se comprend lorsqu'on le fait. C'est tout un univers, complèxe et simple à la fois. Alors à tous ceux et celles qui ne comprennent pas, je dis : essayez, et vous comprendrez !

  

==> Quel appareil photo devrais-je m'acheter ? J'ai un budget de tant...

 

Si vous avez un budget pour vous acheter un appareil photo, les chances sont excellentes pour que vous achetiez plus que vous n'avez réellement besoin... Je peux en témoigner...

 

 

Orientez votre recherche d'appareil photo en fonction de vos besoins plutôt que selon votre budget et vous économiserez sûrement, sauf si vous avez besoin de faire votre "show-off".

  

==> Est-ce qu'un appareil photo plus cher prend de meilleures photos ?

 

À cette question, je répond instinctivement : C'est vous qui prenez les photos et non l'appareil !

 

Depuis environ 10 ans, un paradigme gouverne le marché des appareils photo. Soutenu par une meute de fabricants d'appareils photos, nous sommes tous plongés dans le mythe que plus l'appareil coûte cher ou plus il est récent, et plus les photos qui en sortiront seront meilleures... Ce qui est totalement faux.

 

Voici une photos très intéressantes qui prouvent que la créativité est bien plus importante que le matériel. Cette photo à été prises avec une Holga 120N, un appareil moyen format fait de plastique et qui coûte environ 40$ :

 

 

Ceci est juste pour vous démontrer que l'appareil photo n'est pas important lorsqu'on est créatif.

 

il est évident que les limitations des appareils photo sont différentes, je ne couvrirais pas un mariage avec une "canne" de peinture comme caméra... Mais encore ? :-)

 

La photographie sportive et animalière sont probablement les deux cas les plus coûteux en terme de lentille. Ceci est tout simplement dû au fait que plus quelque chose est loin de la caméra et plus cette chose bouge vite, alors plus on aura besoin de la rapprocher et de la figer dans le temps. Ceci est fait avec des longs téléobjectifs à grande ouverture. La combinaison parfaite pour que ça coûte cher. Ça devient vite ridicule.

 

 

L'autre cas où l'achat d'équipement peut vite venir exponentiel, c'est pour la photographie de studio. On peut se débrouiller avec peu pour pas cher, mais l'équipement professionnel donne certains avantages, comme la rapidité d'éxécution et... ...la crédibilité.

 

 

Pour certains besoins, l'équipement fait la différence. Pour le reste, si vous saviez comment la photographie peut ne pas coûter cher !

  

==> Qu'est-ce qui est le plus important, le côté technique ou le côté artistique ?

 

Depuis plusieurs années, j'ai croisé des photographes qui connaissent par coeur les catalogues d'équipement photo, sans qu'ils soient pour autant capable de faire une seule photo intéressante et j'ai vu des artistes merveilleux qui ne savent pas par quel bout prendre une caméra.

 

Un photographe qui maîtrise la technique n'est rien sans un oeil artistique et un bon artiste gaspille son énergie s'il ne maîtrise pas sa technique.

 

J'ai quand même rencontré des photographes formidables qui manient leurs appareils comme s'il s'agissait du prolongement de leur corps et avec un oeil artistique incroyable. Ces rares photographes "équilibrés" ont leur propre style et nous montrent des photos bouleversantes.

 

Par exemple, cette photo, même si elle est loin d'être un chef d'oeuvre, reste quand même intéressante pour l'oeil avec son fond très doux. L'emphase est bien mise sur le sujet grâce à la perte de luminosité dans les coins et grâce à la petite profondeur de champ.

 

 

Pour arriver à ce résultat, j'ai modifié une Vivitar munie d'un objectif de plastique a focus fixe de 22mm f11. J'ai démonté l'appareil et j'ai changé de manière permanente l'ouverture à f3.5. En modifiant l'ouverture, j'ai modifié la profondeur de champ. Comme tout appareil à focus fixe, la lentille est ajustée à la distance hyperfocale. J'ai calculé cette distance à 4.75 pieds, la zone de nettetée était alors d'environ 3 pieds à l'infini. En modifiant l'ouverture j'ai diminué la zone de netteté à entre 4 et 6 pieds. Le reste devient flou, ou très doux comme ici. Ceci est un exemple de la technique au service de l'art...

 

On aurait pu faire ça avec Photoshop ? Non. On peut s'en approcher, mais ça ne sera jamais comme le faire pour vrai, croyez-moi.

  

==> Comment faire pour s'améliorer ?

 

En deux mots : être curieux.

 

La curiosité intellectuelle nous confronte à toutes sortes de questions au bout desquelles se trouvent de véritables découvertes. Si on n'est pas curieux, on ne s'améliorera jamais.

 

C'est facile à dire, mais plus difficile à mettre en oeuvre.

 

L'apprentissage, la maîtrise et l'approfondissement de la photographie, est une démarche continuelle à la fois technique et artistique.

 

Premièrement, Il faut maîtriser la technique. Lire ou prendre des cours aide énormément.

 

Ensuite, il y a une panoplie de règles artistiques, mais de toute façon on peut très bien les transgresser, si c'est voulu bien sûr... Alors il faut les connaître.

 

L'inspiration est importante, elle se nourrit lorsqu'on regarde ce que les autres font. Pour trouver son style, il est important de regarder beaucoup de photos, celles qui ont été faites par les grands maîtres et celles qui se font actuellement.

 

Et il y a des trucs pour se donner plus de chance, comme :

  

Avoir son appareil avec soi tout le temps

 

Combien de fois j'ai entendu : "J'était là sans mon appareil photo... Avoir eu mon appareil photo j'aurais pris la photo du siècle !"

 

 

Apportez-le avec vous tout le temps. Ça ne veux pas dire que vous ferez de la photo tout le temps. Et si votre appareil est trop lourd, alors achetez-en un deuxième plus léger pour pouvoir le transporter en tout temps. Avec les appareils modernes ultra-compacts, vous n'avez plus d'excuses pour ne pas avoir un appareil photo avec vous tout le temps !

 

Si vous avez vu quelque chose qui vaut la peine de revenir, alors vous y retournerai avec votre meilleur appareil la prochaine fois. La photo, c'est avant tout de la patience...

  

Aller là où il se passe des choses

 

Manifestation, parade, événement, ouragan, un marathonien déguisé en Elvis... Allez-y ! Foncez !

 

  

Partager sa photo avec des amis qui ont la même passion

 

Les clubs, les associations, les amis, c'est important. C'est en photographiant avec les autres qu'on découvre ce qu'on ne voit pas nous-même, c'est très enrichissant.

 

  

Avoir un oeil critique

 

Vous vous souvenez de vos vielles photos ? Vous trouvez sûrement que vos photos actuelles sont bien meilleures qu'il y a un an ? Alors imaginez dans un an !

 

Regardez vos photos avec un oeil critique. N'hésitez pas à aller dans les détails afin de faire encore mieux la prochaine fois.

 

  

==> As-tu des conseils pour un débutant ?

 

Avoir du plaisir

 

Être patient

 

Ne pas oublier que l'équipement n'aide que pour 5% de la photo, le reste, c'est de l'expérience et surtout de la chance !

 

Faire de la photo avec des amis est important :

- on peut comparer notre vision des choses

- on s'entraide

- on s'encourage

 

Ne jamais se laisser décourager par qui que ce soit

 

Lire sur la photographie est important, d'autant plus que la photographie est un art jeune, aussi bien en profiter et essayer de l'apprendre depuis le début.

 

Et ne pas croire tout ce que je dis :-)

  

==> Qu'est-ce que je devrais faire comme projet photo ?

 

Cette question qui peut sembler banale, cache beaucoup d'autres questions :

 

Quels défis devrais-je me donner ?

Quel est mon niveau de connaissances photographiques ?

Qu'est-ce que je veux apprendre ?

Quelles sont mes attentes face à la photographie ?

Quelle est ma démarche artistique ?

 

Ces questions nous plonge dans une réflexion bien plus profonde qu'un simple projet photo. C'est un questionnement très important et il faut prendre le temps d'y répondre. Il faut également se reposer ces mêmes questions plus tard lorsque notre niveau de connaissance augmente.

 

La réponse ?

Elle viendra de vous-même, mais en ce qui concerne les projets photo, il faut savoir doser les défis selon nos connaissances.

 

Ceci est un point très important qui est malheureusement oublié par beaucoup d'entre nous.

 

Peu importe notre niveau de connaissance, il faut savoir se donner les bons défis pour être en mesure d'apprendre et d'évoluer. Si vous pensez à entreprendre un projet photo, prenez votre temps pour réfléchir à ce que vous attendez d'un tel projet.

 

Il faut savoir doser les défis selon nos connaissances. Je ne le dirai jamais assez...

 

Pour comprendre ce que l'apprentissage de la photographie vous réserve, et pour comprendre comment doser les choses, j'introduis ici, un concept psychologique : le flow.

 

"Le flow, littéralement le flux en anglais, est l'état mental atteint par une personne lorsqu'elle est complètement immergée dans ce qu'elle fait, dans un état maximal de concentration. Cette personne éprouve alors un sentiment d'engagement total et de réussite."

Wikipedia (Mihály Csíkszentmihályi)

 

Cet état, c'est comme quand l'appareil photo devient le prolongement du corps et de l'esprit, le photographe ne pense pas aux détails techniques comme l'ouverture ou le temps de pose, tout son esprit est concentré à créer. Le "flow" correspond à l'état d'esprit qui rend possible la création optimale.

 

Voici un graphique mettant en comparaison les divers niveaux de défis et de connaissances.

 

 

Le graphique nous montre des cas typiques :

 

Chez les débutants, il ne faut pas se donner trop de défi, sans quoi on est exposé à l'anxiété, très désagréable et décourageant. Les trop grandes attentes conduisent directement aux déceptions et très souvent, à l'abandon de la photographie. Il ne faut pas non plus, se donner trop peu de défi, sinon on n'avance pas, on se contente alors de faire des photos banales une fois de temps à autre.

 

Chez les photographes avancés (les professionnels sont loin d'être à l'abri), il faut également savoir doser le défi selon nos connaissances.

 

Si on ne se donne pas assez de défi, la photographie devient banale, et on assiste à un relâchement de l'esprit dans lequel la créativité devient presque absente, l'originalité nait lorsqu'on se donne certain défis. Dans cet état, les photographes ont généralement une trop grande confiance en eux et peuvent même devenir sujets à un complexe de supériorité...

 

Pour arriver au "flow", il faut donc avoir un niveau de connaissance élevé et il faut également se donner de gros défis.

 

C'est une chose d'être dans cet état d'esprit, mais il y a des concepts encore plus intéressants qui nous sont démontrés dans ce graphique : les phases d'apprentissage d'un photographe.

 

Une chose très intéressante que ce graphique nous démontre, c'est que le parcours d'apprentissage est parsemé de petites inquiétudes, d'excitations, et d'habitudes qui deviennent des concepts maîtrisés, qui font en sorte qu'on atteint le niveau de connaissance nécessaire pour créer optimalement.

 

Prenez le temps de relire et d'analyser le graphique, en pensant à vos propres expériences. Pensez-y, et vous trouverez comment bien doser vos projets photo, afin d'évoluer et d'atteindre la maîtrise de votre art.

 

La première fois qu'on expérimente quelque chose de nouveau en photographie, nous avons des inquiétudes. Enfin, nous avons la preuve que c'est normal ! Il ne faut donc pas en avoir peur et surmonter nos inquiétudes. En expérimentant, nous surmontons ces inquiétudes, nous apprenons, et par le fait même, nous devenons prêts pour apprendre quelque chose de nouveau.

 

En maîtrisant certains aspects de la photo, on peut se donner de grands défis dans d'autres volets que nous ne maîtrisons pas, c'est très excitant et ça continue de nous faire apprendre pleins de choses. Une excitation qui fait de l'apprentissage quelque chose d'extraordinaire. Les gens qui aiment apprendre ont tous expérimenté cette excitation. Et après de nombreux apprentissages, on peut enfin faire abstraction de nos outils et créer librement.

 

En se donnant des objectifs, des projets, des défis, on devient plus en contrôle de ce qu'on fait, on maîtrise la technique, et si on pousse le défi plus loin, c'est à ce moment que l'appareil photo devient le prolongement du corps et de l'esprit et que l'on peut créer optimalement. Un peu comme une transe, durant laquelle le temps n'est plus apparent, une période créative intense qui mène vers des découvertes fascinantes.

  

==> Pourquoi tu fais des photos moins bonnes qu'avant ? Tu te laisses aller ?

 

Tout comme lorsqu'on transgresse les règles artistiques, on a le droit de faire des photos toutes croches, si on est capable d'en faire des toutes droites...

  

==> Pourquoi tu fais un projet "film 365" ? Ça te donne quoi ?

 

Après quelques années à perfectionner les divers aspects de la photographie, j'ai atteint le point où je maîtrise pleinement la technique ; j'ai su rendre mes photos sans défaut, propres, nettes, bien exposées, sans bruit, parfaites et... ...sans âme !

 

Combien de fois j'ai entendu des photographes juger de la qualité d'une photo seulement que du point de vue technique en oubliant totalement le côté artistique ! On cherche le défaut à la loupe, et c'est normal on est des perfectionnistes...

 

 

Je commençais à me révolter...

 

 

Pour montrer que l'art est plus important que la technique, j'ai commencé à faire des photos de piètre qualité, avec des pertes de luminosité dans les coins, floues, mal cadrées, voire même ratés complètement et ce, volontairement.

 

 

J'ai embrassé le mouvement "lomographique" et la philosophie "shoot from the hip". Ça a été une libération !

 

 

Tant qu'à pousser aux limites de l'automatisme, jusqu'au hasard le plus décadent, j'ai fait un "film swap" avec un ami. On a exposé le même film, 2 fois, dans 2 caméras différentes, sans rien se dire sur ce qu'on prenait en photo...

 

 

En utilisant du film, J'ai renoué avec cette joie immense, celle que j'avais lorsque j'ai commencé à faire de la photographie, la joie presque enfantine d'appuyer sur le déclencheur, sans trop se soucier du résultat.

 

J'ai redécouvert toutes les possibilités qu'offre le film et j'ai commencé à l'inclure dans mes activités de photographie régulières, que j'éxécutais machinalement en numérique. J'ai ressentis le besoin de maîtriser ces aspects, alors en 2009, j'ai fait un projet "film 365". Pendant 365 jours consécutifs, j'ai pris au moins une photo par jour avec un appareil à film.

 

Ce projet m'a fait faire une exploration totale de la photographie : médiums, formats, types de films, de caméras, développeurs maisons, vraiment tout y est passé...

 

 

Le but ultime de ce projet a été atteint. Ce projet m'a permis de maîtriser toutes sortes de techniques que j'utilise maintenant pour m'exprimer.

 

Comme faire de la photographie de mariage avec un viel appareil à film par exemple :

 

 

Je fais beaucoup d'expérimentations et je met mes résultats ici, sur flickr. Les photos résultantes de cette exploration ne sont pas tout le temps jolies, mais elle font partie de ma démarche artistique.

 

 

Voici par exemple, une photo qui a été développée avec du café :

 

 

Et ici, une photo prise avec un film infra-rouge sans couche anti-halo, avec du papier d'aluminium dans le fond de l'appareil pour faire passer la lumière à travers le film une deuxième fois, ce qui donne une sorte de "glow" autour des zones de haute lumière :

 

 

 

J'utilise également du film infra-rouge en format 127 dans une Yashica-44. Je fabrique moi-même mes filtres infra-rouge. Disons que c'est plutôt hors du commun :

 

 

J'ai utilisé à peu près tous les types de films inimaginables, comme du Kodachrome en moyen format qui ne se développe plus depuis au moins 10 ans, je l'ai développé moi-même en noir et blanc.

 

 

J'ai aussi utilisé du film lithographique ISO 6 et je le développe pour avoir des tons de gris, ça donne des résultats un peu métalliques :

 

 

Et avec un sténopé 4x5, c'est encore plus intéressant. voici par exemple une photo exposée pendant une heure :

 

 

En lisant sur l'histoire de a photographie, j'ai été inspiré par les vortographes d'Alvin Langdon Coburn et j'ai essayé d'en faire à mon tour :

 

 

J'ai également été inspiré par Henri Cartier-Bresson. Qui ne l'a pas été un jour ? Les concepts de géométrie et de l'instant décisif sont fascinant...

 

 

...et je dois m'y exercer encore longtemps...

 

  

==> Que fais-tu maintenant en 2010 ?

 

Comme toujours, des projets artistiques, des projets techniques et des projets sociaux.

 

 

Après avoir utilisé plus de 100 appareils photo, je me suis rendu compte que chacun d'eux ont leurs avantages. J'ai également réalisé, que pour certains besoins très spécifiques, il n'existe pas d'appareil photo qui répond à ces besoins. Alors j'ai commencé à fabriquer mes propres appareils photo.

 

Je me suis fabriqué un sténopé à correction de perspective pour faire des photos d'architecture. Un petit appareil 4x5 qui fait tourner les têtes :

 

 

Certains résultats sont spectaculaires :

 

 

Et voici Dorothea, un appareil 8x10 très grand angle avec lequel le zone system d'Ansel Adams est très pratique :

 

 

Voici son effet grand angle, et avec un négatif de cette taille, je peux vous dire qu'il y a beaucoup de détails.

 

 

Voici une diapo de format habituel (35mm) à côté d'une diapo de format 8x10. Vous devriez voir les détails, c'est extraordinaire.

 

 

Côté social, après avoir été dans plusieurs clubs, j'ai décidé de partager ma passion de la photographie dans divers groupes tels que :

 

Les aventuriers de la photo

www.flickr.com/groups/photosafarimtl/

 

Les Rencontres de la Photographie de Montréal

www.rpmtl.com/

 

Merci de votre présence,

 

Eric Constantineau

www.ericconstantineau.com

 

          

...and now, in english...

   

  

Being open minded is much more important than having a big aperture...

  

Who am I?

 

I do photography since at least 20 years. In 2001, I began to do some contracts: weddings, studio, commercial, publications, events, but my delight is artistic photos. I appreaciate being paid to do what I love, but the thing I like the most is doing it for me and not for the others.

 

I do not have a diploma in photography. Instead, I did an engineering degree that serves me well. But, I do give photography courses since a few years, with success. I began photo exhibitions in art galleries, it is an immense pleasure.

 

 

I have a more serious website where I offer my services (www.ericconstantineau.com), but it's here, on flickr, that you will find all my weird experiments, like developing film with coffee, photo-montages, exploding grain, inspirations, camera mods, ect...

 

Many people ask me all sorts of questions about photography, I will try to answer some of them here. In the mean time, these answers will show you who I am.

 

==> What makes a great photo?

 

 

A photo can be good for someone and bad for someone else. The appreciation of an image is linked to its interpretation and taste of each individual. without forgetting the current "en vogue" artistic movement that influence what "should" be of good taste...

  

==> Why do you shoot film?

 

Since a few years now, there is a real craze for film, a lot of photographers are coming back to film after tasting digital. There is a reason for this...

 

 

Some people will never understand, because they will never try it... May be these people don't have their artistic curiosity developped enough to appreciate all the potential that lies in film ?

 

Results with film are way superior that with digital on many point of view, ask Robert Polidori...

 

For example, this 4x5 format photo, scanned at 4800 dpi shows a lot of details. If you calculate it makes 460 megapixels. It's a strong argument for people that compares their cameras using megapixels... You shoud see this slide in real, it's simply stunning!

 

 

The only advantage of digital is the speed and easiness with wich one can take and transmit a photo.

 

A photojournalist has all the reasons to use digital.

An artist has all the reasons to use film.

 

 

And the act itself of shooting film is something that can only be understood when you do shoot it. It's a universe of its own, both complex and simple. So to all of you that do not understand, I say : Go try it, and you'll understand!

  

==> Which camera should I buy? I have a budget of this amount...

 

If you already have a budget for buying a camera, chances are that you will buy more than what you really need. I can tell you...

 

 

Orient you camera search in function of your need and not in function of your budget and you will probably save money, unless you need to show-off.

  

==> Does a more expensive camera makes better pictures?

 

To this question, I always answer this first : It is you who takes pictures and not the camera!

 

Since about 10 years, a paradigm is dictating camera market. Supported by the camera industry, we are all submerged in this myth, we are all convinced that the more expensive or recent a camera is, the better the pictures it will produce. This is totally false.

 

Here is a very interesting picture that proves that creativity is much more important than equipment. It was made with a Holga 120N, which is a medium format camera made out of plastic and that costs about 40$ :

 

 

This is only to demonstrate that the camera is not really important when you are creative.

 

Sure, cameras have different limitations, I woul'nt cover a wedding with a paint can pinhole camera... Mmmm, may be sometime? :-)

 

Sport and wildlife photography are probably the 2 most expensive cases in terms of glass. This is due to the fact that the more that your subject is far and the more it moves fast, then the more we will need to get it closer and the more we will need to stop it. This is done with long telephoto lenses that have big apertures. The perfect combination for a wild pricetag. It goes ridiculous...

 

 

The other case where equipment need can grow exponentially is for studio work. We can manage with less, but professionnal equipment goves some advantages like, time and... ... credibility.

 

 

For certain needs, equipment does the difference. For everything else, if you only knew how photography can be so cheap!

  

==> What is more important, the technical side or the artistic side ?

 

Since many years now, I came across many photographers that knows by heart equipment catalogues, but that are never able to produce a single interesting image. I also came across very good artists that did not knew how to properly use their camera.

 

A photographer that masters the technology is nothing without a good eye. And an artist waistes his energy if he does not masters the technology.

 

I did meet fantastic photographers that handle use their cameras like if it was the extension of their body, and with a tremendous artistic eye. These rare well-balanced photographers each have a style of their own and produce overwhelming images.

 

For example, this photo, even if it's far from being a chef d'oeuvre, is still interesting for the eye, with its soft background. The emphasis is well done on the subject, whit the use of vignette and shallow depth of field.

 

 

To produce this result, I modified a Vivitar camera which has a 22mm f11 fix focus lens. I've disassembled the camera and permanently modified the aperture to f3.5. By doing so, I changed the depth of field. Like all fix focus lenses, it's adjusted to the hyperfocal distance. Here I've caculated it to be 4.75 feet. Depth of field is from around 3 feet to infinity. By modifying the aperture, I've changed the depth of field which is now from 4 feet to 6 feet. Before and after that, it's out of focus, or really soft like here. This is an example of the technical side helping the artistic side...

 

We could have done this with Photoshop? No. We could got a bit close, but it would never be like doing it for real, trust me.

  

==> How can I get better at photography?

 

In two words : be curious.

 

Intellectual curiosity confronts us to a lot of questions which leads to real revelations. If we are not curious, we will never get better.

 

It's easy to say, but more difficult to pick up with.

 

Learning, mastering, and deepening of photography is a continuous process which is both technical and artistic.

 

First one must master the technique. Reading or taking courses helps a lot.

 

Then, there are a good deal of artistic rules, but anyway, we can go against them, if it's on purpose... So one must know them.

 

Inspiration is important, it feeds when we look at others photographs. To develop your style, it is important to look at a lot of pictures, the ones from the masters, and the ones that are done on the present-day.

 

And there are some tips to give us more chance, like :

  

Bring your camera with you all the time

 

How many times I heard : "If only I had my camera with me... If I had it, I would have the best photo of the year!"

 

 

Bring it with you all the time. It does'nt mean that you will do photography all the time. And if your camera is too heavy, buy another one, smaller, so you can bring it with you everywhere you go. With the modern ultra-compact cameras, you don't have any reason not to have a camera with you at all time!

 

If you see something that worths photographing, you will come back with your better camera another time. Photography needs patience...

  

Go where things happen

 

Protest, parade, events, hurricane, or a marathon runner dressed as Elvis... Go ! Just go !

 

  

Share photography with friends that have that same passion

 

Photo Clubs, associations, friends, it's all important. It's by photographing with others that we discover what we don't see ourselves., this is very enlighting.

 

  

Have a critical eye

 

You remember you old photos? You must think that you are much better now that a year before? Can you imagine in another year?

 

Look at your images with a critical eye Don't hesitate to go in the small details so you can do even better the next time.

 

  

==> Do you have tips for a beginnner?

 

Have fun

 

Be patient

 

Do not forget that equipment helps for only 5% of your photo, the rest is experience, and mostly luck!

 

Go out and shoot with some friends it's important :

- we can compare ou visions of things

- there's always place for mutual aid

- it's very stimulating

 

Never let anyone discourage you

 

Read on photography, it's important. Besides, photography is a young art form, it would be a shame not to learn it from its beginning.

 

And don't believe everything I say :-)

  

==> What photo project should I do ?

 

This question which seems insignificant, hides a lot of other questions:

 

What challenge should I give myself?

What are my photographic skills?

What do I want to learn?

What are my expectations?

What is my artistic approach?

 

These questions puts us in a much deeper reflection than just a photo project can. Is is a very important introspection and one must take the time to do it. Also, we must do it again averytime the skill level increases.

 

The answer?

It will come from your inner self. But concerning the photo project itself, one must know how to balance challenge with its skill level.

 

This is a very important point, which is forgotten by too many people.

 

Whatever the skill level, we must challenge ourselves so we can learn and evolve. If you want to begin a photo project, take the time to think about what you expect from it.

 

One must know how to balance the challenge level with the skill level. I will never say it enough...

 

To understand what the learning of photography hides, and to understand how to balance challenge versus skills, I am introducing a psychology concept: flow.

 

"Flow is the mental state of operation in which the person is fully immersed in what he or she is doing by a feeling of energized focus, full involvement, and success in the process of the activity."

Wikipedia (Mihály Csíkszentmihályi)

 

This state of mind is like when the camera becomes part of the human body and soul, the photographer does not think about technical details like aperture or exposure time, all his mind is focussed on creating. Flow is the state of mind which makes the optimal creation possible.

 

Here is a graphic comparing different levels of challenge and skills.

 

 

The graphic shows us typical cases:

 

On the beginner side, one must not challenge himself too much, because anxiety is inevitable, and very discouraging. Too big expectations directly leads to disappointments, and often to giving up on photography. On the other hand, one must not give himself too little challenge. If you do not challenge yourself, your are not going to learn anything, you will do dull pictures from time to time.

 

For advanced photographers (pros are far from being exempt), one must also balance challenge with skill level.

 

Not enoughchallenge lesds to boring photography, we see a spirit too relaxed where creativity is almost absent. originality begins with some challenge. In this state of mind, photographers are generally over-confident, and sometimes they are even prone to a superiority complex disorder...

 

So, to reach "flow", one must have a high skill level, and give himself high challenges.

 

It's one thing to experiment flow, but the graphic shows us some other very interesting concepts : learning phases of a photographer.

 

A very interesting thing this graphic shows us is that the learning path is covered up with worries, excitement, and habits, that becomes mastered concepts, which puts us on a the skill level needed to create optimally.

 

Take the time to read this again, and analyze the graphic thinking about your own experiences. Think, and you will find how to balance you own photo project with you skill level, to reach the the degree of mastery your art deserve.

 

The first time we experiment something new in photography, wehave some worries. At last, we have the proof that this is normal! So, let's not be affraid, experiment, and go over our worries, let's learn, and get ready for the next thing to be learned.

 

By mastering some aspects of photography, we can challenge ourselves in someother aspectswhere we have some weaknesses. This is very exciting and it keeps us learning a lot of new things. This excitement make learning something extraordinary. People that love to learn things have all experiment this excitement. And after many learnings, we can at last make abstraction of our tools and freely create.

 

With the help of goals, projects, challenge, we get more control over what we do, we master the techniques, and when we push our challenge even more is when the camera becomes part of the human body and soul, we can then optimaly create. Like ina transe, in which time is no longer apparent, an intense creative session which leads to some fascinating discoveries.

  

==> Why do you make lower quality photos than you use to? Are you tired?

 

Like when we go against artist rules, we have the right to do "shitty" stuff, if we are capable of doing the good stuff...

  

==> Why are you doing a "film 365" project?

 

After I took a few years to improve several aspects of photography, I have reached the point where I fully master the technical side ; I was able able to produce images without flaws, nice, sharp, well exposed, without noise, perfect and... ...dull!

 

How many time I heard people judge an image on the technical aspect only, totally forgetting the artistic point of view! We are looking for little defects with a magnifying glass, it's normal, we are perfectionnists...

 

 

I was beginning to rebel...

 

 

To show people that art is more important than technic, I began to make poorer images, with vignetting, out of focus, badly framed, even totally ruined, on purpose.

 

 

I embraced the "lomography" movement, and its "shoot from the hip" philosophy. This was a liberation!

 

 

And why not push the automatism to the limits, to the most decadent pure luck, I did a "film swap" with a friend. We each exposed the same film in our different cameras, without telling the other what we will shoot...

 

 

By using film, I reunited with this pure joy, the one I had when I began photography, this childlike bliss of pressing the shutter, without bothering of what will be the result.

 

I rediscovered all the possibilities that film offers, and I began to include film in my regular photographic activities, which I always did all digitally. I felt the need to master the technical aspects of film, so in 2009, I began my "film 365" project. Since January first this year, I have to take at least one picture per day, with film.

 

This project is a total exploration of film photography : mediums, formats, film types, cameras, home made developpers, really, everyting is dealt with here...

 

 

The ultimate goal of this project is to master all these technologies, so that in the future, I will have more choices available to express myself.

 

Like covering a wedding with a vintage camera for example :

 

 

I do a lot of experiments, and I put the results here, on flickr. The photos resulting from these experiments are not always nice, but they are a part of my artistic approach.

 

 

For example, here is a photo that was developped with coffee:

 

 

And here, a photo taken with an infrared film without anti-halation layer, and with aluminium foil in the camera back so the light goes twice through the film, which gives a kind of glow around highlights:

 

 

 

I also use infrared film in 127 format in a Yashica-44. I make my own infrared filters. Let's say that's quite uncommon:

 

 

I have used close to all types of film imaginable, like Kodachrome in medium format, which can't be process anymore for at least ten years. I did process it myself in black and white.

 

 

I also used lithographic film at ISO 6, and I process it to have all the shades of grey possible, there is a kind of metallic twist to it:

 

 

And with a 4x5 pinhole, it's even more interesting. Here is a one hour exposure photo:

 

 

Through my readings in photography history, I was inspired by the vorthographs of Alvin Langdon Coburn, and I tried to make some:

 

 

I also was inspired by Henri Cartier-Bresson. Who was'nt at some point? The concepts on geometry and decisive moment are fascinating...

 

 

...and I must practice again for a long time...

 

 

This immense project takes me on many roads. To this day, I have used 86 different cameras, and they all have a little someting to learn from.

 

 

After using more than 100 cameras, I realized that each one of them have its advantage. I also understood that for some very specific needs, no camera exists. So I decided to build my own cameras.

 

I made myself a perspective correction pinhole camera especially made for architecture. A small camera that get a lot of attention:

 

 

Some of the results are spectacular:

 

 

And here is Dorothea, an 8x10 ultra wide angle view camera, with whith Ansel Adams' Zone System is very useful:

 

 

Here you can see its wide angle effect, and with a negative this big, I can tell you that there are a lot of details.

 

 

Here is a normal 35mm slide, side by side with a 8x10 slide. you should see the details, is extraordinary.

 

 

On my social side, after being in a few photo clubs, I've decided to share my passion in some groups like:

 

Les aventuriers de la photo

www.flickr.com/groups/photosafarimtl/

 

Les Rencontres de la Photographie de Montréal

www.rpmtl.com/

 

Thanks for being there,

 

Eric Constantineau

www.ericconstantineau.com